The New York Times(D.Blum/N.Stock) — En las últimas décadas, el número de métodos anticonceptivos disponibles en Estados Unidos ha aumentado considerablemente. Las mujeres de hoy en día se enfrentan a una vertiginosa gama de nuevas píldoras, implantes, geles y parches.
A pesar de estos avances, los expertos afirman que es poco probable que una píldora anticonceptiva para hombres llegue a los anaqueles en un futuro próximo, y el laberinto de opciones para las mujeres puede ser especialmente confuso porque cada anticonceptivo conlleva su propio conjunto de precauciones y efectos secundarios.
La filtración de un borrador de la opinión de la Corte Suprema sobre el caso Roe contra Wade también ha suscitado dudas sobre la posibilidad de que los estados puedan endurecer su regulación de los anticonceptivos.
The New York Times habló con siete ginecólogos y expertos en salud reproductiva para que identifiquen y expliquen los tipos de anticonceptivos disponibles en la actualidad, cómo conseguirlos y qué efectos secundarios y riesgos conllevan.
¿Podría la anulación de Roe contra Wade afectar al acceso a los anticonceptivos?
El borrador del fallo de la Corte Suprema que anularía el caso Roe contra Wade no indica que la Corte vaya a revisar decisiones anteriores sobre el control de la natalidad. “Subrayamos que nuestra decisión se refiere al derecho constitucional al aborto y a ningún otro derecho”, escribió el juez Samuel Alito.
“Nada en esta opinión debe entenderse como que pone en duda los precedentes que no se refieren al aborto”.
Sin embargo, algunos expertos legales han planteado la preocupación de que los jueces puedan aplicar a la limitación del acceso a los anticonceptivos el argumento para anular Roe.
En consecuencia, a los defensores de los derechos les preocupa que los legisladores puedan usar la prohibición del aborto para reducir la disponibilidad de los anticonceptivos.
A principios de mayo, la legislatura del estado de Luisiana intentó avanzar un proyecto de ley que, de haber pasado, habría clasificado el aborto como homicidio.
Algunas de las personas que se opusieron a la propuesta argumentaron que la legislación podría técnicamente criminalizar también algunas formas de control de la natalidad.
“Hemos visto a gente equiparar falsamente los anticonceptivos de emergencia y los DIU con el aborto”, dijo Mara Gandal-Powers, directora de acceso al control de la natalidad y asesora principal del National Women’s Law Center. “Eso es ciertamente algo que me preocupa”.
¿Qué métodos anticonceptivos se pueden conseguir rápidamente?
Los preservativos son la opción más popular de los anticonceptivos de venta libre, y no requieren receta ni visita al médico. Pueden ayudar a prevenir el embarazo y las infecciones de transmisión sexual, pero no todo el mundo sabe cómo usarlos correctamente, dijo Melissa Simon, vicepresidenta de investigación del Departamento de Obstetricia y Ginecología de la Escuela de Medicina Feinberg de la Universidad Northwestern.
Además, los preservativos fallan un 13 por ciento de las veces, según los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades (CDC, por su sigla en inglés).
El espermicida, un producto químico que elimina los espermatozoides y que se presenta en geles, espumas y similares, también se vende sin receta médica, pero no se considera tan eficaz como otras opciones para prevenir el embarazo por sí solo, según Monica Woll Rosen, ginecóloga de la Escuela de Medicina de la Universidad de Michigan.
Otras opciones de corta duración
Otros dos anticonceptivos de corta duración, los diafragmas y los capuchones cervicales, no requieren receta médica. Las mujeres deberían hablar con un médico sobre su uso, y en gran medida han caído en desuso, según los expertos, con muchas opciones a largo plazo para el control de la natalidad en el mercado.
Phexxi
Uno de los métodos anticonceptivos más recientes que ha salido al mercado, Phexxi, es una opción sin hormonas que requiere receta médica. En los ensayos clínicos revisados por la Administración de Alimentos y Medicamentos (FDA, por su sigla en inglés), su eficacia fue del 93 por ciento cuando se utilizó correctamente, y del 86 por ciento en la práctica.
Pero se trata de un gel que la usuaria se introduce en la vagina antes del coito, no de un anticonceptivo de acción prolongada, y algunos de los efectos secundarios notificados incluyen ardor y picor vaginal. Además, como Phexxi es tan nuevo, es posible que algunas compañías de seguros no lo cubran.
¿Qué otros métodos anticonceptivos requieren receta?
– La píldora
Las píldoras anticonceptivas hormonales pueden ser muy eficaces si se toman a la misma hora todos los días. Hay cientos de píldoras anticonceptivas en el mercado, y las más comunes utilizan una combinación de estrógeno y progestina, que son ambas hormonas, para detener la ovulación.
Algunas personas informan de cambios de humor relacionados con la píldora y otras formas de control de la natalidad hormonal. Una revisión de estudios descubrió que las usuarias de anticonceptivos hormonales eran más propensas que las no usuarias a tener mayores tasas de depresión, ansiedad, fatiga y malestar.
– La píldora de solo progestina
A veces llamada “minipíldora”, esta forma de control de la natalidad solo contiene progestina, una forma sintética de la hormona progesterona. La mayor ventaja de la píldora con progestina es que no contiene estrógeno, lo que la hace más accesible para las personas que corren el riesgo de desarrollar complicaciones médicas a causa de esa hormona, dijo Aparna Sridhar, profesora clínica asociada de obstetricia y ginecología en UCLA Health.
“Para quienes no pueden tolerar los estrógenos por cualquier motivo, la píldora de solo progestina es una gran opción”, dijo Sridhar.
La píldora con progestina es tan eficaz como la píldora combinada si se utiliza correctamente, dijo.
– El parche
El parche emplea una combinación de hormonas similar a las que se encuentran en el anillo y en muchos anticonceptivos orales —estrógeno y progestina—, pero en lugar de tomar una píldora diaria, la usuaria se coloca un parche en la piel una vez a la semana.
Los parches vienen en paquetes de tres; la usuaria se pone un parche nuevo cada semana durante tres semanas, y luego tiene una semana sin parches durante la cual suele producirse el periodo. Los parches pueden llevarse al ducharse o nadar.
“Es estupendo para las personas que no se acuerdan o no quieren tomar una píldora cada día”, dijo la doctora Julia Cron, vicepresidenta del Departamento de Obstetricia y Ginecología de Weill Cornell Medicine/New York-Presbyterian.
“También te da algunas de las otras ventajas que ofrece la píldora, como el control del ciclo, menos sangrado y menos dolor”.
Entre los efectos secundarios se encuentran las hemorragias irregulares, los dolores de cabeza, la sensibilidad en los pechos y, en algunos casos, náuseas y cambios de humor, según Cron.
– El anillo
Hay dos anillos vaginales disponibles: el NuvaRing, que dura aproximadamente un mes, y el anillo Annovera, que dura aproximadamente un año.
Para ambos anillos, la usuaria se inserta el anillo, lo deja durante unas tres semanas y luego se lo quita durante una semana; alguien que utilice el NuvaRing se insertará un nuevo anillo cada mes, mientras que alguien que utilice el anillo Annovera reutilizará el mismo anillo.
Emplean hormonas similares a las de la píldora y el parche, pero como pueden llevarse durante más tiempo, a algunas les resultan menos molestas que la píldora, que debe tomarse todos los días, y el parche, que debe aplicarse casi todas las semanas.
Dado que el anillo contiene estrógenos, puede tener efectos secundarios similares a los de la píldora o el parche, según Siripanth Nippita, profesora clínica adjunta de Obstetricia y Ginecología de NYU Langone Health. Entre ellos se encuentran los cambios de humor, las náuseas, la sensibilidad en los senos y los dolores de cabeza.
Los expertos en salud femenina consideran que los dispositivos intrauterinos, o DIU, se encuentran entre las formas más eficaces de control de la natalidad, en parte porque quienes los usan no necesitan acordarse de tomarlos o aplicárselos, como ocurre con una píldora o un parche.
Un médico introduce uno de estos dispositivos en forma de T en el útero, un procedimiento que suele durar cinco minutos. Dependiendo del tipo, el DIU puede ser eficaz entre tres y 12 años.
Actualmente, existen dos tipos de DIU disponibles:
El hormonal, que segrega progestina. En comparación con las píldoras anticonceptivas orales, esta hormona se absorbe “muy poco” en el torrente sanguíneo, según Rosen, por lo que las pacientes suelen experimentar menos efectos secundarios relacionados con el estado de ánimo.
Las personas que tienen un DIU hormonal pueden tener sangrados anormales o manchados durante los primeros tres a seis meses después de la inserción. Después, las hemorragias suelen ser más ligeras y regulares, o desaparecen por completo.
El de cobre, que no contiene hormonas. Sin embargo, las personas con menstruaciones abundantes o dolorosas deberían evitar los DIU de cobre, según Rosen, porque pueden provocar menstruaciones más largas y flujos más abundantes en algunas personas.
– Implantes anticonceptivos
Nexplanon es un tipo de implante que se inserta bajo la piel de la parte superior del brazo y dura unos tres años. Según Nippita, es el método anticonceptivo con menor índice de fracaso.
Un médico o una enfermera introduce la pequeña varilla, que tiene la longitud de un palillo de fósforo, y el proceso solo dura unos minutos. No es necesario un examen pélvico.
Los efectos secundarios pueden variar de una persona a otra. Alrededor de un tercio de las pacientes experimenta un manchado “diario, anormal y molesto”, dice Rosen; otro tercio no experimenta ningún sangrado; y el otro tercio simplemente tiene un manchado más ligero y poco frecuente. Algunas personas con el implante también informan de cambios de humor, dolores de cabeza, aumento de peso y acné.
– Inyecciones anticonceptivas
Depo-Provera es una inyección que contiene progestina y protege contra el embarazo durante tres meses. El médico suele administrarla, en un brazo o en las nalgas, cada 12 o 14 semanas.
Algunas personas pueden experimentar manchado u otras irregularidades del periodo después de las primeras inyecciones, pero suelen desaparecer con el tiempo.
El aumento de peso también puede ser un efecto secundario para algunas personas. La Depo-Provera también puede provocar depresión, migrañas, convulsiones y problemas hepáticos en algunas pacientes.
– Ligadura de trompas
La ligadura de trompas es un procedimiento muy eficaz que protege permanentemente contra el embarazo, pero no es reversible, por lo que las mujeres deben estar seguras de no querer quedarse nunca embarazadas.
Este procedimiento mínimamente invasivo puede realizarse durante una cesárea o justo después de un parto vaginal, así como en cualquier otro momento. Otra opción es la salpingectomía, un procedimiento que consiste en extirpar una o ambas trompas de Falopio.
– Vasectomías
Las vasectomías son cirugías rápidas y muy eficaces en las que los médicos cortan y sellan los tubos que transportan el esperma en el escroto.
El procedimiento suele durar 20 minutos y puede realizarse en un consultorio o bajo sedación consciente, dijo Puneet Masson, director de Medicina y Cirugía Reproductiva Masculina y profesor asistente de urología clínica en cirugía en Penn Medicine.
Aunque que las vasectomías pueden ser revertidas, los pacientes deben considerar el procedimiento como una anticoncepción permanente, dijo Masson.
“Si buscas una forma reversible de anticoncepción, yo me alejaría tanto de la vasectomía como de la esterilización femenina”, dijo Cron, de Weill Cornell Medicine/New York-Presbyterian. “Realmente no está pensada para alguien que tenga dudas sobre su futura fertilidad”.
¿Qué pasa con Plan B y la anticoncepción de emergencia?
Hay dos “píldoras del día después” disponibles: Plan B, que se puede adquirir sin receta en farmacias, y Ella, que requiere una prescripción médica. Ambas retrasan la ovulación y permiten que los espermatozoides del aparato reproductor se extingan.
Las personas preocupadas por el embarazo deben tomar Plan B en las 72 horas siguientes a las relaciones sexuales sin protección. Ella puede ser eficaz hasta cinco días después de haber mantenido relaciones sexuales sin protección.
En el caso de ambos medicamentos, “cuanto antes se tomen después de haber mantenido relaciones sexuales sin protección, mejor”, dijo Nippita. Las píldoras están compuestas por diferentes ingredientes: Plan B contiene levonorgestrel, mientras que el principio activo de Ella es el acetato de ulipristal.
Estas píldoras pueden provocar náuseas o vómitos, y tu próxima menstruación puede ser más corta de lo habitual después de tomarlas.
Según los CDC, el DIU de cobre puede utilizarse como anticonceptivo de emergencia, pero debe colocarse en los cinco días siguientes a la relación sexual sin protección. Las investigaciones muestran que el DIU hormonal también puede ser eficaz como anticoncepción de emergencia.
Qué hay que tener en cuenta antes de empezar un nuevo método anticonceptivo
Varios tipos populares de anticonceptivos, incluidos muchos de los anticonceptivos orales, el parche y el anillo, contienen estrógenos, por lo que verás muchas de las mismas preocupaciones sobre quién puede y quién no puede usarlos.
A las personas con presión arterial alta, antecedentes de coágulos de sangre o accidentes cerebrovasculares, algunas formas de cáncer de mama o migrañas con aura, se les puede aconsejar que busquen otros métodos.
Además, las personas mayores de 35 años que fuman pueden tener un mayor riesgo de sufrir complicaciones como accidentes cerebrovasculares.
Una de las partes más difíciles de navegar por las opciones de control de la natalidad puede ser analizar la literatura sobre los límites de peso para los anticonceptivos.
Aunque hay datos contradictorios sobre la eficacia de los anticonceptivos hormonales para las personas que superan un determinado índice de masa corporal, algunos métodos anticonceptivos pueden no estar recomendados para las personas con sobrepeso u obesidad.
También existen orientaciones contradictorias sobre si las personas que tienen un determinado índice de masa corporal (IMC) pueden o deben tomar píldoras anticonceptivas de emergencia.
Los ensayos clínicos han demostrado que Plan B y Ella son más eficaces para las mujeres que tienen un IMC inferior a 30, dijo Nippita. Sin embargo, la FDA señaló en 2016 que había revisado los datos científicos disponibles sobre si los anticonceptivos de emergencia que contienen levonorgestrel, como Plan B, eran eficaces en mujeres que pesaban más de 75 kilos (165 libras), y concluyó que “todas las mujeres, independientemente de su peso, pueden usar estos productos para prevenir embarazos no deseados después de una relación sexual sin protección o un fallo de los anticonceptivos”.
Nippita dijo que no excluiría la prescripción de anticonceptivos de emergencia a una paciente basándose en el IMC.
¿El seguro cubre los anticonceptivos?
Entre Medicaid y los requisitos de la Ley de Cuidado de Salud a Bajo Precio para las compañías de seguros, los costos de control de la natalidad deben ser cubiertos, dijo Gandal-Powers, de la National Women’s Law Center.
Eso significa que la mayoría de la gente no debería tener gastos de su propio bolsillo, incluso para las visitas al médico asociadas con la obtención de control de la natalidad, como las consultas y las implantaciones de los DIU.
Pero la cobertura del seguro no siempre se traduce en acceso, dijo. “El hecho de tener cobertura no significa que haya un proveedor cerca de ti que pueda insertar un DIU”, dijo.
The New York Times(D.Blum) — Con las tasas de vacunación en aumento, la esperanza está en el aire. Pero después de un año de traumas, aislamiento y dolor, ¿cuánto tiempo tendrá que pasar para que la vida —por fin— se sienta bien?
Después de la pandemia, la respuesta a esta pregunta puede estar en tus propias manos. Cada vez son más las investigaciones que demuestran que hay pasos sencillos que se pueden dar para recargar las pilas emocionales y despertar una sensación de plenitud, propósito y felicidad.
La comunidad psicológica denomina “florecimiento” a esta elevada combinación de bienestar físico, mental y emocional. Es exactamente lo contrario de languidecer, esa sensación de estancamiento sobre la que Adam Grant escribió recientemente para el Times.
“El florecimiento es en realidad lo que la gente busca en última instancia”, dijo Tyler J. VanderWeele, profesor de epidemiología y bioestadística y director del Programa de Florecimiento Humano de Harvard. “Es vivir una buena vida. Solemos pensar en el florecimiento como un estado en el que todos los aspectos de la vida de una persona son buenos; es realmente una noción que lo abarca todo”.
La buena noticia es que las evidencias científicas relacionadas con el florecimiento son sólidas, y numerosos estudios demuestran que hay actividades sencillas que pueden conducir a una notable mejora del bienestar general. He aquí algunas actividades prácticas, respaldadas por la ciencia, que pueden ayudarte a empezar.
