Motor Pasión(A.Otero) — En 1997 uno de los Aston Martin DB5 utilizados durante el rodaje de ‘Goldfinger’ fue robado y durante más de 20 años se perdió su pista. La historia da para película y aún continúa, pues afirman que podría haber sido visto en Oriente Medio.
Aunque el misterio aún no ha sido resuelto porque este automóvil aún no se ha localizado propiamente y, de hecho, se ofrece una recompensa de 100.000 dólares a quien de algún tipo de información o dato sobre su paradero. Una cifra a la baja si se tiene en cuenta que su valor podría fijarse en 25 millones de dólares.
Sigue así la leyenda de esta unidad del que es uno de los coches de película más famosos de todos los tiempos y que ha acompañado a James Bond en hasta ocho entregas incluyendo la última ‘No time to die’, que se estrenará este otoño.
Pero empecemos por el principio.
El último paradero conocido de nuestro hoy protagonista fue un hangar de aviones privados del aeropuerto de Boca Raton (Florida). Pertenecía al coleccionista y empresario Anthony Pugliese, que se hizo con este modelo en 1986 por 275.000 dólares en una subasta de RM Sotheby’s celebrada en Nueva York.
Pero en 1997 desapareció sin dejar rastro y se barajaron toda clase de teorías: desde que fue robado por otro coleccionista, hasta que el propio Pugliese simuló el robo para cobrar el seguro (recibió 4,2 millones de dólares tras su desaparición), pasando por que los ladrones se asustaron y lo tiraron al mar desde un avión de carga.
Que esta historia haya vuelto a ser noticia se debe a que es protagonista de un podcast recién estrenado este mes de agosto y bautizado como ‘The Great James Bond Car Robbery’. En el mismo, la actriz británica Elizabeth Hurley busca arrojar luz sobre esta enigmática historia y cuya investigación comenzó en 2018.
Y es que fue hace cuatro años cuando la firma Art Recovery International, cuyo hacer se centra localizar objetos de deseo desaparecidos, recibió el chivatazo de que este automóvil, con chasis tipo DP/216/1 y con el mismo VIN (el cual no revelan), podría haber sido visto en Oriente Medio. Desde entonces sigue buscando sin descanso este modelo.
El CEO de esta empresa, Christopher Marinello, y que es entrevistado por la actriz en el podcast, también ha prestado declaraciones a The Telegraph, facilitando más datos sobre su investigación que se centra en países como Dubai, Arabia Saudí y Bahrein.
«Hay grandes coleccionistas de automóviles en esos países y tengo informaciones de que el automóvil podría estar en uno de ellos e incluso puede haber viajado entre los mismos», explica al medio británico.
Además destaca que no cree que su actual propietario sepa que fue robado y que tiene esperanza de que «se presente voluntariamente». No en vano, al tratarse de una unidad tan perseguida, quien lo tenga en su poder no puede exhibirlo públicamente: «No puede viajar fuera de su ubicación actual ni mostrarse en un museo, así que ¿por qué no acercarse y resolver esto?», argumenta Marinello.
Es por ello que Art Recovery International ofrece una recompensa de 100.000 dólares a quien aporte información sobre el coche, que fue avistado en un entorno privado. Y Marinello presume de que está recibiendo ayuda de investigadores, policía y diplomáticos de todo el mundo para dar con él: «Nos estamos acercando cada vez más. Estoy esperando a que suene mi teléfono».
El coche por excelencia de 007
Este Aston Martin DB5 fue una de las dos unidades utilizadas para las escenas de acción de ‘Goldfinger‘, aunque también estuvo presente en el rodaje de ‘Thunderball’. Otras dos unidades fueron concebidas para el film, pero se utilizaron para actos promocionales.
Las dos presentes en la grabación de la película iban equipadas con los gadgets del coche de 007, como los asientos propulsables, ametradolladoras, los sistemas de expulsión de aceite y humo traseros, o las cuchillas retráctiles, entre otros.
Una de ellas se subastó hace dos años, precisamente en la Monterey Car Week por RM Sotheby’s, ascendiendo la puja ganadora a casi 6,4 millones de dólares.
Tanto en ésta como en la desaparecida, cuando se adecuaron para venderse y poder circular por carretera, los gadgets fueron sustituidos por réplicas de simulación al estilo de los que equipa el Aston Martin DB5 Golfinger Continuation, una edición limitada a 25 unidades que el programa de restauración de Aston Martin ha lanzado recientemente.
Aston Martin DB5 Golfinger Continuation
En el momento en el que el DB5 pasó a ser la montura de James Bond en ‘Goldfinger’, aún con Sean Connery en los zapatos de 007, comenzó un idilio entre el espía y la firma británica, en particular con este modelo aunque otros de la marca han acompañado al personaje.
Así, lo hemos visto en ocho películas de esta exitosa franquicia, incluyendo cuatro de las cinco últimas ya con Daniel Craig interpretando al agente secreto. Además, como curiosidad señalar que en dos de ellas, ‘Skyfall’ y ‘Spectre’, luce la misma matrícula BMT 216A que en la originaria ‘Goldfinger’ (también presente en el DB5 Golfinger Continuation de exhibición).
Y es que el director de estos dos films, Sam Mendes, ha recurrido en ambas películas a no pocos guiños a las primeras entregas, un testigo que ahora toma Cary Joji Fukunaga en ‘No time to die’ aunque no con el DB5, pero sí con el V8 Vantage que porta la misma placa que el de ‘007: Alta Tensión’ (‘The Living Daylights’).
Sea como fuere, veremos como acaba este misterio y si finalmente se encuentra el DB5 original de Bond perdido…
marcianosmx.com — Quizá nunca lo notaste, pero así ha sido todo el tiempo. Ahora mismo puedes buscar cualquier anuncio de reloj de las grandes marcas en revistas, periódicos o en Internet, y verás que en un 99% de las veces está marcando la misma hora: 10:09.
Pero tranquilo, esto no se trata de ninguna conspiración, pacto demoniaco de los primeros relojeros ni de una práctica relativa a los Illuminati. Es más, existe una explicación muy simple y creíble para esto.
En el año 2008 Andrew Block, en ese entonces vicepresidente de Tourneau, una de las tiendas más grandes y prestigiadas de relojes en el mundo, dijo en una entrevista a The New York Times que se trata de una regla no escrita de la publicidad.
“Los nombres de las marcas generalmente se ubican en el centro de la parte superior del mostrador”, continua.
“Marcar las horas 10:09 – o 10:10 – sería una forma de encuadrar la marca para los que trabajan con publicidad”.
Pero aún existe otra característica que influye en la adopción de las 10:09. Según Susanne Hurni, jefa de publicidad y marketing en Ulysse Nardin, “existe la estética de un rostro sonriente a las 10:09, por lo que hacemos lo posible por remarcarla”.
Está justo aquí:
Por supuesto, en ocasiones se hacen algunas excepciones debido a los mostradores extras que algunas piezas poseen, pero la gran mayoría sigue estas reglas estéticas.
Infobae(M.Bauso)/abc/wikipedia — La anécdota se contó muchas veces. La versión que quedó cristalizada es la de Keith Richards en su autobiografía Life. En 1984, una gira llevó a los Rolling Stones por Amsterdam.
Mick Jagger y Keith salieron después del show. Volvieron al hotel ya de madrugada. Estaban eufóricos. Gritaban, se empujaban, planeaban grandes canciones. A esa hora y en ese estado todas las ideas parecen geniales.
Mick dijo que tenía que probar una canción que se le había ocurrido, que eso no podía esperar. Levantó el teléfono y llamó a la habitación de Charlie Watts. Keith trató de disuadirlo. Eran las 5 de la mañana. Charlie dormía desde hacía varias horas.
Atendió y escuchó que del otro lado, Jagger le decía: “¿Cómo está mi baterista?”. Watts no respondió y colgó.
Jagger y Richards siguieron divirtiéndose en la habitación hasta que veinte minutos después los interrumpieron unos enérgicos golpes en la puerta.
Cuando Mick abrió se encontró a Charlie frente a él. Estaba impecable, como siempre. Camisa planchada, corbata con el nudo perfecto, pantalón pinzado y los zapatos destellantes. Pero todo eso no lo pudo notar Mick, ni siquiera se llegó a asombrar porque su compañero no tenía pijama.
Charlie Watts le pegó una trompada sin siquiera saludarlo o insultarlo. Un furibundo cross en la mandíbula que desparramó a Jagger en la mullida alfombra. Antes de irse, Charlie se acercó a él y con un dedo apuntándole a centímetros de la nariz le dijo: “No te lo olvides más: no soy tu baterista”. Y volvió a dormir un rato más.
Keith Richards contó que el enojo le duró casi un mes y que los compañeros debieron contenerlo en más de una oportunidad.
El grupo de rock inglés, en 1963. De izquierda a derecha: Mick Jagger, Charlie Watts, Brian Jones, Keith Richards y Bill Wyman
La historia grafica algunas de las principales características del baterista de los Rolling Stones: el cuidado al vestir, las pocas pulgas, su importancia en el grupo, la fuerza de sus brazos.
Charlie Watts murió a los 80 años. La tranquilidad y la quietud que siempre mostró no le llegaron con los años. La fama, los millones, los estadios desbordantes no cambiaron su forma de ser. Era el Rolling Stone discreto, quieto. El hombre sin estridencias pero con atributos.
A principios de los años sesenta, Charlie Watts ya era un baterista conocido en el circuito de R&B de Londres.
Tocaba en varias bandas, entre ellas la más importante era Blues Incorporated, que integraban varios músicos que luego harían una gran carrera: su líder Alexis Korner y Jack Bruce (Ginger Baker, también integrante de Cream como Baker, reemplazó a Watts tras su partida).
El grupo de rock, en Nueva York
Al mismo tiempo se ganaba la vida como diseñador gráfico. Keith Richards y Mick Jagger lo querían en su banda: “Pensábamos que había sido tocado por la gracia de Dios”, escribe Keith. Sabían que era el mejor baterista del ambiente.
Cuando se acercaron a él, Watts les hizo una pregunta prosaica: “¿Vamos a ganar plata?” Porque yo necesito cobrar. Vivo de esto”.
Él necesitaba al menos que le aseguraran dos shows semanales. Pero cuando empezaron a tocar juntos hubo algo que al principio no funcionó del todo bien. Las partes no conseguían congeniar. Mick y Keith buscaban más energía, algo más musculoso.
“Charlie tiene swing. Pero todavía no tiene el sonido correcto”, anota Keith en su diario. Ellos creían que no sabía rockear. A las pocas semanas el tándem con Bill Wyman se había afianzado y los Rolling Stones descansaban en su baterista tranquilo.
El 2 de febrero de 1963, Keith anota en su diario que su banda dio un show magnífico. Se lo lee exultante. La base rítmica ya es la clásica: Bill Wyman y Charlie Watts. Los Rolling Stones tomaban su fisonomía definitiva.
Andrew Loog Oldham, productor en los sesenta de la banda, cuenta en Rolling Stoned, su libro de memorias, la primera vez que vio a Charlie Watts tocando con los Stones y la impresión que le causó: “El baterista parecía haber sido transportado por un rayo y daba la impresión de no escuchárselo tanto cómo se lo sentía. Yo disfrutaba la presencia que aportaba al grupo, así como su forma de tocar.
A diferencia de los otros cinco que no tenían saco, él tenía los dos botones superiores del suyo meticulosamente abrochados por sobre una pulcra camisa de cuello con botones y una corbata, conjunto indiferente a la temperatura de la sal.
Tenía el cuerpo detrás del set de batería y la cabeza girada a la derecha, con un distante y calculado desdén. Era el único, el eterno hombre de su propio mundo, caballero del tiempo, del espacio y el corazón. Había conocido a Charlie Watts”.
El estilo de Watts mezclaba el jazz con el rock. Tenía personalidad y sutileza. Y mucho sentimiento. En cada tema hizo lo que su banda necesitaba de él. Y contaba con una virtud fundamental de la que carecen la mayoría de los que tocan su instrumento: no era para nada pretencioso.
Su origen de baterista de jazz se notaba en el escenario. Estaba en la economía de gestos, en el ritmo diferente, en la falta de rigidez. Keith dijo: “Tiene controlado el sentimiento, la soltura, y ahorra mucho. Como él es un baterista de jazz, nosotros en el fondo somos una banda de jazz”.
Los bateristas siempre fueron los relegados. Los que no cantan, los que están detrás de todo, ocultos entre los parches y platillos. Son el soporte rítmico (y hasta moral) de las bandas. En los que todos se apoyan. Un puesto diferente, solitario.
Las tácticas que han utilizado a lo largo de los años para hacerse notar, además de los extensos solos, demostraciones más musculares que musicales, han sido similares. Una especie de tradición entre los bateristas de las grandes bandas es estar siempre del lado de los excesos. Un linaje: Keith Moon, John Bonham y hasta Ringo Starr.
Los Rolling, en Londres en 1963
Charlie Watts se ubicó en las antípodas. Prefirió pasar desapercibido. Él hizo su trabajo con precisión y cierta gracia pero sin morisquetas, sin fuegos artificiales. Una buena demostración de ello fue su set de batería. Hace décadas que los bateristas se refugian en una parafernalia monstruosa con equipos desmesurados que parecen grandes acorazados.
Charlie siempre siguió tocando con su set básico, con no demasiadas incorporaciones a su equipo de los sesenta. Con lo que tenía le bastaba para tirar para adelante, para sostener a la banda de rock más poderosa de la historia.
“De no haber sido por Charlie, yo nunca hubiera seguido aprendiendo y creciendo. Charlie con el equipo básico que tiene puede empujar lo que quiere. Nada ostentoso pero cuando empieza a tocar es una bomba”, explicó Keith Richards.
Charlie no tenía pinta de rockero. Alguien lo podría confundir con un escribano, un banquero o un terrateniente. Vestía siempre de manera impecable.
No se permitía aparecer en público desalineado (después de conocer la anécdota con Jagger y la trompada de madrugada hasta podemos decir que tampoco en privado). Varias veces fue distinguido por las revistas de moda por su manera de vestir.
Estaba casado desde 1964 con la misma mujer, Shirley Ann Shepperd. El peor momento lo pasaron a principios de la década del ochenta. Una crisis personal llevó a Charlie a involucrarse con el alcohol y las drogas. Fueron tres años en los que el consumo estuvo a punto de apoderarse de él. Pero con el apoyo de Shirley pudo salir adelante.
Cuando los Stones se dispusieron a grabar en una mansión francesa Exile in The Main Street, Charlie alquiló una vivienda a cientos de kilómetros del lugar. Fue el único de la banda que decidió no vivir allí. Sólo iba a las grabaciones. “Odio dejar mi casa. Amo lo que hago pero disfrutó mucho más dormir cada noche en mi casa”, declaró.
Vivía con Shirley en Devonshire, Inglaterra. La fortuna que alcanzó se calcula en los 200 millones de dólares.
Los Rolling Stones anuncian su gira ‘Bridges to Babylon’ en una rueda de prensa celebrada debajo del Puente de Brooklyn, en el distrito de Brooklyn de Nueva York, el 18 de agosto de 1997
Una imagen, un rito de Watts describe de manera cabal los hábitos que mantuvo en las giras alocados de los Rolling Stones, repletas de historias legendarias en las que se mezclan de la manera más impensada drogas, excesos, groupies y destrozos.
El baterista tenía la costumbre de dibujar cada una de las enormes suites que visitaba en sus giras. El resto durante décadas (ya no: los años pasan para todos) destrozaban esa mismas habitaciones. Charlie, a diferencia de sus compañeros, no demolía hoteles: se la pasaba dibujando hoteles.
Estas diferencias, muchas veces ostensibles, con el resto de sus compañeros de banda sólo le hicieron ganar el respeto del resto. Y lo convirtieron en la voz confiable, en el razonamiento ecuánime en los momentos álgidos. Era a quien recurrían cuando había un problema interno serio.
Sabían que Charlie era el único que lo podía resolver. Cuando Bill Wyman dejó la banda, después de considerar varios candidatos, el elegido fue Darryl Jones. Mick y Keith dejaron que la decisión final la tomara Charlie. Por un lado confiaban plenamente en su criterio; por el otro, era lo más razonable que el otro integrante de la base rítmica eligiera a su ladero.
En 2004 padeció un cáncer de garganta. Mientras atravesaba la enfermedad sus compañeros le dijeron que tenían un disco nuevo pero que no iban a grabar hasta que él regresara. Así que A Bigger Band tuvo que esperar a que Charlie se restableciera.
Como también ocurrió en los Beatles, ante las constantes peleas del dúo de compositores, el primero en abandonar el grupo porque el clima de trabajo era nocivo, fue el baterista. Igual que en el caso de Ringo, el resto de la banda fue a buscar a Charlie para que regresara.
Hace unos años le preguntaron sobre el posible final de los Rolling Stones: “Amo a Mick, a Keith, a Ronnie y me gusta mi trabajo. Pero si se acaba no pasa nada. Puedo seguir viviendo sin los Stones”, dijo.
Charlie Watts fue el héroe accidental. El que no estaba diseñado para triunfar, el que de manera natural le escapó al estruendo. Fue desde hace casi sesenta un Rolling Stone, el Rolling Stone en el que descansan los demás, el que les permitía la libertad de correr y volar por el escenario mientras él los miraba y les cuidaba las espaldas.
En esta imagen tomada el 12 de julio de 2012, la banda posa a su llegada a Somerset House, en el centro de Londres, antes de una fiesta para celebrar el lanzamiento del libro ‘Rolling Stones 50’ y una exposición fotográfica
Desde su ingreso en enero de 1963, y hasta su fallecimiento, permaneció en el grupo, formando con el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards la asociación más duradera en la historia del rock. Según afirmaciones de Jagger y Richards, Watts era el verdadero líder de la banda.
Con una formación de artista gráfico, comenzó a tocar la batería en los clubes rhythm and blues de Londres, donde conoció a Brian Jones, Mick Jagger y Keith Richards. En enero de 1963, se unió a su incipiente grupo, The Rolling Stones, ejerciendo el rol de baterista y diseñador de portadas de sus álbumes y escenarios de gira.
También ha girado con su propio grupo, Charlie Watts Quintet, apareciendo en el Ronnie Scott’s Jazz Club de Londres con Charlie Watts Tentet.
El músico junto a su guardaespaldas.
En 2006, Watts fue elegido como miembro en el Salón de la Fama de la revista Modern Drummer; en el mismo año, Vanity Fair lo incluyó en el Salón de la fama internacional de los mejores vestidos. Según el reconocido crítico musical Robert Christgau, Watts es «el mejor baterista de rock».
En 2016, ocupó el puesto 12 en la lista de los «100 mejores bateristas de todos los tiempos» de la revista Rolling Stone.
Biografía
Nació el 2 de junio de 1941 en el University College Hospital de Londres, Reino Unido. Hijo de Charles Richard Watts, un camionero del London, Midland & Scottish Railway, y su esposa Lillian Charlotte Eaves. Se crio, junto con su hermana Linda, en el distrito Kingsbury. Asistió a la Escuela Tyler’s Croft Secondary Modern School entre 1952 y 1956; Como un colegial, mostró un talento para el arte, el críquet y el fútbol.
Sobrio hasta el su equipamiento, Charlie Watts marcó el pulso en el que descansaron los demás músicos de los Rolling
Durante su infancia vivió junto con su familia en una casa prefabricada, en el 23 de Pilgrims Way en Wembley. Muchas de las casas de la zona habían sido destruidas por bombardeos alemanes durante la Segunda Guerra Mundial.
Un vecino de Watts, Dave Green, quien vivía al lado, es amigo de la infancia y lo siguieron siendo toda la vida; Green se convirtió en un bajista de jazz. Green recuerda que «cuando éramos niños, descubrimos discos de 78 rpm. Charlie tenía más discos que yo… Solíamos ir a su habitación y sacar estos discos».
Los primeros discos de Watts eran grabaciones de jazz; recuerda haber tenido registros de 78 RPM de Jelly Roll Morton y Charlie Parker. Green recuerda que Watts también «tenía uno con Monk y Johnny Dodge Trio. Charlie estaba por delante de mí en la escucha y las adquisiciones».
Cuando Watts y Green tenían alrededor de trece años, Watts se interesó en tocar la batería «Compré un banyo y no me gustaron los puntos en el cuello. Así que me quité el cuello y, al mismo tiempo, escuché a un baterista llamado Chico Hamilton, que tocaba con Gerry Mulligan, y quería tocar así, con pinceles. No tenía un tambor, así que puse la cabeza del banyo en un soporte».
Mick Jagger, Charlie Watts y Keith Richards en Abu Dhabi, febrero 2014
Sus padres le compraron su primera batería en 1955; estaba interesado en el jazz y practicaba junto con los discos de que coleccionaba.
Green y Watts comenzaron sus carreras musicales juntos en 1958, tocando en una banda de jazz en Middlesex llamada Jo Jones All Stars hasta 1959. Watts comenzó con el rhythm and blues sin conocerlo, comentando: «Me metí en el rhythm and blues. Cuando me pidieron que tocara, no sabía qué era. Pensé que se refería a Charlie Parker, así que toqué lento».
Después de completar la escuela secundaria, se matriculó en Harrow Art School (posteriormente absorbida por la Universidad de Westminster), a la que asistió hasta 1960.
Después de abandonar la escuela, Watts trabajó como diseñador gráfico para una empresa de publicidad llamada Charlie Daniels Studios, y también tocó la batería ocasionalmente con bandas locales en cafeterías y clubes.
Charlie Watts en 1971
En 1961 conoció a Alexis Korner, quien lo invitó a unirse a su banda, Blues Incorporated. En ese momento, Watts se dirigía a trabajar por una temporada como diseñador gráfico en Dinamarca, pero aceptó la oferta de Korner cuando regresó a Londres en febrero de 1962.
A lo largo de ese año tocó regularmente con la banda, mientras mantenía un trabajo con otra empresa de publicidad llamada Charles, Hobson y Gray.
A mediados de 1962 que Watts conoció a Brian Jones, Ian Stewart, Mick Jagger y Keith Richards, quienes también frecuentaban los clubes de rhythm and blues de Londres, pero no fue hasta enero de 1963 que Watts finalmente accedió a unirse a The Rolling Stones, para sustituir al anterior baterista, Tony Chapman.
Watts fue el último de los cinco miembros permanentes de los Stones en llegar al grupo, el cual se había formado pocos meses antes y tuvo varios cambios de formación hasta ese momento.
Bill Wyman, Brian Jones, Charlie Watts, Mick Jagger y Keith Richards en Mod Ball
Además de su música, Watts contribuyó con el arte gráfico en los primeros discos de los Stones, como la contratapa del disco Between the Buttons.
Fue responsable de la conferencia de prensa que anunciaba el Tour of the Americas ’75, en la ciudad de Nueva York. La banda sorprendió a cientos de periodistas y al público en general al interpretar «Brown Sugar», subidos en el acoplado de un camión de plataforma en medio del tráfico de Manhattan.
Watts recordó que esta era una forma común en que las bandas de jazz de Nueva Orleans promocionaban las próximas fechas.
Además, junto con Jagger, diseñó los elaborados escenarios para las giras, primero contribuyendo el diseño en forma de flor de loto del Tour of the Americas ’75, así como el Steel Wheels/Urban Jungle Tour entre 1989-1990, el Bridges to Babylon Tour de 1997, el Licks Tour entre 2002–2003 y el A Bigger Bang Tour entre 2005–2007.
Para Mick Jagger y el resto del los Stones, Charlie era quien aconsejaba, el amigo que los contenía
Watts ha participado en muchas actividades fuera de su vida como miembro de los Stones. En 1964, publicó una selección de dibujos animados en homenaje a Charlie Parker titulado Ode to a High Flying Bird. Aunque se ha hecho un nombre en el rock, sus gustos personales residen principalmente en el jazz.
A fines de la década de 1970, se unió a Ian Stewart y Dick Morrissey en la banda de boogie-woogie Rocket 88, que contó con muchos de los mejores músicos de jazz, rock y R&B del Reino Unido.
En la década de 1980, realizó una gira mundial con una gran banda que incluía nombres como Evan Parker, Courtney Pine y Jack Bruce, quien también era miembro de Rocket 88. En 1991, organizó un quinteto de jazz como tributo a Charlie Parker.
En 1993 vio el lanzamiento de Warm And Tender, del Charlie Watts Quintet,que incluyó al vocalista Bernard Fowler. Este mismo grupo lanzó Long Ago And Far Away en 1996. Ambos discos incluyeron una colección de los estándares de Great American Songbook.
Hace unos años le preguntaron sobre el posible final de los Rolling Stones: “Amo a Mick, a Keith, a Ronnie y me gusta mi trabajo. Pero si se acaba no pasa nada. Puedo seguir viviendo sin los Stones”
Después de una exitosa colaboración del músico estadounidense Jim Keltner en el álbum de los Stones Bridges to Babylon, Watts y Keltner lanzaron un álbum tecno / instrumental simplemente titulado, Charlie Watts / Jim Keltner Project.
Watts declaró que a pesar de que las pistas llevaban nombres como «Elvin Suite» en honor a Elvin Jones, Max Roach y Roy Haynes, no copiaban su estilo de batería, sino que capturaban el feeling de esos artistas.
Watts at Scott’s fue grabado con su grupo, Charlie Watts Tentet, en el famoso club de jazz de Londres, Ronnie Scott’s. En abril de 2009 comenzó a realizar conciertos con el ABC&D de Boogie Woogie junto con los pianistas Axel Zwingenberger y Ben Waters además de su amigo de la infancia Dave Green en el bajo.
En 1989, los Stones fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 2006, Watts fue elegido como miembro en el Salón de la Fama de la revista Modern Drummer, uniéndose a Ringo Starr, Keith Moon, Steve Gadd, Buddy Rich y otros bateristas muy estimados e influyentes de la historia del rock y el jazz.
En la estimación del destacado crítico musical Robert Christgau, Watts es «el mejor baterista de rock».
Falleció el 24 de agosto de 2021 en un hospital de Londres, según informaron su agente y la cuenta Twitter oficial de The Rolling Stones. A principios de ese mes, el baterista había decidido no ir de gira con la banda, para recuperarse de un procedimiento médico, posiblemente relacionado con su antiguo cáncer.
El 14 de octubre de 1964, Watts se casó con Shirley Ann Shepherd (nacida el 11 de septiembre de 1938), a quien había conocido antes de que la banda tuviera éxito. La pareja tiene una hija, Serafina, nacida en marzo de 1968, que a su vez dio a luz a la única nieta de Watts, una niña llamada Charlotte.
Watts ha expresado una relación de amor-odio hacia las giras. Durante una entrevista en el programa Desert Island Discs de la BBC Radio 4 en febrero de 2001, dijo que ha tenido un hábito compulsivo durante décadas de dibujar cada nueva habitación de hotel que ocupa, y sus muebles. Dijo que mantiene cada boceto, pero aún no sabe por qué siente la compulsión de hacer esto.
El baterista Charlie Watts se presenta con la banda ‘The ABC & D of Boogie Woogie’ durante un concierto en Herisau (Suiza)
La vida personal de Watts parece ser más tranquila que la de sus compañeros de banda y de muchos sus colegas de rock and roll; En el escenario, parece proporcionar un contrapunto tranquilo y divertido a sus extravagantes compañeros de banda.
Siempre fiel a su esposa Shirley, Watts rechazó constantemente los favores sexuales de las groupies en el camino; en el documental de la gira estadounidense de 1972 realizado por Robert Greenfield STP: A Journey Through America with The Rolling Stones, se observa que cuando el grupo fue invitado a la Mansión Playboy durante esa gira, Watts aprovechó la sala de juegos de Hugh Hefner en lugar de juguetear con las mujeres «Nunca he llenado el estereotipo de la estrella de rock», comentó. «En los años 70, Bill Wyman y yo decidimos dejarnos crecer la barba, y el esfuerzo nos dejó exhaustos».
Watts ha hablado abiertamente sobre un período a mediados de la década de 1980 cuando su consumo moderado de alcohol y drogas se volvió problemático: «(Mis problemas con las drogas y el alcohol eran) mi forma de lidiar con (problemas familiares)…
La banda llega a la premiere del documental ‘Stones in Exile’ y al relanzamiento de su álbum ‘Exile on Main Street’, el 11 de mayo de 2010 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York
Mirando hacia atrás, creo que fue una crisis de mediana edad. Todo lo que sé es que me convertí totalmente en otra persona alrededor de 1983 y salí de eso alrededor de 1986. Casi pierdo a mi esposa y todo por mi comportamiento».
Watts destaca por su vestuario personal: el periódico británico The Daily Telegraph lo nombró uno de los hombres mejor vestidos del mundo. En 2006, Vanity Fair lo incluyó en el Salón de la fama internacional de los mejores vestidos.
En junio de 2004, Watts fue diagnosticado con cáncer de garganta, a pesar de haber dejado de fumar a fines de la década de 1980 y llevar un estilo de vida sano. Se sometió a un tratamiento de radioterapia de 6 semanas, Logró volver a tiempo para grabar el disco A Bigger Bang de los Rolling Stones, lanzado en 2005.
El batería de los Rolling Stones, Charlie Watts, se presenta en el escenario durante su gira ‘No Filter’ en el NRG Stadium, el 27 de julio de 2019, en Houston, Texas
En junio de 2005, casi pierde la vida de nuevo, esta vez por un accidente automovilístico en Niza, Francia.
Hasta su muerte Watts vivió en Dolton, una aldea rural en el oeste de Devon, donde él y su esposa Shirley son dueños de una granja de caballos árabes. También posee un porcentaje de varias entidades corporativas de The Rolling Stones.
Charlie Watts fue el baterista tranquilo, taciturno, de ritmo perfecto. Y ahora se ha ido. Nuestro homenaje a él.
L.B.V.(J.Alvarez)/marcianosmx.com — Existe toda una diversidad de lugares interesantes y sorprendentes alrededor del mundo, y de algunos ni siquiera hemos escuchado hablar. Aunque el ser humano esté destruyendo grandes porciones de ecosistemas aniquilando en el proceso verdaderas maravillas, afortunadamente todavía nos quedan abundantes bellezas naturales en el planeta que podemos aprovechar para mantener el sentido del asombro.
Es un hecho que en cada rincón del mundo, ya sea en México, Europa o en cualquier otro lugar – siempre hay algo interesante para conocer. A continuación te presentamos una pequeña selección de lugares encantadores alrededor del mundo, que con toda certeza deberías visitar por lo menos una vez en la vida.
Rangiroa, un atolón del archipiélago de Tuamotu, en la Polinesia Francesa, además uno de los atolones más grandes en el mundo. Tiene forma de anillo y es famoso por sus ostras productoras de perlas negras, así como por las diversas atracciones naturales que ofrece a los visitantes.
Monsanto da Beiraes un distrito del histórico pueblo Idanha-a-Nova en Portugal, lo peculiar de esta zonas es que está construida entre rocas gigantes. En todo el lugar se pueden apreciar casas construidas con esta abundante piedra granítica.
Maly Semiachik es un estratovolcán localizado en la península de Kamchatka, Rusia. Ese enorme lago azul que apreciamos en la imagen es bastante ácido y caliente, recubre al históricamente activo cráter Troitsky, que se formó durante una gran explosión hace unos 400 años.
Las imponentes y famosas cataratas del Iguazúen la frontera entre Brasil y Argentina.
Los parques nacionales y áreas protegidas en Costa Ricasuelen ofrecer verdaderos espectáculos, como esté árbol de raíces magnifica.
Los maravillosos campos de tulipanes en Holanda nunca dejan de sorprendernos.
La Roque-Gageac es un poblado ubicado al pie de un acantilado, a orillas del río Dordoña, en la región de Aquitania. El sitio tiene bastante historia y se remonta a la prehistoria.
Sin embargo, lo verdaderamente bello son los vestigios de sus antiguas murallas y casas fortificadas que resistieron tanto los ataques de vikingos como las disputas entre franceses e ingleses.
Las cataratas de Kawasanse sitúan en la isla Cebú, al centro de las Filipinas. Este lugar mágico compuesto por una serie de cascadas se encuentra en un entorno denso y solo es accesible a través de un sendero de 1.5 km cuesta arriba desde la carretera.
Cascadas de agua azul es una zona protegida situada en el municipio de Tumbalá, en el estado mexicano de Chiapas. Se encuentra a unos 60 km de la famosa ciudad de Palenque y ese espectacular color azul de sus aguas se logra gracias a los carbonatos disueltos desde las rocas calcáreas del suelo.
En el estado mexicano de Nayarit, uno de los lugares más idílicos es Playa Escondida en Islas Marietas, situado en Bahía de Banderas en el océano pacifico, a unos 8 kilómetros de Punta de Mita.
También conocida como Playa del Amor, este cráter se formó por el impacto de una bomba durante ensayos militares, y solo es accesible con la marea baja, buceando o preferentemente con visor y esnórquel para admirar la basta diversidad de vida que se agita bajo sus aguas.
Pueblos de Italia realmente encantadores
Gracias a su historia y acervo cultural, Italia se ha convertido en uno de los destinos turísticos más perseguidos en todo el mundo, y la verdad es que no resulta para nada extraño. Aunado al amable comportamiento de los italianos, sus grandes monumentos e iglesias, están las ciudades medievales y los pintorescos poblados que ofrecen un destino vacacional rico y variado que no decepciona a nadie.
Más allá de las grandes ciudades como Milán, Florencia o Roma, Italia guarda muchos secretos y lugares encantadores que vale mucho la pena conocer, claro, siempre y cuando se tenga la oportunidad. A continuación te presentamos una compilación de estos mágicos pueblos italianos, por si estás planeando pasar la temporada de vacaciones por allá.
