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Las prostitutas del cementerio de Roma…


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Ancient Origins  —  Los antiguos habituales de la profesión más antigua del mundo pueden haberse aburrido de los elementos «usuales» del menú del coito. Quizás por eso la antigua Roma disfrutaba de un ecosistema sexual próspero con una variedad robusta y un mercado para todo tipo de prostitutas romanas. Sin embargo, el menú sexual dinámico, que se hizo famoso por las excavaciones en Pompeya, recibe poca o ninguna mención en la historia, particularmente cuando se trata de los bustuarios o las prostitutas del cementerio.

La prostituta de cementerio es una vocación intrigante dentro del comercio sexual de la época. Pero no asuma que las prostitutas del cementerio eran un deseo de nicho hedonista arcaico, de interés solo para los romanos más degenerados. Después de todo, las prostitutas del cementerio continuaron hasta bien entrada la era moderna, en tiempos difíciles como la pandemia de Covid-19. Esto plantea preguntas en cuanto al atractivo de combinar la lujuria y la muerte en la práctica sexual. Quizás estudiando la historia del Bustuarie romano, podamos encontrar algunas respuestas.

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La antigua Roma albergaba un próspero negocio de miles de trabajadoras sexuales registradas y no registradas cuya tarea era proporcionar placer.

Prostitución en Roma: la jerarquía de las prostitutas romanas

Según muchas fuentes académicas, en el siglo I d.C., Roma albergaba una economía próspera de 32.000 trabajadoras sexuales registradas legalmente, junto con esclavos adicionales que se vendían en el comercio sexual casi todos los días. Los vendidos como esclavos comenzaron siendo niños o preadolescentes, a quienes luego se les hizo solicitar y aprender rápidamente las formas de complacer.

Pero no todas las prostitutas romanas eran esclavas. Había un pequeño número de trabajadoras sexuales voluntarias registradas que actuaban por cuenta propia. En otros casos, los hombres despreciables obligarían a sus hijas, esposas o hermanas a prostituirse para obtener ingresos adicionales; sin embargo, este acto en particular más tarde sería ilegalizado por decreto legal bajo el gobierno de Teodosio el Grande. A partir de ese momento, todos los hombres declarados culpables de solicitar a familiares perderían la custodia legal.

De las prostitutas registradas, las trabajadoras sexuales más elitistas de la clase patricia romana superior eran conocidas como la alta cortesana Delicatae. Incluso las deliciosas Delicatae, que eran seductoras y rebeldes hijas de honradas familias patricias, esperaban traer vergüenza y escándalo a su apellido de élite. Aunque los Delicatae solían estar enmascarados y protegidos de ser reconocidos, el hecho permaneció pues existían para aquellos que sabían dónde encontrarlos.

Otras formas existían en los cultos del templo dedicados a Isis, Ceres, Magna Mater, Venus y Pax. Para quienes pertenecían a las castas inferiores romanas, la mayoría de las prostitutas registradas se podían encontrar en burdeles locales, lúgubres y sin ventilación, baños de vapor e incluso tabernas mediadas por proxenetas. Incluso con estos muchos lugares de operación, existían otras variaciones de prostituta para aquellos que buscaban algo barato y un poco arriesgado.

Además de la amplia gama de prostitutas romanas registradas que se ofrecen, también había agentes libres no registrados conocidos como Prostibulae. Formadas por prostitutas no registradas, generalmente eran esclavas liberadas autónomas o mujeres extremadamente pobres que evitaban pagar altos impuestos romanos por cualquier medio necesario.

Algunas llegaron a ser conocidas como Ambulatae, que eran prostitutas provincianas y sucias, que esperaban afuera o cerca de los burdeles de alto precio, las sedes de gladiadores, los teatros y los circos, listos y dispuestos por solo dos monedas. Los Ambulatae no tendrían las mismas velas o letreros eróticos atractivos para señalar a los clientes su camino. En cambio, se basaron en prendas reveladoras y si tenían suerte, galletas eróticas en forma de penes para publicitar sus servicios.

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Las prostitutas de cementerio operaban dentro de los cementerios y tumbas subterráneas de la antigua Roma.

Deseos oscuros: las prostitutas del cementerio

Para aquellos que eran demasiado tímidos para acercarse a los Ambulatae, siempre existía la opción de un encuentro con una prostituta del cementerio Bustuarie, el más bajo de los más bajos en la escala jerárquica de la prostitución romana. Las prostitutas bustuarie operaban principalmente dentro de los cementerios y tumbas subterráneas de Roma. Fueron descritos como vergonzosos, demacrados, pálidos y enfermizos, todas descripciones similares a los muertos mismos. Temprano en la mañana, ofrecían sus servicios como dolientes a sueldo, pero por la noche estaban listos para cumplir cualquier oscuro deseo.

Los Bustuarie usaron tiza en la parte posterior de las lápidas para anunciar sus precios y participaron en actos sexuales dentro de los pasajes de las tumbas y las parcelas apartadas. Se podían encontrar prostitutas de cementerio en todo el Imperio Romano, e incluso en las afueras de Londinium (la actual Londres). Su clientela estaba compuesta por sepultureros, pseudo-necrofílicos ansiosos y viudos dolientes vulnerables. Fueron navegantes exquisitos para encontrar los mausoleos más vacíos, las parcelas funerarias más suaves e incluso las frías losas de lápida que presentaban una oportunidad para la discreción íntima.

Incluso había historias de mujeres de piel clara que descansaban en tumbas antiguas con monedas de oro en los ojos, no como pago al barquero para que cruzara al inframundo, sino como pago del dios Orcus por sus lustrosos servicios. Con la reputación de satisfacer sexualmente al Dios del inframundo, los Bustuarie fueron capaces de provocar el interés de cualquier joven romano que deseara una experiencia que bordeara los límites de la muerte y el amor. Sin embargo, ¿qué pasa con la precaución y la enfermedad en presencia de una prostituta rodeada de muerte?

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Para aquellos en el extremo inferior del espectro de la prostitución, la vida no se conocía por la comodidad, como podemos ver en esta ruina de un burdel en Pompeya con camas de piedra, cada una en su propia pequeña habitación similar a una celda de prisión.

¿Sexo seguro? Higiene entre las prostitutas romanas

Las prostitutas, registradas o no, seguían siendo tratadas como esclavas y una vez que alguien había sido asociado con un empleo en el comercio sexual, su destino estaba sellado. Dentro de la profesión más antigua del mundo, la vida sería para siempre una lucha por la supervivencia en lugar de una aventura llena de la emoción del deseo carnal. Las condiciones de vida por sí solas hicieron que la antigua vida de la prostitución estuviera plagada de enfermedades, dolorosa y extremadamente incómoda. Incluso con condiciones tan inhumanas, todavía existían costumbres culturales dentro del comercio sexual de Roma.

En los burdeles de todo el Imperio Romano, era muy común que las habitaciones fueran pequeñas, sin ventanas y penetradas por el hedor de la intimidad comprada. La única luz provendría de velas de forma fálica, utilizadas para indicar cuándo una prostituta estaba lista para su próximo cliente. La mayoría de las veces, los chicos del agua se paraban fuera de las habitaciones del burdel preparando su cuenco para que los clientes terminados se limpiaran después de que se pagaba.

En el mundo antiguo, se sabía que los burdeles tenían sus propios conductos de agua, lo que permitía a las prostitutas limpiarse entre clientes. Sin embargo, sus raciones de agua solo permitirían limpiar lo esencial en lugar de todo el cuerpo. Las prostitutas, como el cementerio Bustuarie, no recibieron tales lujos. Se esperaba que garantizaran la satisfacción de sus clientes desde el anochecer hasta el amanecer, y luego esperarían su turno en los baños públicos solo si habían ganado suficiente dinero para entrar.

Aunque bañarse era un lujo, la apariencia de la limpieza era esencial para mantener a los clientes en la antigua Roma a través del aroma, el estilo de vestir y el aseo. Para aquellos que no tenían acceso a baños o suministros de agua de burdeles, se desarrolló otra opción. Si bien no ayudó mucho en lo que respecta a la higiene, al menos creó la ilusión de limpieza. El Bustuarie usó perfume para enmascarar el olor de la muerte y el hedor de encuentros anteriores.

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Dentro de la profesión más antigua del mundo, la vida sería para siempre una lucha por la supervivencia en lugar de una aventura llena de la emoción del deseo carnal.

Ropa, moda y apariencia: la marca de una prostituta romana

Las prostitutas tenían un aspecto particular que las hacía destacar entre otras mujeres. Esta distinción también ayudó a publicitar su profesión sin decir una palabra. Las prostitutas de burdeles o élites de clase alta vestían túnicas verdes sin mangas muy reveladoras, junto con zapatos verdes para indicar que estaban listas para recibir clientes. El vestuario de una prostituta romana también incluía pelucas rubias de crin decoradas con cadenas o rizos dorados. La lencería morada, las sedas reveladoras, los collares de joyas de oro, las pulseras y el atuendo muy corto, también se hicieron populares en períodos posteriores de Roma. Era ilegal que las prostitutas usaran cualquier cosa que se pareciera a una banda larga, ya que ésa era la costumbre de las mujeres casadas obedientes.

También era común para el embellecimiento ritual de las prostitutas romanas el uso de maquillaje para enrojecer mejillas y labios. También practicaban la depilación o eliminación del vello púbico no deseado, mediante arsénico y cal quemada que quemaba dolorosamente los vellos de piernas, axilas y genitales.

La casta inferior de las prostitutas romanas solía ir desnuda o cargada con cinturones de paja para indicar su profesión a los ojos de los hombres ansiosos. El Bustuarie del cementerio estaba típicamente con poca ropa o tan desnudo como las prostitutas de Roma. Sin embargo, su atractivo era parecer tan pálido y demacrado como fuera posible. Como se mencionó anteriormente, muchos clientes deseaban hacer el amor con cadáveres y encontraron en Bustuarie la manera perfecta de cumplir su fantasía. Cuando realizaban el acto, se quedaban lo más quietos posible y permanecían flácidos para que sus clientes se complacieran antes de pedir el pago.

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Las prostitutas romanas de casta inferior solían estar desnudas. 

Las cargas económicas de la prostitución

Junto con el esfuerzo requerido para mantenerse atractivo y limpio, el estrés de la búsqueda continua de ingresos se cierne para siempre sobre las prostitutas de todas las clases sociales. En el siglo II a. C., las prostitutas registradas tenían que tener permisos para participar en el comercio sexual. En su solicitud, se les pidió que indicaran su nombre actual, lugar de nacimiento, edad y seudónimo para mantener su apellido en el anonimato.

En la antigua Roma, se consideraba que cualquier mujer que ganaba dinero de forma independiente se dedicaba a la prostitución o era la administradora de prostitutas. Independientemente del nivel social de una prostituta, el dinero era una parte importante de su sustento. Con muchas prostitutas registradas, se aplicaron fuertes impuestos, que esencialmente representaron un tercio de sus ingresos diarios. Si no se reportaban al Aedile recaudador de impuestos local, se enfrentaban a la cancelación de su registro.

Hacia el 40 d. C., el emperador Calígula alivió los impuestos extremos a las prostitutas y el cargo se redujo al equivalente a un cliente por día. Esto revela cuán rentable fue la prostitución legalizada para el Imperio Romano. Para las prostitutas independientes o no registradas, era necesario atrapar al menos dos clientes al día para subsistir. Un pago se destinaría a un trozo de pan y el otro al lugar donde se alojarán o al acceso a la casa de baños local. Sin esto, el Bustuarie no podría comer ese día.

Las prostitutas no registradas estaban en peligro constante. Si bien fueron perseguidos por los recaudadores de impuestos romanos, fueron admirados por su resistencia tanto por el pueblo como por políticos selectos. En los relatos históricos y literarios antiguos, las prostitutas por ricas o pobres que fueran, eran respetadas por su discreción, un código de honor muy apreciado en la sociedad romana.

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Uno de los 87 esqueletos de bebés que probablemente murieron al nacer se encontró en Yewden Villa en Hambleden, que se supone que es el sitio de un antiguo burdel.

Prostitución e infanticidio en época romana

Parte integral de un estilo de vida lleno de encanto y deseo, fue la preocupación de la concepción en cualquier momento. Aunque el mundo antiguo había desarrollado ciertos anticonceptivos, quedar embarazada era muy común entre las prostitutas, al igual que la práctica del infanticidio. En la era actual, el infanticidio se percibe con razón como algo negativo y muy desafortunado. Sin embargo, en la antigua Roma el infanticidio dependía completamente del padre. Si el patriarca de la familia consideraba innecesario al niño, tenía el derecho legal de disponer del niño como quisiera. A menudo, las razones detrás de un acto de infanticidio se debían a una deformidad o lamentablemente, si el infante era una niña.

Las prostitutas romanas que estaban cargadas con un embarazo no deseado a menudo mataban a sus bebés poco después del nacimiento. Las excavaciones de Yewden Villa en Hambleden realizadas en 1912 descubrieron los restos de 87 bebés. Mientras que la expedición de Leon Levy a Ashkelon reveló los restos de 100 bebés dentro de las alcantarillas de la casa de baños. Estos descubrimientos indican la absoluta indiferencia demostrada cuando los restos humanos fueron encontrados en pilas de desechos junto a animales muertos y basura. El análisis indicó que los niños fueron asesinados al día siguiente de su nacimiento.

El infanticidio no era ajeno a la prostituta del cementerio. Sus hijos no deseados habrían sido abandonados en basureros locales o abandonados en la cuneta fría cerca de las carreteras que conducen a los cementerios. En otros casos, los niños no deseados quedarían expuestos o abandonados cerca de los mercados o encrucijadas para morir o ser adoptados por otros.

Para los antiguos romanos, el infanticidio era algo común. Se consideraba un método anticonceptivo eficaz y era mucho menos peligroso que los métodos de aborto. Sin embargo, no todos los niños no deseados fueron asesinados de inmediato. En algunos casos, los bebés se mantuvieron vivos hasta cierta edad y luego se criaron para convertirse ellos mismos en prostitutas.

Los burdeles descubiertos en Pompeya revelaron una diferencia significativa en la preferencia de género al practicar el infanticidio. Los niños nacidos de prostitutas fueron asesinados debido al peligro que podría derivar de la existencia de hijos ilegítimos nacidos de hombres romanos de alto estatus. Durante la época de Augusto y Claudio, se promulgaron leyes que ordenaban la muerte de cualquier niño bastardo recién nacido de familias prominentes. La ley se promulgó para asegurar una postura firme contra el adulterio. Al menos en Pompeya, es posible que las niñas se hayan librado de la muerte, ya que podrían ser vendidas para el comercio de esclavos o entrenarse para convertirse en prostitutas a los trece años. En todos los demás casos de infanticidio, parecía que se mataba a los bebés de forma indiscriminada y sin prejuicios de género.

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El oscuro deseo de fornicación en los cementerios se ha mantenido popular hasta hoy.

Las prostitutas del cementerio después del Imperio Romano

Aunque las actitudes hacia el infanticidio y la esclavitud hayan cambiado, algunos aspectos culturales de las prostitutas y los burdeles han continuado hasta nuestros días, especialmente en lo que respecta a las prostitutas de cementerio. Aunque las Bustuarie eran consideradas las prostitutas más bajas y pobres, su popularidad fue de gran alcance en todo el imperio y continuó después de su desaparición.

Si bien la cultura y las costumbres cambiaron con el tiempo, el oscuro deseo de fornicación dentro de las tumbas se hizo cada vez más popular, alcanzando su punto máximo durante la Peste Negra de Europa a mediados de la década de 1300, un evento que resultó en la muerte de casi la mitad de la población en ciertos países europeos en 1360. Rodeado de muerte, la ansiedad causada por la falta de curación y la oración incesante por temor a la ira de Dios, parece que la población sobreviviente se despertó con la idea de actos mórbidos de sexo en el cementerio.

Entre las pilas de cadáveres, la gente pagaba a prostitutas para que se unieran a ellas en orgías que desafiaban a la muerte para celebrar la vida. Los eruditos han explicado esto como un método para hacer frente a la devastación infligida por la plaga. Los actos se hicieron tan populares que en lugares como Francia, la oficina papal decretó leyes y excomulgación a cualquier persona sorprendida en un acto sexual morboso con prostitutas cerca o en los cementerios.

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Durante la Peste Negra, la gente pagaba a las prostitutas para que se unieran a ellas en orgías que desafiaban a la muerte para celebrar la vida.

Dado que la oficina papal creía que la inmoralidad sexual era un factor clave para la plaga, temía que las continuas escapadas sexuales dentro de los cementerios provocarían más muertes. El acto en sí cobró muchas vidas, incluidas las prostitutas que se aprovecharon de la nueva demanda. Hasta dos tercios de las prostitutas que trabajaban murieron, dejando a muy pocas en servicio activo durante esos tiempos. Con una oferta tan limitada en la venta sensual de carne, muchas autoridades hicieron la vista gorda para que otros pudieran disfrutar de las prostitutas durante el pico de la infección.

Aunque Europa finalmente ganaría el control sobre la propagación de la Peste Negra, la práctica de las prostitutas de cementerio continuó y fue muy prominente en la década de 1940, especialmente después de la liberación de Nápoles. En muchos relatos, era común ver a personas teniendo sexo en las lápidas. Las razones detrás de esta actividad sexual parecen similares: después de una muerte y devastación tan inmensa, llegó el momento de celebrar lo mejor de la vida con un espectáculo para los muertos. Sin embargo, dado que el mundo sufre actualmente la pandemia de Covid-19, ¿están las actitudes de la generación millennial actual en sintonía con nuestros antepasados ​​europeos cuando se trata de relaciones sexuales entre tumbas? ¡La respuesta es necesaria!

Desde el brote global en 2020, ha habido informes globales de personas que tienen relaciones sexuales en cementerios. Se han producido muchos casos en toda Inglaterra, lo que genera preocupaciones relacionadas con la indecencia pública, la propagación del Covid-19 y la profanación de tumbas de iglesias. Como informa Watts, «el cementerio más antiguo del mundo en Torquay está siendo utilizado por personas que tienen relaciones sexuales abiertamente y toman el sol desnudos a plena luz del día». Sacerdotes, como el católico monseñor Arthur Coyle, fueron sorprendidos solicitando sexo en el cementerio polaco de la Santísima Trinidad, en Boston Massachusetts, Estados Unidos.

Parecería que a pesar de que el cementerio Bustuarie era el más bajo del sistema de castas de prostitutas en la antigüedad, a lo largo de los tiempos se han mantenido deseables y psicológicamente atractivos, especialmente durante los tiempos de devastación mundial. ¿Es el sexo en el cementerio un acto de desafío moral y desviación social en tiempos de disturbios globales? ¿O podría ser que pagar dinero por sexo frente a los muertos sirve como un método de afrontamiento de una pérdida devastadora?

nuestras charlas nocturnas.


Aberfan, el pueblo aplastado por una avalancha: la tragedia que atormenta a la Reina de Inglaterra desde hace 50 años…


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El 21 de octubre de 1966 una avalancha golpeó al colegio primario Pantglas, de Aberfan, en Gales. Esos recuerdos le pesan a la Reina Isabel II como una losa: 116 niños y 28 adultos murieron asfixiados bajo la inexpugnable masa de lodo, escombros y piedras. El pueblo minero quedó sepultado

Infobae(C.Balbiani)  —  Pasaron más de cinco décadas desde aquel día, pero Isabel II con 93 años (tenía entonces 40) se acuerda con dramática precisión de la avalancha que golpeó al colegio primario Pantglas, de Aberfan, en Gales. Esos recuerdos le pesan como una losa: 116 niños y 28 adultos murieron asfixiados bajo la inexpugnable masa de lodo, escombros y piedras. El pueblo minero había quedado sepultado.

Cuando ese día le avisaron lo ocurrido, la Reina decidió que fuera su marido, Felipe de Edimburgo, al lugar de los hechos en representación suya. No imaginó que tantos niños muertos convertiría a la catástrofe en una tragedia nacional de proporciones inconmensurables.

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La reina Isabel II lloró en Aberfan

Las críticas que señalaban su lentitud para reaccionar no tardaron en llegar. Ocho días después, Isabel II se presentó en Aberfan y derramó, como nunca en su vida, lágrimas en público.

Hace algún tiempo le preguntaron si tenía algo de qué arrepentirse durante su largo reinado, los que estaban presentes dicen que ella no dudó en responder: no haber asistido inmediatamente al lugar del colapso. Y, sobre ésta triste anécdota, correrían otros ríos, los de tinta y celuloide, magnificando o justificando aquel “histórico error” de la Monarca inglesa.

La avalancha negra

Eran las 9.15 de la mañana del neblinoso y húmedo viernes 21 de octubre de 1966 cuando el agua acumulada en la escombrera de una mina de carbón empezó a empujar piedra caliza, residuos químicos, barro y rocas hacia el valle. Se deslizó por la ladera llevándose por delante todo lo que había en el trayecto. Por la propia inercia de la caída, la masa de escombros fue multiplicando su tamaño hasta convertirse en una monstruosa pared de lodo de más de 9 metros de altura, que se movía a una velocidad de hasta 50 km por hora, y se dirigía directamente hacia la población.

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Los niños que murieron tenían entre 7 y 10 años. Era su último día de clase. Estaban dando el presente cuando la avalancha arrasó la escuela

El ruido que provocaba al deslizarse era estremecedor. El alud frenó su marcha cuando golpeó con violencia fatal la escuela Pantglas, sobre la calle Moy, y 19 casas de sus alrededores. Se introdujo por aulas, ventanas, puertas y techos, derrumbándolo todo y llenando el aire con un pesado y grasiento barro. En pocos minutos, el colegio y gran parte del pueblo, quedaron cubiertos por un mortífero manto de 40 mil metros cúbicos de desperdicios. El resultado fue espeluznante: en unos momentos solamente esa oscura mole había asfixiado y aplastado a 144 personas: 116 alumnos (la mayoría de entre 7 y 10 años) y 28 adultos (5 de los cuales eran maestros de la escuela).

Los pequeños estudiantes, que acababan de sentarse en los pupitres en su último día de clases antes de unas vacaciones de mitad de ciclo, estaban dando el presente cuando llegó lo impensable. No tuvieron tiempo de nada.

Cuando la marea negra se detuvo, el silencio era ensordecedor. No había más voces de niños, ni cantos de pájaros. Parecía el fin del mundo. Eso relataron, espantados, los sobrevivientes.

Crónica de una tragedia anunciada

Aberfan, es una población de Gales, Gran Bretaña, que está situada al pie de una ladera, al borde del río Taff. En agosto de 1869 cuando comenzó la excavación de la mina de carbón, la aldea constaba solamente de un par de cabañas y una posada. Para 1966, cuando ocurrió el deslave, la población del área era de unas cinco a seis mil personas, la mayoría de las cuales trabajaban en la minería local. Desde la nacionalización de la industria británica del carbón, en 1947, la mina de Aberfan estuvo bajo el control de la Junta Nacional del Carbón. Los primeros residuos que se sacaron de la mina se depositaron en las laderas inferiores del valle, pero en 1910 se inició un vertedero sobre la línea del pueblo.

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Entre julio de 1963 y marzo de 1964, el Consejo Municipal del Condado mantuvo correspondencia con la Junta Nacional del Carbón sobre el tema del “peligro que la lechada de carbón se vierta en la parte trasera de las escuelas de Pantglas” a la que acudían 240 alumnos. La carta, que hoy parece premonitoria, mencionaba específicamente el colegio que sería el epicentro del drama un par de años después

En 1966 ya había dispuestas siete zonas de escombros, a las que llamaban pilas, que sumaban 2.000.000 de m³ de desechos. Y todas esas montañas de residuos estaban ubicadas en la ladera que se alzaba justo sobre la aldea. Ese año, la precaria pila 7 era la única que se estaba utilizando: tenía una altura de 34 metros y un volumen de residuos de 227.000 m³. Terrenos pantanosos y arroyos, sumados a las constantes lluvias de esos días, confluyeron para producir el peor desastre en la historia de la minería inglesa.

Durante años hubo alertas que los responsables no escucharon. Indolencia, ignorancia, inoperancia. Todo junto.

En los años 40 se cavó un canal de drenaje y, en noviembre de 1944, ocurrió el primer llamado de atención: una de las pilas se deslizó 500 metros por la ladera de la montaña hacia el pueblo. Se detuvo milagrosamente a 150 metros. Pasó el susto y nada hicieron. En 1963, hubo otro corrimiento. A pesar de ello, otra vez, no se tomaron los recaudos suficientes. Los residentes se quejaban y alegaban que, además de ese peligro, cada vez que había inundaciones el agua era inmunda: negra y grasosa.

Entre julio de 1963 y marzo de 1964, el Consejo Municipal del Condado mantuvo correspondencia con la Junta Nacional del Carbón sobre el tema del “peligro que la lechada de carbón se vierta en la parte trasera de las escuelas de Pantglas” a la que acudían 240 alumnos. La carta, que hoy parece premonitoria, mencionaba específicamente el colegio que sería el epicentro del drama un par de años después. Resulta demoledor saber que hubo quienes veían con claridad la amenaza de una mortal avalancha.

A principios de 1965, luego de varias reuniones entre el Consejo y la Junta, se acordó tomar medidas sobre las zanjas de drenaje obstruidas que habían sido la causa de las inundaciones. Pero nada se hizo.

Así se llegó a octubre de 1966, cuando la naturaleza dijo basta y lo aplastó todo.

La previa, la ignorancia y la desidia

Las lluvias que se precipitaron durante las primeras tres semanas de octubre de 1966 prepararon el siniestro escenario para la catástrofe. En algún momento, durante la noche del 20 de octubre, la pila 7 de escombros se movió. Eso fue descubierto a las 7.30 de la mañana del 21 por los primeros obreros en llegar. Uno de ellos fue hasta la mina para reportar el deslizamiento y volvió con un supervisor. Suspendieron los trabajos por ese día viernes: durante la semana siguiente verían nuevos lugares para acumular los desechos. No habría tal chance. Habían perdido la valiosa oportunidad de evacuar la zona a tiempo.

Un rato después, los escombros saturados de agua lo desbordaron todo y fluyeron cuesta abajo a una velocidad que osciló entre los 18 y 50 km por hora, en forma de una oscura y gigante ola que arrastró todo a su paso y que, una vez detenida, comenzó a solidificarse nuevamente.

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“Estábamos hablando, esperando que el maestro tomara lista, y de pronto sentimos un gran ruido y vimos que todo volaba por los aires. Las mesas caían por todas partes, los niños gritaban y lloraban. No se podía ver nada… «, recordó un sobreviviente

Brian Williams, un alumno sobreviviente que tenía 7 años en ese momento, dice que su maestra al escuchar el terrorífico sonido del exterior que parecía un avión por aterrizar les dijo que no se preocuparan, que eran truenos. El director de la escuela secundaria rememora que la entrada de las niñas “estaba tres cuartas partes llena de escombros (…) me subí a esos escombros en la puerta y, cuando miré a lo lejos, vi que las casas de Moy Road se habían esfumado en una masa de material de desechos y que el frente de la escuela Pantglas o parte del techo, sobresalían de ese pantano”.

El subdirector, Dai Benyon, trató de usar un pizarrón para protegerse a sí mismo y a cinco chicos más. No tuvo éxito: él y los 34 alumnos de su clase fallecieron ahogados. Dos pequeños fueron encontrados muertos de pie, agarrados de la mano, entre los pupitres. Conformaban una triste postal petrificada que revelaba la rapidez con la que ocurrió todo.

Brian Williams, un alumno sobreviviente que tenía 7 años en ese momento, dice que su maestra al escuchar el terrorífico sonido del exterior que parecía un avión por aterrizar les dijo que no se preocuparan, que eran truenos. El director de la escuela secundaria rememora que la entrada de las niñas “estaba tres cuartas partes llena de escombros (…) me subí a esos escombros en la puerta y, cuando miré a lo lejos, vi que las casas de Moy Road se habían esfumado en una masa de material de desechos y que el frente de la escuela Pantglas o parte del techo, sobresalían de ese pantano”.

El subdirector, Dai Benyon, trató de usar un pizarrón para protegerse a sí mismo y a cinco chicos más. No tuvo éxito: él y los 34 alumnos de su clase fallecieron ahogados. Dos pequeños fueron encontrados muertos de pie, agarrados de la mano, entre los pupitres. Conformaban una triste postal petrificada que revelaba la rapidez con la que ocurrió todo.

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Un alumno sobreviviente que tenía 7 años en ese momento, dice que su maestra al escuchar el terrorífico sonido del exterior que parecía un avión por aterrizar les dijo que no se preocuparan, que eran truenos

Otro de los pocos sobrevivientes, Dilys Pope, que tenía 10 años al momento del deslave, dice: “Estábamos hablando, esperando que el maestro tomara lista, y de pronto sentimos un gran ruido y vimos que todo volaba por los aires. Las mesas caían por todas partes, los niños gritaban y lloraban. No se podía ver nada… Entonces el polvo empezó a marcharse. Yo tenía la pierna atrapada en un banco y me dolía un brazo.

La mayoría de los chicos estaban tirados por el suelo, el maestro también y, aunque tenía una pierna aprisionada, pudo soltarse y rompió una ventana de la clase con una piedra. Me liberé, fui por un pasillo, abrí una ventana y salí por allí. Otros niños también salieron. El maestro nos dijo que nos fuésemos a nuestras casas”. Se habían salvado por unos pocos metros.

Philip Thomas, de 10 años, fue rescatado y enviado al hospital. Hoy dice que Netflix no reflejó, en su recreación de Aberfan, la visita de la Reina a los niños internados: “Las enfermeras me despertaron para decirme que Su Majestad estaba parada al lado de mi cama, pero yo no tenía idea de lo que estaba pasando… ‘Salgan de acá’, parece que dije, y me volví a dormir”.

Rescate veloz y responsabilidades

A las 9.25 la policía de Merthyr Tydfil ya estaba alertada, por una llamada telefónica de un residente local, que había ocurrido un desprendimiento de tierra sobre la escuela Pantglas. La catástrofe tan temida por años había acontecido.

A las 9.40 habían llegado los operarios de la mina de carbón que dirigieron las primeras excavaciones, conscientes de que algo mal ejecutado podría provocar el colapso de los escombros y de los restos de los edificios sobre la gente atrapada. Trabajaron en grupos organizados. Luego arribaron los bomberos, la policía, turistas ocasionales y residentes. Unas 2000 personas cavaban, con sumo cuidado: movían el material a mano o con herramientas de jardinería.

Sabían que trabajaban contra reloj. Las primeras víctimas de los escombros de la escuela llegaron al Hospital St Tydfil’s a las 9.50. A las 11, Jeff Edwards, fue el último niño en ser rescatado con vida.

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Unas 2000 personas cavaban, con sumo cuidado: movían el material a mano o con herramientas de jardinería. Sabían que trabajaban contra reloj

La capilla local, Bethania Chapel, se convirtió en el lugar de reconocimiento de las víctimas. Los padres desfilaban, en un mar de llanto, buscando a sus hijos: levantaban la manta, miraban aterrados y volvían a bajarla. Lo hacían dos familias a la vez y les llevó seis días completar la búsqueda de todos los cuerpos.

El 25 de octubre de 1966, el Secretario de Estado para Gales designó formalmente un tribunal para investigar el desastre. La investigación oficial culpó a la Junta Nacional del Carbón por haber sido extremadamente negligente e ignorante. Pero nadie fue despedido, multado o sentenciado por ello.

El mismo día de la avalancha, además, se creó la Fundación para la memoria del desastre de Aberfan, para recaudar dinero y cuidar de los heridos: en pocos meses juntaron una suma equivalente, al día de hoy, de entre 15 y 25 millones de euros. Las donaciones llegaron de todas partes del mundo.

El caso también llevaría a que el Parlamento británico aprobara una nueva legislación sobre la seguridad pública respecto de minas y canteras.

Poco se habló de las consecuencias psíquicas postraumáticas de las familias. No sólo de las que perdieron hijos, sino también de aquellas cuyos hijos se salvaron, pero se sentían culpables y envidiadas por tenerlos vivos. Un drama sin límite.

The Crown

Además de las noticias y la cobertura histórica, la catástrofe minera de Aberfan, quedó plasmada en libros, memorias personales de los involucrados, en la poesía, en la música y en el cine. La mismísima serie The Crown, escrita por Peter Morgan, en el tercer episodio (titulado Aberfan) de su tercera temporada, cuenta cómo afectó lo ocurrido la imagen pública de la reina Isabel II. A pesar de la magnitud de la tragedia, durante los primeros días, la Reina se negó a visitar al lugar.

Envió, en cambio, a su marido, Felipe de Edimburgo, y a lord Mountbatten. Su cuñado, el marido de la princesa Margarita, Armstrong-Jones que era galés y fotógrafo, también fue por su cuenta en tren. Él le escribió a su mujer que la escena presenciada era “lo más terrible que he visto en mi vida”.

Esa decisión de esperar el momento justo para ir a consolar a las familias, le pesaría a Isabel II por siempre. Para muchos críticos su actitud la pintaba como una reina distante de sus súbditos.

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La reina Isabel II y Felipde de Edimburgo, a quien la soberana envió a Aberfan ni bien ocurrió la tragedia. Lamentaría toda su vida haber tomado esa decisión de no asistir en un primer momento

Robert Lacey (autor de la biografía Monarca: La vida y reinado de Elizabeth II) cuenta que a pesar de que el primer ministro y sus asesores le sugerían ir, la Reina persistió en su negativa. El 29 de octubre, 8 días después, se vio obligada a hacerlo. Fue allí que, al leer el mensaje que decía “De parte de los niños que quedan en Aberfan”, que le entregó una pequeña junto con un ramo de flores, las lágrimas se agolparon en sus ojos y se derramaron en público. Su desconsuelo y su conmoción fueron bien recibidas por los residentes. Sintieron que la Reina estaba con ellos.