Evalúate
En primer lugar, ¿cómo saber si estás languideciendo, floreciendo o en algún punto intermedio? Simplemente preguntar a alguien es una herramienta de diagnóstico eficaz, dice Laurie Santos, profesora de psicología de Yale que imparte un curso gratuito de diez semanas llamado “La ciencia del bienestar”.
¿Te levantas dispuesto a empezar el día o prefieres volver a dormir? ¿Tiene un sentido de la vida o te parece que la mayor parte del día no tiene sentido? “Eres una especie de experto en tu propio sentido del florecimiento”, dijo.
VanderWeele utiliza una evaluación de diez preguntas en su programa de Harvard, que puedes hacer aquí. Los participantes califican cinco áreas de su vida en una escala del uno al diez, con preguntas centradas en la felicidad y la satisfacción vital, la salud física y mental, el propósito, el carácter y la virtud y las relaciones sociales cercanas.
Según VanderWeele, el mero hecho de realizar el test y reflexionar sobre las preguntas que plantea puede ponerte en el camino lograr cambios para bien.
Saborea y celebra las pequeñas cosas
Después de un año de fiestas de cumpleaños a las que asistimos por Zoom y de graduaciones virtuales, muchos de nosotros queremos deleitarnos otra vez con reuniones. Las celebraciones ayudan a crear y consolidar relaciones.
“Es realmente importante que después de la pandemia nos dediquemos a celebrar más y más”, dijo VanderWeele.
Pero no solo hay que celebrar las grandes ocasiones. Los estudios demuestran que reconocer los pequeños momentos también es importante para el bienestar.
Los psicólogos lo llaman “saborear”. Saborear consiste en apreciar un acontecimiento o una actividad en el momento, compartir pequeñas victorias y apreciar las cosas buenas que te rodean.
Un estudio realizado en 2012 con estudiantes universitarios descubrió que participar en una actividad de saboreo denominada “fotografía consciente” daba lugar a una mejora general del estado de ánimo y a una sensación significativamente mayor de aprecio por la vida universitaria.
Se pidió a los estudiantes que hicieran al menos cinco fotos de su vida cotidiana —amigos, su paisaje favorito en el campus, libros que disfrutaban— dos veces a la semana durante dos semanas. Reflexionar sobre las fotos y los pequeños momentos que les alegraban, ayudó a los estudiantes a centrarse en lo bueno de sus vidas.
Si hacer fotos de tus cosas favoritas te parece demasiado trabajo, las investigaciones demuestran que también te beneficias cuando saboreas experiencias agradables, como darte un baño caliente, pasar el día con tu mejor amigo o dar un paseo de “asombro”.
Prueba la “gratitud por la cena del domingo”
Algunas personas expresaron más gratitud durante la pandemia, ya sea al aplaudir a los trabajadores de la salud o dando las gracias a un cajero del supermercado. Pero crear un ritual de gratitud semanal puede consolidar el hábito.
Numerosos estudios demuestran que dedicar tiempo a reflexionar sobre lo que agradecemos mejora nuestra calidad de vida.
En un estudio de 2003, los investigadores pidieron a estudiantes universitarios que hicieran una lista, una vez a la semana, de cinco cosas por las que estaban agradecidos, tanto grandes como pequeñas (algunos escribieron que estaban agradecidos por haberse levantado esa mañana; otro incluyó su gratitud por los Rolling Stones).
En comparación con un grupo de control, los estudiantes asignados a la intervención de gratitud durante diez semanas tenían mejores sentimientos sobre la vida en general y menos quejas físicas.
La práctica de la gratitud no debe ser una carga. Intenta añadir un nuevo hábito de agradecimiento a un ritual semanal que ya tengas, como la cena del domingo con la familia, sacar la basura o hacer la compra semanal.
Haz cinco buenas obras
Los actos de bondad no solo ayudan a los demás, sino que también pueden ayudarte a florecer. Las investigaciones demuestran que realizar cinco actos de bondad en un solo día, una vez a la semana, puede tener un poderoso efecto.
Un estudio de 2004 demostró que cuando los estudiantes universitarios dedicaban un día a realizar cinco actos de bondad —como donar sangre, ayudar a un amigo con un trabajo o escribir una nota de agradecimiento a un antiguo profesor— experimentaban un aumento más significativo del bienestar que aquellos que repartían cinco cosas amables a lo largo de una semana.
El voluntariado también puede mejorar el bienestar. VanderWeele y otros investigadores analizaron los datos de una cohorte de casi 13.000 adultos mayores y descubrieron que los participantes que se ofrecieron como voluntarios al menos dos horas a la semana durante el periodo de estudio experimentaron mayores niveles de felicidad, optimismo y propósito en la vida, en comparación con los que no se ofrecieron como voluntarios para nada.
Para facilitarlo, Grant recomienda empezar con un “favor de cinco minutos” diario, como presentar a dos personas que podrían beneficiarse de conocerse, o enviar un artículo o un enlace de podcast a un amigo, diciendo que estabas pensando en él o ella.
Procura contactos y busca comunidades
Incluso una charla rápida con un desconocido o un vínculo momentáneo con alguien nuevo puede fomentar una sensación de satisfacción, sobre todo cuando se produce lo que los investigadores llaman una conexión de alta calidad.
“No tienen por qué ser relaciones duraderas o interacciones largas”, dice Grant. “A veces la gente siente más alegría cuando habla con un desconocido en un avión o en el metro, o cuando alguien lo saluda en un restaurante”.
Los momentos en los que somos vistos por otras personas, y somos recibidos con respeto o incluso con entusiasmo, pueden energizarnos y vigorizarnos y ayudar a crear vínculos dentro de nuestro barrio o comunidad.
Cuando salgas de la vida pandémica, intenta volver a conectar con una comunidad que hayas echado de menos. Puede ser regresar a la iglesia o a la práctica del coro, a un grupo de corredores o a una clase de yoga, o incluso pasar el rato en tu cafetería local.
Y no tengas miedo de charlar con un desconocido, reconectar con tu mesero o entablar una conversación en el parque para perros.
Encuentra un propósito en las rutinas diarias
¿Qué cosas esperas con ansias cada día? ¿Qué le da sentido a su vida? Los estudios han descubierto que el florecimiento proviene de las rutinas diarias, como trabajar en una nueva habilidad o dar las gracias a las personas que valoras en tu vida, y de los pequeños momentos de dominio, conexión y significado.
“Hay muchos adultos estadounidenses que cumplirían los requisitos para sentirse felices, pero no sienten que tienen razón de ser”, dijo Corey Keyes, profesor de sociología de la Universidad de Emory. “Sentirse bien con la vida no es suficiente”.
Aunque el trabajo no tiene por qué ser el principal impulsor de tu sentido de propósito, los estudios demuestran que replantear la forma de pensar sobre tu trabajo puede mejorar tu sensación de satisfacción.
Profundizar en las relaciones con los compañeros de trabajo y recordar cómo tu empleo contribuye a un bien mayor puede cambiar tu forma de pensar sobre el trabajo.
Si eres un agente de seguros, por ejemplo, percibir tu oficio como un medio para ayudar a la gente a recuperarse después de un accidente, en lugar de centrarte en una tarea rutinaria como la tramitación de demandas, puede hacer que tu trabajo sea más satisfactorio
“La gente cree que, para prosperar, tiene que hacer lo que sea su versión de ganar las Olimpiadas, o escalar una montaña, o tener alguna experiencia épica”, dice Grant.
Si te sientes deprimido, elige un proyecto pequeño. Puede ser algo tan sencillo como limpiar la cocina o trabajar en el jardín, o incluso lavar las fundas de las almohadas.
Tal vez, programa un temporizador de diez minutos y sal a correr un poco, o prueba meditar un minuto. Completar una tarea sencilla e impactante puede contribuir a una sensación de logro.
Prueba algo nuevo
“Muchos de nosotros pensamos que tenemos que cambiar nuestras circunstancias, conseguir un trabajo en el que ganemos mucho más dinero, o cambiar nuestras relaciones, comprar algo nuevo”, dice Santos. “Pero lo que la investigación muestra realmente es que el florecimiento proviene de un conjunto diferente de comportamientos y hábitos”.
Y ahora que en Estados Unidos la vida vuelve a parecerse un poco a la normalidad, hay más oportunidades para diversificarse. Puedes unirte a un club de lectura o a un grupo de corredores, tomar una clase de cerámica, visitar un museo o una exposición de arte al aire libre, probar una nueva receta, explorar un sendero o un barrio cercano o probar una aplicación gratuita para aprender idiomas como Duolingo.
Lo más importante para el bienestar general, según Keyes, es interesarse por la vida, lo que suele ir acompañado de una sensación de satisfacción o felicidad. La pandemia nos ha desafiado porque no hemos podido dedicarnos a muchos de nuestros intereses anteriores, dijo. “La primera clave para sentirse bien en la vida es buscar nuevos intereses”, dijo.
Grant también dijo que aprender una habilidad y enseñársela a alguien, o emprender proyectos que te apasionen como pasatiempos, puede llevar a la plenitud. El final de la pandemia ofrece una nueva oportunidad para reflexionar, dijo, y para plantearse una nueva pregunta: “¿cómo quiero pasar mi tiempo?”.
The Conversation(A.H.Matas) — A nadie le amarga un dulce. Este dicho popular encierra, como suele ser habitual en nuestro refranero, una gran verdad que es evidente incluso en otras especies animales. En efecto, los alimentos dulces son poderosos reforzadores. A veces, incluso más potentes que drogas consideradas duras, como la cocaína.
Pero esto contradice la idea extendida de que es muy difícil resistirse a los encantos de las sustancias estupefacientes, que exacerban y monopolizan nuestra motivación en detrimento de otras actividades.
¿Qué hay de verdad en ello?
Ratas golosas
Un estudio realizado en ratas de laboratorio demostró que, cuando a estos animales se les da a elegir entre presionar una palanca para poder beber una pequeña cantidad de agua edulcorada con sacarina o activar otra que administra una inyección de cocaína a través de un catéter endovenoso, la mayoría de ellos prefieren el acceso a la solución dulce.
Parece que este efecto se da también con otras drogas. Por ejemplo, en otro trabajo realizado por el mismo grupo de investigación, se observó un resultado similar con la heroína.
Y estos mismos autores observaron, en una tercera investigación, que cuando a las ratas se les daba la opción de elegir entre nicotina y agua edulcorada con sacarina, los animales preferían esta última.
Parece, por tanto, que los alimentos dulces son un poderoso reforzador, más potente incluso que las drogas, en una mayoría de sujetos. Sin embargo, es necesario precisar que en los estudios anteriores siempre había un pequeño porcentaje de las ratas de experimentación que preferían sistemáticamente la palanca que proporcionaba la droga.
Ahora bien, ¿se debía esta preferencia a una tendencia innata o se generaba por el contacto que los animales habían tenido anteriormente con la sustancia? ¿Pueden las drogas de abuso modificar la motivación por el consumo? Veamos otro caso diferente para intentar dar una respuesta a esta cuestión.
Cannabis como palanca hacia otras sustancias
En un trabajo reciente en un laboratorio de la UNED, se ha demostrado que cuando las ratas adolescentes son expuestas al principal componente psicoactivo del cannabis, el famoso THC, al hacerse adultas muestran un mayor consumo de cocaína (siempre y cuando requiera un esfuerzo conseguirla). Es decir, cuando no les costaba esfuerzo, no se veían tales efectos. Además, solo se observaron estos resultados en los machos.
Veámoslo con calma. En todos los estudios citados, los animales tienen que presionar una vez la palanca para conseguir una inyección de la droga (cocaína en este caso). Sin embargo, en la vida real, la droga no es tan fácil de conseguir y muchas veces requiere trabajo: obtener la dirección de la persona que facilita la droga, ir al lugar del intercambio, invertir una suma de dinero…
Para imitar esta situación en los animales de laboratorio, hacemos que cada inyección de la droga cueste cada vez más. De esta manera, la primera inyección les exigirá una presión de palanca, la segunda les requerirá tres, la tercera, diez… y así sucesivamente en progresiones aritméticas o geométricas, según las necesidades del experimento.
Volviendo al estudio en cuestión, las ratas con una exposición a THC durante la adolescencia consumían la misma cocaína que el resto de los animales del experimento cuando cada inyección costaba una presión de palanca. Pero, sorprendentemente, los machos expuestos al THC reclamaban más dosis de droga cuando los requerimientos para obtenerlo aumentaban progresivamente.
De esto se concluye que la exposición a determinadas drogas, cannabinoides en este caso, sí puede afectar a la motivación para consumir otras.
¿Nos hacen las drogas perder motivación por el resto de actividades?
Pero ¿qué ocurre con las otras actividades de la vida cotidiana? La doctora de la Universidad de Cambridge Bárbara Sahakian y su equipo se propusieron revisar de manera sistemática la literatura científica relativa al uso de cannabis y alteraciones motivacionales como la apatía (falta de vigor, de energía para hacer cosas) o la anhedonia (incapacidad para sentir placer).
Así, encontraron una asociación entre el consumo de cannabis y el desarrollo de anhedonia en la adolescencia. Además, algo similar ocurrió con la apatía durante la juventud temprana, si bien, en este caso, los resultados no fueron tan robustos.
Por tanto, el consumo de cannabis, y en especial en la etapa adolescente, puede afectar a nuestra motivación. Bien incrementándola si es para tomar otras drogas como la cocaína, o bien disminuyéndola en el caso de las actividades reforzantes de la vida cotidiana.
Ahora bien, podríamos preguntarnos si estos efectos se observan en todos los casos y si el consumo de cannabis, por ejemplo, se realizara en presencia de otras sustancias, como suele ser el caso de la población adolescente.
Un estudio en animales intentó responder a esta pregunta, combinando THC y alcohol. Los resultados que obtuvieron señalaban que la mezcla de ambas drogas afectaba poderosamente a la motivación de los animales, que desdeñaban con mayor frecuencia una solución de agua edulcorada con sacarosa.
Los mecanismos cerebrales por los que se dan estos efectos no están claros, pero una hipótesis plausible es que la exposición a drogas de abuso, como los cannabinoides, pueden afectar a los mismos circuitos nerviosos que regulan los comportamientos motivados (beber, comer, la actividad sexual y otros procesos superiores como el amor romántico).
Datos procedentes de nuestro laboratorio en la UNED sugieren efectivamente que este puede ser el caso, pues la exposición a cannabinoides durante la adolescencia es capaz de afectar a una estructura fundamental del circuito de la recompensa, el núcleo accumbens.
En definitiva, las drogas, aun siendo poderosos reforzadores, no consiguen suscitar, en la mayoría de los sujetos, mayor motivación que otras actividades.
Sin embargo, existe una pequeña población de individuos vulnerables en los que esta regla no se cumple y prefieren de manera sistemática el consumo de drogas frente a otras actividades placenteras.
Muy Interesante(Joy Club/V.Tasso) — Aunque se asocia con frecuencia a las parejas de hombres homosexuales, cualquier persona puede realizar sexo anal, una práctica sexual que puede ser muy satisfactoria para hombres y mujeres. Con o sin juguetes sexuales, solos o acompañados, la estimulación anal abre un mundo de posibilidades muy placenteras; eso sí, si se realiza correctamente y con seguridad.
¿Quieres aprender a introducir el sexo anal en tu rutina sexual, y no sabes por dónde empezar? ¿Tienes dudas sobre esta práctica, que todavía viene acompañada de cierto estigma?
Te ofrecemos algunos consejos para disfrutar del sexo anal orientados por un experto, y de la mano de JOY Club, una comunidad con más de 3 millones de miembros dirigida a todos aquellos que quieren disfrutar de una sexualidad abierta.
1. Infórmate
Es importante obtener información rigurosa para dejar atrás los tabúes y poder disfrutar de esta práctica sexual. Según el sexólogo y terapeuta Carlos Horrillo, una de las preocupaciones más frecuentes sobre esta práctica proviene de los hombres heterosexuales quienes, a pesar de tener mucho interés en querer explorar esta zona en sus compañeras sexuales, suelen negarse a autoexplorarse a sí mismos debido a miedos, frutos del desconocimiento. “La razón es cultural, dado que hay un componente psicológico en ‘ser penetrado’”, señala el sexólogo.
Pero cualquier hombre puede disfrutar mucho de la estimulación anal y de la próstata, y eso no tienen nada que ver con la orientación sexual.
Disfrutar del sexo anal no te convierte en homosexual, ni pone en juego tu virilidad.
Por el contrario, sí abre un camino inexplorado de placenteras posibilidades, especialmente para ellos: la estimulación de la próstata, situada a pocos centímetros de la entrada del recto, tiene el potencial de ser muy placentera para un hombre.