Manarola, parte del municipio Riomaggiore, se sitúa en las costas del Mar de Liguria.
Burano forma parte del cúmulo de islas que conforman a Venecia, es particularmente reconocible por sus pintorescas casas.
Ellago Como se sitúa en la región de Lombardía, es el tercer lago más grande de Italia y uno de los más profundos del continente europeo.
Sobre la provincia de Siena, en la región de Toscana, podemos encontrar a San Quirico d’Orcia. Este pequeño pueblo medieval cuenta con 2,746 habitantes.
Sobre la cadena montañosa conocida como las Dolomitas es posible encontrar pequeños asentamientos humanos. Esta vista se logró desde el municipio de Sëlva,
Desde principios de nuestra era, la isla de Capri ha sido un sitio aclamado de belleza particular. Este hermoso lugar puede encontrarse en el mar Tirreno, al sur del golfo de Nápoles.
Pitigliano, en la provincia de Grosseto, en la Toscana, es una comuna con apenas 4,167 habitantes situada sobre un risco de toba volcánica que abunda en la región.
Laisla Lipari está situada al norte del mar Tirreno, es la isla más grande del archipiélago conocido como las siete Eolias.
En la provincia de Genova podemos encontrar esta pintoresca y pequeña comuna con apenas 532 habitantes, se trata de Portofino. El lugar es parte de la zona conocida como Tigullio.
Urbino, situado a unos 100 km de Florencia, parece un verdadero pueblo de la Edad Media. Este fue el lugar que vio nacer a Rafael, el famoso pintor del Renacimiento.
En la región de Liguria, perteneciente a la provincia de Spezia, podemos encontrar a Riomaggiore, un municipio de apenas 1,740 habitantes.
Burgos pertenece a la provincia de Sassari y su punto de más interés es el castillo que se levanta sobre una enorme colina rocosa construido en 1129.
Orta San Giulio, en la provincia de Novara, cuenta con apenas 1,116 habitantes. Este peculiar lugar se sitúa en el medio del lago Orta, sus callejas estrechas y pintorescas son todo un atractivo para los amantes de los pueblos tradicionales que disfrutan de los paseos.
Verona es mucho más conocida que los pueblos vistos hasta ahora, la ciudad cuenta con más 265 mil habitantes y es la capital de la provincia homónima. Sin duda, es una de las ciudades más atractivas de toda Italia, además de ser un importante centro económico. Ha sido la cuna de figuras historias cuya mayoría se dedicó a las artes.
Positano, situada en la región de Campania, es una comuna situada a orillas del golfo Salerno con poco más de 3,800 habitantes . Es uno de los lugares favoritos de turistas adinerados tanto de Europa como de los Estados Unidos.
Alberobello es un pueblo perteneciente a la provincia de Bari. El lugar más célebre del pueblo son Los trullos de Alberobello, las construcciones que puedes apreciar en la imagen superior.
Con una profundidad máxima de 5 m, el Lago Misurina posee un clima muy particular que ofrece un aire fresco, destino ideal para aquellos que sufren problemas respiratorios. Los hoteles de la zona ofrecen hospedaje a unos 500 visitantes.
Scilla es una comuna con apenas 5,200 habitantes y el hogar de Escila, una figura de la mitología griega. Marina Grande es la zona preferida por los turistas, pues cuenta con todo lo que un vacacionista podría desear.
Atrani, en la provincia de Salerno, forma parte de la Costa Amalfitana (declarada por la Unesco Patrimonio de la Humanidad). Con apenas .2 km2, Atrani es el segundo pueblo con menor extensión territorial de toda Italia.
Cala Dogana, en la isla de Levanzo, cuenta con una serie de construcciones blancas y cubicas que contrastan de forma excepcional con las aguas cristalinas que las rodean. Tras esta región habitada es posible encontrar la imponente peña de el Faraglione.
10 razones para visitar Andalucía en primavera
Visitar Andalucía siempre es un placer en cualquier época del año. El clima suele acompañar y es tal la cantidad de lugares, rincones, monumentos y parajes naturales que nos ofrece, que siempre hay algo que descubrir. Pero si tuviera que elegir un momento para regresar por esas maravillosas tierras, sería la primavera. Es dificil recoger en un post, sin caer en tópicos, sólo diez razones para visitar Andalucía esta primavera. Pero lo hemos intentado.
1. El Tren Al Ándalus
El tren de lujo Al Ándalus se inspira en otro hoteles sobre ruedas como el famoso Orient Express. Se inauguró en 1983 y estuvo en funcionamiento hasta 2004. Tras un lapso de ocho años, volvió a las vías en 2012 y ofrece un itinerario de 7 días partiendo de Sevilla y pasando por Jerez, Cádiz, Ronda, Granada, Linares, Baeza y Córdoba, con visitas a los lugares más destacados de cada localidad. Comienza su actividad el 4 de abril, con salidas cada semana durante ese mes y mayo.
2. El Parque Natural de los Montes de Málaga
Situado a escasos cinco kilómetros de la capital, se trata de uno de los lugares más hermosos de la provincia, recuperado en las últimas décadas mediante repoblación de pinos, alcornoques, encinas y quejigos. Existen varios itinerarios de senderismo, que permiten recorrer el parque (donde se pueden avistar águilas y jabalíes) y un Museo Antropológico ubicado en una antigua casa campesina de 1928 que conserva su cocina original y el lagar para elaborar vino, así como la almazara para las aceitunas.
3. El Parque Natural del Cabo de Gata
Se trata de uno de los principales atractivos paisajísticos de la comunidad, situado en el municipio de Níjar. Es el mayor espacio marítimo-terrestre protegido de todo el Mediterráneo occidental. Pero no solo es interesante en el aspecto natural, los aficionados a la arqueología y la historia encontrarán allí yacimientos del Calcolítico, la Edad del Bronce, las épocas romana y árabe, así como varios pecios.
4. La Semana Santa
Es imposible obviar la Semana Santa en una lista de este tipo. La sevillana es referencia esencial, con su Carrera Oficial o itinerario obligatorio que realizan las aproximadamente setenta cofradías y hermandades por turno riguroso. La Madrugá, que tiene lugar la noche del jueves santo, es posiblemente el momento más emotivo.
Una alternativa puede ser Málaga, donde se desarrolla con un tono más alegre que el sevillano, no en vano se la conoce como Cantaora.
5. Las rutas de cine
Existen una serie de rutas temáticas, distribuidas por provincias, y que se engloban en la Gran Ruta del Cine por Andalucía. Se trata de visitar los lugares donde se rodaron míticas películas, tanto españolas como extranjeras, y que incluye lugares como el castillo de Baños de la Encina, la playa de Antequera, Loja, las caballerizas Reales del Alcázar de Córdoba, y un montón de sitios más. Los aficionados al cine podrán ver donde se filmaron películas como 800 Balas, La Caja 507, Por un puñado de dólares, Patton, Cleopatra, Rey de Reyes, Indiana Jones y la Última Cruzada o Muere Otro Día.
6. El Mayo cordobés
El mes de mayo trae a Córdoba una sucesión de festividades que permite vivir la ciudad de las tres culturas como en ningún otro momento del calendario. Comienza con las Cruces de Mayo, continúa con los Patios de Códoba y la Cata de vino Montilla-Moriles, y finaliza con la Fería de Nuestra Señora de la Salud.
7. Las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro en Almería
Los aficionados al teatro tienen una cita un año más, y ya van 33, en Almería esta primavera. Al contrario que en ocasiones anteriores, en que se desarrollaban a lo largo del mes de abril, en esta ocasión se alargarán hasta principios de julio, con lo cual hay donde elegir. Y no solo representaciones teatrales es lo que nos podemos encontrar, también conferencias, recitales y todo tipo de actividades para todos los públicos.
8. La Romería más antigua de España
Si El Rocío se lleva la palma de la fama y la afluencia de visitantes, la romería de la Virgen de la Cabeza en Andújar está considerada como la más antigua de España, y bien merece una visita. Se celebra el último fin de semana de abril y está declarada de Interés Turístico Nacional. El recorrido tradicional se alarga 24 kilómetros, que los romeros recorren a pie, en carreta o a caballo desde la campiña al santuario.
9. La Ruta de los Pueblos Blancos
Es el itinerario cultural y turístico más antiguo de Andalucía. Comienza en Arcos de la Frontera y discurre por la Sierra de Cádiz, visitando Bornos, Algar, Espera, Algodonales, Zahara de la Sierra, Ubrique y Grazalema, entre otros.
10. Sierra Mágina
Esta sierra jienense es el lugar ideal para contemplar la floración de los cerezos desde finales de marzo, sin duda uno de los espectáculos más impresionantes de la primavera en Andalucía. La ruta se extiende entre las localidades de Jimena y Torres, con subida al monte Aznaitín.
BBC Ciencia — Muchos le damos un gran valor al primer beso, pero qué hace del acto de besarse algo tan especial.
De hecho, besarse con los labios no es tan universal como muchos podríamos pensar.
Hay otras maneras de hacerlo…
¿Puede la diversidad de formas en que los humanos se besan revelar qué es lo que consideramos realmente importante de este acto íntimo?
Menos de la mitad de todas las sociedades se besan con los labios, de acuerdo con un estudio en el que se analizaron 168 culturas de diferentes partes del planeta.
William Jankowiak, profesor de antropología de la Universidad de Nevada Las Vegas, encontró que sólo 46% se besan con los labios en un sentido romántico. Se excluyeron otros gestos como los besos entre padres e hijos o los saludos.
«Considero que la clave de la universalidad humana de besarse o la ausencia de ella, es que la sensualidad de las personas se puede expresar de muchas otras maneras que van más allá de solo besarse».
«Pero es interesante notar que hubo un patrón marcado: entre más grande es la complejidad social, con más frecuencia se halla el acto de besarse».
Un gusto natural
Una de las teorías que trata de explicar por qué los humanos tienen una necesidad de besarse plantea la idea de que cuando somos bebés tenemos un gusto innato por el tacto labial.
Desde esa perspectiva, asociamos tocar con los labios con el acto de amamantar y ese es un reflejo natural. Es un estímulo que nos resulta positivo.
Hay otra teoría que se remonta a nuestro pasado evolutivo y apunta a que las madres y sus hijos se unieron en un vínculo labio a labio por un proceso conocido como premasticación de trasferencia de alimentos.
Las madres de nuestros ancestros antiguos podrían haber premasticado los alimentos durante los primeros años de sus hijos y habérselos transferido directamente a sus bocas.
La práctica, que ha sido observada en chimpancés y en otros simios grandes, se habría dado con el proceso en el que se iniciaba la ingesta de sólidos, tras el destete.
La sensibilidad
Nuestros labios son muy sensibles. De hecho, es una de las pocas partes del cuerpo que siendo muy sensible, no cubrimos.
Versión de un dibujo que data de 1900 de un grupo de esquimales.
«Entre más ropa vistas, más alta es la frecuencia de besarse. Entre menos ropa uses, menor es la frecuencia», señala Jankowiak.
De acuerdo con el experto, se ha encontrado que entre cazadores y recolectores no hay besos.
Pero hay «una excepción»: los inuits en el círculo polar ártico.
«Son el único grupo de cazadores y recolectores que hallamos que se besan: se trata del famoso beso oceánico o esquimal que consiste en frotarse las narices mas no los labios».
«¿Por qué? En otros lugares, los cazadores y recolectores no llevan ropa. Eso significa que pueden tener un encuentro sensual con cualquier parte del cuerpo, pero cuando tienes ropa, la única sensualidad que está disponible, la única sensación táctil que hay disponible, es el rostro humano», dice el antropólogo.
Más de 3.000 años
La evidencia escrita más antigua que existe de un comportamiento parecido a besarse se remonta a unos textos hindúes en sánscrito védico de unos 3.500 años de antigüedad.
Charles Darwin describió el beso malayo.
En las culturas en las que no se besan labio a labio, sus miembros encuentran otras maneras de tener intimidad, indica Sheril R. Kirshenbaum, autora de «The Science of kissing» («La ciencia de besarse»).
«Por supuesto que ha habido muchas culturas que se han besado boca a boca, de una forma que reconoceríamos como lo hacemos hoy en día. Pero existe el beso malayo que Darwin describió, en el que las mujeres se acuclillaban en el suelo y los hombres se inclinaban sobre ellas y se olfateaban rápidamente el uno al otro, con lo que capturaban una muestra del olor de la pareja», señala.
«Una de las prácticas más extrañas que encontré en mi investigación es una que se da en las Islas Trobriand (en Oceanía)».
«Allí los enamorados se sientan cara a cara y cuando se sienten en intimidad se mordisquean las pestañas, algo que para muchos de nosotros no suena como la cumbre del romanticismo, pero a ellos les surte el efecto».
Lo importante de los besos labiales y otros tipos de besos es que se trata de un momento de compartir información íntima.
«Se trata de confianza y de conexión y todo sirve al propósito común de acercarnos a personas que nos importan».
Entre olores
Besarse, presionando los labios, es un comportamiento casi exclusivamente humano.
El sentido del olfato de los humanos no es tan sofisticado como el de otras especies.
Entre los humanos, podría haber tenido un propósito evolutivo: acercarse para captar señales del otro y, al hacerlo, comenzaron a besarse.
Pero si besarse tiene un propósito evolutivo ¿por qué no vemos más animales besándose?
La periodista de la BBC Melissa Hogenboom respondió a esa pregunta para BBC Earth en 2015 y apuntó a que una de las razones por las que nos podríamos haber visto obligados a acercarnos a la cara de un compañero fue para olfatearlo.
Y es que el aroma puede revelar todo tipo de información útil: dieta, enfermedades, estado de ánimo y afinidad, por nombrar algunos.
Muchos animales tienen el sentido del olfato mucho más sofisticado que el nuestro, por lo que no tienen que estar tan cerca entre sí.
Si bien algunas especies de aves se golpean los picos en el cortejo y varios mamíferos se guían en gran parte por su olfato para distinguir amigos de enemigos, muy pocas especies de animales, de hecho, unen sus labios.
Quizás se deba a que las habilidades olfativas de los humanos no son tan buenas si se comparan con las de muchos de nuestros parientes mamíferos.
Otros animales pueden percatarse de señales de olores sin necesidad de presionar sus rostros entre sí.
Viene y va
Pero ¿por qué algunas culturas no se besan? ¿Y siempre nos besaremos?
«Hemos visto la llegada y la desaparición del acto de besarse en el mundo por una variedad de razones, desde enfermedades, incluso antes de que conociéramos la teoría de los gérmenes, era claro que había ciertas cosas que podíamos hacer para evitar enfermarnos», señala Kirshenbaum.
«Hubo emperadores que le prohibirían a su pueblo besarse porque pensaban que era no era un privilegio que la gente debía tener».
«Pero una cosa con la que puedes contar y que hemos visto una y otra vez es que pese a las proclamaciones de su prohibición, a las enfermedades y la plaga, siempre regresa«.
¿Por qué se besan los humanos si la mayoría de los animales no lo hacen?
Si lo piensas un poco, podrías llegar a la conclusión de que besarse es extraño, incluso repulsivo.
Intercambias saliva con alguien, a veces por un tiempo prolongado.
Además, con un beso se pueden traspasar hasta 800 millones de bacterias, no todas buenas para la salud.
Aun así, seguramente todos recuerdan su primer beso con todo lujo de detalles, ya sean vergonzosos o placenteros.
Y la práctica sigue jugando un papel importante en todo nuevo romance.
Al menos es así en la mayoría de las sociedades.
Menos de la mitad
Quizá en Occidente se pueda considerar que besarse de forma romántica es un comportamiento universal, pero un estudio publicado recientemente sugiere que menos de la mitad de las culturas del mundo lo practican.
Además, es algo extremadamente raro en el reino animal. Así que, ¿qué es lo que hay detrás de ese comportamiento?
Si cumple su función, ¿por qué no lo hacen todos los humanos y los animales?
De acuerdo a un nuevo estudio llevado a cabo en 168 culturas, sólo el 46% de las sociedades practican el beso como gesto romántico.
Investigaciones anteriores habían estimado que era común en el 90% de las culturas del mundo. Pero este nuevo estudio excluyó los besos entre padres e hijos y se centró solamente en el beso romántico, el que las parejas se dan en los labios.
Tras analizar las sociedades cazadoras-recolectoras, los investigadores no hallaron evidencias de que sus miembros se besen, ni que tengan deseos de hacerlo.
Algunos incluso lo consideran repugnante.
Inhalando el alma
Según reportes, para la tribu mehinaku de Brasil llamado beso romántico es intolerable.
Y dado que el de estas sociedades es el más cercano al estilo de vida de nuestros ancestros, es probable que ellos tampoco se besaran.
El beso no existe en todas las culturas.
Por ello, el estudio descarta la creencia de que besarse de forma romántica sea un comportamiento universal, señala William Jankowiak, de la Universidad de Nevada, en Las Vegas, Estados Unidos.
Más bien parece un producto de las sociedades occidentales, una costumbre que pasó de generación en generación, añade.
Y existe evidencia histórica que respaldan esta teoría.
El besarse como se hace hoy en día parece una invención bastante nueva, dice Rafael Wlodarski, de la Universida de Oxford, en Reino Unido.
El experto ha pasado años buscando evidencias de cómo ha cambiado esa práctica. La prueba más antigua la encontró en unos textos en sánscrito de más de 3.500 años.
En estos se describía el beso como la acción de inhalar el alma del otro.
Asimismo, descubrió que los jeroglíficos egipcios representan figuras humanas unas cerca de otras, pero no con los labios pegados.
Entonces, ¿es el beso algo natural para nuestra cultura pero que otras han suprimido? ¿O una invención del humano moderno?
Pistas en la naturaleza
El comportamiento de los animales pueden dar una idea al respecto.
Los parientes más cercanos de los humanos, los chimpancés y los bonobos, también conocidos como chimpancés pigmeos, se besan.
El primatólogo Frans de Wall, de la Universidad Emory de Atlanta, EE.UU., ha sido testigo de ello más de una vez. Ha observado a chimpancés besarse y abrazarse después de haberse peleado.
Por lo tanto, para estos la práctica, más común entre machos que entre hembras, es una forma de reconciliarse. En otras palabras, no es un comportamiento romántico.
Los chimpancés se besan para reconciliarse.
Sus primos los bonobos se besan con más frecuencia y muchas veces utilizan la lengua al hacerlo. Quizá no es sorprendente, ya que son unos seres muy sexuales.
Cuando los humanos se encuentran, se estrechan la mano. Los bonobos tienen sexo; es su forma de saludarse.
Y también usan el sexo en otras situaciones. Aun así, sus besos no son particularmente románticos.
Excepcionales
Pero más allá, estos dos primates son excepciones en el mundo animal. Por lo que se sabe hasta ahora, el resto de animales no se besan.
Puede que acerquen sus rostros o se acaricien, pero incluso los que tienen labios no los unen, apretando los unos con los otros, ni comparten saliva. No necesitan hacerlo.
Los jabalíes machos, por ejemplo, producen un olor acre que las hembras encuentran atractivo.
La clave de ello son las feromonas llamadas androstenonas, que desencadena en las hembras el deseo de aparearse.
Las hembras de muchas especies usan el olfato para identificar buenas parejas.
Desde el punto de vista de las hembras esto es algo bueno, ya que los machos con más androstenonas son también los más fértiles. Y su sentido del olfato es tan preciso que no necesitan acercarse para besar a los machos.
Algo similar ocurre con muchos otros mamíferos. Por ejemplo, la hembra del hámster emite una feromona que hace que los machos se exciten.
Y los ratones siguen un rastro químico similar para encontrar parejas que sean genéticamente diferentes y minimizar así el riesgo de incesto accidental.
Más bien el olfato que la lengua
Con frecuencia, los animales liberan feromonas con la orina.
«Su olor es mucho más penetrante«, describe Wlodarski. «Y si hay orina en el ambiente pueden encontrar compatibilidades a través de ella».
Pero no solo los mamíferos tienen un gran sentido del olfato. Un macho de la viuda negra, una especie de araña, al oler las feromonas producidas por una hembra puede saber si ésta comió recientemente o no.
Gracias a ello puede aparearse con la que lo haya hecho, minimizando así el riesgo de ser devorado.
Los machos de la viuda negra huelen a su potencial pareja para saber si ya comió. De esta manera tiene menos probabilidades de ser ingerido por su pareja.
Por lo tanto, los animales no necesitan acercarse a una potencial pareja para saber si les conviene o no.
Sin embargo, los humanos tienen un sentido del olfato terrible que mejora al acercarse.
Y aunque parezca que el olfato no es el principal recurso que utilizamos para evaluar las aptitudes de otros, los estudios han demostrado que juega un papel importante a la hora de elegir pareja.
Una investigación publicada en 1995 concluía que las mujeres, como los ratones, prefieren el olor de los hombres que son genéticamente distintos a ellas.
Tiene sentido, ya que al aparearse con una pareja con genes diferentes aumentan las posibilidades de tener una descendencia saludable.
Así que besarse es una manera de acercarse lo suficiente como para olfatear los genes de la potencial pareja.
Forma aceptable de olfatear
En 2013 Wlodarski analizó en profundidad las preferencias de varias culturas a la hora de besarse. Preguntó a cientos de personas qué era lo más importante a la hora de besar, y descubrió que el olor era más relevante en los periodos en los que las mujeres eran más fértiles.
En ese sentido, resulta que los hombres también secretan su versión de las feromonas y las mujeres las encuentran atractivas.
Los elefantes usan la trompa para mostrar afecto.
Están presentes en el sudor y cuando las mujeres están expuestas a ellas su nivel de excitación aumenta ligeramente.
«Las feromonas juegan un gran papel para los mamíferos a la hora de elegir pareja», dice Wlodarski.
«Y nosotros hemos heredado toda nuestra biología de los mamíferos, sólo le hemos añadido unos cuantos matices con la evolución«, añade.
Así, el experto considera que el beso es sólo una manera culturalmente aceptable para acercarse lo suficiente a otra persona para detectar sus feromonas.
En algunas culturas el acercamiento para olfatear desembocó en el contacto físico de los labios, dice Wlodarski. Aunque es difícil señalar cuándo ocurrió, reconoce.
«Aunque ambos comportamientos sirven al mismo objetivo».
Según este punto de vista, si quieres encontrar la pareja perfecta podrías renunciar a los besos y empezar a olfatear gente.
Así además evitarías gérmenes ajenos.
Eso sí, tendrás que prepararte para las miradas curiosas.
¿Qué pasa dentro de nuestro cuerpo cuando nos besamos?
Desde un beso de amor apasionado a uno tierno entre una madre y su hijo, esta forma de expresar afecto ha estado presente entre la humanidad desde hace más de 2.500 años.
¿Pero por qué nos besamos? ¿Qué pasa dentro de nuestro cuerpo cuando lo hacemos? Te lo contamos en este video de BBC Ideas.
¿Por qué cuando besamos en la boca tendemos a inclinar la cabeza hacia la derecha?
Puede que la emoción del momento te supere, ¿pero te has fijado alguna vez hacia qué lado inclinas la cabeza cuando te besas con alguien en los labios?
Lo más probable es que lo hagas hacia la derecha.
Y si eres hombre, es muy posible que hayas sido tú quien tomó la iniciativa de dar el beso.
Esta es la conclusión de un estudio llevado a cabo por psicólogos y neurocientíficos de las Universidades de Daca, en Bangladesh y de las de Bath y Bath Spa, en Reino Unido, que analizó este comportamiento en 48 parejas de Bangladesh.
Los investigadores eligieron este país -donde este comportamiento no se observa en público y está censurado en la TV y el cine- para descartar la influencia de factores culturales, y para comparar la evidencia con estudios sobre el tema en el mundo occidental.
Si tu pareja es zurda…
Tras pedirle a las parejas que se besasen en privado y completaran un formulario sin consultarse el uno al otro, los investigadores observaron una tendencia hacia la derecha (tanto en la persona que toma la iniciativa como en el receptor) y que los hombres daban el primer paso 15 veces más que las mujeres.
Del total, dos tercios torcían la cabeza hacia la derecha.
Los investigadores pudieron predecir hacia qué lado lo harían dependiendo de si la persona que iniciaba la acción era zurda o diestra.
Y, el lado que esta elegía, indicaba para cuál lo haría el receptor.
Es decir, el recipiente sigue al que promueve la acción para evitar un movimiento en espejo, que, según los sujetos del estudio, producía una sensación de incomodidad para ambos.
«Este es el primer estudio que muestra diferencias de género en la iniciación del beso (…) y cómo la dirección que toma la cabeza del iniciador tiende a modular la dirección del movimiento del recipiente del beso», señalo Rezaul Karim, investigador de la Universidad de Daca y autor principal del estudio.
Dos hemisferios
¿Pero por qué lo hacemos así? Según los investigadores, nuestro cerebro está programado para ello.
El acto de besar está determinado por la forma en que el cerebro divide las tareas por hemisferios.
De acuerdo al estudio, es posible que los diferentes niveles hormonales (como por ejemplo el nivel de testosterona) y de neurotransmisores (como la dopamina) distribuidos en cada hemisferio, generan una tendencia a virar hacia la derecha.
«Este estudio es único porque nos muestra un comportamiento privado (…) que tiene implicaciones para todo el mundo», añadió Michael Proulx, científico de la Universidad de Bath.
«Investigaciones previas no podían descartar la influencia cultural porque los sujetos del estudio eran occidentales. Pero resulta que los humanos somos similares aunque difieran nuestros valores sociales«, concluyó el investigador.
La razón por la que cerramos los ojos cuando nos besamos
Lo hacemos casi sin darnos cuenta: a medida que nuestros labios se aproximan cuando vamos a dar un beso en la boca, nuestros ojos se cierran, prácticamente, de forma instantánea.
Pero ¿por qué lo hacemos?
Un equipo de psicólogos del Royal Holloway College, de la Universidad de Londres (Reino Unido), acaba de dar con la respuesta.
Y, según los científicos, la clave está en el cerebro.
Tareas simultáneas
De acuerdo con los investigadores, que analizaron diversas experiencias sensoriales visuales y táctiles, cerrar los ojos le permite a nuestro cerebro centrarse en la tarea en cuestión.
A nuestra mente le resulta difícil procesar un sentido si está recibiendo un estímulo visual al mismo tiempo.
«La consciencia del sentido del tacto depende del nivel de carga perceptual en una tarea visual simultánea», dicen las psicólogas cognitivas Polly Dalton y Sandra Murphy, autoras del estudio, publicado en la «Revista de Psicología Experimental: Percepción Humana y Rendimiento», de la Asociación Estadounidense de Psicología (APA, por sus siglas en inglés).
Pero para llegar a esta conclusión los investigadores no necesitaron estudiar cómo se besa la gente.
En lugar de eso, a los participantes del estudio les asignaron diversas tareas visuales que debían ser capaces de completar, mientras los científicos medían su sentido del tacto (y de la vista).
Recursos mentales
Los resultados mostraron que somos menos sensibles al tacto cuando nuestros ojos trabajan más.
Cuando besamos y ejecutamos al mismo tiempo otras actividades placenteras, como bailar o practicar sexo, queremos enfocarnos en el sentido del tacto más que en ningún otro, por eso tiene sentido que nuestros párpados se cierren.
«Cerrar la entrada visual nos deja disponibles más recursos mentales para centrarnos en otros aspectos de nuestra experiencia«, dice Dalton.
«Ya se sabía que aumentar las demandas de una tarea visual podría reducirse con otros estímulos visuales y auditivos. Pero nuestra investigación amplía este enfoque al sentido del tacto», dijo Murphy.
Estos hallazgos proporcionan «la primera demostración sólida de ‘adormecimiento por falta de atención'», sostienen los autores del estudio.
Y es que cuando distraemos a nuestro cerebro con imágenes, nuestro tacto no funciona igual de bien; a más estímulo visual, menos sensibilidad táctil.
Puedes hacer la prueba la próxima vez que des un beso a alguien, aunque seguramente no disfrutarás tanto de la experiencia.
Besa, besa mucho. Pero mejor con los ojos cerrados.
Los juicios sobre los méritos en relación a la música casi siempre son temas meramente emocionales, aunque se caiga en gastos excesivos de razón, argumentos y también en un montón de papel y tinta (o teclado) para afirmar que determinado artista, género, canción, etc. es mejor que otros.
Pero quizá ningún otro género musical en la historia haya sido tan duramente criticado como el rock ‘n’ roll.
Al rock ‘n roll le llamaron música del diablo y durante algún tiempo la estereotiparon como la música de los delincuentes juveniles.
Cuando Elvis Presley apareció en escena, la conservadora sociedad de la época lo tenía como una escoria humana o, mucho peor, como el mismo Demonio bailando entre cámaras de televisión en un intento por seducir a los jóvenes y robarles el alma.
Perseguido con tenacidad en América, el rock explotó como una bomba nuclear del otro lado del charco. Con los paradigmas y prejuicios olvidados, hoy todos parecen estar de acuerdo en algo: el rock ya no asusta a nadie. Sin embargo, algunos dicen que una terrible maldición acompaña a este género: la maldición de los 27 años.
Han sido varias las estrellas del rock que partieron al más allá a los 27 años. Suicidios, sobredosis, accidentes… curiosamente grandes nombres del género murieron a esa edad.
El primero en la lista fue Robert Johnson, después le siguió Jesse Belvin, Brian Jones (de los Rolling Stones), Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison (de The Doors), Kurt Cobain (Nirvana), etc. La última personalidad sobre la que cayó la maldición fue Amy Winehouse, que también murió a los 27 años.
Este 24 de abril pasado, se cumplieron 46 años de la muerte de uno de los “miembros” del infame Club 27.
Quizá sea uno de los menos conocidos, y estoy casi totalmente seguro que, después de cuatro décadas, está completamente olvidado. Sin embargo, su legado se sobrepuso a la barrera del tiempo, y es indudable que al leer estas líneas no podrás evitar exclamar: “¡Qué! ¿De verdad esa canción es de él?”.
Lo llamaban Peter William Ham.
En el año de 1968, una banda llamada The Iveys envió algunos demos de sus canciones al recién inaugurado sello discográfico de The Beatles, Apple Records. El guitarrista de The Beatles, George Harrison, escuchó el material y se le puso la piel de gallina.
Incluso resultó sencillo ganarse la confianza y aprobación de los Fab Four, pues no solo tenían una excelente música sino que la banda, en todo, era una reminiscencia de The Beatles algunos años antes.
Les dieron un contrato, y la oportunidad de hacer historia con el apadrinamiento de Paul McCartney y George Harrison era prácticamente un hecho, incluso hubo quienes los apuntaron como los nuevos Beatles.
Pero por asuntos del destino, la banda no alcanzaría el cenit del éxito, sino todo lo contrario, terminaría sus días en la oscuridad y con dos de sus integrantes muertos.
En la fotografía aparecen los integrantes de The Iveys al lado de George Harrison en Apple Records.
Las dos figuras principales de The Iveys eran:
Peter William Ham – nació en 1947 en Swansea, Gales.
Peter Ham integró su primera banda en 1961, la llamó The Panthers. El grupo serviría como incubadora para The Iveys, que se constituyó cuatro años después, en 1965. En dos de sus presentaciones, la banda llamó la atención de Ray Davies, de The Kinks, que le produjo algunos compactos. Peter Ham es considerado un pionero del género power pop.
Tom Evans Jr – nació en 1947 en Liverpool, Inglaterra.
En 1967, Peter Ham y su banda The Iveys se dirigieron hasta Liverpool con el objetivo de encontrar un sustituto para el entonces guitarrista Dave Jenkins.
Ahí descubrió a Tom Evans, que era vocalista de la banda The Calderstones, y le hizo la invitación para que hiciera una prueba ante la banda.
Tom Evans se unió a The Iveys en agosto de 1967 como bajista.
El primer éxito de The Iveys, Maybe Tomorrow, había sido escrito por Tom Evans con dedicación a su novia, Leslie Sandton.
The Iveys también contaba con Mike Gibbins en la batería y Joey Molland en la guitarra.
Bajo el tutelaje de The Beatles en 1969 grabaron el álbum Maybe Tomorrow, en el que se destacaba el sencillo del mismo nombre, un éxito por toda Europa, con excepción de Inglaterra.
Al año siguiente, colaboraron en la banda sonora de The Magic Christian, una película con Peter Sellers y Ringo Starr.
Después de este trabajo, los chicos cambiaron el nombre de la banda a Badfinger y un torrente de hits demostró lo que todos sospechaban: eran muy buenos. Todavía en 1970, lanzaron un clásico absoluto de la música contemporánea.
En el álbum No Dice venía una canción titulada Without You. Sin embargo, esta melodía haría historia con la voz de otro cantante.
Un intérprete estadounidense llamado Harry Nilsson, cierta vez acudió a una fiesta y escuchó Without You. “Muy buena esa canción de The Beatles”, exclamó. Pero un amigo lo corrigió. “No, esa canción es de una banda llamada Badfinger”.
Harry Nilsson solicitó el permiso de Badfinger y la regrabó dos años más tarde, en 1972. Fue uno de los mayores éxitos de la historia, una canción que incluso hoy sigue sonando en las radios y que estremece a la más fría de las almas, regrabada por incontables artistas en diversos idiomas.
Fue una interpretación esplendorosa de un estadounidense para una letra no menos impactante escrita por los dos líderes de Badfinger, el vocalista Peter Ham y el bajista Tom Evans.
Las hermosas letras de Without You fueron idea de Peter Ham y Tom Evans y hacían referencia a acontecimientos reales de la vida de ambos compositores.
Al principio, Peter Ham escribió la canción con el título If it’s Love; sin embargo, a Ham no le satisfacía la letra pues, desde su punto de vista, faltaba un coro con mayor densidad.