Es por ello, que algunos críticos dicen que la serie de Netflix comete un error histórico al pintar a la reina más fría de lo que ocurrió en la realidad. La prueba, sostienen, es que las crónicas de la época la mostraron conmovida hasta las lágrimas, algo absolutamente inusual. Fue una de las poquísimas ocasiones en las que la Reina lloró en público. Eso mismo relató el médico Mansel Aylward, que prestó ayuda en la identificación de los cadáveres: ”Para que la Reina mostrara su emoción con personas que acababa de conocer, estaba muy conmovida con lo que vio. Trató de contener las lágrimas, pero no pudo”.

Marjorie Collins, que perdió a su hijo en Aberfan, recordó la visita tardía de la Reina en una entrevista diciendo: «(…) nos probaron que el mundo estaba con nosotros, que al mundo le importaba lo ocurrido”. Y otra agregó que nadie juzgó a la reina por su demorada respuesta: “Nosotros estábamos en shock. Recuerdo a la Reina caminando entre el barro. Yo sentí que estuvo con nosotros desde el principio”.

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El 29 de octubre, 8 días después, fue hasta el pueblo minero. Fue allí que, al leer el mensaje que decía “De parte de los niños que quedan en Aberfan”, que le entregó una pequeña junto con un ramo de flores, las lágrimas se agolparon en sus ojos y se derramaron en público

Más allá de esas opiniones favorables, Isabel II habría lamentado igualmente no haber estado antes con su gente. Esto fue confirmado por Gyles Brandreth, en un libro que publicó por el Jubileo de Oro de Isabel II. Allí relata que lord Martin Charteris, antiguo secretario privado de la Monarca, le dijo que si había alguna cosa de la que ella se arrepintiera era… “Aberfan”.

La Reina no olvidó a ese pueblo traumatizado y ha intentado enmendar su error en reiteradas oportunidades. Volvió a Aberfan tres veces más: en 1973, en 1997 y, la última vez, en 2012 para inaugurar una nueva escuela primaria. Lo había prometido.

La actriz Olivia Colman dijo en una entrevista, con el diario El País, que filmar esas escenas para The Crown fue “durísimo, es de lo más complicado que he hecho nunca”.

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Olivia Colman, como Isabel II en The Crown, interpretando el momento en que la reina visita Aberfan

Pero, al final, resulta que la respuesta a la extraña conducta de la soberana es mucho más sencilla y práctica de lo que se pudiera pensar. Según la biógrafa Sally Bechdel Smith, Isabel II intentó ser precavida y práctica, no quería entorpecer con su presencia las tareas de rescate. Habría dicho, según esta autora: “La gente me atenderá a mí y tal vez desatenderán a algún pobre niño que puede ser hallado bajo los restos”.

Quizá, después de todo, no haya estado tan equivocada como ella cree.

Lo cierto es que la serie The Crown logró, otra vez, dar que hablar con los 55 minutos de este capítulo. Trajo al presente el drama de la escuela engullida por el barro hace 53 años y encendió nuevamente la polémica sobre las lágrimas reales de Isabel II. No es poca cosa lo que logró Mister Morgan.

nuestras charlas nocturnas.


Ciudad de México, Nueva York, Los Ángeles o Chicago: estos son los vecindarios más ‘cool’ del mundo…


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Puesto 23. Centro, Ciudad de México

Univisión  —  La revista Time Out destaca la respuesta a la pandemia del centro de la capital mexicana. A través del programa ‘Contigo en la Distancia’, el icónico vecindario desarrolló recorridos turísticos de realidad virtual, juegos de mesa para imprimir en casa, charlas en línea y conciertos vía web que mantuvieron viva su alma cultural viva a pesar de las cuarentenas. Algunos bares convirtieron sus espacios antes abarrotados en interesantes cocinas para producir comida para llevar.

La publicación, que cada año interroga a más de 27,000 personas de todo el mundo para encontrar los barrios más interesantes, destaca en la Ciudad de México “el recorrido por la Alameda Central, desde el Palacio de Bellas Artes hasta la esquina de Metro Hidalgo”.

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Puesto 22. Old Xuhui, Shanghái

Según Time Out, a pesar de su antigüedad “este siempre ha sido uno de los barrios más animados de Shanghai”. Este destacado vecindario en una de las ciudades más importantes de China está lleno de elegantes cafeterías que de noche funcionan como bares de vinos, clubes nocturnos de música electrónica, galerías, interesantes tiendas de segunda mano y creativos restaurantes.

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Puesto 21. Sagene, Oslo

La capital de Noruega está creciendo rápidamente y el distintivo vecindario Sagene se destaca sobre la mayoría, según Time Out. “Con sus acogedores cafés, restaurantes, edificios históricos, parques y una iglesia neogótica impresionante, Sagene se diferencia de los nuevos desarrollos elegantes de la ciudad”, explica la publicación. El distrito alberga una importante fábrica de cerveza y una escuela de cocina y jardinería sostenible para niños.

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Puesto 20. Ancoats, Manchester

Según Time Out, en este vecindario hay una “mezcla de pasado y presente que es visible en todas las calles”. Antiguos molinos fueron convertidos en condominios de apartamentos y algunos de los mejores lugares para comer y beber de Manchester han sido instalados en sus plantas bajas. Algunos negocios de este barrio británico están enfocados en productos frescos locales y se destacan los que ofrecen espectáculos en vivo. Una fundación benéfica del barrio organizó un festival en línea que mantuvo encendida su vida cultural durante las cuarentenas.

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Puesto 19. Surry Hills, Sydney

Hace un siglo este vecindario era una guarida de pandillas, pero hoy “las calles arboladas de Surry Hills están llenas de elegantes cafés, boutiques y algunos de los restaurantes y bares más venerados de Sydney”, según Time Out. A fines de 2020 explotó el auge de los restaurantes al aire libre en la ciudad australiana, impulsado por las autoridades para ayudar a los negocios afectados por los límites de capacidad de la pandemia.

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Puesto 18. Villeray, Montreal

“Luego de los meses de cuarentena, los habitantes de Montreal parecían estar de acuerdo en que saldrían y aprovecharán al máximo el 2021”, según Time Out. “Villeray fue el lugar ideal para hacer precisamente eso: sus calles y parques se convirtieron en oasis de los lugareños”, explica la publicación. El céntrico distrito canadiense tiene una floreciente escena cultural y gastronómica.

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Puesto 17. Noord, Amsterdam

“Cuando los constructores de barcos abandonaron los astilleros de Noord a fines del siglo XX, invasores y artistas tomaron la zona y le dieron el toque bohemio que persiste hasta hoy”, explica Time Out. El barrio holandés está ahora repleto de increíbles cafeterías y restaurantes, y “también es un gran lugar para vivir: encontrará una gran cantidad de espacio verde escondido entre los almacenes reutilizados”, dice la publicación.

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Puesto 16. Zoloti Vorota, Kiev

“Donde una vez hubo una entrada gloriosa a la Kiev medieval, ahora encontrarás un vecindario fascinante que transpira energía y creatividad”, explica Time Out sobre este barrio de la capital de Ucrania.

Puede recorrer sus calles repletas de bares elegantes, arte callejero, cafeterías escondidas, boutiques de diseñadores y pastelerías. El vecindario está cambiando rápidamente “con un sentido de comunidad que enfatiza la preservación del patrimonio y los espacios verdes no convencionales”, asegura la publicación.

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Puesto 15. Distrito Dublin 8, Dublín

Este vecindario “captura la esencia y el encanto de la capital irlandesa a la perfección, es un rincón que ha conservado gran parte de la arquitectura original de la ciudad”, explica Time Out. Tiene locales que se han convertido en centros culturales, interesantes destilerías, tiendas de moda vintage, arte callejero, mercados, cafés y una variada e interesante oferta gastronómica.

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Puesto 14. Silver Lake, Los Ángeles

Según Time Out, este barrio californiano pudo haber estado en el Top 15 de la lista en cualquiera de las ediciones anteriores. “Es un lugar donde puedes caminar por una escalinata de colores, pasear por el mercado de agricultores de los sábados o hacer un picnic con amigos junto al embalse”. Cervecerías al aire libre, mercados y un nuevo microbús han dado un renovado impulso a este vecindario rodeado de naturaleza.

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Puesto 13. Dalston, Londres

Según Time Out, este barrio de la capital británica tiene “pubs geniales (obviamente, montones), restaurantes emocionantes, espacio verde para mascotas, vida nocturna real y locales de jazz de vanguardia”. Se destacan sus cafés veganos y tiendas de segunda mano y este año se convirtió en el epicentro de los lugares de comida para llevar.

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Puesto 12. Centro, Medellín

“Medellín se está despertando de su largo letargo pandémico”, afirma Time Out. “Sus plazas se van llenando y la multitud de pequeños bares comienza a reabrir, derramando salsa, vallenato y reggaetón en las calles nuevamente”. El centro de Medellín (también conocido como La Candelaria) se ha convertido en un refugio de bulevares frondosos, carriles para bicicletas y parques comunitarios. También encontrará cervecerías artesanales.

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Puesto 11. Neukölln, Berlín

“Ningún barrio capta mejor el dinamismo del Berlín moderno que Neukölln”, afirma Time Out. En este vecindario alemán han aparecido en la última década nuevos bares, tiendas y restaurantes. Tiene una atmósfera multicultural que es impulsada por la gran cantidad de tiendas de comestibles y cafés a cargo de familias inmigrantes.

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Puesto 10. Richmond, Melbourne

Según Time Out, este vecindario australiano reúne diferentes vibraciones culturales que son aprovechadas por los residentes. Ofrece gastronomía interesante (especialmente vietnamita), fábricas de ropa y muebles, cafeterías y locales de música en vivo. En este barrio se encuentra un centro comunitario que distribuye alimentos gratuitos desde hace tres décadas y Time Out destaca su compromiso con el medio ambiente. “El ayuntamiento de Yarra, que incluye a Richmond, fue uno de los primeros gobiernos locales del mundo en declarar una emergencia climática”, explica la publicación.

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Puesto 9. Sai Kung, Hong Kong

“Con sus idílicas playas, pintorescos senderos y parques bien conservados, no es de extrañar que Sai Kung sea conocido como el ‘jardín de Hong Kong’”, explica Time Out. Ofrece una gran cantidad de granjas orgánicas, tiendas de alimentos saludables y tiendas cero residuos. El vecindario ha demostrado un fuerte compromiso con la sostenibilidad, uno de sus grandes atractivos.

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Puesto 8. Ngor, Dakar

“Desde los lugareños que se relajan y hacen ejercicio en la bahía hasta los buzos y surfistas repartidos por su costa, esta animada zona de la capital de Senegal sabe cómo aprovechar al máximo su paisaje épico”, explica Time Out. Ngor ofrece una vibrante variedad de restaurantes y bares frente al mar y los grupos comunitarios y las empresas de la zona organizan limpiezas periódicas de las playas.

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Puesto 7. Distrito XI, Budapest

“Hasta hace poco los visitantes solo iban a las aguas termales del Distrito XI de Budapest”, pero hoy compite con los distritos más populares del centro de la capital húngara, según Time Out. El barrio se destaca por sus árboles y la creatividad de los negocios. Está repleto de cafés bohemios, bares y galerías de arte independientes. Tiene un bar que fue construido en una antigua estación de autobuses, un teatro al aire libre que alguna vez estuvo abandonado y una sala de conciertos en un barco fuera de servicio.

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Puesto 6. Chelsea, Nueva York

“Cuando se trata de espacios verdes, sostenibilidad y desarrollo comunitario, esta parte de la ciudad ha estado marcando tendencias que todas las urbes podrían seguir”, explica Time Out. La publicación destaca la apertura de nuevos espacios abiertos y negocios que incluyen tiendas de vino, restaurantes, galerías de arte y un mercado de flores.

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Puesto 5. Distrito de la estación, Vilna

Según Time Out, el alma creativa de la capital de Lituania reside en el distrito de la estación, “aquí encontrará el mejor arte callejero de la ciudad: murales y esculturas gigantes apiñadas en edificios neoclásicos”. Se destaca una antigua fábrica soviética que hoy alberga conciertos, desfiles de moda y proyecciones. La zona está repleta de interesantes cafés y restaurantes discretos que ofrecen principalmente cocina internacional.

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Puesto 4. Leith, Edimburgo

“El vecindario del norte de Edimburgo es conocido hoy como un punto de acceso cultural, hogar de grandes instituciones artísticas y empresas emergentes”, explica Time Out. En los últimos años a varios edificios de este barrio escocés se les ha dado una nueva vida, entre ellos un teatro que estuvo abandonado y un antigua fábrica de galletas donde hoy funcionan más de 30 negocios creativos.

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Puesto 3. Jongno 3-ga, Seúl

“Histórico, excéntrico y sin pretensiones: bienvenido a Jongno 3-ga, el corazón y el alma de Seúl”, dice sobre este vecindario Time Out. Alberga palacios, galerías y otros lugares turísticos, pero el verdadero encanto de este barrio está en los parques repletos de ancianos, los vendedores callejeros de caramelos tradicionales y las discretas joyerías, restaurantes, cafés y cervecerías. Jongno 3-ga es el principal distrito LGBTQ de la capital de Corea del Sur.

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Puesto 2. Andersonville, Chicago

“Andersonville, el histórico enclave sueco de la ciudad, es ahora más conocido por su vida nocturna LGBTQ y sus bares y restaurantes”, explica Time Out. El distrito siempre ha sido un lugar deseable para vivir, pero su proximidad a las playas y los parques costeros lo ha hizo aún más atractivo durante la pandemia, explica la publicación.

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Puesto 1. Nørrebro, Copenhague

“Este distrito diverso, en el lado norte de los lagos de Copenhague, es una deslumbrante combinación de monumentos históricos, arquitectura ultramoderna y lugares de comida y bebida que enorgullecen a esta famosa ciudad gourmet”, explica Time Out. Incluso durante los años más duros, en este barrio danés han proliferado nuevas panaderías, restaurantes y bares de vinos. Durante la pandemia, una iniciativa comunitaria llamada Car-Free Sunday (domingo libre de autos, en español), cambió el tráfico en una importante avenida por música en vivo y ventas de productos frescos.

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Qué hay detrás del (millonario) fenómeno de los NFT y cómo está revolucionando el mercado cultural…


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Vanity Fair(J.Sánchez)  —  El día 11 de marzo de 2021 un pseudónimo no muy conocido fuera de los circuitos del arte digital, Beeple, se convirtió en el tercer artista vivo más cotizado del mundo, tras David Hockney y Jeffrey Koons. Y lo hizo gracias a un collage, The first 5000 days (Los primeros 5.000 días), que nadie puede tocar, pero todo el mundo puede ver, copiar o reproducir online.

Usted podría guardar una copia de la obra, indistinguible del original, en su ordenador o su móvil. Y, sin embargo, en una subasta en Christie’s, el collage se adjudicó por 69.346.250 dólares (unos 57 millones de euros). Un comunicado de Christie’s presumía de haberse convertido en la primera gran casa del mundo del arte en subastar “la primera obra de arte puramente digital y basada en NFT”.

El arte digital y su venta hace décadas que no es ninguna novedad, pero esas tres letras, NFT, eran las que habían propiciado la locura.

Descifrando las siglas

NFT son las iniciales de uno de los nombres más aburridos imaginables, Non-Fungible Tokens (algo así como “fichas no fungibles”, una denominación con la que nos quedamos igual que antes) para una revolución que, hoy en día, se está extendiendo por el mundo de los inversores de criptomonedas, coleccionistas de arte, algún que otro gurú de Internet, marcas de todo tipo, deportistas…

La NBA los ha usado para vender cromos digitales únicos por valor de más de 200 millones de euros. Antes de la subasta de Beeple, la cantante Grimes —pareja de Elon Musk— había vendido creaciones suyas por casi cinco millones de euros. Después de Beeple, el creador de Twitter, Jack Dorsey, vendió su primer tuit como NFT por 2,5 millones de euros.

Leo Messi acaba de lanzar unas obras de arte digitales con los mejores momentos de su carrera para vender como NFT con las que espera recaudar millones de euros. El mercado de estos bienes ha pasado de unas pocas decenas de millones de euros en 2020 a 2.300 millones de euros en la primera mitad de 2021. Y sigue subiendo.

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CAMBIA, TODO CAMBIA. Una de las primeras exhibiciones de arte blockchain en un museo físico organizada por el artista Beeple.

El nombre tiene relación con otra de esas cosas aparentemente incomprensibles de Internet: los blockchains, de los que el gran público tuvo constancia durante la primera fiebre del oro de las criptodivisas, con el bitcoin a la cabeza. Que, simplificando mucho, son gigantescos registros online que nadie (en teoría) puede hackear ni alterar donde quedan apuntados los cambios de mano, ventas y derechos de sus bienes: los tokens, que es como se llama en el argot desde un trocito de bitcoin hasta un contrato digital.

En el caso de los NFT, lo de “no fungible” viene de una vieja definición legal, que en nuestro Código Civil quedó escrita por primera vez en 1889: los bienes no fungibles son aquellos únicos y singulares, que no pueden ser reemplazados por otros. Por ejemplo, el Guernica de Picasso. Si mañana le pasase algo, no podría ser sustituido. No hay nada igual. La combinación de ambas ideas (obras de arte/ objetos únicos y un registro gigante online de contratos, certificados y propiedades) es la base de los NFT. No hace falta entender el concepto para poder invertir en ellos. Tampoco hace falta que sean “obras de arte”: el tuit de Jack Dorsey es el ejemplo perfecto.

Dorsey sigue teniendo su cuenta de Twitter, y el comprador (Sina Estavi, un millonario del mundo de las criptodivisas afincado en Asia, como casi todos los grandes inversores actuales) no tiene más acceso al tuit que buscarlo en Internet y verlo. Lo que tiene, tras haber comprado el NFT, es un certificado inmutable, encriptado y único que dice que Jack Dorsey le ha vendido a esa persona la propiedad de ese tuit. Sería como comprarle al Estado español la propiedad del Guernica, pero sin poder gestionar el cuadro, ni sacarlo del museo y, si quiere verlo, tiene que pagar entrada y hacer cola junto al resto de visitantes.

No es algo que eche para atrás a los grandes inversores actuales. “De momento son casi todos asiáticos y relacionados con el mundo de las criptodivisas”, nos cuenta Luis Gasset, general manager de nuestra casa de subastas más veterana, Ansorena. “Apuestan, como pasó con el bitcoin, a que va a haber una revalorización de los NFT, un mercado que ellos mismos alimentan”. Los compradores de la obra de Beeple, los multimillonarios indios afincados en Singapur Vignesh Sundaresan y Anand Venkateswaran, también responden a este perfil: son dueños de una de las grandes plataformas del mundo cripto relacionada con los NFT.

Y lo que han comprado es el certificado de propiedad de la obra, no la obra en sí (que en este caso además comprende 5.000 obras de arte más pequeñas: las que Beeple fue publicando a diario en sus redes sociales).

Pero las marcas también quieren jugar un papel en este mundo. Gucci ve “solo cuestión de tiempo” adentrarse en el mundillo (ya está experimentando con zapatillas virtuales, bienes digitales de sus accesorios más famosos y otras aproximaciones al NFT) y Louis Vuitton lanzó recientemente un videojuego para móviles donde unas de las recompensas eran los primeros 30 NFT de la casa.

El caso de la NBA indica por dónde podrían ir los tiros: convertir los tokens en algo único, que haga que un simple cromo digital (una recopilación de los momentos irrepetibles de la semana) tenga el valor añadido de la exclusividad.

El equivalente a ir al parque a cambiar cromos y que cada cromo fuese único, porque en el sobre donde se compró viene un papel que dice que es tuyo y de nadie más. Hasta que se venda y quede registrado el cambio.

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Porque, dependiendo de cómo esté configurado el “contrato” del NFT, puede que la NBA o Beeple o Jack Dorsey se lleven un porcentaje automático cada vez que el cromo o la obra de arte o el tuit se revendan; uno de los mayores atractivos para los creadores y propietarios de contenidos, a los que por una vez la especulación y el mercado de segunda mano pueden beneficiar directamente.

Esa es otra clave de la revolución NFT: todo el mundo quiere ser parte del proceso porque todo el mundo puede verle el beneficio económico. Los defensores del NFT anticipan que para los artistas puede ser la mayor revolución desde el pago de derechos de autor. Y en la fiebre actual cabe todo: memes de Internet vendidos por cuatro millones de euros un día (el caso del Doge, un chiste con perros del Internet pretérito) y que poco después se revalorice hasta valer más de 200 millones de euros con una cooperativa de entusiastas repartiéndose la propiedad.

Lo que explica que artistas consagrados como Damien Hirst se hayan lanzado a la aventura sin dudarlo. En el caso de Hirst, subastando 10.000 puntos de colores, cada uno con su certificado NFT indicando quién era propietario de su obra. Un lanzamiento que demostró que hay tirón para rato: a la subasta se presentaron más de 64.000 posibles compradores cuando solo estaban a la venta 10.000 puntitos.

De momento, como pasó con el bitcoin hace unos años, el NFT es un fenómeno febril: todo el mundo quiere apuntarse, las ventajas son evidentes para todas las partes, y la bestia es alimentada por los propios inversores. Gasset destacaba que, en el caso de los compradores de la obra de Beeple, la publicidad gratuita para ellos (recordemos, propietarios de una plataforma de compraventa de NFT) ya valía buena parte de lo que habían pagado por la obra.

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UN RECLAMO PARA ‘STARTUPS’. La complejidad para entender los procesos ha llevado al nacimiento de nuevas startups, como twlvxtwlv, para que los artistas obtengan sus NFT.

Aprender a convivir

Para Christie’s, esa subasta también fue un buen golpe de efecto. Una de las promesas asociadas al NFT es su carácter disruptivo: un mundo en el que los galeristas, las grandes casas de subastas y los marchantes sobrarían, basándose en el viejo (y relativamente falso) adagio de que en Internet no hacen falta intermediarios. La realidad, como hemos visto en estos meses, puede que tenga un poco de ambas partes.

El mejor ejemplo lo tuvimos en la extraña ceremonia de los Oscar de este año, donde la organización pensaba rendir tributo al fallecido actor Chadwick Boseman. Entre las ideas que se adoptaron para la noche de la ceremonia se encontraba una bolsita con regalos para los asistentes en la que se incluía la opción a participar en la subasta de un busto tridimensional del actor con una capa digital dorada. Si la idea ya era de dudoso gusto, el resultado no desentonaría en una película de John Waters.

Esa cabeza brillante virtual del fallecido Boseman se subastaba por un millón de euros, de los que 100.000 irían a parar al bolsillo del creador de la figura, el artista Andre O’Shea… hasta que se descubrió que la figura del autor ni siquiera era obra del artista, sino que la había comprado en una tienda de figuras digitales, por unos 40 euros, para luego añadirle el dorado. La subasta se suspendió de inmediato.

Un aviso a navegantes que demuestra que en el NFT no es oro todo lo que reluce. Ha pasado en más ocasiones: denuncias de que Banksy ha vendido unas obras virtuales por NFT, que han tenido que ser desmentidas por el elusivo artista; o algún que otro caso en el que el NFT certificaba que a alguien le habían vendido algo que no era originalmente propiedad del vendedor.

Para Gasset, los NFT llegaron para quedarse: “No podemos saber a qué velocidad se desarrollarán, pero en los próximos cinco o diez años seguiremos hablando de ellos en el mundo del arte”. En el caso de las marcas, la dificultad añadida es otra. De momento, algunas como Coca-Cola han celebrado subastas de NFT en colaboración con artistas, pero las obras ya demostraban uno de los problemas inherentes de meter en el mismo saco arte y producto: son pequeños clips, algo con lo que no se puede interactuar o usar.

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Lo que explica por qué las firmas de lujo se lo están tomando con calma. Actualmente, lanzarse a los nifties (la pronunciación que le han dado en Internet a las siglas) consiste en poco más que vender una imagen o un vídeo digitales sin mayor aprovechamiento en el mundo físico. Mientras, las marcas de moda llevan años buscando cómo dotar de valor añadido al fenómeno digital.

Gucci vendió recientemente unas zapatillas virtuales de realidad aumentada a través de la aplicación Wanna (especialista con la que ya han trabajado otras conocidas firmas). Por menos de nueve euros era posible adquirir un diseño único, sin correspondencia en el mundo real, y ver cómo nos quedarían a través de la cámara del móvil. Pero fue otro fenómeno el que indicaba a la marca (y al resto) cuál podría ser una buena forma de proceder.

Roblox es un mundo virtual valorado en unos 40.000 millones de euros, habitado por cerca de 200 millones de usuarios, que cuenta con su propia moneda y economía, y donde es habitual la compra de “cosméticos”: accesorios que distingan a un jugador de otro. Allí Gucci lanzó hace unos meses su propio mercadillo de primavera con algunos de sus bolsos más famosos, que se vendieron por unos 10 euros. Pero la sorpresa vino después.

Parte de los usuarios iniciaron una escalada de reventas que llevó a que algunos de esos bolsos superarán en precio a los referentes reales: un Dionysus con abejita, que hoy se puede comprar en el mundo físico por 2.590 euros, se revendió por más de 4.300 euros. Los bolsos no estaban registrados como NFT, pero pueden ser un indicativo de por dónde puede entrar el mundo del lujo en el fenómeno.

Louis Vuitton ya ha optado por los videojuegos, ya sea con su propio título o diseñando skins para títulos de alcance mundial como League of Legends. La otra opción pasa por combinar ambos mundos, asociar NFT al producto real. Algo que ya se está haciendo con cuadros (donde el objeto físico viene acompañado del certificado digital) porque, recordemos: aquí lo importante es el certificado.

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EL MECENAS. Vignesh Sundaresan compró por 57 millones de euros un NFT de Beeple. El inversor lo hizo bajo su seudónimo: MetaKovan.

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Takako, la princesa japonesa que dejó el palacio para trabajar en una tienda…


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Suga se convirtió en la primera princesa japonesa que consiguió un trabajo como una ciudadana común

La Prensa/monarquias.com  —  Justo cuando la princesa Mako de Japón está a punto de despedirse del palacio y de su vida en la realeza para iniciar su camino como esposa de un abogado plebeyo, el país asiático empieza a recordar la historia de un personaje de la Familia Imperial hasta ahora poco conocido para las nuevas generaciones. Se trata de la exprincesa Takako, una de las dos hermanas sobrevivientes del emperador Akihito y tía abuela de la princesa Mako.

Takako fue la primera persona de la milenaria dinastía nipona que trabajó como un ciudadano común después de abandonar la corte en los años 60. Séptima hija del emperador Hirohito y de la emperatriz Nagako, Suga no miya Takako (princesa Suga) nació en el Palacio Imperial de Tokio en 1939, cuando sus padres llevaban ya quince años de matrimonio y su alumbramiento fue considerado un “milagro”: los emperadores ya habían tenido cuatro hijas mujeres y dos hijos varones y no se esperaba que Nagako quedara embarazada por séptima vez.

“Hasta que llegué a la edad de jardín de infantes, vivía con mis padres”, relató la princesa hace 50 años en una entrevista que concedió al New York Times. “Luego me enviaron al Salón Kuretake, un edificio dentro del recinto imperial pero a cierta distancia del Palacio del Emperador, para que las institutrices me criaran con mis hermanas”. “En la familia imperial”, explicó, “la costumbre era que los niños varones fueran criados por separado, cada uno en su propio lugar con sus propios tutores, y que las niñas fueran criadas juntas, pero por separado de sus hermanos varones”.

Primera princesa que fue a la universidad

La princesa Takako siempre consideró que la vida en el palacio era extremadamente estricta, pero no se rebeló activamente. “Solía ​​pensar de qué sirve hacer un escándalo, ya que no puedo cambiar las cosas de ninguna manera”, dijo. Adoctrinada por estrictos maestros de probado linaje noble, la princesa y sus hermanas aprendieron a realizar refinados arreglos florales, a desarrollar la meticulosa ceremonia del té y otras artes que las jóvenes japonesas de la aristocracia debían adquirir. Por lo demás, no podían tener contactos con el mundo exterior y solamente entablaban comunicación con familias nobles de varios siglos de antigüedad.

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Primera princesa japonesa que fue a la universidad, se especializó en inglés, pero cuando cursaba el tercer año se sugirió un matrimonio arreglado.

Al igual que sus hermanos mayores, el príncipe Akihito (futuro emperador entre 1989 y 2019) y Masahito (príncipe Hitachi), Takako asistió a la Escuela de Nobles, una institución ahora abierta a todos, pero originalmente destinada a los niños de la nobleza y altísimos funcionarios del gobierno y la corte imperial. Sus hermanas mayores, educadas antes y durante la Segunda Guerra Mundial, no fueron más allá de la Escuela Secundaria de Nobles). Primera princesa japonesa que fue a la universidad, se especializó en inglés, pero cuando cursaba el tercer año se sugirió un matrimonio arreglado con Hisanaga Shimazu, un compañero de clase del príncipe Akihito y descendiente de una familia feudal de comprobada ascendencia imperial, que había gobernado Kagashima durante siglos.

La princesa aceptó su obligación dinástica, pero con una condición: después de un período de noviazgo, tanto a ella como a su prometido se les permitiría cancelar los planes matrimoniales si se encuentran incompatibles, porque consideraba que debía pasar el resto de su vida con una persona que fuera de su agrado. “En mi caso”, relató al Times, “un matrimonio a distancia no prácticamente era imposible. Pero no quería repetir el tipo de matrimonio por el que todas mis hermanas mayores tuvieron que pasar: ‘cómo te va’ por la mañana y te ignoro durante el resto del día”. Recordaba que su madre había visto solo en cuatro ocasiones a su padre antes de concretar el matrimonio, también orquestado por funcionarios imperiales.

Del palacio a un modesto departamento

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Cuando se conocieron, los dos jóvenes comenzaron a salir y su compañía se convirtió en matrimonio. Tras la elaborada boda sintoísta, la princesa Suga perdió automáticamente su título de Princesa porque la Constitución japonesa de la posguerra conserva al emperador como un “símbolo de estado”, y su descendencia masculina y sus hijos son los principales príncipes imperiales, pero las hijas que se casan fuera de la familia imperial se convierten en plebeyos. La única condición para retener su título hubiera sido mantenerse soltera, pero el matrimonio era la única forma de escapar a la estricta vida cortesana.

Banquero de profesión, Shimazu fue enviado a Washington como empleado del Japan Export-Import Bank, con lo que la exprincesa Takako (tras su boda titulada Señora Takako Shimazu) pasó dos años trabajando como ama de casa en un departamento modesto de la capital estadounidense. “No tuve ninguna dificultad para adaptarme a la vida estadounidense”, dijo la relató la exprincesa. “Nos criaron con ropas occidentales, comidas occidentales y japonesas, así que no me sorprendió ni me sorprendió nada de lo que encontré en Estados Unidos. El cambio se produjo, por extraño que parezca, después de que volvimos a Japón. Es dificil de explicar. No creo que haya cambiado, pero no siempre he podido volver a la misma relación con amigos y conocidos que tenía antes de ir a América. “Nunca me lo dicen, pero tengo la sensación de que algunos de ellos me reprochan en silencio que me haya vuelto demasiado americano”, se sinceró.

En los siguientes años tras su regreso a Japón los Shimazu y su hijo, Yoshihisa, vivieron modestamente en comparación con la vida que mantenía la familia imperial, que contaba en su entorno más cercano con una lista de personal que incluía médicos de guardia las 24 horas del día, guardianes del guardarropa y sacerdotes que los asistían en los ritos sintoístas, además de un millar de sirvientes, entre músicos, jardineros, cocineros, fontaneros, electricistas y constructores. Por entonces, el palacio requería de 160 sirvientes para mantenerlo en funcionamiento, en parte debido a reglas como una que una criada que limpiaba una mesa no puede limpiar el piso.

Empleada de una tienda

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A contrario de sus hermanas mayores (las princesas Yigeko, Sachiko y Kazuko), Suga no vivió en el esplendor de la vida burguesa y se convirtió en la primera princesa japonesa que consiguió un trabajo como una ciudadana común. En 1970 comenzó a trabajar como consultora en la exclusiva tienda Seibu Pisa del Hotel Tokyo Prince, para gran sorpresa de sus padres. “No pedí el consejo de mis padres porque nuestras posiciones son tan diferentes que sentí que no lo entenderían”, explicó ella. “Intenté informarles justo antes de aceptar el trabajo, pero los periódicos se hicieron cargo de la historia, y pude recibir una llamada telefónica al palacio solo en la tarde del día en que los periódicos de la noche iban a publicar la noticia”.

Su trabajo consistía en ofrecer a clientes especiales y acaudalados consejos sobre moda, mobiliario y regalos, ofreciendo ideas a los clientes indecisos, y los diarios japoneses, que en los años 70 criticaron sus presuntos intentos de capitalizar su nombre y su relación sanguínea con la casa imperial para tener éxito en el mundo laboral. Autoconvencida de que no debía avergonzar a sus padres y a la familia imperial, hizo todo lo posible por llevar una vida laboral discreta que mantuvo a lo largo de las décadas hasta su jubilación: “Me doy cuenta de mi posición y de que hay cosas que no puedo hacer. No tengo título, pero soy la hija del Emperador. No quiero avergonzar a mis padres de ninguna manera”, reflexionó.

La dote estatal a la que renunció la princesa Mako de Japón

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Princesa Mako

Según se ha informado oficialmente, la princesa Mako, la hija mayor del príncipe heredero de Japón, rechazó una asignación global que el Estado nipón debía pagarle al contraer matrimonio con el abogado Kei Komuro. La boda está anunciada para el 26 de octubre, pero se llevará a cabo sin los rituales imperiales de precepto por decisión de la novia.

La Ley de la Casa Imperial, establecida durante el reinado del emperador Hirohito, estipula: “En el caso de que una mujer de la Familia Imperial se case con una persona que no sea el Emperador o un miembro de la Familia Imperial, perderá el estatus de miembro de la Familia Imperial”.

