Hacía reír a millones y ganaba fortunas, hasta que su esposa lo mató de tres balazos mientras dormía …

Phil Hartman era el hombre de la risa. Durante los años noventa hacía reír a millones de familias norteamericanas frente a la pantalla de televisión desde el show Saturday Night Live. También doblaba a varios personajes de la célebre serie Los Simpson, trabajaba en radio y ya había filmado algunas películas. Su estrellato era un hecho consumado.

En 1998, antes del estreno del filme de ciencia ficción Pequeños guerreros, donde Phil tenía un papel secundario, le reconoció al director Joe Dante que sentía que su vida estaba en franco ascenso vertical: “Tengo un avión, tengo un barco, tengo una gran casa, tengo una gran familia. De hecho, tengo todo lo que siempre he querido. ¡Y me siento genial!”.

La vida reía con Phil. Por lo menos la profesional, porque la afectiva estaba descarrilándose sin que él pareciera tener demasiada consciencia de ello.

Phil Hartman, la estrella de la tevé, no llegó a ir al estreno de su nueva película. Una noche, mientras dormía en su gran casa, con su gran familia, una mano amada le acercó la muerte con tres disparos.

El éxito del humor

Philip Edward Hartman había nacido en Ontario, Canadá, el 24 de septiembre de 1948. Cursó el secundario en el colegio Redondo Union y, luego, estudió diseño gráfico en la Universidad Estatal de California.

Durante los años 70 comenzó a trabajar como dibujante y diseñador. Fue el encargado de plasmar varias tapas de discos de distintos grupos del momento, e incluso les creó sus logos.

En 1970, se casó con Gretchen Lewis, pero el matrimonio duró muy poco. En 1982, ya divorciado, volvió a casarse con Lisa Strain.

Phil Hartman era un hombre cambiante y arremetedor, y no estaba muy contento con su vida profesional, sentía que su vocación era otra. Le gustaba actuar, el humor. Así fue que comenzó, con un grupo de colegas, a especializarse en improvisaciones cómicas. Otra vez su pareja hizo agua y, en 1985, se separó de Lisa.

Desafortunado en el amor… confirmó el dicho siendo afortunado en su trabajo. El humor rindió frutos, y un día de 1986 lo llamaron para el programa más famoso de la televisión americana: Saturday Night Live, de la cadena NBC.

De ese mismo programa habían salido estrellas de la talla de Eddie Murphy, Whoopi Goldberg y Chevy Chase. Phil no desperdiciaría la oportunidad. Tenía 38 años y sentía que estaba tocando el cielo con las manos. Trabajó en el show, con mucho éxito, durante ocho años y se convirtió en uno de los cómicos más populares y queridos de los Estados Unidos.

Phil había conquistado a las familias norteamericanas. Pero no solo era comediante, también era guionista, actor de voz, actor de televisión, de cine y de teatro. El sendero del éxito estaba asegurado.

Con su carisma y su humor se animaba a imitar a cualquiera. Bill Clinton, Ronald Reagan, Frank Sinatra, Jack Nicholson… nadie se salvaba de su sátira. El público deliraba con él porque era un maestro haciendo voces e imitando. Hasta con los personajes más miserables y egoístas arrancaba carcajadas.

La tercera es la vencida

Mientras su público lo miraba encandilado, él se encandiló con una belleza llamada Brynn Omdahl, que jugaba a ser modelo de trajes de baño, pero que en realidad moría por ser actriz.

Nacida en Minnesota, Brynn se había aburrido tempranamente de su vida familiar y del estudio.

Abandonó el secundario para casarse con Douglas Torfin, un operador telefónico de su ciudad, pero enseguida el matrimonio le quedó pequeño, quería más. Se separó y empezó a modelar para sacarle provecho a su altura y a su físico.

A los 18 años ya había cambiado de nombre muchas veces… Vicky Jo, Brindon, Brynn. El patrón de la inseguridad estaba marcando el ritmo de su camino.

Con Phil se conocieron en una cita a ciegas el mismo año que él empezó a descollar en el mundo del espectáculo. Brynn deseaba con toda su alma ser famosa. Como lo era él.

En algunos artículos de la época puede leerse que en la tercera cita quedó embarazada. No podemos confirmarlo, pero lo cierto es que Phil, según sus amigos, cayó rendido. Brynn era alta, simpática y una auténtica belleza.

Phil y Brynn, nueve años menor que él, se casaron el 25 de noviembre de 1987. Poco tiempo después, nació el primer hijo de la pareja: Sean Edward Hartman. Luego del nacimiento, Lisa, la segunda ex esposa de Phil, le mandó a Brynn una nota de felicitaciones.

Brynn le respondió con cuatro páginas con comentarios horribles. Esto lo reveló la misma Lisa Strain: “la nota estaba llena de la hostilidad más deleznable que se pudiera imaginar”. Tan fuera de tono era el mensaje que Lisa llamó a Phil y le preguntó sorprendida con qué clase de persona se había casado. La respuesta de él también fue sorprendente: “¡Deberías ver la carta que quería enviarte originalmente!”.

En 1992, nació Birgen Anika Hartman. En esa época vivían en un pequeño departamento en Manhattan. Mientras él grababa, Brynn tomaba clases de teatro y seguía insuflando sus sueños de convertirse en actriz mientras se ocupaba de los chicos.

Phil hacía todo lo posible porque su matrimonio con Brynn funcionara, pero su carrera le consumía demasiada energía. No prestaba atención a las frecuentes protestas de Brynn sobre su propio futuro laboral.

Minada por la inseguridad

A Brynn la maternidad no le reemplazaba su deseo de brillar en alguna cartelera de Broadway o Hollywood.

Enojada con la falta de oportunidades, le confesó a su amiga Suzan Stadner que se sentía muy frustrada. Y mencionó el hecho de que en el show Saturday Night Live, Phil aparecía al principio con Brynn sentado en un bar, pero el director no quería que ella estuviese en la zona más iluminada.

Phil, por el contrario, seguía coleccionando aplausos y ganó un premio Emmy como guionista del programa.

Estar en segundo plano, a la sombra de su marido, la inundó de celos. Sería injusto decir que Phil no intentó que Brynn creciera laboralmente. ¡Hasta escribió una serie para poder hacer juntos! Pero la cadena televisiva no estuvo interesada en ese proyecto. En una palabra, no les interesaba Brynn.

Esto quedó claro en 1995, cuando le dieron a Phil su propia telecomedia: NewsRadio. Fue un éxito rotundo. Phil seguía escalando y Brynn, tragando envidia. A sus ojos era injusto que no le llegaran ofertas… El único papel que había conseguido había sido en una película para interpretar a una camarera que decía ¡dos frases!

Su sentimiento de inseguridad era inversamente proporcional al éxito de Phil. Brynn empezó a beber cada vez más y a consumir cocaína. Sus amigos empezaron a temerle porque tenía serios problemas para manejar su temperamento, perdía el control con facilidad.

Extraviada entre sus deseos no materializados, empezó a creer que para cambiar su futuro laboral tenía que modificar su exterior… su cuerpo. Así comenzaron las cirugías estéticas. Metza Giezing, la niñera de los chicos de los Hartman cuando vivían en Nueva York, dijo que la idea de una de las cirugías de cara había sido del mismo Phil: “Él pensaba que su cara era demasiado redonda y que su mentón podría ser más cuadrado”.

Como si una barbilla geométrica pudiera convertirse en un buen timón para un barco encallado en el desierto de la baja autoestima.

Quizá lo del mentón redondo haya sido un mal chiste de Phil, quizá fuese la necesidad de Brynn o, quizá, solo era un síntoma más de la tormenta que se avecinaba.

El alcohol y las drogas fueron el refugio que encontró Brynn, pero también lo que terminó de profundizar la grieta que se había abierto entre los dos.

Reír de mentira

Phil, por su lado, optaba por no enfrentar los problemas. Escapaba. Cuando no estaba grabando y trabajando, estaba arriba de su propio avión. Cuando no tenía más remedio que estar en su casa, se escondía en la trinchera de la marihuana.

El abogado Steven Small, amigo de Phil, contó que el cómico le confesó: “Brynn me tira granadas para sacarme de allí, contó acerca de lo que sucedía cuando llegaba a casa y se refugiaba en su cueva. Una especial forma de ver la realidad a medias.

A principios de 1998, Brynn Hartman ostentaba tal nivel de alcoholismo y de abuso de cocaína que el asunto ya no podía ignorarse. Terminó ingresada en un centro de desintoxicación en Arizona. A los cuatro días se escapó. En mayo, la empleada que tenían en su casa renunció: las peleas de los Hartman eran para ella intolerables y permanentes.

Según contaban los amigos, los dos se acusaban mutuamente de impedir el divorcio. Esos amigos nunca pensaron que las cosas fueran tan graves.

Ese mismo año, los Hartman, en un rapto de cordura, intentaron recuperar la pareja. Empezaron a hacer senderismo juntos y recurrieron a planes compartidos en spas de lujo. Querían momentos de intimidad para remontar la relación.

El 25 de mayo de 1998, Brynn reservó el tratamiento Endless Courtship (cortejo sin fin) en el Skin Spa, de Encino Avenue, cerca de su casa. Era parte del programa que se habían impuesto para salvar el matrimonio.

Tres días después los dos faltaron a su cita con la vida.

Alcohol, antidepresivos y balas

Las peleas de la pareja solían desatarse por la noche. Cuando la cosa se ponía fiera, él optaba por retirarse de la escena y se iba a dormir. Por la mañana, todo parecía haber vuelto a la normalidad. Esos pensamientos mágicos suelen rodear a la peligrosa calma chicha.

Steven Small dijo a la prensa algo revelador: Phil le había contado que muchas veces se hacía el dormido para que ella lo dejara tranquilo.

La noche del miércoles 27 de mayo de 1998, Brynn salió a cenar con su amiga Christine Zander, productora de Cosas de marcianos. Fueron al restó italiano Buca di Beppo. Brynn bebió dos Cosmopolitan (tragos con vodka, triple sec y jugo de arándanos rojos). Eso y algo más… antidepresivos.