La historia de la canción comienza una noche en que Peter Ham y su novia, Beverly Tucker, estaban a punto de salir a cenar a un restaurante. Tom Evans se aparece y dice: “se me ocurrió una idea para la canción”.
“Hoy en la noche no, le prometí a Bev que saldría con ella”, respondió Ham.
Y por algo que solo el destino puede explicar, la novia de Peter Ham le dijo: “tu boca está sonriendo, pero tus ojos están tristes. Ve al estudio, no te preocupes por mí”.
El coro que Peter Ham escribió aquella noche tenía los versos: Well I can’t forget tomorrow, when I think of all my sorrow, I had you there but then I let you go, and now it’s only fair that I should let you know… if it’s love…
Pero a Peter seguía sin satisfacerle el resultado y la letra se convirtió en un callejón sin salida, un problema que sería resulto por un evento acaecido con Tom Evans. En un viaje a la ciudad de Colonia, en Alemania, Tom Evans conoció a una mujer que se convertiría en su esposa, Marianne.
Tiempo después, Marianne se mudó a Londres y durante una pelea dejó a Tom. El bajista de Badfinger fue a ahogar sus penas con Karen, una amiga de Marianne.
“Me dejo. La necesito de vuelta. No puedo vivir sin ella”, le dijo Evans a Karen.
El hombre regresó a Alemania para buscar a su amada y, durante el vuelo, escribió una canción llamada I Can’t Live.
El coro de la canción decía: I can’t live, if living is without you, I can’t live, I can’t give anymore.
Y así sucedió la fusión de ambas letras, de Peter Ham (If it’s love) y Tom Evans (I Can’t live), los versos de Ham eran más dulces y sentimentales y los de Evans más intensos, dramáticos y dolorosos. Ninguno creyó en el potencial de la canción y la dejaron en el último lugar del lado A del disco No Dice.
Estaban terriblemente equivocados, la obra maestra creada por ellos y la voz de Nilsson atravesarían la frontera temporal y se convertirían en una de las canciones más significativas del género.
Tres años después de escribir los versos, el 18 de mayo de 1973, Tom Evans y Marianne se casaron.
El siguiente video muestra la alegría de la pareja después de la boda.
La canción de fondo es When I Say, escrita e interpretada por Tom Evans.
La vida siguió para Badfinger y llegaron los hits Come And Get It, escrita por Paul McCartney, y la gran No Matter What.
Los integrantes de Badfinger eran tan excepcionales que John Lennon les solicitó que colaboraran con su antológico álbum Imagine, de 1971.
Además colaboraron con George Harrison en sus proyectos The Concert For Bangla Desh y All The Things Must Pass. En 1972, lanzaron el álbum Straight Up, bajo la producción de Todd Rundgren, y tuvieron un hit bastante discreto (solo en los Estados Unidos) con Day After Day.
La mala fortuna de Badfinger empezó en 1971. Pese al éxito de la banda, Apple Records atravesaba serios problemas financieros y un último álbum, Ass, fue lanzado en 1973.
Sin embargo, la falta de un contrato con Apple no asustaba a los jóvenes; ya eran bien conocidos y se habían hecho de una buena reputación, por lo que no les faltarían las invitaciones de las disqueras.
Pero lo que no sabían era que Stan Polley, un hombre de negocios manipulador y sin escrúpulos que era manager de la banda, los estaba robando. Los muchachos solo pensaban en hacer rock, y creyeron que palabras como lealtad, paz y respeto no debían cuidarse.
Los rumores de esa época señalaron a Stan Polley como un sujeto relacionado con la mafia. Para empeorar las cosas, algunos artistas de su cartera, como el intérprete Lou Christie, lo acusaban de negocios fraudulentos.
Pero Polley tenía buena labia, de la misma forma que poder de persuasión. Logró hacerse con un contrato de tres millones de dólares con la Warner Bros., que garantizaba el lanzamiento de dos álbumes por año para la banda.
A pesar de la apelación de Stan Poses (otro manager de Badfinger) para que no se firmara el contrato debido a sus sospechas sobre las intenciones reales del empresario, la banda siguió adelante.
“¡Son millonarios!”, les habría dicho Stan Polley a los integrantes de la banda.
Para Warner, Badfinger grabó los álbumes Badfinger (1973) y Wish You Were Here.
Y mientras los muchachos grababan y trabajaban en la promoción de sus álbumes, Stan Polley robaba a la Warner y a ellos mismos, pero era algo totalmente desconocido por la banda.
La puñalada trapera a Badfinger sucedió el 10 de diciembre de 1974, cuando la Warner Bros. inició un proceso legal contra Stan Polley y la banda ante el Supremo Tribunal de Justicia de Los Angeles.
La demanda detuvo inmediatamente la promoción del álbum Wish You Were Here y toda la distribución internacional de discos y canciones de la banda, dando una zancadilla a la carrera de Badfinger.
Y cuando un problema de este calibre aparece, otros vienen para empeorarlo. Sin dinero para mantenerse, los integrantes de la banda entraron en pánico y empezaron a pelear entre sí, empeorando aún más la situación.
La banda intentó salir adelante ya sin Stan Polley, contratando a otros agentes y empresarios de Londres, pero todos se rehusaron a representarlos debido a las acusaciones que pesaban sobre la banda por parte de la justicia estadounidense.
Durante los primeros cuatro meses de 1975, Peter Ham intentó contactar al empresario ladrón sin éxito. Su comportamiento empezó a ser muy extraño, tenía una mirada pérdida y constantemente era visto por sus compañeros apagando cigarrillos sobre su propio cuerpo.
La noche del 23 de abril de 1975, Peter Ham recibió una llamada telefónica de la justicia estadounidenses diciéndole que todo el dinero se había esfumado. Llamó a Tom Evans y los dos se emborracharon en una pub. Evans lo llevó a casa a las 3:00 de la madrugada del día 24 de abril de 1975.
Peter William Ham fue encontrado muerto la mañana del día 24 de abril de 1975 con una cuerda en el cuello que colgó del estudio de su casa. Tenía 27 años.
Su desesperación fue tanta, que ni siquiera el hecho de que su novia, Anne Herriot, estuviera embarazada de ocho meses, le impidió que cometiera suicidio.
Su hija, Petera, nació un mes después.
En su carta de despedida, Peter dice:
“Anne, te amo. Blair, te amo. No me permitieron amar, y confiar en todo el mundo. Así está mejor. Pete.
Pd: Stan Polley es un bastardo sin alma. Lo llevaré conmigo”.
Con el suicidio de Peter Ham, Badfinger, una de las bandas más subestimadas de su época, desapareció. Mike Gibbins se unió a una banda llamada Flying Aces y participó como baterista de estudio de varios artistas, incluso con Bonnie Tyler en el súper éxito internacional It’s a Heartache.
En 1978, Tom Evans y Joey Molland decidieron revivir a Badfinger, con Evans asumiendo el puesto de Peter Ham en la voz.
Después de dos álbumes para Elektra, los dos compañeros se separaron y, apoyados por otras bandas, pasaron a hacer giras por los Estados Unidos con el nombre de Badfinger, lo que provocó un gran conflicto personal, profesional y legal entre los dos.
El 18 de noviembre de 1983, Tom Evans y Joey Molland discutieron airosamente por teléfono.
Durante la discusión, desenterraron episodios del pasado, así como reclamaciones de Molland sobre los derechos de la canción Without You, derechos con los que pretendía quedarse.
A la mañana siguiente, el 19 de noviembre de 1983, Tom Evans fue encontrado muerto, colgado de un árbol en el jardín de su casa en Richmond, Inglaterra.
De la misma forma que su amigo Peter Ham, muerto ocho años antes, él también se colgó.
Hasta ahí llegaba el final de la historia de esta dupla que compuso uno de los mayores éxitos en la historia de la música y que, juntos, formaron parte de una de las bandas más prometedoras del rock.
Tom Evans no dejó ninguna nota de despedida.
Se especula que su suicidio fue una reacción a los procesos que todavía sufría de la época de Warner y a la discusión que tuvo con Joey Molland.
En un documental titulado Without You de la BBC, transmitido en 2002, Marianne Evans, viuda de Tom, dijo: “Tom me dijo: ‘quiero estar donde está Pete. Es un mejor lugar que aquí’…”
Los motivos que llevaron a Peter Ham y a Tom Evans al suicidio muestran lo cruel y despiadada que puede llegar a ser la industria musical.
Lo único que quedó fueron grabaciones brillantes y una enorme decepción. Stan Polley siguió delinquiendo.
En 1991 fue condenado a cinco años de libertad condicional por lavado de dinero y por malversación de fondos. Falleció en 2009, a los 87 años.
Peter Ham sigue en el olvido. E
n la época de su muerte la prensa ignoró la tragedia y fue velado apenas por sus familiares más cercanos en una sala de un crematorio en su ciudad natal.
Si nunca has escuchado la versión original de Without You, aquí está, y recuerda quiénes son los responsables de esta maravillosa canción.
The Conversation — Este artículo fue originalmente publicado el 8 de diciembre de 2020. Hanif Sufizada escribió recientemente para The Conversation sobre su experiencia al huir de Afganistán tras la toma de poder de los talibanes.
Los militantes talibanes de Afganistán se han vuelto cada vez más ricos y poderosos después que su régimen fundamentalista islámico fuese derrocado en 2001 por las fuerzas estadounidenses.
Según los datos de Mullah Yaqoob, hijo del difunto líder espiritual talibán Mullah Mohammad Omar, y tal y como se refleja en un informe confidencial encargado por la OTAN al que tuvo acceso Radio Free Europe/Radio Liberty, los talibanes amasaron supuestamente 1.600 millones de dólares en el año fiscal que terminó en marzo de 2020.
En comparación, el gobierno afgano recaudó 5.550 millones de dólares durante el mismo período.
¿Quién financia a los talibanes?
Como analista de política económica en el Centro de Estudios de Afganistán, mi trabajo consiste en estudiar las finanzas de los talibanes. Su dinero proviene de las siguientes fuentes.
1. Drogas: 416 millones de dólares
Según el Informe Mundial sobre las Drogas de 2020 de Naciones Unidas, Afganistán representó aproximadamente el 84% de la producción mundial de opio entre 2015 y 2020.
Gran parte de los beneficios de las drogas ilícitas van a parar a los talibanes, que gestionan el opio en las zonas bajo su control.
El grupo impone un impuesto del 10% a cada eslabón de la cadena de producción de drogas, según un informe de 2008 de la Unidad de Investigación y Evaluación de Afganistán, una organización de investigación independiente en Kabul.
Eso incluye a los agricultores afganos que cultivan la amapola, el ingrediente principal del opio, los laboratorios que lo convierten en una droga y los comerciantes que trasladan el producto final fuera del país.
2. Minería: entre 400 y 464 millones de dólares
La extracción de mineral de hierro, mármol, cobre, oro, zinc y otros metales y minerales de tierras raras en las montañas de Afganistán es un negocio cada vez más lucrativo para los talibanes.
Una vista de un campamento minero de lapislázuli en su mayoría desierto en la provincia afgana de Badakhshan el 16 de octubre de 2016.
Tanto las operaciones de extracción de minerales a pequeña escala como las grandes empresas mineras afganas pagan a los militantes talibanes para que les permitan mantener sus negocios en funcionamiento. Aquellos que no pagan se enfrentan a amenazas de muerte.
Según la Comisión de Piedras y Minas de los talibanes, también conocido como Da Dabaro Comisyoon, el grupo obtiene 400 millones de dólares al año gracias a la minería. La OTAN estima que esa cifra es más alta: 464 millones de dólares, frente a los 35 millones de dólares que obtuvo en 2016.
3. Extorsión e impuestos: 160 millones de dólares
Como un gobierno, los talibanes cobran impuestos a las personas e industrias de la creciente franja de Afganistán bajo su control.
Incluso emiten recibos oficiales por pago de impuestos.
Las industrias gravadas incluyen operaciones mineras, medios de comunicación, telecomunicaciones y proyectos de desarrollo financiados con ayuda internacional.
Los conductores también pagan por usar las carreteras en las regiones controladas por los talibanes, y los comerciantes pagan a los talibanes por el derecho a hacer negocios.
El grupo también impone una forma tradicional islámica de impuestos llamada «ushr», que es un impuesto del 10% sobre la cosecha de un agricultor, y «zakat», un impuesto sobre el patrimonio del 2,5%.
Según Mullah Yaqoob, los ingresos fiscales, que también pueden considerarse extorsión, generan alrededor de 160 millones de dólares anuales.
Dado que algunos de los sujetos a impuestos son cultivadores de amapola, podría darse cierta superposición financiera entre los ingresos fiscales y los ingresos por drogas.
4. Donaciones benéficas: 240 millones de dólares
Los talibanes reciben contribuciones financieras encubiertas de donantes privados e instituciones internacionales de todo el mundo.
Muchas donaciones de los talibanes provienen de organizaciones benéficas y fideicomisos privados ubicados en países del Golfo Pérsico, una región que históricamente simpatiza con la insurgencia religiosa del grupo.
Esas donaciones suman alrededor de entre 150 y 200 millones de dólares anuales, según el Centro de Investigación y Estudios de Políticas de Afganistán. Estas organizaciones benéficas están en la lista del Departamento del Tesoro de los Estados Unidos como grupos que financian el terrorismo.
Los ciudadanos privados de Arabia Saudita, Pakistán, Irán y algunas naciones del Golfo Pérsico también ayudan a financiar a los talibanes, contribuyendo con otros 60 millones de dólares anuales a la Red Haqqani, afiliada a los talibanes según las agencias antiterroristas estadounidenses.
5. Exportaciones: 240 millones de dólares
Según el Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas, y como operación para lavar dinero ilícito, los talibanes importan y exportan diversos bienes de consumo cotidiano.
Entre las empresas afiliadas conocidas se incluye la multinacional Noorzai Brothers Limited, que importa partes de automóviles y vende vehículos reensamblados así como repuestos de automóviles.
Se cree que los ingresos netos de las exportaciones de los talibanes rondan los 240 millones de dólares al año. Esta cifra incluye la exportación de amapola y minerales saqueados, por lo que puede haber una superposición financiera con los ingresos de la droga y los ingresos de la minería.
6. Bienes raíces: 80 millones de dólares
Los talibanes poseen propiedades inmobiliarias en Afganistán y Pakistán, aunque también posiblemente en otros países, según Mullah Yaqoob y el canal de televisión paquistaní SAMAA. Yaqoob dijo que los ingresos inmobiliarios anuales de la OTAN rondan los 80 millones de dólares.
7. Financiación directa de ciertos países
Mullah Abdul Ghani Baradar, líder de la delegación de los talibanes, y Zalmay Khalilzad, enviado de Estados Unidos para la paz en Afganistán, se dan la mano después de firmar un acuerdo en una ceremonia entre miembros de los talibanes de Afganistán y los Estados Unidos en Doha, Qatar, el 29 de febrero de 2020.
Según informes de la BBC, un documento clasificado de la CIA estimó en 2008 que los talibanes habrían recibido 106 millones de dólares de fuentes extranjeras, en particular de los estados del Golfo.
Hoy en día se cree que los gobiernos de Rusia, Irán, Pakistán y Arabia Saudita financian a los talibanes, según numerosas fuentes estadounidenses e internacionales. Los expertos dicen que estos fondos podrían ascender a 500 millones de dólares al año, pero es difícil dar una cifra exacta a este flujo de ingresos.
¿Quién financia al gobierno afgano?
Durante casi 20 años la inmensa riqueza de los talibanes ha financiado el caos, la destrucción y la muerte en Afganistán. Para combatir su insurgencia, el gobierno afgano también gasta mucho en la guerra, a menudo a expensas de los servicios públicos básicos y el desarrollo económico.
Un acuerdo de paz en Afganistán permitiría al gobierno reorientar sus escasos recursos. El gobierno también podría ver un flujo sustancial de nuevos ingresos de sectores legales ahora dominados por los talibanes, como la minería.
Además, se espera que la estabilidad atraiga la inversión extranjera en el país, ayudando al gobierno a poner fin a su dependencia de donantes como Estados Unidos y la Unión Europea.
Hay muchas razones para apoyar la paz en un Afganistán devastado por la guerra. Su salud financiera es uno de ellos.
Infobae(E.de Rosa) — El cansancio es uno de los síntomas del COVID-19 que más refieren quienes lo padecen, y particular y prolongada sensación en quienes, ya han superado el momento crítico. Ese cansancio es físico, pero también y especialmente mental, anímico, con pérdida de voluntad, de iniciativa, capacidad de concentración, etc., algunos han hablado de “niebla mental”.
La epidemia de coronavirus ya lleva más de 500 días, millones de muertos, contagiados, sintomáticos o no, y al efecto específico del virus, padecemos todos las previamente inimaginables consecuencias de un cambio existencial histórico a escala planetaria.
Eso también nos ha generado un estado de tensión permanente, de estrés diríamos coloquialmente, con su inevitable consecuencia de agotamiento, fatiga, cansancio, irritabilidad, baja tolerancia, etc.
Cada uno lo experimentará y pondrá un nombre a su malestar, pero al igual que la pandemia, en mayor o menor medida, es una afección colectiva.
De la misma manera que cada uno denominará a su malestar, lo que le permite identificarlo, también buscará diferentes formas de enfrentarlo, de poder liberarse del mismo.
Así hay un resurgimiento muy favorable con la vida sana, deporte, cuidado en la alimentación, técnicas de meditación u otras prácticas que, hasta hace unos años poco difundidas, revalorizar el encuentro con el otro, el diálogo positivo, la sinergia, la colaboración.
Pero por otro lado hay quienes, quizás en la incapacidad de utilizar esa u otras estrategias de manera eficiente, pueden buscar algo que los libere rápidamente, de ese malestar tan difuso como constante.
En este camino asistimos por una parte a un incremento en el consumo, de psicofármacos, muy frecuentemente automedicados.
En muchos casos esa automedicación se le representa como un tratamiento médico, pero que, si bien fue sugerido o recetado por un médico, por un lado, no siguen indicaciones claras de dosis, de objeto de tratamiento, de duración especialmente y habitualmente, eso se relacionó en una única visita hace años, y luego la persona siguió modificando dosis y periodos a su criterio, banalizando los graves efectos de la automedicación crónica sin control ni diagnóstico.
Pero otra forma de escape empieza a tener características muy preocupantes, por la naturalización de la misma, ya que se instala en un relato que se instala como lógico e inevitable.
Ese relato es que los sucesos, la rutina de una sociedad conmocionada, vuelven la jornada agotadora y es necesario y lógico tener un momento para desconectarse de la misma, y una copa de alcohol permite ese reencuentro, sereno, consigo mismo o quizás recreacional con amigos, para olvidar, desconectarse de la jornada.
Nada podría ser malo en ello, todos sin duda dirán que lo controlan. Sin embargo, ya no hay una epidemia, sino una instalación en lo social del alcohol y aunque cueste aceptarlo del alcoholismo en la sociedad. Su fortaleza, es su banalidad, ya que no es grave, sino que aporta un necesario relax, una distensión.
Nos asombramos cuando personajes célebres entran en una espiral de autodestrucción, y de alguna manera lo vivimos como ajeno y lejano, pero ninguno de ellos y lo más importante los miles sin nombre de nota, comenzaron en ese estado terminal que emerge en patologías que ponen en peligro su vida y a veces la de los demás.
Hanna Arendt, en el juicio del genocida Eichmann, asombrada por sus declaraciones, habló de la banalidad del mal.
Quizás esta sea una punta del hilo, para evaluar qué nos pasa como sociedad y que consecuencias padecemos, frente a la banalización (negación?) del bienestar de la salud mental.
BBC New World — En Kabul, la capital de Afganistán, muchos estudiantes universitarios están destruyendo las pruebas de que asistían a las aulas, mientras los talibanes patrullan las calles. Una estudiante, de la minoría hazara, que ha sido perseguida por los milicianos, le cuenta a la BBC cómo los sueños que tenía han sido reemplazados por el miedo a no saber si seguirá viviendo.
«… Es algo que no puedo expresar con palabras, honestamente.
Todo, todo lo que soñé, todo por lo que trabajé, mi dignidad, mi orgullo, incluso mi existencia como mujer, mi vida, todo está en peligro.
Quién sabe cuánto tiempo les tomará venir y registrar casa por casa y llevarse a las niñas, probablemente para violarlas. Puede que me suicide cuando vengan a mi casa. He estado hablando con mis amigas, esto es lo que todas, todas, estamos planeando hacer.
La muerte es mejor que ser tomada por ellos…»
Todas estamos asustadas hasta los huesos.
Hace dos meses, mi único objetivo era mi título. Estaba planeando cómo prepararme para el semestre de otoño, qué hacer, qué no hacer, los horarios, tratar de hacer todo bien.
Varias personas estaban asustadas porque los talibanes estaban tomando provincias, pero yo y otros nunca pensamos que tomarían Kabul.
Mi vida era normal hasta que tomaron Mazar-i-Sharif (una gran ciudad al noroeste de Kabul, que era un bastión antitalibán). Ese día me di cuenta de que se había terminado. Luego llegaron a Kabul. Hubo algunos disparos y escuchamos que los talibanes estaban en todos los vecindarios.
Entonces, nada fue normal.
Toda mi familia se quedó en casa. Las tiendas estaban cerradas, los precios subían cada hora y el tipo de cambio también.
Quemé todos mis papeles y documentos universitarios. Quemé todas mis notas de logros y certificados. Lo hice en nuestro balcón. Tengo muchos libros, muchos maravillosos, que estaba leyendo. Los he escondido todos.
Desactivé mis cuentas de redes sociales. Me dijeron que era demasiado peligroso tener publicaciones ahí o incluso estar en las redes sociales. Al parecer, los talibanes revisan las publicaciones y nos encuentran a través de ellas.
Facebook fue el principal problema porque yo estaba activa ahí. Tenía mensajes antiguos que decían que los talibanes no podían hacer nada, que les haríamos frente, que no podrían detener mi derecho a la educación, que no podrían encerrarme en casa. Los llamé terroristas. Seguro eran publicaciones ofensivas para ellos.
Y obviamente han logrado todo eso en unos días. Me hace sentir devastada, aterrorizada, triste.
Los talibanes han anunciado que las mujeres deben vestirse de forma conservadora y llevar el hiyab. La gente lleva burka y hiyab por miedo.
He oído hablar de universidades en algunos lugares en donde se ha puesto un telón entre chicos y chicas en las aulas. Algunas familias no dejan que sus hijas vayan a clases. Porque todo el mundo sabe que los talibanes aún no están mostrando su verdadero rostro, pero definitivamente lo mostrarán, y quieren evitar cualquier problema cuando lo hagan.
Vi la conferencia de prensa de los talibanes (donde prometieron respetar los derechos de las mujeres). Mienten, estoy segura de que mienten.
Salí el martes con mi padre a buscar medicinas. Todo estaba cerrado. Tuve que usar hiyab completo, y la gente incluso usaba burka, niñas de 13 y 14 años. No es como antes. Sientes que la ciudad se ha ido. La ciudad está muerta.
Los talibanes caminan en las calles. Te miran, incluso cuando estás usando el hiyab completo, como si no fueras un ser humano normal, como si fueran dueños de tu vida, como si fueras una basura que debería tirarse. Así te miran en la calle.
Cuando estudiaba, soñaba con tantas cosas, planes de vida y metas.
Ahora creo que tendré que irme del país, porque soy hazara. Han atacado escuelas para niñas hazaras antes, matado a cientos. Así que seguramente nos matarán, probablemente nos violarán. Como mujer y también como minoría, no hay espacio para mí en mi propio país.
Toda mi familia está asustada. Hemos estado intentando huir, legal o ilegalmente, desde el día en que los talibanes tomaron el poder. El aeropuerto está demasiado lleno, no hay espacios libres para la evacuación y los países nos están rechazando, y todos, todos están mirando como si nada estuviera sucediendo.
Lo que más pediría a los gobiernos extranjeros es que no reconozcan a los talibanes como el gobierno de Afganistán. Porque si lo hacen, obviamente estaremos muertos, probablemente peor que muertos, quién sabe.
Pero lo que es más devastador que ver cómo toman la ciudad que amo con todo mi corazón, lo que más duele es que el mundo esté tan callado. Todo el mundo está tan callado.
Y las personas a las que simplemente no les importa, actúan y se comportan como si los afganos no fueran humanos.
Y eso me rompe el corazón.
«Humanidad para todos», dice una frase. Pero creo que probablemente debería ser «Humanidad para todos, excepto para los afganos». Nunca pensé que estaría en este punto.
Es desgarrador queen tan solo unos días, todo lo que alguna vez soñé, todo lo que alguna vez pensé que tendría, todo se haya ido.
El nombre de la autora no se publica por su seguridad.
John Deacon con Freddie Mercury en la gira de 1978 en la que Queen presentó News of the World
Infobae(M.Bauso) — Hace 23 años que no hace apariciones públicas. Su vida es un misterio y él se ha convertido en un recluso que apenas sale de su casa. Hoy cumple 70 años y, seguro, no habrá ningún festejo público. Nadie sabrá quién estuvo en la fiesta. Aunque sea fácil suponer que no habrá ningún famoso. Los invitados no saldrán de su esposa, sus hijos, nueras, yernos y nietos.
John Deacon siempre cultivó el perfil bajo. Todavía en actividad era el miembro más discreto de Queen. Fue el último en entrar en la banda y, justamente, su personalidad apocada, poco propensa a la exteriorización fue uno de los argumentos principales que posibilitaron su incorporación.
Los otros tres (May, Mercury y Taylor) necesitaban un bajista pero también alguien que no desacomodara la química del grupo, alguien que aportara equilibrio. Deacon parecía el candidato ideal.
Prontamente encontró en el vocalista a un amigo. Siendo el menor de los cuatro, Deacon se apoyó en Mercury y solidificaron un vínculo, una amistad genuina. Por eso luego de la muerte de Freddiefue a quien más le costó superar el dolor y volver a poner en funcionamiento la maquinaria Queen.
John Deacon fue el último miembro en entrar a la banda.
Nació en Leicestershire. Su papá murió cuando él era muy chico. Su madre luchó por salir adelante. Consentía al hijo todo lo que podía. Así cuando él le pidió una guitarra, ella gastó sus ahorros en ella. Era roja y tenía un músico con camisa vaquera roja dibujada en la tapa.
John con sus siete años empezó a domar el instrumento. A los 14 años tuvo su primera banda, The Opposition. Al año siguiente el bajista de un grupo juvenil, que ya había cambiado el nombre a The Art, renunció.
Deacon cubrió su lugar. Unos años después cuando Deacon ingresó a la universidad para estudiar ingeniería electrónica (de las estrellas del rock, los de Queen deben ser los músicos con mayores reconocimientos académicos), la banda se disolvió. John, entonces, revisaba los avisos de las revistas musicales e oba a cuanta audición podía.
Él buscaba alguien que sonara como Deep Purple, pero mientras tanto se conformaba tocando en bandas R&B o soul. Cuando estaba por cumplir 21 años, conoció a Brian May y Freddie en una disco. Estaban sin bajista y lo invitaron a hacer una prueba. Algunos dicen que fue el cuarto bajista en ser escuchado; otros que fue el séptimo.
Lo cierto es que esa misma noche, John Deacon fue aceptado como miembro de Queen. A su madre no le gustó la idea, temía que desatendiera sus estudios. Pero John se recibió con honores poco después.
Que su presencia escénica (pese a sus cambios capilares: pelo largo, afro o trabajada permanente según la época) fuera discreta, no implicaba que su aporte al grupo fuera menor. Él era el balance y la red de contención. Su ductilidad como bajista es reconocida entre pares y especialistas.
La revista Rolling Stone, por ejemplo, lo eligió 32 entre los 100 mejores bajistas de la historia. Su bajo no sólo se encargaba de la parte rítmica, de dar basamento a la música de Queen, sino que se destacaba en las líneas melódicas. A partir del tercer disco empezó a escribir canciones.
Varios de los grandes hits de la banda fueron creación de Deacon: Another one bite the dust, You are my best friend, I want to break free, Spread your wings,entre otras. Co-escribió con Mercury Friends will be friends. Tampoco se debe olvidar que la característica y adictiva línea inicial de bajo deUnder Pressuretambién es obra suya.
Deacon se enamoró y se casó pronto. Con Verónica Tetzlaff, una chica católica de origen polaco. El éxito masivo, las giras globales, los periodistas y las groupies llegarían después. También los (muchos) hijos de Deacon: cinco varones y una mujer.
Con sus primeros ingresos importantes por derecho de autor compró una casa en el sur de Londres. Allí es donde sigue viviendo más de cuarenta años después y con una fortuna que se calcula en los 150 millones de dólares.
Dicen, quienes lo conocen, que nunca quiso mudarse para no afectar la escolaridad de sus hijos, para brindarles una vida lo más normal posible.
En alguna época, en tiempos del éxito masivo y de las giras de dos años de duración, el alcohol y las drogas lo complicaron. También la depresión, en especial en el momento en que el grupo decidió parar y que cada uno de los cuatro se dedicara a sus proyectos solistas. Pero el regreso a los escenarios a mediados de los ochenta lo revitalizó.
Luego de la muerte de Freddie, John Deacon creyó que sin su líder el grupo no podía continuar. Para él, Queen eran ellos cuatro. Si faltaba alguien, y mucho más si esa ausencia era Freddie, el grupo no debía continuar. Sin embargo durante unos años siguió: dos o tres recitales benéficos, algún homenaje, Made in heaven el disco con la voz póstuma de Freddie.
Hasta que en 1996 dijo basta. May y Taylor trataron de convencerlo. Sabían que la franquicia gozaba de buena salud y que quedaba mucho por facturar. Deacon, amable pero firme, resistió los embates y mantuvo su decisión. Llegaron a un acuerdo rápido: los otros dos podían continuar con el nombre de la banda y encarar los proyectos que quisieran, sólo tenían que consultar con él antes de firmar algún contrato de importancia.
De esa manera hubo giras con otros cantantes, publicación de más Greatest Hits, un musical en Londres (que él presenció) y Broadway y, naturalmente, Bohemian Rhapsody, la película que revitalizó el interés por la banda. Muchas veces Deacon ni siquiera se molesta en responder qué opina de estos proyectos.
Sus compañeros asumen que ese silencio implica aprobación y ponen en marcha los negocios. Roger Taylor declaró a periodistas ingleses: «En la gran mayoría de las oportunidades nisiquiera nos responde. Eso si, los cheques los acepta todos». Algunas calculan que cada año, sin salir de su casa, recibe más de 10 millones de dólares en regalías.
Deacon, tras la muerte de Freddie Mercury, no quiso continuar con la actividad de la banda.
Alguna vez presenció un ensayo en el que los miembros restantes de Queen preparaban We Are The Champions con Robbie Williams. Cuando terminó la interpretación, Deacon quedó en silencio un largo rato. El resto lo miraba expectante. Sólo dijo una breve frase antes de volver a callar: «Este señor, decididamente, no es Freddie»
Su última gran aparición en los medios se produjo en 2002. Fue, sorprendentemente, carne de tabloide. El hombre discreto, el bajista invisible, fue tapa de los medios más escandalosos durante días. Se descubrió que Deacon mantenía una relación con una stripper de 25 años. Los datos comenzaron a llover.
Los testigos de a poco cedieron a la tentación de la fama efímera y fueron contando detalles y aportando datos. Deacon tenía un palco vip permanente en un exclusivo club de strip tease londinense. Convertirse en parroquiano y enamorarse de una de las chicas fue casi una continuidad.
Luego, el seguimiento de los periodistas, la investigación y alguna delación permitieron conocer que le había regalado un Mercedez Benz, un departamento y hasta que había pagado la vacaciones de toda la familia de ella en Marbella.
Cuando el escándalo explotó, Deacon dejó de frecuentar el club, no dio ninguna declaración y aumentó, aún más, sus costumbres eremitas.
Tal vez debe haber pensado que este romance fugaz era una nimiedad para el integrante de un grupo que solía presentar sus discos organizando bacanales de un fin de semana de duración o en el que cada celebración post concierto se convertía en una multitudinaria orgía.
Cuando se estrenó Rapsodia Bohemia, el tanque cinematográfico que narra la vida de Freddie Mercury, en la alfombra roja sólo estuvieron presentes dos de los tres integrantes sobrevivientes de Queen: el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor.
Aparecieron en todas las fotos, alegres, olímpicos, mezclados con los actores de la película. Peinados urdidos, bronceadas perfectos, sonrisas de varias decenas de miles de dólares, costosas joyas, trajes a medida. Dos rockstars, algo veteranos pero radiantes.
La ausencia del tercer integrante del grupo no sorprendió a nadie. John Deacon no se presenta en eventos públicos desde hace veintitrés años.
En medio del furor post-estreno de la película fueron muchos los periodistas que hicieron guardia frente a su casa para obtener una imagen o una imposible declaración del bajista. Sólo obtuvieron unas pocas fotos. En una esquina, contra una pared de ladrillos, un señor mayos fuma y mira con desconfianza, parece haberse dado cuenta de que estaban apuntándolo con una cámara (o un teléfono).
Los pocos pelos que subsisten peinados para atrás -sólo hay canas en esa cabeza-, un cardigan trenzado, pantalón pinzado, camisa a cuadros, panza prominente. Parece más un bancario retirado que el integrante de uno de los grupos de rock más populares de la historia.
Pero Deacon, después de varios años de excesos, desniveles y depresión, eligió tener una vida normal. Una vida lo más normal posible. Bajarse del circo, salir de debajo de los focos no le costó demasiado. Se refugió en su familia y en su casa de siempre; no necesitó de un palacio para recluirse.