La ley agrega: “Si una mujer miembro de la Familia Imperial se casa con un plebeyo y abandona el hogar, la suma global se paga con cargo a las arcas del estado según las estipulaciones de la Ley de Finanzas de la Casa Imperial. Tiene la intención de permitir que el ex miembro de la familia dedique los fondos a “mantener su dignidad” incluso después de dejar la corte.

¿A cuánto asciende el pago de una suma global?

La cantidad exacta se fija en el Consejo de Economía de la Casa Imperial, con un límite determinado. De acuerdo con la Ley de Finanzas de la Casa Imperial y otras reglas, la princesa Mako, de 29 años, debía recibir 152,5 millones de yenes (alrededor de $ 1,39 millones), la misma cantidad ofrecida a la ex princesa Sayako, hija del emperador Akihito, cuando se casó en 2005 con el funcionario público Yoshiki Kuroda.

Cuando la ex princesa Noriko, segunda hija del difunto príncipe Takamado, se casó en 2014, el pago de la suma global tenía un tope de 106,75 millones de yenes (unos 970.000 dólares). Este también fue el caso de su hermana menor, la ex princesa Ayako, quien se casó en 2018.

La diferencia entre las sumas se debe a su diferente estatus: Sayako Kuroda y la princesa Mako son hija y nieta del emperador, respectivamente, y por lo tanto se titulan “Naishinno” (Princesa imperial) en japonés, mientras que Noriko Senge y Ayako Moriya son bisnietas del emperador Taisho, por lo que se la conoce como “Jo-o” (Princesa).

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¿Reciben las princesas la cantidad total de la dote?

Las princesas Sayako, Niriko y Ayako recibieron las cantidades completas, aunque un alto funcionario de la Agencia de la Casa Imperial había señalado que la suma “podría diferir entre la hija y la nieta del (ex) emperador” Akihito. Cuando las dos hijas del príncipe Mikasa se casaron, cada una recibió el 90% de la cantidad limitada. La hija mayor, ahora de 77 años, y la hija menor, de 69, son nietas del emperador Taisho. El príncipe Mikasa falleció a los 100 años en 2016.

¿Por qué la princesa Mako rechazó el pago?

La princesa Mako renunció a la suma global a la que tenía derecho atenta al volumen nada despreciable de opinión pública crítica y negativa hacia su compromiso matrimonial con Komuro, cuya madre protagonizó una disputa financiera con su expareja que ocupó las primeras planas de los medios nacionales durante más de dos años.

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10 datos y curiosidades que no conocías de Angela Merkel…


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Vanitatis(J.C.Parcero)  —  El 26 de septiembre, Alemania elegió un nuevo Parlamento. Así, por primera vez en los últimos 16 años, Angela Merkel ya no será candidata. La que ha sido la primera mujer canciller se retira de la política. La era Merkel ha sido para su país un periodo de crecimiento, creación de empleo, exportaciones y reducción de la deuda, pero su legado económico también deja algunas sombras según los expertos en geopolítica.

Pragmática y camaleónica, la que fuera considerada como la mujer más poderosa del mundo por la revista ‘Forbes’ en 2015, ha asegurado que tras ceder el testigo político quiere por encima de todo descansar, tras seguir en el cargo hasta que se haya formado un nuevo gobierno. «Después trataré tal vez de leer, y se me cerrarán los ojos, porque estaré cansada. Entonces trataré de dormir un poco y luego veremos dónde aparezco», decía con buen humor a los reporteros en una reciente entrevista en Washington.

Merkel, que el 17 de julio cumplió 67 años, disfrutará de su retiro sin preocupaciones económicas, ya que, según informa el diario alemán ‘DW’, recibirá una pensión mensual aproximada de 15.000 euros, como estipula la legislación germánica en estos casos. Además de tener derecho a escolta, una oficina en el Parlamento y a un vehículo oficial con chófer. Hasta que llegue el momento de su dorada jubilación, vamos a conocer una decena de curiosidades sobre esta gran dama de la política europea.

Habla ruso con fluidez

El padre de Angela Merkel se trasladó junto a su familia desde Hamburgo a la Alemania Oriental controlada por los soviéticos seis semanas después de que Angela naciera en 1954, justo cuando muchos miles de alemanes huían en dirección contraria. Como otros niños que crecieron en la RDA, Merkel aprendió ruso en la escuela. Llegó a ser tres veces campeona del concurso de lengua rusa de Alemania Oriental. Como le ocurriera a José María Aznar con el catalán, rara vez habla el idioma en público.

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Angela Merkel, en una imagen de 2001.

Fue camarera en la universidad

Mientras estudiaba Física en la Universidad Karl Marx de Leipzig, Merkel trabajaba como camarera en discotecas de estudiantes. Con el dinero que recibía llegaba a pagarse casi todo el alquiler, según confesó en una entrevista. La política llegó a doctorarse en Berlín Oriental en 1986.

Es una científica consumada

Con Marie Curie como referencia, la primera mujer en ganar un Premio Nobel, Merkel se licenció en Química y Física Cuántica, y en su día fue la única mujer que ocupaba un puesto en la sección de Química Teórica de la Academia de Ciencias de Alemania Oriental.

Le ofrecieron un trabajo en la Stasi

A finales de la década de 1970, Merkel solicitó un puesto de profesora adjunta en una escuela de ingeniería. Como condición para conseguir el trabajo, le dijeron que tendría que informar sobre sus colegas a la Stasi, la temida policía secreta de Alemania Oriental. Merkel ha asegurado que se negó porque era demasiado parlanchina para ser una buena espía. Si hubiera llegado a acceder a la proposición, su futura carrera política podría haber sido imposible, ya que en la Alemania posterior a la reunificación cualquier asociación pasada con la Stasi era poco menos que un suicidio político.

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Gorbachov y Merkel, en el 20º aniversario de la caída del Muro de Berlín.

Celebró la caída del Muro de Berlín en una sauna

El 9 de noviembre de 1989, la noche en que cayó el Muro de Berlín poniendo fin a cuatro décadas de gobierno comunista en Alemania del Este, una Merkel de 35 años visitaba una sauna. Luego cruzó la frontera para celebrarlo con una sola cerveza, antes de volver rápidamente a casa, porque tenía trabajo al día siguiente.

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La política, junto a Benedicto XVI.

Le gusta imitar a otros líderes mundiales

No es una afición que encaje con la imagen seria que tenemos de ella, pero, según un perfil del ‘New Yorker’, es una gran aficionada a las imitaciones. En las conversaciones extraoficiales con periodistas alemanes, repite conversaciones enteras con otros líderes mundiales. Entre sus favoritos están Vladimir Putin, el rey Abdalá de Arabia Saudí o el papa Benedicto XVI.

Utiliza el apellido de su primer marido

Nacida Angela Dorothea Kasner, se convirtió en Angela Merkel cuando se casó con el físico Ulrich Merkel en 1977. El matrimonio duró tan solo cinco años. Después, en lugar de volver a su nombre de soltera tras el divorcio, Merkel decidió mantener el apellido de su primer marido desde entonces. El segundo esposo de Merkel, Joachim Sauer, es profesor de la Universidad Humboldt de Berlín y no le gusta demasiado estar en primer plano. Evita tanto las apariciones públicas que ni siquiera asistió a la toma de posesión de su mujer como canciller en 2005. Los medios alemanes le han apodado el Fantasma de la Ópera.

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Ella también tiene su apodo

A pesar de que Angela Merkel no tiene hijos propios, los alemanes le han puesto el cariñoso apodo de Mutti, la palabra alemana para ‘mami’, ya que para sus compatriotas es la que los protege y hace desaparecer los problemas.

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Putin y Merkel, en el G8 de 2006.

Le dan miedo los perros

Tras ser mordida por uno en 1995, Merkel desarrolló un miedo mortal a los canes. Se rumorea que el presidente ruso Vladimir Putin llevó en una ocasión a su enorme mascota perruna a una reunión conjunta en 2007 en un intento de intimidar a la canciller. Merkel dijo más tarde sobre el incidente que «entiendo que tiene que hacer esto para demostrar que es un hombre… Tiene miedo de su propia debilidad«.

Es muy buena cocinera

Se dice que Merkel está muy orgullosa de sus habilidades culinarias y es especialmente famosa por su pastel de ciruelas. Es habitual verla comprando en los supermercados de Berlín, donde siempre paga sus compras en efectivo. Una vez dijo al expresidente nigeriano Goodluck Jonathan que todas las mañanas le prepara el desayuno a su marido.

Unas habilidades gastronómicas a las que seguro, al igual que al resto de sus hobbies, la canciller alemana puede dedicar más tiempo ahora que se retira de la política tras años de total dedicación.

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¿Cuánto importa el olor o la voz en la primera cita?…


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QUO(M.Parente)  —  Dicen que la belleza está en el interior, sin embargo, un estudio ha descubierto que, durante las primeras citas, está principalmente en el ojo del espectador

¿Qué es lo que hace más atractiva a una persona? Normalmente se cree que la voz o el olor son factores importantes para elegir pareja, pero una investigación publicada en la revista Evolución y comportamiento humano, ha demostrado que no son elementos tan determinantes en las primeras citas. En el estudio participaron 67 adultos y consistía en calificar el atractivo de las posibles parejas del sexo opuesto mediante citas rápidas.

Atracción a primera vista

Los voluntarios tuvieron que llevar puesta una camiseta que se utilizó más tarde como estímulo olfativo. Además, durante el proceso, un investigador hizo una fotografía a cada voluntario y los grabó mientras leían un texto.

Luego, los participantes calificaron las imágenes, las grabaciones de audio y los olores de los demás asistentes. A continuación, pasaron a las sesiones de citas rápidas, cara a cara, de cuatro minutos de duración.

Los científicos averiguaron que las personas que puntuaron a su cita como alguien atractivo visualmente, también valoraron su voz y su olor como aspectos de atracción positivos. Aunque lo que más destacaron fue un fuerte vínculo entre las calificaciones de atractivo visual y la voluntad de volver a salir con una persona en concreto, más que por el olor o la voz.

El autor del estudio, Tom S. Roth dijo que la gente se centraba mucho en el atractivo visual al principio. Las personas que previamente habían calificado una foto de su cita como atractiva, también eran muy propensas a querer tener otra cita con ellos. Sin embargo, no encontraron un efecto tan fuerte para el atractivo de la voz y el del olor. Así que parece que la belleza durante estas primeras interacciones está principalmente en el ojo del espectador, pero no tanto en la nariz y en los oídos.

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Cuidado con tu olor al ir del bar a casa

En las primeras etapas de la investigación, las personas solo podían registrar el atractivo en estímulos estáticos, es decir, en una imagen, en una grabación de sonido o en una muestra de olor. Esto funciona bastante bien para el atractivo visual y especialmente para el atractivo auditivo que puede ser modificado por un cambio en el tono de voz o por una imitación vocal.

Esta prueba se ha llevado a cabo en un contexto muy específico. Si el atractivo de la voz y el olfato no han sido los factores más significativos, es muy posible que lo sean en otros ambientes. Por ejemplo, puede ser que no se note el olor de alguien en un bar lleno de gente, pero si no le gusta el olor de alguien y vive con esta persona, sería un problema.

Roth dejó claro que, para futuras investigaciones hay que tener en cuenta el contexto, porque es muy importante para comprender si la voz y el olfato tienen un papel fundamental en otros entornos de elección de pareja más allá de la primera impresión.

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Dupont y el teflón, los químicos eternos …


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levinlaw.com/BBC(C.Serrano/C.Ro)/Directo al Paladar(S.Cannela)/ABC Play)  —  Éleuthère Irénée du Pont de Nemours comenzó como el único fabricante de pólvora y explosivos para la Corona a finales del siglo XXX en Francia, hijo de la nobleza menor. Su conexión con la realeza no sirvió bien a la familia DuPont después de la Revolución Francesa. Huyendo a los Estados Unidos en 18, DuPont estableció una nueva compañía. Durante los siguientes dos siglos, los descendientes de Éleuthère y la compañía que fundó han alcanzado niveles de riqueza, poder e influencia que su padre (médico personal de la amante del rey Luis XV, Madame de Pompadour) no podría haber imaginado.

También han sido responsables de una gran cantidad de daños, lesiones e incluso la muerte. Sin embargo, al igual que muchos otros miembros de la nueva «elite gobernante» de los Estados Unidos, DuPont (tanto la familia como la corporación, que ahora disfrutan de la «cortesía de la personalidad» de la Corte Suprema) cree que las reglas no se aplican necesariamente a ellos.

El Honorable Juez Edmund Sargus Jr. del Tribunal de Distrito de EE. UU., Distrito Sur de Ohio, discrepa respetuosamente.

Lo que comenzó con unas cuantas vacas muertas en un pequeño pueblo de Estados Unidos se convirtió en un caso en el que una multinacional tuvo que responder por más de 3.500 personas que padecen graves enfermedades, incluyendo cáncer.

Y el problema, según el abogado que ha investigado el caso durante más de 20 años, es tan grave que hoy tiene un alcance global.

Se trata de las acusaciones contra empresas como Dupont, que han utilizado químicos que se han relacionado con enfermedades como cáncer de riñón, cáncer de testículos, úlceras en el cólon, infertilidad, hipertensión y afectaciones de la tiroides.

Estos químicos, según los expertos, podrían estar presentes en la sangre del 99% de los humanos.

«Hasta ahora, muchos de nosotros no teníamos ni idea que estábamos expuestos a estas sustancias», le dice a BBC Mundo Rob Bilott, el abogado que durante 20 años ha luchado para que se investigue a fondo los efectos de estas sustancias en los humanos y para que las grandes compañías dejen de utilizarlos.

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Los PFAS pueden llegar a las fuentes de agua como desechos industriales.

La historia comienza a fines del verano de 2001, cuando un grupo de personas que viven en comunidades aledañas a la línea estatal de Ohio y Virginia Occidental presentaron una demanda contra DuPont Company, alegando que su agua potable había sido contaminada por un químico llamado «C-8». ”Conocida por los químicos como ácido perfluorooctanoico (PFOA), esta sustancia se ha utilizado en la fabricación de muchos productos de consumo, como utensilios de cocina de teflón, telas impermeables, alfombras resistentes a las manchas e incluso bolsas de palomitas de maíz para microondas. Este producto químico no se degrada y se ha encontrado en la sangre de prácticamente todas las personas en los EE. UU. (Principalmente en cantidades mínimas).

Desesperados, los ganaderos de la zona recurrieron al abogado Bilott, que había pasado tiempo de niño cerca de la granja de los Tennant en Parkersburg, Virginia Occidental. «Cuando hablé con los Tennant para ayudarlos a averiguar qué era lo que estaba sucediendo en ese vertedero, pensamos que podría tratarse de algo bastante sencillo», recuerda el propio Bilott en las notas de prensa de la distribuidora del filme. La idea del abogado era ayudarles a averiguar qué es lo que debería ir a ese vertedero y comprobar los permisos. También, descubrir cuáles eran los productos químicos que podrían estar superando los límites legales.

Después de casi un año, Bilott descubrió exactamente con qué estaban tratando: un producto químico sin regular, «lo que condujo a un proyecto muy diferente y mucho más grande», comenta el abogado. La sustancia en cuestión es ácido perfluorooctanoico, o PFOA, que se remonta a 1951, casi dos décadas antes de que se fundara la Agencia de Protección del Medio Ambiente (EPA) en 1970.

«Por desgracia, muchas de las leyes y normas federales que empezaron a publicarse en los 70 se centraban principalmente en productos químicos nuevos, sustancias que comenzaron a producirse y generarse a partir de ese momento», prosigue Bilott. «No se puso tanto énfasis ni control sobre sustancias que ya existían, productos químicos como este que se utilizaban desde hacía décadas. Así que ahora afrontamos las consecuencias», lamenta el abogado.

La fuente de la supuesta contaminación fue una planta de fabricación de DuPont en la ciudad de Washington, Virginia Occidental. En el momento en que se presentó la demanda, C-8 no estaba regulado y sus efectos en gran parte desconocidos. DuPont, naturalmente, impugnó la demanda. Como es el caso en muchas acciones civiles, sin embargo, la compañía optó por llegar a un acuerdo con los demandantes para evitar el gasto y la publicidad de un juicio.

Un verdadero escándalo

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Robert Bilott

Lo que el abogado descubrió era escandaloso.

DuPont comprendía desde hacía tiempo que el PFOA podía causar todo tipo de secuelas, incluso letales.

Aun así, según el artículo de periodístico de Rich, para 1990, la compañía se había deshecho de 7100 toneladas de residuos de PFOA en el vertedero de Dry Run.

La escorrentía de ese vertedero llegaba a los terrenos en los que pastaba el ganado de los Tennant.

A partir de ese momento, Bilott se propuso como objetivo hacer justicia no solo con los Tennant, sino también con todos los demás que se hubieran visto expuestos al PFOA, o «productos químicos eternos», como se denominan, dado que no se descomponen y permanecen para siempre en el organismo del sujeto.

La batalla legal llevó a que en 2017 Dupont tuviera que firmar un acuerdo por más de US$670 millones para compensar a más de 3.500 personas que padecían alguna de las enfermedades asociadas con tomar agua contaminada con PFOA.

Desde entonces, decenas de personas de esa misma comunidad que padecen cáncer han llevado sus casos a juicio. El más reciente de ellos concluyó la semana pasada, con una multa de US$50 millones contra Dupont.

Pero el problema, según Bilott, va más allá de un pequeño pueblo. El abogado sostiene que esta contaminación química está presente a lo largo de Estados Unidos y del mundo.

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William «Bucky» Bailey, quien nació con malformaciones causadas por el PFOA

Acuerdo de DuPont

De acuerdo con los términos del acuerdo alcanzado en 2004, ambas partes acordaron la selección de un «Panel de Ciencia», compuesto por tres médicos especialistas en el campo de la epidemiología, el estudio de las causas y los efectos de las enfermedades entre grupos específicos. Este Panel Científico examinaría la conexión entre C-8 y sus supuestos efectos en la salud humana. En ese momento, los abogados de DuPont acordaron que si:

  • Se pudo demostrar que la exposición a C-8 fue la responsable de las enfermedades que los demandantes sufrían.
  • los demandantes habían estado expuestos durante al menos un año antes de 2005
  • el agua consumida durante ese período tenía una concentración de no menos de .05 partes por billón

Los demandantes podrían entonces presentar una demanda por daños y costos médicos. La compañía no pelearía con ellos sobre esa base.

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Los PFAS se han asociado con varios problemas de salud, como afectaciones de la tiroides, por ejemplo.

Lo que el panel encontró

En 2011 y 2012, el Science Panel informó que C-8 estaba vinculado a seis enfermedades específicas que se enumeran como que tienen un «vínculo probable» con C-8:

  • Cancer de RIÑON
  • cáncer testicular
  • enfermedad de tiroides
  • niveles altos de colesterol
  • hipertensión inducida por el embarazo
  • preeclampsia (niveles altos de proteína en la orina de mujeres embarazadas)

Entre los demandantes se encontraban quienes padecían otros trastornos, como artritis reumatoide, lupus, diabetes tipo I (inicio en la infancia), esclerosis múltiple, abortos espontáneos, ADD y otros tipos de cáncer. El Panel de Ciencia determinó «no hay un vínculo probable» entre estos trastornos de salud y la exposición a C-8.

Los abogados corporativos de DuPont acordaron que no combatirían ninguna lesión personal o demanda ilegal presentada contra la compañía por los demandantes que sufren de una de las enfermedades enumeradas como que tienen un «vínculo probable».

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DuPont cambia su tono

Como se esperaba -y permitido según los términos del acuerdo- los demandantes con síntomas de enfermedades con «vínculos probables» le pidieron al juez Sargus un «juicio sumario parcial» en el caso a principios de septiembre 2014. En otras palabras, se había establecido la causalidad en la que DuPont había acordado no impugnar las demandas, por lo que no había necesidad de volver a intentar esa parte del caso.

A fines de ese mes, los abogados corporativos de DuPont intentaron retroceder en su acuerdo anterior. Su razonamiento: los hallazgos del Panel de Ciencia fueron «limitados». Según la declaración del abogado, el panel «observó grupos de personas, dosis estimadas, y compararon la menor exposición a la exposición más alta … solo encontraron asociaciones de mayor riesgo con los grupos de mayor exposición, no con los más bajos «.

En resumen, DuPont decidió que, dado que estos expertos médicos se habían centrado en aquellos que tenían mayor exposición a C-8, los resultados estaban sujetos a dudas, y que la carga de la prueba de la lesión debía recaer en los demandantes individuales. (Curiosamente, las objeciones de DuPont se basaron en el examen de solo uno de los varios estudios analizados, lo cual no es indicativo de la conclusión final del Panel Científico).

En el transcurso de los próximos dos meses, los abogados de ambos lados presentaron mociones y contra-mociones y presentaron argumentos. Algo fundamental para el argumento del demandante era la doctrina del «impedimento colateral» o la exclusión de asuntos.

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Roy J. Plunkett, el inventor del Teflon, en el Salón de la Fama dedicado a los Inventores Nacionales, en abril de 1986.

En cierto sentido, esto es similar al principio de «doble peligro» de la ley penal que impide que un acusado sea juzgado dos veces por el mismo delito.

Dado que la cuestión de los hallazgos del Panel de Ciencia ya había sido acordada (la metodología se dejó en manos del Panel), no había razón para volver a litigar esa parte del caso.

DuPont quedaba así obligado por el asentamiento original. Según el juez Sargus, «… las partes acuerdan que están obligadas por los Resultados».

No había nada en el acuerdo que indicara que los demandantes individuales tenían que «mostrar cuál era su dosis individual», y luego «presentar evidencia científica confiable. [es decir, resultados de exámenes médicos] que [la] dosis particular fue suficiente «para causar la enfermedad.

Como los abogados de los demandantes argumentaron con éxito, ese problema estaba «fuera de la mesa».

La conclusión: el nivel de dosificación que se sabe causó las enfermedades específicas según lo determinado por el Panel de Ciencia y DuPont había acordado no impugnar esos resultados.

En su fallo, el juez Sargus le recordó al demandado el acuerdo original: «en cualquier acción por lesiones personales o muerte injusta presentada por, en nombre de o perteneciente a un Miembro de la Clase [los demandantes], el Demandado [DuPont] no impugnará el problema de la Causación General entre C-8 y cualquier Enfermedad (es) Humana (s) sobre la cual se ha entregado un Enlace Probable «.

Un golpe para la justicia

En estos tiempos, cuando los tribunales federales se han apilado con jueces pro corporativos y entidades corporativas megalíticas poderosas que se oponen a los derechos de los ciudadanos comunes, el fallo del juez Sargus representa una gran victoria.

Y en una sociedad disfuncional que le ha otorgado a las corporaciones el mismo estatus y derechos, pero prácticamente ninguna responsabilidad o responsabilidad de los seres humanos naturales, es alentador ver a una de estas «personas corporativas» obligada a cumplir con sus propios acuerdos. Responsable de sus acciones.

La «personalidad» puede ser una espada de dos filos.

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Qué es el teflón

El teflón se ha convertido en una parte indispensable de la mayoría de las cocinas actuales. Pero como muchas otras cosas que utilizamos cotidianamente, muy pocos sabemos exactamente cómo y para qué fue inventado. Resulta que su descubrimiento empezó con otro utensilio básico de la cocina moderna: el refrigerador.

El politetrafluoroetileno fue descubierto por Roy Plunkett, un empleado de DuPont. En 1938, Plunkett fue contratado para desarrollar un nuevo químico menos tóxico para utilizarlo como refrigerante. Un día Plunkett creo una mezcla para producir un gas y la dejó reposar durante la noche. A la mañana siguiente, en lugar del gas que esperaba, encontró una sustancia blanca, cerosa y bastante resbaladiza. Después de realizar algunas pruebas, descubrió que se trataba de politetrafluoroetileno o PTFE.

Después de realizar muchas pruebas, se dio cuenta que no se deshacía fácilmente, incluso después de probar con un montón de sustancias, como acetona, éter o ácido sulfúrico. Obviamente esta sustancia llamó la atención del ejército de Estados Unidos, que rápidamente le encargo a DuPont que diseñara una planta con sellos y juntas de politetrafluoroetileno, ya que los químicos nocivos necesarios para producir uranio para armas corroen casi cualquier otro material.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el politetrafluoroetileno fue desclasificado y DuPont le dio el nombre comercial de Teflón. Un ingeniero francés, Marc Gregoire, encontró la forma de unir el PTFE al aluminio, y así se creó el primer utensilio de cocina antiadherente. En 1956, Marc Gregoire y su esposa, Colette, fundaron la Corporación Tefal y empezaron a vender sus utensilios de cocina en Francia. En 1960, la Administración de Drogas y Alimentos de los Estados Unidos (FDA) aprobó el PTFE para equipos de procesamiento de alimentos. La empresa Tefal empezó a vender sus sartenes en Estados Unidos, bajo el nombre de T-fal. Con el paso del tiempo otros fabricantes empezaron a desarrrolar nuevos productos.

La razón por la que los huevos no se pegan al teflón, está relacionada con la impermeabilidad del material. El Teflón es un polímero compuesto de átomos de carbono y flúor. El flúor se une tan fuerte a la columna vertebral de carbono, que es imposible que otros átomos puedan penetrar, por eso se deslizan a través de la superficie. De hecho, uno de los más grandes desafíos es hacer que el Teflón se pegue a la sartén. Actualmente existen dos métodos. Uno es hacer que el aluminio o el acero de la sartén sea rugoso para facilitar que las moléculas de flúor se adhieran a la superficie. El otro es utilizar un primer o capa base, que tiene una formulación especial que le permite adherirse tanto a la sartén metálica como a varias capas de material antiadherente. Por lo general este proceso incluye el calentamiento entre cada capa, con un horneado a alta temperatura, 427 grados Celsius, durante unos cinco minutos.

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Manifestantes protestan en Nueva York en 2016 en contra de la contaminación del agua potable con los llamados «químicos eternos».

Qué es el PFOA

PFOA es la sigla del ácido perfluorooctanoico, una sustancia creada en los años 40 por la compañía 3M.

El PFOA, también conocido como C8, es parte de una familia de miles de sustancias llamadas PFAS, conocidas como los «químicos eternos», ya que no se degradan, y, una vez ingeridos, pueden permanecer dentro del cuerpo por largos períodos de tiempo.

Durante décadas, compañías como Dupont han utilizado el PFOA para fabricar productos como el teflón, pero la sustancia también está presente en artículos de limpieza, ceras, pinturas, telas, envolturas de comida rápida, cajas de pizzas, bolsas de palomitas de maíz de microondas, plásticos, espuma para apagar incendios, superficies resistentes a las manchas, entre otros.

Las personas quedan expuestas a los PFAS a través de la tierra, el agua y alimentos contaminados con esta sustancia; los envases de alimentos que contienen estos compuestos; o el uso de productos que estén hechos a base de estos químicos, según explica la Agencia de Protección Ambiental de EE.UU. (EPA, por sus siglas en inglés).

«El agua potable puede ser una fuente de exposición en comunidades donde estos agentes químicos han contaminado los suministros de agua», indica la EPA.

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Efectos en el organismo

«Existe evidencia de que la exposición a los PFAS puede causar efectos perjudiciales a la salud humana», explica la EPA.

La agencia menciona estudios que demuestran que el PFOA causa tumores en animales y, aunque de manera más limitada, se ha encontrado que puede producir cáncer.

Por su parte, el Instituto Nacional de Salud de EE.UU. explica que el PFOA, en particular, puede causar aumento del colesterol, efectos dañinos en el desarrollo del feto o de niños lactantes, bajo peso al nacer y efectos nocivos en el sistema inmune, el hígado y la tiroides.

Según Bilott, en los juicios contra las compañías que producen PFAS, las empresas sostienen que no hay suficiente evidencia que pruebe que estas sustancias causan daño a los humanos.

Por eso, una de las metas del abogado es que se conformen paneles científicos independientes que den un veredicto sobre los efectos de los químicos eternos.

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EL PFOA puede estar presente en artículos de uso diario como el teflón.

La pelea contra los químicos eternos

A raíz de las preocupaciones que han despertado casos como los que lleva Bilott, se han comenzado a tomar medidas para controlar la producción y el uso de los PFAS.

Dupont, por ejemplo, se comprometió a que desde finales de 2019 eliminaría el uso de PFAS.

«Dupont está constantemente aprendiendo del pasado para innovar para el futuro, en nuestras políticas y protocolos, así como en nuestros productos», afirmó la compañía en un comunicado en agosto de 2019.

«Estos compromisos ayudan a garantizar que nuestras acciones se alineen con nuestras expectativas y las de las comunidades a las que servimos».

En EE.UU., según la EPA, ya no se fabrican ciertas clases de PFAS y existe un programa de eliminación gradual del PFOA en el que participan empresas como 3M y Dupont.

La EPA advierte que aunque en ese país ya no se fabrica PFOA, todavía se produce internacionalmente y puede importarse a través de productos como alfombras, cueros, textiles, papeles, cauchos y plásticos.

En diciembre de 2019 un grupo de países europeos presentaron un plan para eliminar gradualmente el uso de PFAS a más tardar a partir de 2025.

Bilott, sin embargo, cree que a pesar de los avances, aún hay camino por recorrer.

«Desafortunadamente hay grandes esfuerzos de lobby que están en marcha para evitar que estos químicos sean regulados», dice el abogado.

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Un problema mundial

Aunque el caso de Bilott comenzó en un pequeño pueblo, hoy su lucha tiene una mirada mundial.

«Estamos viendo estos químicos en países alrededor del mundo. Desafortunadamente estas sustancias viajan por el aire y el agua. Los animales la absorben, los humanos la absorben. Esto es algo que necesita enfrentarse de manera global», dice Bilott.

Los químicos eternos están presentes en productos de la vida diaria, por eso «es difícil para los ciudadanos evitar totalmente la exposición al PFAS», según indica la Agencia Ambiental Europea (EEA, por sus siglas en inglés).

Pero después de más de 20 años de litigios, que, según la película también han afectado su salud y su vida familiar, Bilott aún confía en que su lucha llegará a buen término.

Para él, el granjero que por primera vez denunció el envenenamiento de sus vacas es una muestra de que atreverse a hablar puede ayudar a que las compañías dejen de usar estas sustancias y los legisladores regulen su producción.

«Esto puede tomar tiempo», dice Bilott. «Puede que sea difícil, pero al final, la verdad saldrá a flote«.

«Una persona que se ponga en pie y hable, puede hacer una gran diferencia».

Desde sartenes a ropa: el peligro de los «químicos eternos» que tenemos en nuestras casas

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Los «químicos eternos» están en varios productos del hogar.

Échale un vistazo a tu hogar, a los numerosos productos que hacen que la vida diaria sea más fácil.

¿Alguna vez te has preguntado por qué la comida no se pega a tu sartén favorita, por qué la grasa no traspasa la bolsa de palomitas de maíz para microondas o por qué el agua no empapa tu chaqueta?

Es probable que la misma clase de productos químicos sintéticos sea responsable de todas estas funciones. Pero esos productos químicos están ahora bajo el foco de atención y, en algunas partes del mundo, se están eliminando por completo.

El grupo de sustancias químicas conocidas como «PFAS« (sustancias per y polifluoroalquilo) es enorme. Hay más de 4.700 de estos compuestos a base de flúor.

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Hay más de 4.700 tipos de PFAS.

A menudo denominados «químicos permanentes» por su extraordinaria persistencia, se han detectado en el agua potable, el polvo e incluso en el torrente sanguíneo humano.

De hecho, es casi seguro que tienes PFAS en tu hogar y en tu cuerpo.

Problemas a la salud

Estos productos químicos, que se encuentran en una enorme variedad de productos, desde envases de alimentos hasta cosméticos y muebles, se han relacionado con problemas a la salud que incluyen daño hepático, cáncer de riñón y defectos de nacimiento.

Sin embargo, la presión del consumidor por sí sola no ha sido suficiente para eliminar de forma importante los niveles de PFAS.

Después de todo, descifrar los nombres de los compuestos químicos es casi imposible para una persona promedio, señala Jonatan Kleimark, asesor senior de químicos y negocios de ChemSec, una organización sueca sin fines de lucro que aboga por un uso más seguro de los químicos.

«Si usted es un consumidor habitual, es un tema muy complejo y es algo que generalmente no se comunica», dice Kleimark.

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Estas sustancias químicas se han relacionado con problemas a la salud que incluyen daño hepático, cáncer de riñón y defectos de nacimiento.

Además, no todo el mundo tiene el tiempo y la motivación para escribir a las compañías y preguntarles si sus productos contienen PFAS, que es lo que recomiendan algunas agencias gubernamentales.

Incluso, puede que algunos fabricantes ni siquiera se den cuenta de que están usando PFAS en sus productos.

«Si realmente deseamos un cambio, entonces necesitamos una regulación, porque eso es sobre lo que las empresas realmente actuarán», comenta Kleimark.

«Incluso la idea de tener una restricción de PFAS hace que las empresas comprendan que esto es algo con lo que realmente tienen que trabajar para encontrar alternativas», agrega.

¿Qué restricciones existen hoy?

Hasta ahora, esas restricciones son limitadas.

En julio, el estado estadounidense de Maine se convirtió en la primera jurisdicción del mundo en prohibir la venta de productos que contienen PFAS a partir de 2030, con la excepción de cuando su uso se considera inevitable (lo que podría aplicarse a ciertos productos médicos).

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Ikea ha eliminado todas las sustancias PFAS de sus muebles.

Los países de la Unión Europea (UE) han restringido ciertos tipos y usos de PFAS. Pero los activistas medioambientales y ciertos gobiernos europeos están pidiendo que las PFAS se regulen en conjunto.

También se les ha pedido a los fabricantes que proporcionen más información sobre productos alternativos que estén usando.

«Definitivamente creo que habrá algún tipo de restricción en los próximos cinco o seis años», predice Kleimark.

Los miembros de la industria química están buscando más información y orientación para hacer esta transición con éxito.

El Consejo Europeo de la Industria Química (CEFIC)también ha solicitado más claridad sobre lo que se incluiría como uso esencial de PFAS.

Opciones alternativas

Encontrar alternativas ha sido más fácil en algunas industrias que en otras.