Al volver a su casa de Encino Avenue 5054, en la ciudad de Los Ángeles (una casona valuada en un millón y medio de dólares de aquel entonces), ya estaba ebria. La pelea habría comenzado cuando él le recriminó haber vuelto a las andadas con la bebida y las drogas y la habría amenazado con pedir el divorcio.

Según Steven Small, la pareja tenía un patrón de conducta y pelea repetitivos: “Ella quería conseguir su atención y sobreactuaba las discusiones y él simplemente se retiraba y se iba a acostar”.

Esa noche la discusión fue escuchada por todos los vecinos. Phil gritó, varias veces, la palabra “divorcio”.

Harto de todo, a las dos de la mañana, Phil Hartman se fue a la cama.

Pero aquella noche no fue como siempre. Luego de deambular furiosa por la casa, Brynn tomó varios antidepresivos más.

Debido al miedo que tenía Brynn a la invasión de fans y acosadores de celebrities por su exitoso marido, la pareja había comprado varias armas y las había escondido por la casa. Mala idea. Muy mala idea.

Cerca de las tres de la mañana, Brynn agarró un revólver calibre .38 y entró al cuarto sacada. Fue hasta la cama donde descansaba Phil y le pegó tres tiros. No sabemos si Phil dormía o si solo actuaba su sueño una vez más, pero los balazos le dieron uno en la cabeza, otro en el cuello y un tercero en el brazo.

Una vez descargada la rabia, Brynn se subió a su auto y manejó hasta la casa de un amigo, Ron Douglas. Le contó lo que había hecho. Douglas la vio tan borracha que no le creyó y le dijo que se acostara, pero Brynn perdió la conciencia. Douglas intranquilo revisó su cartera.

Se llevó una sorpresa: ahí había un revólver. Asustado la zamarreó un poco para despertarla y le dijo de volver juntos a la mansión Hartman. Regresaron cada uno en su auto.

En la cama ensangrentada estaba el cadáver de Phil. Douglas llamó a la policía a las 6;20 de la mañana y acto seguido fue a buscar a Sean, el hijo mayor de la pareja. Sean dijo haber escuchado varios “portazos” esa noche… Portazos que eran tiros.

Los policías llegaron enseguida y se encargaron de ir a rescatar a Birgen, de 6 años, que todavía estaba en su dormitorio. Salió aterrorizada.

En medio del revuelo y la confusión que reinaba en la enorme casa de los Hartman, Brynn sacó otro revólver calibre .38 de un escondite, corrió al piso de arriba y se encerró en su dormitorio. Se tiró junto al cuerpo de su marido asesinado y se pegó un tiro que ingresó por su ojo derecho. El balazo retumbó contra las paredes, y la policía se dio cuenta del descuido fatal.

Sean y Birgen eran, ahora, huérfanos.

Los cuerpos fueron cremados y sus cenizas esparcidas en la Isla Catalina, según pedía en su anticipado testamento el propio Phil.

Imperfecta vida

La autopsia encontró restos de alcohol, de cocaína y del antidepresivo Zoloft en el cadáver de Brynn. Todo mezclado podía haberle provocado un brote psicótico, dijeron los expertos.

Rita Wilson, mujer de Tom Hanks y compañera de Hartman en la película Un papá en apuros, al enterarse expresó espantada: “Es una tragedia indescriptible… ahora dos niños se han quedado sin las dos personas más importantes para ellos y con una vida llena de confusión por delante”.

Y Christine Zander, quien había pasado las últimas horas con Brynn, declaró que no entendía qué podía haber ocurrido, porque aquella noche se había mostrado de excelente humor e incluso habían hecho planes para el fin de semana siguiente.

Nadie comprendía cómo se había llegado a semejante drama. Él ganaba 50 mil dólares por episodio, tenían unos bellos y sanos hijos pequeños, vacaciones garantizadas… la vida parecía sonreírles. Incluso hubo quienes contaron que los Hartman habían estado hablando de que, en un par de años más, él podría retirarse y se podrían mudar a la isla Santa Catalina, un lugar que les encantaba y donde solían ir de vacaciones con los chicos.

La violenta muerte de la pareja provocó un auténtico shock entre los que los conocían y en la audiencia televisiva. ¿Qué le había pasado a la perfecta familia norteamericana?

La depresión de Brynn por su fracaso laboral y la peligrosa mezcla de sustancias eran una posible explicación postragedia.

La orfandad de sus hijos

Parece increíble la previsión que tuvo Phil al redactar su testamento cuando en el horizonte de su existencia solo brillaba el sol.

Los niños fueron enviados, durante unas semanas, a quedarse con John, un hermano de Phil, que era ejecutivo de una compañía de Los Ángeles.

Luego, como estaba estipulado en la última voluntad de su padre, partieron a vivir con la hermana de Brynn, Katherine Kay Wright (29) y su marido Mike, quienes no tenían hijos. Se criaron en Eau Claire, Wisconsin.

De Sean solo se sabe que está llegando a los 30 años, que vive en Oakland y que es un experto en artes visuales además de músico.

Birgen se graduó en periodismo y comunicación en la Universidad de Minnesota y, en 2018, se casó en una ceremonia en Italia. Su cuenta de Instagram tiene hoy más de 20 mil seguidores.

Como responsables de Sean y Birgen, los tíos que los criaron recibieron, también esto estaba explicitado en el testamento, 50.000 dólares. Otro tío materno, Gregory Omdahl, demandó por muerte injusta a la compañía farmacéutica Pfizer y al psiquiatra Arthur Sorosky, quien había prescripto la droga que tomó Brynn.

En mayo del año 2000, llegaron a un acuerdo para evitar el juicio y los chicos obtuvieron más de 10.000 dólares cada uno.

Además, en aquella precoz voluntad manifestada por el cómico, se establecían pautas muy claras: cada hijo recibiría un tercio de su herencia cuando cumplieran los 25 años o cuando obtuvieran un título de graduación de alguna universidad; tendrían derecho a la mitad de la herencia cuando llegaran a los 30 y entrarían en posesión del resto de los bienes cuando tuvieran 35.

La risa que envolvía la vida de los Hartman resultó como una de esas máscaras de carnaval de mueca siniestra… y explotó en mil pedazos.

Phil tenía 49 años y Brynn 40. “The end”.

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abril 11, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

A 30 años de “Innuendo”: historias y secretos del disco que Freddie Mercury grabó sabiendo que se moría …

Infobae(M.Bauso)  —  Faltaban todavía dos meses para que saliera The Miracle, el álbum que habían grabado luego de un parate de más de un año. Pero eso no importó. En marzo de 1989, Freddie Mercury citó a sus compañeros y les pidió que volvieran a entrar al estudio. Sabían que no quedaba mucho tiempo.

Se reunieron en los Mountain Studios de la ciudad suiza de Montreux, un lugar que ya habían utilizado para el anterior disco. Les sirvió para escapar de los periodistas ingleses que perseguían a Freddie por todos lados: entre intimidades sexuales y trascendidos sobre su salud, el cantante se había convertido en la presa favorita de los tabloides.

Las sesiones de grabación duraron más de siete meses. La metodología de trabajo la determinaron al comienzo pero los cuatro músicos sabían que las circunstancias determinarían la rutina. En un principio decidieron que grabarían tres semanas (la mayoría en Montreaux y algunas en Londres) y descansarían las dos siguientes. Esas dos semanas libres las utilizarían para que Freddie se recuperase y para que el resto se dedicara a proyectos propios. Además, en el medio, estaba el lanzamiento de The Miracle. Debían dar notas a medios de todo el mundo; de esa tarea se encargaron Roger Taylor y Brian May.

Durante ese trabajo promocional, May y Taylor tuvieron que responder recurrentes preguntas sobre la salud de Freddie. Mintieron cada vez. Decían que el cantante se encotraba muy bien. Querían que estuviera lo más tranquilo posible. “Escuchen cómo canta en el álbum. ¿Acaso parece alguien que está enfermo o desfalleciente?”.

En las semanas en que no grababan, Freddie descansaba en la casa que se había comprado recientemente a orillas del lago de Ginebra. Allí se sentía seguro y tranquilo. En sus últimos tiempos en Londres los paparazzis no lo dejaban tranquilo. Desde que unos años antes Paul Prenter vendió sus secretos sexuales al Sun, su presencia en los tabloides era constante. Esos medios estaban ávidos de nuevo material. Freddie vendía. Y el desmejoramiento físico los hacía montar guardias interminables para obtener al menos una foto.

El 18 de febrero de 1990, Freddie Mercury apareció por última vez en público. En los Brit Awards, Queen fue galardonado por su aporte extraordinario a la música inglesa. Los cuatro subieron al escenario. Quien tomó el micrófono fue Brian May. El discurso fue corto, como si no quisiera que su amigo estuviera expuesto mucho tiempo. Freddie estaba parado atrás, sostenía el premio. Estaba flaco, sin bigote, con un traje cruzado gris que camuflaba apenas su extrema delgadez. El rubor en las mejillas ocultaba su palidez. Cuando Brian terminó su intervención, Freddie se acercó al micrófono y saludó: «Gracias. Buenas noches». Esas fueron sus últimas palabras públicas.

La prensa a esa altura ya ni siquiera especulaba; afirmaba que Freddie estaba muy enfermo. El VIH estaba haciendo estragos y se presumía que lo padecía cualquier persona que se viera desmejorada y que hubiera adelgazado mucho. Taylor y May lo negaban de manera terminante:»Freddie no tiene Sida. Sólo está pagando momentáneamente una vida salvaje de rockero».

En el año que transcurrió entre esa última aparición pública y la entrada al estudio para grabar Innuendo, el estado de Freddie empeoró de manera evidente. Las fuerzas lo abandonaban. Nadie sabía qué podía suceder, cuánto tiempo aguantaría en el estudio y si su voz todavía conservaba algo de poder.

El título del disco, y del primer tema, lo aportó Freddie. La causa de inspiración fue bastante menos profunda o esotérica de lo que se podría suponer. Era una de las palabras con las que él solía sorprender a sus rivales en el Scrabble. Mercury estaba muy orgulloso de su habilidad en ese juego de mesa. Innuendo era una palabra derivada del latín que significaba un rpesagio, o era un eufemismo para nombrar algo malo que podría ocurrir.