Ante el requerimiento de los periodistas, un vecino confirmó que Deacon seguía viviendo allí pero que no lo solían ver, que salía de su casa muy poco, a veces pasan meses entre una salida y la otra. Su última salida regular y cotidiana se interrumpió hace unos años.
Todas las tardes, él y su mujer, la misma desde hace 46 años, caminaban una decenas de metros para tomar un copa de frío vino blanco en la barra del pub de su cuadra. Charlaban un rato y volvían a su casa para cenar.
Una de las pocas fotos recientes que se conocen de John Deacon, sacadas en la calle mientras fumaba un cigarrillo. Durante el furor del estreno de Rapsodia Bohemia, los fotógrafos montaron guardia en su casa pero no consiguieron retratarlo
Pese a eso, en épocas de los celulares que filman con gran fidelidad de imagen, y en las que existe la necesidad de que todo quede registrado, no sorprende que circulen por You Tube algunos videos del Deacon actual abordado por fanáticos en alguna calle londinense.
El contraste con su ex compañeros de banda es llamativo. Deacon no tiene aire jovial (indispensable para una estrella de rock), ningún artilugio que lo haga parecer de menos edad (cirugías, tratamientos capilares, maquillajes), viste ropa poco llamativa y se muestra sobrepasado por los requerimientos de sus fans.
En uno de esos videos se tapa la cara con sus manos cuando llegan varios jóvenes a pedirle su autógrafo.
Deacon, siempre apocado, se movió con dificultad en el mundo del rock. Dio conciertos para masas, hizo una fortuna, creó canciones inmortales, integró una de los grandes grupos de la historia, vivió años de excesos y, simultáneamente, formó una familia.
Un día decidió dejar todo. Y disfrutar de otras cosas. Intentó construir, dentro de lo posible, una vida normal con su familia. Las luces, los flashes, la fama y los excesos se convirtieron para él en una cosa del pasado.
Cuando estaba de cerca de cumplir cincuenta años, empezó una nueva vida, con la inteligencia y la prevención de conservar lo mejor de la anterior.
“No puedo más, me duele todo el cuerpo”: el último recital que Freddie Mercury hizo con Queen sin saber que era su despedida
El show había terminado. “Muchas gracias a todos. Buenas noches y dulces sueños. Los amamos”. Esas fueron las últimas palabras de Freddie Mercury sobre el escenario. De fondo sonaba God Save the Queen. La gente ovacionaba a la banda. Él, con el torso desnudo, una larga capa real de terciopelo rojo, una corona en una mano y el cetro y el micrófono en la otra, se retiró del escenario. Y ya no habría bises ni nuevas funciones.
Ninguno sabía que sería la última vez. Ni ellos cuatro ni las ciento veinte mil personas del público. Imposible planear un final tan cercano a la apoteosis, que se confunda con ella. Para todos era sólo un magnánimo final de una gira triunfal.
El Magic Tour en el que presentaban el disco A Kind of Magic había tenido decenas de fechas, siempre agotadas. Queen era una banda de estadios. Su hábitat eran las multitudes.
Un mes antes habían llenado Wembley dos veces. Las entradas para esos conciertos se agotaron en tiempo récord. La gira debía terminar con las tres actuaciones en España. Pero el manager Harvey Goldsmith subió la apuesta y convenció a los músicos de sumar una actuación más. Otra vez en Londres pero en un sitio que de tan grande parecía imposible de llenar.
El 9 de agosto de 1986, hizo 35 años, en Knebsworth Park y ante al menos 120.000 personas (esas fueron las entradas vendidas pero se calcula que había varios miles más) Queen daba su último recital con Freddie Mercury.
Hubo tres grupos que oficiaron de teloneros. A Belouis Some, la primera banda en subir, le fue mal. Los abuchearon, les tiraron todo lo que tenían a mano. Fue una derrota que tal vez, por la masivo, derrumbó definitivamente su carrera. Después llegaron los experimentados Status Quo, que habían estado el año anterior en el Live Aid.
Tampoco convencieron al público. Parecía que cada banda que se presentaba, en vez de distraer a la gente, en vez de hacer que el tiempo pasara más amablemente, sólo les recordaba las horas que faltaban para que apareciera el grupo que ellos habían ido a ver. Por último fue el turno de Big Country, que pasaban por un buen momento con un tema en los charts.
Los atascos en las vías de acceso duraron horas. Algunos, previsores o ansiosos, acamparon en la entrada para ingresar apenas abriera el predio. Otros tardaron hasta 5 horas para hacer un camino que, en circunstancias normales, sólo les llevaría 30 minutos. Los músicos no podían llegar por tierra. Fueron en un helicóptero que aterrizó en un descampado detrás del escenario.
Aviso del show que salió publicado en diarios y revistas especializadas con el anuncio de las bandas que oficiarían de teloneras en esa jornada histórica
Hay imágenes del precalentamiento de Freddie en el camarín. Prepara la voz, hace flexiones con energía, elonga. Después la caminata triunfal hasta llegar al escenario. Freddie lleva una musculosa amarilla, una chaqueta del mismo color con apliques y charreteras y un pantalón blanco con vivos dorados.
A medida que pasen las canciones, el vestuario se modificará varias veces.
Las condiciones técnicas fueron impecables. Un escenario imponente. Un sonido claro y potente, el mejor posible en la época. Y varios pantallas gigantes, con la más grande detrás de los músicos, para que desde cualquier lugar del predio se pudiera seguir la actuación sin inconvenientes.
Ese día la formación fue la de siempre. Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor. Como durante toda la gira, Spike Edney se sumó en teclados y en coros.
Se apagaron las luces, la multitud gritó nerviosa, ansiosa y empezó God Moves in a Misterious Ways, una introducción instrumental que permitía aumentar la expectativa, que entraran las palmas del público y que se acomodaran los músicos.
Enseguida, el primer tema, One Vision: la guitarra rápida de May y la base rítmica, hasta la entrada de la voz de Freddie.
Era tanta la gente que para la gran mayoría (y también para los músicos) un hecho trágico pasó desapercibido.
Mientras sonaba la primera canción de la noche, en el medio del campo, se produjeron algunas corridas. Parecía que era algo pasajero, que la presión de los del fondo ante la emoción del comienzo del show, había empujado a la multitud hacia adelante.
La masa se movía de manera uniforme, era como una danza colectiva que iba dejando un lugar abierto en el centro. Allí había ocurrido un asesinato. Un joven fue apuñalado tras una discusión. La policía retiró el cadáver aunque pocos se enteraron del grave incidente. Varias semanas después tres jóvenes fueron acusados por el homicidio.
Dos horas de show en la que Queen desplegó cada una de sus caras. Tocaron 5 temas de su último disco (que había sido un éxito de ventas pero al que la crítica había recibido con frialdad, y en alguno casos hasta con ácido sarcasmo; sin embargo A Kind of Magic contenía el tema homónimo, One Vision, Who Wants to Live Forever y Friends Will Be Friends, entre otros).
Y también cada uno de sus hits. Pero la serie final que eligieron era (y lo sigue siendo) invencible: Bohemian Rhapsody, Hammer to Fall, Crazy Little THing Call Love, Radio Ga Ga, We Will Rock You, Friends Will Be Friends y We are the Champions. Un setlist perfecto.
El público enloquecía. Habían recibido lo que habían ido a buscar, y, tal vez, un poco más. Lo que todavía no sabían, no tenían modo de saber era que esa experiencia no se volvería a repetir.
Los músicos volvieron al centro de Londres y a su hotel en helicóptero. La multitud se desconcentró de manera muy lenta. A alguien se le ocurrió una idea que pudo haber provocado daños y pérdidas irreparables. Apenas finalizó el concierto y luego de abrir los accesos, apagaron todas las luces.
Más de 120.000 personas trataban de irse del lugar tanteando a cada paso. Buscaron a ciegas en el bosque y en los campos aledaños el lugar en le que habían dejado su auto. Mientras tanto la policía palpaba a cada espectador y revisaba las carteras y mochilas; buscaban el cuchillo asesino.
La ruta y los caminos de salida están colapsados. A los espectadores la salida del predio les llevó horas.
Durante las 26 fechas del Magic Tour, Queen presentó A Kind of Magic, su onceavo disco de estudio
El recital en Knebworth fue el final de una gira extenuante pero gloriosa. Queen había revalidado el título que había obtenido un año antes durante el Live Aid, esos 15 minutos en los que conmovió al mundo. Era uno de los grandes shows en vivo.
La música podía pasar de las baladas emotivas al heavy, de la intimidad de Love of my Life a la grandilocuencia operística de Bohemian Rhapsody. La solidez musical de los intérpretes y la prestancia escénica de Freddie Mercury que lograba cautivar a cada espectador.
Mercury logró que el público se sintiera parte, que viviera una experiencia: los coros de épicos We are the Champions, las palmas sincronizadas de Radio Ga Ga son ejemplos evidentes o los juegos vocales que el front-man hacía repetir a la gente.
Apenas terminó el show, el cantante les dijo a sus compañeros: “No puedo más. Me duele todo el cuerpo”. No era una confirmación del final ni mucho menos una renuncia. Sólo una descripción del cansancio tras la sucesión de shows, los viajes, la energía dejada en el escenario ante cientos de miles de personas.
“Freddie siempre decía eso cuando terminábamos una gira. No significaba que no seguiría. Sólo que estaba cansado por el trajín”. En las imágenes de ese día no hay ningún indicio del final. Ni en los momentos previos al show, ni en las palabras finales, ni en la actitud de ninguno de los músicos.
Freddie Mercury estaba convencido que sólo había terminado la presentación de su disco más reciente. En poco tiempo, creía, se iba a volver a encontrar con su público.
Ni Freddie Mercury, ni los otros tres miembros de Queen sabían que la de Knebworth sería su última actuación.
Al año siguiente, Freddie Mercury supo que tenía HIV. El Sida, en ese entonces, era incurable, una sentencia de muerte que al drama de la enfermedad terminal se sumaba el escarnio público, el estigma. Su deterioro físico fue evidente y veloz. Queen, con su formación original, ya no se presentaría en vivo. Pero ese no fue el final de la banda.
Cuando Freddie les contó a sus compañeros sobre su estado de salud, les pidió seguir grabando. Y así lo hicieron. Queen sacó dos discos más (y dejó material para uno que saldría póstumamente) mientras Freddie lidiaba con la enfermedad y con la prensa que sospechaba que las cosas no andaban bien: los periodistas de los tabloides querían alguna declaración que se convirtiera en un titular que vendiera cientos de miles de ejemplares o, mejor aún, alguna foto escabrosa.
Freddie Mercury murió el 24 de noviembre de 1991, poco más de 5 años después del recital multitudinario recital en Knebsworth, el último con Queen, aunque nadie en ese momento lo supiera.
La grabación de esa última actuación circuló durante décadas en copias piratas. De esa gira se editaron los shows en Wembley y el del primer recital tras la Cortina de Hierro, en Budapest. Sin embargo en 2018, el show de Knebworth, fue lanzado oficialmente.
Un registro de ese show histórico que a su valor musical, le suma el arqueológico y emocional. Ese día terminaba mucho más que el Magic Tour.
Sonidos que quizás nuestros hijos o nietos nunca escucharan
Quizá lo hayamos pasado por alto, pero muchos de aquellos sonidos con los que crecimos en nuestra infancia y que resultaban tan comunes, se fueron quedando en el olvido, casi siempre por qué la innovación tecnológica los consideró innecesarios y terminaron eliminándolos o sustituyéndolos. A continuación te presentamos una selección de estos “sonidos en extinción”.
El sonido de una máquina de escribir.
Con un cóctel de sonidos inconfundibles, una máquina de escribir es un objeto muy fácil de reconocer, incluso cuando nos encontramos a varios metros de distancia. Desde el “clac clac” de sus teclas hasta ese peculiar sonido que producía la bobina de alimentación de papel, todos sabían cuando alguien se encontraba mecanografiando algún texto.
La marcación en un teléfono de disco.
Pese a que un montón de geeks nostálgicos han fabricado multitud de apps que lo simulan, el discado pasó a convertirse en la característica de un objeto coleccionable: los teléfonos de discado rotativo. Si tú, pequeño saltamontes, nos crees ridículos por apreciar este tipo de tecnología, no sabes la emoción que significaba girar los dedos en los pequeños orificios de estos objetos.
El sonido del cubo de flash.
Una serie de cámaras antiguas presentaban toda una innovación: los cubos flash. Comunes en cualquier acto social en la década de los 60, los “cubos flash” permitían mucha más versatilidad a la hora de tomar fotografías – pues un solo cubo tenía flash suficiente para CUATRO fotografías seguidas. Antes de esta innovación, para tomar una foto con flash se hacían necesarios los bulbos con flash – que tenían que cambiarse entre foto y foto pues se quemaban en cada disparo.
Cafetera antigua.
Un buen café con gusto vintage. Este modelo de cafetera italiana o cafetera moka era bastante popular en el pasado. Si no tienes ni idea de cómo funciona, en YouTube puedes encontrar tutoriales. Su sonido parecía la respiración de Darth Vader.
El cambio de canal en una televisión.
La famosa frase televisiva “no le cambie de canal” es una reminiscencia de la original «Don’t touch that dial!«, el “dial” era el botón con el que se cambiaban los canales en las primeras televisiones analógicas y tenía un sonido muy peculiar.
El final de una transmisión en televisión.
Actualmente parece inconcebible que un canal de televisión salga del aire por voluntad propia, incluso si eso significa llenar los espacios vacíos con multitud de infomerciales.
Pero en el pasado, las estaciones de TV cesaban sus emisiones durante la noche. En determinado momento presentaban su video de despedida y a continuación anunciaban algunos detalles técnicos del canal (el horario en el que regresarían, la frecuencia de transmisión, etc.) y entonces se seguía un bip que daba paso a nada más que estática.
Cambiador de discos.
Los cambiadores para tocadiscos les facilitaron a las personas elaborarse una playlist. Con este dispositivo se hizo posible cambiar entre múltiples discos de forma automática. El sonido tan característico lo producían los propios discos cayendo del plato y la aguja que arañaba la superficie.
Proyector de películas.
Los días del cine eran los mejores. No había nada mejor que el sonido de un proyector de carretes y el olor a palomitas recién hechas.
Antigua máquina registradora.
Aunque las modernas imitan algunos sonidos, las antiguas máquinas registradoras estaban repletas de sonidos curiosos como esta del video.
Los 10 gladiadores más famosos de Roma Antigua
En la Roma Antigua, los gladiadores eran los equivalentes a nuestros modernos luchadores de boxeo. Sus batallas en la arena congregaban a miles de personas, entre las que se encontraban los hombres más importantes de la época.
Estos hombres eran tradicionalmente comprados como esclavos, y los que se convertían en gladiadores de éxito disfrutaban de las mieles de la fama con miles de seguidores, regalos costosos e incluso podían llegar a ganar su libertad si alcanzaban el número de victorias suficientes.
Marcus Atilius
Aunque era ciudadano romano de nacimiento, Atilius prefirió unirse a la escuela de gladiadores en un intento por liquidar las numerosas deudas que había adquirido durante su vida.
En su primera batalla logró derrotar a Hilario, un gladiador perteneciente al emperador Nerón, que había salido victorioso en treces batallas consecutivas. En otro combate, Atilius derrotó a Lucius Raecius Felix quien tenía un invicto de 12 batallas.
Las hazañas de Atilius fueron registradas en mosaicos y dibujos descubiertos en 2007.
Vero y Prisco
Aunque su última pelea haya sido una de las mejores documentadas de la Roma Antigua, se sabe muy poco de estos dos rivales.
La batalla entre Vero y Prisco en el primer siglo d.C. fue el primer combate entre gladiadores en el célebre Amphitheatrum Flavium (actual Coliseo Romano).
Luego de una vigorosa lucha que se extendió por horas, los dos gladiadores se rindieron uno al otro, al mismo tiempo, bajando sus espadas como un signo de respeto mutuo.
La extasiada multitud gritó como una señal de aprobación y al emperador Tito no le quedó más remedio que premiar a ambos con el rudis, una espada de madera que se les daba a los gladiadores al momento de su jubilación. Vero y Prisco abandonaron la arena como nuevos hombres libres.
Tetraites
Tetraites originalmente sería descubierto por medio de unas inscripciones encontradas en Pompeya en el año 1817, se trataba de unos dibujos que ilustraban su valiente victoria sobre Prudes. Su estilo consistía en luchar con un caso semejante a la figura de un pez, una espada corta, un enorme escudo rectangular, protectores de brazos y espinilleras.
Las dimensiones de la fama de Tetraites en el pasado serían finalmente comprendidas hasta finales del siglo XX, cuando se encontraron cerámicas con ilustraciones del luchador en lugares tan lejanos como Francia e Inglaterra.
Spiculus
Spiculus fue otro famoso gladiador del primer siglo d.C, y (supuestamente) tenía una relación de especial proximidad con el malvado emperador Nerón. Luego de las numerosas victorias de Spiculus, Nerón le concedería palacios, esclavos y riquezas más allá de la imaginación.
Durante el año 68 d.C Nerón sería depuesto del cargo y solicitó a sus asesores que localizaran a Spiculus pues quería morir por la espada del famoso gladiador. Pero como Spiculus nunca fue localizado, Nerón se vio obligado a suicidarse.
Carpóforo
Mientras que los demás gladiadores de esta lista son celebres por sus combates cuerpo a cuerpo contra otros seres humanos, Carpóforo fue un famoso bestiarii.
Estos gladiadores luchaban exclusivamente contra animales salvajes, y, evidentemente, tenían carreras muy cortas. Luchando en los inicios del Amphitheatrum Flavium, Carpóforo se hizo famoso por derrotar a un oso, un león y un leopardo en la misma batalla.
En otro combate ese mismo día, mató a un rinoceronte con una lanza. En total, se cuenta que mató a veinte animales salvajes en el mismo día de combate, como resultado, sus seguidores y compañeros de profesión llegaron a comparar a Carpóforo con el mitológico Hércules.
Crixo
Crixo era un gladiador de la Galia, brazo derecho del mismísimo Espartaco.
Su éxito fue notable en la arena, pero tenía un profundo resentimiento por su Lanista – el líder de la escuela de gladiadores, entrenador y «propietario» de los mismos. Por lo que después de huir para liberarse, Crixo luchó en una rebelión de esclavos, colaborando en la derrota (con relativa facilidad) de algunos ejércitos enviados por el Senado romano.
Sin embargo, luego de una discusión con el líder de la rebelión, Crixo y sus hombres terminaron por separarse del grupo principal y se dirigieron hacia el sur de Italia. Esta maniobra desvió la atención de las fuerzas militares sobre el grupo principal, dándoles tiempo necesario para escapar.
Por desgracia, las legiones romanas alcanzaron a Crixo antes de que pudiera vengarse de los que lo habían oprimido durante tanto tiempo.
Flamma
Flamma, un esclavo de origen sirio, murió a la edad de treinta años, tras haber luchado treinta y cuatro veces y haber ganado veintiún estas peleas. Nueve combates terminaron en empate, siendo derrotado tan sólo en cuatro ocasiones. Lo más llamativo es que a Flamma se le entregó el rudis cuatro veces.
Cuando un rudis era dado a un gladiador, quedaba liberado de sus ataduras, y por lo general podía vivir como ciudadano romano. Pero Flamma rechazó la libertad y optó por seguir peleando en la arena.
Cómodo
Célebremente interpretado por Joaquin Phoenix en la película Gladiador, Cómodo era un emperador obsesionado con los combates en la arena. Como todo egocéntrico narcisista, Cómodo se vio a sí mismo como el hombre más grande e importante en el mundo.
Creía ser Hércules, y llegó tan lejos con esta convicción hasta el punto de vestir la piel de leopardo como lo hacía el famoso héroe mitológico. Pero en la arena, Cómodo acostumbraba a luchar con gladiadores que estaban armados con espadas de madera, y abatía animales salvajes que generalmente estaban prisioneros o heridos.
Como es de suponerse, la mayoría de los romanos nunca apoyaron a Cómodo. Su falsa habilidad en la arena era vista como una falta de respeto, y sus predecibles victorias fueron vistas como espectáculos aburridos. En algunos casos, capturaba ciudadanos romanos con alguna discapacidad y les daba muerte en la arena.
Como prueba de su egolatría, Cómodo cobraba millón de sestercios para cada espectáculo al que se presentaba, a pesar de que nunca fue “invitado” para aparecer en la arena. Cómodo fue asesinado en el año 192, y se cree que sus acciones como «gladiador» animaron a su círculo más próximo a cometer la traición.
Espartaco
Por mucho, el gladiador más famoso de la historia. Espartaco era un soldado tracio que fue capturado y vendido como esclavo. Léntulo Batiato, de Capua, reconoció su potencial y compró a Espartaco con la intención de convertirlo en un gladiador.
Pero la feroz independencia de un guerrero no es nada fácil de domar: en el año 73 a.C, Espartaco convenció a setenta de sus compañeros gladiadores, entre ellos Crixus, de iniciar una rebelión contra su Lanista. En la revuelta, Batiato fue asesinado y sus gladiadores huyeron hacia las faldas del Monte Vesubio.
Durante este peregrinaje, el grupo fue reuniendo hombres libres y también muchos otros esclavos, por lo que llegó a conformarse un ejército grande y poderoso.
Los gladiadores pasarían el invierno del 72 a.C entrenando a los esclavos recién liberados, preparándose para lo que hoy conocemos como la Tercera Guerra Servil, en total, este grupo llegó a estar conformado por unas 70,000 almas.
Legiones enteras fueron enviadas con el objetivo específico de matar a Espartaco, pero eran fácilmente derrotadas por el espíritu de lucha y la experiencia de los gladiadores. En el 71 a.C, Marco Licinio Craso unió unos 50,000 soldados romanos bien entrenados para perseguir y derrotar a Espartaco.
Craso acorraló a Espartaco en el sur de Italia, donde derrotó a sus fuerzas y mató al libertador (el cuerpo de Espartaco, sin embargo, nunca fue encontrado). Seis mil de sus seguidores fueron capturados y crucificados a lo largo de la Vía Apia, el camino de Capua a Roma.
5 hábitos inocentes que podrían dejarte ciego
Percibimos la realidad a través de nuestros cinco sentidos esenciales. Perder uno o dos de estos sentidos significaría aislarnos de parte de esa realidad ¿Has pensado cómo se las arreglan las personas que carecen de uno o varios de estos sentidos? Los más fáciles de perder son la vista y el oído.
Pese a que los sentidos tengan una importancia relativamente igualitaria, la vista resulta primordial. Y, aunque la utilizamos todos los días, no le ponemos el cuidado que requiere.
Sí, hemos acumulado un considerable número de hábitos que perjudican nuestra vista, y muchos de ellos de forma tan negativa que, en los peores casos, lo hacen de forma permanente. La mayoría de las veces actuamos de forma totalmente inconsciente.
Algunos de estos hábitos son cosas tan comunes en nuestro día a día que a largo plazo podrían provocar ceguera. Sería ideal tomar las debidas precauciones. Échale un ojo a estas cinco cosas que podrían perjudicar tu vista.
Ver al Sol.
¿Has escuchado que la curiosidad mató al gato? Pues sí, los niños suelen ser muy curiosos y son los más vulnerables a esta mala costumbre. Es imposible negar que cuando éramos pequeños intentamos ver directamente al sol. Incluso los adultos lo hacen, aunque es más probable que sea por la reflexión sobre un cristal o metal.
El daño que este mal hábito puede causar es considerable, pudiendo conducir a una catarata y, en consecuencia, ceguera. Por esto se recomienda utilizar gafas de sol para proteger los ojos de los rayos ultravioleta – y no solo por qué vas a mirar directamente al Sol, sino para disminuir los rayos que pueden incidir de forma indirecta.
No utilizar goggles para natación.
En los días calurosos algunas personas suelen acudir a las piscinas para refrescarse un poco o quizá lo hagan como una forma de ejercicio físico regular. Seguramente no hace mucho que te diste un chapuzón en alguna piscina pero, ¿usaste goggles? Lo más seguro es que no, pero deberías haberlo hecho. Los productos químicos que pueden encontrarse en el agua de una piscina pueden perjudicar los ojos y provocar desde las típicas irritaciones hasta una ceguera temporal.
Usar el celular en la oscuridad.
A veces, estamos tan inmersos en algún contenido en el celular que simplemente no podemos abandonar el dispositivo. Cuando nos damos cuenta ya es media noche y todo el cuarto está oscuro. Incluso así, seguimos. Si con poca iluminación la lectura tradicional de un libro ya es algo difícil, con los celulares ocurre algo más extremo.
Existen diferentes estudios que afirman que los smartphones son perjudiciales para los ojos, provocando una serie de afecciones como ojos secos, dolor de cabeza y visión borrosa. Expertos alemanes llegaron a afirmar que los celulares incluso pueden provocar cáncer ocular.
Dado que ninguno de los estudios es conclusivo, lo mejor es tener cuidado y usar el celular con moderación.
Fumar.
Aunado al gran número de problemas y enfermedades que provoca el tabaquismo, fumar se ha asociado con el 25% de los casos de degeneración macular. Para empeorar el panorama, los fumadores pasivos tienen el doble de probabilidades de padecer esta enfermedad.
Está bien documentada la relación que existe entre la exposición prolongada al humo de tabaco y la degeneración macular, enfermedad de Graves, catarata, glaucoma, uveítis y enfermedades de la superficie ocular, conduciendo a una ceguera irreversible en muchos de los casos.
Rascarse el ojo.
Rascar el ojo puede ser muy malo dependiendo de la frecuencia y fuerza con que se hace. Muchas veces lo hacemos sin percatarnos, ya sea por qué estamos muy cansados o por qué es un movimiento casi involuntario. Si te rascas los ojos con las manos sucias, estás exponiéndote a una infección ocular.
Además, si rascas con demasiada fuerza puedes producir un daño permanente en la córnea. Puedes empezar a desarrollar queratocono y a perder gradualmente la visión por un hábito muy banal.
sobrehistoria.com/wikipedia — Para nadie es un secreto que una de las series más populares actualmente creadas por la mayor plataforma de streaming de vídeo, Netflix, es Gambito de dama, que narra la historia de Beth Harmon, quien podríamos definir como una genio del ajedrez. Pero, ¿es esa la verdadera historia que inspiró Gambito de Dama?
Como ocurre en muchos casos, al estar ambientada en una realidad pasada (años cincuenta-sesenta del siglo pasado, en adelante) surgen muchas dudas sobre la veracidad de su historia, es decir, si lo que narra es mera ficción o si se trata de un descubrimiento de una mente maestra silenciada por la historia.
La realidad es que este título, producido por Scott Frank en colaboración con Allan Scott está inspirado en una novela del año 1983 escrita por Walter Tevis, por lo que tendremos que remontarnos a la historia de Tevis para conocer el origen y veracidad de Beth.
El caso real de Gambito de Dama
Lo primero que debes saber es que la historia de esta serie de Netflix es completamente una obra de ficción.
Al menos en cuanto a la protagonista Beth Harmon.
Sin embargo, es importante matizar esto, puesto que sí hay elementos que son ciertos y que son producto del contexto histórico en el que está desarrollada la serie, asimismo, algunas partes son extraídas de la historia y experiencia personal de su escritor, Walter Tevis.
La protagonista es creada por parte de Tevis como un homenaje a las mujeres del período postguerras mundiales. Ten en cuenta que quienes nacieron en aquellos años se encontraron un mundo en el que se seguía manteniendo una rígida estructura de la sociedad en la que determinadas tareas y actitudes estaban indisolublemente asociadas a cada género, en definitiva, los roles de género estaban bastante claros.
También es importante que tengas en cuenta que la protagonista de Gambito de dama es, en última instancia, un tributo a esa revolución del 68 o movimientos sociales de finales de la década de los sesenta en el que muchas voces se alzaron, entre ellas, la voz de las mujeres, que empezaron a reivindicar condiciones igualitarias, reducción de desigualdades y repensarse como miembros activos de las esferas públicas de la sociedad.
Esto es fundamental porque nos permite entender por qué figuras como las de Beth Harmon, a pesar de sus excepcionales habilidades para, en este caso, el ajedrez, eran percibidas como inferiores o subestimadas por parte de figuras masculinas.
Como hemos dicho, también hay elementos propios que se entremezclan de forma sutil con el contexto histórico, por ejemplo, el autor de la novela que inspira a esta serie contaba en sus entrevistas que también jugó ajedrez de niño (como Beth) y que sufrió de una enfermedad que le hizo estar en un hospital y verse sometido a tratamientos con estupefacientes análogos a los que se suministraban a Beth.
También hay elementos que son extraídos de la realidad, aunque no de los hospitales.
Se cree que el autor se inspiró en unos determinados estupefacientes que se solían suministrar en los orfanatos a niños en los Estados Unidos desde los años sesenta.
Si bien en la serie se refieren a estas pastillas tranquilizadoras o calmantes como Xanzolam (que no es real) parece existir una píldora análoga denominada Librium.
Por lo tanto, Gambito de dama también tiene un componente reivindicativo para todas aquellas personas adultas hoy en día -niños durante los sesenta- que sufrían de estos tratamientos médicos poco efectivos y centrados más bien en la búsqueda del orden y de la cohibición en vez de la búsqueda de la creatividad y diversión de los pequeños.
Por otro lado, ya volviendo a la serie de Netflix como tal, su creador Scott Frank confesó que hay una influencia concreta procedente de un documental hecho sobre el ajedrecista Bobby Fischer (dirigido por Edward Zwick) que le permitió entender las claves en las que se centrarse al momento de un duelo (no tanto en el tablero, sino en los rostros de los participantes).
Justamente este jugador, Bobby Fischer, quien fue el líder indiscutible en la década de los sesenta fue una fuente de inspiración para el personaje de Beth Harmon. De hecho, se desarrolla de forma paralela -temporalmente hablando- y su jugada preferida era el conocido como gambito de rey, teniendo un estilo de juego particularmente agresivo y ofensivo.
Mujeres famosas jugadoras de ajedrez
Aunque Gambito de dama no esté inspirada en la figura de una ajedrecista, cabe destacar que varias mujeres han logrado grandes resultados en este deporte. Por ello, haremos un breve recorrido histórico de algunas de las históricas.
Nona Gaprindashvili
La georgiana es considerada una de las figuras más importantes del ajedrez femenino al ser la primera mujer en alcanzar el título o rango de Gran Maestro.
Sin embargo, ese título es solo consecuencia de su gran labor tanto a nivel de resultados como de popularización de la disciplina entre mujeres.
Nona Gaprindashvili (ნონა გაფრინდაშვილი) (Zugdidi, 3 de mayo de 1941) es una jugadora de ajedrez georgiana. Fue la primera mujer en lograr el título de Gran Maestro de la FIDE.
Asimismo, fue la quinta campeona del mundo de ajedrez (1962–1978).
Tuvo una gran importancia en la tarea de popularizar y difundir el ajedrez femenino.
Nona Terent’evna Gaprindashvili nació el 3 de mayo de 1941 en Zugdidi, Georgia.
Fueron sus hermanos mayores quienes le enseñaron a jugar al ajedrez cuando tenía 5 años.
A los 15 años y bajo la superisión de su entrenador, Vakhtang Karceladze, se convirtió en campeona de Georgia en la ciudad de Tbilisi.
En 1961, con 20 años, Gaprindashvili ganó el cuarto torneo de candidatas, clasificándose para disputar un match contra la poseedora del título, Elisabeta Bykova. Ganó el encuentro fácilmente (+7 −0 =4), y defendió la corona con éxito cuatro veces: tres veces contra Alla Kushnir (1965: 10–6; 1969: 12–7; 1972: 12–11) y una contra su compatriota georgiana Nana Alexandria (1975: 9–4). Terminó por perder el título en 1978 ante otra georgiana, la joven de 17 años Maia Chiburdanidze, (+2 −4 =9).
Durante su carrera Gaprindashvili compitió con éxito en torneos masculinos, ganando entre otros el torneo Hastings Challengers en 1963/4 y empatando el primer puesto en Lone Pine en 1977. A pesar de que no cumplía con los requisitos técnicos, la FIDE le concedió el título de Gran Maestro Internacional por sus espectaculares resultados en un torneo donde la mayoría de los 45 particiantes eran grandes maestros.
Maia Chiburdanidze
Georgia parece ser la tierra de las mujeres pioneras, puesto que Maia, así como Nona, también fue una de las primeras en recibir el título de Gran Maestro.
Te recordamos que el título es, en ambos casos, en masculino porque el deporte -al menos en altos niveles- era categoría exclusiva de hombres, únicos que lideraban el panorama del ajedrez (hasta la llegada de estas mujeres).
Maia Chiburdanidze (Kutaisi, Georgia; 17 de enero de 1961) es una Gran Maestro Femenino georgiana de ajedrez y la sexta y más joven campeona del mundo de ajedrez femenino. Fue la tercera que más tiempo retuvo el título al hacerlo durante 14 años, sólo por detrás de Vera Menchik y su compatriota y predecesora, Nona Gaprindashvili.
El ELO de la FIDE de Chiburdanidze en la lista de octubre de 2007 era de 2500, convirtiéndola en la 9ª jugadora mejor clasificada del mundo.
Maia Chiburdanidze nació en Kutaisi, en la antigua República Socialista Soviética de Georgia, en plenas montañas del Cáucaso y empezó a jugar al ajedrez a los ocho años. En 1976 se convirtió en campeona de la URSS femenina infantil y un año después ganó el título femenino absoluto. En 1977 se le concedió el título de Gran Maestro Femenino.
Ganó indiscutiblemente en su debut en el torneo internacional femenino de Braşov de 1974 cuando sólo tenía 13 años y siguió ganando otro torneo en Tiflis en 1975 y el campeonato femenino de ajedrez de la Unión Soviética en 1977 antes de entrar en el ciclo del Campeonato del mundo de ajedrez femenino 1976/77.