«La industria textil ha estado a la vanguardia en la búsqueda de alternativas», dice Kleimark.

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Muchas veces se usan sustancias químicas para lograr prendas impermeables al agua.

Sin embargo, algunas empresas han estado reemplazando materiales que contienen PFAS por otros que son mejores para la salud humana pero aún muy dañinos para el planeta, como la ropa a base de plástico.

Una compañía innovadora es OrganoClick.

De origen sueco, esta empresa busca un uso más sustentable de las sustancias químicas. Su producto OrganoTex es una alternativa al PTFE (politetrafluoroetileno), un tipo de PFAS comúnmente utilizado en ropa repelente al agua, más conocido como teflón.

El teflón ha sido un producto químico muy útil desde que la compañía estadounidense DuPont lo patentó en 1941.

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Molécula del telfón.

Es hidrófobo, por lo que repele el agua de la tela; también se utiliza en revestimientos antiadherentes porque puede soportar temperaturas relativamente altas y tiene baja fricción.

Es tan útil que la NASA comenzó a aplicarlo a trajes espaciales y escudos térmicos en la década de 1960.

Sin embargo, Mårten Helberg, presidente y director ejecutivo de OrganoClick, sostiene que en realidad no necesitamos este producto químico para usos específicos, como ayudar a que las chaquetas resistan la lluvia.

A diferencia de los astronautas, que podrían necesitar estos materiales para resistir el agua, el aceite y otras sustancias, la mayoría de los consumidores generalmente «estarán simplemente al aire libre; y no habrá lluvia de aceite», dice Helberg.

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OrganoTex imita las propiedades de las hojas de loto, que son naturalmente repelentes al agua.

OrganoTex imita las propiedades de las hojas de loto, que naturalmente repelen el agua.

Si alguna vez viste gotas deslizarse de la superficie de un nenúfar o del ala de una cigarra, entenderás esta hidrofobicidad en acción.

«Utilizamos moléculas repelentes al agua de origen natural» que se biodegradan fácilmente, dice Helberg, en lugar de productos químicos sintéticos que se quedan para siempre.

La línea OrganoTex incluye aerosoles, ceras y detergentes que mantienen los textiles repelentes al agua a través de 5 a 10 lavados (si los consumidores aplican el tratamiento ellos mismos), o 20 lavados (en productos industriales), según Helberg.

Largo camino por delante

El teflón también se encuentra en los utensilios de cocina antiadherentes.

Según el Centro de Ecología, una organización ambiental sin fines de lucro de Estados Unidos, un recipiente etiquetado como libre de teflón (o PTFE) probablemente no contenga PFAS.

Las sartenes antiadherentes de hierro fundido, acero inoxidable y cerámica pueden ser más caras que algunas sartenes revestidas, pero es probable que duren más, además de ser más seguras.

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Greenpan es una de las empresas especializadas en sartenes sin PFAS.

«Parte del problema ha sido que el consumidor debe comprender que no obtiene exactamente el mismo producto… es una tecnología diferente, y tal vez deba tratar esta sartén de una manera ligeramente diferente a la sartén de teflón normal que solía tener», dice Kleimark.

Esto podría implicar aprender un método diferente para limpiar o condimentar una sartén. «Pero sigue siendo un desafío lograr que los consumidores compren», agrega.

También tendremos que aprender a manejar alternativas a muchos otros artículos que contienen PFAS, como las espumas contra incendios.

Shari Franjevic es la directora de programa de GreenScreen que certifica a los productos que no contienen PFAS ni otros químicos.

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Para los compradores puede ser muy difícil saber qué productos están libres de PFAS.

«En países donde se permiten productos sin PFAS para su uso en aeropuertos, por ejemplo, los usuarios están satisfechos con el rendimiento. Un ejemplo es el aeropuerto de Heathrow, en Londres», dice.

«Entendemos que, si bien los productos sin PFAS funcionan de manera diferente a los productos que contienen PFAS, son capaces de satisfacer las necesidades de rendimiento en la mayoría de las situaciones, si no en todas», agrega Franjevic.

Pero aún queda un largo camino para encontrar la gran cantidad de alternativas que podrían servir para reemplazar a las sustancias químicas PFAS. «Necesitamos mucha investigación para todos los diferentes usos», dice Kleimark.

«Aguas Oscuras» (Dark Waters), la historia de Dupont y el «C-8» al cine

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En «Aguas oscuras», el realizador Todd Haynes («Lejos del cielo», «Carol») y el actor Mark Ruffalo se sumergen en una historia basada en hechos reales inspiradas en un reportaje periodístico. El filme narra la historia de un artículo que destapó una crisis urgente de salud pública y corrupción a los más altos niveles en Estados Unidos. Todo empezó el 6 de enero de 2016, cuando el suplemento dominical del «New York Times» publicó la crónica de Nathaniel Rich sobre la labor del abogado de Cincinnati Rob Bilott. Empleado por el despacho de abogados de Taft Stettinius & Hollister LLP, Bilott sacó valientemente a la luz los peligros de un «producto químico eterno» que llevaba años contaminando una zona rural.

Mark Ruffalo ya sabía lo que era llevar a la gran pantalla una historia periodística. Su papel en « Spotlight» le supuso la nominación al Oscar a mejor actor de reparto en una cinta que acabó llevándose la estatuilla a mejor película del año. Ahora, de la mano de Haynes, vuelve a bucear en el periodismo de investigación, en este caso sobre el caso de una empresa química que envenenó los campos de un pueblo.

El guion de «Aguas oscuras» se desarrolla como una historia de terror: los Tennant, una familia que llevaba generaciones trabajando la misma tierra, empezaron a perder su ganado de manera alarmante. Los animales, otrora dóciles como mascotas, se volvieron agresivos. En su piel empezaron a salir sospechosas manchas, sus ojos se pusieron rojos, expulsaban baba blanca por la boca y se les ennegrecieron los dientes.

La cosa se fue de madre cuando uno de los becerros murió con los ojos de un raro color azul eléctrico. Los Tennant empezaron a sospechar que los vertidos del vertedero cercano estaban envenenando sus tierras y el agua. Ese vertedero estaba cerca de la fábrica de Washington Works, propiedad de DuPont, un gigante químico de EE.UU.

nuestras charlas nocturnas.


Jimi Hendrix, un hombre en el país de la dama eléctrica…


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Historia hoy  —  Sus ancestros fueron esclavos, indios Cherokee e hijos indeseados de “relaciones impropias” entre blancos y su servidumbre.

No conoció a su padre hasta los tres años, porque éste sirvió en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial y le negaron el permiso para ver a su primogénito. Su madre, Lucille, debió arreglárselas sola para criar a su hijo James Marshal «Jimi» Hendrix (nacido Johnny Alllen Hendrix, el 27 de noviembre de 1942).

A los quince años, Hendrix se compró su primer guitarra acústica 5 dólares, y pasó horas escuchando y viendo a otros guitarristas como B.B. King. En 1959 formó su primera banda, The Velvetones. Hasta ese momento, practicaba usando un ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje.

Adquiere su primer guitarra eléctrica en 1958, al poco tiempo de morir su madre. Y luego de algunos problemas con la ley, es llamado en 1960 para alistarse en el ejército o ir a prisión. Jimi Hendrix es enviado a Fort Campbell como recluta paracaidista. Visiblemente incomodado con la rigidez militar decide visitar al psicólogo del ejército y declararse homosexual, pero consigue finalmente la baja cuando confirma problemas físicos, dolores en la espalda y lesión en el tobillo producto de un salto en paracaídas.

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Después de haber sido condenado por el robo de un automóvil, a Jimi Hendrix se le dio a elegir entre la cárcel y el ejército… y eligió el ejército.

En 1961 completó su entrenamiento como paracaidista en el legendario 101ª División Aerotransportada, pero no había que ser muy perspicaz para entender que la milicia no era para él.

El informe del sargento del pelotón consignó: “Nunca ha tenido, ni tendrá interés en el ejército. Creo que el servicio militar se beneficiaría de licenciarlo lo antes posible”.

En septiembre de 1963, viviendo en Tennessee, formó una banda llamada King Kasuals y fue entonces que comenzó a ejecutar con los dientes, como lo había visto hacer a Butch Spines y Alphonso Baby Boo. Jimi contaría años más tarde, que no era raro encontrar en los escenarios pedazos de dientes.

De aquí en más comienza su legendaria carrera que en cuatro años y con cuatro discos lo llevaría a ser el músico mejor pago y el guitarrista más célebre del Rock.

Liberado del Ejército comienza su carrera artística en el sur de los Estados Unidos junto a su amigo Billy Cox.

Cansado de la discriminación racista se muda a Nueva York.

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Después de ser dado de alta del ejército, el padre reencontró a su familia en Berkeley (California), pero el alcohol y la pobreza impidieron que la pareja pudiese convivir, y menos tener los medios para alimentar a los cinco hijos, de los cuales tres terminaron siendo dados en adopción.

Con el único de sus hermanos con el que Jimi mantuvo un vínculo más estrecho fue con León. Cuando la pareja se divorció, los dos mayores fueron dados en custodia al padre. Fue en esa época que Jimi obtuvo un ukelele con una sola cuerda, instrumento que aprendió a ejecutar de oído.

Poco después murió su madre de cirrosis, pero su padre les impidió a los hijos asistir al funeral. En su lugar les dio una botella de Whisky, “Ya son hombres y deben aprender a lidiar con la pérdida”.

En enero de 1964 el guitarrista se instala en el barrio de Harlem, donde funda amistad con los gemelos Allen. Aquí también encuentra el amor de «Fayne» Pridgeon. Fayne procuró una gran companía a Hendrix, además de que le fue de fundamental ayuda para ingresar en el mundo oculto de la música de Harlem. Realiza giras a lo largo del territorio norteamericano tocando en diversas bandas como Isley Brothers Gorgeous, George Odell, Upsetters y Curtis Knight and the Squires.

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Pero el verdadero éxito de Jimi aparece al llegar a Europa. Estructura en Londres la formación de su conjunto sobre un modelo power trío, los elegidos fueron el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. En 1966 nace la Jimi Hendrix Experience.

El trío hizo furor en el viejo continente con un primer single que recorrió el mundo. De un lado del disco escuchabas el tema «Hey Joe» y del otro «Stone Free», una locura para los sentidos.

Por invitación de Paul McCartney, la banda logra desembarcar en Estados Unidos. Hendrix vuelve a su tierra natal presentándose en el Monterey International Pop Festival en junio de 1967, conocido como el «Verano del amor». Hendrix es inmortalizado en un documental en el cual llama la atención de todo el movimiento hippie durante cuarenta minutos de concierto, en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de actos sexuales, haciendo sonar la guitarra con los dientes, por detrás de la espalda, contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople estremecedor. En este espectáculo termina delirando y prende fuego su guitarra para finalmente destruirla contra el amplificador.

El festival de Woodstock en 1969 fue el cénit de la carrera artística de Hendrix. Más allá de estar anunciado como la estrella de cierre, debido al fuerte torrencial, cientos de miles de espectadores volvieron a sus casas. Hendrix terminó apareciendo en escena en la madrugada del 19 de agosto frente a ciento ochenta mil espectadores en éxtasis.

En esa ocasión, el hecho que sobresalió en aquella histórica presentación fue la transfiguración de su guitarra operada sobre el himno de los Estados Unidos. Hendrix interpretó la pieza de manera salvaje, mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y metrallas, sirenas antiaéreas y otros ruidos de batalla, todo únicamente usando su guitarra y en plena guerra de Vietnam.

“Quiero hacer una música tan perfecta que se filtre a través del cuerpo y sea capaz de curar cualquier enfermedad” había dicho.

Tocó con Little Richard y Curtis Knight y en 1966 fue a Inglaterra donde, curiosamente, vivió en la misma casa que Haendel. Bajo la conducción de Linda Keith ( la novia en aquel momento del guitarrista de The Rolling Stones Keith Richards), en pocos meses la música de The Jimi Hendrix Experience estaba entre los Top Ten.

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En un concierto en la Universidad de Westminster conoció a Eric Clapton (al que llamaban “el Dios de la guitarra”, que quedó impresionado por su forma de ejecutar.

En noviembre del ’68 compartió el escenario del The Bag O’Nails de Londres con John Lennon, Paul McCartney, Jeff Beck y Pete Townshend. Después de esta presentación le hicieron el primera entrevista para Record Mirror titulada “Mr. Phenomenon”.

En el Festival de Monterrey quemó su guitarra al terminar el show, inmortalizado en una de las fotos más famosas del rock and roll.

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Sin embargo, la historia lo recordaría por su ejecución durante Woodstock del himno americano The Star Spangled Banner, una versión controvertida, tan furiosa como la guerra que se peleaba en Vietnam.

Jimi ganaba fortunas que despilfarraba en drogas, especialmente en LSD. El alcohol se convirtió en el azote de su existencia, llevándolo a tener ataques de ira y violencia. En un hotel de Suecia rompió una ventana y le pegó a su amigo Paul Caruso y su novia Carmen Borrero debió ser suturada después de ser atacada por el músico con una botella de vodka en un ataque de celos.

En el aeropuerto de Toronto fue detenido por poseer heroína y hachís. Debió pagar U$S 10.000 de multa y esperar 7 meses para el juicio.

Durante la madrugada del 18 de septiembre de 1970, mientras dormía junto a Monika Danneman, en una suite del Hotel Samarkand de Londres, Hendrix sufre un colapso, fruto de una mezcla letal de barbitúricos, somníferos y alcohol.

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Tenía 27 años. En aquel momento estaba grabando un disco, First days of the raising sun, cuyas sesiones no verían la luz hasta 1997. Fue la culminación póstuma de una carrera brillante y fugaz, cuyos ecos aún resuenan en la memoria y en los oídos de todo aficionado a la música.

Como no se despertó, Dannemann llamó a una ambulancia que transportó a Hendrix al Hospital St. Mary Abbot, donde fue declarado muerto por aspirar su propio vómito durante su período de inconsciencia.

El cuerpo de Jimi Hendrix fue embalsamado y 13 días más tarde llevado a Seattle (Washimgton). Su amigo Eric Burdon se rehusó a asistir al entierro, porque decía que Jimi odiaba Seatle.

Más de 200 personas concurrieron. El momento más emotivo se produjo cuando el Reverendo Blackburn dijo: “Debemos recordar al gran guitarrista en el Cielo”. Una de sus novias, Dolly Dagger, intentó arrojarse a la tumba abierta.

Jimi había dejado abundante material sin editar. Su padre, Al Hendrix, con la asistencia de Microsoft Corporation ganó los derechos por las obras de su hijo y administrar su patrimonio de 30 millones de dólares.

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Desde el 2000 existe el Experience Music Project que vende millones de dólares en memorabilias de Hendrix.

Su tumba se convirtió en un templo, donde también están enterrados su padre (fallecido en 2002) y su madrastra. Miles personas visitan su tumba cada año, dejando flores, guitarras, notas y, a veces, alucinógenos para aliviar su viaje hacia el otro mundo, como las monedas que los griegos ponían sobre las personas fallecidas para pagar la nave de Caronte. Jimi encontraba muy divertida esta devoción a los muertos. “Once you’re dead, you’re made for life” (“Una vez que estás muerto, estás hecho de por vida”), solía decir.

nuestras charlas nocturnas.


¿Qué es la suerte? Del ciego azar a la diosa fortuna o el destino…


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Yorokobu(R.R.Aramayo)  —  La suerte es algo que uno desea “tener” y por eso se tiende a “buscar” para que nos acompañe o respalde, aunque por contra la podamos “esquivar” y hasta burlar. El célebre alea iacta est de Julio César nos recuerda que también podemos “echar algo a suertes”. E igualmente cabe “tentarla”, como bien sabe por ejemplo cualquier jugador de mus que se inclina por lanzar un órdago –hor-dago en euskera significa por cierto “ahí queda eso”, como el Dasein heideggeriano.

Desde la teoría de juegos, al traducir a Jon Elster, Toni Domènech consagró entre nosotros la expresión “domar la suerte”; mientras que Juan Antonio Rivera aborda “el poder del azar en la historia y en los asuntos humanos” en su obra El gobierno de la fortuna.

Al prologar su libro Sobre el juego, Javier Echeverría se refiere a lo que conlleva “cargar la suerte”:

Quien quiere cargar la suerte está abierto a lo improbable, a la seducción del instante, a las mil posibilidades abiertas en cada lance vital. El jugador que carga la suerte difiere de sí mismo al hacerlo, se sobrepasa, desborda lo que sabe hacer y se sorprende a sí mismo sabiendo más de lo que creía.

Ceguera e imparcialidad

Haciendo un somero inventario de sus alias o avatares, comprobamos que se suele identificar a la suerte con el ciego azar o la diosa fortuna. La ceguera propia de lo aleatorio se introduce, por ejemplo, para garantizar que una evaluación científica sea más imparcial y por eso se recaban informes científicos por el sistema de doble par ciego, aun cuando no se sorteen unos evaluadores que son elegidos por cooptación entre sus pares.

Curiosamente, los venecianos combinaban sucesivamente un rosario de cooptaciones y sorteos para designar a sus dogos, mostrando su desconfianza en utilizar tan solo uno de ambos métodos.

Resulta llamativo que, además de verse vinculada con la ceguera del azar, la suerte también guarde cierta relación con sus antípodas conceptuales. Es decir, con ese destino ya escrito, que algún pensador como Kant homologa simultáneamente con la naturaleza e incluso con la providencia divina, superando con ello la escandalosa identificación espinosista del Deus sive natura.

Escoger una u otra metáfora no es baladí. Mientras el Dios padre nos revela sus incontestables planes a través de las Escrituras y sus intérpretes nos hacen acatarlos mediante premios o castigos, el gran libro de la Naturaleza nos desvela sus leyes cuando aprendemos a descifrar los códigos en que se han formulado, para ir adaptándonos cabalmente a sus dictados.

Los hados favorables

El enunciado “que tengas mucha suerte” viene a ser sinónimo de “que te sonría la fortuna”, “que los hados te sean favorables” o “que Dios te acompañe”. Bajo registros aparentemente tan distintos late una misma idea. Hay cosas que, al escapar a nuestro control, se resisten a nuestras intenciones y desbaratan cualquier cálculo probabilístico.

Catalogamos a la suerte como buena o favorable, si se pliega dócilmente a nuestros deseos, querencias o voliciones, mereciendo el calificativo de mala o adversa cuando las esquiva. La cuestión parece reducirse a que uno se salga con la suya o quede chasqueado. Sin embargo, a veces hacemos de la necesidad virtud y encajamos los reveses como algo positivo que nos hacen tomar senderos inesperados o conseguir metas con las que tan siquiera nos habíamos atrevido a soñar.

Variantes lingüísticas del termino suerte

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Fortuna (Hans Sebald Beham, 1500-1550)

Cada idioma destaca un aspecto de la polifacética suerte. Los franceses, al hablar de chance, resaltan la oportunidad, el momento favorable asociado al kayrós griego.

Con su luck, los anglófonos invocan la fuerza que causa las cosas. En alemán Glück significa igualmente felicidad, subrayando el hecho de que nos puede hacer dichosos.

Los italianos hablan directamente de fortuna, como sus ancestros latinos. En el extremo opuesto, para chinos y japoneses, el número cuatro denota mala suerte, porque los fonemas de sus respectivos ideogramas resultan muy similares al de la muerte.

Al margen de nuestra capacidad y nuestro empeño, hay otro factor decisivo para lograr nuestros objetivos y esa coyuntura, feliz o adversa: la suerte. Con ella se culmina lo perseguido por nuestros talentos y nuestro talante. La suerte nos puede librar de un accidente, hacer ganar una oposición o descubrir al amor de nuestra vida, si no decide darnos la espalda. Tiene que venirnos de frente y por eso hay que asirla por los cabellos, porque a la ocasión “la pintan calva” y podemos perder esa oportunidad irrepetible.

Naturaleza, providencia o destino en Kant

Kant es quien se atreve a homologar la suerte nada menos que con lo providencial, el destino y la naturaleza. El oculto plan de la naturaleza que desentraña su historiador filosófico equivale en términos funcionales a los guiños del destino, al igual que a los inescrutables designios de la providencia divina, tal como señala en su ensayo titulado Hacia la paz perpetua.

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Los siete Dioses de la fortuna (Kuniyoshi Utagawa).

Si decidimos conferir a la suerte rasgos antropológicos, nos encontraremos con una u otra deidad, que podemos domiciliar en el reino de los cielos o en el monte Olimpo, como sucede con Tyché. Hay también una variedad de dioses orientales, aunque acaso topemos con el daimon de nuestro fuero interno. Quien opte por despersonalizarla, preferirá referirse al fatum de los estoicos, ese fatídico e inexorable destino que somete a quienes pretenden resistirse o burlarlo y guía eficazmente a quien asume sus pautas, con arreglo al conocido adagio estoico.

Una camaleónica felicidad

A partir del árabe (az-zahr) contamos con el término azar como eventual sinónimo de suerte, para realzar su carácter aleatorio e imprevisible, como sucede con los juegos de azar, donde la pericia cuenta nada o muy poco. En la lotería nadie gana empleando su astucia, si exceptuamos casos tan singulares como los de Voltaire o Casanova, que lograron enriquecerse con la lotería “jugando” cada cual a su manera como banca.

Para Kant nuestra felicidad, cuyo carácter primordial afirma reiteradamente, presenta el problema de ser algo harto voluble que no podemos controlar al depender tanto de la suerte, pues no cabe pronosticar con certeza sus circunstancias mas favorables, máxime cuando nuestra propia noción al respecto no puede ser más imprecisa y camaleónica.

La fortuna en Maquiavelo y el azar en Schopenhauer

Maquiavelo escribe algo similar sobre la fortuna en sus Caprichos para Sonderini:

Quien fuera tan sabio como para conocer los tiempos y el orden de las cosas, sabiendo acomodarse a ellos, tendría siempre buena fortuna o se guardaría siempre de la mala, y vendría a ser cierto que el sabio domina las estrellas y los hados. Pero como no se dan tales cosas, porque los hombres no pueden gobernar su propia naturaleza, se sigue de ello que la fortuna cambia y gobierna a lo hombres, teniéndolos bajo su yugo.

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Anuncio de neumáticos Michelin (autor anónimo)

Según Schopenhauer fracasamos al intentar satisfacer nuestras necesidades o los deseos imaginarios, pues no cabe colmar unas vasijas desfondadas por mucho que nos favorezca la suerte. Además el azar señorea sobre la tierra, granjeándonos reveses, pero asimismo bienestar. Lo malo es que la caprichosa suerte no sólo nos arrebata cuanto se le antoja otorgarnos graciosamente y en ocasiones nos despoja también de lo adquirido con esfuerzo.

En sus Escritos de juventud Schopenhauer lo describe así:

Ten en cuenta que Azar, ese poder que domina esta tierra, junto a su hermano Error, su tía Necedad y su abuela Maldad, nos amarga la vida con pequeños y grandes reveses propinados a diario. Hazte cargo de que a ese malvado poder le has de agradecer tu bienestar e independencia, al darte lo que no concede a tantos miles para poder ofrecérselo a un individuo como tú.

Cuando lo medites bien, advertirás que cuanto tienes no has de agradecérselo a tu esfuerzo, sino al favor de una caprichosa princesa y que, si le diera el antojo de arrebatártelo parcial o totalmente, lejos de clamar por tal injusticia, sabrás que Azar coge cuanto te había dado, reparando en el hecho de que no es tan dadivoso como te parecía hasta ese momento. Sólo que podría no conformarse, ¡y disponer también de aquello que hayas obtenido laboriosa y honradamente!.

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La rueda de la fortuna (Edward Burne-Jones,1833-1898)

¡Caramba con la suerte! Los avatares del azar y la fortuna no pueden ser más caprichosos, como bien señala Maquiavelo y el poema O fortuna popularizado por Carl Orff al comienzo de su Carmina burana.

La pandemia de COVID-19 nos ha recordado que la mejor suerte se cifra en conservar nuestra salud física y mental, tal como señaló Riccardo Muti en su saludo del Concierto de Año Nuevo al reivindicar los bienes culturales como algo fundamental para mantenernos cuerdos y fomentar un mundo mejor.

Ojalá lo que resta del  2021 nos traiga suerte para salir airosos de un azaroso y desafortunado trance cuyo destino aún está por desvelar.

nuestras charlas nocturnas.


Descubren una terrorífica cueva con huesos humanos en Arabia Saudí …


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Según un estudio hay más de 7.000 mil años en restos humanos y animales.

ACyV/El Tiempo  —  Una cueva volcánica en Arabia Saudí ha sido la protagonista de un increíble descubrimiento: una horda de huesos de animales mixtos, entre los que también se encontraban algunos pertenecientes a humanos, según informa ‘Science Alert’. La cueva, conocida con el nombre Umm Jirsan, se encuentra bajo los campos de Harrat Khaybar al noroeste del país.

Umm Jirsan tiene un enorme tamaño, extendiéndose por unos impresionantes 1,5 kilómetros, lo que la convierte en el tubo de lava más largo conocido en el país. Las criaturas salvajes han vivido durante años a su sombra.

En su interior, los exploradores se encontraron con una ‘terrorífica’ escena, pues el suelo parecía estar tapizado con un millar de huesos que se extienden por todo el lugar. Allí se encontraron restos de animales bovinos, roedores, caballos, camellos y cráneos humanos.

El lugar fue analizado por un grupo de expertos tafonómicos, ciencia que estudia los sucesos que afectaron un organismo en el pasado, con el fin de determinar la causa de muerte y la razón por la que terminaron estas composiciones óseas siendo recolectadas dentro de la cueva.

En un nuevo estudio, los investigadores aseguran haber descubierto cientos de miles de huesos pertenecientes a, al menos, 14 tipos diferentes de animales que van desde los caballos a los camellos o incluso los roedores. Y, entre todos ellos, el mayor descubrimiento ha sido toparse también con restos humanos, increíblemente bien conservados, según publicó en Twitter el zooarqueólogo Mathew Stewart del Instituto Max Planck de Ecología Química en Alemania.

Pero, ¿por qué estaban ahí?

Según las teorías, la horda de huesos fue probablemente secuestrada por la conocida como hiena rayada, cuyos propios restos también se encontraban en la cueva junto con excrementos fosilizados. «Estos animales son ávidos recolectores de huesos, que transportan a sus guaridas para ser consumidos, almacenados o cedidos para la alimentación de los especímenes más jóvenes», explica Stewart. «El material que se ha acumulado en Umm Jirsan tiene 7.000 años, lo que demuestra las excelentes condiciones para la preservación de huesos en la cueva».

Los restos podrían decir algo sobre la paleoecología de la región, aunque aún es pronto. Y no hablamos de una reliquia del pasado, sino que en una investigación previa de 2007 los investigadores pudieron escuchar sonidos provenientes de la cueva, lo que quiere decir que aún ‘sigue abierta al público’. La recolección de los huesos también la podrían haber llevado a cabo otros animales como los zorros o los lobos, pero según el equipo la evidencia apunta a las hienas porque los otros animales no suelen dispersar los huesos tan lejos de los lugares de matanza. Además, muchas de las marcas en los huesos sugieren procesos digestivos y de mordida de hiena.

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Qué dice el estudio

Mathew Stewart uno de los científicos del estudio que está publicado en la revista ‘Ciencias Antropologicas y Sociologicas’, concluyó que los huesos pudieron haber sido recogidos por un grupo de hienas rayadas, una especie que hace presencia hace miles de años en la zona, pues se han encontrado restos coprologicos fosilizados de estos animales en el lugar.

«Estos animales son ávidos recolectores de huesos, que transportan a las guaridas para ser consumidos en el momento, alimentar a las crías o almacenarlos para más tarde. El material de Umm Jirsan se ha acumulado durante los últimos siete mil años, lo que demuestra las excelentes condiciones para la preservación del hueso dentro del tubo de lava», explica Stewwart en la investigación.

Aunque no descartan que otros carnívoros hayan ayudado a recolectar el millar de huesos que se encuentran en la cavidad, los científicos están totalmente seguros de que el osario ha sido concurrido por hienas debido a las marcas de mordidas que presentan algunos huesos.

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Las hienas pueden seguir en la cueva

Hoy en día el lugar puede seguir siendo visitado por algunos animales, pues en una visita hecha por el mismo Stewart en 2007, se pudieron escuchar gruñidos y aullidos propios de alguno de estos mamíferos.

“El conjunto, el gran tamaño, la sobreabundancia y el procesamiento intensivo de los huesos ungulados de las extremidades, abundantes coprolitos de hiena y la presencia de hiena juvenil y restos craneales humanos sugieren que Umm Jirsan sirvió principalmente como guarida de hiena rayada y, en ocasiones, como guarida materna», se puede leer en el estudio.

También los científicos dejaron sobre la mesa la discusión sobre la conservación de los huesos, pues en esta zona del mundo el proceso de degradación hace que los restos óseos no se preserven en buen estado.

Un factor que no se cumple al interior de la cueva de Umm Jircan, pues los restos fueron hallados en muy buen estado.

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Si bien todavía hay mucho que no sabemos sobre Umm Jirsan, los investigadores tienen la esperanza de que esta espeluznante tumba pueda servir como una cápsula del tiempo para arrojar luz sobre la paleoecología y la prehistoria de la antigua Arabia. «En una región donde la preservación ósea es muy mala, sitios como Umm Jirsan ofrecen un nuevo y emocionante recurso«, explica el zoarqueólogo. «Este estudio es solo la punta del iceberg».


Jeanette cumplió 70 años: «Empecé muy jovencita, casi como Marisol. Ella lo ha dejado y lo entiendo»…


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Vanity Fair(E.Bravo)/Vanitatis(R.Riaño)  —  Aunque resulte difícil hacerse a la idea, Jeanette, la eterna adolescente del pop español, cumple hoy 70 años.

“Ni yo me lo creo.

No tengo ni la pinta ni la mentalidad de una señora de setenta años”, reconoce la cantante en conversación telefónica con Vanity Fair.

“Hace un rato estaba hablando con una vecina y le decía que van a dar la tercera dosis de la vacuna a los ancianos de más de setenta.

Mientras se lo contaba, pensaba: ‘madre mía, si ya he llegado a eso’. Pero es que no me lo creo porque no me siento así”.

En el momento de realizar esta entrevista, Jeanette acaba de regresar de México, en breve se desplazará a Sevilla para actuar el día 30 de octubre en el Cartuja Center y, a principios de 2022, viajará a Estados Unidos.

Hasta entonces, y si no surge ningún otro compromiso, Jeanette dedicará su tiempo a descansar y a atender a los medios de comunicación que siguen interesados en su carrera como artista.

“Estoy haciendo más entrevistas ahora que en mi época de Soy rebelde. Como hay muchas radios digitales, cada día recibo un mail diciendo soy de Perú o de Ecuador o de Colombia o de España o de Estados Unidos…

No sé cómo atender a todos porque no doy más de sí. Mis amigos me dicen: ‘no te quejes, que hay gente que está rezando porque le hagan una entrevista’ y yo les respondo que no se preocupen, que les presto alguna”.

Nacida en Londres el 10 de octubre de 1951, con apenas dos años Jeanette se mudó con su familia a Estados Unidos. Su infancia la pasó en California hasta que, tras el divorcio de sus padres, la familia se trasladó a España. “En Estados Unidos todo era grande. Las calles eran grandes, los coches de aquella época eran enormes. Llegué a Barcelona y me encontré con un Seat 600, con calles estrechas y en, medio de la ciudad, un burro. ¡Un burro! Estaba alucinada.

Me costó mucho acostumbrarme. No hablaba español, ni siquiera había hamburguesas, tampoco había hot dogs…”. A pesar de esas primeras dificultades, sería cuestión de tiempo que Jeanette se acostumbrase a la vida en España y que el país entero cayese rendido ante esa niña de enormes ojos, habla cadenciosa y exótico acento.

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“Empecé muy jovencita, con 15 años. Casi como Marisol o Rocío Dúrcal. Rocío falleció pero Marisol lo ha dejado y la entiendo.

Ella quería una vida tranquila y la vida del artista no lo es. Te reconocen por la calle, te piden fotos en los restaurantes…

A mí nunca me ha molestado eso, aunque es verdad que ahora ya no puedo salir a la calle sin arreglarme un poco porque, en cualquier momento, te sacan una foto y te suben a Facebook o a Twitter.

Al final, somos pocos los artistas de mi edad que seguimos trabajando. Miguel Ríos, Ana Belén, Paloma San Basilio…

A veces la gente me pregunta: ‘¿has pensado en retirarte?’.

Claro que lo he pensado, pero tampoco tengo muchas ganas porque creo que no me voy a sentir viva al cien por cien. Por eso no quiero retirarme del todo.

Tal vez empezar a hacer cosas más exclusivas, cosas que realmente me apetezca. No quiero aventuras, no quiero matarme en la carretera. Quiero hacer aquello que me guste y me apetezca.

Su voz aterciopelada, su acento británico al cantar, y sus enormes ojos azules en un rostro aniñado y dulce que te miraban mientras entonaba sus inolvidables baladas, provocaban ese deseo en el oyente de, o bien comprender a Jeanette en su lamento y unirse a ella en un dúo desesperado (quién no se ha marcado un videoclip en el coche entonando alguna de sus canciones), o bien querer ir corriendo a socorrerla con el corazón henchido de ternura.

Fue musa de los años 60, 70 y bien entrados los 80. En su repertorio, canciones inolvidables como ‘Soy Rebelde’ o ‘Porque te vas’ (sí, el título es correcto, porque no pregunta, sino que responde), entre otras, la han hecho inolvidable y eterna. Hoy, esas baladas siguen conmoviendo. Son de esas canciones que, si suenan, tienes la necesidad de subir el volumen, pararte a escuchar y dejarlas hasta el final. Han sobrevivido bien al tiempo porque poseen ese algo de modernidad que no les permite caducar.