La canción en especial y todo el disco es como un repaso por la carrera del grupo. Allí están sus temas, sus modos, sus obsesiones. El tema, que fue elegido como primer sencillo, es largo, más de 6 minutos. Tiene una estructura operística que hace recordar a Bohemian Rhapsody. Hay diversas partes, guitarras, arreglos vocales, grandilocuencia. También participa Steve Howe, de Yes, con una guitarra española. Su participación fue fruto de la casualidad. Descansaba en Montreaux cuando un asistente de Queen lo vio y lo invitó al estudio. Luego de escuchar el disco, Brian May le pidió que grabara una parte de guitarra para el tema inicial.

“Freddie estaba muy mal. Todos estábamos preocupados y pendientes de él. Intentábamos que la pasara bien. A pesar de esas circunstancias, fue un buen momento para nosotros. Tal vez uno de los mejores porque estuvimos más unidos que nunca”, dijo años después Roger Taylor. Los cuatro miembros se movían como una unidad. Todos estaban pendientes de Freddie y trabajaban con celeridad para poder llegar a grabar las canciones necesarias para editar un disco.

En algunos temas Freddie grabó la parte vocal desde la cabina de control. No tenía fuerzas para trasladarse hasta la sala del estudio. Su piel no resistía ni siquiera el uso de los auriculares. Debía estar sentado pero si permanecía en un sillón mucho tiempo los dolores se volvían insoportables.

Pero la voz se mantenía vital y luminosa. Por momentos parecía que cuánto peor estaba, mayor era su necesidad de grabar. Las canciones, extender su legado, era su paliativo.

Cada una de las canciones estaba firmado por Queen. Desde el trabajo anterior habían dejado de lado los créditos individuales. Sin importar quién era el que aportaba la mayoría de las ideas, los cuatro compartían la autoría de los temas.

Era una manera de reconocer la unión del grupo en los malos momentos, una reacción ante la enfermedad de Freddie.

Eso tenía también consecuencias económicas: las regalías ahora se repartían en partes iguales. Y ya no había tantas peleas en el momento de decidir cuál serían los simples de difusión, al quedar los egos de lado.

Ahora las canciones eran de todos. “Era algo que tendríamos que haber hecho hace muchos años”, explicó Brian May.

Los temas tuvieron diferentes orígenes. La que da título al álbum fue fruto de una tradición del grupo. Cada vez que se juntaban para iniciar la grabación de un disco, pasaban los primeros dos o tres días zapando.

Esas improvisaciones los hacían entrar en calor, volver a tomar confianza, engrasar al grupo. En ese relajado proceso previo encontraron lo que luego sería Innuendo. Otros temas estaban destinados a ser parte del disco solista de Brian May.

Pero los otros tres lo convencieron de que las comparta y de inmediato, con los aportes musicales de Deacon y Taylor, y con la voz de Freddie, se transformaron de inmediato en canciones de Queen.

All God´s People parecía condenada a no ver la luz. Escrita para Barcelona, el trabajo que Mercury grabó con la catalana Monserrat Caballé (Africa by night se llamaba en ese tiempo), fue dejada fuera del disco. Freddie la ofreció al grupo para The Miracle pero una vez más fue desechada.

Finalmente fue aceptada para este trabajo. Tal vez, el motivo haya sido que el rápido reingreso en los estudios los haya dejado sin material y tuvieron que echar mano a canciones que en el pasado no los habían convencido.

These are the days of our lives nació de unos apuntes de Roger Taylor. Al escribir la letra tenía en mente a sus dos hijos. Recordaba momentos de la infancia de ellos con cierta nostalgia. Pero esos mismos versos cantados por Freddie, por ese Freddie final, adquirieron un nuevo significado. El mensaje era otro. Y estremecedor.

El trabajo anterior también había estado rodeado de incertidumbre. En esos años ser HIV positivo era una sentencia de muerte. En The Miracle el deterioro de Freddie ya era evidente para sus compañeros aunque no supieran con exactitud cuán grave era la situación.

Por eso pequeños gestos, decisiones artísticas, se resignificaron con el paso del tiempo. En la tapa las caras de los cuatro están unidas, formando una sola. El último surco de su penúltimo LP lo reservaron para Was It All Worth It? (¿Todo esto valió la pena?), una especie de balance de la carrera. ¿Valió la pena entregar todo mi corazón, mi alma?, se pregunta el cantante.

En Innuendo, lo que era incertidumbre y temores se convirtió en certeza: Freddie estaba muy mal, no tendría la posibilidad de participar en muchas sesiones más de grabación. El tema que eligieron para cerrar el disco, con la convicción que sería el último con Mercury, fue The Show Must go on, otra evidente declaración de principios.

“Por dentro, mi corazón se está rompiendo, mi maquillaje se sale, pero mi sonrisa sigue ahí”, canta Mercury. Y eso era lo que estaba haciendo. La canción la había aportado Brian May. Al verlo derrumbado en un sillón, Brian le propuso a Freddie cambiar algunas partes y cantar él otras, las más exigentes.

Freddie lo miró con sorpresa y hasta con cierta indignación. ¿Para qué estaba él ahí? Cantar era su trabajo y eso iba a hacer. Hasta el final. Estiró con lentitud el brazo derecho, agarró un vaso de vodka que descansaba sobre la tapa de un piano y lo terminó de un solo trago. Se puso de pie, con esfuerzo, como si cada movimiento de su cuerpo debiera ser previamente urdido, y con decisión dijo: “Lo voy a hacer yo”. Y lo hizo.

The Show Must Go On se editó como simple a mediados de octubre de 1991, para acompañar el lanzamiento del segundo volumen de los Grandes Éxitos del grupo. Un mes antes de la muerte de Freddie Mercury.

Los videos, piezas indispensables para el éxito de un disco y campo en el que Queen fue pionero con Bohemian Rhapsody, mostraron también, a su modo, la fragilidad de Freddie. Blanco y negro, difuminados, animaciones, grandes capas de maquillajes y pelucas.

Modos de que no fuera tan evidente el avance de la enfermedad. Pero dos de esos videos son los que más impacto producen. El de The Show Must Go On es como un grandes éxitos visual del grupo, viejos buenos momentos de videos anteriores, el repaso a una carrera extraordinaria.

El de These are the days of our lives conmociona. En él hay poco artificio, casi nada de camuflaje más allá del maquillaje. Freddie canta con emoción y fuerza (uno se pregunta de dónde la saca) enfrentando la cámara, enfrentando la situación.

Está muy flaco, los pómulos se marcan, los ojos parecen más grandes, la piel traslúcida y los dientes enormes; se pueden adivinar cada uno de los huesos de esa cara. Freddie Mercury no se mueve. Los pies clavados al piso. Uno puede imaginar que a la altura de la filmación cada desplazamiento para él era un esfuerzo supremo. Pero la interpretación es enérgica, vital. Las manos subrayan las palabras y los ojos conservan el entusiasmo de antes.

Inuendo es eñ testa,emtp ,isocañ de Queeny, muy especialmente, el de su cantante. Es complicado juzgarlo, a pesar de las tres décadas que pasaron de su salida, sin tener en cuenta las circunstancias en que fue grabado. Freddie Mercury decidió morir de la misma manera en que vivió: cantando. Atrás habían quedado esas demostraciones de energía en el escenario, shows impactantes con un despliegue vocal y físico extraordinario.

Las fuerzas se habían esfumado, la salud lo había abandonado. Apenas se mantenía en pie. Libraba una batalla cuyo final era inminente. Sabía que le quedaba poco tiempo. No lo quería desaprovechar. Necesitaba hacer lo que mejor hacía. Cantar un poco más. Cantar hasta el final.

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abril 11, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Momentos para la historia, en fotos

Una bailarina demostrando que su ropa interior era suficientemente grande como para no mostrar nada no permitido después de ser detenida tras una operación policial encubierta

Dorothy Counts – La primera chica negra que fue a una escuela de todo blancos en los EEUU siendo objeto de ataques por gran parte de sus compañeros en la escuela Charlotte’s Harry Harding High School, 1957

Niño australiano recibiendo zapatos nuevos durante la segunda guerra mundial

Prisioneros judíos siendo liberados de un tren “de la muerte” 1945

Tumbas de una mujer católica y su marido protestante, 1888

Un hombre solitario no haciendo el saludo nazi 1936

Buscando trabajo en 1930

Soldados alemanes reaccionando a grabaciones de campos de concentraciones, 1945

Residentes del Berlín Occidental mostrando sus hijos a sus padres que vivían en el Berlín oriental, 1961

Acróbatas equilibristas en la cima del Empire State Building, 1934

Joe Masseria, jefe de la mafia, muerto en un restaurante de Brooklyn mientras sostiene un as de picas 1931

Pareja lesbiana en Le Monocle, Paris 1932

“El suicidio más bello”, Evelyn Mchale saltando a su muerte desde el Empire State, 1947

Los restos de Vladimir Komarov, un hombre que “cayó” del espacio, el primer muerto de la carrera espacial. 1967

Gente intentando impedir que Kathrine Switzer compitiera en la Maratón de Boston. Fue la primera mujer en terminar la carrera, 1967

Harold Whittles oyendo por primera vez, 1974

Nikola Tesla sentado en su laboratorio con su Transmisor Magnificador

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abril 11, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Cómo eran las relaciones sexuales de los neandertales …

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¿Robó Hitler el diseño del Volkswagen Beetle a un ingeniero judío? …

Vochomanía(M.Bureau)/misterios e historia  —  El diseño del mítico Volkswagen Beetle (“escarabajo”) siempre ha sido atribuido al dictador alemán Adolf Hitler. Este es un dato ya curioso por sí mismo, teniendo en cuenta que no es algo conocido por la mayoría. Pues bien, lo cierto es que el diseño no fue idea del Führer, sino que este le copió la idea a un judío.

En 1933 Hitler se entrevistó con Ferdinand Porsche para discutir sobre el desarrollo de un «Volkswagen» (automóvil para el pueblo), un vehículo que debería ser capaz de transportar a cinco personas a una velocidad máxima de 100 km/h (62 mph), y que pudiera ser adquirido a un precio económico. Además, debía ser resistente y de sencillo mantenimiento. La propaganda nazi quería llegar también al mundo del automóvil y quería presentar al mundo el «Volksauto» (coche del pueblo) como un triunfo del pueblo alemán.