Además de ser muy saludable, no solo por los beneficios de practicar sexo en sí mismos, la exploración rectal en los varones puede ser clave para prevenir enfermedades prostáticas.
Por otro lado, el ano es una zona erógena en ambos sexos, por lo que las mujeres también pueden disfrutar de un sexo anal muy placentero.
Horrillo señala que, con frecuencia, las mujeres ven esta práctica como “algo sucio y poco erótico para ellas”. Sin embargo, esta concepción está cambiando.
El sexólogo apunta a que alrededor de un 30 % de mujeres heterosexuales ya practican sexo anal con regularidad. Eso sí, mejor hacerlo con una serie de pautas.
2. Dedica tiempo a los preliminares
El primer dato a tener en cuenta, especialmente en parejas heterosexuales, es que la práctica del sexo anal no puede llevarse a cabo igual que si fuera un coito.
El ano es un esfínter distinto a la vagina; cada unose dilata de formas distintas, y requieren estimulaciones diferentes. Una estimulación insuficiente antes de la penetración suele provocar dolor, y el rechazo a esta práctica, entendida como algo doloroso.
Pero el sexo anal no tiene por qué doler si ponemos en práctica algunos trucos. Las caricias, besos, y toda práctica dirigida a estimular a la persona que va a recibir la penetración (lo que conocemos como preliminares) son esenciales para aumentar su excitación, permitiendo así la correcta relajación de los músculos. En definitiva, y como señala Carlos Horrillo: “Es una práctica que requiere de paciencia y cariño”.
3. Hazte con un buen lubricante
El siguiente consejo, esencial para que el sexo anal no sea doloroso, es hacerse con un buen lubricante. La vagina posee lubricación natural, pero no así el ano, por lo que la lubricación se convierte en un requisito imprescindible para evitar daños innecesarios.
Al iniciar la penetración, conviene hacerlo de manera paulatina, para ir dilatando poco a poco el esfínter.
Para ello, es fundamental la comunicación: expresar lo que vamos sintiendo a la otra persona en cada momento nos asegurará que podamos alcanzar una estimulación placentera. El sexo anal no tiene por qué doler, si se hace bien.
4. Mantén una buena higiene
Resulta comprensible que muchas personas presenten dudas, o incluso rechazo, ante la idea de practicar sexo anal, dado que este es un orificio de desecho.
Para garantizar una experiencia satisfactoria, es imprescindible la higiene: se recomienda lavar correctamente la zona antes de mantener relaciones sexuales con agua y jabón. Otras prácticas, como las famosas ‘lavativas’, que vacían parte del intestino grueso, no se consideran necesarias.
El recto, la zona que se va a penetrar, no debería albergar material fecal por sí mismo; esto solo ocurre en el momento de la evacuación”.
5. Toma precauciones
Como cualquier práctica sexual, el sexo anal no está exento de riesgos para la salud: entran en juego las infecciones de transmisión sexual o ITS (anteriormente conocidas como ETS). Por ello, el uso del preservativo es imprescindible.
Pero hay más. El consejo definitivo para disfrutar de un buen sexo anal, principalmente en parejas heterosexuales o mujeres homosexuales que lo practiquen, es que el preservativo debe cambiarse después de la penetración si se va a penetrar otro orificio, como la vagina.
El motivo, además de la higiene, es que las bacterias que habitan de manera natural en el recto, principalmente las de tipo E. coli, pueden provocar una seria infección en el tracto urinario.
Es frecuente que, desoyendo estos consejos, un preservativo se reutilice para usar ambos orificios, o bien el pene o el juguete sexual que estamos usando para la estimulación anal se lleve directamente a la boca o vagina de la compañera sexual.
Para evitar esto, hay que lavar siempre el pene o el juguete sexual antes, o cambiar el preservativo.
¿Más sexo natural?
Nuestra supervivencia se ha basado siempre en la manipulación de la naturaleza y en guarecernos de lo que nos depara. Esta necesidad –no es, de partida, un capricho o una frivolidad– tecnológica constituye un elemento tan determinante en nosotros como lo es el hecho de ser animales emanados de la naturaleza, y nos confiere una particularísima visión del mundo: entenderlo como una herramienta puesta a nuestro uso.
Vemos la naturaleza como un simple recurso que hay que manipular, transformar, parasitar y, en el caso de que nos convenga, destruir. Todo ello se debe a que somos animales, sí, pero animales desterrados, animales expulsados de ella.
Hay un pasaje en el Génesis que lo simboliza bien. Adán y Eva acaban de comer del árbol del conocimiento y Dios reclama la presencia de Adán para que comparezca frente a Él. Su voz truena en el firmamento repitiendo su nombre: “¡Adán…, Adán…!”. Pero este no acaba de aparecer.
Cuando finalmente lo hace, intimidado, con la cabeza gacha y sus manos tapando torpemente sus genitales, Dios le pregunta por el motivo de su tardanza. A lo que Adán responde que no acudía porque se encontraba desnudo. Es entonces cuando Dios demuestra que es Dios preguntándole: “¿Y quién te ha dicho a ti que estabas desnudo?”.
Hasta entonces, Adán y Eva triscaban desnudos por el paraíso como cabras por el monte, sin vergüenza alguna ni temor ni pudor. La conciencia súbita de la propia desnudez es la prueba irrefutable de que han mordido la manzana.
La consecuencia de ello es la expulsión del paraíso, el destierro de la naturaleza, un castigo insoportable –lo de “parirás con dolor” y “ganarás el pan con el sudor de tu frente”–, una condena inaudita que no es dictada por Dios, sino por la propia condición humana.
Así retrata Masaccio a Adán y Eva en la capilla Brancacci tras recibir la condena. Él, tapándose la cara con las dos manos y dejando su pene a la vista, es la culpa; ella, con el rostro visible y desencajado y cubriéndose con su brazo derecho los senos y con la mano izquierda el pubis, es la vergüenza. Encima de ellos, el ángel custodio, espada en mano, impedirá cualquier intento de regresar: no hay marcha atrás.
Animales desterrados
Desde la primera vez que existió algo parecido a un animal humano, dejamos de habitar en la inmediatez de la naturaleza como el resto de animales. Somos unos animales desterrados. O como lo expresara el filósofo Peter Sloterdijk: “Si somos humanos, es porque hemos fracasado como animales”.
Y es ahí, en nuestro fracaso, donde reside la necesidad de conformar toda nuestra existencia como especie en una lucha contra la naturaleza, en una resistencia a la ley de vida, a lo que Dios manda, a lo dado.
Plantar trigo, construir una choza, elaborar un antibiótico, instaurar la democracia o componer las seis suites para violonchelo de Bach son una resistencia contra los designios de la naturaleza, contra sus imposiciones aleatorias y desiguales.
Y es que lo natural, pese a lo que la cultura de lo bío quiere hacernos creer, no siempre es lo mejor. Victor Hugo resume bien ese orden natural contra el que nos resistimos: “Il faut que l’herbe pousse et les enfant meurent” (‘La hierba tiene que crecer y los niños, morir’).
Ante eso estamos indefensos, sin posibilidad de supervivencia alguna, pero la cultura es en gran medida un peculiar mecanismo de defensa que nos permite impedir que la hierba crezca –exterminando los pastos que nos alimentan– y también, en gran medida, que nuestros niños mueran nada más nacer…
Y la emoción estética que nos produce el verso de Hugo es otra forma de resistirse a lo inexorable e inmanejable de los designios de la naturaleza.
La debilidad emanada de nuestro destierro hizo de nosotros criaturas tecnológicas que siempre ansían volver a La naturaleza.
Ambas cuestiones, ser naturaleza y entenderla como algo colocada para su manipulación, son requerimientos que casan muy mal entre sí y que, si no tenemos la suficiente habilidad para equilibrarlos y hacerlos mínimamente compatibles, nos abocarán a dos posiciones tan radicales como estúpidas de las que hoy en día vemos sus manifestaciones: o acabar pulverizando y agostando todo –hasta a nosotros mismos– en nombre de eso que llaman el crecimiento y el desarrollo, o adoptar actitudes regresivas hacia lo natural sin sentido alguno y basadas en planteamientos más ideológicos, religiosos o mágicos que racionales.
No existe la menor duda de que el ensimismamiento y el narcisismo –no solo individual, sino colectivo–, acompañados de una ideología puramente mercantil que nos hace ver el mundo como un simple supermercado en el que abastecernos a discreción, nos señalan a nosotros mismos como la mayor amenaza: catástrofes ecológicas, cambio climático, cosificación de los animales –la vaca no da leche, se la ordeña tras preñarla y retirarle el ternero; no da piel, se la despelleja; y no da carne, se la descuartiza–…
Nuestra condición sexuada, extraña síntesis de esos dos flujos informativos que son la naturaleza y la cultura, no queda al margen de esta polaridad: seguir avanzando hacia el desfiladero de la hipertecnificación del mundo o regresar sin mucho criterio y, en ocasiones, con mucho riesgo –baste ver la campaña de los antivacunas– hacia un supuesto paraíso natural que, en realidad, nunca nos acogió.
A continuación, analizaremos brevemente algunas posturas, en general más pintorescas que inquietantes, sobre algunas opciones concernientes al hecho sexual humano y que apuestan por un regreso a lo natural como garantía de legitimidad.
No por casualidad estas alternativas afectan mucho más al cuerpo femenino que al masculino y, curiosamente, no dudan en considerarse a sí mismas como progresistas y asociadas a movimientos de liberación de la mujer, cuando no a un ecologismo radical.
El sangrado libre
Empecemos, por ejemplo, por el llamado free bleeding. La traducción literal de esta propuesta sería ‘sangrado libre’ y, como podrá deducirse, hace referencia a dejar de utilizar productos para contener la emisión de sangre menstrual durante la regla.
El propósito fundamental de esta iniciativa sería normalizar y desestigmatizar el sangrado menstrual, defendiendo, ya de paso, los llamados intereses del planeta.
Es sabido que, desde antiguo, el hecho de que las mujeres sangremos una vez al mes por los genitales –durante el menstruum, que decían los latinos; lo que se produce en el mensis, es decir en el mes lunar, de ahí lo de menstruación– se ha prestado a las más variadas y estúpidamente simbólicas interpretaciones que se han relacionado torticeramente con la manera en que a las mujeres se las quería categorizar.
La impureza, la suciedad o la contaminación de la menstruación –a la que se achacan efectos tan absurdos como cortar la mayonesa– caracterizan al agente patógeno, es decir, a la mujer; si esta no cumple los requisitos morales de inmaculada, limpia y pura es porque el mal ya está dentro de ella, porque tiene esa mancha, ese estigma.
La solución para acabar con esa obligación de ‘ocultar el secreto’ de tener la regla pasa, según el naturalista propósito, por mostrarlo abiertamente y dejar que la sangre fluya sin temor a ser vista o a dejar un inconveniente rastro por algún butacón.
Con ese gesto, continúa la proclama, se evitaría además el ingente consumo de elementos externos de contención del sangrado – tampones y compresas– que acaban, como todo lo que se tira, contaminando nuestros mares, además de evitar –siempre detrás de una propuesta naturalista de este tipo, se introduce una explicación científico/ racional– el temido TSS, el síndrome del choque tóxico, una infección bacteriana muy grave provocada usualmente por el Staphylococcus aureus y que, aunque puede afectar a cualquier persona, se ha asociado también al uso de algunos tampones –con una incidencia aproximada de 1 por cada 100.000 mujeres–.
La propuesta del free bleeding no es nueva: ya fue una propuesta de carácter feminista allá por los años 70 del siglo pasado y también fue, en la insalubre Europa del XVII y el XVIII, bajo las desmesuradamente anchas faldas de las mujeres de buena posición, la manera más frecuente de abordar el sangrante asunto.
El sangrado libre se enmarcaría en esa actitud reivindicativa general de mostrar a la mujer en cuanto a lo que naturalmente es, despojada de los condicionantes culturales y morales de lo que debe ser –según los prototipos elaborados por los hombres–, y se podría aplicar también a otros gestos como dejar de depilarse axilas y piernas o abandonar el perfume y el maquillaje y su contaminante industria.
Hoy, principalmente en Francia y de la mano de reputadas estudiosas feministas de la sexualidad como Élisabeth Badinter, ha surgido una corriente muy crítica en relación a toda una nueva serie de reivindicaciones naturales que afectan directamente a la mujer y a la función de su sexualidad –y, ¿cómo no?, a su capacidad de gestación y su maternidad–.
La lactancia materna sostenida, los pañales lavables y reciclables, el parto natural y con dolor –evitando la programación de este e incluso la anestesia epidural–, dar a luz en el hogar familiar y no en un frío y deshumanizado hospital o la renuncia a la actividad profesional por volcarse en una sostenida y prolongada atención al recién nacido, son medidas que pretenden recuperar una supuesta humanidad perdida en la relación materno/filial mediante el retorno a lo natural de la maternidad y a vivir la experiencia con la intensidad con la que lo hacían nuestras abuelas.
No hay que ser especialmente astuto para detectar que todas esas medidas regresivas de carácter ecológico radical desprenden un cierto tufo a restablecer los valores contra los que tanto se ha luchado desde el feminismo y que, básicamente, se sintetizan en tres: la mujer como elemento dedicado fundamentalmente a la atención de los demás, la maternidad como sinónimo de feminidad y la reintroducción de que el lugar de una mujer es estar en casa cuidando de la prole.
El paradigma de la madre perfecta se muestra, según algunas autoras, como un cortocircuito ideológico en el amplio y diverso espectro de los deseos de una mujer. Lo curioso es que se presente como un progreso.
Quizá comprendamos algún día que las medidas reaccionarias, sean de carácter político, ideológico o incluso ético, son como un escudo de mimbre frente a un avión de caza F-35 y que nuestra resistencia a la deshumanización de la actual ideología hegemónica no pasa por volver atrás, sino por descubrir nuevas herramientas y útiles, también en nuestro ser sexuado, para contrarrestarla.
Por lo demás, estas opciones naturalistas son tan respetables dentro de la libertad individual de una mujer como muchas otras.
Pareja: ¿el origen de todos los males?
Podríamos mencionar también, dentro de la voluntad de regresar a lo natural, las distintas fórmulas que se proponen para establecer vínculos sentimentales fuera de los asumidos culturalmente como legítimos o, en cualquier caso, funcionales.
Casi todas esas fórmulas, en su diversidad de planteamientos, no son tan novedosas como se pretende y tienen algo en común: asumen que la asociación en pareja es el origen de todos los males que en la erótica nos acechan, pues establece dentro de ella perniciosas relaciones de privatización y exclusividad que en absoluto son naturales.
En estos planteamientos, la alternativa a emparejarse –algo que es visto como un modelo patrilineal que solo busca garantizar el origen masculino de la descendencia y que establece una marcada diferencia de distribución de trabajo y roles– pasaría por volver a la manada grupal, donde, presuntamente, los amores no establecen jerarquías –ni compromisos–, son simétricos –como si el amor se sometiera a los dictados de la igualdad– y no conforman categorías de propiedad –en una manada de babuinos o de leones, el macho dominante no se compromete con una sola hembra… porque todas le pertenecen–.
Todos esos planteamientos tienen un impecable ideario teórico, lleno de bondades y justicia, pero que, a poco que se pretenda materializar, tropieza con duros adversarios, como son la condición humana y la testarudez de la realidad… No habrá ninguna revolución en materia erótica que, en lugar de entender y darles la vuelta a dichos adversarios, pretenda simplemente negarlos.
La ecosexualidad
Por último, me gustaría mencionar un movimiento reciente que tiene un punto cachondo y otro artístico, y que propone directamente interactuar sexualmente con la naturaleza –no echar un polvo con la parienta en un prado, sino hacerlo con el propio prado, sin parienta–.
La iniciativa proviene de los Estados Unidos, se llama ecosexualidad y tiene a dos promotoras muy respetables: Elisabeth Stephens y Annie Sprinkle. A la señora Stephens no he tenido el placer de conocerla, pero con Annie Sprinkle sí he tenido el gusto de tratar –y hasta el honor de ser condecorada por ella– y debo decir que es una mujer que ha llevado la subversión de las convenciones en materia sexual hasta extremos inauditos.
Sexóloga, ex trabajadora sexual, artista, estríper, actriz porno y otras mil facetas más, cualquier cosa que proceda de Sprinkle va contra las ortodoxias –del campo que sean, incluido el feminismo–, por lo que su propuesta de abrazar una chumbera, masturbarse frotándose contra un tocón o dejarse acariciar por las hierbecillas del monte no puede más que despertarme una sonrisa.