En su adolescencia, Jeanette dejó Estados Unidos, donde vivía, para asentarse en España. Siendo aún menor de edad, la discográfica Hispavox la fichó como vocalista del grupo musical Pic-nic. Con ellos nacería a mediados de los 60 su primer éxito: ‘Cállate niña’.

Tras dejar el grupo, Jeanette renació como solista y en 1971 lanzó su primer sencillo, ‘Soy rebelde’. Cinco años después, vería la luz ‘Porque te vas’ y ya a principios de los 80 llegaría ‘Corazón de poeta’.

Su estilo, único en la época, y el acierto de sus letras y melodías, le granjearon un gran éxito en Europa y América.

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Jeanette con su marido

Visto desde fuera, parece que esa ha sido justamente la tónica de su carrera desde sus inicios en Pic-Nic. De hecho, y a pesar de su juventud, usted nunca estuvo tan dirigida por las discográficas o managers como esas jóvenes artistas que mencionaba antes.

He podido hacer un poquito lo que he querido, es cierto, pero vamos a ser sinceros: no creo que haya un cantante que no haya cantado alguna vez una canción que no le gustase. A mí me ha pasado, aunque también es cierto que luego encuentras gente a la que esa canción que a ti no te gustaba, a ellos les encanta.

Si no estoy equivocado, en un primer momento Soy rebelde fue una de esas canciones que no le gustaron.

No me gustó nada. No la quería grabar. Con Pic-Nic hacíamos una música tipo folk pero, cuando comencé en solitario, Rafael Trabucchelli, el productor de Hispavox, tenía otros planes para mí. Él fue quien eligió Soy rebelde. Le dije que no quería cantar eso e intentó convencerme diciendo que era una canción muy buena, que era de Manuel Alejandro, a quien yo no conocía porque, en esa época, Manuel Alejandro estaba empezando.

Había hecho cosas para Raphael, para algún artista americano, pero estaba en sus inicios y, además, me daba igual que la canción fuera de Manuel Alejandro o de Pepito Suárez, porque el verdadero problema era que la canción no me gustaba.

¿Qué sucedió entonces?

Comenzó una batalla entre la compañía discográfica y yo. Acabó cuando, para quitarme de líos, les dije: “si estáis tan convencidos de que esto va a ser número uno, vamos a grabarla”. Me metí en el estudio y grabé dos canciones: Soy rebelde y Oye mamá, oye papá. Cuando escuché Soy rebelde en mi voz y con mi forma de interpretarla fue cuando me di cuenta de que era bonita. De todas formas, nunca llegué a pensar que iba a tener tanto éxito. De repente se convirtió en número uno aquí y en Sudamérica.

Lo más curioso es que Promesas, palabras, el LP en el que se incluía Soy rebelde y que también tenía magníficas canciones como Por qué te vas o Escucha, no funcionó en ventas.

José Luis Perales, que en esa época también estaba empezando como compositor y que todavía no se dedicaba profesionalmente a la música sino que trabajaba en una oficina, me hizo algunas canciones. Entre ellas estaban Palabras, promesas y Por qué te vas. Las grabé para ese disco pero Hispavox no quiso promocionarlo porque yo ya tenía un pie fuera de la compañía para irme a Ariola, que me había ofrecido un contrato mejor.

De hecho, hubo que esperar a que se estrenase Cría cuervos de Carlos Saura para que Hispavox relanzase el disco con otra portada y se convirtiera en un éxito.

Carlos Saura escuchó Por qué te vas en 1974. En ese momento tuvo claro que, en su siguiente película, iba a utilizar esa canción. Cuando rodó Cría cuervos le dijo a Elías Querejeta, que era el productor: “voy a poner la canción de Jeanette Por qué te vas en la película”.

Querejeta le respondió que estaba loco, pero Saura se empeñó, dijo que la ponía, y la puso. La película ganó el premio especial del jurado en el festival de Cannes y Por qué te vas se convirtió en número uno, primero en Francia y luego en toda Europa.

El problema era que, para entonces, yo ya había firmado contrato con Ariola y ya no estaba en Hispavox. Cada semana me iba a Francia a hacer televisiones para cantar una canción de Hispavox mientras que los de Ariola se quedaban ahí, viendo el éxito de la canción de otra compañía.

¿Cómo era trabajar con las grandes discográficas en comparación con la situación actual?

Hispavox era un edificio de superlujo que ocupaba toda una manzana, no como ahora que las discográficas solo tienen una oficina minúscula. Tenía un estudio de grabación enorme, una sala de sonido, las oficinas… hasta tenía una fábrica de discos ahí mismo.

Las compañías discográficas pagaban un dineral por las grabaciones porque teníamos músicos, veinte violines, pianos, dos baterías… Había sesenta músicos para hacer la música sobre la que tenías que cantar. Ahora, con eso de que puedes grabar en casa, cogen un teclado y por mil euros te hacen todo con unos arreglos pachangueros.

Esa es la razón por la que no me he molestado en absoluto en hacer nada nuevo. Lo último que hice fue con Coque Malla porque era un concierto directo y estuvimos ensayando meses.

¿Qué le parece que artistas de generaciones posteriores a la suya como Coque Malla la reivindiquen y la inviten a participar en sus discos?

Me parece estupendo. Soy musa para muchos músicos jóvenes, incluso para los indies. Me adoran.

Hablando de indies, ¿qué sucedió con ese disco que iba a hacer con Refree?

Estuvimos casi diez años con el proyecto pero, al final, lo mandé todo a la porra porque me cansé. Me cansé de que el pobre Refree estuviera de compañía en compañía y siempre nos dieran largas. Me cansé de las discográficas y de sus ideas. Tengo aquí una maqueta con tres canciones que me hizo Richard Cocciante y a las que yo le puse la letra en español.

No hubo ninguna compañía que creyese en esas tres canciones. Les dio igual que fueran de Cocciante. Pasó el tiempo, y una de esos temas lo cogió Celine Dion y lo convirtió en un número uno a nivel mundial: Live for the one I love. Por eso, no echo de menos hacer un mal disco.

Si no invierten, es mejor no grabar. Prefiero quedarme con el repertorio que tengo porque, no nos engañemos, cada vez que salgo al escenario lo que la gente me pide es Soy rebelde, Por qué te vas y Corazón de poeta.

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Censura y maternidad

Además de los conciertos y las entrevistas, Jeanette ha dedicado los últimos tres años a trabajar en un documental dirigido por Paloma Concejero, en el que la artista repasa su vida y desvela detalles poco conocidos de su carrera como, por ejemplo, sus problemas con la censura franquista.

“Hubo dos canciones que tuvieron problemas con la censura. Una fue Voy a tener un niño, supongo que porque les parecía escandaloso que yo cantase eso porque aunque ya era mayor, me veían como una niña. La otra fue Soy rebelde, que no podía cantarla ante menores de dieciséis años. Era todo un poco ridículo porque ¿quién iba a controlar que en las actuaciones no hubiera menores de dieciséis años? En esa época actuábamos en discotecas y ahí entraba todo el mundo.

El empresario quería llenar a tope la sala para ganar dinero y yo no iba a estar en la puerta controlando personalmente la edad que tenía la gente. Lo que sí que nos obligaban a hacer era entregar el repertorio que íbamos a cantar con las letras. Si veían algo que no les gustaba, te decían que no podías cantarla.

Por eso, para evitar problemas, en Hispavox nos revisaban las letras de las canciones antes de grabar porque, igual que nos ponían esas limitaciones sin sentido, también podían obligar a destruir todos los discos ya fabricados”.

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Aunque usted es más conocida como intérprete, también es compositora. De hecho, la mayoría de los temas de Pic-Nic, éxitos como Cállate niña, No digas nada o Me olvidarás, son autoría suya. ¿Por qué dejo de componer?

Porque soy muy vaga. Si hubiera seguido componiendo, habría ganado más dinero, pero como vi que el señor Manuel Alejandro y José Luis Perales me estaban haciendo unas canciones estupendas, dejé de componerlas.

Además, cuando comencé con Pic-Nic tenía una vida de estudiante, no hacía conciertos y tenia mas tiempo para estar en mi casa componiendo y escribiendo letras.

Sin embargo, cuando llegó el éxito de Soy rebelde ya no hubo tiempo de coger la guitarra.

Cuando eso sucedió usted ya estaba casada y tenía a su hija. ¿Cómo hizo para compaginar sus compromisos profesionales con la vida familiar?

Fue muy complicado. Toda mi familia está en Estados Unidos. Mi madre y mi padre se hicieron americanos, mis hermanos nacieron allí, la otra parte de la familia está en Londres y, como me casé con un húngaro, toda su familia está en Hungría.

Aquí no tengo ni un primo, ni un tío, ni una tía. Nada. Por eso tenía que recurrir a amigos o a la directora del colegio al que iba mi hija, una familiar de los García Pelayo, que era tan buena que acogía a mi niña en su casa cuando mi marido y yo viajábamos.

Era muy complicado. Ser artista, estar viajando constantemente y tener familia es casi imposible. Creo que por eso no he tenido más hijos. Para los hombres es más fácil, pero si eres mujer y artista, es muy complicado.

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La abolición del pensamiento científico …


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La Prensa(E.De Rosa Alabaster)  —  Una noticia anuncia que una persona que era «antivacunas», ahora padece de covid, otra anunciará que un «influencer» que cuestionaba un discurso oficial, murió.

En estos y otros múltiples casos, las noticias, las publicaciones en redes sociales, no ocultan el goce ante la enfermedad y la muerte sino por el contrario festejan lo que consideran la prueba de la primacía de una idea, quizás más precisamente de una ideología.

Al mismo tiempo, esos reales o supuestos enfermos o muertos, por también supuestamente covid, han sido responsables de su destino, y sirva eso de escarmiento, merecido por su negativa a aceptar «la verdad», ya que de eso se trata.

Han pasado ya muchos meses del inicio de esta epidemia, o pandemia y aún existen preguntas y planteos básicos sin responder y ese espacio del conocimiento ha sido llenado por los autos de fe. Todas son suposiciones, referencias incomprobables, que casualmente copian las realizadas en sentido opuesto: una persona se aplicó tal vacuna y a los x días murió, también de imposible comprobación. En ambos extremos, la prueba será que «está en internet».

Si hay una víctima y todos se han puesto de acuerdo en que desaparezca ya que su existencia atenta contra el pensamiento único. En épocas de primacía del dogma el pensamiento crítico, lógico, aún más el pensamiento científico, es algo que debe ser abolido.

Galileo algo nos contó sobre ello. A cambio proliferan los etiquetados, la definición sin comprobación, los autos de fe. Aún más, negando pruebas concretas o focalizando en estudios sacados de contexto, a veces solamente leyendo la referencia que hace un tercero, que en el mejor de los casos es un cronista especializado en temas de salud, pero no profesional, menos aún científico.

Todos opinan, todos buscan imponer su pensamiento que ante la imposibilidad de comprobarlo o el desprecio de esta herramienta, debe caer indefectiblemente en la argumentación sectaria, «ad hominen» en algunos casos. El pensamiento del otro debe ser eliminado, y accesoriamente él socialmente. Un premio Nobel que duda, es un ignorante y un epíteto a elección en redes sociales, por un anónimo de la masa virtual. No hay discusión, escucha del otro, solo descalificación sino acepta el auto de fe.

Nos estamos viendo invadidos por juicios propios de todas las épocas totalitarias. Negacionista, es una maravillosa definición en sí misma, es alguien que niega el dogma, porque sin más tapujos quizás debamos aceptar que no estamos hablando de ciencia o pensamiento lógico, sino de fe, de dogma, de religión. El negacionista, el antivacunas, el covidiota (usado por ambos bandos) solo buscan anular sin más al otro.

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Al igual que en todas las épocas los comisarios del pensamiento, que de hecho en nuestro país ha sido elevado a cargo público de tanto amor que tenemos a la figura, son casi indefectiblemente iletrados en aquello que dicen conocer y aún más dictaminar.

Poco importan las contradicciones ya que, al pensamiento fanático, dogmático, no le importa la contradicción en sí misma, sino que él puede establecer la validez, en definitiva, el «es», (más que posee) la verdad.

Así pasamos de «vamos a morir todos», a «finalizamos la pandemia», pero sorprendentemente sin lograr inmunidad. Estas extrañas enfermedades virales que a diferencia de otras no otorgan inmunidad, no posibilitan preguntarse, dudar, la esencia básica del pensamiento, sino reafirman el dogma. Las reglas de la ciencia no se aplican.

No hay pruebas suficientes de algunas vacunas, y organizaciones internacionales dudan, pero en el terreno local la misma duda es ser negacionista, terraplanista, y todos los epítetos que puedan inventarse.

La repetición de la palabra, del epíteto descalificador, del descredito busca fomentar la autocensura y el escarnio por parte de aquellos que seguirán a la manada. Permite también generar miedo, y desde el miedo no se cuestiona.

El pensamiento, la más maravillosa herramienta del ser humano, debe ser anulada, en particular el pensamiento crítico, someter, dominar sería imposible en su presencia.

Necesitamos volver a instalar el dogma, el temor, la religión, el fanatismo, solo así lo siguiente será posible. Esto es solo el comienzo, quizás estemos a tiempo de evitar sus irremediables consecuencias.

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¿Es censura? Exhiben estatua del David en Dubai ‘ocultando’ sus genitales…


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La escultura está colocada de forma de que los visitantes sólo pueden ver su cabeza.

Milenio Digital  —  La replica de la estatua David de Miguel Ángel se exhibe de una forma muy peculiar en la Expo Dubai, en los Emiratos Árabes Unidos, lo que ha causado polémica debido a que algunos medios consideraron que se está censurando la obra de arte, al evitar mostrar sus genitales. De acuerdo con el periódico La Vanguardia, la pieza se exhibe en el pabellón italiano de la primera exposición universal de la historia en la región de Oriente Próximo.

Indicó que la estatua está colocada de forma de que a la altura del visitante se vea sólo la cabeza y para contemplar el resto del cuerpo, es necesario asomarse hacia abajo. Sin embargo, los organizadores del pabellón han negado que busquen censurar la estatua, pues aseguraron que realmente lo planearon de ésta forma para que sea contemplada desde un nuevo punto de vista.

«Planeamos colocar la estatua así hace muchos, muchos meses», dice Paolo Glisenti, el comisario del pabellón italiano. La exposición de Dubai estaba prevista para celebrarse en el 2020, no obstante fue pospuesta por la pandemia de coronavirus.

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Paul McCartney: su «muerte» y su gran amor…


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El auto destrozado de Paul McCartney… solo que él no iba en ese coche

Infobae(M.Bauso)  —  Lo que empezó con una llamada a una radio y una nota satírica en un medio universitario terminó convertida en una de las teorías conspirativas más tenaces del siglo XX. Cómo se gestó, los intentos del Beatle por negar su propio fallecimiento y la risueña aceptación años después.

Todas las conclusiones y datos añejos que esta nota reúna serán rebatidos por varios en las redes sociales. No hay pruebas contundentes que hagan dudar al creyente, al convencido. Están quienes prefieren pensar que eso sucedió y que desde hace más de cincuenta años se despliega una trama de mentiras, encubrimiento y falsedades para no revelar la verdad impactante: Paul McCartney está muerto. Sin importar lo inverosímil de la cuestión.

Lo que empezó como un juego, como un artículo satírico en una revista universitaria y como una llamada de un bromista o de un trasnochado a un programa radial de madrugada, terminó convertida en una de las teorías conspirativas más famosas de la segunda mitad del siglo XX.

La tapa de Abbey Road, una canción que se pasa para atrás, una referencia en el sobre interno de un disco, una foto descentrada, alguien descalzo. Cualquier elemento puede servir de pista, de indicio dejado adrede por los pocos que saben la verdad, para que aquellos que saben mirar, para que los iniciados conozcan los hechos reales. Los demás, los ingenuos y crédulos, viviremos sumergidos en la mentira.

El hecho de que alguien pueda creer que Paul McCartney murió a los 28 años y que luego siguió más de medio siglo de encubrimiento y engaño, que alguien pueda creer que una de las personas más famosas del mundo, prolífica en su profesión y que siempre estuvo en la mira de los medios haya muerto en un accidente automovilístico hace pensar que cualquier teoría conspirativa puede encontrar terreno fértil para propagarse.

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A pesar de las desmentidas, la teoría conspirativa sobre la muerte de McCartney prendió en muchos. Aquí, el músic en 1968, un año antes de su supuesta muerte

– Hola, ¿Quién habla?- preguntó Russ Gibb en la madrugada del 12 de octubre de 1969. Era el conductor de un programa radial en una FM de Michigan y, entre canción y canción, conversaba al aire con oyentes. Entre los que llamaban había, como siempre, de todo. Solitarios, los que pedían algún tema, los que buscaban fama, los que querían dedicarle una canción a la persona que amaban y hasta gente que no estaba bien.

El oyente no se identificó. El locutor insistió.

-Tom- dijo el otro de mala gana.

Su voz era rugosa y adormecida. Urgido y solemne, escupió:

– “Paul está muerto”– dijo.

Hubo un silencio. Tom, o cómo se llamara, repitió: “Paul McCartney está muerto”. En el estudio se escuchó una risa. Una risa incómoda.

– “Poné Revolution 9 al revés y en la parte que John repite number nine, vas a ver que dice con claridad Turn me on, dead man (Enciéndeme, hombre muerto)”- conminó al DJ radiofónico.

Dos días después en un diario universitario, The Michigan Daily, un estudiante que esa madrugada, desvelado, escuchaba a Russ Gibb, urdió una larga nota en la que enmarcaba esa afirmación, imaginó las condiciones en las que eso sería verdad y la firmó como Fred LaBour. El titular impactaba “La muerte de McCartney: Nueva evidencia sale a la luz”.

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Los «Fab Four» en 1967: Paul, John, Ringo y George

El artículo sostenía que Paul había muerto en un accidente de autos en la madrugada del 9 de noviembre del 66 después de salir enojado del estudio de grabación. En el camino había subido a una chica que hacía dedo para acercarla a su casa. Ella recién cuando el auto se puso en marcha se dio cuenta quién era el conductor y se abalanzó emocionada sobre él. Esto habría hecho que Paul perdiera el control y el Aston Martin terminara debajo de un camión. El Beatle terminó decapitado.

El hecho causó una lógica conmoción en el grupo. George Martin convocó a una reunión secreta. Sólo eran cinco. El productor, los tres Beatles sobrevivientes y Brian Epstein, su manager. Decidieron seguir adelante. Pero siendo otra vez cuatro. Paul seguiría con ellos. Lo reemplazarían pero nadie debía darse cuenta de ello. No informarían de la muerte de su compañero. Organizaron un concurso de dobles de Paul que ganó un señor llamado William Campbell (al que algunos también le agregan un segundo apellido, Shears, de dónde surgiría Billy Shears, mencionado en Sargent Pepper).

Este hombre no sólo tenía una cara como la de Paul -parecido que se extremó con algunas cirugías estéticas-, su voz también era similar aunque algunos dicen que a partir de la grabación de Lady Madonna se nota el cambio de cantante.

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Otra imagen de Los Beatles en 1967.

De pronto, surgió un obstáculo en ese plan. Brian Epstein se arrepiente y amenaza confesar el engaño. Alguien solucionó el tema: el manager aparece muerto. Una supuesta sobredosis. Luego el artículo de LaBour develaba pequeñas pistas que los de Liverpool habían dejado sembradas en sus canciones y discos para que alguien atara cabos, para no mentir tanto; otros atribuyen esto a una variante más elaborada: que todo fue idea del MI5 (el servicio secreto británico) y que los tres Beatles sobrevivientes no pudieron negarse pero sí plantar indicios para ser descubiertos.

Lo que al autor, al editor y a los primeros lectores les pareció evidente, a otros no. La publicación tenía un evidente tono satírico. No tenía más ambición que la de ser un chiste elaborado, eso sí, y nacido de una situación bizarra en una radio local. Sin embargo, la nota (o su contenido) se propagó con facilidad: bastó con un puñado de lectores que la leyeron literalmente. Circuló como lo hacían las noticias en esos tiempos. Lenta pero firmemente, sin que se pusiera en duda la verosimilitud de lo dicho. El argumento de autoridad: si lo decían los diarios debía haber sucedido. La fuente se olvidó. Y la historia se fue repitiendo.

Tal fue el revuelo que los mismos Beatles debieron salir a desmentir la información. Ringo dijo que todo era mentira pero que importaba poco lo que él dijera porque la gente creería lo que quisiera creer. John se enojó, lo consideró ridículo.

El que peor la pasó fue Paul. Encontró merodeando e intrusando su propiedad a un periodista y a un fotógrafo de la revista Life. Peleó con ellos, hubo una agria discusión. La reconciliación se selló con un pacto. McCartney les daba una foto, con toda su familia pero aseado y ellos no utilizaban las fotos robadas y se iban de su propiedad.

La tapa de Life mostraba en blanco y negro a la familia McCartney en pleno en un paisaje campestre. Paul con el hastío instalado en su cara, a Linda y a sus dos hijos. El título era: “Paul todavía está con nosotros”. En una solapa externa que agregan varias revistas norteamericanas a modo de sumario reducido, la referencia a la supuesta muerte también se hacía presente: “McCartney: Los hechos detrás de la muerte que no fue”.

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La tapa de Life donde se desmentía la noticia de la muerte

Paul, parafraseando a Mark Twain, pudo haber dicho que la noticia era cierta sólo que algo prematura. Se mostró sorprendido y no pudo disimular que toda la situación le parecía ridícula. En cierto punto lo interpretó como una extorsión porque durante años hizo apariciones semanales en la prensa y en el momento que decidió recluirse se vio obligado a volver a aparecer para aclarar esta situación. “Los rumores sobre mi muerte han sido algo exagerados- dijo con humor-. De todas maneras si estuviera muerto, sería el último en saberlo”.

Un rumor, argumentaciones endebles y ridículas para sostenerlo, una desmentida contundente e inmediata, pruebas fotográficas. Asunto zanjado. O eso debería haber sucedido. Muy por el contrario, la versión siguió corriendo y engordando. Se generó la duda en muchas personas. Y, de esa modo, la muerte de Paul, el famoso Paul is dead, mutó de broma a teoría conspirativa.

Y como todas las de su especie, se invirtió la carga de la prueba: Paul debía probar lo que nunca pensó que le sería exigido: que estaba vivo.

Antes del llamado telefónico al programa de radio de Michigan se encuentra un antecedente de la versión. El 17 septiembre de 1969 se publicó en el diario de la Universidad de Drake de Iowa una nota de alguien llamado Tim Harper. Hay quienes sostienen que hay una versión anterior del rumor que recorrió, tenuemente, sin llegar a demasiadas personas, en Inglaterra.

El hecho, el accidente automovilístico, tenía un antecedente real.

A fines de diciembre del 66 Paul chocó con su automóvil. Como resultado le quedó un diente partido, una ligera cicatriz sobre el labio superior y una estadía en el mecánico para arreglar las abolladuras del vehículo. El 7 de enero de 1967, un asistente del Beatle, el marroquí Mohammed Hadjij chocó el Minicooper de Paul y lo destrozó. Hadjij no sufrió lesiones de gravedad. La foto del auto destruido tuvo alguna difusión. Paul no iba en ese auto, sino en el de atrás con dos célebres compañeros, Mick Jagger y Keith Richards.

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La tapa de Abbey Road generó un sinfín de teorías conspirativas sobre la supuesta muerte de Paul y su reemplazo

Una revista que hacía un reporte pormenorizado de las actividades de los de Liverpool, una especie de órgano de club de fans llamada Beatles Book Monthly publicó en su número de febrero de 1967 un recuadro titulado “Falso Rumor”. Consignaba que la mañana del 7 enero se había producido un accidente con el auto de Paul pero que él no iba dentro y que nadie había resultado herido.

Las pistas dejadas por los otros tres y por George Martin en las canciones, según quienes creen en esta teoría conspirativa, son múltiples y evidentes. En realidad, cada verso oscuro o poco claro, cada juego de palabras, cada referencia a la muerte o a una fuerza superior, es interpretada como señal de que Paul se encuentra muerto. Por ejemplo afirman que al final de Strawberry Fields Forever, John canta “I buried Paul” (Enterré a Paul).

Sin embargo, parece que la línea correcta es “Cranberry sauce” (salsa de arándano). Pero no sólo hay que buscar huellas en las letras. La parte gráfica de los discos también es terminante. En la tapa de Sargent Pepper creen hallar casi una decena de referencias. El bajo hecho con flores -en realidad homenaje al fallecido Stu Sutcliffe-, en una mano que sobrevuela la cabeza de Paul, un Aston Martin de juguete, una insignia que lleva el bajista en su pecho que no dice lo que los conspiranoicos afirman y varias más.

También hay rastros dejados adrede en el libro que iba en el interior de Magical Mistery Tour. Casi uno por página creen los que prefieren creer. Cada foto en la que un Beatle, en especial Paul, mira para otro lado o está de espaldas se considera semiplena prueba de la muerte prematura del bajista.

Alguien también esgrimió que existe un estudio antropométrico realizado por dos universitarios que determinó sin lugar a dudas que el rostro y la cabeza de Paul en 1966 y los de 1967 no corresponden a la misma persona. Es una lástima que sólo conozcamos esa conclusión pero no cómo se arribó a ella ni los antecedentes de los pretendidos expertos.

Pero sin dudas el punto máximo de toda esta elucubración es la tapa de Abbey Road. En ella los cuatro cruzan por la cebra peatonal. Paul es el único descalzo. Eso que tuvo origen en el calor reinante al momento de sacar la foto y en una broma medio boba de Paul se convirtió en el principal argumento para sostener que se encontraba muerto: a los cadáveres se los entierra descalzos. La vestimenta de los demás y el orden de aparición serían otros datos irrefutables.

Cada uno cumple un rol específico: Lennon, delante de todos y de prístino blanco, sería el sacerdote, el celebrante, o el mismísimo Dios; Ringo, de negro, el de la funeraria; Paul, descalzo, con los ojos cerrados y un cigarrillo en la mano (en la mano ¡DERECHA!, y todos sabemos que es/era zurdo) el muerto; y George con camisa y pantalón de jean, el enterrador, el que cava la tumba. Por detrás un auto estacionado con una chapa que dice IF28.

Es decir, Si 28. Lo que significa: Si Paul viviera, tendría 28 años. Esto se esgrimió como gran dato, como elemento incontrastable durante años, sin que se tuviera en cuenta que al momento de la foto y al momento de la publicación del disco, Paul tenía 27 y no 28.

Pero los datos, las pruebas por sencillas y esclarecedoras que sean no interesan demasiado en estas circunstancias. Siempre es preferible creer en la conspiración.

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A los 51, Paul parodió la situación en la tapa de un disco en vivo

Fred LaBour, el autor de la nota original, todavía hoy se muestra atónito ante la repercusión que tuvo su texto paródico. Lo siguen contactando, cinco décadas después, quienes creen en este complot para presentarle nuevas pruebas. Recuerda que poco tiempo después lo invitaron de un programa de televisión. Él les aclaró que se trataba de una broma. El productor lo llamó al orden: “Usted no puede decir eso. Piense en nosotros. Tenemos una hora de aire que llenar”.

John Lennon otra vez se hizo eco del rumor en su diatriba contra Paul en esa canción enojada y furiosa post-divorcio beatle que es How do you sleep: “Esos freaks tenían razón cuando decían que estabas muerto; el error que cometiste estaba en tu cabeza”.

En 1993, Paul se rió de este tema desde uno de sus discos. El trabajo era el registro de sus presentaciones en directo. Paul is live (Paul está vivo) fue el título. En la tapa Paul atravesando la senda peatonal de Abbey Road llevando de la correa un perro. Al fondo el escarabajo blanco, subido a la verdad. La chapa ya no es I28. Ahora dice: 51 IS (Tiene 51: la edad de Paul en ese momento).

Paul McCartney con su vitalidad permanente desmiente esta teoría cada día de su vida. Con cada presentación en vivo, con cada disco nuevo. Su vitalidad deslumbra cuando se está acercando a los ochenta años. En el peor de los casos habría que reconocer que los Beatles, al menos los otros tres, eran geniales hasta para decidir castings. William Campbell en este medio siglo demostró, más allá de las coincidencias fisonómicas, dos cualidades que hicieron que la gran mayoría hayamos creído en que nada había sucedido. Campbell demostró ser longevo e increíblemente talentoso.

Linda, el gran amor de Paul McCartney: cómo lo salvó de la depresión, su romance con Jagger y su difícil final

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Linda y Paul en los años ochenta. La pareja estuvo junta durante tres décadas y apoyándose mutuamente

Hoy, Linda Eastman hubiera cumplido ochenta años. Fue fotógrafa, integrante de una de las bandas de rock más importantes de los setenta, defensora de los derechos de los animales y ferviente impulsora del veganismo. Linda fue, también, la esposa y el gran amor de Paul McCartney. Tuvo uno de los matrimonios más estables y duraderos del mundo de la música.

Nació en Nueva York. Su padre, Lee Eastman era abogado especializado en artistas. Músicos, actores y hasta pintores integraban su lista de clientes. De allí provino el primer tema en llegar a la cima de los chats con el que Linda estuvo relacionada. Además de Tommy Dorsey, Harold Arlen, William de Kooning o Mark Rothko, otro de los que contrataba al Doctor Eastman era Jack Lawrence, compositor de varios éxitos de Sinatra como All or Nothing At All.

El abogado le pidió que compusiera un tema en honor a su hija pequeña. Y Linda, la canción de Lawrence en homenaje a la futura esposa de Paul McCartney llegó al puesto número uno del ranking en 1947.

Al terminar el secundario estudió artes en la universidad. En esos años su madre murió en un accidente aéreo. Se casó con Joseph Melville See, un antiguo compañero de estudios. Tuvieron una hija, Heather pero el matrimonio se deshizo tres años después.

Linda Eastman -retomó su apellido de soltera- era una joven aficionada a la fotografía que trabajaba como recepcionista en la revista Town and Country. Después de mucho insistir consiguió que sus jefes le enviaran a cubrir una fiesta que los Rolling Stones daban en un yate.

Linda con su juventud, belleza y simpatía consiguió ser la única fotógrafa a bordo. Al resto se le negó la posibilidad y vieron desde el muelle como zarpaba la embarcación. Linda aprovechó su oportunidad. Tenía talento. Sus fotos de los Rolling Stones llegaron a todas las revistas. Desde ese momento se convirtió en una de las fotógrafas favoritas del rock.

Obtuvo imágenes de Jimmy Hendrix, Simon and Garfunkel, Bob Dylan, Eric Clapton (su retrato del guitarrista fue tapa de uno de los primeros números de la Rolling Stone: Linda es la única persona en la historia de la revista en ser tapa como fotógrafa y como fotografiada; estuvo en la portada junto a Paul en 1974), Aretha Franklin y Neil Young. Sus fotos de estas grandes estrellas generalmente las obtuvo en el Fillmore East. Su habilidad para la fotografía y su apellido provocaron un largo malentendido. Linda no era descendiente de Eastman Kodak. Su padre, Leopold Val Epstein, cambió su nombre al de Lee Eastman.

Después de su separación ella estuvo en pareja durante un tiempo con el fotógrafo David Dalton. Y salió entre otros con Mick Jagger, al que conoció en ese paseo en yate. En una carta que se conoció hace algunos años, Linda cuenta que tuvo un romance con Mick y escribió que era muy amable y correcto.

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La pareja se casó el 12 de marzo de 1969. Paul fue el último de los Beatles en contraer matrimonio. John, que ya estaba separado de Cynthia, y Yoko lo hicieron una semana después 

La primera vez que se cruzó con Paul McCartney fue en un recital de Georgie Fame; luego en la presentación de Sgt. Pepper. A partir del tercer encuentro el romance se consolidó. No importó la fama y las múltiples ocupaciones de Paul, ni que ella tuviera una hija de un matrimonio anterior ni que viviera en Estados Unidos. A los pocos meses ya estaban juntos y no se separarían por las siguientes tres décadas.

Paul había estado de novio durante el ascenso y apogeo de los Beatles con Jane Asher, una actriz británica. Asher dio por terminado el noviazgo tras una de las tantas infidelidades del músico.

Paul, en ese tiempo, era el soltero más codiciado del mundo. Y no hay exageración alguna en la afirmación. Un Beatle, el Beatle de las canciones románticas, el que en los últimos tiempos estaba a cargo, era el candidato soñado para casi todas las chicas del mundo. Jóvenes, todos atravesando su segunda década de vida, los cuatro se casaron prematuramente.

Súper estrellas, codiciados por las mujeres, sin horarios rígidos, con las tentaciones al alcance de la mano. Sin embargo, la alienación era tan grande, la presión tan inmanejable, la fama inusitada ponía todo fuera de escala humana (John Lennon tenía razón cuando afirmó que eran más famosos que Jesucristo), que los cuatro Beatles se casaron muy jóvenes. Se refugiaron en sus esposas, en intentar mantener una vida familiar para volver a tomar contacto con la realidad. Paul fue el último en abandonar la soltería. Una semana después, John concretaría su segundo matrimonio, esta vez con Yoko Ono.

La boda fue sólo un trámite. Pero nada era sencillo para un Beatle en esos tiempos. Cuando llegaron al registro civil una multitud de fotógrafos, periodistas y fans los esperaba. Algunas de las seguidoras de Paul no podían contener su frustración. Se les esfumaba su última esperanza.

Paul vistió un traje negro, formal y discreto, y una corbata clara y brillosa. La falta de hábito hizo que el cuello de la camisa se escapara por sobre la solapa del saco. Linda combinó su vestuario con el de su hija Heather de seis años. Las dos usaron un tapado corto de cuatro botones ceñido al cuerpo por un ancho cinturón. El pelo corrido hacia los costados y casi sin maquillaje. Una hermosa y original novia -Linda era divertida, inteligente y emprendedor con una belleza serena, fluida, sin subrayados- que escapaba al lujo y a la ostentación esperable. Luego del trámite, hubo una pequeña bendición religiosa.

A partir de ese momento, Paul y Linda pasaron a ser Los McCartneys. No se separaron en tres décadas. En alguna ocasión Paul recordó que en esos 29 años sólo diez noches habían dormido separados: las diez noches que él estuvo detenido en Tokio por posesión de Marihuana.