Chiburdanidze demostró que era una seria aspirante al título mundial finalizando 2ª en el Torneo interzonal femenino de Tiflis de 1976, de ese modo clasificándose para los torneos de candidatos de 1977.
Sorprendió a todas sus contrincantes al recorrer todas las rondas de la Final de Candidatos, donde derrotó a Alla Kushnir por 7.5-6.5, para llegar al match por el campeonato del mundo en Pitsunda (Georgia) contra Nona Gaprindashvili, la campeona del mundo reinante.
Chiburdanidze derrotó a la campeona del mundo por 8.5-6.5 y revolucionó el mundo del ajedrez femenino.
Así demostró ser una formidable campeona incluso a tan temprana edad.
Defendió con éxito su título mundial en hasta cuatro ocasiones:
En 1981 empató (8-8) en un duro match contra Nana Alexandria, que fue celebrado en Borjomi/Tiflis, pero mantuvo su título de Campeona.
Tres años después jugó contra Irina Levitina en Volgogrado (Rusia) y esta vez ganó convincentemente por 8-5.
El siguiente reto fue de Elena Akhmilovskaya en 1986 y Chiburdanidze ganó el match celebrado en Sofía por 8.5-5.5.
En 1988 retuvo su título, otra vez por un estrecho margen en Telavi (Georgia) contra Nana Ioseliani por 8.5-7.5.
En 1984 obtuvo el título de Gran Maestro Internacional. Fue la segunda mujer, después de Gaprindashvili, en conseguir el título.
Su estilo de juego es agresivo, incisivo y directo, bien sembrado en los principios clásicos que se esperaría de una jugadora que fue formada en sus primeros años de carrera por Eduard Gufeld, uno de los mejores entrenadores soviéticos.
En los años 1990 emergió una nueva amenaza para Maia Chiburdanidze desde el lejano Oriente. Xie Jun de China se ganó el derecho a desafiar a la campeona del mundo en febrero de 1991 y contra todo pronóstico, Chiburdanidze perdió su corona en favor de la joven jugadora china en Manila por 8.5-6.5, una nueva fuerza había llegado al ajedrez femenino para desafiar a la supremacía georgiana.
Su reinado es el tercero más largo de 14 años, solo por detrás de la primera campeona del mundo, Vera Menchik, que reinó durante 18 años desde 1927 hasta su muerte en 1944 y del de Gaprindashvili durante 16 años.
Maia Chiburdanidze intentó volver a ganar el título mundial, pero con la aparición de las jugadoras chinas y las formidables hermanas Polgár (Zsuzsa, Zsófia y Judit) no llegó a conseguirlo. Su mejor resultado desde 1991 ha sido una victoria en el Torneo de candidatos de Tilburg de 1994.
Sin embargo, perdió la eliminatoria contra Susan Polgar por 5.5-1.5. Consecuentemente, a pesar de no superar el formato de eliminatorias, entró en los campeonatos del mundo de los últimos años. Alcanzó las semifinales en 2001, siendo eliminada por Zhu Chen, quien más adelante logró alzarse con el título.
En 2004 volvió a alcanzar las semifinales que perdió ante Antoaneta Stefanova, quien obtuvo el campeonato.
Una vez dejado el mundo del ajedrez profesional, Maia Chiburdanidze se dedica en la actualidad a actividades sociales y religiosas.
Vera Menchik
Adelantada a su tiempo, nunca ganó ningún reconocimiento como sí ocurrió con Nona y con Maia debido a su muerte durante la Segunda Guerra Mundial, pero podemos considerarla la líder absoluta de la disciplina hasta aquel entonces. Menchik abrió el camino a la generación de Nona y Maia quienes se beneficiaron de vivir en un mundo que empezaba a abrirle las puertas a las mujeres en los grandes titulares.
Vera Francevna Menchik (Moscú, 16 de febrero de 1906-Londres, 27 de junio de 1944) fue una jugadora de ajedrez británica de origen ruso, dominadora absoluta durante la década de 1930 hasta su fallecimiento durante la Segunda Guerra Mundial.
Fue hija de un padre checo y una madre inglesa. Con su madre y hermana se traslada en 1921 a Hastings (Inglaterra), donde se convierte en discípula del gran ajedrecista Géza Maróczy, quien influye notablemente en su juego, basado en una sólida base técnica.
Fue dominadora absoluta en categoría femenina, venciendo con suficiencia a su gran rival Sonja Graf. Se proclama campeona al triunfar en el Campeonato del Mundo de Ajedrez de Londres en 1927, y seguiría venciendo en las citas de Hamburgo 1930, Praga 1931, Folkestone 1933, Varsovia 1935, Estocolmo 1937 y Buenos Aires 1939, viéndose interrumpidas las competiciones por el estallido de la Segunda Guerra Mundial.
Su participación (bajo bandera checoslovaca o británica) en estos campeonatos se saldó con 87 victorias, 11 tablas y 4 derrotas.
También participó en competiciones masculinas, logrando esporádicas victorias sobre Grandes Maestros Internacionales, quedando tanto última como entre los tres primeros puestos, según el tenor del torneo.
En 1937 se casa con Rufus Henry Stevenson, obteniendo la nacionalidad británica y uniendo su apellido llamándose Vera Menchik-Stevenson, o incluso Vera Stevenson a secas. Quedaría viuda 6 años después en 1943.
Un año después, la propia Vera, junto a su madre y su hermana menor, mueren al ser bombardeada su casa de Londres por una V1 alemana.
En 1929, Vera Menchik participó en un campeonato de ajedrez masculino celebrado en Karlsbad.
Algunos de los asistentes se mostraron molestos con la dirección del torneo y uno de sus participantes, Albert Becker tuvo la ocurrencia de crear un club deshonroso con todos aquellos hombres que perdiesen ante ella. Ironías del destino, el propio Becker perdió ante ella siendo el primer miembro del mismo.
A lo largo de la carrera ajedrecística de Menchik, interrumpida por su trágica muerte, el club albergó a 41 hombres, entre ellos, Max Euwe y Samuel Reshevsky.
Hermanas Polgar
Las Hermanas Polgar
Susan y Judit son dos hermanas húngaras que también merecen ser reconocidas por su gran habilidad en el tablero. Por un lado, Susan fue la tercera en recibir el título de Gran Maestro, por el otro, Judit es conocida por derrotar a rivales sin tener la necesidad de mirar al tablero.
En el mundo del ajedrez, una actividad ligada al intelecto que estimula la inteligencia emocional, la concentración, el pensamiento crítico, la intuición, la autoestima, y otras facultades mentales, se llevó a cabo hace más de cuarenta años una tesis conocida como “experimento Polgar”, un método de enseñanza basado en el libro “Educa Genios” de autoría de Laszlo Polgar (pedagogo húngaro y profesor de ajedrez) junto a la ayuda de su esposa, Klara (docente ucrania), con la que alimentó la prosapia judía con la llegada de tres hijas mujeres, Susan, Sofía y Judit, las que fueron sometidas al ensayo casero durante la última década del Comunismo en Hungría.
Susan Polgar
El resultado arrojó que Susan, la mayor, en 1984, a los 15 años, se convirtió en la ajedrecista N°1 del ranking femenino y, entre los 23 y 26 años, logró los títulos mundiales en tres especialidades diferentes, clásico (partidas pensadas de casi dos horas para cada jugador), blitz (a 5 minutos por rival) y rápidas (a 10 minutos). El mismo record que hoy ostenta, el noruego Magnus Carlsen entre los varones.
Sofía Polgar
Sofía, la 2ª hija de los Polgar, a los 14 años, en 1989, se impuso en el Torneo de Roma (una competencia con todos rivales varones) con un score de 8,5 puntos sobre 9 posibles, con una performance superior a las de Karpov y Kasparov. Los especialistas llamaron a su actuación como “el saqueo de Roma”. Tiempo después obtuvo el título de gran maestra femenina.
Judit Polgar
En tanto, Judit, la más pequeña y la más brillante de las hermanas, en 1988, a los 12, ganó el Mundial Infantil Sub14 en Rumania. A los 15 logró el título de gran maestro masculino superando en dos años a Kasparov que lo consiguió a los 17, y en tres meses a Bobby Fischer, que ostentaba el record de precocidad, con 15 años y 6 meses.
A los 16, obtuvo el Magistral de Hasting, a los 17, el de Madrid, a los 24, el Najdorf en Buenos Aires, y en su palmarés cuenta victorias ante diez campeones mundiales, Smislov, Spassky, Karpov, Kasparov, Ponomariov, Kasimdzhanov, Topalov, Kramnik, Carlsen y Anand.
Además, en 2005, su fuerza ajedrecista se ubicó entre los ocho mejores varones del ranking de la FIDE, y en 2016, dos años después de su retiro profesional, la organización norteamericana, Super Scholar la seleccionó entre las 10 mentes más inteligentes del siglo XX. Su C.I. (170) es superior al de Bill Gates y Stephen Hawking.
Finalmente, sigue habiendo jugadoras de élite en la actualidad, como la china Hou Yifan y la peruana Deysi Cori. Como vemos, el ajedrez no es cosa de hombres, sino que no conoces de sexos y, de hecho, hay mujeres que han sido y son excelentes ajedrecistas.
upsod.com(G.Armstrong)/marcianosmx.com/memeo.com(Si hay un tema que se considera tabú en prácticamente todas las culturas del mundo, es el incesto. Caracterizado por las relaciones entre personas estrechamente relacionadas, como primos de sangre, tíos y sobrinos, hermanos e incluso padres e hijos, no solo está increíblemente mal visto, sino que también es condenado por la mayoría de las religiones y prohibido por la ley en casi todos los países occidentales.
Sin embargo, a pesar de ser una cuestión de fastidio, esto no significa que el incesto no ocurra. Ejemplo de ello son los famosos casos recogidos por Briana Jones, del portal Todo lo que es interesante, que puede conocer a continuación:
Tutankamón
No es ningún secreto que los antiguos reyes egipcios mantenían las cosas «en familia» para garantizar la pureza de su linaje, y con Tutankamón no fue diferente. Un amplio estudio realizado con el cuerpo del joven faraón -y del que hablamos aquí en Mega Curioso en un asunto al que puedes acceder a través de este enlace- reveló una serie de información sobre su pasado.
Tutankamón se sometió a una autopsia virtual con más de 2.000 escáneres informáticos que señalaron que tenía los dientes torcidos y las caderas con formas afeminadas.
Los exámenes también señalaron que el antiguo rey egipcio padecía epilepsia del lóbulo temporal y la enfermedad de Köhler, un doloroso problema en el pie que lo dejaba cojeando.
Además, los análisis genéticos mostraron que los padres de Tutankamón eran hermanos, un hecho que puede haber contribuido no solo a varios de los problemas hereditarios que tenía, sino que también resultó en su muerte prematura.
De hecho, además de ser producto de un matrimonio incestuoso, el propio Tut se casó con su media hermana, Anquesenamom, que quedó embarazada dos veces, pero perdió a los hijos en ambas ocasiones.
Dinastía de los Habsburgo
Rey Carlos II
Según Briana, durante varios siglos, la Casa de Habsburgo, Austria, fue la dinastía real dominante en Europa y, además de que sus miembros estuvieron a la cabeza del trono austríaco durante más de 600 años, los matrimonios estratégicos permitieron que su poder se expandiera. a los recortes de Hungría, Bohemia e incluso España.
Sin embargo, el problema es que, con el tiempo, en un momento prácticamente no hubo más nobles y monarcas europeos que no fueran de la Casa de los Habsburgo, lo que dio lugar a una larga lista de matrimonios incestuosos.
Tanto es así que los registros históricos señalan que, durante el reinado de esta dinastía en España -que duró 200 años, entre los siglos XVI y XVII- hubo varios casos.
De hecho, los historiadores sospechan que fueron precisamente los matrimonios incestuosos los que llevaron a la extinción del linaje, al menos en tierras españolas.
Esto se debe a que, en el año 1700, el rey Carlos II murió a los 38 años sin dejar herederos, y muchos creen que el monarca era estéril debido a deformidades congénitas producto de siglos de práctica de la endogamia por parte de la Casa de Habsburgo.
Princesa Nahienaena
Nahienaena fue una princesa hawaiana que llegó al poder en el siglo XIX, durante un turbulento período de transición en la historia de Hawái.
En ese momento, los misioneros cristianos comenzaron a ganar mucha influencia en el archipiélago, chocando con los líderes locales, que intentaban mantenerse fieles a sus creencias, y Nahienaena, hija del rey Kamehameha con Keopuolani, fue criada por su madre en el Christian. fe.
El problema es que, según Briana, aunque Nahienaena era seguidora del cristianismo, los monarcas hawaianos fomentaron la unidad entre los miembros de una misma familia, y acabó casándose con su propio hermano. La boda enfureció a cristianos y súbditos convertidos del archipiélago, y la pobre princesa fue rechazada por su gente.
Resulta que Nahienaena amaba a su hermano, pero, dividida por la situación, pidió perdón a los misioneros y volvió a casarse, esta vez con alguien ajeno a la familia, con el hijo del rey Kalanimoku, un chico llamado Leileiohoku.
Sin embargo, la princesa pronto descubrió que estaba embarazada, y su hermano anunció a los cuatro vientos que el hijo era suyo, lo que llevó a la gente a rechazar a Nahienaena nuevamente.
Después de eso, la princesa hawaiana permaneció recluida hasta el nacimiento del niño, una niña que, desafortunadamente, solo sobrevivió unas pocas horas. Nahienaena, a su vez, vivió aislada con culpa hasta que murió, unos meses después.
Charles Darwin
El caso que os vamos a contar ahora es más curioso que impactante e involucra al naturalista británico Charles Darwin, famoso por proponer la teoría de la evolución, que estuvo casado con Emma Wedgwood Darwin, su prima hermana. La pareja tuvo diez hijos, tres de los cuales murieron a una edad temprana y otros tres quedaron estériles.
Como dijo Briana, lo más interesante es que, en el caso de Darwin, es obvio que mantenía registros súper detallados sobre la salud de su familia – y cuando los niños presentaban problemas, el naturalista comenzó a asociarlos con sus observaciones. anteriormente en plantas que se habían cruzado entre sí.
Fue entonces cuando el británico empezó a sospechar que sus hijos podrían haber heredado enfermedades debido a los antecedentes familiares de matrimonios entre parientes.
Más tarde, los investigadores observaron cuatro generaciones de las familias Darwin y Wedgwood y encontraron que muchos miembros de ambos lados estaban casados entre sí y, como sospechaba el propio naturalista, los problemas de salud de sus hijos eran el resultado de su linaje genético.
Barbara Daly Baekeland
Barbara Daly Baekeland fue una socialité estadounidense que se hizo famosa en la década de 1930. Además de aparecer en las páginas de revistas como Harper’s Bazaar y Vogue, ella y su esposo, Brooks Baekeland, eran conocidos por su estilo de vida decadente, lleno de fiestas extravagantes, muchas bebidas y traiciones.
Resulta que, según Briana, Barbara también tenía varios problemas mentales, y Brooks finalmente se cansó de su personalidad explosiva y decidió divorciarse. Antony, el hijo de la pareja, se fue a vivir con su madre y, como ella, estaba mentalmente inestable y, además, padecía esquizofrenia.
Excepto que las cosas empezaron a ponerse realmente feas cuando Antony cumplió 20 años y Barbara se enteró de que se había involucrado con un chico llamado Jake Cooper. En un intento por «ayudar» a su hijo, según los informes, contrató a numerosas prostitutas para convencer al joven de que tuviera relaciones sexuales con mujeres.
Lo peor es que, cuando su estrategia falló, dicen que Bárbara decidió resolver el problema ella misma, manipulando a su hijo y convenciendo a Antony de tener sexo con ella. El romance terminó, como se puede imaginar, trágicamente, cuando el niño mató a su madre con un cuchillo de cocina.
La historia de Baekeland se convirtió en un libro y luego se mostró en la pantalla grande con el largometraje «Innocent Sins» de 2007. Y a pesar de que se convirtió en un caso de incesto más allá de lo comentado, uno de los amantes de Barbara dijo que creía que ella había difundido el el rumor de que había tenido relaciones sexuales con su propio hijo simplemente porque le gustaba sorprender a la gente.
John Phillips
John Phillips, líder de la banda. The Mamas & The Papas – de las canciones “California Dreamin ‘” y “Monday Monday” -, con su hija, Mackenzie.
Según Briana, Phillips compuso la mayoría de las canciones del grupo y, hace unos años, Mackenzie reveló en un libro que los dos tuvieron una relación incestuosa cuando ella tenía 19 años. Como dije, en vísperas de su primer matrimonio, padre e hija consumieron drogas y comenzaron un caso que duró diez años.
La relación terminó solo cuando Mackenzie quedó embarazada y comenzó a temer que el bebé fuera de su padre. Ella dijo que, en ese momento, Phillips habría pagado para que se interrumpiera el embarazo y la relación entre los dos terminó.
El incesto no es medieval
Pensamos que sólo era del pasado, pero la verdad es que en la actualidad hay muchas personas que sienten un atractivo hacia alguno de sus parientes. Los famosos, como en todo, no se quedan lejos de esta particular costumbre que usualmente repudiada e incluso penada por la ley.
A estas parejas no les importó nada más que el amor e hicieron públicas sus relaciones con sus cosanguíneos, aunque hubo otros que siempre lo negaron.
Morgan Freeman y E´Dena Hines
Se rumoreaba que el actor y la nieta de su exesposa mantenían una relación amorosa, pero ellos siempre lo negaron. Pero los medios seguían bajo esta sospecha, aún después de que la joven murió trágicamente en su departamento asesinada por un tipo que dijo estar tratando de sacarle un demonio de adentro de su cuerpo.
Franklin D. Roosevelt y Eleanor Roosevelt
Éste es un grado de familiaridad bastante menor. De hecho, Eleanor era prima del 32º Presidente de Estados Unidos en quinto grado, y se veían en reuniones casuales que terminaron en un intenso amor que los llevó al matrimonio.
Jerry Lee Lewis y Myra Gale Brown
El pianista y cantante estadounidense contrajo matrimonio con la hija de su propio primo, incluso ya estando casado.
Pero eso no es lo peor: cuando se casó con Myra ésta sólo contaba con 13 precoces años -mientrás que él tenía 22-, razón por la cual mantuvieron su amor oculto hasta que fueron descubiertos por los medios cuando la chica ya tenía 15.
Después de lo sucedido, todo se le vino abajo. Su popularidad bajó drásticamente y nadie iba a verlo a sus conciertos. Era el paria de Inglaterra.
Angelina Jolie y James Haven
Delante de todas las cámaras Angelina Jolie le dio un apasionado beso a su hermano James, sin pudor alguno, el año 2000. Cuando les preguntaron por lo sucedido, la actriz afirmó estar enamorada de su hermano, mientras que él comentó que ya tenía a la mujer perfecta a su lado y ésa era Angelina.
Desde ese momento, los rumores de incesto no pararon. Tuvieron que aclarar que sólo eran buenos hermanos que se querían mucho.
Albert Einstein y Elsa Loewenthal
Era su prima hermana, pero fue más listo que Darwin y no tuvo hijos con ella, sino que crió los que ella tenía de su antiguo matrimonio.
Y aunque suena a que hicieron las cosas bien, el científico no fue muy fiel a su antigua esposa, ya llevaba años en una relación con Elsa aún cuando estaba casado.
Estuvieron juntos durante 17 años, hasta que en 1936 ella falleció por una terrible enfermedad.
Woody Allen y Soon-Yi
Woody Allen se excedió un tanto. Resulta que en 1992, mientras se separaba de su mujer, Mia Farrow, comenzó una relación con la hija adoptiva de ambos, Soon-Yi, después de haber estado con su exesposa durante 12 años.
El cineasta comentó que “el corazón quiere lo que quiere” y generó un gran escándalo mediático, y todo tipo de comentarios. Esta pareja aún sigue junta y ya tuvieron dos hijas.
Edgar Allan Poe y Virginia Eliza Clemm
El famoso poeta y autor de relatos como El cuervo fue otro de los cuales vio en su prima el amor. Cuándo él tenía 27 años y ella sólo 13, se unieron en el matrimonio, siendo el segundo de Poe.
Los comentarios dicen que su relación era más parecida a una de hermanos que a la de marido y mujer.
Mario Vargas Llosa, Julia Urquidi y Patricia Llosa
El escritor peruano tiene una tendencia bastante marcada: las dos relaciones importantes que tuvo, fueron con familiares.
Para liberarse de sus padres conservadores, para quienes el sexo era un tema tabú, rompió todos los esquemas casándose a los 19 con su tía Julia, quien lo superaba en edad por 12 primaveras. Esta mujer acababa de divorciarse, y estuvo junto a Mario durante nueve largos años, pero todo terminó por las recurrentes infidelidades por parte del escritor, un hecho afirmado por ambos.
Para rematar, después del quiebre siguió con su inclinación amorosa hacia el parentesco y contrajo matrimonio con su prima Patricia, nueve años menor que él, quien le permitió volcarse en su trabajo como novelista. Al parecer, ella le vino un poco mejor.
Si bien a muchos estas relaciones nos pueden parecer extrañas, sucede que a veces Cupido flecha en una dirección que puede no ser la “correcta”. Pero el verdadero peligro llega al momento de procrear, ya que existe un gran riesgo de salud en los hijos que son frutos de una relación cosanguínea.
Quo(L.Landi) — Los recuerdos se encuentran entre los «objetos» más escurridizos y maleables del cerebro humano. Nunca estés absolutamente seguro de que eso que recuerdas pasó tal y como crees
Te invitamos a hacer dos experimentos caseros cuyo resultado suele ser inquietante. Para el primero, pide a alguien que cuente algo divertido o apasionante que le ocurriera en la adolescencia, por ejemplo, el primer concierto al que fue, o esos pasteles que le gustaban especialmente y compraba todos los domingos.
Pídele que te cuente todos los detalles y, mientras lo hace, piensa que te estaba sucediendo a ti. Es un divertimento, un experimento mental, un juego que permite «apropiarse» de los recuerdos de otro. Si repites el ejercicio varios días, llegará un momento en el que dudes si fuiste tú quien estuvo en ese concierto, y buscarás esos pastelitos que se habrán convertido en parte de tu infancia.
¿Crees saber cuál es el primer recuerdo de tu vida? Pues posiblemente no sea real.
Nada mejor para comprobar la fragilidad de un recuerdo que reencontrarte con un amigo de la infancia y revivir juntos algo que compartisteis. La historia estará repleta de añadidos propios de cada cosecha, lo que cada uno de vuestros cerebros ha quitado, o enriquecido.
Hasta aquí, experimentos caseros que no van más allá de un juego. Sin embargo, los experimentos científicos tras lo falsos recuerdos tiene casi un siglo de historia.
Los recuerdos que nadie querría tener
La psicóloga Elizabeth Loftus, de la Universidad de California, en Irvine, Estados Unidos, es una de las investigadoras más reconocidas en el área de los falsos recuerdos, o falsas memorias. Loftus se ha dedicado a investigar cómo las personas generamos falsos recuerdos que acaban integrados en nuestra memoria.
Este fue uno de los experimentos más famosos de Loftus:
A un grupo de personas les dieron cuatro cartas. Tres de ellas contenían experiencias reales, cosas que habían vivido en la infancia y que habían relatado parientes cercanos. La cuarta carta era un fake, un recuerdo totalmente inventado.
Esa carta describía que cuando eran niños habían ido con su familia a un centro comercial, se habían perdido, y les había encontrado una ancianita amable.
Al final de tres entrevistas en las que Loftus les preguntaba por sus recuerdos, el 25% de los sujetos que participaron en el experimento comenzaron a describir detalles de cuando se perdieron en el centro comercial, y algunos incluso pudieron describir a la anciana que los ayudó y lo angustiados que se habían sentido.
Loftus ideó un experimento más radical que el anterior. Esta vez, recogió fotografías de los voluntarios cuando eran niños, y las manipuló en montajes extravagantes, por ejemplo, situándoles en un globo aerostático. Al final del experimento el 50% de ellos pudieron dar detalles de ese evento.
Incluso un participante mencionó haber visto desde el aire su escuela y a su mamá en tierra tomando la foto. Las personas recuerdan experiencias pasadas a través del llamado sistema de memoria episódica.
En el proceso, pueden manipular sus recuerdos en tres niveles, describen el Dr. Roy Dings y el profesor Albert Newen del Instituto de Filosofía II de la Ruhr-Universität Bochum en un artículo teórico que acaba de publicarse en línea en la revista “Review of Philosophy and Psychology”.
Los investigadores explican cómo las personas recuerdan experiencias pasadas y las modifican según las están recordando. “A menudo construimos recuerdos de eventos importantes dándoles la forma que más nos convenga”, destaca Albert Newen.
Los recuerdos no son representaciones fotográficas
Los adultos recuerdan principalmente experiencias significativas que estuvieron vinculadas a sentimientos muy positivos o muy negativos, como una experiencia única en vacaciones, un examen de conducir o una boda.
La memoria no es un extracto fotográfico del pasado, sino un constructo que se alimenta de la percepción de un hecho pasado; sin embargo, cuando la situación percibida se almacena y, sobre todo, se recuerda, se producen diversos procesos constructivos.
“Parafraseando a Pippi Calzaslargas, se podría decir: hago el mundo pasado como me gusta”, como ilustra Roy Dings.
Las personas pueden influir en la construcción de un escenario pasado en tres niveles de procesamiento, algo que suele ocurrir de forma automática e inconsciente.
La fuente de influencia es la autoimagen narrativa: “Cuando hablamos con amigos, contamos sobre nosotros mismos las cosas que son importantes para nosotros”, dice Roy Dings. “Nos referimos a estos aspectos como la autoimagen narrativa”.
El modelo constructivo de recuerdo de la memoriaLos autores, así como todos los miembros del grupo de investigación «Construyendo escenarios del pasado», con sede en Bochum, trabajan sobre el supuesto de que se forma un recuerdo cuando un rastro de memoria es activado por un estímulo: la tarjeta de invitación de boda en el tablón de anuncios, por ejemplo, activa un rastro de memoria de la mesa nupcial.
Sin embargo, de acuerdo con el modelo de memoria episódica de Bochum, la situación se ve aumentada por el conocimiento de fondo general que está disponible en la memoria semántica.
Cuando el rastro de la memoria y el conocimiento de fondo se fusionan, surge una imagen vívida de la memoria, por ejemplo, del saludo de la novia y, finalmente, la persona habla sobre el evento de la forma en que lo experimentó.
Tres niveles de influencia
El proceso de construcción de escenarios incluye el estímulo que activa la memoria, el procesamiento real y el resultado, es decir, la imagen de la memoria y la descripción asociada.
Las personas pueden verse influenciadas por los tres componentes. En primer lugar, tienden a buscar específicamente el estímulo desencadenante de los recuerdos positivos y evitarlo en los recuerdos negativos.
Por ejemplo, ponen una foto de boda en el escritorio de la oficina, pero evitan encuentros con personas con las que se asocian recuerdos desagradables.
En segundo lugar, la imagen de sí mismo también puede influir en la información de fondo sobre la que se extrae para aumentar el rastro de memoria escasa en una memoria vívida; esto es lo que determina la rica imagen de la memoria en primer lugar.
En tercer lugar, la descripción asociada con una imagen de memoria puede ser muy concreta o más bien abstracta. La imagen de la memoria puede describirse en términos concretos como el comienzo del discurso de la novia o en términos más abstractos como el comienzo del crecimiento de dos familias.
Cuanto más abstracta sea la descripción asociada, más probable es que una persona recuerde la experiencia desde la perspectiva de un observador, es decir, como un objeto en la escena; en este caso, los sentimientos asociados a la experiencia son menos intensos.
El nivel de descripción elegido por la autoimagen influye en la imagen de la memoria y cómo se experimenta y, en particular, en qué forma se registra.
“Básicamente, esto significa que damos forma a nuestros recuerdos de tal manera que protegemos nuestro yo positivo y tendemos a mitigar los desafíos que plantean los recuerdos negativos que no se ajustan a nuestra imagen de nosotros mismos”, concluye Albert Newen.
Sputnik — En medio de una pandemia que ha hecho repensar la necesidad de muchos puestos de trabajos, todavía hay oficios que no pierden vigencia y uno de ellos es el relacionado con la industria del entretenimiento. A pesar de la precaria situación económica de muchos países por los confinamientos, Hollywood (y sus salarios) no pierden su esplendor.
Mucho ha cambiado desde la época en la que el éxito en taquilla era el medidor para entender qué tan rentable había sido una proyección cinematográfica. Ahora, el streaming ha impuesto nuevas reglas de juego, pero no por ello los actores se embolsillan menos que antes.
Lo que es más, en ocasiones, plataformas de streaming como Netflix, Amazon y HBO pueden llegar a pagar más para compensar a las estrellas de cine por la participación de taquilla proyectada que obtendrían si sus películas fueran lanzadas exclusivamente en cines. Esto ha hecho que muchos artistas se hayan decantado por lanzarse de lleno a esta nueva manera de hacer cine.
Uno de ellos es el carismático Daniel Craig, quien gracias a las secuelas de Knives Out (Puñales por la espalda, en España y Entre navajas y secretos, en América Latina) tendrá un salario de 100 millones de dólares por parte de Netflix, muy por encima de los 20 millones de Sandra Bullock, una de las pocas actrices de la lista que no recibe su salario de una empresa de streaming.
A James Bond le sigue Dwayne Johnson, quien tiene asegurado con Amazon Studios (también streaming) 30 millones de dólares por la cinta navideña Red One. Este monto incluso podría llegar a 50 millones tras el lanzamiento en línea.
Así, a lo largo de toda la lista, compilada por Variety, se puede evidenciar que las empresas de transmisión en línea son las que prometen los salarios más jugosos de Hollywood hoy en día. Los únicos de la lista que no están vinculados a proyectos con plataformas son Robert Pattinson (Batman), Chris Hemsworth (Thor), Sandra Bullock (The Lost City of D), Brad Pitt (Bullet Train) y Chris Pine (Dungeons and Dragons).
Aquí la lista de los actores con los salarios más altos por proyecto cinematográfico:
Daniel Craig por las secuelas de Knives Out– 100 millones de dólares
Dwayne Johnson por Red On – 50 millones de dólares
Will Smith por King Richard– 40 millones de dólares
Denzel Washington por The Little Things– 40 millones de dólares
Leonardo DiCaprio por Don’t Look Up– 30 millones de dólares
Mark Wahlberg por Spenser Confidential– 30 millones de dólares
Jennifer Lawrence por Don’t Look Up– 25 millones de dólares
Julia Roberts por Leave the World Behind– 25 millones de dólares
Sandra Bullock por The Los City of D– 20 millones de dólares
Ryan Gosling por The Grey Man– 20 millones de dólares
Chris Hemsworth por Thor: Love and Thunder– 20 millones de dólares
Brad Pitt por Bullet Train– 20 millones de dólares
Michael B. Jordan por Without Remorse– 15 millones de dólares
Tom Cruise por Top Gun: Maverick– 13 millones de dólares
Keanu Reeves por Matrix 4– entre 12 y 14 millones de dólares
Chris Pine por Dungeons and Dragons– 11,5 millones de dólares
Robert Pattinson por Batman– 3 millones de dólares
El judío alemán Martin Selling, sargento de Inteligencia en el Ejército de EE UU, interroga a dos miembros de las SS prisioneros en Francia en 1944.
XLSemanal(J.Segovia)/diariojudio.com — Los Ritchie Boys fueron un grupo de unos diez mil jóvenes alemanes, la mayoría judíos, que escaparon de su país de nacimiento y se enlistaron en el Ejército de los Estados Unidos siendo adiestrados en el Centro de Entrenamiento de Inteligencia Militar, también conocido como Camp Ritchie, en Maryland. Especialmente se los entrenó en técnicas de guerra psicológica.
Sus antecedentes los hacían especialmente apropriados para este tipo de tarea ya que dominaban el idioma y la mentalidad alemana mejor que los soldados estadounidenses. Por ello, el papel encomendado a estos soldados fue estudiar el enemigo, y desmoralizarle para lograr una rendición incondicional.
Guy Stern trataba de controlar el pánico a bordo de la lancha de desembarco. Zarandeada por el fuerte oleaje, la nave avanzaba hacia la playa de Omaha tres días después del desembarco aliado en Normandía. Además del miedo, a este judío alemán le angustiaba otro aspecto de su inminente bautismo de fuego.
¿Qué le haría la Wehrmacht si lo capturaba y lo identificaba como un traidor que ahora colaboraba para los servicios de inteligencia del enemigo?
Para disipar sus temores, Guy recordó que los nazis eran los culpables de que sus padres se hubieran visto obligados a enviarlo lejos de Alemania cuando tenía quince años. La Gestapo había sacado a su familia de su hogar en el pueblo de Hildesheim para trasladarla al gueto de Varsovia.
Tenía motivos de sobra para odiar a Hitler, cuyo régimen dictatorial le había arrebatado su nacionalidad alemana.
Una vez desembarcó en la playa de Omaha, Guy escuchó el zumbido de los obuses alemanes sobre su cabeza. En la arena todavía yacían algunos de los cadáveres de los soldados de la 1.ª y la 29.ª División de Infantería estadounidense, que habían muerto en aquel lugar el 6 de junio de 1944.
Los barracones de Camp Ritchie, invierno de 1944
A instancias del oficial al mando, Guy inició los interrogatorios a los soldados capturados para sonsacarles información sobre las defensas costeras alemanas en la zona.
Uno de ellos había sido guardia en el campo de concentración de Sachsenhausen, a unos treinta kilómetros de Berlín, en cuyos barracones se hacinaban miles de judíos, comunistas y delincuentes comunes.