Infobae(M.Bauso) — Breve aclaración previa: no quiero, estimado lector, que se ponga de mal humor ni que se deprima. Pero es mi obligación informarle que el 14 de junio se cumplió cuarenta años del estreno de E.T. Si usted, como yo, la vio en las salas cuando se estrenó, no podrá dejar de asombrarse, y hasta de lamentarse, por el paso del tiempo. Pero no se preocupe, si llega a verla de nuevo (la puede encontrar en Paramount Plus y en Amazon Prime) se volverá a emocionar y una vez más se volverá a sentir un niño.
En Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, Steven Spielberg ya había lidiado con extraterrestres. Contrariando una tradición de Hollywood, estos no eran amenazantes, no venían a atacar a los terrícolas. Lo mismo sucede con E.T. Es un alienígena amigable, con corazón, tierno.
Pero en su origen la historia era muy diferente. Spielberg trabajó durante unos años, junto a John Sayles, en un guión titulado Night Skies.Unos alienígenas hostiles atacaban a una familia que vivía en una zona rural. Vandalizaban el ganado, los asediaban, querían asesinarlos.
Destruían cosas tocándolas con unos dedos anormalmente largos que se iluminaban. Uno de los invasores se separaba del grupo y demostraba ser diferente al resto. Conectaba y se hacía amigo de un chico que estaba dentro del espectro autista.
Después de pensarlo, el director desistió del proyecto aunque rescató una historia para trabajar más en profundidad (otros elementos de ese guión aparecieron en Poltergeist y en Gremlins).
De ese guión descartado, Spielberg eligió la del contacto entre un ser de otro planeta y un niño de la Tierra, se centró en esa conexión. Mientras filmaba en el norte de África la primera entrega de Indiana Jones, Spielberg habló de la historia con Harrison Ford y su novia de entonces (sería la esposa del actor durante dos décadas) Melissa Mathison.
Spielberg venía de filmar películas de gran presupuesto, de pesada producción y pretendía que el siguiente proyecto fuera algo personal, casi de cámara, que pudiera rodar en cuatro semanas, que expresara algunos de sus miedos, frustraciones y dolores de la infancia: quería abordar el sufrimiento infantil por el divorcio de sus padres.
Finalizado el rodaje de Los Cazadores del Arca Perdida, dos meses después de las charlas en Túnez, Melissa Mathison le entregó a Spielberg un guión que se llamaba E.T. and Me (durante el rodaje posterior el proyecto tuvo el título provisorio de A Boy’s Life). Contenía todas las ideas que ellos habían hablado y mucho más.
El director lo calificó como un guión perfecto. “Sólo alguien como Melissa, con esa generosidad y un corazón inmenso, podía escribir algo así”, dijo Spielberg. A pesar de eso, luego tuvo algunas reescrituras en las que se incorporaron escenas como las de la borrachera de E.T. y la de la persecución final.
Con su guión y su enorme éxito, Spielberg fue a Columbia. Pero el estudio rechazó el proyecto. En esas páginas, los directivos no supieron ver más que una película infantil con un alien bueno.
El cine infantil en esos años no recaudaba demasiado y los ejecutivos afirmaron que lo que llevaba gente al cine eran los extraterrestes beligerantes. La de la cúpula de Columbia puede tratarse de una de las tres peores decisiones de la historia del cine.
Universal aceptó el proyecto, compró el guión por un millón de dólares y fijó un presupuesto no demasiado generoso de diez millones de dólares.
¿Qué es lo que hace que la película logra conmover de esa manera? ¿Su historia? ¿La relación entre ese chico y E.T? ¿El desamparo de ambos? ¿La unión fraternal? Todo eso y varias cosas más.
Elliot sufre el abandono de su padre, no entenderse demasiado bien con su hermano mayor, las ocupaciones de la madre. Y encuentra en ese extraterrestre que fue abandonado en un planeta ajeno a un amigo, a alguien con quien poder comunicarse. “Los adultos no lo pueden ver” dice Elliot.
El gran secreto de Spielberg, narrador hipnótico, es que nunca abandona la mirada de Elliot, todo está mostrado y visto a través de sus ojos. Por eso la cámara está al altura de sus ojos y de los de E.T. (otra gran decisión es que los dos sean de tamaños similares, para reforzar esa idea de pares), por eso muchos adultos aparecen cortados por la cintura o por el pecho, saliendo del cuadro, por eso muchas de las cosas parecen gigantes, fuera de escala para ellos dos.
Carlo Rampaldi -creador de King Kong y de Alien- construyó a E.T. dándole rasgos y características de Albert Eisntein, Ernest Hemingway, el poeta Carl Sandburg y de un perro Pug
La película tiene su obvio clímax en la persecución en bicicleta, una escena épica que logra conmover cada vez. Están los momentos de desolación del chico, la preocupación por el destino de E.T., lo emocionante de la cofradía fraternal de los tres chicos.
Pero también, como en todo el cine del director, hay grandes momentos de humor: la escena de la pelota de béisbol, cuando E.T. se camufla de juguete para que la madre no lo encuentre, su borrachera o cuando sale disfrazado de mujer.
Todo esto hubiera sin imposible de lograr sin un gran casting de los niños protagonistas y sin un ET convincente.
Henry Thomas tenía 11 años cuando llegó al casting de E.T. En realidad no llegó, lo fueron a buscar. Spielberg ya tenía cerrado el resto del elenco pero no lograba encontrar al protagónico. El papel era exigente y en esa relación entre el chico y el extraterrestre se jugaba el destino del film. El director de la película Raggedy Man lo recomendó.
La audición puede verse en You Tube. Un primer plano de Henry con una remera naranja con cuello blanco. Escucha atento las indicaciones de Spielberg. Va a pasar la escena en el que un oficial de la NASA le cuenta que se van a llevar a E.T. y él le dice que eso no puede ser, que es suyo, que es su amigo.
Debe tratarse de una de las pruebas de casting más extraordinarias y conmovedoras de la historia. El chico se enoja, sufre, traga con dificultad, las lágrimas inundan sus ojos y luego caen al piso casi sin rozar su cara, paralelas a sus mejillas.
No hay ni un exceso, ni impostación. Emoción genuina, talento natural. Apenas termina el diálogo se escucha la voz de Spielberg: “Nene, el trabajo es tuyo”.
Henry logró seguir en el mundo del cine con una carrera sin grandes éxitos ni reconocimientos posteriores pero sí apacible. Pudo evitar los riesgos que acosan a los niños actores, celebridades prematuras. Pero no consiguió que el éxito no lo afectara.
“Durante muchos meses se volvió prácticamente imposible salir a la calle. La gente se tiraba encima de mí, no podía caminar. Me sentía asfixiado. Lo solucioné fácil: no salía a la calle. Me convertí en un ermitaño de 11 años”.
Algunos años atrás, Spielberg autorizó el uso de E.T. para una publicidad y el actor ya adulto volvió a compartir pantalla con su amigo extraterrestre.
Su hermana menor fue interpretada por Drew Barrymore. Otra que no hizo un casting especial para esta película. Ella se presentó para actuar en Poltergeist, el proyecto que se estrenó en simultáneo con E.T. que Spielberg produjo y co- escribió. Pero el director le dijo que ella no era para una película de terror y la convocó para ésta.
Drew comenzó muy chica en pantalla. Pero todo explotó cuando tenía 6 años con este papel. Michael Thomas cuenta que el primer día en el set Drew se le acercó y le preguntó en cuántas películas había actuado.
El chico respondió que esa era la segunda. “Uy pobre, yo voy por la quinta”. Su desparpajo hizo que se incorporaran algunas frases al guión por ejemplo la que habla de los pies feos de E.T., que fue lo que ella destacó apenas vio al muñeco en el set. Spielberg después de reírse a carcajadas, pidió que agregaran la línea de diálogo.
El cronograma posterior de adquisición de vicios de Drew Barrymore es espeluznante. A los 9 fumó por primera vez, empezó a tomar a los 11, a los 12 se inició en la marihuana y probó cocaína a los 13. Un año después tuvo un intento de suicidio y entró a rehabilitación. Luego de muchos años oscuros, Drew Barrymore se convirtió en una excepción.
No sólo se pudo librar de las adicciones sino que logró forjar una carrera como actriz y convertirse en una estrella. Un comeback impensado y extraordinario.
Steven Spielberg tomó una decisión inusual. Aunque encarecía el costo de la película, filmaría las escenas en orden cronológico, siguiendo estrictamente el guión. Fue para que sus jóvenes protagonistas fueran creciendo emocionalmente junto a la historia.
Carlo Rampaldi fue el encargado de diseñar a E.T.. Ganó una estatuilla de la Academia por los efectos visuales. El italiano ya era el padre de dos criaturas recientes pero míticas de Hollywood. Había pergeñado a King Kong y a Alien.
Para el extraterrestre perdido en la Tierra tuvo como inspiración a Carl Sandburg, Ernest Hemingway, Albert Einstein y un perro pug. De la mezcla de facciones y características de ellos salió el extraterrestre que no debía ser hermoso pero tampoco repeler.
Spielberg no quería que los espectadores pensaran que dentro había una persona disfrazada manejando un muñeco: por eso E.T. tiene un cuello largo y flaco. La cabeza se manejaba por un complejo sistema (de avanzada para la época) de animatronics.
Se construyeron tres. En algunas escenas, el muñeco tuvo, finalmente, dentro una persona que lo manejó. Para tal fin fueron contratados dos personas con enanismo y un chico de 12 años que había nacido sin piernas (él fue el que interpretó la escena en que E.T. se emborracha).
La creación de E.T., tanto su concepto visual como su funcionamiento, era vital para la película. Sin él no había film. En su creación se invirtió un millón y medio de dólares, el 15% del presupuesto total.
Los sonidos que emite E.T. los creó el encargado del sonido (otro merecido Oscar) mezclando sonidos de animales, la voz de Debra Winger y varios elementos más.
El mismo diseñador de sonido quedó prendado con la voz de una señora mientras estaba en la fila del supermercado y la contrató para que el extraterrestre hablara como ella: la mujer tenía una voz como salida de un sótano, con eco propio y áspero, producto de los dos atados diarios de cigarrillos que fumaba desde hacía décadas.
Steven Spielberg no sabía bien cómo resolver la escena de los médicos que atienden a los dos protagonistas. Decidió contratar a verdaderos profesionales de la salud para que los movimientos fueron naturales y les pidió que trataran a E.T. como si fuera un paciente de carne y hueso y que utilizaran la jerga médica adecuada.
Steven Spielberg le da indicaciones al joven actor Henry Thomas durante el rodaje. El director decidió filmar la película en orden cronológico para ayudar a los niños actores
Otra peculiaridad. Aunque parezca un detalle menor, habla de cómo para Spielberg se impone lo que la historia necesita por sobre algún gancho comercial o hasta de alguna broma interna.
Harrison Ford rodó un breve cameo como director de la escuela de Elliot. No se le veía la cara pero era evidente de quién se trataba. Pero el director eliminó la escena del corte final porque creyó que la presencia del actor célebre –el más taquillero del momento- sólo distraería al público.
John Williams ganó otro Oscar por la música, uno de los cuatro –sobre 9 nominaciones: el de mejor película se lo llevó Gandhi de Richard Attenborough- que obtuvo E.T. El leit motiv es inmediatamente reconocible. El compositor fue una elección obvia.
No tan usual fue la manera en que terminó de ajustarse la interpretación. Cuando recibió la música, Spielberg vio una proyección con la composición sobre las imágenes. Después le pidió a Williams que dirigiera la orquesta como si se tratara de un recital, sin las imágenes.
Esa fue la versión que utilizó. Invirtiendo el procedimiento habitual, ajustó el montaje a la música y no al revés.
El film se estrenó el 11 de junio de 1982, hace cuarenta años. Se convirtió en un enorme éxito. En poco tiempo se transformó en la película más taquillera de la historia hasta ese momento.
Esa, la de la que más recaudó durante el siglo XX era una carrera sólo de dos: George Lucas y Steven Spielberg. Tiburón fue desplazada por Star Wars y ésta por E.T., y once años después Spielberg se batió a sí mismo con Jurassic Park.
Consiguió en la taquilla más de 800 millones de dólares y su permanencia en las salas también constituyó un hito. E.T. se transformó en un fenómeno. Hubo libros, posters, remeras, toallas, lapiceras y muñecos. Y tuvo su frase célebre, que se instaló en la cultura popular: E.T. phone home.
Otra gran fuente de recaudación debió esperar unos años. Spielberg se negó durante un largo tiempo a que fuera editada en VHS. Insistía en que era una experiencia para vivir en una sala. Eso sólo logró generar mayor expectativa.
Cuando finalmente salió en ese formato –en un video cassette verde para desalentar o al menos poner en evidencia a la piratería- en pocos meses recaudó más de 15 millones de dólares.
E.T., a cuarenta años de su estreno, sigue mostrando su naturaleza atemporal y universal. Y el secreto no está ni en los efectos especiales, ni en la música, ni siquiera en las aventuras de los chicos para rescatarlo y que él pueda regresar con los suyos, a su planeta. El secreto está en la ternura, en el corazón.
O como alguna vez dijo el crítico francés Serge Daney: “”ET nos hace tantas demostraciones de ternura que tendríamos que ser monstruos, nosotros también, para no amarlo. Se puede tratar de olvidar los grandes ojos de ET. Se puede, pero es duro”. El secreto de sus ojos.
Muy Interesante(S.Romero) — Incluso para los que no les gustan los museos, existen una serie de salas de exhibición bastante insólitas, alejadas del arte, la ciencia o la historia, que harán las delicias de los amigos del miedo.
En el mundo de los museos abundan las leyendas de espíritus artísticos como el de la artista Frida Kahlo deambulando por Casa Azul y una dama espectral vestida de blanco que asusta a los empleados del MoMA… muchos museos tienen leyendas populares de espíritus de otro mundo. Algunas de las historias misteriosas de la mayoría de los museos encantados del mundo son bastante horribles.
Aunque los museos generalmente tratan de impartir conocimientos y descubrirnos algo que nos es desconocido, estos más bien nos harán perder el sueño al menos por una noche. No solo es escalofriante su historia, sino que lo que albergan es algo que no imaginarías ni en tus peores pesadillas. ¿O sí?
A pesar de su extraña naturaleza, la cantidad de visitantes que tienen estos espeluznantes museos es asombrosa. A muchos les atrae el miedo. ¿Encontrarás el coraje para visitar estos museos? ¿Has estado en alguno anteriormente?
Algunos de nuestros peores miedos se exploran en estos extraños museos. Te darán escalofríos para Halloween… o en cualquier otra época del año.
Si está leyendo por la noche, es posible que desee guardar este artículo para la luz brillante del día. No podemos ser responsables si tiene pesadillas.
Museo delle anime del Purgatorio, Italia
El Museo del Purgatorio se encuentra dentro de la sacristía de la Chiesa del Sacro Cuore del Suffragio, en Roma. Este pequeño y aterrador lugar, tiene exhibiciones que documentan casos de almas en el purgatorio que regresan a la tierra para perseguir a los vivos.
Algunos de los artículos en exhibición son una mesa con marcas de quemaduras y líneas talladas en ella por una mano de otro mundo, así como huellas dactilares quemadas en la ropa y en mantas y sábanas.
Pero quizás el artículo más aterrador de todos es un libro con una huella humana entera marcada profundamente en las páginas.
Catacumbas de los Capuchinos, Italia
Se trata de una exhibición bastante macabra de la colección de cuerpos momificados más grande del mundo. Un museo dela muerte.
Ubicado en las catacumbas de Palermo, este museo presenta una serie de cuerpos (cientos de ellos) de frailes capuchinos momificados naturalmente en el siglo XVI, cuyos frailes vivos optaron por exhibirlos en una nueva cripta.
Los visitantes pueden explorar cinco pasillos subterráneos de momias, algunos de ellos organizados por profesión, género y clase social de los individuos.
Aunque está cerrado temporalmente, intuimos que cuando la pandemia de COVID-19 se dé por controlada, volverá a la normalidad.
Museo de lo oculto de los Warren. Estados Unidos
Gracias al director de cine James Wan, el mundo entero tuvo la oportunidad de conocer de cerca al matrimonio Warren.
El Museo de lo Oculto, ubicado en Monroe, representa la colección personal de estos dos investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren.
Ambos fueron almacenando todos sus bienes espeluznantes en el sótano. Allí encontraremos ataúdes de vampiros, altares satánicos, cabezas reducidas y la muñeca Annabelle. Tras la muerte de los Warren, permanece cerrado al público hasta que sea trasladado a otra ubicación.
Museo Alien, Barcelona
En 65 metros cuadrados te sentirás transportado al éxito cinematográfico de Ridley Scott, Alien.