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Paul y Linda en una gira con Wings en las que viajaban con sus hijos. En la foto las tres hijas del matrimonio: Heather, Stella y Mary

Paul parecía tener todo. Juventud, fama, prestigio, dinero, una hermosa familia, una actividad que lo gratificaba y lo realizaba. Sin embargo, luego de la separación de los Beatles entró un profundo estado depresivo.

Linda, con dos hijas (ya había nacido Mary), a menos de un año de haberse casado, lo sostuvo y le dio el impulso para salir adelante. Le mostró que había vida más allá de los Beatles. En esos doce meses pasó de casarse con un joven en la cima del mundo a convivir con un hombre emocionalmente roto y perdido. Ella pudo lidiar con la situación. Paul se lo reconoció públicamente: “Linda me rescató y me salvó”.

La primera medida que tomaron para alejarse de los ecos de las ondas expansivas de ser un Beatle (ninguno de los cuatro dejará de serlo nunca: esa condición, una condición excepcional, los acompañará eternamente) fue irse a vivir lejos de la ciudad, lejos de las groupies, los pedidos de autógrafos, la histeria. Un tiempo antes, Paul había comprado una propiedad en la campiña escocesa. Una extensa tierra para trabajar con algunos animales y una casa de tres ambientes, frugal y poco sofisticada.

Los cuatro (luego llegarían los otros dos hijos: la hoy prestigiosa y excepcional diseñadora Stella McCartney y James, el único varón) hacían una reposada vida de campo. Existen algunas fotos muy hermosas obtenidas por Linda en esos años. Una de ellas: Paul hace equilibrio sobre una valla de troncos con una gran sonrisa, Heather salta sobre unos fardos de heno, Mary busca algo en el pasto, el campo, el cielo abierto y la construcción nada ostentosa. La vida rural los hacía felices.

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Linda fue corista y tecladista de Wings la banda que Paul formó en los años setenta

En cierto modo, Paul eligió para su música el mismo camino. Eliminar la sofisticación, volver a las fuentes, evitar la grandilocuencia. Ese movimiento no fue bien recibido ni por la crítica ni por el público. Nadie esperaba algo en tono bajo, artesanal, casi sin ambición como los primeros trabajos solistas de Paul. Esos primeros años post Beatles fueron, al mismo tiempo, de búsqueda y de fuga para McCartney. Una búsqueda que se transformó en música menos convencional de lo que el público cree recordar y un escape vitalicio de la gigantesca sombra de su ex grupo.

Linda lo acompañó en ese camino e impidió que el tomara malas decisiones. Lo disuadió de formar un súper grupo (que en caso de haberse formado ninguna otra reunión de músicos famosos podía haber merecido el calificativo de “súper grupo”: él, Eric Clapton, John Bonham y Billy Preston). Linda le recordó que los Beatles cuando empezaron eran desconocidos y sólo tenían sus ganas y su talento.

En su lugar formó Wings. Y tomó una decisión muy polémica. Le ofreció a Linda, que no contaba con el más mínimo conocimiento musical, hacerse cargo de los teclados. Ella al principio se resistió. Pero él la convenció. Paul era un pésimo profesor, carecía de toda paciencia. Linda procuró aprender por su cuenta.

Esa primera formación de Wings se completó con músicos profesionales: el baterista sin demasiados laureles anteriores Denny Seiwell y el guitarrista Denny Laine, ex Moody Blues. Wings empezó de abajo. Tocando en pequeños lugares, sin publicidad previa, saliendo de gira en caravanas nada fastuosas. Un pequeño equipo, los músicos y la familia McCartney en pleno. Allí dónde iban Paul y Linda iban los chicos. La familia rodante.

Linda ensayaba con denuedo. Trataba de mejorar y de suplir no sólo la ala de experiencia sino sus carencias innatas.

El lugar de Linda en el grupo provocó muy pocas polémicas. Casi se alcanzó unanimidad al respecto. Todos los medios se mofaron de su papel. Les parecía incomprensible la elección de Paul. Decían que su habilidad con los teclados era nula y que desafinaba en cada intervención vocal. Era cierto. Sin embargo los músicos de Wings, con el paso del tiempo, reconocieron el lugar de Linda en el grupo. Ella era la que los unía, la que aportaba la armonía de trabajo, la que hacía posible la convivencia. El baterista Denny Seiwell dijo hace unos años: “Linda no era importante para WIngs, era imprescindible”.

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La formación de Wings: Paul McCartney, Linda McCartney, Jimmy McCulloch, Denny Laine y Geoff Britton en una gira de 1974

Lo que siempre fue cuestionable en ella fueron los estrambóticos peinados de los setenta: unas crestas trabajadas e inexplicables. Con el tiempo su aporte musical se fue profesionalizando y su labor fue siendo cada vez más digna. En 1986, los Smiths la invitaron a tocar los teclados en Frankly, Mr. Shankly de su casi perfecto álbum The Queen Is Dead. Pero Linda declinó la oferta. A principios de los setena grabó un tema solista pero recién salió al promediar la década: Seaside Woman (el video lo animó el dibujante argentino Oscar Grillo).

El otro inconveniente que Paul y Linda debieron enfrentar en esos primeros tiempos fue que el músico se negaba a hacer en vivo canciones de los Beatles, lo que generaba una enorme decepción en los espectadores.

Una nueva polémica se produjo con el matrimonio. Empezaron a firmar juntos las canciones. Ya no era Lennon-McCartney sino McCartney-Eastman. Esto produjo otra ola de burlas. Nadie creía en el aporte autoral de Linda. Paul se limitó a recordar que pasaban todo el día juntos y agregó: “Si estoy en el estudio y mi esposa me sugiere agregar una línea o cambiar determinado acorde, eso mejora la canción y ella merece el crédito”.

Detrás de esta cuestión subyacía otra disputa. Northern songs, la compañía que poseía los derechos de las canciones de los Beatles, sostenía que a ella le correspondían los derechos de las composiciones de los cuatro aún en sus carreras solistas. De este modo, mientras la situación se aclaraba, poniendo en los créditos a Linda, Paul lograba quedarse al menos con el cincuenta por ciento de los derechos de cada canción.

Las sospechas pueden permanecer y los críticos pueden seguir burlándose pero Linda ostenta como coautora cinco canciones que encabezaron los charts: Uncle Albert/Admiral Halsey, My love, Band on the run, Listen to what the man said y Silly love songs. Además de una nominación al Oscar por Live and Let die, tema de la película de James Bond.

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Paul afirmó que durante treinta años, él disfrutó de la presencia de Linda, no sólo en su vida, sino sobre el escenario. “Siempre fuimos amigos y amantes. A mí me divertía y, fundamentalmente, me hacía bien estar al lado de ella”.

La prensa y el público, con naturalidad, se refería a ellos como Los McCartneys. Y se fueron acostumbrando a verla a ella en los teclados. Cada tanto surgía algún comentario ácido que recordaba que había conseguido el trabajo sólo por ser la esposa del líder del grupo. En una época circuló (todavía se puede escuchar en internet) una grabación que aislaba la interpretación en vivo de Linda durante una versión de Hey Jude.

Se puede afirmar que esa noche sus capacidades vocales se encontraban en un punto muy bajo. Luego de Wings, Linda siguió integrando las distintas formaciones que acompañaron a Paul por todo el mundo.

Además de su capacidad como fotógrafa, Linda fue una consecuente activista por los derechos de los animales y propulsora del veganismo. Publicó libros de cocina y hasta tuvo una exitosa línea de comida vegana. Esta faceta hizo que el matrimonio llegara, una vez más, a la cumbre del mundo pop varias décadas después de su primer triunfo con los Beatles.

Para las nuevas generaciones, Paul y Linda es la pareja que aparece en el capítulo Lisa, la vegetariana en la que la pequeña Simpson descubre que ya no puede comer carne animal y se inclina por lo vegetariano. Del final de los Beatles pasando por James Bond hasta llegar a los Beatles.

En 1995 a Linda le detectaron cáncer de mama. Tres años después como consecuencia de una metástasis en el hígado murió, en los brazos de Paul, a los 58 años. Sus últimos días los pasó rodeada por su esposo y sus hijos, andando a caballo, en medio del campo. En su funeral los tres Beatles que sobrevivían se juntaron a tocar en vivo por primera vez desde el famoso Concierto de la Terraza. Paul, George y Ringo, en honor a Linda, ejecutaron una estremecedora versión de Let it Be.

Paul luego tuvo otros matrimonios y otras malas experiencias. Hace poco declaró que luego de tomar unos potentes alucinógenos vio a su fallecida esposa encarnada en una ardilla.

Paul y Linda, los McCartneys, construyeron y disfrutaron, con sus altos y bajos, una familia mientras grababan pequeñas gemas pop y tocaban alrededor del mundo. Su historia de amor fue un oasis en los fastos del estrellato. Criaron cuatro hijos mientras cincelaban tontas canciones de amor y otras maravillas.

nuestras charlas nocturnas.


¿Suicidio o asesinato? El enigma de la muerte del inventor del motor diésel…


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Se crió en Alemania, pero había nacido en París el 18 de marzo de 1858. Murió a los 55 años el 29 de septiembre de 1913 en el Canal de la Mancha

Infobae(M.del Moral)  —  Rudolf Christian Karl Diesel se suicidó. O lo mataron. La historia tiene enigmas sin resolver. La acumulación de presentes inoportunos multiplican la superstición y debilitan lo verosímil. El inventor de los motores bautizados con su apellido murió por su gesta, por su épica, por su propia cronología. La incógnita opera sobre las sombras de una muerte teñida de misterios y conspiraciones; y difumina el origen de la motorización moderna.

La noche del 29 de septiembre de 1913 era fría y tormentosa. El mar estaba inquieto. Diésel viajaba a bordo del SS Dresden, un ferry que cruzaba el Canal de la Mancha, que había partido de Bélgica, con destino a Inglaterra. Había terminado de cenar. Su ropa de dormir estaba en la cama de su cabina. Eligió no ponérsela. Caminó sobre la cubierta del barco. Se quitó el abrigo. Lo dejó cuidadosamente sobre una baranda. Y se tiró sobre las arremolinadas aguas negras.

O lo tiraron.

Antes de embarcar le había entregado un bolso a su esposa con todo su dinero junto a una serie de documentos que delataban la crisis financiera que lo ahorcaba. Una instrucción sugería abrirlo en una semana. Su esposa nada sospechaba. Rudolf Diésel fue el ingeniero alemán que había inventado el motor de combustión de alto rendimiento.

Una idea rupturista, paradigmática y próspera que, sin embargo, lo había catapultado a la bancarrota. Los recursos aplicados a la optimización del producto -aún ineficiente y falible-, los primeros clientes insatisfechos que lo demandaron, la inversión obstinada estaban ahogándolo. La metáfora de su final. Había muerto en el mar un alemán endeudado mientras viajaba a Londres por negocios en vísperas de la Primera Guerra Mundial.

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Las teorías de su suicidio son tan fuertes como las conspiraciones de asesinato

Relativizando las teorías de un suicidio, sobre tal razonamiento se consolida la primera hipótesis del asesinato. Un diario de época publicó su muerte con un titular especulativo: «Inventor arrojado al mar para evitar venta de patentes al gobierno británico«. Su producto había interrumpido una coyuntura oportuna para la popularización de una nueva variable de motorización.

Las economías industrializadas utilizaban, por entonces, vapor para mover sus trenes y activar sus fábricas. El transporte urbano dependía de los caballos. Una gripe equina paralizó en esos años las actividades comerciales en los Estados Unidos. Antes una dotación de cien mil caballos había cubierto las calles con quince kilos de excremento y cuatro litros de orina por día. El diésel o un motor eficiente, asequible, dósil y fiable podía ser la solución.

Bajo ese contexto cultural, el motor diésel fue adquiriendo interés. Era más noble en comparación con los motores de combustibles, porque además de ser más económicos de refinar, liberaban menos gases disminuyendo los riesgos de explosiones. Un componente sugerente para el transporte militar, que preferiría que sus bombas no explotaran accidentalmente. Los submarinos franceses, por ejemplo, se propulsaban con motores diésel en 1904.

Es el sustento de la primera conspiración sobre la muerte de Rudolf Diésel. La divulgación -la presentación del producto a capitales ingleses- de un invento revolucionario de cuna alemana en los albores de la Gran Guerra podría suponer la desaparición del responsable.

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Rudolf Diésel murió muchos años antes de que su motor se volviera popular

La segunda conjetura del asesinato confabula contra la industria del petróleo. Para comprender el marco, es menester recopilar la obra póstuma de los motores diésel. En los años veinte, los primeros camiones adoptaron esta nueva motorización. Los trenes, en los años treinta. Para antes de la década del cuarenta, un cuarto del comercio marítimo global era propulsado por motores del ingeniero fallecido.

El científico checo Vaclav Smil lo considera uno de los principales promotores del mundo moderno: «Si la globalización hubiera sido impulsada por vapor en vez de diésel, el comercio habría crecido mucho más despacio». El economista irlandés Brian Arthur asocia el éxito del motor de combustión interna al concepto de «la dependencia de la ruta tomada»: un fenómeno cíclico que se dedica a reforzar en retrospectiva el plan inicial.

Por más que el vapor era tan viable como el petróleo en 1913, la influencia expansiva de la industria petrolera dirigió la inversión y el esfuerzo a evolucionar el motor de combustión interna.

La teoría de «la dependencia de la ruta tomada» explica por qué hoy los vehículos utilizan combustible. Quizá, si los negocios no movieran el rumbo de la humanidad, si el vapor hubiese tenido los mismos beneficios que el petróleo, la historia sería distinta. O sería como Rudolf Diésel lo hubiera deseado: que la rueda de la economía global se moviera por vegetales.

Y aquí yace la segunda hipótesis de su asesinato. Aunque el diésel sea emparentado con el combustible -acreedor de una imagen negativa por su responsabilidad en la emisión de gases contaminantes-, el inventor que le dio su apellido al motor lo diseñó para que pueda alimentarse de infinidad de componentes de combustión.

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Ingeniero e inventor del motor de combustión diésel: aún su muerte está cubierta de misterio

Diésel fue un acérrimo defensor de su tecnología alternativa. Sus motores podían ser alimentados por polvo de carbón o aceites vegetales, entre otros elementos compatibles. En la Feria Mundial de París de 1900, exhibió un modelo que operaba con aceite de maní. Un año antes de su muerte había presagiado que los aceites vegetales se iban a convertir en una fuente de combustible tan poderosa como el petróleo. Aquella sentencia pudo haber sido también una predicción de su carta de defunción. Otro diario sensacionalista tituló en aquella época la segunda teoría de conspiración: «Inventor asesinado por agentes de grandes compañías petroleras«.

El biodiésel resucitó varias décadas después. Ya en otro contexto sociopolítico. Rudolf Diésel vivió en un tiempo y espacio donde adivinar la eficiencia de motores alternativos que contribuyeran al desarrollo de economías agrícolas pobres era desatinado o -al menos- peligroso.

Se suicidó por asfixia económica o lo mataron acusado de traición a su patria o a manos de la temerosa industria petrolera. Su cuerpo apareció una semana después, flotando al lado del barco. No le hicieron la autopsia por su grado de descomposición. Ni siquiera fue llevado a bordo. Sólo se quedaron con su billetera, su navaja y el estuche de sus gafas, pertenencias que luego su hijo identificó. El mar se había apoderado del cuerpo y la verdad.

nuestras charlas nocturnas.


En todas las prisiones se venera a Concepción Arenal…


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Yorokobu(M.Palacio)  —  A Concepción Arenal, como a Unamuno, le dolía España. Sabía que un país es tan indigno como la peor de las indignidades que contiene. Lo sabía tan bien que se atrevió a dejarlo por escrito:

Mientras cobije esclavos tu bandera/Grande no puedes ser, ni respetada. /[…] Sé justa ¡oh patria mía! Y serás grande.

Arenal es de esos seres humanos a los que no se les puede pegar ninguna etiqueta profesional. Periodista de acuerdo con la Wikipedia. Escritora, si tenemos en cuenta sus trabajos publicados. Jurista, de acuerdo con su trabajo sobre la reforma penitenciaria. Y así podríamos seguir hasta el infinito. Sin que ninguna sea mentira, quizá lo único que se pueda afirmar con convicción era su papel de humanista.

Sus ideas estaban marcadas por una particular visión del mundo. La de aquellos que, ungidos por el dolor, hacen de él una virtud: «[…]que tiene su historia, triste, como todas las historias de las que queda algo». Según Anna Caballé, experta en la figura de Arenal, y una de las comisarias de la exposición que le dedica la Biblioteca Nacional de España con motivo del bicentenario de su nacimiento, es esta «teoría del dolor» la que permea toda su vida y su obra.

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Todo comienza al poco de nacer. Como tantas cosas. Ser nacida en el seno de una familia progresista durante los años de la inestable España del final del reinado de Fernando VII es venir al mundo abonada al sufrimiento. Y como bautismo de fuego, en 1824 su padre, Ángel del Arenal, teniente coronel comprometido con el régimen liberal de 1820, es licenciado de forma indefinida y obligado a exiliarse en un pueblo de Ferrol. Hasta su muerte en 1829. «Un ser desventurado, de corazón noble».

Es ese dolor, familiar, que se desenvuelve en torno a sus allegados, el que le acompañará toda la vida. Su madre fallecerá en 1841, seguida por su hija de dos años, y, finalmente por su marido Fernando García Carrasco, en 1851. Pesado equipaje emocional para arrastrar durante toda una vida.

De esta serie de tragedias y de las ideas mamadas en casa, nacerá ese espíritu humanista, heredero de los valores fundamentales de la Ilustración y precursor de lo que, más de un siglo después, será la Declaración de los Derechos Humanos.

Sobre estos pilares, el edificio que era Concepción Arenal. Entre la necesidad de sufrir para crecer y su compromiso con la mejora de la sociedad interpone sus propios tabiques, su propia personalidad, su particular estrategia ante lo que le rodea. Para muestra, la anécdota que narra Caballé sobre Arenal al poco de quedarse huérfana.

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«Arenal estaba entonces en la casa familiar de Armaño, cuyo mayorazgo había heredado, cuando unos asaltantes entraron en la vivienda y la joven, alertada por el ruido, salió del dormitorio disparándoles mientras huían por el jardín con el botín de la plata que había en la casa. Les disparó desde el primer piso con una escopeta que debía tener al alcance».

Es este ir de frente contra los obstáculos, lo que explica mejor lo que sería su obra. Explica, también, su manera de aproximarse a las causas sociales; su forma de estudiarlas; de diseccionarlas desde dentro para tratar de describirlas desde las raíces.

«Estudiando cómo viven esos pobres que no se sabe de qué viven; visitándolos en su vivienda inhabitable; acompañándolos en la penuria, en la enfermedad, en la muerte, se descorren muchos velos que cubren muchas injusticias, muchos dolores, muchas indignidades, muchas virtudes; y se ve lo que hace la miseria de la criatura inocente y desvalida».

Después de escritora, de jurista, visitadora de prisiones, cofundadora de la Cruz Roja en España.

Esta aproximación a los problemas sociales de la España del siglo XIX, desenmascara a Arenal como científica social bajo coartada de escritora. De nuevo, vestía demasiadas capas para ser etiquetada solo por la hechura de una. «A la virtud, a una vida, a la ciencia».

Profunda conocedora de su tiempo, tenaz observadora de la realidad, Arenal sabía que el statu quo de la España del siglo XIX solo era quo para aquellos que poseían estatus. No lo era para muchos de los colectivos con los que convivió, como los presos, los condenados a muerte, los esclavos.

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Tampoco lo era para un grupo en el que ella misma estaba incluida de forma natural: el de las mujeres. Mucho se ha escrito sobre Arenal y el feminismo. Al respecto, la única certeza es la de que Arenal era consciente de cómo su condición de mujer pesaba quintales sobre la concepción que los demás tendrían de su obra. «¿Qué fui? ¿Qué soy?/¿Qué debo ser?/¿Por qué obrar si soy una voz que nadie escucha?».

De esta convicción nacía una certeza. Para que su obra perdurase, debía desligarla de su condición de mujer. Quizá por ello aún su nieta Pilar García-Arenal Winter tapaba los cariñosos saludos y despedidas de las cartas que Arenal le dedicaba a su hijo Fernando cuando se las mostraba a su biógrafa, la Condesa de Campo Alange. Ni siquiera en su biografía debía mostrarse una sensibilidad que pudiera ser calificada de femenina.

Es posible, desde la atalaya del aposteriorismo verse tentado a calificar a Arenal como una persona adelantada a su tiempo. Como alguien que habría encontrado un mejor encaje en otra época histórica. Sin embargo, la lectura de la vida y la obra de Arenal debería hacer pensar en aquella frase del Batman de Christopher Nolan que acabo reconvertida en meme. Quizá la España en la que vivió Arenal no fuese la que merecía, pero sin duda era la que necesitaba.

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Durante la presentación que le dedica la Biblioteca Nacional en este 200 aniversario de su nacimiento, Caballé recordó que el filólogo Ángel Valbuena Prat había alumbrado una tipología de centenarios: «de viento los que no mueven una sola hoja, de hielo los que dejan helados de indiferencia y de fuego, los que, por las circunstancias históricas comunes o relacionadas, hacen prender las conciencias». Quizá esta sea la oportunidad de España para, como apuntaba Caballé, que este bicentenario sea de fuego. Siguen sin faltarle las indignidades, de eso no cabe duda.

Concepción Arenal falleció el 4 de febrero de 1893 en Vigo.

Ese mismo año, José Otero Gómez, soldado de profesión, cumplía su condena de 24 años de cárcel en A Coruña. Había ingresado en la cárcel de Ferrol en 1889 por tres delitos de hurto. Al enterarse del fallecimiento de la escritora, envió al Ayuntamiento de Vigo cuarenta y cinco céntimos en sellos. Debían usarse para construir «un mausoleo que guarde los restos de la señora Arenal».

Porque, de acuerdo con la carta enviada junto al dinero «en todas las prisiones, después de Dios se venera de una manera admirable a la ilustre escritora gallega Dª Concepción Arenal».

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Edelweiss, la secta española que ofrecía salvación y funcionaba como factoría de explotación sexual…


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Sputnik(A.G.Palomo)  —  Un grupo surgido en Madrid a mediados de los 70 como excursionistas de montaña derivó en una formación filonazi donde los líderes abusaban de los niños captados.

«Nos creíamos con poder, en posesión de un secreto que nadie sabía».

«Me sentí usado. Nunca se me olvidará. Era una impotencia absoluta». Ambas frases provienen de antiguos miembros de Edelweiss y, aunque parecen opuestas, concentran lo que significó aquel periodo en sus vidas: seguridad, confianza, pertenencia a un grupo, y a la vez temor, trauma, vacío.

Porque, como todos los colectivos de este tipo, el estado de sus integrantes cabalga de un extremo a otro. Quizás es ese péndulo emocional el que facilita otros rasgos comunes: el silencio, la obediencia, la lealtad.

Repite el mismo patrón que en el resto de asociaciones de este tipo, con otro más: la existencia de un líder fuerte, carismático, que maneje ese pinball sentimental. Y ellos lo tenían. Se llamaba Eduardo González, más conocido como Eddie, y fundó en 1971 Edelweiss, secta que tuvo en España poco más de una década de vida.

Durante ese espacio temporal, se dedicó a montar un grupo de estética filonazi (él era un antiguo legionario con querencia por el Tercer Reich) que reclutaba a niños de entre 10 y 15 años con el señuelo de librarse de una catástrofe y que escondía toda una maquinaria de abusos.

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La Tierra, aseguraba Eddie, iba a desaparecer en 1992 por culpa de un cataclismo nuclear. La salvación pasaba por unirse a este grupo y huir a Nazar y Delhais, dos planetas donde reinaba el amor homosexual y donde solo llegarían los elegidos. Con esta premisa captaban el líder y sus secuaces a estos jóvenes, de perfil heterogéneo pero con un denominador común: la vulnerabilidad. Incluso si procedían de una esfera social acomodada, la ausencia de cariño o de un modelo les hacía volcarse en Edelweiss.

«Sentía que era diferente, que tenía un futuro más prometedor que mis amigos», reconoce otro de los exmiembros en una serie documental reciente producida por RTVE. Medio siglo después de su surgimiento, la entidad pública ha rescatado en cuatro capítulos la historia de la que puede ser la primera organización así en el país.

Un grupo que catalogan sus propios integrantes como «totalmente piramidal», de funcionamiento paramilitar y que, a pesar de su inocente apariencia, fue muy destructivo: las personas que pasaron por Edelweiss sufrieron abusos sexuales y vejaciones como parte de la convivencia diaria.

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El origen, de hecho, era más ligero.

En 1970, Eddie fundó la Asociación Juvenil de Montaña Edelweiss, que se cambió por Boinas Verdes de Edelweiss en 1971.

La sede era la parroquia de Nuestra Señora del Sagrado Corazón en el distrito madrileño de Chamartín, donde se apuntaban los interesados.

Durante la primera década, el número de alistados rondaba los 400.

Y corrieron las primeras demandas por corrupción de menores. En 1976 llegó a entrar en prisión, pero solo unos meses. Al salir, formó la Guardia de Hierro de Delhais, con Carlos de los Ríos y Ignacio de Miguel García-Mas como responsables, y siguió con la secta.

Algunos de los reclutados tenían unas circunstancias familiares complicadas, como confiesan los protagonistas de la serie emitida por RTVE. Todos rondaban entre los 10 y los 15 años y estaban en proceso de domar su personalidad.

En Edelweiss sintieron el compañerismo y la preparación para el Armagedon o el cataclismo final. Esa preparación consistía tanto en un entrenamiento de ejército, con castigos físicos y pruebas de supervivencia extremas, como en ser carne de relaciones íntimas homosexuales. Estas servirían para la vida en los otros planetas, donde el amor libre gay era una de las pautas.

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«Juro por mi honor luchar y pertenecer a la Guardia de Hierro de Delhais hasta mi muerte, defendiendo tres conceptos fundamentales y universales: amor, justicia y libertad, aplicándolos a mí mismo, caminando por el sendero de la verdad, hasta que alcance la perfección en el planeta Delhais, al servicio de mi príncipe, el Gran Alain», entonaban los miembros al entrar, refiriéndose a ese otro planeta donde escapar y a Eddie, el mandamás.

Con el tiempo, esas formas de ganarse el espacio exterior iban cincelando otras aptitudes, como el miedo o la vergüenza.

No satisfacer a Eddie o los guardias suponía un revés en la autoestima, ya de por sí mermada.

El líder jugaba a capricho con sus sentimientos, como lo hacía con sus teorías o la ideología: de adepto a Franco se convirtió en socialista con la Transición.

Avanzaba la década de los ochenta y, aunque crecían las sucursales por todo el territorio español, se desmoronaba su chiringuito: a esa fábrica de explotación sexual de menores, que atravesó los límites de las parroquias o instalaciones donde se asentaban, se le sumó la de tráfico de personas.

Un intento de venta de un chico le costó un seguimiento policial que terminaría en los tribunales. Aun con el temor latente de sus miembros, Eddie se sentó en el banco de acusados junto a Carlos de los Ríos y Ignacio de Miguel García-Mas. La condena para el líder, en 1991, fue de 168 años de cárcel, que se quedaron en seis. Y para los secuaces más directos, de unos 65 años, aunque fueron reducidos por su condición de víctima-verdugo: a ellos, tal y como contaron en el juicio, también se les obligó a prostituirse.

Viendo las escenas de estas sesiones y los testimonios de las víctimas se comprueba la magnitud de esta organización. La devastación personal y ese modus operandi poco visto hasta entonces en España salieron a la palestra mediática y quedó registrada como una de las primeras sectas del país, a pesar de que en el sumario no se la considere como tal por ausencia de esta categoría jurídica. El final abrupto de Eddie, degollado en 1998 por uno de sus discípulos, fomentó los estudios posteriores y la leyenda de Edelweiss.

Luis Santamaría del Río, teólogo y fundador de la Red Iberoamericana de Estudio de las Sectas (RIES), enmarca Edelweiss con ese término ya que «el núcleo básico» es la «manipulación de sus miembros» y desgrana la coyuntura que impulsó su crecimiento: «Era un momento de pérdida de fe católica, del nacimiento del fenómeno OVNI y de inició de la libertad en la sociedad española». Además, Santamaría define al líder como carismático y bien relacionado con la élite. «Había una obediencia ciega», resume a Sputnik.

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El pederasta Eduardo Gonzalez Arenas, lider de la secta Edelweiss, en 1987.

«Había una razón para ser parte —que la humanidad se encaminaba al abismo y ellos estaban seguros— y luego unos miedos para perpetuar la jerarquía y el silencio: desde los básicos de vergüenza hasta los más profundos de marginación o estigma», analiza el experto, que ve en el componente sexual un rasgo presente en la mayoría de sectas. «Hay dos elementos comunes que son la economía y el sexo. Muchas veces no es el fin, sino el medio para controlar», explica Santamaría, «y otro punto importante es que el líder se siente por encima de la ley, como un elegido de Dios; eso hace que castigue o premie a su capricho y consiga unos fieles muy infantilizados».

Miguel Perlado, psicólogo criminal, resalta esas mismas características: «Una secta es un grupo de manipulación dirigido por algún gurú autoproclamado que controla la personalidad del resto». Lo paradigmático de Edelweiss, sostiene, es que no tenía en principio un motivo religioso o espiritual, sino que era un grupo de montaña. «Se veía saludable y caían rendidos a Eddie cual flautista de Hamelín», disecciona a Sputnik.

Además, Perlado se detiene también en el contexto y sintetiza la evolución comparándolo con otros lugares aventajados, como Estados Unidos. «Era la época de la contracultura, de romper las normas y los cánones sociales. Aquí, lo sexual empezó como algo liberador y acabó como destrucción«, esgrime, anotando cómo su potencia fue debilitándose cuando «se vieron las fisuras»: «Perdura por miedo a represalias y por miedo a ser el único que sufre, pero luego se va desvelándose y cae», zanja. Aun así, en España sigue vivo el recuerdo de esta obscena secta que iluminaba las mejores emociones antes de transformarlas en oscuridad.

El 2/09/1998 fue asesinado en Ibiza Eduardo González Arenas.

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11 inventos estrafalarios del pasado…


marcianosmx.com  —  ¿Has visitado alguna vez las tiendas chinas de comercio en línea? Hay una cantidad gigantesca de artículos en oferta para los fines más diversos, productos que jamás imaginaste para “hacer eficiente” la tarea más cotidiana. Pero esto no es un fenómeno moderno, la capacidad de invención del ser humano le ha valido su posición actual en la naturaleza, aunque no todos sus intentos fueron exitosos y normales.

1 – ¿Quién nunca ha necesitado un “atrapa perros”?

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2 – En el año de 1947, alguien tuvo la excelente idea de fabricar esta refrescante máscara con cubos de hielo.

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3 – ¿Odias cuando se te arruina el maquillaje por el clima? En 1939 solucionaron el problema con este práctico protector.

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4 – Por que fumar un cigarrillo a la vez no ofrece una muerte lo suficientemente rápida, este soporte de 1932 permitía consumir dos al mismo tiempo.

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5 – Un monociclo bastante vistoso.

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6 – Si alguna vez quisiste tener hoyuelos, tienes mala suerte de haber nacido en esta época, pues en 1923 patentaron este dispositivo que los marcaba.

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7 – Una bicicleta familiar con una máquina de coser integrada, para que la señora de la casa no olvidara cuál era su lugar.

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8 – Un maldito piano creado para personas que debían guardar reposo en cama, fue inventado en 1935.

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9 – Un estacionamiento vertical de comienzos de la década de 1920. Todavía los hay, pero no con toda esa clase.

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10 – Unas máscaras de gas para caballos desarrolladas durante la Segunda Guerra Mundial.

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11 – Una jaula para que el bebé tomara aire fresco colgando por la ventana.

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Un dato poco conocido sobre las Bodas Reales

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El ramo de las fotos pertenece a la Duquesa de Cambridge

Desde 1923, cada Novia Real deja su ramo de flores arriba de la tumba de un soldado desconocido. La tradición fue empezada por la Reina Madre, la única novia sin caminar con un ramo hacia el altar, en honor a su hermano caído en batalla.

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Premio Nobel: ¿Quién y por qué tuvo la idea de crearlo?…


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Alfred Nobel

Fayer Wayer(P.García)  —  Existen todo tipo de galardones que reconocen los logros en las ciencias, en las artes y en muchas áreas de las actividades humanas. Pero quizá ninguno de ellos sea tan famoso como el Premio Nobel.

Quizá es la tradición de más de 100 años que tienen, quizá es porque en el mismo conjunto de premios hay ciencia, arte e incluso otras actividades como la promoción de la paz. O tal vez sea todo eso combinado, con que su origen vino de la última voluntad de una persona.

Así es, los premios Nobel son resultado de una idea que tuvo Alfred Nobel, unos años antes de morir y que dejó plasmada en su testamento.

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Fortuna explosiva

Alfred Nobel fue un químico e inventor sueco que vivió en el siglo XIX. Su invento más conocido es la dinamita: una forma segura de manejar la nitroglicerina, pues estaba mezclada con sustancias inertes como arcillas.

La mayor estabilidad de la dinamita la volvió un explosivo muy popular, para demoliciones y minería, pero su uso también se extendió a aplicaciones bélicas, como armas de artillería.

Alfred Nobel recibió muchas críticas en vida, porque la mayor parte de su fortuna, vino de la dinamita y otros explosivos que patentó. Además durante un tiempo fue dueño de la compañía sueca Bofors, a la cuál convirtió en una industria para producir cañones y otros armamentos, actividades que definitivamente le redituaron muy bien económicamente.

Aunque seguro él sabía que su trabajo no era admirado por todos, algo que no le dejó dudas fue que tuvo la oportunidad de leer su obituario.