Es probable que el nombre de «Escarabajo» (Beetle en inglés) fuera utilizado por primera vez por el New York Times, en un artículo publicado el 3 de julio de 1938, refiriéndose al parecido del auto con el insecto que lleva ese nombre. Sin embargo, el nombre oficial del coche fue «KdF-Wagen».

Hasta no hace mucho se pensaba que Hitler había creado el diseño original del Volkswagen Beetle, pero en el libro de Pablo Schilperoord, The Extraordinary Life of Josef Ganz – the Jewish engineer behind Hitler’s Volkswagen, se explica cómo el dictador le robó la idea a un ingeniero judío, borrándole posteriormente de la historia.

El ingeniero judío Josef Ganz, de Frankfurt, criticaba el concepto de los coches de 1920, producidos con ejes sólidos, centros de gravedad altos, y transmisiones ineficientes. En 1930, Ganz construye el primer prototipo de “su Volkswagen”. El prototipo tenía un chasis con un motor central, independiente de la suspensión con ejes oscilantes, y una carrocería abierta, con forma de escarabajo.

En 1931, Ganz construye un nuevo prototipo mejorado, con un estilo convencional que gustase más al público. Era un pequeño y revolucionario automóvil: el Maikäfer (“chinche” o “escarabajo”). El prototipo fue probado por la junta de directores e ingenieros de Mercedes-Benz. La empresa alemana desarrolló un coche con motor bóxer trasero de 4 cilindros y contrató a Ganz como ingeniero. Los fabricantes de la época competían por la creación de un coche ligero y aerodinámico con un motor trasero que ofreciera buenos resultados, pero fue Ganz el primero en comercializar un “Volkswagen”

Algunas patentes del ingeniero judío se utilizaron en el Standard Superior, vehículo con una carrocería de escarabajo que fue presentado en el Salón del Automóvil de Berlín, en febrero de 1933. Adolf Hitler fue el encargado de inaugurar la exposición. Durante su recorrido por el Salón mostró gran interés por el Standard Superior y la idea de un Volkswagen asequible para al pueblo alemán.

A partir de ahí, cambió la suerte para Ganz. La Gestapo le acusó de chantajear a la industria del automóvil y lo arrestó en Berlín en mayo de 1933. Estuvo en la cárcel hasta que pudo ser liberado gracias a ciertos contactos influyentes. No obstante, la Gestapo ordenó a Ganz a abandonar su puesto de ingeniero consultor en BMW y Mercedes-Benz.

En septiembre de 1933, se presentó una nueva y mejorada versión del Standard Superior, que empezó a comercializarse como el “Volkswagen más rápido y económico alemán”. Hitler se había reunido ese año con Ferdinand Porsche para negociar el desarrollo del Volkswagen. Porsche comenzó a producir “el coche del pueblo”, que costaba más de 1000 marcos.

Los nazis prohibieron a toda la prensa alemana publicar nada sobre Ganz. Así consiguieron eliminar cualquier relación judía con Volkswagen, borrando al ingeniero de la historia.

Josef Ganz ya manejaba un auto muy similar al que deseaba Hitler

Según Schilperood, tres años antes de ese encuentro entre Hitler y Porsche, Josef Ganz ya conducía un automóvil diseñado por él mismo al que había llamado Maikäfer (algo así como “mi coche”). Este vehículo tendría muchas similitudes con el Escarabajo desarrollado posteriormente por Porsche. De hecho Ganz habría estado trabajando en el automóvil desde 1928 y se dice que había muchos bocetos que lo demuestran.

Según se cuenta, el mismo año 1935, cuando se celebró aquel encuentro entre Hitler y Ferdinand Porsche, Ganz empezó a tener problemas con la Gestapo, por lo que huyó a Suiza. Moriría, en el completo anonimato, en Australia en 1967.

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abril 10, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Eróstrato, el hombre que destruyó una de las maravillas del mundo antiguo para pasar a la posteridad …

MuyInteresante(J.Álvarez)  —  El 21 de julio del año 356 a.C. un hombre sometido a tortura confesaba el porqué de su crimen al verdugo en presencia del mismísimo Rey de reyes, el soberano aqueménida de Persia Artajerjes III.

No era un monarca pusilánime precisamente pues, según la costumbre habitual, había mandado asesinar a buena parte de sus parientes para asegurarse el trono, así que tampoco iba a tener contemplaciones con aquel desconocido.

El motivo del tormento que mandó aplicarle era averiguar qué razón le impulsó a prender fuego al Templo de Artemisa en Éfeso y el reo no tardó en ceder, dando una explicación algo sorprendente: quería alcanzar la fama.

Hacerse notar atentando contra algo o alguien es un sistema que se ha practicado desde hace mucho, bien con el objetivo simple y llano de alcanzar cierta fama, bien para hacer propaganda de una ideología o bien por enajenación mental; en ese sentido, los políticos y las celebrities son carne de cañón, baste recordar al enajenado que disparó contra John Lennon para perpetuar su nombre o al que lo hizo contra Ronald Reagan.

Pero las obras de arte tampoco han escapado a ello y piezas maestras que no tienen precio han sido víctimas de esa práctica, como La Venus del espejo (acuchillada repetidas veces por una sufragista), la Piedad de Miguel Ángel (rota a martillazos por un perturbado), La Mona Lisa (quemada con ácido), La Sirenita de Copenhague (decapitada en actos vandálicos), etc. Algunas parecen atraer especialmente la atención de los agresores, como La ronda de noche de Rembrandt o la citada Gioconda, y han sufrido más de un ataque.

Probablemente el caso del Templo de Artemisa fuera el primero o, al menos, el primero del que tenemos noticia gracias a los relatos que hicieron dos historiadores: el griego Teopompo en el siglo IV a.C. (y que no conocemos de forma directa sino por otras fuentes, ya que se perdió toda su obra, incluida aquella donde figuraba la referencia, los cincuenta y ocho volúmenes de las Filípicas) y el romano Valerio Máximo en el siglo I d.C.

Escribía este último que «se descubrió que un hombre había planeado incendiar el templo de Diana en Éfeso, de tal modo que por la destrucción del más bello de los edificios su nombre sería conocido en el mundo entero». También Estrabón se hizo eco del episodio y posteriormente correría de boca en boca de otros autores, entre ellos Cervantes, que lo cita en el Quijote.

Y aunque Artajerjes prohibió so pena de muerte que se registrara el nombre del agresor para impedirle lograr su objetivo, al final la identidad trascendió porque Teopompo sí lo hizo: se llamaba Eróstrato.

De Eróstrato -que también se puede escribir con H inicial-, apenas hay datos biográficos, lo que lleva a deducir que probablemente era de clase humilde, quizá un esclavo, quizá un pastor, quizá un extranjero de visita en Éfeso.

Las historias que circulan sobre él son apócrifas e incomprobables, como ésa que le atribuye un ansia de notoriedad ya desde la infancia -incluso una marca de nacimiento que le predestinaba-, con un carácter colérico pero asceta que, sin embargo, no le impidió verse rechazado para la profesión sacerdotal por su baja condición, lo que le llevaría a tramar su incendiaria venganza.

Lo que cuenta la tradición es que le prendió fuego al edificio la misma noche en que nació Alejandro, el hijo de Filipo de Macedonia y Olimpia, aquel que un día sería designado como el Magno; un acontecimiento tan destacado que hasta la diosa Artemisa centró la atención en él y no se preocupó por proteger su propio templo.

Las llamas devoraron las vigas y otras estructuras de madera que sostenían los elementos de piedra y el edificio quedó destruido. Era el segundo, ya que el anterior, que se remontaba a la Edad del Bronce según los hallazgos arqueológicos, también se había venido abajo tres siglos antes, aunque en su caso por una inundación.

El rey Creso de Lidia se lo había encargado al arquitecto cretense Quersifrón hacia el año 560 a.C. y el segundo, una reconstrucción exacta, corrió a cargo de Demetrio y Peonio de Éfeso en torno al año 380 a.C. Es decir, que sólo seguiría en pie veinticuatro años, si bien después se procedió a una tercera reconstrucción.

Según Plinio el Viejo, el templo, conocido como Artemision, medía 115 metros de largo por 55 de ancho y contaba con 127 columnas jónicas de 18 metros de altura, un auténtico bosque pétreo organizado en forma díptera (en dos hileras) salvo en el frontal, que era tríptero (tres hileras) y el pórtico que llegaba a cuatro hileras.

La superestructura estaba hecha íntegramente de mármol y, en el interior, estatuas de Policleto y Fidias rodeaban un patio donde estaba el altar, rompiendo con la cella atechada clásica; por último, los relieves eran obra de Escopas.

Aquel monumento arquitectónico resultaba tan impresionante que Heródoto lo incluyó entre las Siete maravillas del mundo junto a la Gran Pirámide de Giza, el Mausoleo de Halicarnaso, los Jardines colgantes de Babilonia, el Coloso de Rodas, la estatua de Zeus en Olimpia y el Faro de Alejandría.

Eróstrato fue finalmente ejecutado pero consiguió su propósito. Es más, no sólo pasó a la posteridad sino que su nombre ha dado origen a un término con el que se describe a aquel sujeto que comete un acto criminal por notoriedad: erostratismo.

nuestras charlas nocturnas.

Fuentes

Vidas imaginarias (Marcel Schwob) / Arquitectura (Marvin Trachtenberg e Isabelle Hyman) / Dioses, templos y oráculos. Creencias, cultos y adivinación en las grandes civilizaciones del pasado (Francisco José Goméz Fernández) / Wikipedia / Eróstrato y la búsqueda de la inmortalidad (Fernando Pessoa).

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Los legendarios leones del Tsavo …

ABC(J.de Jorge)/National Geographic(J.Canal-Soler)/L.B.V.(J.Álvarez)  —  Entre 1896 y 1901 los británicos construyeron el Ferrocarril de Uganda, una línea de tren que unió el puerto de Mombasa con Kisumu, a la orilla del Lago Victoria, ambas en la actual Kenia.