El prisionero le contó con total naturalidad que con frecuencia se había ofrecido como voluntario para el pelotón de fusilamiento, ya que los oficiales del campo le premiaban con permisos para ir a la capital, donde podía asistir a conciertos de Beethoven y Mozart, sus compositores preferidos.
Los sueños rotos
Guy tuvo una feliz infancia en Hildesheim, una de las ciudades más pintorescas del norte de Alemania. Su vida transcurrió plácidamente hasta que todo se rompió bruscamente en 1933, cuando los nazis llegaron al poder y comenzaron a aprobar leyes contra los judíos.
Asustados por la violencia y el odio que crecían a su alrededor, sus padres decidieron salir del país. Pero solo lograron un único permiso para emigrar a Estados Unidos, y decidieron dárselo a Guy, su hijo mayor.
Guy fue uno de los jóvenes judíos alemanes que se refugiaron en Estados Unidos huyendo de la barbarie nazi, de los cuales unos dos mil se alistaron en el Ejército para ser asignados posteriormente al Centro de Entrenamiento de Inteligencia Militar, conocido como Camp Ritchie, en Maryland.
La familia de Guy Stern solo consiguió un permiso para salir de Alemania. Se lo dieron a él por ser el hijo mayo. Guy regresó a buscarlos
Su lengua materna y el conocimiento de la mentalidad germana los hacía perfectos para los interrogatorios y la contrainteligencia en los campos de batalla europeos.
Martin Selling fue otro de los judíos alemanes que recalaron en Camp Ritchie. Pocos años antes de que estallara la guerra, fue arrestado por la Gestapo e internado en el campo de concentración de Dachau. Sin apenas esperanzas de salir vivo de aquel infierno, el joven judío alemán fue liberado milagrosamente en enero de 1939.
Tras pasar un tiempo en Inglaterra, Martin pudo viajar a Estados Unidos, donde pronto fue reclutado por el Ejército, que lo destinó a tareas de inteligencia.
Martin no sabía qué había pasado con su familia, que se vio obligada a permanecer en Alemania. A esa incertidumbre se añadía su propia experiencia en Dachau, donde había sufrido el trato inhumano que recibían los judíos y los desafectos al régimen. La venganza fue la motivación que lo impulsó a alistarse en el Ejército estadounidense.
Sus instructores organizaron maniobras militares en las que los alumnos vestían uniformes de la Wehrmacht, lo que alarmó a muchos granjeros de los alrededores, que veían pasar ante sus narices camiones blindados marcados con esvásticas y cargados de soldados alemanes.
Las autoridades militares los tranquilizaron y en poco tiempo se acostumbraron a la presencia de esos muchachos que jugaban a la guerra en sus campos de Maryland.
Martin Selling estuvo prisionero en Dachau. Destacó como interrogador de enemigos
Divididos en pequeños grupos y bautizados como los Ritchie Boys, esos judíos alemanes se incorporaron a distintas unidades militares para recabar información sobre los movimientos de tropas y las posiciones de los alemanes.
Por motivos de seguridad, se advirtió a los Ritchie Boys de que no debían contarle a nadie, ni a sus familiares, que estaban trabajando en inteligencia.
Primer destino: luchar en África
«A algunos de los miembros de las primeras promociones de Camp Ritchie se los envió con rapidez al extranjero para participar en la invasión británico-estadounidense del norte de África, a finales de 1942», señala Bruce Henderson, autor de Hijos y soldados (Crítica), un libro que recoge los recuerdos de esos judíos, cuya actividad en los campos de batalla es un capítulo desconocido de la Segunda Guerra Mundial.
Este periodista estadounidense afirma que, a través del interrogatorio de prisioneros alemanes, los Ritchie Boys obtuvieron una información muy valiosa para la derrota del Afrika Korps de Rommel y para el avance de los aliados en Francia.
A Werner Angress, otro judío alemán refugiado en Estados Unidos, lo asignaron a la 82.ª División Aerotransportada. Le aseguraron que recibiría adiestramiento en paracaidismo antes del Día D, pero las semanas fueron pasando y Werner no efectuó ni un salto.
Preocupado por su madre y sus hermanos -que permanecían en la Holanda ocupada por los nazis-, Werner se lanzó, sin estar entrenado, desde un avión C-47 sobre los ríos Douve y Merderet la noche del 5 al 6 de junio de 1944. Él y sus compañeros tenían que tomar la estratégica ciudad de Sainte-Mère-Église, situada en la retaguardia alemana.
Werner tuvo mala suerte. Aterrizó a unos quince kilómetros del objetivo y fue hecho prisionero por el enemigo. Tras dos semanas de cautiverio en Cherburgo, el 27 de junio fue liberado por las tropas aliadas.
Werner Angress, paracaidista
De inmediato, Werner se incorporó a su regimiento y en uno de sus primeros interrogatorios tuvo la fortuna de encontrar entre las pertenencias de un prisionero un mapa en el que figuraban todas las minas que había esparcido el enemigo en la zona. Su hallazgo salvó la vida a muchos soldados estadounidenses.
Cara a cara con el enemigo
Martin Selling fue asignado a la 35.ª División de Infantería, que estaba al mando del legendario general George S. Patton. Un mes después del Día D, la división de Martin llegó a Normandía y fue desplegada al norte de Saint-Lô.
Uno de los primeros prisioneros a los que interrogó fue un médico militar que le proporcionó detalles acerca del número de efectivos con que contaban los alemanes y su localización.
Gracias a esa información, la artillería estadounidense acabó con el puesto de mando y los principales puntos de defensa del enemigo. Extrañado por su alemán impecable, uno de los prisioneros le preguntó dónde lo había aprendido.
Martin le dijo en tono cortante que era compatriota suyo y que estuvo cautivo en Dachau, donde pudo ver cómo las SS interrogaban a los prisioneros. «Al darse cuenta de que tenía delante a un exprisionero de un campo de concentración nazi, el alemán se llevó un susto tan tremendo que perdió en el acto el control de sus esfínteres», recuerda Henderson.
En abril de 1945, con los hombres de Patton acercándose con rapidez desde el oeste, las SS comenzaron a evacuar el campo de concentración de Buchenwald, ubicado a ocho kilómetros de la ciudad de Weimar, famosa por ser el hogar de Goethe. Lo que vio Guy Stern en aquel infierno le arrebató las pocas esperanzas que albergaba de encontrar vivos a los suyos al final de la guerra.
Práctica de interrogatorio de prisioneros en Camp Ritchie
El horror de los campos de exterminio
A medida que fueron adentrándose en Alemania, los Ritchie Boys encontraron más y más soldados alemanes que reconocían haber trabajado como guardias en los campos de exterminio. Muchos eran incapaces de entender su responsabilidad en aquellas atrocidades.
El 30 de abril de 1945, Werner Angress oyó a un soldado estadounidense vocear «Hitler se ha suicidado». El interrogador judío tomó una botella de vodka, se sirvió un trago y brindó por el Führer muerto: «¡Que se pudra eternamente!».
Una vez que finalizó la guerra, Guy Stern se trasladó a su ciudad natal de Hildensheim, donde le dijeron que los suyos -al igual que el resto de las familias judías- fueron deportados al gueto de Varsovia. Nunca regresaron.
Profundamente dolido por aquella pérdida, a Guy solo le quedó la satisfacción de haber contribuido a la derrota del nazismo. Las desconocidas historias de Guy y las de sus compañeros de Camp Ritchie salen ahora a la luz, ochenta años después del estallido de la Segunda Guerra Mundial.
Los comandos militares judíos secretos de la Segunda Guerra Mundial salen por fin de las sombras
La Tropa X es la fuerza de comandos británica más feroz de la Segunda Guerra Mundial de la que probablemente nunca haya oído hablar.
Conocida formalmente como “Comando Nº 10 (interaliado), Tropa 3”, sus 87 miembros eran principalmente refugiados judíos de Alemania y Austria que estaban empeñados en vengarse de los nazis que habían destruido sus familias y comunidades de origen. Algunos comandos eran también supervivientes del encarcelamiento en campos de concentración nazis.
Estos valientes jóvenes juraron mantener en secreto sus verdaderas identidades por su propia seguridad y asumieron nombres de guerra ingleses. Sólo una persona, una secretaria del MI5 que trabajaba en la división de bajas, tuvo acceso a la lista de los nombres originales de los hombres y sus lugares de origen.
‘X Troop: The Secret Jewish Commandos of World War II’ de Leah Garrett
Tras un año y medio de entrenamiento intensivo en Gales y Escocia, los X Troopers fueron asignados a la punta de lanza de las fuerzas aliadas que invadieron Europa y lucharon hasta el corazón del Tercer Reich.
Utilizando técnicas avanzadas de combate y contrainteligencia, y sus habilidades lingüísticas nativas en alemán, emprendieron peligrosas misiones para infiltrarse tras las líneas enemigas. En la batalla, capturaron e interrogaron inmediatamente al enemigo, proporcionando información inestimable a los ejércitos aliados que avanzaban.
Las Tropas X nunca lucharon como una fuerza conjunta. Fueron enviados individualmente o en pequeños grupos a varias tropas y divisiones aliadas. Más de la mitad de ellos murieron, fueron heridos o desaparecieron en acción.
“Nada iba a detenerlos”, dijo Leah Garrett, autora de un nuevo libro sobre esta unidad altamente selectiva y motivada, cuyas hazañas se han perdido en gran medida en la historia debido a su naturaleza clandestina.
Publicado el 25 de mayo, “X Troop: Los comandos secretos judíos de la Segunda Guerra Mundial” lleva a los lectores a cada paso del viaje de estos hombres, desde adolescentes centroeuropeos hasta comandos británicos de primera línea.
El apasionante relato está repleto de asombrosas hazañas hasta ahora desconocidas, gracias al éxito del autor en la desclasificación de registros militares británicos secretos durante mucho tiempo.
Garrett, directora del Centro de Estudios Judíos y directora de Estudios Hebreos y Judíos del Hunter College de Nueva York, ya tenía en su haber otro libro sobre los combatientes judíos de la Segunda Guerra Mundial, el bien recibido “Young Lions: How Jewish Authors Reinvented the American War Novel”.
Su experiencia investigando y escribiendo vívidamente sobre el combate brilla en “X Troop”.
El libro contiene su cuota de nombres famosos, como el primer ministro Winston Churchill, Lord Lovat, Miriam Rothschild y el mariscal de campo alemán Erwin Rommel.
Lo más importante es que Garrett presenta a los X Troopers, centrándose principalmente en tres: Colin Anson (nacido Claus Ascher en Frankfurt), Peter Masters (nacido Peter Arany en Viena) y Freddie Gray (nacido Manfred Gans en Borken, en el noroeste de Alemania, cerca de la frontera con los Países Bajos).
Única foto existente de la Tropa X al completo con la mascota canina
“He podido reunir la mayor cantidad de información sobre estos tres. Además, son un buen trío para ponerlos en el centro de la historia porque se diferencian entre sí en que representan distintos antecedentes personales y distintas experiencias de guerra”, dijo Garrett.
Anson era hijo único de padre judío y madre no judía. Bautizado y educado como cristiano, no sabía que era medio judío hasta que su padre se lo dijo cuando era un adolescente. En otoño de 1937, después de hablar públicamente contra los nazis, el padre de Anson, Curt, fue arrestado y enviado al campo de concentración de Dachau. Menos de dos semanas después, un oficial de la Gestapo se presentó en la puerta de la familia y les dijo que Curt había muerto de “insuficiencia circulatoria”. Sus cenizas fueron enviadas a su viuda y a su hijo, a costa de ellos.
Tras la Noche de los Cristales de noviembre de 1938, la madre de Anson intentó desesperadamente sacarlo de Alemania. Finalmente, consiguió meterlo en un Kindertransport patrocinado por los cuáqueros al Reino Unido en febrero de 1939. Se quedó atrás y se reunió después de la guerra con su hijo soldado, que sobrevivió a duras batallas en Italia.
Maurice Latimer (a la derecha) con soldados alemanes capturados en la isla holandesa de Walcheren
Masters consiguió salir de Viena hacia el Reino Unido con su madre y su hermana divorciadas tras el Anschluss nazi de Austria. Se reunieron con una tía en Londres. Atrás quedó el abuelo materno de Masters, que fue la figura judía más influyente en su vida, llevándolo a la sinagoga y preparándolo para su bar mitzvah.
El padre de Masters escapó a Suiza antes de la guerra.
El Día D, Masters se tambaleó a través de las olas que le llegaban a la cintura, con una bicicleta en una mano y una metralleta sobre la cabeza, mientras desembarcaba en Sword Beach. A través de su investigación, Garrett descubrió que -en contra de lo que se dice en la historia- Masters y los otros comandos de ciclistas fueron en realidad los primeros en cruzar el crucial puente Pegasus.
“¡He podido reescribir la historia con esto! Estaban allí, pero nadie lo sabía”, dijo el autor con entusiasmo.
A diferencia de la mayoría de los X Troopers, que procedían de entornos asimilados, Gans (alias Gray) era de una familia judía ortodoxa. (Garrett se refiere a él como Gans a lo largo del libro, porque al contrario que la mayoría de los otros hombres, volvió a su nombre original y a su vida judía observante después de la guerra).
Ian Harris guiando a los soldados alemanes capturados en Osnabruck, Alemania, abril de 1945.
Tal vez la parte más sorprendente de “Tropa X” sea el relato de cómo Gans se hizo con un jeep y un conductor al final de la guerra y viajó dos días seguidos desde Holanda a través de Alemania hasta Checoslovaquia en busca de sus padres, que habían escapado de Alemania a Holanda (donde tenían la ciudadanía) antes de la guerra. Milagrosamente, los encontró vivos en Terezin.
“Rápidamente la noticia se extiende en el campamento: Lo imposible ha sucedido. Un hijo ha vuelto a buscar a sus padres y los ha encontrado. No todos los judíos del mundo han sido asesinados. Los nazis no han triunfado en todas partes”, escribe el autor.
Aún más extraordinario, Gans recurrió a la princesa Juliana de Holanda, que había regresado de su gobierno en el exilio en Canadá. La princesa le concedió una reunión al persuasivo Gans, en la que prometió liberar a los judíos holandeses del campo. Cumplió su promesa y ayudó a trasladarlos a Eindhoven. Los padres de Gans acabaron emigrando a Israel, donde uno de sus hijos se había establecido antes de la guerra.
Gans no sólo sobrevivió a muchas batallas peligrosas, sino que toda su familia -padres y tres hijos- permaneció intacta al final del Holocausto.
La familia Gans en Israel después de la guerra, con Manfred en la fila de atrás a la derecha.
“Es importante señalar, sin embargo, que Gans, Anson y Masters son excepciones, en el sentido de que la mayoría de los X Troopers perdieron muchos más miembros de la familia”, dijo Garrett.
Al igual que otros miembros supervivientes de la Tropa X, Gans se quedó en Europa durante un tiempo para ayudar en los esfuerzos de desnazificación antes de seguir con su vida.
Tanto él como Masters se trasladaron finalmente a Estados Unidos, donde vivieron abiertamente como judíos y compartieron sus experiencias de la guerra con sus esposas e hijos. A diferencia de Gans, Masters siguió utilizando el apellido que se vio obligado a adoptar al unirse a la Tropa X.
“Todos los que se quedaron en el Reino Unido mantuvieron los nombres que asumieron como X Troopers. Para ellos, era su identidad adulta. Quienes eran antes de la guerra ya no existían realmente, y era demasiado doloroso para ellos volver a su Alemania o Austria en sus cabezas”, explicó Garrett.
Memorial de la Tropa X en Aberdovey, Gales. El monumento no menciona que los miembros de la tropa eran principalmente refugiados judíos.
Además, ninguno de estos hombres vivió abiertamente como judío, y muchos se convirtieron y criaron a sus familias como anglicanos. Garrett atribuye esto en parte a los antecedentes asimilados de los hombres, y en parte a las corrientes antisemitas perceptibles bajo la superficie.
Hay que señalar que el monumento a los miembros caídos de la Tropa X erigido en Aberdovey, Gales, donde los hombres se entrenaron bajo el mando de su querido oficial Bryan Hilton-Jones, no menciona sus identidades judías.
Según Garrett, los esfuerzos de los grupos de veteranos judíos han sido infructuosos a la hora de persuadir al consejo local para que, al menos, modifique la información sobre los X Troopers en el panfleto que se entrega a los visitantes.
“Quizás la publicación de este libro anime al ayuntamiento a revisar su posición”, escribe.
El nuevo y excelente libro de Garrett corrige la información al relatar completamente las hazañas de los X Troopers y reflejar con exactitud quiénes eran. Todos los supervivientes tuvieron vidas diferentes, pero estaban unidos en un aspecto fundamental.
“Hablaran o no alguna vez de la Tropa X, todos sentían una profunda gratitud hacia los británicos por acogerlos y darles la oportunidad de luchar contra los nazis”, dijo Garrett.
Beinhaus, la casa de los huesos en Hallstatt, Austria
marcianosmx.com/ElConfidencial — Se conoce como “Casa de los Huesos” a una pequeña capilla con un cementerio adyacente en la aldea de Hallstattn, en Austria. El cementerio sirve como lugar de descanso eterno para muchos de los habitantes de la ciudad, pero según las lápidas, solo aquellos quienes han fallecido recientemente descansan en estas tierras.
Esta “novedad” del cementerio se entiende cuando se da un vistazo al interior del osario, donde decenas de filas de cráneos humanos maravillosamente decorados espían a los visitantes.
Sería imposible que el diminuto cementerio pudiera albergar las tumbas de todos los ciudadanos de Hallstatt muertos a través de cientos de años.
Debido a la posición geográfica de este poblado, construido sobre una pequeña franja de tierra entre las montañas y al margen del lago Hallstätter, apenas hay espacio suficiente para algunos edificios y una ruta, por lo que resulta imposible mantener un cementerio grande.
Eventualmente, el cementerio no daba para más, así que con el objetivo de hacer espacio para nuevos cuerpos, los habitantes comenzaron a desenterrar los restos de los muertos más viejos.
Los cráneos fueron blanqueados al sol y posteriormente pintados con diversos motivos como el nombre de la familia, flores, hojas o una cruz y el año del fallecimiento.
Hileras de cráneos maravillosamente pintados espían a los visitantes desde órbitas huecas en este osario austriaco. La práctica tuvo sus inicios en 1970, y de los 1200 cráneos en Beinhaus, unos 610 tiene decoraciones con los estilos más variados, según el tiempo en que fueron exhumados.
Los huesos cuidadosamente decorados de los ancestros se convirtieron en trofeos memorables al paso del tiempo. Una belleza macabra y poco común que resulta tan familiar. En todo el mundo, cada cultura tiene su propia forma de homenajear a sus muertos. Sencillamente algunos demuestran ser un poco más artísticos que otros.
Colma, la auténtica ciudad de los muertos
Colma, en California, es un gigantesco cementerio donde 1.5 millones de muertos de San Francisco han sido sepultados en fosas comunes. “Es bueno estar vivo en Colma”, reza el lema de esta ciudad californiana que posee más residentes muertos que vivos.
En “la Ciudad del Silencio”, como se le conoce popularmente a Colma, los vivos son superados en número de forma aterradora. Mientras que la población ronda los 1,700 habitantes, sus diecisiete cementerios acobijan a más 1.5 millones de cadáveres.
Bóvedas para el nuevo cementerio Holy Cross. ca. 1920.
¿Pero, de dónde vinieron todos esos muertos? En 1900, San Francisco era un oasis para la muerte. Según Pat Hatfield, un historiador de la localidad, durante la fiebre del oro una enorme cantidad de mineros se asentó en esta zona, y con ellos vinieron múltiples enfermedades, agravadas por las condiciones laborales.
El índice de mortalidad se disparó y los veintisiete cementerios de la ciudad se vieron rápidamente abarrotados. Respecto a estos lugares, un artículo publicado en 1880 se refería a los muertos como “tiranos”, pues ocupaban las mejores tierras para la construcción en la ciudad.
Una rápida reforma de ley pasó a prohibir la construcción de nuevos cementerios. Pero las condiciones de los cementerios ya establecidos seguían siendo un problema, por lo que fueron trasladados a los límites de la ciudad en 1914. Como defensa para sus acciones, el alcalde Jim Rolph declaró “el deber del gobierno es más para los vivos que para los muertos”.
26 de diciembre de 1933, un grupo de trabajadores exhuma cadáveres en el cementerio Odd Fellows. Actualmente aquí se encuentra el Rossi Playground, un pequeño parque público.
Según la cineasta Trina López, la mayoría de los cementerios pequeños fueron trasladados en poco tiempo, pero los “Cuatro Grandes” (Masonic, Odd Fellows, Laurel Hill y Calvary) pasaron por una tempestad de disputas legales que duró bastante tiempo.
El proceso de traslado de estas tumbas finalmente fue autorizado a inicios de 1930 y se terminó diecisiete años después, en 1947.
Si una familia tenía posibilidades, podía pagar por un entierro privado. De lo contrario, los restos eran reubicados en fosas comunes en Colma. Las lapidas también eran trasladadas solo si las personas pagaban por el trabajo. Aquellas lápidas y monumentos que no fueron reclamados se destinaron a diversos proyectos de obra pública, como el rompeolas.
Al describir aquel camposanto solo y saqueado, Joe Eskenazi utilizó las siguientes palabras para un artículo del SF Weekly:
“En esa época, los otrora prístinos cementerios de San Francisco degeneraron sus escenarios para la apreciada actividad de ‘pasear’ del siglo XIX y se convirtieron en monstruosidades ahogadas por la maleza. Los perros de la ciudad se apoderaron de los huesos que sobresalían de la tierra. Las fraternidades escolares acudían a realizar elaboradas ceremonias de iniciación, a emborracharse y a hacer fogatas gigantescas con las estacas que habían servido para delimitar las tumbas. Los vagabundos descubrieron en las criptas abiertas un sitio ideal para vivir. Las bóvedas fueron saqueadas y las madres solían indicar que se evitara vagar por aquellas cuevas improvisadas repletas de violadores, pedófilos, duendes o parejas amorosas que iban a liberar pasión”.
Actualmente, la enorme (y nublada) necrópolis de Colma sigue sirviendo como lugar de eterno descanso para los muertos de San Francisco. Sus residentes refieren con cariño a estos cementerios como sus “parques”. En promedio, unos 75 nuevos residentes “subterráneos” llegan a Colma todos los días.
Restos encontrados en el Museo Legion of Honor, 1993
Uno de los datos más macabros es que en no trasladaron todas las tumbas de los cementerios originales. Durante una serie de renovaciones al Legion of Honor Museum, los trabajadores de la construcción desenterraron en torno a 700 cuerpos en lo que había sido el Cementerio de la Ciudad. Se estima que los sepultaron entre 1868 y 1906.
En el verano del año 1993, durante la renovación y expansión del California Palace of the Legion of Honor, “alrededor de 300 cadáveres de la época de la fiebre del oro – dos de ellos aun sosteniendo sus rosarios, otros con dentaduras y Levis – fueron descubiertos en lo que parece ser un antiguo cementerio. Algunos expertos aseguran que otros 11 mil cuerpos podrían descansar bajo los jardines del museo”, según un artículo de Los Angeles Times (12 Noviembre 1993, A-23).
La oficina del planificador de la ciudad posee las copias de las actividades de excavación del museo. Según el arqueólogo, había más de 700 entierros individuales. Todos los restos y artículos fueron entregados a la oficina del forense.
Vista aérea de Colma, las hileras de puntos blancos son tumbas con cruces y lápidas sobre ellas.
La oficina del médico forense volvió a sepultar los restos en el cementerio de Skylawn en San Mateo, y los artefactos fueron donados al Museo de la Ciudad. La mayoría de los hallazgos se concentraron en el patio del Legion of Honor.
La firma arqueológica propuso una excavación más extensa, pero el museo sintió que se escapaba de sus posibilidades, por lo que se negaron. Otro punto interesante es que un residente antiguo, recordando la construcción del museo, mencionó que encontraron restos y que los pusieron en un hoyo en la esquina del edificio, aunque no recordó en que esquina. Por lo tanto, aparentemente los restos siguen ahí, en algún lugar bajo el museo.
Klementinum, la biblioteca más hermosa del mundo
Definitivamente las bibliotecas no solo son edificios construidos para albergar libros. En términos prácticos, pueden cumplir perfectamente con este objetivo, pero es verdad que son algo mucho más especial que eso.
Existe cierta magia en la atmósfera de las bibliotecas. Es como si las miles de obras literarias que reposan serenas en sus estantes concedieran un carácter sagrado al lugar. Piensa en todos esos libros como materializaciones polvorientas de las ideas de los seres humanos que abandonaron este plano existencial desde hace mucho tiempo.
O, en algunos casos, de autores que todavía están con vida – a todos es posible encontrarlos en la biblioteca. Es allí, en estos templos democráticos del saber, que el conocimiento humano se condensa entre cerebros y hojas de papel, haciéndose eterno y maravillosamente accesible.
Muchas bibliotecas no solo son bellas desde un sentido simbólico: en ocasiones se trata de construcciones majestuosas que contribuyen aún más con el aire sagrado que domina en estos entornos. Así sucede con Klementinum, que se sitúa en la ciudad de Praga, en la República Checa.
Esta biblioteca ha sido electa por el sitio de Bored Panda como la biblioteca más hermosa del mundo.
Edificado en el año de 1722, el edificio es una joya de la arquitectura barroca. La biblioteca Klementinum alberga aproximadamente 20 mil libros y durante mucho tiempo se consideró como el tercer más grande colegio jesuita del mundo.
El techo de la construcción se encuentra repleto de frescos obra del pintor Jan Hiebl.
Hum: la ciudad más pequeña del mundo
Al noroeste de Croacia se localiza Hum, un pueblo que cuenta con apenas 25 habitantes. Según el Guinness World Records, Hum es la ciudad más pequeña del mundo. Es inusual que un centro urbano con tan poca población y extensión territorial se considere una ciudad.
En la mayoría de los países del mundo esto jamás se aceptaría, pero en territorio croata es una curiosa realidad.
Los orígenes de Hum se remontan al siglo XI, y tanto la arquitectura como configuración de la ciudad evolucionaron poco desde entonces. Originalmente se edificó como un castillo medieval con la intención de desarrollo urbano a futuro. Y hasta cierto punto, esto sucedió sólo al interior de las murallas.
De castillo medieval a ciudad de Croacia.
Actualmente, una persona a pie puede recorrer la ciudad entera en menos de una hora. Aunque el desarrollo urbano salió de los muros del castillo, se trata apenas de un estacionamiento y una tienda de souvenirs. Dentro de los muros aún existe la ciudad, aunque con poca actividad comercial.
Afortunadamente se encuentra cerca de Umag, en la espectacular península de Istria. El lado bueno de vivir en un lugar así es la tranquilidad y el nulo tráfico.
Los criterios para otorgar la denominación de «ciudad» a un lugar específico varían de un país a otro. Quizá, la razón por la que Hum se convirtió en ciudad surgió en la antiquísima historia de la región. En la actualidad, sería prácticamente imposible que Hum obtuviera ese título.
Valor histórico y cultural de Hum.
Más allá de ese dilema, la ciudad cuenta con murallas y calles bien preservadas. Algo que tiene cierto valor histórico y cultural para los croatas. A diferencia del Vaticano, que es un Estado soberano, los expertos ven a Hum como una ciudad monumento. Y es que se trata de un raro ejemplo de desarrollo urbano bien preservado al interior de un castillo amurallado.
La leyenda dice que Hum se levantó de los fragmentos que sobraban de construcciones mucho más grandes. Especialmente de todos aquellos centros urbanos que florecieron a lo largo del río Mirna. Por eso, muchos ven a Hum como sobras de Roc, Motovun y Bale, al menos en términos arquitectónicos.
Pese a esto, la ciudad posee una vasta riqueza cultural. Y es que además de conservar sus murallas, los habitantes mantienen la tradición de elegir un prefecto cada año. En esta fecha, los miembros de la parroquia se dan cita en la Loggia Municipal para elegir al nuevo representante de la prefectura local.
Es una votación que se hace escribiendo el nombre de los candidatos en varas de madera.
La ciudad cuenta con apenas dos calles, una iglesia y decenas de galerías. Todos los bloques residenciales se encuentran al interior de las murallas y cada una de esas viviendas conserva características medievales. Las edificaciones son de piedra y las calles estrechas. Para muchos, Hum es una auténtica exposición medieval al aire libre.
Atractivo turístico de Hum.
Entre la gastronomía que ofrece a los visitantes se encuentra el biska, aceite de oliva, una variedad de vinos y las trufas. Visitar Hum durante el Festival de Grappa es una buena idea, aunque muy probablemente será un lugar abarrotado por tratarse de un lugar tan pequeño. Eso ya depende de los gustos y tolerancia de cada visitante.
Las trufas.
Las trufas que encuentras en Hum no son de chocolate. Se trata de esos hongos comestibles que suelen costar un ojo de la cara. Además de Francia e Italia, esta zona de Croacia goza de la abundancia de trufas a diferencia de otras partes del mundo.
De hecho, las agencias de viaje organizan recorridos turísticos enfocándose en el interés que los clientes puedan tener por las trufas.
Estos hongos abundan en la región de Istria, y prueba de ello es que allí se localizó la trufa blanca más grande del mundo. Se trata de una especie extremadamente rara que pesa más de 1 kilogramo. En esa ocasión, la pieza se vendió por aproximadamente 4 mil euros. Y los turistas que visitan Hum suelen llevar trufas como suvenir.
El biska.
No cabe duda que recibir el título de la ciudad más pequeña del mundo atrae el interés del turismo en Croacia. Pero, ¿qué se puede hacer en una ciudad tan pequeña? Más allá de recorrer murallas y comer trufas, en Hum sirven un excelente biska.
Se trata de una variedad de coñac aromatizado con muérdago y fabricado a partir de una receta que sólo unos cuantos habitantes de Hum conocen. Este y otros productos salen a la venta a finales de octubre, durante el Festival de Grappa.
Si alguna vez visitas Hum, sería buena idea planear otro recorrido por una ciudad cercana el mismo día. Después de todo, Hum es una ciudad tan pequeña que el recorrido no demora demasiado. Puedes dirigirte a Kotli, un pintoresco pueblo a unos cuantos kilómetros.
Hellinikon, así es la única (y extraña) pirámide hallada en la antigua Grecia
Cuando hablamos de pirámides, automáticamente nuestra mente vuela en dirección a Egipto. Con más de 4.500 años de antigüedad, estas impresionantes construcciones siguen en pie, guardando numerosos secretos en su interior que no hemos sido capaces de desentrañar y que los expertos se afanan por tratar de descubrir.
Pero si hablamos de misterios, posiblemente la pirámide de Hellinikon es una de las más enigmáticas del planeta, una de las pocas que levantó Grecia.
Corría el año 1937 cuando el explorador alemán Theodor Wiegand investigó la pirámide por primera vez.
Más recientemente, en 2010, el arqueólogo Efstratios Theodosiou, arqueólogo de la Universidad Nacional y Kapodistrian de Atenas, trató de fechar y entender el uso real de la pirámide, cuyos resultados se publicaron en un estudio en ‘Research Gate’.
A pesar de los años y los esfuerzos, nadie ha sido capaz de entender por qué se levantó y cuál fue su misión.
Si acudimos a los registros históricos con la intención de descubir si, en algún momento, algún antiguo escrito hacía referencia a qué tipo de edificación podía ser, solo aparece una referencia clara: el geógrafo Pausanias, en su ‘Descripción de Grecia’ del siglo II d.C., explicaba la existencia de dos pirámides en territorio heleno y, curiosamente, ubicaba una de ellas a poco menos de ocho kilómetros de distancia de la hallada por Theodosiu.
¿Podría tratarse de la misma construcción?
El investigador continuó con su trabajo sobre el terreno y, efectivamente, poco tiempo después confirmó que encajaba a la perfección.
Tras las excavaciones, confirmó que la altura que conservaba a día de hoy alcanzaba poco más de un par de metros, si bien es cierto que en su época de esplendor tuvo que superar los 10 metros. Además, contaba con una planta prácticamente cuadrada, con 7,03 por 9,07 metros, formada con piedra caliza. Era una pirámide en toda regla.
Sin embargo, a partir de ahí, el misterio no a hecho más que crecer, pues la datación que se ha hecho de la construcción confirma que se habría levantado allá por el año 2.700 a. C. O, lo que es lo mismo, es coetánea de la famosa pirámide escalonada de Egipto y sería unos dos siglos más antigua que las archiconocidas pirámides de Guiza.
Solo unos meses más tarde, se confirmaban las palabras de Pausanias, con la aparición de restos de una segunda contrucción a pocos kilómetros de distancia.
Aunque de mucho menor tamaño que las pirámides de Egipto, la aparición de la pirámide de Hellinikon supondría que este tipo de construcciones se llevaron a cabo en Grecia al mismo tiempo que en la civilización egipcia, pero no todo el mundo está de acuerdo con esta afirmación.
Algunos investigadores apuntan a que la piedra caliza usada en la construcción griega podría haber sido reutilizada y, por ello, que la edad de este edificio fuera muy posterior a las fechas que se manejan.
Posiblemente, la principal duda al respecto es cuál era la verdadera función de la Pirámide de Hellinikon. Pausanias aseguraba en sus escritos que las dos pirámides descritas fueron utilizadas como tumbas comunes tras dos guerras, una lucha por el trono entre Preto y Acrisio y la batalla de Hisias.
Sin embargo, otros investigadores no están de acuerdo con esta afirmación y consideran que, dado su pequeño tamaño, su función pudo ser otra, tal y como explica ‘Muy Interesante’.