El fundador de este museo, Luis Nostromo, nos presenta con todo lujo de detalles, réplicas de la nave espacial Nostromo de Alien, figuras que te pondrán los vellos de punta y toda suerte de objetos relacionados con la saga de ciencia ficción y terror que se estrenó en 1979 y que aún, a día de hoy, nos sigue fascinando.
El “Alien Museum”, situado en el barrio de la Sagrera de Barcelona, no te dejará impertérrito, pues estos escenarios, fabricados casi todos a mano, están hechos de madera, PVC, desechos electrónicos… para conseguir una ambientación de lo más especial y realista. Hasta encontrarás algunos objetos utilizados en las películas de la saga.
Mütter Museum, Estados Unidos
El Museo Mutter de Filadelfia es conocido por sus historias espantosas. Contiene muestras de anomalías genéticas, así que el horror está garantizado. Los visitantes siempre se han quejado del malestar que sienten al entrar en el museo.
Aunque el museo no tiene muñecas como Annabelle, pero muchos afirman que sienten que el lugar está embrujado; al menos, esa es su sensación de angustiosa al entrar.
Así de espeluznante es este lugar, donde encontraremos equipos médicos antiguos, modelos de cera y muestra patológicas que te pondrán los vellos de punta.
Museo Psiquiátrico Glore, Estados Unidos
Viajamos ahora al condado de Misuri, Estados Unidos, para visitar el Glore Psychiatric Museum, uno de los museos más inusuales y horripilantes que podemos encontrar en nuestro periplo global.
Junto con las herramientas quirúrgicas habituales, el equipo de tratamiento, el mobiliario, los uniformes de enfermera, las notas personales y otros elementos del hospital que están en exhibición, también podrás ver el tratamiento de electroshock y de lobotomía.
Hay áreas donde se puede presenciar paso a paso la tremenda operación psicoquirúrgica que se estuvo practicando hasta bien entrado el siglo XX.
Museo de la Tortura, Amsterdam
Desde la silla de inquisición con púas hasta trituradores de cráneo, los visitantes de este espeluznante museo pueden rastrear una historia de dolor y castigo a lo largo de algunas salas oscuras del pasillo en este pequeño museo holandés.
Encontraremos los tradicionales instrumentos de tortura de la Edad Media utilizados para obligar a los sospechosos e infractores a confesar sus crímenes, junto con cepos y jaulas utilizadas para la deshonra pública.
El museo fue fundado en 1988, “con la idea de que la tortura y la pena de muerte pertenecen al museo”.
Museo de Magia y Brujería en Hólmavík, Islandia
Este museo, inaugurado en 1996, es uno de los más populares de Islandia. Está distribuido en dos pisos y representa la historia de la hechicería, que aparentemente fue poderosa en esta área de Islandia llamada Strandir.
No es un museo apto para cuerpos sensibles, pues estarás rodeado de zombis, demonios, vampiros y bastones mágicos. En el museo podrás aprender muchísimo sobre la brujería y nigromancia islandesa.
Museo de las Momias en Guanajuato, México
Más de 100 momias podremos encontrar en este espeluznante museo ubicado en Guanajuato, México, un sitio declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO donde cientos de cuerpos fueron quemados en las criptas del Panteón de Santa Paula a mediados del siglo XIX.
En algún momento, se descubrió que los cuerpos habían sido momificados a través de un proceso natural, probablemente debido al clima.
Con el paso del tiempo, los científicos determinaron que la composición única del suelo, el clima árido y de baja humedad y la elevación de más de 1 800 metros sobre el nivel del mar de Guanajuato evitaron que los cuerpos se descompusieran.
Meer(M.C.F del Vando Blanco) — Obras y restauraciones, como la presentación de la próxima intervención de mantenimiento de los celebérrimos frescos de Ambrogio Lorenzetti Alegoría de los efectos del Buen y Mal Gobierno (1338/39), conservados en la Sala della Pace del Palacio Público. Se trata de un homenaje a los Güelfos (partidarios del Papa), que se confirma una de las primeras obras maestras de la pintura europea.
Su autor, Ambrogio Lorenzetti, es uno de los pintores más fascinantes del siglo XIV, cuya figura se presenta algo oscurecida por los cuatro grandes pintores de su época: Cimabue, Giotto, Duccio y Simone Martini.
De este último recoge su maestría y la predilección por el detalle además del dominio del color, si bien aportando a sus pinturas mayor naturalidad. Lo especial de esta visita es que permite ver las pinceladas murales a la misma distancia que las percibía su autor, gracias a los andamios concebidos como «lugar de conocimiento» y de estudio, abierto al público.
Domenico di Bartolo, El aumento del hospital de paredes (1443), Santa María della Scala
Y a partir de octubre se dará inicio a la restauración para cuyo curso se podrá acceder.
Seguidamente, nos introducimos en el Museo de los Archivos del Estado, mejor dicho el cofre de unos tesoros documentales de inmenso valor histórico-artístico, como son las tapas de las bicchernas (los registros anuales de la oficina que se ocupaba de la tesorería municipal) decoradas por importantes artistas, entre ellos el citado Ambrogio Lorenzetti.
Expuestas en orden cronológico abarcando desde el siglo XIII al XVIII, ilustran el paso de la lengua latina a la senesa vulgar, como subraya la activa directora de la importante institución, Cinzia Cardinali.
Y entre estas, se destaca la número 58: La demolición de la fortaleza española (atribuida a Giorgio Di Giovanni) construida por los españoles alrededor de 1550, por orden del emperador Carlos V. La fortificación se hizo necesaria para afrontar las tensiones entre el imperio y Francia.
Hasta que en 1552, tuvo lugar una revuelta ciudadana, apoyada por los franceses, que lograron expulsar a los españoles de la ciudad, concediendo a los seneses la demolición.
Sector de mujeres del hospital, patio interior y cisterna (c.1508-1512), Santa María della Scala
Una meta imperdible, que desde su fundación en 1858, el Archivo de Estado de Siena ocupa el Palacio Piccolomini d’Aragona: un vasto edificio monumental, que ocupa toda la manzana y que con sus evidentes deformidades estilísticas, testimonia una larga vida histórico-arquitectónica.
De hecho, los diversos aspectos y usos corresponden a la variada tipología de los documentos custodiados, desde la Edad del Alto Medievo a la contemporánea. No dejará de sorprender.
Tras visitar la resplandeciente Catedral Metropolitana de Santa María Assunta -cuya apertura se remonta a 1215 y cuyo pavimento es uno de los más artísticos de incrustaciones marmóreas de especiales colores elegantemente conjuntados (su proyecto duró seis siglos desde el XIV al XIX)- enfrente del magnífico templo, nos adentramos en los Museos (lo pongo en plural) de Santa María de la Scala, un conjunto monumental, otra joya en el corazón de la ciudad. Inicialmente, nacía como hospital medieval, vinculado al camino de la Francigena, y desarrollándose como tal hasta hace menos de cincuenta años.
Priam della Quercia, Agostino Novello entrega el hábito al rector (1442), Santa María della Scala
Este inmenso edificio está siendo objeto de un gran proyecto de recuperación, en los que hoy ladean los numerosos espacios abiertos al público.
Al nivel de la plaza del Duomo, se encuentra la actual entrada del múltiple museo, donde se abren los espacios monumentales constituidos por los amplios salones para la acogida de peregrinos, corredores y espacios destinados a la asistencia y al culto, así como los ambientes de la antigua especiería organizados para las actividades educativas, mientras en el contiguo corredor de San Leopoldo se exhibe la colección de arte para la infancia.
La parte principal de esta planta es el extraordinario espacio para los peregrinos varones, decorado al fresco hacia 1440 por diversos pintores con las vicisitudes míticas y reales de la historia hospitalaria. A la misma época pertenecen los frescos de la Sacristía Vieja, realizados por Lorenzo di Pietro, que dan vida a los artículos del Credo apostólico con episodios testamentarios.
Este espacio acoge actualmente el valioso núcleo de relicarios del hospital, formado a partir de las reliquias adquiridas en 1359.
Palazzo Pubblico, Museo Cívico, Capilla de los Lores, Municipio de Siena en Italia
En el sector anteriormente destinado a las mujeres y a la infancia abandonada, precedido por el grandioso salón para las peregrinas, se ha montado recientemente la colección Piccolomini Spannocchi, importante colección de obras reunidas por las dos familias unidas por matrimonio en la segunda mitad del siglo XVIII.
Por su lado, al nivel más bajo (recordemos que Santa María della Scala se extiende sobre una colina) por su pendiente, se articulan varios recorridos museales, centrados por la existencia de un pequeño patio: en los amplios espacios del antiguo granero lucen los mármoles originales de la Fuente Gaia entre 1409 y 1419 de Jacopo della Quercia, acompañados por los los moldes y yesos de Tito Sarrocchi para la réplica decimonónica y al mismo patio se asoman la sede histórica de la cofradía dedicada a Santa Caterina della Notte y la escalera de acceso hacia abajo a la cofradía de Santa María bajo las Bóvedas.
Capilla del manto, las bóvedas del siglo XIV, Complejo museal de Santa María della Scala
Los niveles I y II, situados en la parte más baja de la estructura, se abren a lo largo del recorrido de una auténtica calle, englobada dentro del hospital en el curso de su expansión hacia la parte descendiente del terreno, formando una sugestiva conexión interior entre los diversos niveles.
Los espacios recuperados alojan el Museo Arqueológico Nacional, que aúna los testimonios y los hallazgos del territorio senés además de importantes colecciones locales, cuyo recorrido ostenta el título Siena. Narración de la ciudad desde los orígenes al Medievo.
Se ofrecen al público la Fototeca y Biblioteca Giuliano Briganti, así como los salones preparados para exposiciones temporales y citas congresuales.
Otra institución que refuerza aún más la identidad de Siena es su Pinacoteca Nacional -inaugurada en los palacios Buonsignori e Brigidi en 1932 con la ordenación científica de Cesare Brandi- está considerada uno de los más importantes museos italianos, debido sobre todo a su conspicua colección de pinturas de «fondo dorado» de los siglos XIV y XV seneses.
Domenico di Bartolo, Madonna del Manto (1444), Santa María della Scala
Es decir, el gran arte de Siena desde Duccio di Buoninsegna a Lorenzetti, de Simone Martini al Sassetta, de Francesci di Giorgio a Matteo di Giovanni hasta Sodoma e Beccafumi, encuentra en las salas de este museo su larga trayectoria cronológica comprendida entre 1200 a 1600.
Cabe subrayar que el núcleo original nació gracias a la pasión de los eruditos abades Giuseppe Ciaccheri y Luigi de Angelis, que coleccionaron entre 1750 y 1810 las pinturas de los mejores artistas seneses.
La identidad de Siena resulta aún más intensificada con el entrañable Palio, su tradicional carrera ecuestre entre 17 «contradas» de la ciudad, muy sentida y transmitida a todas sus generaciones.
The Conversation(V.LoBue) — En mis clases sobre desarrollo infantil, siempre que hablo sobre la memoria empiezo por pedir a mis alumnos que identifiquen su recuerdo más antiguo. Algunos hablan de su primer día de colegio, otros de disgustos o de cuando nació un hermano pequeño.
Hay enormes diferencias en la cantidad de detalles con que recuerdan estos eventos, pero todos sus primeros recuerdos tienen una cosa en común: son autobiográficos, es decir, tienen que ver con experiencias personales significativas, y no han sucedido antes de los 2 o 3 años.
De hecho, casi nadie puede recordar nada de sus primeros años de vida. Es un fenómeno que los científicos llaman “amnesia infantil”. Pero ¿por qué sucede esto? ¿Acaso la memoria solo empieza a funcionar a partir de una edad determinada?
Esto es lo que sabemos sobre la memoria y los bebés.
Formación de recuerdos
Aunque no recordemos cosas de antes de los 2 o 3 años, las investigaciones apuntan a que los bebés sí que pueden formar recuerdos. Eso sí, no son el tipo de recuerdos que nos dicen cosas sobre nosotros mismos.
A partir de los primeros días de vida, los bebés pueden recordar la cara de su madre y distinguirla de la de un extraño. Unos meses después, ya son capaces de recordar las caras de las personas más próximas y sonríen más al verlas.
De hecho, hay muchos tipos de recuerdos que no son autobiográficos. Existe la memoria semántica, la memoria de hechos, como los nombres de diferentes tipos de manzanas o la capital de un país. También hay una memoria funcional, esa que nos permite recordar cómo se realiza determinada acción, desde abrir una puerta a conducir.
La psicóloga Carolyn Rovee–Collier’s y su equipo realizaron unos conocidos experimentos en los años 80 y 90 que demostraban que los niños son capaces de crear este tipo de recuerdos desde muy temprana edad.
Obviamente, los bebés no pueden explicarnos directamente lo que recuerdan. La clave en este tipo de estudios fue encontrar el tipo de tareas que se adaptan mejor a la rápida evolución de los cuerpos y las habilidades infantiles, para poder valorar en qué medida recordaban cosas en un periodo largo de tiempo.
Para bebés de entre 2 y 6 meses, los investigadores colocaron un móvil sobre el cabecero de la cuna. Midieron cuántas patadas daban los bebés para saber cuál era su propensión natural a moverse así, y después ataron una cuerda desde el pie del bebé al extremo del móvil. De esta manera, cuando el bebé mueve los pies el móvil se agita también.
Los bebés rápidamente descubren que controlan el movimiento del móvil. Les gusta ver ese movimiento, lo que les hace dar muchas más patadas que antes de tener la cuerda atada. Esto demuestra que han entendido que mover sus piernas hace que el móvil se mueva.
Los bebés de entre 6 y 18 meses ya no quieren pasar tanto tiempo tumbados en la cuna. El experimento se realiza con el bebé sentado frente a una mesa donde hay un botón. El botón inicialmente no tiene ningún efecto, y se mide la frecuencia con que los niños aprietan.
Transcurrido un tiempo, se activa el mecanismo que hace que el botón ponga en funcionamiento un tren de juguete. Los niños aprenden rápidamente que tienen esta capacidad y aprietan mucho más a menudo el botón.
¿Qué tiene que ver esto con la memoria? Lo más interesante de estos experimentos es que, transcurridos un par de días en los que los bebés aprenden a hacer estas tareas, Rovee-Collier midió en qué medida se acordaban. Cuando los niños volvían al laboratorio, y volvían a estar en la misma posición, ¿se acordaban de que existían esa relación causa-efecto?
Pues bien, los resultados revelaron que a la edad de 6 meses y con un “entrenamiento” de un minuto los bebés podían acordarse al día siguiente. Cuanto mayores eran los niños, más duraba el recuerdo. También descubrieron que era posible conseguir que lo recordaran a más largo plazo si se les entrenaba durante más tiempo, y si se les hacía algún recordatorio entre medias, por ejemplo mostrándoles el móvil brevemente.
¿Por qué no hay recuerdos autobiográficos?
Si los bebés pueden recordar cosas en sus primeros meses de vida, ¿por qué no almacenamos recuerdos de las cosas que nos pasaron o que hicimos en esa etapa inicial? No sabemos aún si la amnesia infantil tiene que ver con la incapacidad de formar este tipo de recuerdos o más bien con la incapacidad de recuperarlos más adelante. Desconocemos exactamente qué ocurre, aunque los expertos tienen algunas teorías.
Una de ellas es que, para tener recuerdos autobiográficos, en primer lugar hace falta tener un sentido de uno mismo. Es necesaria la capacidad de pensar en nuestro comportamiento y su relación con los demás.
Los investigadores han hecho un experimento en este sentido, llamado el test del pintalabios, usando el reconocimiento en un espejo. A los bebés se les pone una marca de pintalabios rojo en la nariz. Después se le presenta ante un espejo.
Hasta los 18 meses, los bebés no son capaces de reconocer que ese bebé que les mira desde el espejo son ellos mismos. Pero entre los 18 y los 24 meses, se tocan la nariz, incluso aparecen avergonzados, sugiriendo que conectan ese punto rojo que ven con su propia cara. Por lo tanto, ya tienen una idea de sí mismos.
Otra explicación para la amnesia infantil es la relación de la memoria con el desarrollo del lenguaje. Como el lenguaje no se desarrolla hasta el final del segundo año de vida, no les es posible crear un discurso articulado sobre sus propias vidas que puedan recordar más tarde.
Por último, el hipocampo, la región del cerebro responsable en mayor medida de la memoria, no está completamente desarrollado en la primera infancia.
La ciencia seguirá buscando maneras para averiguar cómo cada uno de estos factores influye en el hecho de que no podamos recordar mucho –si es que recordamos algo– de nuestras vidas antes de los dos años.