Bautizado como Lunatic Express por la opinión pública británica, debido a su elevado coste y a su aparentemente baja rentabilidad, las dificultades en su construcción empezaron casi desde su inicio: terreno difícil, falta de mano de obra (los obreros tuvieron que traerse de la India), motines de los trabajadores, conflictos con las etnias locales como los masái, o enfermedades como la malaria y la disentería.

Los trabajadores dedicados a la construcción de la línea ferroviaria en Tsavo, Kenia, hace más de un siglo, vivían aterrorizados hasta el punto de que se negaban a ponerse manos a la obra.

Dos leones que merodeaban el campamento encontraron entre los obreros del Imperio Británico y los lugareños de la etnia Taita un bocado aparentemente irresistible del que dieron buena cuenta durante nueve meses.

Bautizados como los «devoradores de hombres», se les llegó a atribuir la muerte de 135 personas, aunque la compañía de ferrocarril solo reconoció 28 y estudios posteriores han ajustado las víctimas a 35.

Lo cierto es que estos animales fueron considerados la encarnación de los espíritus del mal hasta que el militar británico John H. Patterson, contratado para abatirlos, logró su propósito.

Ahí nació la leyenda, reflejada en tres películas de Hollywood, una de ellas muy famosa, «Los demonios de la noche», protagonizada por Michael Douglas.

Pero ninguno de estos problemas fue tan inesperado como los ataques de dos leones que durante nueve meses mataron y devoraron a su antojo a empleados del ferrocarril y llevaron de cabeza a uno de sus ingenieros, el coronel John Henry Patterson, hasta que logró cazarlos.

Patterson, ingeniero militar nacido en Irlanda, narraría su historia en Los devoradores de hombres de Tsavo (1907), «el relato más notable del que podamos tener constancia», en palabras del presidente americano Theodore Roosevelt, cazador aficionado.

El coronel fue contratado por la compañía del Ferrocarril de Uganda en 1898 para construir un puente sobre el río Tsavo, y su llegada, en marzo, coincidió con los primeros ataques de los felinos.

«Uno o dos culis [trabajadores indios] desaparecieron misteriosamente –relató– y me dijeron que habían sido sacados por la noche de sus tiendas y devorados por los leones«. Patterson cifró el total de muertes en 28 indios, «sin contar los desgraciados nativos africanos sobre los que no se tiene registro oficial alguno».

Demonios nocturnos

La osadía de estos animales para conseguir sus presas era inusitada, con una total falta de miedo a las personas, al fuego o a las armas. Su método de caza no difería del primer ataque descrito por Patterson: acechaban en mitad de la noche, atravesaban las bomas –cercos de matorrales espinosos que protegían los campamentos– y arrastraban afuera a sus víctimas para devorarlas.

El coronel construyó trampas con cebo y muchas noches montó guardia en lo alto de los árboles. En una ocasión incluso prohibió levantar el cadáver de un trabajador y se situó cerca esperando que los leones volvieran para reanudar su festín.

Todo en vano. Apostado en su mirador, tan sólo podía esperar a oír, «más pronto que tarde, los gritos agonizantes» de la próxima víctima. Los leones «parecían tener una extraordinaria y misteriosa facultad de averiguar nuestros planes». Si Patterson se ubicaba cerca de un campamento, el siguiente ataque acaecía en otro refugio más alejado.

Ni el alambre de espino ni las noches de vigilancia desde plataformas, como las usadas en la India contra los tigres, sirvieron de nada. Los leones se las arreglaban siempre para salvarlas y matar algún trabajador, incluso burlando las trampas.

El colmo llegó cuando fueron capaces de entrar en un vagón abriendo el pestillo de la puerta corrediza. No es de extrañar que les llamaran Ghost (Fantasma) y Darkness (Oscuridad).

Varias teorías han intentado explicar la predilección de los leones de Tsavo por la carne humana. Fuera cual fuera la causa, los dos leones se convirtieron durante meses en una pesadilla para el Ferrocarril de Uganda y en el motivo del retraso en su construcción, según explicó en el Parlamento el primer ministro británico, lord Salisbury.

Tras meses de pánico, el 1 de diciembre centenares de trabajadores huyeron en tropel en un tren de carga, dejando los trabajos paralizados durante tres semanas.

A la larga no pudieron con el empuje de la civilización. ).La suerte cambió el 9 de diciembre, cuando Patterson, desde una frágil atalaya construida sobre el cadáver de un asno al que habían atacado al amanecer, cazó al primer león. Consiguió herir a uno y al día siguiente siguió su rastro hasta que lo mató; necesitó 5 tiros.

El coronel mató al segundo león al cabo de 20 días, después de atraerlo hasta los cadáveres de unas cabras. Necesitó nueve balazos.

El ferrocarril se pudo terminar y el ingeniero regresó a casa con las pieles, aunque años después acabaron vendidas al Museo Field de Chicago, donde se reconstruyeron los animales para exhibirlos aunque quedaron más pequeños de lo que realmente eran. Los cráneos se guardan aparte.

El felino resultó ser un gigante de 2,95 metros del hocico a la punta de la cola, y se necesitaron ocho hombres para llevarlo al campamento.

Patterson conservó las pieles de los dos animales hasta 1924, cuando en una de sus giras por Estados Unidos dando conferencias las vendió al Museo Field de Chicago, que las montó en un diorama.

Cuando uno visita el museo y los ve ante sí entiende por qué los trabajadores creían que se trataban de demonios en forma de león, «espíritus coléricos de dos jefes nativos fallecidos que protestaban contra la construcción del ferrocarril a través de sus tierras»: a pesar de los ojos de cristal, los leones de Tsavo, incluso muertos, aún dan miedo.

Pero los motivos que llevaron a estos leones, ambos machos, a una depredación humana tan insistente ha sido siempre un misterio. ¿Fue el hambre, la falta de presas habituales provocada quizás por la sequía?

Una nueva investigación llevada a cabo por científicos de la Universidad de Vanderbilt en Nashville (EE.UU.) revela que, en realidad, a estos «demonios» no les empujó la desesperación sino algo tan prosaico como una enfermedad dental.

Los investigadores realizaron un análisis del desgaste microscópico en los dientes de los legendarios depredadores, que en la actualidad se muestran disecados en el Museo Field de Historia Natural de Chicago.

«Nuestros resultados sugieren que los humanos no eran el último recurso de los leones, sino la solución más fácil a un problema», explica Larisa DeSantis, profesora de Vanderbilt, en la revista Scientific Reports.

«Es difícil de comprender las motivaciones de unos animales que vivieron hace más de cien años, pero los especímenes científicos nos permiten hacer precisamente eso», apunta Bruce Patterson, del Museo Field. «Como el museo conserva restos de estos leones, podemos estudiarlos utilizando técnicas que habrían sido inimaginables hace cien años», añade.

La dieta antes de morir

Con el fin de arrojar luz sobre las motivaciones de los leones, el equipo empleó una técnica de análisis microdental en los dientes de tres leones devoradores de hombres de la colección del museo: los dos leones de Tsavo y uno de Mfuwe, Zambia, que mató al menos a seis personas en 1991.

El análisis pudo proporcionar información valiosa acerca de la naturaleza de la dieta de los animales en los días y semanas antes de su muerte.

DeSantis y Patterson querían comprobar si la escasez de presas pudo haber impulsado a los leones a atacar a los hombres.

En ese momento, la región de Tsavo estaba en medio de una sequía de dos años y una epidemia de peste bovina que habían devastado la fauna local.

Si los leones estaban desesperados por la comida y se alimentaban de carroña, debían mostrar un microdesgaste dental similar al de las hienas, que habitualmente mastican y digieren los huesos de sus presas.

«A pesar de los informes de la época que se referían al sonido del león crujiendo los huesos de sus víctimas en los alrededores del campamento, los dientes del león de Tsavo no muestran patrones de desgaste en consonancia con la alimentación de huesos», subraya DeSantis.

«De hecho, los patrones de desgaste en los dientes son sorprendentemente similares a los de los leones de zoológico que normalmente se aprovisionan de alimentos blandos como carne de res y de caballo».

Infección en un colmillo

El estudio propone que una enfermedad dental y una lesión transformaron a los leones de Tsavo en devoradores de hombres habituales. El león que comió más carne humana, 24 personas según lo establecido por un estudio previo mediante el análisis químico de los huesos y la piel, tenía una enfermedad dental severa.

Tenía un absceso en la raíz de uno de sus colmillos, una infección dolorosa que habría hecho imposible la caza normal.

«Normalmente, los leones utilizan sus mandíbulas para atrapar presas como cebras y búfalos y asfixiarlos», explica Patterson. «Para este león hubiera sido un reto someter y matar grandes presas que luchan; los seres humanos son mucho más fáciles de atrapar».

El compañero del león enfermo, por el contrario, tenía lesiones menos pronunciadas en sus dientes y la mandíbula, lesiones que son bastante comunes en los leones que no son devoradores de hombres.

De acuerdo con el mismo análisis químico, consumía muchas más cebras y búfalos, y mucha menos gente -once, en total-, que su compañero de caza.

El hecho de que el león de Mfuwe también tuviera graves daños estructurales en su mandíbula proporcionó un apoyo adicional para la teoría de que los problemas dentales provocaron los ataques a seres humanos, al igual que una serie de informes de incidentes de tigres y leopardos devorahombres en la India colonial que citan enfermedades similares.

Carne humana, plato habitual

«Nuestros datos sugieren que estos leones devoradores de hombres no consumían por completo los cadáveres de sus presas humanas o animales», dice DeSantis. «En cambio, las personas parecen haber complementado su dieta ya diversa.

Los seres humanos han sido un plato habitual en el menú no sólo de los leones, sino también de leopardos y otros grandes gatos.

Hoy en día, los leones rara vez cazan personas, pero como las poblaciones humanas continúan creciendo y el número de especies de presa declina, el comer carne humana puede llegar a ser una opción cada vez más viable para muchos leones».

Los leones de Tsavo, que no tienen melena, cazaban en pareja, algo curioso para ser ejemplares con gustos gastronómicos tan distintos. Se escondían entre los matorrales para después abalanzarse sobre sus víctimas como fantasmas salidos de las sombras.