Otros expertos sugieren que pudo ser una especie de barracón para albergar milicias, que fue una especie de atalaya de vigilancia o, incluso, un puesto avanzado de control, pero, a día de hoy, los investigadores no han llegado a una conclusión evidente.
Para qué se levantó la Pirámide de Hellinikon y cuál fue su uso sigue siendo todo un misterio. La construcción piramidal mejor conservada de Grecia continúa siendo uno de los grandes misterios de la antigua civilización helena.
A.C.V.(A.N.)/ichi.pro — Para las mujeres, el pelo es uno de sus bienes más preciados y no pocas han salido de la peluquería con lágrimas en los ojos después de un corte poco favorecedor (por mucho que tengamos constancia de que crece).
La moda ha cambiado mucho a lo largo de la historia, y el pelo siempre ha formado parte de la misma: mientras que la ‘garçonne’ se cortaba el pelo para demostrar emancipación y rebelarse contra la tradición, la mujer victoriana de clase acomodada no se cortaba el pelo jamás para demostrar con ello su posición privilegiada.
Y justamente de pelos largos va esta historia. Con perdón de las Kardashians, los americanos tuvieron hace más de 100 años otro grupo de hermanas igual de famosas que las del reality, a las que algunos denominan incluso como las primeras modelos del país: las hermanas Sutherland.
En cualquier momento, uno puede escribir la frase «Sutherland Sisters» en el motor de búsqueda de eBay y obtener varias fotos de tarjetas de gabinete, anuncios y otros artefactos relacionados con su apogeo.
Eran el equivalente estadounidense del siglo XIX de las estrellas de rock, las supermodelos y los titanes del merchandising, todo en uno, ¿o debería decir siete? Su historia es tan extraña como notable.
Su curiosa historia comienza en el condado de Niágara, en Nueva York, concretamente en un pequeño pueblo llamado Cambria.
«Las siete hermanas Sutherland»
Las hermanas (Sarah, Victoria, Isabella, Grace, Naomi, Dora y Mary) no tuvieron una infancia especialmente feliz: descalzas y harapientas se dedicaban a cuidar pavos en la granja familiar, nacieron entre 1851 y 1865, y en un principio se interesaban por la música.
De hecho, aprendieron a cantar y tocar varios instrumentos, y formaron un coro ambulante que cosechó cierto éxito. Sorprendentemente, no eran sus cualidades musicales lo que atraía al público (como el padre, Fletcher Sutherland, descubriría) sino sus largas cabelleras.
Quizá eran pobres, pero no escatimaban en gastos en lo que a su pelo se refiere.
La madre de las niñas había inventado un ungüento de olor nauseabundo, pero que, según aseguraba, hacía que el pelo de sus hijas creciera mucho más rápido y fuerte. Afirmó que esta fórmula fue responsable de su fenomenal éxito en el crecimiento del cabello.
Una botella que alguna vez contuvo la famosa fórmula.
Como explica el biógrafo Brandon Stickney, pronto, el progenitor vio un futuro potencialmente económico en los cabellos de sus hijas y explotó la imagen de las ‘Seven Sutherland Sisters’, a las que las grandes compañías itinerantes e incluso algunos circos se rifaban, al más puro estilo El hombre elefante.
El padre de las niñas, Fletcher Sutherland, era un personaje colorido que luchaba por mantener a su familia. Los ingresos de la granja eran escasos y los impuestos a la propiedad siempre parecían estar atrasados.
Tenía que encontrar una forma de aumentar sus ingresos, preferiblemente una que no implicara trabajo manual. (A menudo dejaba a su familia para hacer el trabajo agrícola, mientras socializaba con sus amigos en la ciudad).
La familia era musical, cada niña cantaba y tocaba un instrumento, por lo que Fletcher ideó el plan para ponerlas en el escenario, comenzando de a poco en los sótanos de las iglesias y en las reuniones locales.
Anuncio de periódico para una aparición en el New Dime Museum
En aquella época todo lo que fuera diferente atraía al público, y el cabello a lo Rapunzel de las niñas (a las que apodaron ‘las siete maravillas’) los embelesó. El pelo de Victoria, la segunda hermana, que era el más largo, medía dos metros de largo y si lo dejaba suelto se arrastraba por detrás.
Aunque las chicas eran musicalmente competentes, Fletcher comenzó a darse cuenta de que el verdadero atractivo era su cabello increíblemente largo (un colectivo de 37 pies). Empezó a sacar provecho de eso.
Al final de cada actuación, las hermanas daban la espalda a la audiencia como una sola y mostraban su notable cabello. Esta dramática maniobra fue un gran éxito y, en unos pocos años, alcanzaron el gran éxito.
El hecho de que fueran siete, un número bíblico, también aportaba cierto misticismo a las jóvenes, que se dedicaron a participar en vodeviles y a realizar giras.
De hecho, llegaron a actuar en Broadway y en 1884, firmaron contrato con Barnum and Baileys’s para el circo ‘El espectáculo más grande de la tierra’.
Paquete para 7 fertilizantes para el cabello Sutherland Sisters
Desde principios de la década de 1880 hasta principios de la de 1900, las Seven Sutherland Sisters realizaron una gira con el circo de Barnum y Bailey, convirtiéndose (junto con Jumbo el elefante) en uno de los mejores actos del espectáculo.
Viajaban con estilo en un vagón de ferrocarril privado, y su ropa estaba a la altura de la moda y los diseñadores les pagaban para modelar sus creaciones.
Los fanáticos los acosaban dondequiera que fueran, algunos armados con tijeras para obtener un fragmento de las cerraduras milagrosas para ellos mismos.
Sara
Pero mucho dinero comenzó a rodar alrededor de 1885 cuando Fletcher, impulsado por el nuevo esposo de Naomi, J. Henry Bailey (quien también se desempeñó como gerente del acto), comenzó a preparar, embotellar y vender la receta secreta de la familia.
Como la madre había muerto en 1867, unos años antes, y como señalamos anteriormente era la que se encargaba del extraño mejunje, el padre intentó reinventar (o, simplemente, crear) un tónico crecepelo milagroso, y, ¿qué mejores ejemplos de lo que el producto podía hacer que sus propias hijas?
Victoria
Por aquel entonces ya eran famosas, vendían pósters y las reconocían por la calle, e incluso en varias ocasiones algunos fans intentaron cortarles el pelo o les ofrecían determinado dinero si lo hacían.
No le fue mal, por lo menos al principio. Aseguraba que el tónico era lo que le había ayudado a prevenir su propia calvicie.
En el primer año obtuvo unos 90.000 dólares de beneficio, gracias a la fama de las hermanas, y las ganancias ascendieron con el paso del tiempo hasta los tres millones gracias a sus tácticas de marketing: cada botella podía venderse por 50 centavos o 1,50 dólares, que podía ser el sueldo de una semana de un estadounidense en aquella época.
Naomí
“The 7 Sutherland Sisters Hair Grower” se comercializó agresivamente en periódicos y revistas con afirmaciones escandalosas y cartas de “clientes” satisfechos que eran sospechosamente similares en tono y estilo. Los anuncios también presentaban el respaldo de misteriosos médicos que juraban la eficacia del tónico.
Todo era una tontería. El Hair Grower, cuando lo probó un químico legítimo, resultó ser principalmente hamamelis y ron laurel con trazas de ácido clorhídrico, sal y magnesio. Pero el negocio de la belleza se basa en la fe, la esperanza y una buena dosis de autoengaño, y el público seguía deseando los productos de 7 Sutherland Sisters.
La familia agregó tintes para el cabello llamados «colorantes para el cabello», «fertilizantes para el cabello», un limpiador para el cuero cabelludo, cepillos y peines a la línea de productos. Los artículos se vendieron en las tiendas minoristas, así como en las tiendas de la empresa llamadas «salones», incluida una en la ciudad de Nueva York.
María
Varias de las hermanas visitaban los salones y estaban disponibles en horarios establecidos para consultas sobre el cuidado del cabello o simplemente para atraer compradores parándose en las ventanas.
Las hermanas, por su parte, siguieron cosechando fama y siendo portada de algunos periódicos de la época que iban desde ‘The New York Times’ al ‘The New Yorker’.
Durante años, las hermanas continuaron cediendo su imagen para el milagroso tónico y crearon algunos eslóganes como «el cabello de una mujer es su gloria suprema» o «recuerden señoras, es el cabello, no el sombrero, lo que las hace hermosas».
Dora
Eran modelos de cabello en las ventanas de las farmacias, daban consejos de belleza y seguían haciendo giras de canto.
Abrieron oficinas en Nueva York, Filadelfia, Chicago, Toronto o La Habana y se convirtieron en auténticas celebridades a las que no les faltaron pretendientes, aunque Sarah, Mary, Grace y Dora jamás se casaron, quizá para poder continuar teniendo pleno control sobre su riqueza.
Las siete hermanas comenzaron a vivir una vida de opulencia, sin escatimar en gastos, y en 1893 construyeron una increíble mansión en la zona de Cambria donde habían vivido modestamente de niñas.
Contaban con 14 habitaciones, pisos de madera, candelabros de cristal, camas importadas de Europa o baños de mármol con agua corriente fría y caliente.
Aunque de cara la galería seguían mostrando una imagen ejemplar, comenzaron a surgir rumores sobre sus fiestas y excesos, así como historias acerca de que practicaban espiritismo o tenían varios amantes.
En 1888, Fletcher y Mary habían muerto y las hermanas habían amasado una fortuna. A principios de siglo, habiendo ganado millones, se encontraban entre las mujeres más ricas de Estados Unidos. Vivieron juntos en una mansión opulenta que construyeron en Warner’s Corners, Nueva York, no lejos de donde nacieron. En este punto, las cosas empezaron a ponerse raras.
En 1892, cuando Isabella tenía 40 años, se casó con Frederick Castlemaine, de 27 años. Frederick era guapo, encantador y desesperadamente adicto al opio y la morfina. La familia lo adoraba y se convirtió en una figura central en las numerosas fiestas, entretenimientos y payasadas que los Sutherland realizaban en la mansión.
Retrato del esposo de Isabella, Frederick Castlemaine, sin fecha
El evento que más pareció trastornar a la familia fue la muerte de la hermana Naomi en 1893. Su cuerpo permaneció en estado en la mansión de la familia durante semanas, mientras sus hermanas planeaban un elaborado mausoleo. Finalmente, decidieron enterrarla con sus padres en la parcela familiar en la cercana Lockport.
El cambio en los planes de entierro puede deberse en parte a que era necesario mantener el secreto. Las hermanas no estaban mejor con el dinero de lo que había sido su padre, y necesitaban que siguiera llegando. Seis Sutherland Sisters no servían, así que contrataron a una sustituta para Naomi y el espectáculo continuó.
La tragedia golpeó nuevamente en 1897 cuando Frederick Castlemaine fue encontrado muerto en su habitación de hotel mientras estaba de gira. Se especula si su muerte fue accidental o no, pero Isabella estaba inconsolable. Ella se negó a permitir que su cuerpo se moviera durante horas, insistiendo en que iba a despertar.
Finalmente, otros asistentes la persuadieron de que les permitiera organizar su transporte de regreso a Lockport.
Frederick, como Naomi, permaneció en estado durante semanas en un ataúd con cúpula de vidrio en el salón de la mansión Sutherland, su cuerpo sin embalsamar. La familia se reunía a su alrededor día y noche, cantando sus canciones favoritas.
Isabella insistió en que su mausoleo tuviera una ventana para que él pudiera salir cuando se despertara, como estaba segura que haría. Noche tras noche, ella velaba junto a su tumba, llorando y rogándole que regresara con ella. No hace falta decir que nunca lo hizo.
A medida que las mujeres envejecían, sus oportunidades de viajar y modelar disminuían. Isabella se volvió a casar y se separó de la familia para lanzar un producto competitivo con su segundo marido, Alonzo Swain. La pareja se quebró.
Cuando Victoria tenía 50 años en 1899, se casó con un joven de 19 y se separó del resto de la familia. Murió tres años después y fue reemplazada en el acto, como había sido Naomi, con un sustituto.
Mary, plagada de períodos de locura, a menudo estaba encerrada en su habitación. Victoria, Grace, Dora y Mary nunca se casaron. Sarah murió en 1919.
El último clavo en el ataúd de la fortuna familiar fue la edad del flapper. Las mujeres se estaban moviendo el cabello y ya no querían estar agobiadas por estilos que requerían horas de mantenimiento. La producción de los productos para el cuidado del cabello 7 Sutherland Sisters terminó y la mayor parte de la fortuna se fue.
Grace, Dora y Mary de las hermanas restantes vendieron la mansión ahora en ruinas por una miseria y se mudaron a una pequeña casa en Lockport.
Con el advenimiento del nuevo siglo y la llegada de la Primera Guerra Mundial, las mujeres comenzaron a cortarse el cabello por pura comodidad, hasta la llegada de las flappers, que marcaría el principio del final para las Sutherland, que habían hecho del pelo largo su seña de identidad.
El mausoleo de Castlemaine en Lockport, NY.
Una última esperanza llevó a las tres hermanas restantes a Hollywood en 1926, donde se habló de hacer una película sobre sus vidas. Las discusiones con el estudio de cine no llevaron a ninguna parte, y antes de regresar a casa, Dora fue atropellada y asesinada por un automóvil mientras cruzaba una calle en Los Ángeles.
Sus hermanas organizaron la cremación de sus restos, pero al carecer de los fondos para pagar el servicio, Grace y Mary regresaron a Lockport sin ellas, para entonces habían gastado prácticamente toda su fortuna y estaban arruinadas. La creencia es que todavía están allí. María murió en 1939.
Cuando Grace, la última de las mundialmente famosas Siete Hermanas Sutherland, murió en 1946 a la edad de 92 años, su lugar de descanso final fue una tumba sin nombre.
Isabella fue la primera en arruinarse. Grace, la última hermana sobreviviente, murió en 1946.
En 1936 la corporación de las Sutherland cerró definitivamente y el 24 de enero de 1938 la mansión, que llevaba años abandonada, se quemó por completo.
De las dos hermanas que quedaron, Mary murió internada en un asilo, y Grace (la más longeva) en la más absoluta pobreza en 1946, tenía 92 años. Como no había espacio en el mausoleo de sus hermanas fue enterrada en una tumba sin nombre. Un final bastante amargo para un cuento de hadas digno de la mismísima Rapunzel.
The Conversation(C.M.Salvan) — El 20 de julio se cumplía el 45 aniversario del aterrizaje en Marte de la histórica misión Viking. Días después, fallecía Gilbert Levin, uno de los investigadores principales de la misión.
A pesar del tiempo transcurrido, y (en mi caso) de modo muy tangencial, aún pudimos participar en la discusión de uno de los aspectos más polémicos de la misión: las evidencias de vida en Marte. Esta es la historia.
Hacia 2007, en el Centro de Astrobiología de Madrid estábamos iniciando una línea de investigación sobre los restos moleculares que los seres vivos dejan en materiales geológicos (biofirmas orgánicas o biomarcadores).
Acabábamos también de proponer instrumentación para estudiar la composición orgánica de Titán y Encelado, que viajaría en la futura misión TandEM.
Nuestro trabajo llamó la atención de Christopher McKay, del Centro de Investigación Ames de la NASA, quien nos envió una muestra del suelo número 726. Era el último coletazo de 30 años de discusión científica sobre los resultados de la misión Viking a Marte.
La misión Viking constaba de dos naves, cada una de ellas formada por un orbitador y un aterrizador (lander). Viking 1 aterrizó en Marte el 20 de Julio de 1976 en Chryse Planitia. Viking 2 lo hizo el 3 de septiembre en Utopia Planitia, al otro lado del planeta. Los landers transmitieron datos hasta noviembre de 1982.
Los objetivos de la misión eran obtener imágenes, datos ambientales, geofísicos y de composición de la atmósfera y suelo. También intentaba responder a la gran pregunta: ¿hay o hubo vida en Marte?
Modelo a tamaño real del aterrizador Viking, situado en el Centro de Astrobiología. Se observa el brazo para toma de muestras de suelo
Viking en busca de vida
Los Viking realizaron, entre otros, dos experimentos:
El experimento LR (labeled release o radiorespirometría), desarrollado por los equipos de Harold Klein, director del Equipo de Biología, y Gilbert Levin.
El experimento de análisis molecular (molecular analisis experiment), usando el instrumento GCMS, desarrollado por el químico del MIT Klaus Biemann.
Para el experimento LR, se incubó suelo con nutrientes orgánicos marcados con carbono-14, midiéndose la emisión de CO₂ radiactivo, lo que sugeriría la presencia de actividad metabólica.
El objetivo del instrumento GCMS era identificar compuestos orgánicos presentes en el suelo o el aire. Para el análisis, una muestra de suelo se calentaba a alta temperatura, para volatilizar posibles compuestos orgánicos. Los compuestos orgánicos volatilizados entrarían en el analizador para identificarlos.
El método es intuitivo: si calentamos cualquier muestra de suelo a temperatura elevada, emitirá compuestos orgánicos procedentes de la vida microscópica y restos vegetales presentes en el suelo. En la Tierra, ni siquiera es necesario calentar, pues el petricor, que hace tan agradables las tormentas veraniegas, ya es un biomarcador.
En Marte, el experimento LR dio un resultado positivo. Sin embargo, el instrumento GCMS no detectó ningún compuesto orgánico en el suelo marciano. ¿Qué significaba? ¿Había vida en el suelo, pero no se podían detectar sus componentes? ¿Acaso no había vida y el resultado se debía a un efecto químico?
El suelo número 726
Los datos de la misión Viking no respondían a la pregunta sobre si había vida en Marte, pero tampoco lo negaban.
Más bien abrían nuevas cuestiones. Antes del lanzamiento de la misión, los instrumentos se probaron con diversos tipos de suelos, para obtener una librería de referencia que ayudara a interpretar los datos de Marte.
El equipo de Gil Levin realizó los experimentos con el suelo 726. Este fue recogido en 1966 en la Antártida, en un remoto nunatak llamado Coalsack Bluff, en las montañas Transantárticas. En las pruebas, el suelo 726 daba un resultado similar al del suelo marciano: positivo en el experimento LR y ningún compuesto orgánico detectado con el instrumento GCMS.
El suelo 726 contenía trazas de partículas de carbón y kerógeno, un material de origen biológico común en las rocas. ¿Significaba esto que en Marte había algo de vida? ¿Por qué el GCMS no podía detectar compuestos orgánicos en el suelo 726? ¿Era debido a que el diseño del instrumento no era adecuado? Había que discutirlo, ya que no podemos permitirnos enviar un instrumento cuestionable para detectar huellas de vida.
Para Levin, los datos de Viking sugerían la presencia de vida. Para otros, el resultado del experimento LR era explicable si el suelo es químicamente oxidante. Se discutió la capacidad del instrumento GCMS para detectar pequeñas cantidades de componentes orgánicos.
Se planteó que el problema no era el instrumento, un prodigio técnico, sino que el tratamiento de la muestra no era adecuado para la misión. Tal como estaba diseñado, solo podría detectar ciertos compuestos orgánicos presentes en una cantidad elevada. Por ello, McKay nos envió muestras del suelo 726 a varios implicados en el estudio de biomarcadores. El objetivo era comprobar si podían verse componentes orgánicos en el suelo, y decidir si el tratamiento de muestra del Viking era adecuado o no.
Aspecto del suelo 726 a simple vista y bajo el microscopio. Está formado por minerales de origen volcánico, como olivinos y diópsido.
Perclorato y la esterilidad del suelo de Marte
La discusión terminó en 2008, cuando el Phoenix Mars Lander descubrió perclorato en el suelo de Marte. Una explicación a los resultados de la Viking era el carácter oxidante del suelo. Las sales de perclorato son oxidantes y se descomponen formando hipoclorito (lejía), entre otras cosas, debido a la radiación que asola la superficie marciana.
La combinación de oxidantes y radiación sugería que el suelo marciano es estéril e incompatible con la materia orgánica.
Así, la superficie no es el lugar idóneo para buscar vida o biomarcadores. Aun en el caso de que los hubiera en el suelo, estables gracias a la baja temperatura y sequedad del planeta, en el momento en el que se intentaran analizar serían destruidos por el perclorato.
Por ello, Viking no podía identificar huellas de vida en ningún caso. Había que cambiar de estrategia: buscar huellas de vida en el subsuelo o atrapadas en arcillas, así como evidencias indirectas a través del estudio de minerales y rocas.
Materia orgánica extraída de 100 g de suelo 726 en nuestro laboratorio. La masa marronácea contiene hidrocarburos, biofirmas de bacterias y plantas y contaminantes de origen humano.
¿Y el suelo 726? Sí, contenía biomarcadores. McKay y sus colaboradores tenían razón: el experimento de análisis molecular, tal como estaba configurado en la Viking, no tenía sensibilidad suficiente, aunque ya daba igual.
Ahora sabemos que los experimentos de Viking se diseñaron bajo una perspectiva demasiado geocéntrica. Se necesitaba otro enfoque, que se aplica en los rovers Curiosity y Perseverance.
Un instrumento similar al GCMS de Viking, sin embargo, puede ser importante en la exploración de otros lugares, como Europa o Titán, donde los compuestos orgánicos son claves. Será fascinante ver los datos de las misiones en curso y futuras.
The Conversation(C.Vela Delfa) — Una de las ramas más desafiantes de la Lingüística es la que describe los mecanismos que regulan nuestras conversaciones cotidianas. Cuando explico a mis estudiantes cómo funciona una conversación, a menudo la comparo con un baile.
Como en una coreografía ensayada hasta el infinito, los interlocutores coordinan sus acciones para hacer posible el milagro del diálogo. La conversación no solamente es necesaria para que los niños aprendan a hablar, sino que está en la esencia de la propia naturaleza social de nuestra especie.
Conversando nos comunicamos con los otros, pero también, y sobre todo, aprendemos a cooperar.
El milagro de la conversación humana
Los expertos han descrito con detalle cómo funciona una conversación: un modelo culturalmente determinado que regula cuándo hablar y cuándo callar, cómo pedir y ceder la palabra y hasta el tiempo en el que resulta cortés mantenerla.
Lo aprendemos desde niños como parte de nuestro proceso de socialización. Y, aunque en algunas ocasiones puedan identificarse pequeñas disfunciones (interrupciones inesperadas o turnos que se solapan), las más de las veces funciona con la precisión de un reloj suizo.
Sin embargo, por muy admirable que resulte este milagro no podemos ignorar que presenta ciertas limitaciones. Así, la escritura surgió en parte para compensar la evanescencia de la palabra hablada. Y desde las señales de humo hasta el telégrafo muchos ingenios tecnológicos sirven para comunicar más allá de donde los sonidos llegan de forma natural.
Conversación digital eterna y múltiple
En la era digital nuestra capacidad comunicativa parece no tener límites. Sin embargo, conviene recordar que para que una conversación funcione no basta con ser oídos, también tenemos que ser escuchados. Y para ello los interlocutores deben estar atentos y mutuamente disponibles.
Vivimos hiperconectados e inmersos en una eterna conversación que se desarrolla de forma paralela y simultánea en distintos dispositivos y aplicaciones. Y precisamente por ello nuestra atención parece estar más dispersa que nunca.
Merece la pena meditar sobre la manera en que la mediación tecnológica está modificando nuestra forma de comunicarnos.
En Reclaiming Conversation: The Power of Talk in a Digital Age, Sherry Turkle reflexiona sobre las consecuencias de la cultura digital en nuestras relaciones interpersonales para salir en defensa de los intercambios cara a cara como forma de acercarnos al otro.
Se pregunta si no habremos sacrificado la verdadera conversación en aras de una aparente conexión ilimitada que nos deja más solos que nunca.
Hasta han surgido expresiones como clavar el visto o dejar en visto para dar cuenta de la ansiedad que produce la toma de conciencia de que un mensaje ha sido recibido y leído pero no contestado.
Conversar en tiempo de WhatsApp
Más allá de los inevitables juicios de valor, en mis últimas investigaciones vengo preguntándome sobre cómo influyen las características de las aplicaciones destinadas a la comunicación interpersonal en nuestra forma de conversar.
El caso de WhatsApp es especialmente interesante. En sus más de diez años de vida hemos asistido a numerosos cambios. Hemos vivido la irrupción los emojis o stickers para suplir la frialdad del texto escrito o la incorporación de mensajes de audio.
Cada uno de estos cambios se ha incorporado a nuestras rutinas de uso. Algunos han sido recibidos con sorpresa y hasta con polémica.
No podemos olvidar el revuelo causado por la introducción en el año 2014 del doble check azul. Desde entonces, los silencios en WhatsApp son más significativos que nunca y la que fuera una de las principales ventajas de la aplicación, la discreción, quedó fuertemente dañada.
Y aquí no acaban las controversias. Desde hace unos meses, cuando recibimos un audio de WhatsApp, podemos decidir entre escucharlo a velocidad normal o acelerarlo. Este hilo resume brillantemente las luces y las sombras de esta nueva funcionalidad.
¿Auténticas conversaciones?
Los mensajes de WhatsApp se producen en ausencia de nuestro interlocutor, lo que limita la operatividad de uno de los principios básicos de la interacción comunicativa: la regulación. Se pierde la posibilidad de adaptar nuestro discurso a la reacción de nuestro interlocutor, algo natural en la conversación cara a cara.
Entonces, ¿por qué empleamos tanto la mensajería instantánea? Para algunos, WhatsApp es una alternativa eficiente cuando no pueden mantenerse otro tipo de interacciones. Sin embargo, para otros no es una opción sustitutoria, sino prioritaria. Pertenecen al nutrido grupo de fans del llamadas no, solo WhatsApp.
A pesar de que pasen las horas conectados a sus aplicaciones de mensajería instantánea, conseguir que los más jóvenes hagan o respondan una llamada de teléfono es muy difícil. Si la ausencia de regulación puede ser fuente de conflictos y malentendidos comunicativos, ¿por qué los mileniales rehuyen de tal manera la conversación para refugiarse en WhatsApp?
Está claro que los intercambios de WhatsApp no demandan la misma atención que los telefónicos o presenciales. De hecho, podemos mantener varios al mismo tiempo, algo que, salvo situaciones muy excepcionales, resulta muy difícil y además tremendamente descortés en las conversaciones cara a cara.
Por muy instantáneo que parezca WhatsApp, siempre habrá unos segundos que separen el momento en que se producen nuestras palabras de aquel en el que se reciben. Y estos segundos pueden convertirse en horas o días. Las conversaciones empiezan y acaban, se retoman y se abandonan sin que parezca haber unas normas muy claras.
Al fin y al cabo, salvo excepciones, casi todos los intercambios digitales se realizan en concurrencia con otra actividad: contesto a un WhatsApp mientras me lavo los dientes, por ejemplo.
Este modelo de conversación líquida ofrece mucha libertad y requiere muy poco compromiso. A diferencia de una autentica conversación que demanda nuestra atención y disponibilidad, WhatsApp nos permite regular los tiempos a nuestro antojo, silenciar los intercambios que nos aburren y dejar en espera los mensajes para cuando nos venga en gana.
Así, mientras los boomers (la generación alrededor de los sesenta y setenta años) esperan con ansia que suenen sus teléfonos, los jóvenes los tienen eternamente silenciados. Y los mensajes que reciben han de esperar hasta que ellos decidan mirar sus móviles (aunque sea algo que hagan más de 150 veces al día).
Ante esta falta de disponibilidad, ¿podemos seguir hablando de auténticas conversaciones? Hemos de volver a la metáfora del baile para responder a esta pregunta. ¿Recuerdan la canción de Eurovisión 1991? Si bailar de lejos no es bailar, conversar así, a través de Whatsapp, puede ser, al menos en no pocas ocasiones, como estar hablando solos.
Magnet(M.Such) — En la historia de la televisión de nuestro país hubo una era oscura a principios de los 90 que ahora, tres décadas después, igual nos costaría reconocer. La combinación de los primeros años de las televisiones autonómicas con el amanecer de las privadas dio lugar a una explosión de programas de bajo presupuesto que buscaban atraer al público con un arma bien conocida en la televisión italiana: las azafatas en bikini.
¿Quién no se acuerda de las Mama Chicho, aquel cuerpo de baile explosivo y divinos atuendos que amenizaba los programas de variedades de Telecinco? Cuantos más minutos de chicas con la mínima ropa posible, aunque fuese con las excusas más inverosímiles, mejor.
Si hacía falta, hasta se inventaba un concurso en el que había que adivinar que frutas llevaban en sus pezones. ¿No nos créeis? No pasa nada, os presentamos ‘Ay, qué calor’.
Telecinco y las azafatas «frutitas»
«En la pista dando brincos, la colección de tetas que hacen bulto en Telecinco». Es un verso de una canción de Joaquín Sabina publicada en 1992, y que resumía perfectamente la estrategia de la cadena en sus inicios. ‘Ay, qué calor’ la encarnaba al 100%, tal y como recordaba en Twitter el dibujante de El Jueves Rául Salazar, que diseccionó en un hilo su primer programa.
En realidad, ‘Ay, qué calor’ era una adaptación de un formato importado, cómo no, desde la Telecinco italiana, titulado ‘Colpo grosso’.
Su mecánica era la misma: dos concursantes participaban en un juego de preguntas y respuestas cuya finalidad última era que las azafatas enseñaran los pechos todas las veces humanamente posibles.
En un ejemplo de su ingeniosa coartada argumental, cada concursante tenía que adivinar qué fruta llevaban pegada en los pezones. Ni en ‘El tiempo es oro‘. Éxito asegurado.
Tras la emisión del original en las madrugadas y de causar tremendas cifras de audiencia, la cadena española se animó a producir su propia versión y se buscó a sus propios presentadores, a saber: Luis Cantero (vestido de capitán de crucero entre ‘Vacaciones en el mar’ y los Carnavales de Cádiz) y la ex Miss España Eva Pedraza.
Porque Telecinco también emitía las galas de elección de Miss España. Y presumía del cuerpo de baile más atómico de la tele: las Cacao Maravillao.
Las azafatas que se dedicaban al strip-tease más gratuito de la televisión (con desnudo integral incluido) española eran las Chicas Chin Chin. Todo aquel invento se emitió, eso sí, durante un sólo verano, el de 1991, primero en las madrugadas de los jueves y, después, en las de los sábados.
Aquel horario era el de lo erótico festivo en la televisión española a principios de los 90. Y lo casi porno fue un arma muy utilizada en la competencia entre todas las cadenas por despuntar en un panorama en el que, de repente, ya no existían sólo los dos canales de TVE. Hasta ésta se subió al carro con el strip-tease que finalizaba el espacio de entrevistas ‘Un día es un día’, presentado por Ángel Casas (Javier Sardá y ‘Crónicas marcianas’ no inventaron nada en ese aspecto).
Luis Cantero justificaba que ‘Ay, qué calor’ fuera más soft porn disfrazado de concurso al decir que «éste es un programa polémico como todos los relacionados con el sexo.
Y eso es lo que queremos. Hay mucho hipócrita para los que la crítica es sólo una excusa para ver lo que creen que no se debe ver. A mí el hecho de que la gente se desnude me parece muy bien; al fin y al cabo todos nacemos desnudos. Yo mismo tengo una foto desnudo a doble página en un libro que publiqué hace tiempo».
Y ‘Ay, qué calor’ no era el único programa que utilizaba a chicas medio desnudas como principal reclamo.
De las Mama Chicho a las «monleonetes»
De hecho, Telecinco llenaba de azafatas en bikini hasta sus espacios deportivos. Porque una de las ideas más locas de la cadena fue poner a Manolo Escobar y Loreto Valverde a presentar un programa que resumiera la jornada de la Liga de fútbol, rodeados, cómo no, de chicas ligeras de ropa y con el clarísimo título de ‘Goles son amores’.
Sólo duró una temporada, la de 1992/93, en la medianoche de los lunes. ¿Cómo pudo fracasar semejante idea?
No quedaba ahí el asunto. Los principios de los 90 eran terreno fértil en la cadena amiga para ideas todavía más estrafalarias. Como darle a Jesús Gil un ¿talk show? que presentaba metido en un jacuzzi con varias chicas en bikini. ‘Las noches de tal y tal’, se llamaba, y también se emitió en el mismo verano de 1991 que fue un Big Bang de locuras en Telecinco.
Si pensáis que Telecinco no podía ir más allá, os equivocáis. El gran exponente de esa erotización y objetificación de las azafatas totalmente gratuita era ‘Tutti Frutti‘, un programa de humor que combinaba sketches, actuaciones musicales, vídeos caseros y que amenizaban las bailarinas más famosas de España en aquella época: las Mama Chicho. La cadena las metía hasta en especiales navideños.
‘Tutti Frutti’ era la gran apuesta de la cadena en sus inicios. Llegó a emitirse incluso después de ‘Sensación de vivir‘, y las labores de presentación se las llegaron a repartir Raúl Sender, Pepe Viyuela, Esperanza Roy y Cruz y Raya. Una alineación imparable.
Sin embargo, había una cadena capaz de competir de igual a igual con Telecinco en cuanto a sexismo gratuito y festivo, Canal 9. Su carta de presentación, ‘El show de Joan Monleón’, era un concurso-varieté con sus propias azafatas, las monleonetes, que aparecían de esta guisa.
Sí, eso eran huchas simulando ser tetas. No hay más que añadir, Señoría.
elhistoriador.es — El Tío Sam es un apodo y a la vez una caricatura con las que se personifica al gobierno de los Estados Unidos de América y que, fuera de sus fronteras, se utiliza para referirse al país en su conjunto.
El origen del Tío Sam parece estar asociado a la biografía de Sam Wilson, un empaquetador de carne que vivía y trabajaba en Troy (Nueva York) en los años en los que tuvo lugar la Guerra anglo-estadounidense.