Yahho Noticias(Efe) — Los bebés de ocho meses son capaces de hacer juicios morales y actuar acorde con ellos, según sugiere un estudio en el que los pequeños castigaban el comportamiento antisocial de un tercero contra otro, representados estos últimos como dibujos en la pantalla de un ordenador.
La investigación, liderada por la Universidad de Osaka (Japón) y que publica Nature Human Behaviour, indica que la motivación que impulsa al castigo podría ser intrínseca y no aprendida.
El castigo del comportamiento antisocial solo existe en los humanos y se ve en todas las culturas; sin embargo, el desarrollo del comportamiento moral no se conoce bien, por ello el equipo realizó una serie de pruebas con niños de ocho meses, a pesar de la dificultad que ello entraña.
«La moralidad es una parte importante, pero misteriosa de lo que nos hace humanos», por eso el equipo quiso saber si el castigo a terceros con actitudes antisociales está presente a una edad muy temprana, pues “ayudaría a señalar si la moralidad es aprendida», explicó el autor principal del estudio, Yasuhiro Kanakogi.
El primer paso fue familiarizar a los bebés con un sistema informático que mostraba animaciones en la pantalla, en concreto dos cuadrados de diferentes colores y con ojos.
Los niños podían controlar las acciones en la pantalla con la mirada, de manera que al fijarla en uno de los objetos durante un periodo de tiempo suficiente quedaba destruido, en este caso caía una piedra desde arriba que aplastaba al cuadrado.
A continuación, uno de los cuadrados parecía “hacer daño” al otro, con empujones, golpes y arrinconándolo en los bordes de la pantalla, tras lo que los investigadores esperaron a ver la reacción de los bebés y si miraban al cuadrado antisocial para castigarlo.
Kanakogi calificó los resultados de “sorprendentes”, pues los bebés preverbales eligieron castigar al agresor antisocial aumentado el tiempo de su mirada hacia él.
Además de esa prueba, los investigadores realizaron otros tres experimentos de control para excluir interpretaciones alternativas de los comportamientos de la mirada de los bebés.
La observación de este comportamiento en niños muy pequeños “indica que los seres humanos pueden haber adquirido tendencias de comportamiento moral durante el curso de la evolución», según Kanakogi.
El científico consideró que “el castigo del comportamiento antisocial puede haber evolucionado como un elemento importante de la cooperación humana».
Este nuevo paradigma para estudiar la toma de decisiones en un contexto social podría suponer un importante punto de inflexión en la investigación cognitiva infantil, señalan los investigadores.
Muchas de las investigaciones anteriores sobre la cognición infantil han utilizado observaciones de terceros y, por tanto, han examinado las respuestas pasivas a los acontecimientos. El paradigma de la mirada permite observar la toma de decisiones activa en los bebés
Este modelo de investigación, consideran sus autores, puede ser útil para descubrir información adicional sobre las capacidades cognitivas de los bebés preverbales.
La primera portada de disco de la historia. – Diseño: Alex Steinweiss, 1939.
HA!(M.C.Santos)Los primeros discos (78 rpm) se vendían en sobres de papel marrón. En principio lo importante era —lógicamente— el interior.
Pero un buen día la industria discográfica descubrió que para vender más discos quizás habría que completar la obra con un diseño sugerente. Nace así el arte del diseño de carátulas en 1939 cuando Alex Steinweiss, amante del art decó y la bauhaus director de arte de Columbia Records, creó la primera portada de disco usando técnicas de diseño gráfico.
Las ventas aumentaron un 800% con este añadido visual y las demás compañías no dudaron en empezar a ilustrar y diseñar sus lanzamientos.
Diseñar la portada de un disco es un arte hoy casi en desuso (quizás porque el disco es un formato en desuso, al menos a nivel masivo) pero durante décadas músicos y compañías utilizaron todo tipo de diseños para vender mejor su obra y millones de compradores se aventuraron a adquirir un disco a veces sólo por su portada.
Las portadas son pues una forma de arte, así que ¿quién mejor para diseñar una obra de arte que un artista…?
Repasaremos brevemente en estas líneas algunos discos basados en famosas obras de arte o varios diseños robados de cuadros (con o sin consentimiento del autor) dejando de lado varios casos paradigmáticos en que el diseño es la propia obra como el caso del mítico Velvet Underground & Nico (1966) creado expresamente por Warhol.
10 diseños de discos «robados» de la historia del arte.
Deep Purple – Deep Purple (1969)
Deep Purple. – Tetragrammaton, 1969.
El tercer disco del grupo de Hard Rock basó el diseño de su portada en el tríptico de «El jardín de las delicias» de el Bosco (1505). Por supuesto, el panel elegido fue el infierno, con todos esos instrumentos diabólicos, y entre ellos, los miembros de la banda aparecen escondidos como unos personajes del Averno más.
Pero en la portada del álbum el cuadro aparece en blanco y negro por un error de impresión, perdiéndose la paleta de el Bosco, pero dotándolo quizás de una atmósfera más oscura.
Guns n’ Roses – Use your Illusion (1991)
Use your Illusion II y I. – Geffen Records, 1991.
Más Hard Rock. A principios de los 90, los Guns estaban en la cima de su éxito y sacaron 2 álbumes dobles (Use your Illusion I y II). Para ilustrar sus respectivas portadas decidieron emplear un fragmento de «La escuela de Atenas» de Rafael (1511). Buscad y lo encontraréis.
Por lo visto, Axl Rose vio una pintura del artista Mark Kostabi, basada en el fresco de Rafael y según el cantante, para conseguir algo totalmente nuevo partiendo de lo ya hecho se debía utilizar una cierta cuota de ilusión y así crear algo diferente. Ya tenían portada y título para su próximo trabajo.
Una metáfora del propio grupo que en esos años habían evolucionado del rock de cloaca a algo más sofisticado y ambicioso.
The Pogues – Rum, Sodomy, and the Lash (1985)
Rum, Sodomy, and the Lash. – Stiff, 1985.
En el segundo álbum de estudio de este excepcional grupo irlandés se mezcla muy enérgicamente la rabia punk con la música folk tradicional de su país.
El título del álbum se toma de una cita atribuida a Winston Churchill:«No me hables de la tradición naval… No es más que ron, sodomía y latigazos» El batería vio que tal cita «parecía resumir la vida en nuestra banda».
Como podemos comprobar, la portada se basa en «La Balsa de la Medusa» de Théodore Géricault (1819) pero con los rostros de los miembros de la banda reemplazando a los de los náufragos. Todo obra del artista e ilustrador Peter Mennim.
The Blackbyrds – The Blackbyrds (1974)
The Blackbyrds. – Fantasy, 1974.
Grupo de funk setentero formado Donald Byrd, mítico trompetista de jazz que reunió a la flor y nata de los músicos negros de la época. En su álbum debut podemos escuchar una fantástica mezcla de jazz, blues y funk, y para la portada decidieron «robar» el último cuadro pintado por Van Gogh poco antes de morir: «Campo con cuervos» (1890).
En él una bandada de pájaros negros (blackbyrds) sobrevuelan un campo de trigo.
Hellsingland Undergroud – Evil Will Prevail (2012)
Evil Will Prevail. – Killed By Records/Rootsy, 2012.
Estos suecos practican un excelente y particular «rock sureño», valga la paradoja. Entre sus muchas virtudes hay que destacar su buen gusto para elegir portada para sus discos, caso de este, con un óleo del granadino Luis Ricardo Falero llamado «Brujas yendo al sabbath» (1878).
El pintor español triunfó en esa Inglaterra victoriana tan interesada en temas esotéricos y relacionados con el ocultismo, y ese interés es compartido por esta banda de rock.
The Jeff Beck Group – Beck-Ola (1969)
Beck-Ola. – Columbia Records, 1969.
El supergrupo de Jeff beck junto a Ron Wood y Rod Stewart eligió para su segundo trabajo la obra de René Magritte «La Chambre d’Écoute» (La sala de escucha, 1958) que muestra una enorme manzana verde ocupando toda una habitación.
Los juegos metales/visuales de Magritte obsesionaron a muchos rockeros de esos años, caso de Paul McCartney, que incluso bautizó a la compañía de los Beatles, Apple, en honor a este y otros cuadros del pintor belga.
Mott the Hoople – Mott the Hoople (1969)
Mott the Hoople. – Island/Atlantic, 1969.
El debut del grupo de Ian Hunter, en el que consiguieron algo que el mismísimo Mick Jagger no pudo lograr: que M. C. Escher les cediera una de sus obras para ilustrar su portada.
Se trata de «Reptiles» (1943) y en ella podemos ver como el dibujo cobra vida por medio de unos lagartos que salen del papel.
El grupo consiguió el permiso para utilizarla, pero sólo en su versión reproducida a color.
Big Brother & The Holding Company – Cheap Thrills (1968)
Cheap Thrills. – Columbia, 1968.
El grupo de Janis Joplin quiso que la portada de su segundo trabajo la realizara Robert Crumb, el dibujante de comics underground que deambulaba esos años por el San Francisco hippie.
Crumb tenía intención de dibujar a Janis para la portada, pero la contraportada con las canciones a modo de viñetas le pareció tan buena al grupo que decidieron invertir el orden. ¿Resultado? Una de las mejores portadas de la historia.
Danzig – Danzig III: How The Gods Kill (1992)
How The Gods Kill. – Def American Recordings, 1992.
El antiguo cantante de los Misfits decidió llamar a uno de sus grandes ídolos por si le prestaba una obra para ilustrar este álbum. H. R. Giger, gran aficionado al rock, le cedió «Meister und Margeritha» (El Maestro y Margarita, 1976) modificando ligeramente la pintura original para no obstaculizar las ventas: Giger cubrió el pene en erección del centro del cuadro con una daga.
Quizás por la portada, el disco se llevó la ridícula etiqueta de «parental advisory» pues no hay rastro de profanidad en sus letras.
Sonic Youth – Daydream Nation (1988)
Daydream Nation. – Enigma, 1988.
Por lo visto la relación entre Sonic Youth yGerhard Richter es de mutua admiración. Por ello el artista decidió ceder su «Vela» (1983) para ilustrar esa poética y difuminada luz al final del túnel en los sombríos años de la era Reagan.
La banda grabó uno de sus discos más emblemáticos y sin saberlo metieron en la portada una obra que décadas después alcanzaría en las subastas la friolera de 12 millones de euros.
Las portadas de Hipgnosis
Atrás quedan esos años de consumo masivo de vinilos, reducido hoy la un ambiente casi marginal de músicos nostálgicos que, como forma de empecinada (y necesaria) reivindicación, siguen editando sus trabajos en este formato, y también una residual minoría de nerds que se juntan en ferias del disco donde pueden adquirir todo tipo de rarezas con las que ampliar sus adoradas colecciones.
Por supuesto, también tenemos a esa gente cool, que jamás consumiría otra cosa que un LP y casi miran con desprecio (algo de razón no les falta) al resto de mortales.
Pero la mayoría de consumidores de música actual, por muy increíble que parezca, nunca tuvieron un artefacto como el long play en sus manos, perdiéndose cierto placer fetichista que complemente la escucha visualmente.
Con la llegada del CD en los años 80, el protagonismo del diseño se volvió también inevitablemente compacto, perdiéndose parte del encanto.
Siguiendo esta evolución tecnológica, en este nuevo milenio se impuso el formato digital, fantástico y terrible a la vez, que no hizo más que acentuar esta pérdida definitiva de la portada como complemento a la escucha de la música.
Houses of the Holly (1973) de Led Zeppelin
Es paradójico que en la actual era de saturación de imágenes es cuando el diseño físico pierde fuerza en el mercado discográfico al poder escuchar un disco sin tenerlo físicamente.
Pero antes, no hace mucho, la práctica totalidad de la juventud consumista occidental acudía en masa a esas hoy obsoletas tiendas de discos para invertir sus ahorros y pasarse horas averiguando entre plásticos y cartones, sabiendo que era sinónimo de encontrar gratas sorpresas.
Podías tranquilamente no conocer a un grupo, pero hipnotizado por la portada, llevabas el disco a casa y como en un ritual, acompañabas la escucha con una intensa contemplación de la atractiva portada, contraportada e interiores de un LP que amplificaba el placer de la audición. Si eso no es arte, que baje Dios y lo vea.
Atrás queda pues, el diseño de la portada como factor importante (en algunos casos fundamental) del concepto general del disco.
Tan atrás como que la época dorada del LP fueron las décadas de los 70/80, cuando se vendían millones de unidades en este formato y los adolescentes de medio mundo contaban en sus estantes con una colección de la que se sentían orgullosos, cuidándola y mejorándola como un tesoro, como la reina de sus pertenencias.
Y me atrevería a apostar que en cualquiera de estas colecciones, por básicas que fueran, podríamos encontrar como mínimo, alguno de los albumes diseñados por el colectivo británico Hipgnosis, con un estilo tan reconocible cómo atractivo y enigmático, que de 1968 a 1983 aporto su arte a algunos de los discos más icónicos de la historia.
Storm Thorgerson y Aubrey Powell.
Storm Thorgerson y Aubrey Powell iniciaron su carrera como diseñadores realizando el segundo álbum de sus amigos Pink Floyd,Saucerful of Secrets (1968). A partir de ahí, se ocuparían del diseño de todas las carismáticas portadas de la banda.
Saucerful of Secrets (1968).
Hay que destacar en su trabajo con los Floyd, portadas cómo esa de la vaca mirándonos en Atom Heart Mother (1970), el paisaje industrial con el mítico cerdo volando en Animals (1977) o esos extraños personajes dándose a mano en Wish You Were Here (1975), donde, por cierto, le prendieron fuego de verdad a un doble de Hollywood.
Hay que ser conscientes de que aunque parezcan dibujos o fotomontajes, la mayoría de las obras de Hipgnosis son fotografías reales, para las cuáles muchas veces se invertiron días para captar el momento exacto. Preguntádselo al tipo que se tira de cabeza en el lago tranquilo de la foto de arriba.
Atom Heart Mother (1970).
Animals (1977).
La escucha de estos excelentes discos bien podía estar acompañada durante horas y horas, portada en mano, de un infructuoso análisis sobre qué carajo querían decir esos tipos con tanta imagen cargada de contenido críptico.
Pero sobre todo el célebre Dark Side of the Moon (1973), será el trabajo gráfico con el que se le abrirían las puertas al equipo para encargarse de diseñar los mejores discos de la bendita década de los 70. Ese simple prisma, hoy tan arquetípicamente reconocible, catapultó al colectivo, que serían llamados para diseñar las portadas de las bandas de más éxito comercial de la década.
Dark Side of the Moon (1973).
Los Reyes de los 70.
Un año después del multiplatino Dark Side, el colectivo aumentaría la sociedad con el fotógrafo Peter Christopherson, consiguiendo desde entonces las cuotas más altas de nivel artístico.
La lista de portadas-icono de capital importancia histórica diseñadas por Hipgnosis es sorprendente.
A todos nos suenan legendarias carátulas como la del guitarrista cósmico del Electric Warrior (1971) de T. Rex, la sencilla pero eficaz portada del álbum de debut de Bad Company (1974), esa mezcla de pop-art y Grito de Munch visible en las caras aullando del Strangers in the Night (1979) de UFO, las mitológicas figuras femeninas que reptan monte arriba en el Houses of the Holly (1973) de Led Zeppelin o el saltador sumergiéndose en la piscina rodeado de inquietantes retratos que miran hacia arriba en el High n Dry (1981) de Def Leppard.
Electric Warrior (1971).
Bad Company (1974).
High n Dry (1981).
Y la lista continúa hasta el medio millar de célebres discos en los que se puede apreciar en mayor o menor medida a huella de la autoría de Hipgnosis.
Un estilo propio.
En esta profusa diversidad de portadas, podemos encontrar ciertos puntos comunes. Para empezar, hay un surrealismo latente en todas ellas, presentándose casi siempre con fotografías reales o técnicas de fotomontaje que remiten a los viejos dadaístas.
Las figuras humanas o antropoides realizan acciones concretas que en muchos casos escapan de nuestro entendimiento racional, sembrando todo tipo de interpretaciones en nuestro subconsciente (colectivo?), como si de un sueño se tratase.
¿Qué está haciendo esa pareja en el colorido y apacible ambiente suburbano del Phenomenon de UFO (1974) que nos provoca tanta inquietud?
¿Por qué nos causa encontrados sentimientos esa familia que sonríe alrededor de la mesa/altar en el Presence (1976) de Led Zeppelin o tan mal rollo ese equipo de extraños cirujanos del Difficult to Cure (1981) de Rainbow?
Phenomenon (1974).
Difficult to Cure (1981).
Unmagumma (1969).