Al teniente coronel e ingeniero Patterson le costó lo suyo hasta que logró matarlos a tiros. Quizás fue su orgullo de cazador lo que hizo que elevara la cifra de víctimas humanas a más del centenar, o quizás lo creía realmente.

El primer ejemplar murió el 9 de noviembre de 1898 y el segundo le acompañó veinte días después. De inmediato, los ataques cesaron al tiempo que nacía una leyenda de película sobre la que la ciencia ha conseguido arrojar luz.

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El programa espacial de Zambia …

La Vanguardia(T.Sesé)/AgenteProvocador/L.B.V.(G.Carvajal)  —  «… La cuenta atrás ha comenzado. 10, 9, 8, 7… Todo el país tiembla solo de pensarlo: el primer hombre ¡africano! que llega al espacio exterior. 6, 5, 4, 3, 2, 1. La odisea es colosal, pero el fervor alcanza cotas nunca vistas cuando por vez primera el ser humano llega a la superficie del misterioso Marte. El astronauta (mejor aún, el afronauta) se detiene y, tras unos segundos, desenrolla la bandera de… Zambia…»

La historia parece increíble, pero es muy real. Y fue mucho más lejos de lo que muchos pudieron imaginar. En 1964, cuando Zambia proclamó su independencia del Reino Unido, el pequeño país africano soñó a lo grande con un programa espacial que aventajaría a rusos y americanos en su carrera por llevar un hombre a la Luna y Marte. 

Muchos países desarrollaron programas espaciales en las últimas décadas, con diferentes resultados. Pero quizá uno de los más curiosos y extraños sea el Programa Espacial de Zambia, instaurado en 1962 por Edward Makuka Nikoloso, un profesor de ciencias y activista político que fundó la Zambia National Academy of Science, Space Research and Philosophy.

Había luchado contra los nazis y por la liberación de su país, en los primeros sesenta, con medio mundo hirviendo por revoluciones en marcha y África en plena hecatombe nacionalista y proafricanista, este antiguo sargento del ejército, quiso demostrar a su manera que los hombres de Zambia no eran inferiores a americanos y rusos.

En absoluto. Así que, en 1964, con motivo de la celebración de su independencia del Imperio británico, iniciaron un programa espacial que dejó boquiabierto al mundo, posiblemente también al propio Nkoloso, autoproclamado director de la Agencia Espacial de Zambia (por supuesto casi inexistente, salvo un campo de entrenamiento y unos aguerridos protoastronautas que se jugaban la vida en cada prueba), que no dudó en posar ataviado con un precario casco del ejército británico y una capa majestuosa, al estilo de un héroe de ciencia ficción tomado de las páginas de un cómic, y asegurar que Zambia conquistaría el espacio.

Diseñó un cohete, el D-Kalu, y un sistema de lanzamiento, y reclutó como astronautas a diez hombres y una adolescente de 17 años, mujer y de color, destinada a ser la primera en pisar Marte.

Con la tripulación viajarían diez gatos previamente entrenados dentro de bidones que lanzaban cuesta abajo para simular el movimiento del cohete.

Los hacían trepar por unas cuerdas y luego los dejaban caer para que sintieran la ingravidez. Y les acompañaría un misionero al que habían aleccionado para que fuera respetuoso con los marcianos y no los forzara a convertirse al cristianismo si presentaban resistencia.

El programa ideado por Nikoloso incluía el lanzamiento de un cohete con destino Marte, tripulado por doce astronautas y dos gatos! Para ello solicitó a la UNESCO siete millones de libras (que no consiguió), construyó un centro de entrenamiento cerca de Lusaka, y dio órdenes a sus astronautas de no forzar la conversión al cristianismo de los habitantes marcianos.

El profesor Nikoloso había escrito un editorial donde exponía su alocada idea, con algunas dosis de conspiranoia como que los rusos y americanos espiaban sus esfuerzos para robarle a la chica astronauta.

Con la perspectiva de los años todo parece una broma de mal gusto, en un país luchando por su desarrollo económico y tecnológico. Pero en aquel momento algunos se lo debieron tomar bastante en serio.

Nkosolo mostró el duro entrenamiento a que sus sacrificados astronautas eran sometidos, aún a riesgo de poner sus vidas en peligro. Por medio de unas poleas eran subidos a los árboles, para que experimentasen las alturas, para luego ser lanzados hacia abajo.

Otra prueba, que recuerda a las crueles novatadas juveniles, consistía en encerrar a los astronautas en barriles llenos de aceite y lanzarlos pendiente abajo.

De este modo, debían intentar andar a gatas en el interior del tonel, porque según él solamente a gatas podía avanzarse por la extraña superficie del desconocido planeta que el mismo Nkosolo había contemplado con su telescopio.

El periodista que graba la noticia, un corresponsal de The Times, no podía ni tan siquiera gesticular palabra alguna. Había ido a cubrir una anodina celebración patriótica y se encontró con… aquello. Nkosolo, que habla ante las cámaras con gesto serio, le ofrece todo tipo de detalles: una docena de astronautas entrarían en órbita, junto a una chica menor de edad y varios gatos, y conquistarían Marte.

Los lanzarían por medio de una gran catapulta que los mandaría directos al espacio exterior, pero claro, hacía falta dinero. Mucho dinero, millones de dólares.

Nkosolo, desde una gran plantación dedicada a la instrucción, aprovecha para solicitar a la UNESCO una ayuda financiera, todo con tal de conquistar lo ignoto.

Además, según el supremo jefe de la aún precaria industria aeroespacial de Zambia, rusos y americanos habían infestado el país, todo ellos dispuestos a robarle los secretos de su odisea.

Advierte, además, que no desea imponer el cristianismo a los habitantes del lejano planeta, no sea que les pase lo mismo a ellos y acabe la aventura en motines de proporciones cósmicas. Los marcianos serían cristianizados solamente si ellos lo deseaban. 

La idea era superar a Estados Unidos y la Unión Soviética en la carrera espacial. «Nuestro pensamiento está cinco o seis años por delante del de ellos», aseguraba Nkoloso en declaraciones a la prensa. 

Y también: “Algunas personas piensan que estoy loco, pero me reiré el día que coloque la bandera de Zambia en la Luna».

La partida estaba prevista para el 24 de octubre de 1965, la celebración del día de la independencia, y se haría desde el estadio nacional, el Independence Stadium. Pero la nave espacial nunca llegó a despegar. 

El embarazo de la joven Matha Mwamba, que había iniciado relaciones con uno de los astronautas, y la decisión de sus padres de acabar con su formación y llevarla de vuelta a la aldea, puso fin al sueño espacial.

Hace unos años, la fotógrafa Cristina de Middel (Alicante, 1975) retrató aquella increíble historia con una serie fotográfica que tituló Afronautas y en la que reconstruyó los trajes y la ambiciosa empresa panafricana.

Era el año 1969. Nkosolo, que aseguró que su nave había sido saboteada por agentes extranjeros, fundamentalmente la KGB soviética, perdió la fe en su sueño, pero poco después quiso presentarse a la alcaldía de Lusaka, algo que tampoco consiguió. Falleció en marzo de 1989, pero aún hoy hay quienes lo recuerdan como un hombre inspirador y valiente. 

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Un académico asegura que un pergamino perdido y descartado por falso es en realidad el texto bíblico más antiguo de la historia: podría haber pertenecido a Moisés …

Infobae  —  El rollo de Shapira, un antiguo manuscrito descubierto por primera vez en 1883 y que en ese entonces fue considerado falso y descartado, podría ser “en realidad el guión bíblico más antiguo conocido”, afirma un nuevo estudio en una revista académica alemana.

Ese manuscrito fue descubierto originalmente por el comerciante de antigüedades de Jerusalén Moses Willhelm Shapira, quien dijo que halló 15 fragmentos similares en una cueva cerca del Mar Muerto.

La escritura paleohebrea de las piezas del manuscrito era casi ilegible, ya que habían sido ennegrecidas con una sustancia similar a la brea, pero Shapira afirmó que eran el libro “original” de Deuteronomio, tal vez incluso la copia del mismo Moisés.

Shapira ofreció las piezas al Museo Británico por 1 millón de libras esterlinas de la época (que hoy equivaldrían a unos 120 millones de dólares). Sin embargo, los expertos que las analizaron las declararon falsas, después de lo cual fueron rematadas por una cifra mucho menor. A partir de allí se perdió su rastro.

Sin embargo, en un nuevo libro, el académico israelí-estadounidense Idan Dershowitz afirma tener evidencia de archivo, lingüística y literaria que prueba que el manuscrito es real.

Tras estudiar el texto -a partir de las transcripciones y dibujos originales del siglo XIX- Dershowitz afirma que las piezas se remontan a la época del Primer Templo de Jerusalén – que data del 957 a. C y fue destruído por los babilonios aproximadamente 400 años después-, lo que las convierte en los artefactos bíblicos más antiguos jamás descubiertos.

Cuando Shapira anunció por primera vez su descubrimiento, la erudición bíblica era un campo relativamente nuevo de investigación académica. Apenas estaba siendo aceptado, por ejemplo, el concepto de que los primeros cinco libros de la Biblia no fueron todos escritos por Moisés.

Por eso, el siglo XIX estuvo plagado de falsificaciones bíblicas provenientes de Jerusalén y de otros lugares debido a la demanda de piezas.

Shapira ya había vendido unas 260 piezas “genuinas” de manuscritos hebreos al Museo Británico cuando anunció los fragmentos de Deuteronomio en 1883.

El museo exhibió dos piezas al público, y los visitantes, incluido el entonces primer ministro William Gladstone, acudieron en masa para ver los textos bíblicos antiguos.

Sin embargo, la emoción duró poco, ya que el arqueólogo francés y “némesis” de Shapira, Charles Simon Clermont-Ganneau, visitó el museo para ver los fragmentos en exhibición y rápidamente los declaró falsos.

Los expertos del museo estaban estudiando las piezas restantes y poco después de que Clermont-Ganneau diera su veredicto condenatorio, se pronunciaron en el mismo sentido.