No es que Nobel haya tenido una experiencia sobrenatural, sino que, en 1888, cuando murió Ludvig Nobel, su hermano, un periódico francés pensó que era Alfred el que había muerto y escribieron su obituario. Uno no muy amable por cierto, pues lo llamaban “mercader de la muerte”.

No es tan difícil suponer que leer algo de uno mismo debe tener consecuencias. Y en este caso la consecuencia fueron los premios Nobel.

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Testamento de A. Nobel.

Una buena idea

En el testamento que Alfred Nobel firmó en 1895, un año antes de morir, estableció que su fortuna, se invirtiera para constituir un fondo con el que año con año se premiara a las personas más destacadas en ciertas áreas.

La elección de esas áreas tuvo que ver con los propios intereses de Nobel: el de química, porque él era químico, el de física porque la consideraba la ciencia más destacada entre todas. Y su interés en la medicina surgió de su trato con varios médicos y fisiólogos de su tiempo.

Aunque se dedicó a la ciencia y la tecnología, Nobel tal vez hubiera preferido ser escritor de tiempo completo: escribió algunas obras dramáticas y poemas, por lo que también instituyó un premio de literatura.

Por supuesto, el premio de la paz, debe haber tenido origen en algo de culpa que debe haber sentido, por su contribución a la industria bélica.

El 10 de diciembre de 1896 falleció en San Remo, Italia. Poco después se conoció el contenido de su testamento, que al parecer fue más explosivo que la dinamita: tuvo gran oposición de su familia directa, sobrinos principalmente, porque no se casó, ni tuvo hijos.

Pero, gracias a la insistencia del químico sueco Ragnar Sohlman, cuatro años después se pudo establecer la Fundación Nobel y en 1901 se entregaron los primeros premios Nobel.

Si ahora Nobel pudiera ver la trascendencia de su legado, seguramente estaría satisfecho, como dijo alguna vez: “si tuviera mil ideas y solo una resultase ser buena, estaría satisfecho”.

5 datos que tal vez no conocías sobre los premios Nobel

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Esta semana conocimos ya a todos los ganadores de los premios Nobel “originales”, es decir a los que el químico e inventor sueco Alfred Nobel dejó establecidos en su testamento de 1895.

El sexto “premio Nobel” se instituyó muchos años después, en 1968, cuando el banco de Suecia, el Sveriges Riksbank, donó dinero a la Fundación Nobel para establecer el premio de Ciencias Económicas en honor a Alfred Nobel.

Ese quizá es uno de los detalles sobre estos famosos premios, que son más o menos del dominio público, pero hay muchas otras curiosidades que no son tan conocidas.

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Moneda de una corona sueca

No hay condiciones para gastar el dinero del premio

Además de recibir el reconocimiento público y ganar prestigio, cuando ganas un premio Nobel, también ganas una suma considerable de dinero.

La fortuna de Alfred Nobel ha sido muy bien invertida por la Fundación Nobel y así cada año, cada área de estos premios cuenta con una buena suma de dinero. En 2021 el premio por área -recordemos que puede repartirse entre varios ganadores- es de 10 millones de coronas suecas, que equivale a un poco más de 1 millón de dólares.

Tal suma de dinero no tiene ninguna condición para ser gastada: hay laureados como Marie Curie, que decidieron gastarla para financiar sus investigaciones.

Otros deciden donarlo a fundaciones o instituciones académicas, como Rainer Weiss, ganador del premio Nobel de física 2017, que dio su parte del premio al MIT.

Pero nada impide que los laureados gasten su dinero en algo muy personal: como Sir Paul Nurse, el ganador del Premio Nobel de Medicina 2001, que se compró una motocicleta.

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Los diplomas y las medallas están hechas a mano

Además del prestigio y el dinero, todos los ganadores de los premios Nobel reciben una medalla y un diploma que los acredita como tales, en una ceremonia que se lleva a cabo el 10 de diciembre para coincidir con el aniversario del fallecimiento de Alfred Nobel.

Los diplomas están totalmente escritos a mano por destacados calígrafos suecos y noruegos -pues el premio Nobel de la paz se otorga y entrega en Noruega-.

Además incluyen una pintura, expresamente hecha para la ocasión por algún artista plástico.

Aunque para el diseño de las medallas usa un molde, también se hacen una a una a mano, con oro de 18 quilates.

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Medalla Nobel En esta imagen de archivo, tomada el 8 de diciembre de 2020, una medalla del Nobel durante un acto de entrega en Nueva York.

Puedes ganar más de un premio Nobel

No hay condición alguna en los estatutos de la Fundación Nobel que impida que alguien que haya ganado un premio Nobel gane otro.

Y esto ha pasado en algunas ocasiones. Quizá el caso más notable y reconocido es el de Marie Curie, que sigue siendo la única persona que ha ganado dos premios Nobel en dos ciencias diferentes: Física (1903) y Química (1911).

Pero también hay casos como el de Linus Pauling que ganó de manera individual dos premios Nobel: el de Química (1954) y el de la Paz (1962).

No existen premios Nobel póstumos

Esta sí es una condición establecida en los estatutos de la Fundación Nobel: para ser considerado para recibir un premio Nobel debes estar vivo.

Han existido casos excepcionales en los que el ganador muere poco antes del anuncio, como sucedió con Ralph Steinmann, uno de los laureados con el Premio Nobel de Medicina 2011, que murió un par de días antes del anuncio. Pero como el Comité Nobel desconocía ese hecho, la asignación del premio se mantuvo.

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Malala Yousafzai

Para ganar no importa la edad

Mientras estés vivo, no importa qué tan joven o tan viejo seas: si cumples con los méritos adecuados puedes ganar un premio Nobel.

La persona más joven que ha ganado uno es Malala Yousafzai, que recibió el Premio Nobel de la Paz a los 17 años. Y el laureado de más edad es John Goodenough que tenía 97 años cuando recibió el Premio Nobel de Química en 2019.

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Las razas humanas no existen…


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The Conversation(J.I.P.Iglesias)/Investigación y ciencia(N.Guillon)/El Mundo(M.Corísco)  —  Al decir de alguien que es blanco o negro, es posible que pensemos que pertenece a una categoría biológica definida por su color. Mucha gente cree que la pigmentación de la piel refleja la pertenencia a una raza, “cada uno de los grupos en que se subdividen algunas especies biológicas y cuyos caracteres diferenciales se perpetúan por herencia”, según la RAE. Esa noción, en el caso de nuestra especie, carece de sentido. Desde un punto de vista biológico, las razas humanas no existen.

En la piel hay melanocitos, células que producen y contienen pigmentos. Hay dos tipos de pigmentos, llamados melanina: uno es marrón parduzco (eumelanina) y el otro, rojo amarillento (feomelanina). El color de la piel depende de la cantidad y la proporción de ambos. Esto depende de diferentes genes: unos inciden en la cantidad de pigmento en los melanocitos y otros sobre la proporción entre los dos tipos de melanina. Por lo tanto, colores muy similares pueden ser el resultado de diferentes combinaciones y obedecer a configuraciones genéticas diferentes.

Los africanos, en general, son de piel oscura. Los dinka, de África oriental, la tienen muy oscura; los san, del sur del continente, más clara. Los nativos del sur de la India, Nueva Guinea y Australia también son de piel oscura. En el centro de Asia y extremo oriente, así como en Europa, las pieles son, en general, claras. Los nativos americanos las tienen de diferente color, aunque no tan oscuras como los africanos.

Si nos atenemos al color de la piel escondida bajo el grueso pelaje de los chimpancés, lo más probable es que nuestros antepasados homininos la tuviesen clara. Hace unos dos millones de años los miembros de nuestro linaje vieron reducido el grosor y consistencia del pelaje, que se convirtió en una tenue capa de vello. Esa transformación expuso la piel a la radiación solar ultravioleta, que puede causar cáncer y, además, eliminar una sustancia de gran importancia fisiológica, el ácido fólico. Seguramente por esa razón se seleccionaron variantes genéticas que oscurecían la piel, porque la melanina la protege de dichos daños.

Los seres humanos hemos llegado a casi todas las latitudes. Nuestra piel se ha visto expuesta a diferentes condiciones de radiación. Al igual que un exceso de rayos ultravioleta puede ser muy dañino, su defecto también lo es. Sin esa radiación no se puede sintetizar vitamina D, cuyo déficit provoca raquitismo y otros problemas de salud. Por esa razón, sin descartar otras posibles como la selección sexual a favor de las pieles más claras, la piel humana se ha ido aclarando en algunas zonas geográficas por selección natural.

Además, los movimientos de población han propiciado la mezcla de linajes, cada uno con sus rasgos genéticos y características pigmentarias, para dar lugar a múltiples configuraciones. El color de los seres humanos actuales es el resultado de una compleja secuencia de eventos biológicos y demográficos. No es posible delimitar biológicamente unos grupos y otros con arreglo a ese rasgo.

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La diversidad genética existe

Lo anterior no pretende negar la diversidad genética en la especie humana. Existe diversidad, por supuesto.

Hay poblaciones con numerosas copias del gen de la α-amilasa y otras en las que hay muy pocas.

Los inuits toleran el frío mejor que otros seres humanos y cuentan con unas desaturasas que les permiten alimentarse con una dieta exclusivamente carnívora sin que ello les cause los problemas que provocaría a otros seres humanos.

Los pigmeos africanos presentan variantes genéticas relacionadas con el sistema inmunitario. Una mutación en el gen PDE10A –que codifica una fosfodiestearasa- permite a los bajau laut (los llamados “nómadas del mar”) permanecer sumergidos en apnea hasta trece minutos.

La mayor parte de europeos y descendientes de europeos, así como los miembros de otros grupos humanos en África, la península Arábiga y el subcontinente Indio retienen en la edad adulta la capacidad para digerir la lactosa de la leche.

Los tibetanos tienen menor concentración sanguínea de hemoglobina y una mayor densidad de capilares. Ambos rasgos parecen tener base genética.

En los pueblos de África occidental que hablan lenguas kwa la anemia falciforme es mucho más prevalente que en otros africanos.

Estos rasgos que caracterizan las poblaciones humanas no tienen correspondencia con el color de la piel. Ni las diferencias en el color de la piel se corresponden con muchos otros rasgos que también varían según otros patrones y por efecto de diversas presiones selectivas.

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¿Un concepto útil?

Hay quienes sostienen que la categoría “raza” es útil en nuestra especie a efectos sociosanitarios. Se ha observado, por ejemplo, que los norteamericanos de origen africano (llamados habitualmente “afroamericanos”) tienen mayor propensión a padecer ciertas enfermedades. Por eso defienden el uso del término “raza” para diferenciar a negros de blancos. Un ejemplo es el de la mayor propensión -de base genética- de los afroamericanos a padecer cáncer de próstata.

La mayor parte de ellos descienden de personas esclavizadas procedentes de pueblos de África Occidental en los que es muy frecuente la variante genética responsable. Cuando el gen en cuestión tiene, en esas mismas personas, ascendencia europea, la frecuencia de esa variante es muy inferior. Y todos ellos tienen la piel oscura.

Las categorías biológicas son problemáticas. En el mundo animal se diferencian, no sin dificultades, distintos linajes y grupos de linajes. Clasificamos a los animales en filos, clases, órdenes, familias, géneros, especies y, en algunos casos, subespecies. También pueden definirse categorías intermedias. Pero no tenemos razas. Por debajo de la especie o la subespecie, hay poblaciones.

En los animales domésticos sí se suele hablar de razas, pero ese es un caso muy especial, pues se han obtenido por selección artificial de determinados atributos. Se trata, por ello, de una categoría no trasladable al resto.

Claro que hay diversidad genética en la especie humana. Se ha producido, como en los demás animales, a causa de mutaciones al azar y por efecto de la selección natural sobre la frecuencia de las variantes genéticas en cada población, del flujo génico provocado por migraciones y cruzamientos entre individuos de diferentes poblaciones, y de la deriva genética. Pero no hay conjuntos homogéneos de variantes que permitan definir grandes grupos humanos a los que podamos denominar razas.

No hay, pues, fundamento para invocar su existencia. Como tampoco lo hay para justificar, sobre bases inexistentes, otras diferencias.

El origen evolutivo del color de la piel

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La etnia Hamer, del sur de Etiopía, fue una de las poblaciones africanas que se incluyeron en el estudio.

Si bien la diversidad del color de la piel es una un rasgo característico de los humanos, sus causas genéticas aún son poco conocidas.

Recientemente, sin embargo, un gran estudio genómico de poblaciones africanas publicado en Science ha identificado distintas variantes genéticas implicadas en la pigmentación de la piel.

Estas variantes y su evolución revelan que la historia del color de la piel es mucho más antigua de lo que se pensaba.

Los paleoantropólogos coinciden en que nuestros ancestros australopitecos probablemente presentaban la piel clara debajo del pelaje.

Hasta ahora, defendían la siguiente hipótesis: hace más de dos millones de años, los descendientes de los australopitecos habrían perdido la mayor parte del pelo; a continuación, su piel habría evolucionado rápidamente y se habría oscurecido, lo que les protegería de los efectos nocivos de los rayos ultravioleta; luego, cuando los humanos emigraron de África a latitudes más altas y menos soleadas, su piel habría evolucionado a un color más claro. Sin embargo, el nuevo estudio revela un escenario mucho más complicado.

El trabajo, llevado a cabo por un equipo internacional dirigido por Sarah Tishkoff, de la Universidad de Pensilvania, ha reunido la base de datos más extensa sobre el color de la piel. Los investigadores secuenciaron los genomas de 2092 africanos de diversos orígenes, que hoy viven en Etiopía, Tanzania y Botswana, y los compararon con los genomas de las poblaciones de África occidental, Eurasia y Austro-Melanesia.

«El estudio resulta apasionante. Ya se habían publicado artículos sobre el tema, pero con un enfoque monodisciplinar. La perspectiva empleada aquí es amplia, con medidas de variación del color de la piel, la aplicación de modernas técnicas genéticas a gran escala, la reconstrucción de la historia evolutiva y el uso de especies animales modelo, para explicar funcionalmente el fenotipo asociado a una mutación particular», explica Paul Verdu, investigador en el Museo Nacional de Historia Natural en París, que no participó en el trabajo.

El reciente estudio ha demostrado que una gran parte de las mutaciones asociadas al color de la piel surgieron incluso antes de la aparición de Homo sapiens (hace unos 300.000 años). En particular, plantea que las variantes de dos genes relacionadas con el color claro de los ojos, la piel y el cabello en los europeos en realidad habrían aparecido hace un millón de años en África. Más tarde se habrían extendido a Europa y Asia, donde hoy también las encontramos.

«Algunas mutaciones responsables de la diversidad del color aparecieron poco después de la pérdida del pelo y han formado parte de la dotación genética básica durante mucho tiempo. Se habrían transmitido de modo distinto en diferentes poblaciones bajo el efecto de varias selecciones o del azar», comenta Verdu.

Los autores de la investigación han confirmado también algunas hipótesis planteadas previamente, como las migraciones de regreso a África. De hecho, una variante del gen SLC24A5 relacionada con la piel pálida (despigmentada) y que se halla extendida en Europa se ha encontrado con frecuencia en el este de África, incluso en individuos con piel oscura.

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Esta variante habría surgido en Eurasia en un tiempo relativamente reciente, hace unos 29.000 años, se habría propagado por toda la región hace 6000 años y habría migrado de Oriente Medio a África oriental.

De hecho, cabe pensar en procesos complejos en la historia de cada mutación. Un ejemplo de interés lo constituye el gen MFSD12. Dos mutaciones identificadas en él disminuyen su expresión (la cantidad de proteína que produce) y se asocian a un color oscuro de la piel, según se ha confirmado en modelos de ratón y pez cebra. Estas mutaciones se presentan en poblaciones aborígenes melanesias y australianas.

«Ello confirma la hipótesis de la salida de África por el cuerno de África, hace 80.000 años, después de la aparición de estas mutaciones. Algunas poblaciones migraron al Pacífico o Eurasia y estas mutaciones se mantuvieron en ciertas regiones y no en otras», resume Verdu. «Todo esto debe ser validado por estudios más amplios en los que se incluyan poblaciones de fuera de África, pero este gran trabajo arroja luz sobre la historia evolutiva de los rasgos que observamos hoy», concluye el investigador.

Los negros fueron blancos y viceversa

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Bajo su espeso pelaje, el chimpancé tiene una piel blanquecina. Si, en una pirueta de la evolución, el chimpancé perdiera el pelo que recubre su cuerpo, tal vez esa pálida piel tendría que adaptarse y pigmentarse para evitar el daño de los rayos ultravioletas. Es decir, nuestro pariente más próximo tal vez se volvería negro.

El ejemplo es muy burdo, pero puede servir de base para comenzar a explicar los cambios de pigmentación que, en el transcurso de millones de años, pudieron llevar a los homíninos -especies que caminan de forma erguida- a ser primero blancos, después negros y a que, más tarde, algunos volvieran nuevamente a ser blancos.

La clave de estos cambios, sugiere la genética, estaría en la pérdida del pelo que se produjo en el paso a la bipedestación: cuando, en los tiempos de colonización de la sabana, aquellos primeros homíninos comenzaron a caminar a dos patas, el extenuante ejercicio que hacían habría propiciado que fueran perdiendo su pelaje a fin de enfriar su temperatura.

Pero estamos hablando de África, y esa piel blanca y desnuda sería, en aquellas latitudes, sumamente vulnerable a la intensidad de la radiación solar. Eso explicaría que, en torno a 1,8 millones de años atrás, la evolución favoreciera la fabricación de melanina y, consecuentemente, una intensa pigmentación. Ser negro sería una defensa.

Esta defensa, sugiere el profesor Mel Greaves, biólogo celular del Institute of Cancer Research en el Reino Unido, podría haber sido contra el cáncer de piel. En un artículo publicado en Proceedings of the Royal Society expone sus conclusiones, basadas en un estudio realizado sobre africanos albinos. El punto de partida es que casi todos los albinos del África subsahariana mueren de melanoma a edades jóvenes. «Esto podría haber sido -escribe Greaves- una razón por la que los primeros humanos desarrollaron una piel oscura».

Esta piel oscura y protectora se mantuvo durante más de un millón de años y, de hecho, hay un consenso absoluto acerca de que los primeros humanos que salieron fuera de África, 150.000 años atrás, eran negros. «Ante esto, mis alumnos me suelen preguntar que por qué, entonces, no somos negros todos los humanos», explica Gonzalo Ruíz Zapatero, catedrático de Prehistoria en la Universidad Complutense de Madrid.

«Indudablemente, los primeros homo sapiens sapiens africanos eran todos negros, y por una cuestión muy clara: adaptación a las condiciones climáticas de la zona intertropical. Pero, a lo largo de decenas de miles de años, cuando esos grupos van metiéndose en las zonas frías de Eurasia, tienen que ir adaptándose a las nuevas condiciones».

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Cambio fácil

Con él coincide el profesor Jaume Bertranpetit, catedrático de Biología de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, quien señala que «el color de la piel es un carácter que cambia con relativa facilidad por la selección natural. Los primeros humanos, al salir de África, son altamente pigmentados, pero se empiezan a despigmentar en cuanto emigran a latitudes altas.

Y esta pigmentación no fue igual para los que fueron a Europa y los que fueron al norte de Asia. El sol – continúa explicando- es el factor selectivo que hace que nos tengamos que proteger en latitudes donde hay más insolación; donde no hay esta insolación, la piel clara es mejor, porque necesitamos la energía solar para fabricar vitamina D».

Así pues, mientras los homo sapiens que permanecieron en el África ecuatorial mantuvieron esa piel tan pigmentada, los descendientes de los que habían emigrado fueron paulatina y progresivamente aclarándose. De ahí esa curiosa paradoja acerca de que, posiblemente, primero fuimos blancos, después negros y, más tarde, algunos volvimos a ser blancos.

Es, como decíamos, la tesis que defiende Mel Greaves y a la que da una nueva vuelta de tuerca: la del cáncer de piel. Porque, hasta ahora, se había venido entendiendo que esta adaptación, efectivamente, habría servido como protección contra los daños provocados por los rayos ultravioletas, pero se había desechado la hipótesis de que el cáncer de piel pudiera haber jugado un papel en ella.

¿La razón? Que el melanoma se suele desarrollar a edades avanzadas, más allá de los años reproductivos, lo que lo haría irrelevante a efectos de selección natural y de supervivencia del más fuerte.

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Piel indefensa

Greaves reconoce que «extrapolar el riesgo actual de cáncer de piel en albinos al de aquellos homíninos del África ecuatorial es claramente una especulación, pero si los primeros humanos realmente fueron de piel pálida, probablemente habrían sufrido este problemas durante su edad reproductiva».

En sus conclusiones, expone que «es difícil imaginar un entorno más favorable al cáncer: exposición máxima y sostenida de la piel desnuda a las radiaciones UVB, unida a una mínima posibilidad de defensa por la vía de la melanina».

Según él, los cazadores y recolectores jóvenes serían quienes habrían sufrido la mayor exposición al sol y el mayor riesgo de cáncer; la muerte les habría sobrevenido a una edad temprana -fruto de las metástasis-, y el impacto perjudicial en la reproducción habría sido considerable. En este sentido, concluye, la selección natural habría favorecido a aquéllos que, fabricando más melanina, hubieran ido adquiriendo una piel más y más oscura.

Su trabajo, no obstante, no está dejando de ser controvertido. Como apunta Carles Lalueza-Fox, investigador del Institut de Biología Evolutiva de Barcelona, «no se puede comparar tener la piel clara con ser albino, pues estos últimos no tienen capacidad de ponerse morenos debido a la imposibilidad de sintetizar pigmento.

Al no poderse comparar, la presunta fuerza selectiva asociada a los melanomas se diluye, puesto que, en general, los desarrollas cuando ya te has reproducido. Dicho esto, todo el mundo acepta que, en latitudes tropicales, la pigmentación oscura es necesaria para protegerse de los rayos ultravioleta».

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Lo que dejó dicho charles darwin de razas y colores

«Ninguna de las diferencias entre las razas humanas le presta al hombre ningún servicio directo o especial».

Esta frase de Charles Darwin, extraída de su libro Descent of Man (El origen del hombre, en español, 1871), ha sido interpretada por diversos autores como un rechazo del naturalista inglés a la hipótesis de que la selección natural favoreciera que nuestros antepasados perdieran el pelo y sufrieran cambios de pigmentación.

Con respecto a estos cambios en el color de la piel, Darwin, autor de El origen de las especies, señalaba no estar «en condiciones de juzgar si guardarse de que la piel se queme es de importancia suficiente como para explicar que gradualmente se haya adquirido por el hombre un tinte oscuro a través de la selección natural».

La pérdida de pelo, en su opinión, obedecería más a la selección sexual que a la natural: «La opinión que me parece más probable es que el hombre, o más bien la mujer, llegó a despojarse de pelo con fines ornamentales».

Como el Color de la Piel Humana ha Evolucionado en Diferentes Regiones

La piel es el órgano más grande del cuerpo que sirve como nuestro protector de los severos elementos ambientales. Si bien esta protección es un elemento principal en la constitución biológica, el color de la piel es único para cada individuo. Hasta hace poco, esta diferencia de color que va desde uno muy claro a piel muy oscura, ha sido mal interpretado. Recientes investigaciones revelan las fuerzas impulsoras detrás de la evolución del color de la piel a través de las diferentes regiones, una táctica de supervivencia que se remonta a nuestros primeros antepasados.

Investigación reciente va a la piel profundamente

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En un estudio publicado en el Journal of Human Evolution, los investigadores de la Academia de Ciencias de California analizaron la correlación entre el color de la piel, la región geográfica, y la absorción de vitamina. Estos dos últimos elementos pueden ser las fuerzas impulsoras detrás de la evolución de las variaciones de color en la piel de la humanidad. En éste nuevo estudio se investiga la respuesta del cuerpo humano a la luz ultravioleta (luz del sol) depende enormemente el tono de la piel.

De origen natural en diversos alimentos, el ácido fólico es una vitamina soluble en agua necesaria para el crecimiento saludable de las células en el cuerpo humano. En un estudio de 1978, se encontró que una hora de intensa luz del sol, puede reducir significativamente los niveles de folato de los individuos con piel clara. Los niveles bajos de ácido fólico en las mujeres durante el embarazo pueden tener efectos graves en el niño al nacer, incluyendo defectos del tubo neural.

Los investigadores creen que nuestros antepasados primitivos que vivieron en ambientes tropicales o cerca del ecuador desarrollaron un tono de piel oscuro para guardar sus reservas de folato y protegerse contra los efectos dañinos de la luz solar intensa. Aunque este tono de piel oscura ayudó a reducir la deficiencia de ácido fólico en nuestros primeros antepasados , probablemente comprometieron sus niveles de vitamina D, ya que emigraron desde el ecuador a las regiones con luz solar más débil.

La vitamina D es una vitamina esencial que ayuda al cuerpo a absorber el calcio y es producida principalmente de la luz solar. La falta de vitamina D en su cuerpo puede llevar a una serie de problemas de salud como el raquitismo y la osteoporosis. Debido a que la luz del sol no penetra la piel oscura con la misma facilidad que la clara, los investigadores creen que la piel blanca evolucionó con personas que emigraron a las regiones de poca luz ultravioleta para ayudar a producir cantidades adecuadas de vitamina D.

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Para demostrar esta correlación, los investigadores compararon las mediciones globales de la luz ultravioleta a los datos de color de la piel de más de cincuenta países, y se encontró un vínculo inequívoco entre baja luz ultravioleta y piel clara.

Se cree que la evolución del color de la piel debe haber ayudado a los humanos a adaptarse a diversos entornos de todo el mundo y a sobrevivir de una generación a otra.

Los primeros antepasados que vivieron en zonas altas de la luz ultravioleta cerca del ecuador desarrollaron un tono de piel oscuro para mantener sus niveles de ácido fólico, mientras que los primeros antepasados que vivieron en regiones de poca luz ultravioleta lejos del ecuador desarrollaron un tono de piel clara para mantener sus niveles de vitamina D.

Hoy en día, cada región es más diversa. Con la ayuda de la ciencia moderna y los suplementos vitamínicos, estamos mejor preparados para vivir en ambientes que pueden no ser ideales para nuestro tono de piel.

nuestras charlas nocturnas.


Mató, robó, vivió fuera de la ley y hoy es homenajeado hasta por una hamburguesería: la vida del “Robin Hood criollo”


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Juan Bautista Vairoleto, uno de los bandidos rurales más populares de Argentina. Había quedado fuera de la ley después de matar a un policía llamado Elías Farach, en una disputa amorosa por una mujer

Infobae(M. del Moral)  —  En Colonia Castex, un poblado rural en la provincia de La Pampa, comparten clientela la Francesa, la Julia y el Ñato. Los prostíbulos, a comienzos del siglo XX, simulan ser espacios de socialización. No son clubes, pero se baila. No son sociedades de fomento, pero la cultura brota. No son casas de apuestas, pero se juega. No son bares, pero sirven tragos. Son burdeles: las orquestas tocan y los hombres pagan por bailar con mujeres.

Él tiene 24 años. Es un joven ávido. «Bailarín sagaz, desafiante y mujeriego», describirá León Gieco en la canción Bandidos rurales que lanzará en otro milenio. Allí donde los anarquistas le enseñan los dogmas de la explotación del hombre, también conoce el amor y el peligro.

No es alto: tiene una contextura menuda, el pelo más rubio que castaño, la tez blanca, los ojos claros. Baila con hidalguía, toca la guitarra, canta. Viste como un gaucho típico: chambergo y camisa negra, pañuelo blanco al cuello, bombacha de campo gris y botas o alpargatas negras. En sus brazos se distinguen dos tatuajes: la silueta de una mujer en el derecho, un triángulo que guarda en su interior el número trece y sus iniciales. Es, sin pretenderlo, un galán.

Las leyendas, las que de él abundan, hablan también de una mirada penetrante. Es codiciado por las mujeres y celado por los desgraciados hombres no correspondidos. “Raya al medio con pañuelo / tatuaje en la piel / quedó fuera de la ley, quedó fuera de la ley”, anticipará Gieco en su letra.

Enamora y se enamora de “la” Dora, una prostituta de los burdeles a los que acudía cuando no mezcla sus ideas en los comités y sus monedas en las casas de juego. Novios, amantes o lo que sea, sienten atracción mutua. No esconden sus impulsos. Los hacen públicos. Esos rasgos de pasión se convierten en una perdición o, bien, el canal de idealización de su emergente “bandolerismo social”. Hay en Castex un cabo de policía que también prefiere a Dora.

Elías “el Turco” Farach no tolera la inclinación de la joven por el gaucho. La impotencia lo ciega, lo enferma. El hostigamiento es atroz, inescrupuloso. Lo cuenta mejor Gieco: “Se enamoró de la mujer que pretendía un policía / lo golpeó, lo puso preso un tal Farach Elías / ‘Andate de Castex -le dijo-. Aquí tenemos leyes’ / Corría el año 1919”.

El cabo lo amenaza. Lo intima a que deje de ver a la bailarina. Él lo ignora. La ira es tal que el policía decide encerrarlo en un calabozo. Lo desnuda, le pega con un rebenque, lo tortura. Hay quienes dicen que convoca a Dora para que presenciara el ultraje. Lo intima a que abandone el pueblo si es que quiere seguir vivo. El gaucho se va. En realidad se oculta, por miedo y por estrategia. Sus heridas se curan. Su orgullo no. El andar campante y presumido del cabo lo impulsan a recuperar su integridad. Audaz y temerario, se deja ver en sus lugares habituales. El ruido de su regreso circula por las calles con voracidad.

Es el mediodía del 4 de noviembre de 1919. Farach se entera del acto de insurrección y lo busca para ejecutar su advertencia. Él está esperándolo en una casa de comida llamada “La colonia”. Lo acompaña un amigo. El cabo llega impetuoso: quiere llevárselo detenido de nuevo, torturarlo de nuevo, matarlo. El acusado se resiste, imprudente, y entre sus prendas saca un arma. Un disparo. Dos, tres. El policía cae muerto. El pueblo queda aturdido, inmóvil.

Gieco cantará en 2001: “Antes de irse, fue al boliche a verlo al fulano / Con un 450 belga, revólver en mano / Le agujereó el cuello y lo dejó tirado ahí / Ahora sí fuera de la ley, ahora sí fuera de la ley”. Ahora sí, Juan Bautista Vairoleto huye con su caballo y su mito a cuestas.

La historia argentina lo recuerda como «el Robin Hood de las Pampas», «el Robin Hodd criollo». Los documentos judiciales lo descubren como Vairoleto o Vairoletto. Los textos posteriores también lo nombran Bairoleto y Bairoletto. Él, en su vida errante, se hizo llamar José Ortega, Francisco Bravo, Marcelino Sánchez o Martín Mirando. También es conocido como “el pampeano”, “Atila de La Pampa” y “San Bautista Bairoletto”.

Un hombre con tantos nombres y seudónimos, musa de canciones, obras de teatro, películas, poemas y libros, tiene una vida que contar. Una vida enraizada en la cultura popular: en Mendoza, por ejemplo, a los niños que se portan mal les dicen “no te hagas el Vairoleto”.

Vairoleto es el apellido de Vittorio, un inmigrante italiano que se radicó en Cañada Rosquín, Santa Fe, por el 1900. Con Teresa Bondino, otra inmigrante de la región piamontés, tuvieron seis hijos. El quinto fue Juan Bautista: nació el 11 de noviembre de 1894. Eran parte de un experimento social, el fenómeno demográfico del interior del país: comerciantes de tierras seduciendo a colonos extranjeros para trabajar las llanuras.

“A medida que irá creciendo la estancia ganadera asentada en grandes latifundios, se irá consolidando el sistema de ‘colonias’ para poblar y sobre todo explotar las áreas fértiles impulsado por capitales europeos interesados primordialmente en la exportación. Así, algunos propietarios directamente, y otros en convenio con las sociedades de colonización arrendaron sus propiedades a numerosos contingentes provenientes de la provincia de Santa Fe, de Buenos Aires e incluso de Europa; principalmente de italianos”, apunta el proyecto académico “Vairoleto: El Bandido Santo”, del departamento de Sociología de la Universidad Nacional de La Plata, redactado por Yésica Signorelli y Lorena Bustamante.

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Su historia comulga con el imaginario social del gaucho, una clase social que fue puesta al margen de la ley a partir de la organización nacional

Se cría en un contexto de profunda desigualdad social. Su familia apenas subsiste. Los contratos son deplorables: restringen la siembra únicamente al trigo y prohíben la cría de gallinas y la tenencia de más de dos vacas. “Juan Bautista era un niño de pelo claro y ojos azules, vivaz e inteligente, un poco más travieso que los otros.

Le gustaba mucho dibujar y aprendió rápido a leer y escribir. Cuando iba a tercer grado ganó un certamen de lectura y el premio fue un libro que lo fascinó, el Martín Fierro de Hernández. En aquellas aulas pudo cursar hasta quinto grado”, escribió el historiador pampeano Hugo Horacio Chumbita en su libro Última frontera, vida y leyenda de Juan Vairoleto.

Teresa, su madre, muere la mañana del 6 de mayo de 1907. Juan tiene doce años y ya había dejado el colegio. La familia se había establecido en Ítalo, ciudad cordobesa punta de rieles de tren en la inauguración de un nuevo tramo del ferrocarril que avanzaba desde la ciudad santafesina de Rufino hacia el suroeste. Francisco Alcante, un arriero amigo de Vittorio, adopta como ahijado a Juan Bautista. Es un niño campesino que se hace baqueano.

Su padrino le enseña a trenzar una soga, a blandir el arreador, a entender a los caballos. “a amaestrarlos para responderle en cualquier maniobra y circunstancia -enumera Chumbita-, a conocer sus cualidades a simple vista y a definir los innumerables matices del color de su pelaje. Lo adiestró para tirar las boleadoras y manejar el arreador y el lazo en todas sus variantes, tiro derecho, a la cruzada, por sobre el brazo, de revés, de codo vuelto, pasar sobre el brinco, enlazar de payanca y en cadena. Lo aleccionó para atender los chistidos de la lechuza, el rodeo de los aguiluchos o las apariciones de los peludos, y le reveló, por ejemplo, que cuando el sol se pone tiñendo el cielo de rojo amanecerá con viento, cuando el gallo canta a primera hora de la noche anuncia niebla, cuando el zorrino se muda de día llevando la cría viene un temporal, y si la hacienda da culata a la lluvia y el ventarrón es porque seguirá la tempestad”.