¿Es infinito el universo, como parece sugerir ese concepto de repetición tan escheriano en la hipnotizadora portada del Unmagumma de los Floyd (1969)? Que traman ese par de amenazantes pilotos kitsch en el Never say Die! de Black Sabbath (1978)?
¿Que cojones les pasa a un grupo como Toe Fat para intentar secuestrar nuestras mentes e introducirnos en mundos tan extremadamente bizarros como los de sus delirantes portadas…?
Toe Fat (1970).
Las respuestas, como parecen indicar esas escenas indescifrables, oníricas, cargadas de simbolismo, dependen de quien las mire.
Gusto por el anacronismo.
Otra cosa que llama la atención es el vestuario de los personajes, que siempre parece deliberadamente obsoleto, como si Hipgnosis, producto claro de su época y retratistas de la moda más efímera, hubieran buscado de manera consciente el anacronismo, sabiendo que el paso de los años y el girar de las modas no hace más que potenciar el efecto onírico de sus portadas.
En este sentido, podemos encontrar varias semejanzas con la obra de Helmunt Newton, retratista de la moda (más en el atuendo de ellos que en la de ellas), donde también vemos un gusto por la narración ambigua, presentando escenas sin más explicaciones que las que podemos encontrar en los escondrijos más oscuros de nuestra mente.
Gañanada explícita.
Por otra banda, hay casos de portadas de Hipgnosis mucho menos enigmáticas, en las que nos encontramos a personajes en acciones que se podrían considerar abiertamente explícitas, aún adobadas con ese característico filtro onírico.
Los ejemplos de las siempre garrulas portadas de los Scorpions como Lovedrive (1979) o Animal Magnetism (1980) hablan por sí mismos. Lo del chicle en la teta es delirante, pero lo de la tipa arrodillada y el perro ya no tiene nombre. Sorprende la absoluta falta de elegancia mostrada por Hipgnosis en estos albumes, que por otra parte, son menos garrulos que anteriores y salvajes diseños de la banda germana (Véase la que hoy sería probablemente ilegal portada del Virgin Killer). ¡Hay que ser brutos! Aunque por supuesto no hay nada que objetar a los teutones en lo musical.
Lovedrive (1979)
Animal Magnetism (1980).
Virgin Killer (1976).
Más cristalino aún es el mensaje de cubiertas como el Jump on It (1976) de los nunca suficientemente valorados Montrose, en la que la comunión de imagen y palabra dejan un mensaje más que evidente de incorrección política, visto desde lo pusilánime punto de vista actual.
O el clásico Force It (1975) de UFO, retratando un acto sexual entre fálicos grifos, que de tan hortera hace daño a los ojos.
A lo mejor por eso sacaron una aún mas delirante portada censurada en algún que otro país (en España, por ejemplo).
Jump on It (1976).
Force It (1975).
¡También hay cagadas!
Por supuesto, en el extenso repertorio de la producción artística del colectivo también hay ejemplos de portadas embarazosamente malas, como el terrible diseño del Straight Shooter (1975) de Bad Company, el Dirty Deeds de AC/ DC, o el segundo trabajo de la ELO (1973), que pese a todo, no están exentas de un cierto encanto kistch.
Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976).
Straight Shooter (1975).
ELO 2 (1973)
Aunque también es justo afirmar que esos escasos ejemplos de baja calidad artística son compensados con creces por trabajos tan sublimemente hermosos como los realizados para los albumes en solitario de Peter Gabriel (Hipgnosis ya habían trabajado con él en Genesis), de Syd Barrett, donde se retrata su locura tan eficaz como romántica, como un loco de pelo alborotado viviendo en un desván; o el Stomp 442 (1995) de Anthrax, donde podemos ver actualizado (y contextualizado) el mito de Sísifo.
Peter Gabriel I, II y III (1977, 1978, 1980).
The Madcap Laughs (1970).
Stomp 442 (1995).
ARTE, sin duda.
Y con mayúsculas. Hipgnosis dejó una colección de obras de arte visual accesibles a todo el mundo, sobre todo a una juventud que actualmente parece haber cambiado de gustos, tanto en lo musical como en lo estético.
Storm Thorgerson dejaría el colectivo, pero continuaría su trabajo en las siguientes décadas, donde se puede apreciar un estilo 100% hipgnosis. Suyas son portadas de grupos de este nuevo milenio de unos y ceros como los Cramberries, Muse, Audioslave, The Mars Volta y por supuesto, Pink Floyd, grupo al que siempre fue fiel.
El diseñador murió en el 2013. Que Dios lo tenga en la gloria.
En estos confusos años que vivimos, se agradece quitarle el polvo a esos viejos vinilos, y observar esas portadas físicas, no virtuales, que como las de Hipgnosis, facilitan evadirnos de la mediocre realidad y soñar durante horas con que otros mundos son posibles, y por tanto, son reales.
BBC Future(M.Ellwood) — En 1993, el fabricante de crayones Crayola pidió a niños estadounidenses que nombraran su color de crayón favorito.
La mayoría eligió diferentes tonos de azul.
Luego de siete años, la firma repitió su experimento.
Nuevamente, siete tonos de azules aparecieron entre los 10 primeros. También estaban el morado, verde y rosa.
El predominio del azul no sorprende a Lauren Labrecque, profesora de la Universidad de Rhode Island, EE.UU., que estudia el efecto del color en el marketing.
Ella suele pedir a sus estudiantes que nombren su color favorito. Después de que responden, muestra su presentación.
«Ya tengo una diapositiva preparada que dice que el ‘80% de ustedes dijo azul'», dice Labrecque.
Y suele tener razón.
«Una vez que llegamos a ser adultos, a todos nos gusta el azul. Y parece ser intercultural», cuenta. Aunque curiosamente, Japón es uno de los pocos países donde las personas clasifican al blanco entre sus tres colores principales.
¿Qué dicen los estudios?
Tener un color favorito es algo que tiende a surgir en la infancia.
Pregúntale a cualquier niño cuál es el suyo y la mayoría, crayón en mano, ya estará preparado para responder.
Lo cierto es que cuanto más tiempo pasan los niños en el mundo, más comienzan a desarrollar afinidades con ciertos colores, en función de aquello a lo que han estado expuestos y a lo que lo asocian.
Es más probable que relacionen los colores brillantes como el naranja, el amarillo, el morado o el rosa con emociones positivas.
Un estudio de 330 niños entre 4 y 11 años descubrió que usaban sus colores favoritos cuando dibujaban un personaje «agradable» y tendían a usar el negro con uno «desagradable».
Vale decir que otros estudios no encontraron tales vínculos porque las asociaciones emocionales y el color están lejos de ser sencillas.
Se dice que a medida que los niños ingresan a la adolescencia, sus elecciones de color adquieren un tono más oscuro y sombrío, pero no hay mucha investigación académica que respalde esto.
Esta paletas de colores parece converger a medida que las personas se hacen adultas. Curiosamente, mientras que la mayoría de los adultos dicen que prefieren los colores azules, también coinciden en el color que menos les gusta: un marrón amarillento y oscuro.
¿Por qué tenemos colores favoritos?
Básicamente, tenemos colores favoritos porque tenemos cosas favoritas.
Al menos esa es la esencia de la teoría de la valencia ecológica, una idea propuesta por Karen Schloss, profesora asistente de psicología en la Universidad de Wisconsin-Madison en EE.UU.
Los colores están lejos de ser neutrales. Más bien, los humanos les otorgan un significado, en su mayoría por las historias subjetivas y así crean razones personales para encontrar un tono repelente o atractivo.
«Esto explica por qué diferentes personas tienen distintas preferencias por el mismo color y por qué su predilección por un color determinado puede cambiar con el tiempo», dice Schloss.
En uno de los experimentos se mostraron cuadrados de color en una pantalla y se pidió a los voluntarios que calificaran cuánto les gustaban.
Luego, se mostraron los colores nuevamente, excepto que esta vez, en lugar de cuadrados, eran objetos.
Se usaron imágenes amarillas y azuladas con objetos neutrales, como grapadoras o un destornillador.
Las fotos rojas y verdes fueron sesgadas deliberadamente. La mitad de los participantes vio imágenes rojas que evocaban recuerdos positivos, como fresas o rosas en el Día de San Valentín, mientras que las verdes estaban diseñadas para disgustar, como baba o desechos en un estanque.
La otra mitad vio asociaciones inversas: heridas rojas en carne viva y colinas verdes o kiwi.
Con estas imágenes hubo un cambio en la preferencia de los colores. Las elecciones de los voluntarios fueron hacia cualquier color que se enfatizó positivamente, mientras que había poca disminución para el tono negativo.
Al día siguiente, se repitió la prueba y el cambio inducido en el experimento parece haber sido anulado por los colores que los participantes experimentaron en el mundo real.
«Esto nos dice que nuestras experiencias con el mundo influyen constantemente en la forma en que lo vemos e interpretamos», dice Schloss.
«Piensa en las preferencias de color como un resumen de tus experiencias diarias y habituales con ese color«, añade.
El reinado del azul
La preferencia del azul ha continuado sin interrupción desde los primeros estudios de color registrados en el siglo XIX.
Y es probable que la mayor parte de nuestra experiencia con el color sea positiva, como océanos idílicos o cielos despejados.
En la misma línea, la investigación también ofrece una pista de por qué ese color marrón es el menos popular ya que está asociado con desechos biológicos o alimentos en descomposición.
Azul para niños y rosa para niñas
La psicóloga experimental Domicele Jonauskaite estudia las connotaciones cognitivas y afectivas del color en la Universidad de Lausana, Suiza, y observó cómo los más pequeños ven el azul y el rosa.
El amor de las niñas por las formas rosadas alcanza su punto máximo alrededor de los 5 o 6 años, y desaparece cuando son adolescentes.
«Pero los niños evitan el rosa desde al menos a los 5 años. Piensan ‘me puede gustar cualquier color, pero no el rosa’. Es rebelde que a un niño le guste el rosa», opina.
«Y entre los hombres adultos es difícil encontrar a alguien que diga, ‘el rosa es mi favorito'».
Algunos investigadores en el pasado sugirieron que esta preferencia de color, anclada en el género, es evolutiva: las mujeres, que eran las recolectoras en las sociedades de cazadores, tenían preferencia por los colores asociados con las bayas.
Eso es una completa tontería, dice Jonauskaite, quien cita varios artículos recientes que analizan la preferencia de color en culturas no globalizadas, como pueblos en la Amazonía peruana y un grupo de campesinos en el norte de la República del Congo en los cuales ninguna niña mostró preferencia por el rosa.
«Para tener esta preferencia, o desagrado, se necesita tener una codificación de identidad social«, analiza.
De hecho, el rosa se consideraba un color masculino estereotipado antes de la década de 1920 y solo se asoció con las niñas a mediados del siglo XX.
¿Y al que no le gusta el azul?
Los que se sienten atraídos por los tonos impopulares puede ser porque atesoran recuerdos positivos de su infancia, como los bebés de la década de 1970 acurrucándose en sofás marrones, ejemplifica Alice Skelton, del Sussex Color Group & Baby Lab, en la Universidad de Sussex en Reino Unido.
Pero hay otra posibilidad.
«Podría ser que mientras algunos están tratando de lograr la homeostasis, otros son buscadores de sensaciones», dice.
«Piensa en los artistas, cuyo trabajo principal es buscar cosas que desafíen su sistema visual o su preferencia estética».
Ellos son los que, sin duda, no elegirán el crayón azul.
HA!(M.Chacon-Palomares) — La Sala de Audiencias del Vaticano está repleta de simbolismos y numerosas hipótesis.
El Papa se expresa hacia los cristianos desde la Sala de Audiencias del Vaticano, también conocida como Aula Pablo VI o Sala Nervi, que se construye bajo un escalofriante diseño. Su arquitecto, Pier Luigi Nervi, creó un auditorio para 6.300 personas con algunos símbolos escondidos, pero a la vista de todos.
Pier Luigi Nervi
¿Qué símbolos esconde esta sala?
Solo basta con fijar la mirada en algunos sitios concretos para confirmar que en todo momento vemos a alguna que otra serpiente.
En primer lugar, en esta sala a vista de pájaro, podemos ver su parecido con la cabeza de una serpiente. El techo se va ondulando y adaptando a la forma del réptil. El altar se situaría en la zona más estrecha de la sala.
Luego, nos adentramos en el interior y podemos ver como las dos ventanas se sitúan de tal manera, y mantienen una forma que se asemeja a los ojos. El interior del techo como si se tratara de escamas, y en el altar, la boca con dos grandes colmillos por columnas.
En cuanto a lo escultórico, también hay una prueba evidente de que existe ese simbolismo hacia el animal. Se trata de la escultura protagonista en el centro del altar, La Resurrezione, realizada por Pericle Fazzini. Esta escultura representa a Jesús resurgiendo de las cenizas.
La Resurrezione, de Pericle Fazzini.
Hasta aquí todo correcto en cuanto a la obra de Fazzini. Pues bien, solo hay que cambiar de perspectiva para ver como la cosa cambia. Si vemos la escultura desde la derecha, en torno a la testuz de Jesús, su pelo parece ser la cabeza de una serpiente.
De esta manera, vemos algo único en la historia. Estos siete parecidos son más que evidentes, consiguiendo hacer que el Papa se exprese ante los cristianos desde la boca de una serpiente.
¿Qué significa todo esto?
Lo que no está tan claro es lo que este simbolismo significa en la iglesia y por qué se diseñó así este auditorio.
La principal hipótesis que se trata entre la mayoría de profesionales en estos temas iconográficos, aunque también la menos creída por la sociedad, es la relación de la serpiente con el “Estado profundo que gobierna el mundo”.
Se supone que se trata de un grupo de personas de alto nivel adquisitivo y político, que controlan el mundo a sus anchas. La Iglesia al tener numerosos seguidores, sería una vía por la que mandar mensajes subliminales.
Estas personas tendrían el símbolo del réptil como icono de su forma de vida, ya que parece que sus ideales coinciden con la forma de ser de las serpientes.
Otra hipótesis muy tratada es la relación de estos símbolos con los Iluminati. Esta sociedad secreta tenía una gran relación con la Iglesia. Su modo de mandar mensajes de forma oculta era como por ejemplo con este simbolismo, influenciando sobre el pueblo.
Pero las últimas dos razones más acertadas para algunos es la explicación arquitectónica del edificio y los textos de la Biblia.
La Sala de Audiencias del Vaticano.
La arquitectura de Pier Luigi Nervi desvela que solo se trataría de un conjunto de casualidades, pues en el encargo del edificio se pidió que el diseño fuera acondicionado para la climatización y la iluminación natural.
El techo, realizado con 41 nervios perforados con aberturas que permiten la iluminación necesaria. La ondulación es la más perfecta para que el sonido alcance a todos por igual. Luego, la planta del edificio se hace de esta forma para conseguir una visión adecuada para cada asiento del auditorio.
Por último, la explicación de los dos pilares del escenario tiene una función arquitectónica vital. Se trata de dos pilares inclinados, de menor a mayor desde el suelo del altar, para sostener el peso del techo.
La última hipótesis y la respuesta que da la Iglesia a todo este sin fin de especulaciones es la relación de la serpiente con la Biblia. La serpiente trata dos temas muy relevantes en el Libro Sagrado.
El primero de ellos es la Serpiente en el Jardín del Edén, recordando al pueblo cristiano el castigo que Dios impuso a Adán y Eva.
El segundo es el que se trata el momento en el que el pueblo de Israel, cansado de andar por el desierto y sin alimentos, se vuelve contra Dios y Moisés. Luego, Dios envía serpientes para sembrar el miedo hasta que el pueblo implora perdón a Moisés.
Son muchas las coincidencias y las hipótesis ofrecidas, pero poca la veracidad de lo que se trata. Aunque no sepamos con claridad el por qué de este simbolismo, sabemos que es más que evidente la gran serpiente oculta del Vaticano, pero que está a la vista de todos.
Los secretos de las meninas
(M.C.Santo) — Es mucho más que un simple cuadro. Es una de las obras de arte más estudiadas de la historia y aún así, no todos los historiadores están de acuerdo en su significado, género e incluso fecha.
Espejos, cuadros dentro de cuadros, gente que mira a los ojos al espectador… Los secretos que oculta este lienzo de figuras a tamaño natural son casi tan fascinantes como su asombrosa técnica. Intentaremos desde aquí comprender qué quiso decirnos este genio de la pintura con una de sus obras más complejas a todos los niveles.
«Las meninas» de Diego Velázquez. – Museo del Prado, Madrid.
Según el tratadista Antonio Palomino (1655–1726), «Las Meninas» fue pintado en el año 1656. Y esa es hoy la fecha oficial. Sin embargo, en el cuadro Velázquez aparece con una cruz de la Orden Santiago en el pecho y ese título de caballero no le fue dado hasta 1658.