Sin embargo, la cuestión de su autenticidad ha permanecido como una incógnita dada su rápida desaparición. Tras el incidente, la reputación de Shapira quedó por el piso. El hombre dejó Londres y seis meses después se suicidó.

Ahora Dershowitz, académico de la ciudad alemana de Potsdam, busca probar que las piezas eran reales. Si está en lo cierto, el manuscrito se convertiría en una “ventana sin precedentes” al origen y evolución de la Biblia, ya que dataría de los primeros días de la obra.

Dershowitz dijo que el rechazo de los manuscritos hace 140 años fue una “tragedia”, tanto para Shapira como para “toda la existencia de la disciplina de los estudios bíblicos”.

En declaraciones al New York Times, Dershowitz dijo: “Es asombroso que durante casi toda la existencia de la disciplina de los estudios bíblicos este texto no haya sido parte de la conversación”.

Dershowitz llama a los fragmentos de Shapira la “despedida de Moisés”. Según Shimon Gesudheit, de la Universidad Hebrea de Jerusalén, el texto puede ser más antiguo que Deuteronomio -un precursor del libro- ya que no contiene las leyes divinas y sería “difícil creer que alguien las borre” en una reproducción de ese texto, o en una versión posterior.

Incluso los diez mandamientos, como se muestra en la versión de Shapira, son diferentes: están declarados en primera persona, como los pronunciara Dios, en lugar de en tercera.

Entre las cuiriosidades del manuscrito está un undécimo mandamiento: “No odiarás a tu hermano en tu corazón: yo soy Dios, tu Dios”.

Dershowitz dijo que no sentía que fuera posible que las obras fueran una falsificación, ya que era algo que no podría ser posible durante ese período de tiempo, y que muchas falsificaciones tenían demasiadas características que se alineaban con los descubrimientos posteriores sobre la evolución de la Biblia.

Estos descubrimientos no se hicieron, ni siquiera teorizaron, hasta décadas después con el descubrimiento de los Rollos del Mar Muerto en 1947.

Dershowitz viajó por el mundo investigando la autenticidad del pergamino, incluida la lectura de los manuscritos de Shapira en Berlín. También descubrió hojas escritas a mano que mostraban que Shapira había intentado descifrar los fragmentos. “Es asombroso porque te da una ventana a su mente”, dijo Dershowitz.

“Si los falsificó o fue parte de una conspiración, no tiene sentido que esté sentado allí tratando de adivinar cuál es el texto y cometiendo errores mientras lo hace”, concluyó.

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La historia de Lassie, la perra más famosa del mundo que en realidad era macho …

Infobae  —  Lassie es, sin ninguna duda, uno de los animales más famosos del mundo desde hace más de 50 años.

Antes de ser una película o serie de televisión, Lassie nació como la heroína de un pequeño cuento publicado en diciembre de 1938 en el periódico “Saturday Evening Post” por el escritor Tom Knight, quien narraba sus propias memorias de infancia con “Toots” su perro Collie.

En 1943, M.G.M., uno de los más importantes estudios de Hollywood, compró los derechos de la historia y produjo un film clase B protagonizado por Elisabeth Taylor y Roddy Mc Dowall. Esta producción fue considerada un riesgo al principio, ya que hasta el momento las películas de animales no eran necesariamente grandes generadores de dinero. Pero finalmente, “Lassie vuelve a casa” fue un éxito rabioso y nuestra heroína, que en realidad era macho, se transformó en pocos años en una de las más importantes figuras de Hollywood como Fred Astaire o Lana Turner.

Pero fue definitivamente la televisión, la que colocó a Lassie como un fenómeno planetario, con 592 episodios de televisión y ocho films difundidos en todos los continentes y traducidos a una gran cantidad de idiomas.

Lassie tuvo su propia emisión de radio desde 1946 hasta 1949. Eran 15 minutos semanales de un relato de las aventuras de este famoso animal. La popularidad de Lassie era tan grande que las ventas de los perros Collie se multiplicaron un 300% durante ese período.

En 1942, M.G.M., creyendo que Lassie ya era una atracción en decadencia, vendió los derechos a Robert Maxwell Productions, imaginándose que a lo sumo podría llegar a usufructuar un par de años más el show. Pero Lassie continuó por 19 años más y todavía hoy satisface a sus admiradores, la incansable Lassie terminó una nueva serie de 26 capítulos que actualmente se transmite por Animal Planet en EE.UU.

El comienzo de la leyenda

El nombre original de Lassie era Pal. Éste era un perro más pequeño que el collie standard y quizás bastante diferente del ideal de la raza. En realidad Pal, no pertenecía hasta entonces al ambiente artístico.

Sólo había sido llevado por su dueño ante el entrenador Frank Weatherwax, titular de un criadero que proveía animales para las películas, porque deseaba corregir la compulsión de Pal por correr tras las motocicletas. Al final el dueño se negó a pagar honorarios de adiestramiento y Weatherwax se quedó con el perro. Nadie podía suponer en aquel entonces que Pal se convertiría en el collie más popular del mundo.

En un principio, se realizaron castings a una gran cantidad de collies y Pal no fue elegido. Los estudios estaban impresionados con su performance, pero no con su apariencia. Pero, el “perro elegido” por la M.G.M., no fue capaz de realizar la escena principal, no estaba preparado para cruzar un río. Entonces el entrenador no dudo en traer a Pal que cruzó el río y luego, completamente exhausto, caminó con la cabeza gacha y se tiró sobre el pasto. Su actuación fue perfecta. Entonces el director de M.G.M., Louis B. Mayer, expresó “Pal ha entrado al agua, pero Lassie ha salido”. Eso sí, Weatherwax nunca pudo sacarle la debilidad de correr a las motos.

Desde su comienzo, todos los perros que interpretaron a Lassie fueron machos. Weatherwax usaba machos por una buena razón, ambos sexos cambian el pelaje en verano y en esta época del año se solía grabar la mayor cantidad de películas y series de TV. Como el macho tiene un más grueso pelaje no parecía tan flacucho o desdeñado durante el film pero las hembras no fueron ignoradas, muchas proezas de Lassie, fueron realizadas por ellas. Hay que agradecer a Lassie que la raza collie sea universalmente conocida y amada. Lassie mostró como los collies son valientes, leales, inteligentes, protectores y geniales con los niños.

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Un destino marcado por una adivina y tres hermanas sometidas por el delirio de su padre: la historia de The Shaggs, el peor grupo de la historia …

Infobae(P.Andisco)  —  A las hermanas Dot, Betty y Helen Wiggin las recibían a tomatazos y la crítica las bastardeaba, pero con el tiempo fueron reivindicadas por figuras como Frank Zappa y Kurt Cobain. En el medio, la obsesión de un hombre sin límites ni ideas

Austin Wiggin era un niño más en la geografía pueblerina de New Hamphsire, en la costa este de los Estados Unidos a comienzos del siglo pasado. Sin mucho para hacer en un desolado poblado de menos de mil habitantes, encontraba atractivo sentarse con su madre para que le leyera las manos.

En una de esas conexiones, la mujer le marcó tres cosas que iban a pasar en su vida, casi como una cadena de situaciones. Le dijo que se iba a enamorar de una mujer rubia, que iba dos hijos después de que ella muriera y que sus hijas haría un grupo musical que sería reconocido.

Las palabras quedaron retumbando en la cabeza de Austin, y a medida que iba creciendo, se fueron convirtiendo en una fascinación. Casarse y tener hijos podía ser lo que cualquier ciudadano medio de la américa profunda podría aspirar. Pero ser exitoso en la música, y si esa música era el rock and roll era una empresa que valía la pena intentar, más aún a medida que se iban cumpliendo las profecías.

Un día conoció a Annie, una rubia de la que se enamoró y tuvo dos hijos, que su madre no llegó a conocer. Solo faltaba que llegaran las niñas y que tuvieran trascendencia con la música.

Austin y Annie finalmente tuvieron seis hijos: Dorothy, Betty, Helen, Rachel, Austin III, and Robert. Para sostener a la familia, el hombre trabajaba en un molino en Exeter y en cada viaje soñaba como torcer su destino y cumplir el de su madre.

No tenía ningún tipo de conocimiento para convertir a sus hijas en estrellas de la música y empleó las tácticas más rudimentarias que se le ocurrieron. Una férrea disciplina casi militar y oídos sordos a los deseos de sus hijas. Aquella lectura de manos se había convertido en una obsesión.

Lejos de las delirantes ambiciones de su padre y ajenas a las prácticas quirománticas de su abuela, Dorothy, Betty y Helen Wiggin tenían los mismos sueños que cualquiera de las chicas de pueblo de la época: casarse, formar una familia, ser amas de casa.

Los ecos de la liberación femenina no habían llegado todavía a sus oídos, esas cosas pasaban en la costa oeste o en las grandes ciudades. Y ellas, sin saberlo, se preparaban para vivir a contramano. En el mundo, los hijos se rebelaban a sus padres a partir de la música o de la política; con las minifaldas o los pelos largos.

Pero dentro de la familia Wiggin, el rock and roll se iba a trasladar del padre a las hijas, aunque hablar de rebeldía en este caso sea casi una falta de respeto.

Para llevar a cabo la profecía de su madre, Austin decidió que las chicas no iban a ir más a la escuela y se iban a enfocar en la música. Dos veces por semana viajaban unos treinta kilómetros hasta Manchester para asistir a un profesor. El resto del tiempo lo pasaban con un régimen estricto, que combinaban con la educación formal por correspondencia y el descanso necesario para recargar energías.

El grupo se oficializó en 1968 con el nombre de The Shaggs, inspirado burlonamente en los cabellos desprolijos de las chicas y en cierta raza de perros. Dorothy iba a ser cantante y guitarrista líder, Betty guitarra y coros y Helen en batería. No iban a tener bajo y eventualmente iban a sumar a Rachel y al resto de los hermanos.

El debut fue recibido a tomatazo limpio, pero las chicas no se amedrentaron ni Austin se los iba a permitir. Se hicieron locales en el ayuntamiento de Vermont, donde se presentaron con periodicidad, y sumaron otras actuaciones en escuelas y asilos de ancianos.