Le enseña, en definitiva, los secretos, los atajos, los misterios de los campos y los caminos. Le servirán después.

Al año siguiente, en 1908, un agrimensor de la gran ciudad lotea tierras en la llanura pampeana, lares salvajes que habían sido conquistados por los ferrocarriles sud y oeste de capital británico con el propósito de transportar el grano a los puertos. Es Eduardo Castex quien le dio nombre a Colonia Castex, la tierra prometida de la familia Vairoleto. Vittorio arrienda un terreno de casi 400 hectáreas del lote 22, tres leguas al norte de la estación, a la vera de los caldenares de la “isleta” del Monte Nievas.

“Parte del campo de los Vairoleto era monte de caldén, pero era buena tierra negra para cultivar. La familia entera trabajó para poner en producción la chacra, levantando la casa de adobe y chapas, cavando pozos de agua, limpiando el terreno, alambrando y haciendo cercos. Algunos materiales los proveía la compañía, y se cargaban en una cuenta. No les reconocían compensación por las mejoras, así que todo era precario. Hasta el número de vacas o cerdos que podían tener estaba reglamentado para que no excediera el mínimo de consumo familiar”, describió el historiador.

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«El gaucho era un bandido que podía contar con la solidaridad de los paisanos y a quien los pobres del campo solían ver como un vengador de las humillaciones que les infligía la autoridad», sostiene Chumbita, letrista de la canción que grabó León Gieco

Juan trabaja en un almacén. Antes o después, también es mozo, changarín, cuidador de plaza, alambrador, comerciante. Un joven próspero de no haber sido hijo de inmigrantes rurales de comienzos de siglo.

En 1915 cumple con el servicio militar en el Regimiento 2 de Lanceros del arma de Caballería en Ciudadela. Cuatro años después conoce en un prostíbulo el amor de Dora y la impunidad del cabo Farasch. Enamora a la prostituta y despierta la envidia del policía. Lo torturan y le prohíben amar. Es común que suceda. La excepción es la rebeldía, la insurrección.

«Soy un admirador de Vairoleto no porque sea mi abuelo, sino por lo que hizo, por lo que representó», dice Fabio Erreguerena, nieto del hombre y el mito, también sociólogo y Doctor en Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Cuyo. “Yo estudié sociología para estudiar a mi abuelo. Cuando estaba en la secundaria, le hice una consulta a la orientadora vocacional. Le conté que tenía un abuelo que había sido muy conocido en el pasado.

Yo quería saber qué carreras me daban más herramientas para poder entenderlo. Me recomendó historia o sociología”. A veces, cuando repasa la vida de su abuelo, le parece que está contando un cuento. A su mamá Juana, en cambio, la fábula alrededor de Juan Bautista Vairoleto no le simpatizaba: Erreguerena sabe que a ella le hubiese gustado más tener un padre que ser la hija de una leyenda mitológica.

“Vairoleto es hijo de su tiempo”, resume Erreguerena. “Ese tipo de gente vivía en la más absoluta indefensión. Era la época del caballo del comisario: no había justicia, la policía era absolutamente discrecional, el Estado no llegaba, no había leyes que los protegieran”. Vairoleto ha matado a un policía a sangre fría enfrente de todos. Tiene que huir. Los persiguen tres oficiales y el auto Ford TT cedido por un hacendado.

Se esconde primero en los ranchos de su hermano Simón, confunde a un tenaz policía y escapa al galope hacia las profundidades de los montes y los rincones de las chacras de los campesinos que le dan cobijo porque saben la historia completa de Dora y Farasch.

Castex tiene tierras fértiles, prostíbulos, comercios de ramos generales, montes y la “policía brava”, una institución que aplica la ley sin protocolos ni miramientos, con arbitrariedad y descaro. Vairoleto se refugia en el monte de caldenes. Alcante, el arriero, su padrino, le había enseñado todo. Los forajidos y desamparados como él sobreviven en los bosques del árbol endémico de la Argentina y símbolo de la geografía cultural pampeana.

Dispone del calor por la provisión de leña y del alimento por la caza de animales salvajes. Las estrellas lo ubican, la vegetación lo camufla, los pobladores lo asisten cómplices. Pero él no se asume un asesino: había matado al cabo para no volver a ser víctima de los abusos y las torturas. La leyenda dice que rechaza una propuesta económica para matar a dos políticos del pueblo. No quiere seguir escondiéndose.

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La ficha de un pedido de captura de «Vairoleto ó Bairoletto ó José Ortega». Detallaban que tenía pelo rubio, barba roja y ojos verdes

Vittoro muere el 12 de diciembre de 1919. Juan, un prófugo que vive en la clandestinidad del monte, es intensamente buscado por la policía. Su ética lo confronta: no puede ausentarse al sepelio de su padre. La policía monta un operativo señuelo. Pero la familia pospone el entierro y lo desdobla por días. La ceremonia se llena de familiares y curiosos.

El pueblo, en solidaridad con él y en plan fisgón, hace bulto. Una mujer vestida de largo luto, con un bebé en brazos y un niño sujeto a su falda, llora frente a la tumba durante horas. Es él y ha engañado una vez más a los policías opresores. Los mitos rurales no cuestionan la veracidad del cuento_> lo prefieren así idealizado.

Cinco meses después, Vairoleto cae. En verdad, negocia un acuerdo: una entrega voluntaria a cambio de la garantía de que no lo mataran. Desea someterse a un juicio justo y purgar su pena en prisión para dejar de huir: ha vuelto a la ley. Es trasladado a una cárcel inhóspita de Santa Rosa, La Pampa. El proceso se extiende trece meses. El primer día de julio de 1921, el juez Rafael Allende ratifica la exención de condena y el sobreseimiento.

El fiscal Sixto Rodríguez expuso: “No siempre la policía es prudente al intervenir, y si estaban ambos enemistados, el ataque del que fuera objeto el procesado ha sido capaz de producir la reacción que ocurrió. No encuentro que haya exceso en la defensa si la víctima hizo ademán de sacar un arma. La actitud de la víctima, en consecuencia, justifica la acción del procesado. Está exento de pena en cuanto al hecho, no así por haberlo ocultado, pena que, sin embargo, ha cumplido en exceso. Corresponde sobreseer».

Vuelve, con ínfulas de héroe, a Castex, a su casa, al prostíbulo, a Dora. Pero él y las cosas ya no son las mismas. La cárcel lo había endurecido. La bailarina está en pareja. Su fama lo condiciona. No tiene plata ni trabajo. Sus vínculos en los comités partidarios le proporcionan tanta seguridad como señalamientos. Acepta un empleo como matón de un partido político, lo que activa la persecución opositora. Lo acusan de robos, de agresiones. Lo meten de nuevo en la cárcel. Lo sacan, lo vuelven a meter. Se cansa. Se va. Huye de Castex.

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El santuario donde yacen los restos de Juan Bautista Vailoreto. Cuando murió, a su sepelio en General Alvear, se acercaron miles de campesinos pampeanos

Primero Victorica, después Telen. Más tarde, otra vez la cárcel por la acusación de un robo a un comercio. Una causa, tal vez, armada por la víctima y desarmada por un comisario amigo le consume un año de su vida en la misma prisión de Santa Rosa. Tras su liberación, la confirmación de que le depararía una vida errante, fuera de la ley, sin rancho, sin patrones.

“En el monte pampeano siembra el mito con toda su fuerza. Nuestro oeste es el territorio de frontera, es el lugar de divorcio y de encuentro, de interacción de dos mundos, el pasado y el presente, la civilización y la barbarie, el campo y la ciudad”, reflexionó el historiador local Chumbita.

Lo que pasará después es la construcción del Vairoleto mito: el ladrón noble, el «Robin Hood de las Pampas». Sus primeros robos sirvieron para subsistir. Los siguientes fueron para congraciarse con su gente. Su nieto, el sociólogo Erreguerena, describe el contexto precapitalista de los medios de producción: “Estaba desapareciendo el gaucho original producto de la propiedad privada y el avance del capitalismo.

Estos bandoleros sociales eran entendidos como los representantes de esos gauchos, que eran famosos por su rebeldía, por su dignidad, frente a una autoridad que no tenía frenos ni control, que se caracterizaba por constantes excesos, sobre todo en ámbitos campesinos. Estas personas no doblaron la espalda y tuvieron la dignidad para enfrentarse al poderoso: al aparato del Estado, la policía, los jueces”.

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El predio Juan Bautista Vairoleto en General Alvear. Los campesinos posan al lado del cartel que reza orgulloso «la tierra que eligió»

Sus anécdotas, promovidas por las canciones, los poemas, los libros y las fantasías de los pobladores, construyen una vida inmaculada, maquillada de inocencia. Las versiones permiten corregir o difuminar sus delitos: convierten sus crímenes en ajusticiamientos. Sus muertes no eran de él, sino de sus cómplices. La realidad se confunde en los pliegos de su historia. Usaba un Winchester y un Colt. Dicen que era un eximio tirador. Asaltaba almacenes de ramos generales, estancias, haciendas, pagadores.

Dicen que le robó comida, dinero y ropa a un almacenero del campo “el Destino” de Winifreda que se quedaba con plata de sus vecinos, que robó para ayudarle a un campesino a no perder su tambo en manos de un terrateniente. Dicen que le regaló un caballo a un niño para que dejara de caminar kilómetros hacia la escuela.

Dicen que ayudó a un productor humilde hostigado por un prestamista. Dicen que no era codicioso, que viajaba con lo puesto, que robaba para compartir. Su guarida era la intemperie de los campos o los ranchos de los indios, los arrieros, los peones, sus confidentes. Dicen que también era un curandero con designios divinos: los animales “bichados” sanaban cuando les hablaba. Era admirado por su don de dignidad. Los desdichados lo premiaban por su rebeldía con comida, abrigo, hospedaje.

“Simbolizó con sus andanzas y gestos románticos la continuación de la rebeldía tradicional de los gauchos. Fue un héroe para los chacareros y los peones de la pampa seca, los hachadores del monte, los puesteros de las travesías y los paisanos indios de la meseta», apuntó Chumbita en su libro. “Eran actos ilegales para la legalidad formal pero que el pueblo avalaba explícita o implícitamente.

Esa admiración hacia el bandolero, hacia un conjunto de conductas penadas por la ley, lo convirtieron en alguien social. Era revancha: «vos conmigo podés, pero con Vairoleto no». Ese público los protegió, le daba caballos para que continuara su fuga, le daba cobija en su rancho, le daba comida. Estaba orgulloso de esa ayuda y lo contaba, lo amplificaba. E incluso, muchas veces, lo inventaba. La gente se apropiaba del mito y quería participar de su protección”, repasa Erreguerena.

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Telma Cevallos y sus hijas Juana y Elsa. La esposa de Juan Bautista Vairoleto falleció el viernes 23 de mayo de 2014 a sus 101 años

Había dejado de ser un bandolero del oeste pampeano. Lo perseguían policías de Chaco, Mendoza, Río Negro, La Pampa, Neuquén y San Luis. No quería volver a la cárcel. Era un justiciero fuera de la ley. Se convirtió en un forajido devenido a santo. Sobrevivía en la clandestinidad, entraba y salía, llegaba y se iba, duraba poco en cada pueblo. Era un nómade por obligación. “Vivía en complicidad con los campesinos; ya que al igual que él, repudiaban a la policía de aquellos tiempos por los excesos que cometían.

Se dice, también, que respetaba a los viajantes de comercio por considerar justo y sacrificado su trabajo: cuando éstos atravesaban su dominio él les pedía una ‘contribución voluntaria’ y los dejaba seguir viaje. Un hombre así será ayudado por todos, y cada uno: es considerado como un agente de la justicia e incluso un restaurador de la ética y a menudo él mismo se consideraba así”, repasa el trabajo “Vairoleto: El Bandido Santo” de la Universidad Nacional de La Plata.

Era un fantasma con connivencia popular. En la década del treinta, la policía lo hacía responsable de todos los asaltos y los crímenes. A los campesinos los invitaba a rebelarse. Sus vínculos anarquistas lo habían convencido: criticaba el sometimiento, la explotación, alimentaba los aires de alzamiento. Era un revolucionario de su época.

“Que hoy, a ochenta años de su muerte, todavía lo recordemos solo es explicable en el contexto en el que se desenvolvió: una Argentina en tránsito de una forma de producción típicamente feudal hacia la modernización. Lo que hizo Vairoleto es expresar ese malestar social: no había otros canales orgánicos por dónde transmitir su disconformidad y su rebeldía. Manifestó esa situación de injusticia, de destrato que había en el campo a comienzos del siglo pasado, cuando no había partidos de representación política. De hecho cuando empiezan a haber, el bandolerismo social desaparece”.

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Una película, un vino, un festival y una hamburguesería

Y Vairoleto desaparece de su marginalidad en 1939. Estaba en pareja con Telma Cevallos, la hija de un matrimonio de campesinos protectores del bandolero en General Alvear, Mendoza. Se conocieron cuando él tenía casi cuarenta años y ella, 25. Quería establecerse, retirarse, volver a ser anónimo, volver a trabajar la tierra, dejar de huir, dejar de ser perseguido.

El 29 de febrero del ‘39 nació Juana, su primera hija. Construyeron un rancho en la localidad de San Pedro del Atuel en un predio de diez hectáreas que obtuvo por intercambio de una serie de favores. El 28 de julio del año siguiente nació Elsa, su segunda hija. Ya no era Vairoleto. Se hacía llamar Francisco Bravo. Creía que viviría una vida mansa cosechando papas, zapallos y tomates. Pero se equivocó: pudo torcer su historia, pero no la de los otros.

Había conocido a Vicente Gascón, alias “el Ñato”, en sus andanzas por los poblados de La Pampa en 1927. Se cree que era un delincuente despiadado, frío, sin escrúpulos. La policía lo detuvo en una situación fortuita. Era otro prófugo.

Lo encarcelaron, lo torturaron y lo usaron para acercarse a Vairoleto. Le propusieron su vida a cambio de la de él. La traición se capitalizó la madrugada del 14 de septiembre de 1941. Guiados por “el Ñato”, el operativo policial rodeó el rancho del forajido. Los ruidos lo alarmaron. Había prometido no volver a ser agarrado con vida.

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En la localidad de Santa Isabel, La Pampa, inauguraron el 14 de septiembre de 2019 un monumento en honor a su memoria. Juana y Elsa, las dos hijas del bandido rural, estuvieron presentes

“Vairoleto tiene una muerte abrupta. En una redada, él se suicida. No lo mata la policía. La gente construye las historias a su gusto y las propaga. Son típicas las historias que aumentan sus virtudes: su infalibilidad para disparar, sus habilidades ecuestres, su manejo con el caballo, los asaltos en simultáneo. Hay una mezcla de verdad y de no verdad. Incluso la mentira tiene un efecto interesante: no es mentir con maldad, es exagerar, es darle más poder al mito”, expresa Fabio Erreguerena, hijo de Juana Vairoleto y uno de los nueve nietos del último gaucho alzado.

Lo describe Gieco en una estrofa de su canción homenaje al bandolero social: “Vairoleto cae en Colonia San Pedro de Atuel / el ultimo balazo se lo pega él / Vicente Gascón, gallego de 62 / con su vida en Pico pagó aquella traición / Sol, arena y soledad, cementerio de Alvear / en su tumba hay flores, velas y placas de metal / El ultimo romántico lo llora Telma, su mujer / muere fuera de la ley, muere fuera de la ley”.

Vairoleto y sus modificaciones gramaticales (”b” larga y doble “t”) inspiraron calles, comercios, festivales, vinos, hosterías, predios, canciones, poemas, obras de teatro, películas, documentales, un patio cultural en Chacharramendi, una historieta en la revista Fierro, una cervecería en Mendoza, una hamburguesería en Mar de las Pampas que apela al hashtag “la más buscada”. En Santa Isabel, La Pampa, inauguraron hace dos años un monumento en su honor. Lleva la bandera argentina, monta un caballo que salta un alambrado, mira hacia la tierra batida, encara hacia el río Atuel de Algarrobo del Águila, hacia sus huellas.

nuestras charlas nocturnas.


Oliver Stone 75 años cumplidos: el día que mató a un hombre, su papelón al recibir un premio y la fascinación por los dictadores


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Oliver Stone en el rodaje de Pelotón, la película que dirigió y escribió que significó su consagración en Hollywood

Infobae(M.Bauso)  —  El soldado de 21 años y unos pocos compañeros de su compañía quedaron aislados del resto. De pronto, en medio de la noche, los rodean los hombres del Vietcong. Espera que la oscuridad lo cobije. Se queda quieto, no quiere que ningún movimiento lo delate. De pronto la noche se ilumina. Una lluvia de disparos lo acosa. Se tira boca abajo, un tronco lo protege. En algún momento cree que la balacera será eterna. El enemigo dispara sin interrupción.

Cuando el ataque empieza a discontinuarse, cuando hay algunos intervalos de silencio, Oliver Stone, el soldado de 21 años, toma una granada, le saca la espoleta y la lanza con furia contra la noche apretada. Hay todavía más intercambios de disparos pero de menor intensidad hasta que llega el silencio y el amanecer. Cuando todo está quieto, Stone sale de su refugio y camina hacia donde había lanzado la granada. En una trinchera encuentra un soldado enemigo muerto. Quemado, mutilado, con medio cuerpo destrozado.

«No he dejado de ver esa imagen en mi cabeza. Pero no siento culpa. Él está muerto. Y yo vivo. Así es como funciona», escribió Oliver Stone en su libro de memorias Chasing The Lights sobre la primera vez que mató a un hombre.

Hoy Oliver Stone director y guionista cumple 75 años. A lo largo de su trayectoria cosechó premios, elogios, críticas feroces y muchas polémicas. En su discurso público siempre hubo denuncia. En sus películas mucho músculo, ritmo narrativo, nervio y la propensión al subrayado. De guionista de Expreso de Medianoche a documentalista dócil y permeable a populistas y dictadores.

Su padre, soldado norteamericano en París, conoció a su madre, joven y hermosa francesa en 1945. Se casaron y viajaron a Estados Unidos. El hombre se convirtió en un exitoso agente de bolsa. El matrimonio se fue desmoronando. Stone cree que ese casamiento fue un error, casi no se conocían cuando decidieron la boda. “Pero gracias a ese error nací”, escribió.

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Con uno de los Oscars que obtuvo por Pelotón en marzo de 1987 

Al terminar el colegio, Oliver ingresó a Yale. Pero al poco tiempo abandonó la universidad y viajó al sudeste asiático. Allí se dedicó a conocer y a ganarse la vida enseñando inglés. Dos años después volvería a la región pero ya convertido en soldado norteamericano para luchar en Vietnam. Estuvo casi dos años en la guerra. Fue herido de bala en dos oportunidades hasta que le dieron la baja. Al regresar a su país, decidió no decirle a sus padres de la vuelta.

Viajó por California, se sumergió en la lisergia y pasó por México. En la frontera lo detuvieron con 60 gramos de marihuana. Su padre y un abogado caro lo rescataron de la cárcel. Volvió con su progenitor a Nueva York. Alguien le propuso estudiar cine. Como no tenía demasiado que hacer siguió el consejo. Allí tuvo como maestro entre otros a Martin Scorsese. En esos años escribió un guión que tituló Platoon, Pelotón, sobre sus experiencias en Vietnam. Pero nadie quería filmar una historia así a principios de los setenta, nadie quería escuchar demasiado sobre ese tema.

Logró vender otro guión por 5.000 dólares. Aunque nunca se filmó, le abrió las puertas de Hollywood. En 1974 filmó Seizure, una película de muy bajo presupuesto y sin ninguna repercusión.

La gran oportunidad le llegó con Expreso de Medianoche. Adaptó un best seller (plano, sin demasiado interés) sobre los padecimientos de un extranjero en el sistema carcelario turco. Ni a Alan Parker, un inglés frío y cerebral, ni a los productores les gustaba demasiado este guionista algo inestable y desalineado. Pero cuando leyeron la primera versión del guión se dieron cuenta de que había hecho un gran trabajo.

Se alejó del texto original para apropiárselo, agregando suspenso y violencia. Eso provocó que, una vez estrenada la película, las autoridades turcas reclamaran por la imagen que el film daba de su país. También significó el lanzamiento de Oliver Stone. El guión fue nominado a cada premio posible esa temporada.

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Con Val Kilmer en la filmación de The Doors

Llegó solo y faltaba bastante tiempo para la ceremonia. Los juntó la falta de compañía, no pertenecer al ambiente y estar representando a la misma película. Oliver Stone iba y venía entre las mesas, vaciando copas y tragando Quaaludes, junto a una de las nuevas sensaciones de Hollywood, Brad Davis. El tercero era Billy Hayes, el que había sufrido en carne propia en la vida real lo que Davis interpretaba en la película.

Era la entrega de los Golden Globes y los tres estaban en un evento de esa magnitud por primera vez. Veían pasar a monstruos sagrados, a las estrellas vigentes y a las hombres y mujeres con más belleza del momento. Alguien ofreció cocaína. Los tres, sin separarse, fueron al baño. Antes del comienzo de la ceremonia ya habían aspirado varias líneas, tomado tragos, varias copas de vino e ingerido unos cuantos sedantes.

Cuando llegó el turno del premio al mejor guión adaptado, Oliver Stone se tensó en su asiento. Pero para él todo ocurría en un ambiente neblinoso, la voz de los presentadores la oía en sordina. No se preocupaba porque no iba a ganar. Warren Beatty o Neil Simon se iban a llevar el premio principal. De pronto escuchó -en realidad le pareció escuchar, no estaba seguro- su nombre. Una cortina de aplausos y alguien que le pega un codazo en las cotillas mientras otra manos palmea su espalda. Oliver Stone se para sin estar convencido de estar haciendo lo correcto.

Con paso tambaleante llega al escenario. Un segundo de lucidez: se lamenta por no haber escrito un discurso de agradecimiento en la previa. Empieza tratando de desmontar una ola de críticas que señalaba que su guión era muy duro con Turquía. Pero él quiere hacer una denuncia. Eso está en su interior. Ese es su momento de hablar de las injusticias y desigualdades, de lo mal que están las cosas en Estados Unidos. Esa tendencia al discurso político fuerte (y algo obvio) es casi natural en él. Pero no puede articular sus frases, está demasiado intoxicado. En segundos todo es una bola de palabras sin sentido, un menjunje confuso e inentendible.

Él se calla, busca las palabras, no las encuentra. De pronto, surge algún silbido del fondo de la sala. Se suman varios más. Otros, envalentonados, abuchean. Chevy Chase, el conductor de la ceremonia, toma el brazo del guionista de 33 años y con amabilidad pero firmeza lo retira del estrado y lo acompaña hasta bambalinas. Los abucheos ahora ocupan todo el espacio sonoro. Era tan malo el estado de Stone que Chevy Chase parece un monje de clausura.

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Oliver Stone dirigiendo a Kevin Costner en JFK

Apenas se cruza con Alan Parker, el director de Expreso de Medianoche, este lo insulta: «Esa era tu posibilidad de ganar un Oscar y la acabas de tirar a la basura. Desperdiciaste algo que nunca te va a volver a pasar. Y además perjudicaste a la película».

A la mañana siguiente, Oliver Stone peleaba contra la reseca en su oscura habitación de hotel cuando lo llamó su agente. El guionista se quiso disculpar. “No te preocupes”, le dijo el manager. Y le explicó que la ceremonia no fue televisada en directo y que la parte en la que él había farfullado había quedado fuera de la edición final.

Unos meses después, llegaron los Oscars. Otra vez el premiado fue el guión de Expreso de Medianoche. Esta vez Stone subió al estrado saludó a esa efigie en la que se había convertido Lauren Bacall y a Jon Voight y agradeció el premio breve y velozmente. Había aprendido la lección.

Stone, mientras tanto, quería aprovechar su momento para conseguir que se filmaran esos dos guiones que él mostraba a cada productor con el que se cruzaba. Pelotón y la adaptación de Nacido el 4 de julio de Ron Kovic. Pero en esos años se filmaron y estrenaron El Francotirador, Apocalypse Now y Regreso sin Gloria. Stone pensó que ya no había lugar para su historia.

Mientras tanto dirigió una película chica protagonizado por Michael Caine, La Mano (tampoco tuvo éxito, aunque años después fue un módico suceso en el mercado del VHS). Su siguiente gran aporte fue el guión de Scarface. Su relación con Brian de Palma no fue fluida. Stone no soportaba como los directores se apropiaban y modificaban sus guiones. Buscaba ser director. Luego de participar en el guión de Conan pasaron unos años en los que la adicción le quitó eficacia a su producción.

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Con Fidel Castro en el rodaje del documental Comandante

Salvador marcó su despegue como director. Filmada en México mostraba a través de los ojos de un fotógrafo los tiempos revolucionarios en América Central. James Wood (que maltrató tanto al personal mexicano en el set que recibió un apercibimiento de las autoridades locales que si no deponía su actitud sería echado del país) se consagró con su protagónico.

Cuando ya había perdido las esperanzas, un productor reflotó Pelotón. En las negociaciones, Stone logró que confiaran en él para la dirección. Mientras terminaba Salvador comenzó la preproducción. Salvador no fue bien recibida por la crítica, su mensaje era molesto para esos tiempos y el público no la acompañó al principio. Oliver Stone creyó que Pelotón podía ser su última película. Pero mientras viajaba a Filipinas para empezar el rodaje surgió otro imprevisto.

Cory Aquino vencía en las elecciones a Ferdinand Marcos que junto a Imelda se negaba a abandonar el poder y sus prebendas. Una revolución paralizó el país. Pelotón estuvo a punto de suspenderse. Pero la obstinación de Stone le permitió seguir adelante.

La película por primera vez mostraba la visión de un ex combatiente. El nivel de realismo fue alabado por todos. Stone volvió a los Globos de Oro y a los Oscars con toda la gloria. Mejor director y mejor película. Después fue el turno de la segunda parte de la trilogía de Vietnam, su otro proyecto postergado, Nacido el 4 de Julio. Cuando quiso filmar por primera vez la historia, Al Pacino interpretaría a Ron Kovic. Pero había pasado más de una década. La opción elegida fue otro acierto: Tom Cruise. Esta película le valió otro Oscar como mejor director.

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Oliver Stone junto a Hugo Chávez en la presentación del documental sobre éste en el Festival de Venecia

La siguiente década de Stone fue muy prolífica y exitosa. Personajes fuertes, películas impactantes, eficaces narrativamente, en las que a veces se extrañaban los matices y molestaban algunos subrayados. Wall Street y Gordon Gekko, Jim Morrison y The Doors, JFK y el fiscal Jim Garrison. Con Natural Born Killers hizo con el guion de Tarantino lo que De Palma y Alan Parker hicieron con los suyos: lo modificó tanto que Quentin se enojó y pidió ser quitado de los créditos.

Quiso filmar Evita. Buscó locaciones en Argentina, escribió el guión, negoció con las autoridades. Pero luego el proyecto pasó a Alan Parker que fue quien finalmente la dirigió con Madonna en el papel central.

Después se metió con Nixon y hasta con Bush hijo. A fines del milenio otra gran película que por fin le permitió dirigir a Al Pacino: Any Given Sunday, la frenética inmersión en la NFL.

Ya en el nuevo siglo sus películas perdieron centralidad y repercusión. Sus opiniones políticas se radicalizaron y se volcó a los documentales. Recorrió Latinoamérica para entrevistar a los líderes de los distintos países que asumieron en la ola populista: de Evo a Kirchner, de Lugo a Chávez. Su fascinación por Fidel Castro quedó plasmada en Comandante.

También le dedicó una obra a Chávez y otra Putin. Estos documentales esquivan los matices y su mirada es benevolente y poco profunda, sin el menor atisbo a la crítica que reserva para el capitalismo de su país.

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Este año publicó sus memorias llamadas Chasing The Lights

Sus intervenciones públicas adquirieron también cada vez mayores certezas y desbordes. Relativizó los crímenes de Hitler con comentarios rayanos en el antisemitismo, hizo un tardío elogio del stalinismo (soslayando sus matanzas, purgas y demás asesinatos masivos) y apoyó a los líderes con menos vocación democrática de América como Chávez y Castro.

Unos meses atrás publicó Chasing The Lights, sus memorias que llegan hasta la filmación de Pelotón. Un libro interesante que muestra su pulso de narrador.

Hoy Oliver Stone con 75 años sigue filmando. Ya no le alcanza con la ficción. Produce y dirige documentales con los que pretende intervenir en la realidad, dar su punto de vista de una manera en la que no queden dudas de lo que piensa, productos de los que le preocupa que den un mensaje unívoco, poco complejo pero contundente.

nuestras charlas nocturnas.


China está votando al edificio más feo del país (y es difícil elegir solo un ganador)…


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Manzhouli Matryoshka Hotel en Mongolia Interior.

ACV(A.N.)  —  Vivimos en un mundo plagado de megalópolis, hiperconectado y, sin duda, cada vez más superpoblado. Hace tiempo que nos acostumbramos a alzar la cabeza al cielo y observar enormes estructuras imposibles que albergan vida en su interior, y que maravillarían a cualquiera que formase parte de la construcción de la torre de Babilonia. Entendemos que a la hora de construir un edificio es especialmente importante que sea funcional, pero a veces la estética se agradece.

Sin embargo, lo ecléctico está a la orden del día y no es descabellado alzar los brazos al cielo y gritar con horror cuando observamos ciertos edificios que no son solamente un insulto a la vista, sino también al sentido común o la decencia. Pero hasta ellos se merecen, de vez en cuando, cierta consideración.

O eso al menos es lo que han pensado en China donde, en plena crisis del gigante inmobiliario Evergrande, que hace temer una quiebra como la protagonizada por Lehman Brothers en 2008, el sitio web de arquitectura archcy.com continúa convocando (y ya lleva once años) un curioso concurso para elegir los edificios más feos del país. Y vaya que si hay donde elegir. Cada año compiten obras arquitectónicas por este dudosamente honorable título, y gracias a ello nosotros las conocemos.

Este año 2021 compiten en total 87 edificios en este infame concurso, pero los de otros años se han llevado la palma. Los organizadores pretenden, con ello, “provocar reflexiones sobre la belleza y la fealdad de la arquitectura y promover la responsabilidad social de los arquitectos”. Aquí te dejamos alguno para que juzgues, aunque nunca está de más recordar que la belleza está en el ojo del que mira (o eso dicen).

Hotel Lianzi de Langfang

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Colorido, por lo menos, es. A primera vista podría ser una construcción del siglo I a.C, pero lo cierto es que se trata de un lujoso hotel que se encuentra en la localidad de Yanjiao (provincia de Hebei). En 2001 entró en el Guinness de los Récords por ser el hotel más fotografiado del mundo (normal), y ganó el concurso en una edición pasada (normal también).

Los tres señores que representa son, en realidad, los tres dioses taoístas Fu, Lu y Shou (o felicidad, prosperidad y longevidad). Como curiosidad: la entrada se encuentra en el pie de Shou, de larga barba blanca, y el melocotón que sujeta en su mano izquierda es una suite. Puestos a elegir, mejor dormir ahí que, por ejemplo, en una oreja.

Museo Internacional de Arte Infantil de Xi’an, Shaanxi

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El arquitecto debió concebir esta curiosa obra durante un mal viaje ocasionado por el LSD tras ver la película de Dumbo cinco veces seguidas. Lo cierto es que no es apto para tropofóbicos, pero por lo menos es un museo así que esperamos que lo que hay tras sus puertas supere lo que hay fuera. Aunque está difícil.

Hotel Wild Jie, Huzhou, Zhejiang

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Esta cosa existe y está en China. Y después de verlo el Museo Internacional de Arte Infantil de Xi’an ya no parece tan feo. En él no vive una comuna de aliens venidos desde Raticulín y tampoco es la residencia de verano de Frodo Bolson y compañía.

Es el primer proyecto de ‘hotel cueva’ en China (la construcción tiene aproximadamente 2.000 metros cuadrados) y cuenta con amplias suites, sin embargo está en la lista no solo por su dudosa belleza, sino porque según las personas que han pasado una noche ahí, es muy parecido a sentirse como ‘un percebe encerrado’.

Manzhouli Matryoshka Hotel

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No hay mucho que decir al respecto. Es una matrioshka. Si no has tenido ocasión de viajar a Moscú, pero siempre has querido ver una matrioshka en tamaño grande, tienes oportunidad de hacerlo alojándote en este curioso hotel en Mongolia Interior.

Y, para que no te olvides de que estás dentro de una matrioshka se encargan de recordártelo continuamente porque su interior está lleno de… ¡matrioshkas! Como no podía ser de otro modo, claro. Nunca son suficientes.

Casa al revés en Daping, Chongqing

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A imitación de otra que hay exactamente igual en Taipei, las casas al revés causan sensación porque sorprendentemente hay varias repartidas alrededor del mundo. A los arquitectos de archcy.com, sin embargo, no les ha convencido, porque está en el puesto seis de su ranking.

Baratas no son (la de Taipei costó lo que serían unos 600.000 euros), aunque por lo menos atraen muchos turistas. En concreto la de Daping tiene 12 habitaciones que desafían la gravedad sin mucho esfuerzo.

La iglesia violín de Yongpin

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En España tenemos un sinfín de curiosas iglesias y catedrales, pero eso de que tengan forma de instrumento musical aún no lo hemos practicado. En la aldea de Yongpin se encuentra esta curiosa construcción que se alza tercera en la lista. Fea no es. Bonita, pues tampoco. Quizá los feligreses oigan la voz de Dios acompañada de un cuarteto de cuerda cada vez que cruzan su puerta.

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