La carne se empaquetaba en barriles que llevaban estampadas las siglas US, correspondientes al apodo de Wilson, uncle Sam (‘tío Sam’).
Gracias a esta ración adicional de carne, los soldados del frente reponían las fuerzas que el rancho reglamentario no les proporcionaba.
La historia cobró pronto dimensiones épicas en la imaginación de la soldadesca, hasta el punto de crear un personaje de larga barba blanca y chaqueta azul y blanca que reconfortaba sus penurias en la batalla.
poster original británico de Lord Kitchener
A esta historia le acompaña otra paralela, según la cual el apodo deriva del rótulo que llevaban los contenedores de munición de dicha contienda, en los que aparecían las siglas de la denominación del Estado, United States of America (‘Estados Unidos de América’), es decir, U.S.A., y de ahí U.S.Am o Uncle Sam (‘Tío Sam’).
Cartel de J.M. Flagg, 1917, basado en el poster original británico de Lord Kitchener, tres años anterior.
Esta propaganda ha sido masivamente utilizada para reclutar soldados, tanto durante la Primera Guerra Mundial como para la Segunda.
Sea como fuere, Sam Wilson murió el 31 de julio de 1854 y fue enterrado en el cementerio de su localidad natal de Troy.
Sin embargo, la figura que de él se creó sobrevivió a su memoria hasta el punto de convertirse en un símbolo tan estadounidense como la bandera de las barras y estrellas o el pigargo cabeciblanco.
Su primera aparición en la prensa data de 1832, cuando fue utilizada su imagen en tiras que fueron incluidas en varias publicaciones durante este año; en ellas, se representaba a un personaje con rostro astuto vestido con un atuendo de barras y estrellas, probablemente inspirado en el personaje del hermano Jonathan de la obra The Constrast (‘El contraste’, 1787) de Royall Tyler.
El Tío Sam fue un icono muy utilizado durante los últimos años del siglo XIX y las primeras décadas del XX por los caricaturistas políticos y humoristas.
El personaje se enfrentaba durante este período de chauvinismo y fanatismo patriótico (que, por otra parte, no disminuyó en intensidad pasado el tiempo) contra otros que representaban a minorías raciales o culturales contra las que se dirigían los ataques racistas de los caricaturistas.
John Bull
Así, el Tío Sam, gordo y opulento, tiene como contrapartida a John Bull (el spanish toreador, un español caricaturizado como un torero enjuto, tosco de modales y de expresión dura y facciones afiladas), Black Mammy (una obesa matrona negra, la cual influyó con toda seguridad en el estereotipo de criada negra del cine de la era dorada de Hollywood, como, por ejemplo, en Lo que el viento se llevó), el “irish paddy” (caricatura de los irlandeses venidos desde Europa), el organillero italiano o, más adelante en el tiempo, el oso ruso, el chino mandarín, el bandido mexicano, el mafioso italiano o el prestamista judío. Los dibujantes que utilizaron con más profusión al Tío Sam en esta época fueron Joseph Keppler, C. J. Taylor, C. Kirby y Rodney Thompson, todos ellos dibujantes de la revista Puck.
El icono fue conformándose durante el siglo XX en un personaje de pequeña barba, sombrero de copa con una banda en la que destaca una estrella y una larga americana, el cual dirige su mirada firme al espectador, como inquiriéndole para que cumpla con su deber, incluso señalando con su dedo índice.
De hecho, fue utilizado con asiduidad como propaganda en posters de reclutamiento, para recordar a los jóvenes de distintas épocas su deber de defender a la patria y de alistarse en el ejército en algunas de las guerras que los Estados Unidos protagonizaran durante la pasada centuria.
El 87º Congreso de los Estados Unidos, celebrado el 15 de septiembre de 1961, adoptó la siguiente resolución: “Resuelto por el Senado y la Cámara de Representantes que el Congreso reconoce a Tío Sam Wilson, Nueva York, como el progenitor del símbolo nacional americano del Tío Sam”, lo que suponía su adopción como símbolo nacional.
Chaplin había muerto en la Navidad de 1977 y había sido enterrado el 27 de diciembre, bajo una lluvia bíblica a la que asistieron su viuda, Oona O’Neill, y algunos de los ocho hijos que tuvo con ella
Infobae(A.Amato)/Clarin/marcianosmx.com — Dos meses y cuatro días después de morir, a los 88 años y en su casona de Corsier-Sur-Vevey, Suiza, una especie de castillo colgado de un barranco, Charles Chaplin protagonizó una de las mejores comedias de su larga vida de genio del cine.
No la dirigió ni la actuó, puesto que estaba muerto, pero su figura y su espíritu le dieron a un episodio macabro el aura del humor inolvidable del gran Carlitos.
En la noche del 1 al 2 de marzo de 1978, dos palurdos con una almendra por cerebro, profanaron su tumba en el cementerio de Corsier, y se robaron el ataúd, un cajón lustroso de roble noble y añejo que pesaba 150 kilos, y huyeron con él para pedir rescate por los restos.
La comedia, que llegó a tapar el drama de mal gusto, duró hasta el 23 de mayo cuando, en una ceremonia íntima, los restos del genio fueron enterrados otra vez en una nueva tumba, ahora más protegida.
Chaplin había muerto en la Navidad de 1977 y había sido enterrado el 27 de diciembre, bajo una lluvia bíblica a la que asistieron su viuda, Oona O’Neill, y algunos de los ocho hijos que tuvo con ella, entre ellos Eugene Chaplin, un cronista sensacional de los episodios por venir.
La comedia, el film que Chaplin hubiese querido dirigir, nació con el robo del ataúd, pero tomó cuerpo cuando los delincuentes llamaron a la casa de Chaplin para pedir seiscientos mil francos suizos para devolver el cadáver. A cifras de hoy, era un rescate valuado en medio millón de euros.
Pero el euro no existía entonces. Idiotas sí, eso hubo siempre. Uno de ellos hizo el llamado a la residencia familiar de los Chaplin.
Lo atendió el mayordomo del palacio, austero, pero palacio al fin, Giuliano Canese, un ítalo-suizo, o un suizo italiano, formal y amable, leal hasta los huesos con todos los Chaplin, que eran muchos de familia.
Charlie Chaplin durante unas vacaciones en familia, cerca de 1968
La noticia del robo del cadáver, que fue confirmada enseguida por la policía, los delincuentes habían dejado la fosa abierta y la tierra amontonada a un costado, causó un poco de pánico.
En especial en el chofer de la familia, otro italiano simpático y honesto que se llamaba Renato, pero que fue el que más se angustió con el robo. Imaginó que se trataba de un operativo guerrillero, de algún grupo de los tantos que conmovían a Europa en aquellos años.
Renato recordaba la fresca tragedia del secuestro en Italia del líder de la democracia Cristiana, Aldo Moro, que sería asesinado por sus captores, miembros de las Brigadas Rojas.
En el secuestro de Moro había sido asesinado su chofer, y Renato temía un destino similar para hasta entonces apacible vida, temores acrecentados por algunas amenazas de violencia contra la familia que hacían los delincuentes en sus inquietantes llamados.
Dos mecánicos, uno polaco y el otro búlgaro, se dirigieron al cementerio Corsier-sur-Vevey, en Suiza, para desenterrar los restos del creador de largometrajes legendarios como Tiempos Modernos, El Gran Dictador y The Kid, entre muchos otros, y así extorsionar a la viuda, Oona O’Neill. Pero no todo salió como lo habían planeado.
Roman Wardas, nacido en Polonia, y el búlgaro Gandscho Ganev llegaron a Suiza como refugiados a fines de los 70 y sobrevivían como podían. Eran mecánicos y buscaron un modo de ganar dinero fácil.
Recordaron que unos meses antes había muerto el genio del cine y sus restos habían sido sepultados al alcance de sus manos, en el pequeño cementerio de Corsier-sur-Vevey. Hacia allá fueron en la madrugada del 2 de marzo del 78 con unas palas, unos picos y una camioneta.
Tardaron dos horas en desenterrar el féretro, un ataúd de roble de unos 150 kilos. Se lo llevaron sin más y lo volvieron a enterrar en un campo de maíz en Noville, no muy lejos, a tres kilómetros del extremo oriental del lago de Ginebra, cerca de las nacientes del Ródano. La profanación era para cobrar un rescate por los restos de Chaplin y la que debía pagarlo era Oona O’Neill, la viuda.
Investigadores en el cementerio de Corsier-sur-Vevey, tras la profanación.
Los profanadores-ladrones-extorsionadores llamaron por teléfono al castillo de la familia Chaplin y pidieron hablar con Oona. La última esposa de Chaplin, 36 años menor que él, e hija de Eugene O’Neill, Nobel de Literatura y cuatro veces ganador del premio Pulitzer, atendió el llamado y escuchó la demanda de los secuestradores: a cambio de devolverle el cadáver de su esposo pretendían recibir un pago de 600 mil dólares.
La única persona que conservó la calma en esas iniciales horas de zozobra e incertidumbre fue la viuda de Chaplin, Oona O’Neill, hija del dramaturgo Eugene O’Neill, que había surcado con apagado éxito las aguas procelosas de Hollywood, había tenido algunos escarceos amorosos con el escritor J. D. Salinger y con Orson Welles, hasta que conoció a Chaplin y se enamoró perdidamente.
Tuvieron cuatro hijos y en 1952, cuando el macartismo hacía estragos en Estados Unidos y Chaplin fue perseguido porque encaraba el prototipo del comunista en aquella caza de brujas, huyeron juntos a Europa, ella embarazada del quinto bebé.
En Europa nació el quinto y tres más. La familia vivió unida y feliz después de tantas tormentas. No iba a ser el chaparrón de los secuestradores el que amilanara a Oona. Dijo que no al rescate con una lógica de cemento armado: “Charles habría encontrado todo esto muy ridículo”.
La respuesta de Oona los descolocó: «No», les dijo. Que hicieran con los restos de Charles Chaplin lo que quisieran. A esa altura lo que acontecía ya se había filtrado a la prensa, pero la familia mantuvo el hermetismo y Oona dejó filtrar un único comentario a modo de explicación: “A Charlie todo esto le habría parecido ridículo”.
Los secuestradores dejaron pasar un par de días y se convencieron de que el problema había estado en la moneda. Volvieron a llamar y Renato, el histórico mayordomo de los Chaplin, los volvió a comunicar con Oona. Esta vez le dijeron a la viuda que con 600 mil francos suizos volvía a tener el ataúd con los restos de su esposo. “No”, volvió a responder la mujer.
Desesperados, los dos mecánicos mejoraron la oferta y en un tercer llamado le rebajaron el rescate a 500 mil francos.
Pero Oona volvió a decir que no. El 16 de mayo, la viuda fue advertida por los secuestradores de que al día siguiente, a las 9.30, iba a recibir la llamada con la oferta “definitiva”. Fue con esa precisión que le anunciaron el llamado lo que le permitió a la policía montar un operativo para dar con los extorsionadores.
Hasta que desnudaron sus almas desangeladas y terminaron por pedir cien mil dólares. Entonces intervino la policía que buscaba a Chaplin con desesperación y sin pistas.
¿Qué había pasado hasta entonces? Las especulaciones hablaban, todas delirantes pero muy atractivas, del secuestro del cadáver por parte de un comando israelí.
Ante la idea extendida de que Chaplin era judío, Israel, el Mossad o algún loco suelto de los servicios de inteligencia, que los hay en todas partes, podía haber secuestrado sus restos, porque después de todo, descansaban en un cementerio anglicano.
Las tumbas de la pareja, una junto a la otra en Corsier-sur-Vevey.
La contrapartida del comando israelí era, cómo no, la del comando nazi. Eran los nostálgicos de Hitler quienes, indignados por la fantástica sátira que Chaplin había encarnado en El Gran Dictador (entre paréntesis, hay que verla, o reverla) habían secuestrado su cadáver con vaya a saber cuáles fines.
La tercera teoría hablaba de macabros y fanáticos admiradores capaces de construir un santuario secreto para adorar a su ídolo, o para enterrarlo en Inglaterra, su país natal. Había unas cuantas teorías más, que incluían a grupos guerrilleros, famosos e ignotos, que tanto aterrorizaban al buen Renato, el chofer del genio.
Pero la policía suiza, y la Interpol, que también intervino en el caso, ya tenía el perfil de los delincuentes. Sólo había que pescarlos. Así que le rogaron a Oona, mientras el mundo seguía en suspenso por el destino de los restos del gran Carlitos, que aceptara negociar, o simular negociar con los profanadores.
Se hizo el arreglo y, la noche indicada, el mayordomo Canese salió al volante del Rolls Royce familiar, un vehículo oscuro, pesado y sereno, seguro de su destino, en el que iba un maletín con el supuesto dinero del rescate. Esa noche, en Corsier, había más policías de civil que átomos en el aire.
Para la policía suiza fue sencillo disponer de vigilancia disimulada a esa hora en las 200 cabinas telefónicas disponibles. A las 9.30 del 17 de mayo, un hombre generó sospechas y fue interrogado. Su acento lo delató. Y Wardas confesó.
Confesaron enseguida: querían dejar su destino de pobreza y se habían inspirado en un caso italiano, el robo de un cadáver por el que se había pedido rescate, que habían sido noticia en un diario local.
Ahora había que hallar el ataúd de Chaplin. Wardas y Ganev dijeron que lo habían enterrado en un campo de trigo, en Noville, algo alejado de Vevey, en el costado oriental del Lago Léman, que obra también como límite entre Suiza y Francia.
Habían dejado algunas huellas para identificar el sitio, pero las lluvias de primavera habían borrado todas las marcas.
Un hombre señala el lugar donde el ataúd de Charles Chaplin fue enterrado en un campo de trigo, luego de su robo del cementerio de Corsier-sur-Vevey
Igual, la policía no tardó mucho en hallar la tumba todavía fresca en un campo que no era de trigo, como habían dicho los delincuentes, sino de maíz: los tipos no distinguían un choclo de un Boeing 737. Los condenaron a los dos: a Wardas a cuatro años de trabajos forzados y a Ganev a dieciocho meses.
El caso se cerró, los dos mecánicos quedaron detenidos y el cuerpo de Chaplin fue llevado al Instituto Forense de Lausana. Finalmente, hace hoy 42 años, fue enterrado nuevamente –con mayor protección- en Corsier-sur-Vevey, donde se encuentra hasta hoy.
Chaplin fue devuelto al cementerio de Corsier-sur-Vevey el 23 de mayo de 1978, su tumba estaría ahora más protegida. Lo está, y en ella descansan los restos de Oona O’Neill, que murió en 1991. La mujer de Wardas le escribió a Oona una carta meses después del descalabro armado por su marido. La viuda de Chaplin le respondió con otra frase fantástica: “Mira, yo ya los he perdonado”.
El último toque de comedia en el drama lo puso el dueño del campo de maíz donde Wardas y Ganev ocultaron el ataúd que fue, durante diez semanas, el más buscado del mundo. Donde estuvo la tumba, el agricultor hizo colocar una placa de cemento. En ella se lee: “Aquí descansó Charles Chaplin. Brevemente”.
Tiempo después, los dos mecánicos, condenados a penas de menos de 5 años, le escribieron cartas a Oona para pedir disculpas, y ella los perdonó. Más tarde, cuando la esposa de uno de ellos le quiso enviar otra carta, respondió con fastidio: “Mirá que ya los perdoné”.
Las desventuras de los cadáveres de algunas personalidades históricas
Lord Byron.
Para el mundo de la poesía, Lord Byron fue una figura fundamental en la corriente del romanticismo. Murió a la temprana edad de 36 años en Mesolongi, una ciudad griega, y en aquel entonces sugirieron que su cuerpo fuera sepultado en el Partenón, uno de los monumentos más famosos de la cultura griega.
Pero no, Byron terminó siendo trasladado a su tierra natal, no sin antes pasar por una necropsia, momento en que sus intestinos, pulmones y cerebro fueron removidos y conservados en alcohol sin un motivo aparente.
El cadáver del poeta fue trasladado hasta la Abadía de Westminster, en Londres. Sin embargo, dado que Byron no había llevado una existencia nada retacada, no lo admitieron en la Poets’ Corner propiedad de la Iglesia, y sus restos fueron llevados a la tumba familiar, que se encuentra en la iglesia de Santa María Magdalena de Hucknall, situada en el condado de Nottingham.
En la década de los 30 empezó a circular un rumor sobre que el difunto sepultado en aquella tumba no correspondía con el cadáver de Lord Byron. Así, una exhumación dirigida por un grupo de 40 individuos – entre los que se encontraba un historiador, un médico y varios miembros del clero – dieron fe de que el cadáver realmente era del poeta.
Napoleón Bonaparte.
Desde el momento en que Napoleón murió en 1821, cuando se encontraba exiliado en Santa Helena, hasta que regresó a Francia pasaron veinte años. Cuando finalmente llegó a tierras francesas, lo sometieron a una necropsia que terminó removiendo – y desapareciendo – el órgano viril del emperador.
El miembro de Napoleón terminó reapareciendo entre múltiples artículos que formaban parte de una colección de objetos que habían pertenecido al francés y que fue subastada en 1916. Pero las ofertas por las “joyas de la familia” de Napoleón no llegaron al precio de reserva en la subasta.
En 1927, el falo formaba parte de una exposición en el Museo de Arte Francesa de Nueva York y, después, pasó por las manos – disculpen el juego de palabras – de varios coleccionistas.
En la década del 70, el órgano de Napoleón fue comprado por un urólogo estadounidense, que guardaba el miembro en una maleta que mantenía bajo su cama. Este médico y su extraña fascinación por los genitales disecados perecieron en 2007, por lo que la hija del doctor pasó a tomar posesión del pilin de Bonaparte.
Galileo Galilei.
Como debes saber, a Galileo lo acusaron de herejía por su creencia en la teoría del heliocentrismo. Por esto, el funeral del italiano no fue el adecuado cuando murió en 1642. Cien años después de su fallecimiento, un grupo de científicos decidió exhumar al genio para sepultarlo en una hermosa tumba de mármol en la Basílica de la Santa Cruz, en Florencia.
Pero, antes de colocar los restos mortales de Galileo en su nueva tumba, los encargados del entierro decidieron quedarse con algunos objetos – como un diente, una vértebra y varios dedos de Galilei.
Tiempo después el dedo medio del astrónomo apareció en una colección de reliquias, mientras que la vértebra fue ubicada en la Universidad de Padua. Los demás huesos robados fueron localizados en 1905 y actualmente están en exposición en el Museo Galileo.
Alejandro Magno.
Aunque el paradero del cadáver de Alejandro Magno sea un completo misterio hasta nuestros días, la mayoría de los historiadores deduce que el rey macedonio fue sepultado en algún sitio de Alejandría, en Egipto, la ciudad que él mismo fundó.
Alejandro Magno murió a los 32 años – posiblemente víctima de envenenamiento – en Babilonia en el 323 a.C., y su cadáver habría sido conducido a la antigua ciudad egipcia de Menfis, donde lo mantuvieron durante veinte años.
Después, el cadáver fue trasladado a Alejandría y sepultado allí hasta que, en torno al siglo III a.C., Alejandro Magno fue dispuesto en una nueva tumba. En este sitio recibió la visita de nada más y nada menos que Julio César, Pompeyo, Calígula y César Augusto.
Se dice que en una de las visitas, César Augusto se agachó para besar el rostro del difunto con tan mala fortuna que terminó rompiendo la nariz momificada de Alejandro. Calígula habría hecho algo mucho peor, pues se cuenta que robó la armadura pectoral del difunto para su uso particular.
Abraham Lincoln.
Lincoln murió en 1865 y su cuerpo fue embalsamado para hacer un recorrido por diferentes lugares del país, para después sepultarlo en una imponente tumba de mármol en la ciudad de Springfield, Illinois.
Años después, en 1876, un grupo de bandidos decidió hurtar el cadáver del presidente para usarlo como moneda de cambio, pretendiendo que a cambio de devolver los restos se liberara al famoso falsificador de dinero Benjamin Boyd.
Por suerte, ese mismo día en que lo asesinaron, Lincoln creó el Servicio Secreto de los Estados Unidos – fueron los agentes de este organismo quienes descubrieron los planes para desenterrar al presidente.
Después de esto, el ataúd fue puesto bajo una tumba de mármol y, en 1901, lo volvieron a desenterrar para sellarlo en una caja de acero bajo un bloque de concreto.
Ludwig van Beethoven.
El pobre de Beethoven además de perder la audición, experimentó un deterioro crónico de su salud durante varios años antes de finalmente morir en 1827. El compositor habría solicitado que la causa de su muerte fuera revelada al público, y en complimiento de sus deseos se solicitó una necropsia – ejecutada por el médico Johann Wagner.
La causa de muerte de Beethoven se concluyó en un edema, pero Wagner quizá no puso mucha atención cuando utilizó sus herramientas, pues una exhumación – realizada en 1863 – se reveló que el médico abrió el cráneo del compositor de una forma tan descuidada que los fragmentos no pudieron volver a encajarse correctamente para el entierro.
Además, Wagner removió los osículos auditivos del compositor – probablemente en un intento por descubrir qué le provocaba la sordera –, y jamás fueron recuperados.
Tras la exhumación, el cuerpo de Beethoven fue dispuesto en una nueva tumba, pero diversos fragmentos de su esqueleto terminaron convertidos en “recuerdos”, algunos de estas piezas fueron encontradas entre las pertenencias de un antropólogo en 1945.
delphipages.live/marcianosmx.com — Leo Frank , en su totalidad Leo Max Frank , (nacido el 17 de abril de 1884 en Cuero, Texas , EE. UU., Fallecido el 17 de agosto de 1915 en Marietta , Georgia), superintendente de fábrica estadounidense cuya condena en 1913 por el asesinato deMary Phagan resultó en su linchamiento .
Su juicio y muerte moldearon al nacienteLiga Anti-Difamación (ADL) y estimuló el primer resurgimiento de laKu Klux Klan (KKK). Frank fue indultado en 1986.
Frank se crió en Brooklyn , Nueva York , y obtuvo una licenciatura en la Facultad de Ingeniería de la Universidad de Cornell en 1906.
Después de un aprendizaje en Alemania con el fabricante de lápices Eberhard Faber , Frank se mudó a Atlanta , Georgia , para trabajar en la National Pencil Company. , de la cual su tío Moses Frank era copropietario.
El 30 de noviembre de 1910 se casó con Lucille Selig, que era, como Frank, judía de ascendencia alemana nacida en Estados Unidos, y vivía en armonía con la familia acomodada de su esposa. En 1912, Frank fue elegido presidente de su capítulo local de B’nai B’rith .
El 26 de abril de 1913, alrededor del mediodía, Mary Phagan, una empleada de 13 años de la National Pencil Company, fue a la fábrica a cobrar su paga, que Frank le dio.
Mary Phagan
Luego el cadáver de una adolescente de 14 años era descubierto en el sótano de la National Pencil Factory, una fábrica de lápices en la ciudad de Atlanta, Georgia, en los Estados Unidos. La desafortunada joven fue golpeada, estrangulada y supuestamente violada, aunque nunca se llegó a un consenso entre los especialistas que examinaron el cuerpo respecto a lo último.
El Dr. H. F. Harris, uno de los médicos forenses, anotó en el resumen de su autopsia que:
Al examinar el cráneo no se encontró ruptura, pero sí una hemorragia que se correspondía con el punto donde fue acertado el golpe. Esto demuestra que el golpe fue lo suficientemente contundente como para que la persona cayera inconsciente. Sin embargo, esta herida no fue suficiente para provocarle la muerte.
Creo, sin lugar a dudas, que su muerte fue consecuencia del estrangulamiento, ejecutado con una cuerda alrededor de su cuello.
El hematoma presente alrededor del ojo derecho fue hecho por una herramienta suave. La cutícula externa de la piel no se rompió. Las lesiones presentes en el ojo derecho y en el cuero cabelludo fueron hechas antes de la muerte.
Examiné el contenido estomacal y descubrí 160 cm cúbicos de repollo y pan de trigo. El alimento había sido parcialmente digerido. Me siento con la confianza de afirmar que el golpe en la parte trasera del cráneo se hizo media hora después de su comida.
Realicé un examen a las partes íntimas de Mary Anne Phagan. No encontré espermatozoides. En las paredes vaginales no había evidencia alguna de violencia. Se retiró el epitelio. Los vasos sanguíneos fueron inmediatamente dilatados bajo la superficie y había una gran cantidad de sangrado en los tejidos circundantes. Para mí, la dilatación en los vasos sanguíneos es una señal de que la lesión en su vagina sucedió momentos antes de su muerte. Quizá entre 10 y 15 minutos. No existían indicios de violencia en la zona del himen.
El caso levantó bastante revuelo en aquella época. Inicialmente la policía detuvo a Newt Lee como sospechoso principal del asesinato. Newt Lee era el guardia (de raza negra) de la fábrica y fue él quien localizó el cadáver de Mary. Pero poco tiempo después fue liberado por falta de evidencias en su contra.
Entonces las sospechas recayeron en dos personas.
Jim Conley, el conserje negro de la fábrica y Leo Frank, el judío blanco gerente del lugar.
Jim Conley
Leo Frank parecía un hombre por encima de cualquier sospecha, estaba casado y se había titulado como ingeniero en la Universidad de Cornel, además era el gerente de la fábrica. Era un hombre culto y viajado.
Los métodos de investigación en aquella época eran sumamente tendenciosos y distaban mucho de ser los mejores. La coacción de los testigos y la manipulación de la evidencia era algo bastante común. Así que los policías norteamericanos simplemente tuvieron que decidirse por el peor. ¿Un negro sucio o un maldito judío?
La situación del conserje se fue al caño cuando uno de los guardias de la fábrica declaró a un periódico que creía que Conley era el asesino. En este punto Jim Conley empezó a dar varias versiones de lo sucedido. Al principio aseguró haberse encontrado con Leo Frank el día del asesinato, parecía muy nervioso y supuestamente lo corrió de la fábrica.
Después relató otra versión: dijo que Leo Frank asesinó a la adolescente y que le pagaría 200 dólares para que le ayudara a ocultar el cadáver. Esta fue la versión que se quedó.
La investigación estuvo plagada de controversias e incluyó la tortura de testigos.
Leo Frank en una cena familiar
Cobertura de prensa en torno al juicio y las apelaciones posteriores, sensacionalizada de una manera nueva en Atlanta porWilliam Randolph Hearst , por un activista populista convertido en supremacista blanco, Tom Watson, y por otros, exacerbó las tensiones sociales existentes que ya amenazaban la integridad del proceso legal.
Como norteño que manejaba a cientos de adolescentes que trabajaban largas horas por una compensación insignificante, Frank despertó poca simpatía.
La fiscalía basó su caso contra Frank en el testimonio entrenado de Jim Conley, un conserje afroamericano de la National Pencil Company que muchos afirman que cometió el crimen .
Las cuatro declaraciones juradas de Conley —cada nueva declaración renunciando a la anterior— desarrollaron la elaborada y, según todos los informes, la historia improbable de su participación en un crimen que atribuyó a Frank.
La mayor parte de la evidencia circunstancial y el testimonio del carácter favorecieron a Frank, pero el prejuicioy la ignorancia sobre judíos y negros finalmente decidió el juicio.
Leo Frank en sus años universitarios
La fiscalía reconoció la buena reputación de los judíos alemanes en Atlanta, pero aprovechó con éxito los conceptos erróneos sobre la circuncisión y el testimonio desfavorable sobre el carácter de Frank de algunas de sus jóvenes empleadas para pintarlo como un pervertido.
Paradójicamente, el racismo ayudó a Conley, quien mantuvo su historia durante tres días de contrainterrogatorio por parte de algunos de los mejores abogados de Georgia.
Descartando las mentiras de Conley en función de su raza y creyendo que cualquier persona negra sería incapaz de recordar una historia tan compleja a menos que fuera cierta, el jurado encontró a Frank culpable después de aproximadamente dos horas de deliberación el 25 de agosto.
Durante dos años, la evolución del caso Frank fue noticia. Todas las apelaciones de Frank, basadas en tecnicismos, fueron denegadas; la Corte Suprema de Estados Unidos votó 7-2 con la notable disensión de Oliver Wendell Holmes, Jr.
Cuando el abogado de Conley, William Smith , afirmó públicamente la inocencia de Frank, fue ridiculizado en los periódicos locales y efectivamente se quedó sin Georgia.
En junio de 1915, poco antes de la ejecución programada de Frank, el gobernador John Slaton conmutó su sentencia de muerte a cadena perpetua. Cuando se conoció la noticia a la mañana siguiente, una turba buscó a Slaton en su casa, lo que lo llevó a declarar la ley marcial .
Más tarde, un compañero de prisión le cortó el cuello a Frank con un cuchillo de carnicero; Otros dos reclusos que resultaron ser médicos llevaron a Frank al hospital de la prisión y participaron en la cirugía que le salvó la vida por poco.
Mientras Watson llamaba abiertamente a la violencia en su periódico semanal The Jeffersonian , un grupo de prominentes georgianos, incluidos funcionarios electos y un ex gobernador, planeó furtivamente un linchamiento elaborado.
Leo Frank y su familia
El día 17 de agosto de 1915, a menos de un mes de que el gobernador hubiera otorgado clemencia, una organización social que se hacían llamar “Caballeros de Mary Phagan” invadió la prisión, extrajeron a Leo Frank y lo llevaron hasta la ciudad de Marietta, Georgia.
Una vez allí Leo Frank fue golpeado de una forma brutal por un grupo de hombres que justificaban su acción como “justicia”.
Pero esa justicia no atendía al asesinato de Mary Anne Phagan, su justicia pretendía vengarse de un hombre judío que vino a Norteamérica y prosperó en sus tierras.
Era un acto de racismo disfrazado de justicia.
Los Caballeros de Mary Phagan estaban integrados por decenas de hombres, entre ellos el exgobernador de Georgia Joseph Mackey Brown, el juez Newton Morris y el exalcalde de Marietta e hijo de un senador Eugene Herbert Clay, también estaban presentes el famoso abogado John Tucker Dorsey, el sheriff de la ciudad William Frey, así como abogados e incluso médicos.
Como un último deseo, Leo Frank solicitó permiso para escribir una carta a su mujer, que su anillo de matrimonio fuera devuelto a ella y que la parte inferior de su cuerpo fuera cubierta, pues solo llevaba una camisa antes de su ejecución.
Leo Frank fue ahorcado en un sitio improvisado por el propio sheriff.
Frank fue enterrado en Mount Carmel. Cementerio en Queens, Nueva York. Su linchamiento fue uno de los 22 que tuvo lugar en Georgia en 1915.
En medio de la condena internacional, muchos georgianos celebraron.
Las tiendas vendían postales y artefactos del linchamiento.
Los perpetradores gozaron de impunidad , sus nombres se mantuvieron en secreto durante toda su vida.
“Este país no tiene que temer de las comunidades rurales.
La ley del linchamiento es una buena señal.
Muestra que el sentido de la justicia todavía habita entre los individuos.
«La voz del pueblo es la voz de Dios”, escribió Tom Watson en aquella época para el Jeffersonian and Watston’s Magazine.
Varios trozos de esa última ropa que vistió Frank fueron cortados por mujeres y niños y guardados como trofeos de caza. Las incontables fotos tomadas en su ejecución eran vendidas a 25 centavos de dólar, así como los trozos de la cuerda que se utilizó para quitarle la vida.
En contraste con el abrupto final de la carrera ascendente de Slaton, el fiscal Hugh Dorsey ganó las siguientes dos elecciones para gobernador, y Watson fue elegido más tarde para el Senado de Estados Unidos. Un grupo que se hacía llamar «Los Caballeros de Mary Phagan» resucitó al KKK en 1915.
Muchos judíos vendieron sus negocios y huyeron de Georgia, pero el ADL, formado en 1913 en Chicago y los primeros campeones de la causa de Frank, prosperó y finalmente ayudó a ganar el perdón de Frank .
En 1982, 67 años después de aquel episodio, un exempleado de la fábrica, Alonzo Mann, confesó haber visto al conserje Jim Conley cargando solo el cadáver de Mary Phagan hasta el sótano de la fábrica.
Amenazado de muerte por Conley, Alonzo, un adolescente en aquel entonces, no dijo nada a nadie. Alonzo se encontraba en el fin de su vida y “quería morir en paz”. Pasó por un detector de mentiras y murió tres años más tarde.
La petición fue inicialmente denegada, pero en 1986 Georgia perdonó a Frank por no protegerlo mientras estaba bajo custodia, sin abordar su culpabilidad o inocencia. Con pocas excepciones, la erudición contemporánea sostiene las afirmaciones de la inocencia de Frank.
En esta foto del 3 de agosto de 2015, Mary Phagan Kean sostiene un retrato de su tía abuela, Mary Phagan, mientras posa para una foto junto a su tumba, a la izquierda, en Marietta, Georgia.
Después de una detallada revisión del caso, el Estado de Georgia emitió la siguiente declaración:
“Sin pretensiones de abordar el asunto de la culpa o la inocencia, y en reconocimiento al fracaso del estado en proteger a la persona de Leo M. Frank y, de esta forma, preservar su oportunidad de continuar sus recursos legales, y en reconocimiento al fracaso del estado en llevar a los asesinos ante la justicia, y como un esfuerzo por cerras antiguas heridas, el Consejo Estatal de Perdón e Indultos, en conformidad con su autoridad constitucional y legal, concede a Leo M. Frank el perdón”.
74 años después del asesinato de Mary Phagan, Leo Frank era perdonado por un crimen que no cometió. En 2009, la película The People v. Leo Frank dio testimonio de este vergonzoso caso.
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Nuestras Charlas Nocturnas 