Wiggin padre se envalentonó con lo que tenía en sus manos y consiguió un contrato para grabar un disco, aún a pesar del consejo del ingeniero de grabación que intuía que lo que escuchaba no tenía la entidad suficiente para ser plasmada en un álbum como una obra musical.

Pero más allá de la tenacidad de su padre y de la voluntad que podrían tener las chicas, en The Shaggs no había ningún atractivo genuino musical para la época. No contaban con ningún cerebro a la hora de componer, no había voces agradables al oído ni prolijos músicos de sesión, no tenían el empuje fuerte de una discográfica ni las tres hermanas vendían su imagen como otros grupos femeninos de la época.

El título, “Philosophy of the world” (filosofía del mundo, publicado en 1969), era demasiado pretencioso para tres chicas de un pueblo de la costa este que perseguían la voluntad de su padre. La composición era responsabilidad de Dorothy, cuyas letras oscilaban entre la ternura hacia su mascota, el amor hacia sus padres y la inocencia temerosa respecto a eventos culturales como Halloween.

La crítica no tuvo piedad con el disco. Adjetivos como “desprolijo” y “primitivo” eran lapidarios en un contexto musical de experimentación constante y cada vez más sofisticado.

”No estábamos listas para publicar un álbum, recién estábamos aprendiendo música”, reconoció Dorothy, acaso tocada en su orgullo de compositora.

En 1975, falleció papá Austin y al poco tiempo The Shaggs puso punto final a su experiencia. Dejó material grabado que se publicaría en 1982 en modo recopilatorio con el título de Shaggs own thing y permaneció como una broma de mal gusto, como un capricho de padre, como una excesiva muestra de autoridad de una época. Con el oprobioso mote de el peor grupo de la historia.

El mágico paso del tiempo se iba a encargar de brindarles una segunda oportunidad.

El poco talento y el creciente desgano de las hermanas Wiggin para ejecutar sus instrumentos terminó siendo, quizás lo que las terminó reivindicando en el futuro.

Ya entrados en los ‘80 Lester Bangs, el irreverente periodista de la Rolling Stone, las calificó como “mejores que Los Beatles”, parafraseando a John Lennon cuando había manifestado que los cuatro de Liverpool eran más grandes que Jesús. Luego, fue Frank Zappa, otro de los grandes ácidos del rock, que se sumó a las palabras del periodista.

Ya en los ‘90, Kurt Cobain, el malogrado líder de Nirvana ubicó a Philosophy of the world como el quinto mejor álbum de todos los tiempos. Géneros como el indie o el garage rock tuvieron en The Shaggs un faro pionero y la mirada retrospectiva, mucho más amigable que la contemporánea, las ubicó en un lugar de culto.

Sus discos empezaron a cobrarse fortunas en las tiendas de usados y la leyenda de The Shaggs cambió de enfoque.

Uno de esos ejemplares cayó en las manos de Jeff Tweedy, por entonces empleado en una tienda de discos y futuro líder de Wilco. Le dio play y tuvo una sensación diferente, una evaluación genuinamente válida de lo que escuchaba. “Fue como descubrir una nueva y extraña clase de árbol”, las definió.

Pasó el tiempo, se convirtió con su banda en uno de los músicos más interesantes de su generación y armó su propio encuentro, el Solid Sound Festival. A la hora de armar la grilla para el año 2017, se le apareció en su recuerdo aquel álbum de The Shaggs. Lo compartió con sus hijos, a quienes les encantó: había algo iniciático y cautivante en esa grabación, entre garagero y punk, un atractivo casi impúdico por lo sucio y desprolijo.

Tweedy inició la búsqueda de las tres hermanas Wiggin y no fue difícil ubicarlas. Después de un tiempo retirada de la música, Dot había vuelto a componer gracias al rescate de un grupo de fanáticos de The Shaggs, a partir de los cuales reinventó su vínculo con el arte.

No ya desde una imposición paterna sino desde desde el amor genuino del fanático. Formó una banda, volvió a componer y en 2013 sacó Ready! Get! Go!, con inéditos de la primera época del grupo y nuevas composiciones. Betty se había animado a acompañarla en algunos conciertos y se ruborizaba cuando le pedían un autógrafo. Helen había fallecido en 2006.

Dot y Betty respondieron al llamado de Jeff y volvieron a subirse a un escenario el el 24 de junio de 2017 en el marco del Solid Sound Festival. Junto al grupo que acompañaba a Dot, se presentaron como The Shaggs y tocaron seis canciones.

En su repertorio, incluyeron la oda a sus padres, a pesar de todo, y una nueva composición de Dorothy, “Banana Bike”, en memoria de Helen. Al menos por ese rato, por poco más de quince minutos, resolvieron unos cuantos asuntos familiares y fueron felices arriba de un escenario. Como lo había profetizado su abuela y a pesar de la obstinación de su padre.

The Shaggs solid sound 2017

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abril 8, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Gracias a un gaucho de Hollywood, los funerales de Evita terminaron siendo parte de la serie “Batman” …

Infobae(S.García)  —  Eva Perón, el Martín Fierro, Hollywood y Batman. Una combinación rara que, aunque parezca mentira, existe. Una serie de eventos hizo que la historia los uniera.

A comienzos de la década del 50, en los Estados Unidos el technicolor era la estrella. El espectáculo de la pantalla grande en colores y en su máximo esplendor. En Argentina, el cine nacional aún no daba el gran salto. Sin embargo, los funerales de Eva Duarte fueron registrados a todo color.

Por aquellos años, Hollywood tenía problemas con Europa debido a los controles monetarios en aquel continente y buscaba dónde filmar películas. Durante el Gobierno de Perón, las enormes ganancias obtenidas por el estudio 20th Century Fox debían ser utilizadas dentro de la Argentina, según establecía un decreto del Gobierno.

Por ese motivo, la empresa cinematográfica optó por realizar un western en nuestro país. El responsable de la Subsecretaría de Prensa y Difusión, Raúl Apold, supervisaría de manera intensa el rodaje, al punto que se comentaba que gran parte del equipo que trabajaba con los llegados de Hollywood oficiaban de espías del Gobierno.

El camino del gaucho (The Way of a Gaucho, 1952) es un western gauchesco filmado con mucho estilo y con una inconfundible presencia del paisaje argentino.

No parece filmado en otro lugar, de verdad se tomaron el trabajo de que parezca la llanura pampeana y, cuando filman la cordillera, son las imágenes reales del lugar y no un invento. Aunque sus encuadres se ven de western clásico, incluso remitiendo al máximo referente del género, John Ford, también se ve, producto de las locaciones, un aire al máximo exponente del western local, Pampa bárbara (1945) de Hugo Fregonese y Lucas Demare.

Jacques Tourneur fue uno de los mejores directores del cine clásico de Hollywood, un paso atrás en fama en comparación con la élite, pero autor de varios títulos fundamentales, como La mujer pantera (Cat People, 1942), Retorno al pasado (Out of the Past, 1947) y El halcón y la flecha (The Flame and the Arrow, 1950) entre otras.

Su maestría se ve claramente aquí, aunque a la película le termine de faltar algo de fuerza, en particular al final. Pero a no engañarse, se trata de una gran película y nunca más un film de Hollywood volvió a realizar un retrato de la Argentina del siglo XIX con tal calidad y exactitud.

La máxima estrella de la película es Gene Tierney, mucho más famosa que el protagonista, Rory Calhoun. Ambos se quejaron del férreo control oficial y quedaron bastante impactados por el clima que se vivía en la Argentina.

Un exhaustivo estudio de todo esto aparecen en el libro Babilonia Gaucha, escrito por Diego Curubeto. El guion se convirtió en una adaptación muy libre y parcial del Martín Fierro de José Hernández y se vigiló que nada ofendiera o pusiera en duda los valores nacionales y gauchescos.

Fue un rodaje difícil que se pasó de presupuesto, posiblemente por las condiciones indicadas antes, pero muy por encima de lo establecido originalmente.

Con la película ya filmada, un acontecimiento sacudió al país, el fallecimiento de Eva Perón. Con las cámaras aún en la Argentina, el Gobierno pidió que filmaran en colores el velorio. Hay diferentes versiones de estos hechos, según las fuentes que se consulten, pero el registro fílmico de aquel acontecimiento es con equipos de 20th Century Fox.

Entre las tensiones acumuladas y los contactos que Apold había tendido, Fox accedió y fue así como fue filmado. Con este material se realizó un documental que fue visto en gran parte del mundo, inspirando incluso a Andrew Lloyd Webber para crear el musical Evita.

Sin embargo, lo más curioso es que parte de ese material tendría no una, sino dos apariciones en la década siguiente.

Ambas utilizaciones de estas imágenes están vinculadas a uno de los superhéroes más famoso de todos los tiempos: Batman. Nada menos que en Batman y Robin (Batman: The Movie, 1966) protagonizada por Adam West como Batman y Burt Ward como Robin, aparece este material por primera vez.

Sí, ese Batman, el de la estética pop. El Guasón, el Pingüino, Gatúbela y el Acertijo habían puesto al mundo en vilo y las multitudes se agolpaban en las grandes ciudades esperando la resolución de un gran conflicto internacional.

En ese montaje aparecía la Plaza del Congreso colmada de gente nada menos que para despedir a Evita. Pero claro, en la película solo esperaban que Batman salvara al mundo.

No conformes con usar esas imágenes allí, en la serie aparecerían nuevamente los planos filmados en 1952. En la segunda temporada de la serie, con El Sombrerero como villano invitado, el mundo cree que Batman y Robin han muerto.

El comisionado y el jefe de policía lloran desconsolados y se asoman a la ventana para ver a las multitudes de Ciudad Gótica. Pues bien, vuelve a verse la Plaza del Congreso y las multitudes del funeral de Eva Duarte.

La economía quiso que Hollywood filmara en la Argentina un western gauchesco que terminó adaptando al Martin Fierro. El Gobierno se encargó de que las cámaras de El camino del gaucho se quedaran a grabar el funeral de Evita en colores. Pero Hollywood tuvo la última palabra y volvió a reciclar el material para una película y también una serie. El joven maravilla diría: “¡Santas vueltas de tuerca, Batman!” Pero de historias así está hecha la historia del cine, incluso aquel que ha pasado por estas pampas.

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