Entonces, ¿se equivoca Palomino de fecha, o simplemente miente?. «Algunos dicen que su Majestad mismo se lo pintó, para aliento de los Profesores de esta Nobilísima Arte». ¿En serio Palomino insinúa que fue Felipe IV el encargado de pintar esa cruz?. Lo dudamos.
Más bien pudo ser el propio Velázquez, que murió en 1660 y tuvo tiempo de sobra para retocar su obra maestra.
(Detalle de la Cruz de Santiago.)
La obra se titulaba «La familia de Felipe IV», pero el rey en principio no parece el protagonista.
Ahí tenemos a la infanta Margarita, el centro de atención del cuadro, flanqueada por dos meninas que la atienden: María Agustina Sarmiento, que le ofrece agua, e Isabel de Velasco. Una enana, Maribárbola, y Nicolasito Pertusato, el bufón que patea al mastín.
Recordemos que Velázquez pintó varios bufones durante su carrera.
Detrás están Marcela de Ulloa, «guarda menor de damas» y a otro guardadamas sin identificar. Al fondo José Nieto, jefe de tapicería de la reina y «abrepuertas» del palacio.
Velázquez tiene la suficiente valentía de representarse a sí mismo ejerciendo su oficio paleta en mano, por lo que ya tenemos alguna pista de sobre lo que nos quiso decir al pintar este lienzo: probablemente tenga algo que ver con la pintura.
Y finalmente ahí están los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, pero reflejados en un espejo. Los verdaderos protagonistas se encuentran fuera del cuadro.
Entonces, ¿qué es este cuadro? ¿Un retrato colectivo? ¿Una «escena de conversación» como las que estaban de moda en la época en el norte de Europa? ¿La instántanea de un interior? ¿Una alegoría para dignificar y reivindicar su oficio de pintor?
Interpretaciones de las Meninas.
Las interpretaciones son múltiples, y traen de cabeza a historiadores desde hace siglos. De hecho ya existe un desorden psiquiátrico propio: el Síndrome de la Fatiga de Las Meninas (SFLM), que padecen algunos investigadores que se pasaron buscándole el sentido al cuadro.
Lo que está claro es que algunos de los personajes ahí retratados parecen mirar hacia afuera del cuadro, hacia nosotros. Algo llama su atención.
Si los reyes no están en la sala pero se reflejan en el espejo, lo lógico es pensar que Velázquez está pintando su retrato. Los reyes posan para el artista y la imagen del cuadro aparece en el espejo, pero en realidad ellos están donde estamos nosotros.
Otra opción es que Velázquez está trabajando en palacio cuando de pronto entran los monarcas. Algunos se percatan y levantan la mirada. Como los reyes están donde estamos nosotros como espectadores, se reflejan en el espejo del fondo.
Hay quien afirma que Velázquez pinta en realidad a las propias meninas y en ese momento aparecen los reyes. Así que lo que en realidad aparece en el lienzo (del que solo vemos su bastidor por detrás) serían Las Meninas dentro de Las Meninas. Lo que pinta Velázquez es la pintura misma que nosotros estamos viendo. Puro arte conceptual en el siglo XVII.
Se ha llegado a especular que Velázquez, fue un viajero en el tiempo adelantado a las teorías cuánticas y la relatividad, y lo que está representando en su cuadro es a los mismos espectadores del cuadro. ¡Velázquez nos está pintando a nosotros! Ciertamente, cuando pasas delante de Las Meninas en el Prado, el artista nos mira claramente y el espectador se convierte de alguna manera en la cuarta dimensión de la pintura.
Sea la interpretación que sea, Velázquez nos mete de lleno en la pintura y nos invita a jugar, a pensar, a descifrar lo que está sucediendo justo en ese instante congelado en el tiempo como una fotografía. De hecho, muchos consideran a «Las meninas» precursor también de la fotografía ya que capta un instante congelado de una manera más «fotográfica» que «pictórica».
Detalle del espejo.
Astrología.
Velázquez era conocedor de la astronomía y astrología. Y si unimos los corazones de los personajes en una línea imaginaria se dibuja la constelación de Corona Borealis, cuya estrella central se llama curiosamente Margarita Coronae, como la infanta que ocupa el centro del cuadro.
Surge así otra teoría: Lo que Velázquez está pintando es un mensaje oculto que significaría una lectura de la continuidad dinástica en la persona de la infanta Margarita (ya que su hermana mayor María Teresa iba a casarse con Luis XIV de Francia y el futuro rey Felipe Próspero aún no había nacido). En el momento de pintar el cuadro, ella era la reina del futuro.
Velázquez pinta el aire.
Dejando de lado su tema, la técnica en «Las meninas» es espectacular. Un alarde de talento que hace pensar que el pintor lo que realmente hace es presumir. De cerca vemos un montón de pinceladas, casi como un cuadro impresionista, pero de lejos todo cobra sentido y las figuras se hacen de carne y hueso. El pintor hasta es capaz de plasmar el aire de esa habitación.
Velázquez hace un uso magistral de la perspectiva aérea, que da esa profundidad a la escena a través del aire que rodea a cada uno de los personajes. El propio aire difumina los contornos de las figuras (sobre todo las del fondo).
El espacio arquitectónico tiene quizás demasiado protagonismo. Es la única obra de Velázquez donde aparece el techo de la habitación. Además Velázquez dedicó demasiada pintura para el espacio vacío en la parte superior que ocupa casi dos tercios del lienzo. Los cuadros colgados en la penumbra son copias de temas mitológicos de Rubens hechas por Juan Bautista Martínez del Mazo.
Quizás con eso quiso dejar claro que la pintura es el tema real de «Las meninas» y que ese oficio era lo suficientemente noble como para estar a la altura de la nobleza y la monarquía.
Sea como sea, como buen barroco, este artista consigue un logrado efecto espacial, creando la sensación de que la sala continúa fuera del lienzo, como si los personajes compartieran espacio con nosotros, los espectadores. Es un cuadro que rebasa sus límites físicos y espaciales sin necesidad de artificios ni trampantojos.
Reacciones a «Las Meninas».
Evidentemente, no sólo historiadores fueron los intrigados por este cuadro. Artistas, escritores, científicos y filósofos también reaccionaron ante una de las mayores obras de arte de la historia.
El escritor Théophile Gautier por ejemplo, al visitar el Prado en el siglo XIX exclamó su famosa frase: «¿Dónde está el cuadro?». Tal era el realismo de esta obra maestra que no pudo verla.
Manet,Goya,Oscar Wilde, Foucault, Ortega y Gasset… son innumerables los ilustres personajes que se basaron en este cuadro para reacrear obras propias.
«Las Meninas» de Picasso. – Museo Picasso de Barcelona.
«Las Meninas, obra estereoscópica» de Dalí. – Museo Reina Sofía, Madrid.
Picasso se obsesionó durante años por el cuadro y llegó a decir que se encerraría en una habitación y no saldría hasta comprender el significado de «Las meninas» y Dalí dijo aquella famosa frase cuando le preguntaron qué salvaría del Prado si hubiera un incendio: «Dalí se llevaría el aire nada menos, y específicamente el aire contenido en Las Meninas de Velázquez, que es el aire de mejor calidad que existe.»
4 artistas que nunca existieron
Nat Tate
(M.C.Santos) — En los años 50 habitó en Nueva York un misterioso pintor expresionista abstracto: Nat Tate (1928–1960), el perfecto y romántico ejemplo de artista bohemio, alcohólico, suicida e inseguro, que acabó destuyendo la mayoría de su obra antes de destruirse él.
Según su biógrafo, Nathwell “Nat” Tate fue una figura muy respetada en la escuela de Nueva York, un artista de culto que influyó en sus contemporáneos (Pollock, Rothko…) pero que fue prácticamente desconocido para el público en general.
Un motivo recurrente en las obras de Tate fue pintar puentes, una temática al parecer inspirada en las poesías de Hart Crane.
“Puente no. 114” de Nat Tate.
Como suele pasar con los genios inseguros e incomprendidos, a finales de su vida Tate era ya alcohólico intratable. Después de un viaje a Europa en 1959, donde conoció a Braque, se sintió abrumado por la calidad del arte que vio allí y al volver a casa se sintió un estafador y decidió destruir toda su obra (lo consiguió con cerca del 99% de su trabajo).
Emulando la muerte de Hart Crane, Tate acabó suicidándose convencido de ser un estafador el 12 de enero de 1960, saltando del ferry de Staten Island.
¿Una historia desgarradora, verdad…?
Pues es mentira. Todo surge como una broma hecha libro, una biografía ficticia del escritor William Boyd.
Boyd se inventó a este artista atormentado para reírse un poco de la impostura del arte contemporáneo actual, en especial los artistas que veía que estaban triunfando en el Reino Unido, los llamados YBAs o Young British Artists, unos tipos con más éxito que talento, (si exceptuamos el talento mercantil).
Algunas de las pinturas que aparecen en el libro fueron pintadas por el propio Boyd, y el escritor contó con cómplices para llevar el engaño lo más lejos posible. Gente “de fiar” como Bowie, coleccionista y filántropo, o Gore Vidal que escribió unas líneas en la solapa del libro para legitimar la broma.
Las fotografías de Nat Tate que aparecen en la “biografía” (como la que tenéis arriba) son de desconocidos de la propia colección fotográfica de Boyd.
El fraude llegó a su nivel más surrealista en 2011, cuando una pintura de Nat Tate titulada Puente no. 114 fue subastada en Sotheby’s por £ 7,250, muy por encima del precio de salida.
Jusep Torres Campalans
Pablo Picasso y Jusep Torres Campalans.
Jusep Torres Campalans (1886–1957) fue el tercer pintor cubista en importancia, junto a Braque y Picasso. Hijo de payeses catalanes, emigra a París en plena época de las vanguardias y entabla amistad con artistas como Pablo Picasso, Amedeo Modigliani o Piet Mondrian.
Max Aub también estuvo en contacto con el pintor, y de hecho es él la principal fuente para conocer su vida, ya que escribió una biografía del artista después de conocerlo en su exilio en Chiapas.
Descrito “Catalanista hasta las cachas” y “anarquista antiburgués”, además de ferviente católico, Aub cuenta que Campalans vestía como un obrero y siempre iba con el mismo traje gastado de pana y un perpetuo jersey de cuello alto.
Juerguista hasta el amanecer, vivió de lleno la noche parisina de vanguardias juntos a sus muchos amigos, aunque se sabe que despreciaba ante todo a Juan Gris, quizás por ser su principal competencia en el puesto de tercer cubista.
Con Picasso vivió una intensa amistad que se remontaba a los años barceloneses del pintor. En esa época Jusep le confesó al pintor que sólo había visto mujeres desnudas en fotografías. Picasso lo invitó en Barcelona a una “burdel de la calle de Avinyó”, convirtiéndose en su patrocinador sexual y futuro mentor artístico.
Fruto de esa amistad quedaron para la historia varios retratos de su amigo.
Retrato de Picasso con la firma JTC.
Campalans pinta durante ocho intensos años en ese París efervescente, pero abandona de pronto y sin motivo aparente el arte (coincide todo con el estallido de la Gran Guerra). Se sugiere que se hizo consciente de que nunca tendría el genio al que aspiraba y decide extraviarse en las montañas de Chiapas, Mexico, donde acaba sus días aislado.
Personalidades de las vanguardias, documentos y catálogos acreditaron la existencia del misterioso artista. Gentes como Guillaume Apollinaire, Gertrude Stein o Max Aub dieron fe de que Campanals no sólo existió, sino que pudo ser fundamental para el proceso de creación de las primeras obras cubistas.
Pero en 1958 se descubre que Torres Campalans era en realidad un engaño. El propio Aub explica que su novela, pese a que parecía una biografía real (testimonios, fotografías -la de arriba es un fotomontaje-, reproducciones de sus obras…), era básicamente una broma.
Aún así, el libro de Max Aub se considera hoy en día un valioso testimonio sobre los movimientos de vanguardia.
Pierre Brassau
La exitosa exposición de Brassau.
En febrero de 1964 aparecen en una exposición en Gotemburgo, Suecia cuatro pinturas de un artista previamente desconocido de las vanguardias francesas llamado Pierre Brassau.
Todo el mundo quedó embelesado al ver las creaciones del pintor. Los críticos de arte lo encumbraron, los periodistas cubrieron la noticia en primera plana, los estudiantes de arte lo admiraron… El reconocido crítico Rolf Anderberg dijo esto de la obra del enigmático artista:
Mientras que la mayoría de piezas eran “pesadas”, la obra de Brassau no. Pierre Brassau pinta con trazos potentes bajo una determinación muy clara. Sus pinceladas se tuercen con una meticulosidad furiosa. Pierre es un artista cuyas piezas se llevan a cabo con la delicadeza de una bailarina de ballet…
Rolf Anderberg
Los trazos de Brassau eran en efecto espontáneos, frescos, potentes, furiosos… como pintados con una determinación muy clara.
“Sin título” de Pierre Brassau.
Lo que ni la gente ni la crítica sabían era que Brassau no se llamaba Pierre, en realidad se llamaba Peter… y era un chimpancé.
Todo fue una gran broma del periodista Ake Axelsson, que sólo quería poner a prueba la fiabilidad de los críticos de arte. ¿Sería capaz un sesudo crítico de distinguir entre arte moderno y el arte realizado por un mono…? La respuesta quedó aclarada.
Axelsson visitó un zoo y convenció al cuidador de Peter para pasarle pinceles y óleos. El chimpancé se tragó algunas pinturas (especialmente el azul cobalto), pero con el tiempo empezó a pintar los lienzos con “agradables manchas”, muchas de las cuales en ese azul cobalto que tanto le había gustado.
Cuando se descubrió el pastel, el afamado crítico Rolf Anderberg se mantuvo en su idea, aunque nadie volvió a tomárselo demasiado en serio. Peter volvió al zoo y la performance pasó a la historia como una de las grandes bofetada al mundo del arte.
Joachim-Raphaël Boronali
Un grupo de artistas enmascarados. Entre ellos el misterioso Boronali.
Este pintor futurista genovés, fue el impulsor y el único representante del llamado Excesivismo, un breve movimiento de vanguardia de 1910. Tan breve que sólo duró unos días.
Boronali frecuentaba el mítico cabaret parisino de Lapin Agile en Montmatre, y de él sólo sabemos dos cosas: que escribió el manifiesto excesivista, una escuela pictórica más radical que el futurismo que abogaba por “destruir los museos y pisotear las infames rutinas”; y que pintó un cuadro expuesto en el cabaret frecuentado por los más excelsos intelectuales y artistas de Europa.
El cuadro era extraordinario. Lo nunca visto en 1910. Y con un título de lo más poético y evocador: “Et le soleil s’endormit sur l’Adriatique (Y el sol se durmió en el Adriático)”. París se revolucionó y todo el mundo empezó a hablar de ese cuadro venido del futuro y de su misterioso autor.
“Y el sol se durmió en el Adriático” de Boronali. (1910).
Con tanto éxito, la obra se acabó colgando en el Salón de los Independientes de París, junto a cuadros de Matisse y de Rousseau. La crítica más prestigiosa calificó a la pintura de ejemplo de “perspectivas insólitas”, “empastes geniales” y “sentido trascendente del color”. Se llegó a vender por la friolera de 400 francos. Artistas como Modigliani no vieron en su vida tanto dinero.
Había llegado el momento de conocer al escurridizo artista italiano. Y cuando todo el mundo estaba en ascuas, saltó a la palestra el periodista Roland Dorgelès, que explicó la broma. Una mañana se podía leer este titular en primera plana de Le Matin: “Un asno por jefe de escuela”.
Junto al pintor Pierre Girieud, el crítico André Warnod y el dueño del cabaret, Frédéric Gerard (además de un notario para documentarlo todo), llenaron unos cubos con los colores azul, verde, amarillo y rojo y le llevaron las pinturas al burro de Gerard, llamado Lolo.
Con un pincel atado a la cola y recompensado con dos de sus manjares preferidos (zanahorias y tabaco), el burro movía la cola y parió la obra maestra que todos estaban admirando. Fijaos en la fotografía de arriba.
Cuando Dorgelês y sus compinches publicaron la nota en el periódico diciendo que Boronali era en realidad un burro, un crítico de arte les amenazó con un pleito por insultar a un artista tan excelso. Para eso servía el notario, que dio fe de la farsa.
(Gerard y Lolo.)
Lo que Dorgelês pretendía era dejar al mundo del arte en evidencia. Si algo como el cubismo estaba triunfando, París iba a saber lo que era una auténtica vanguardia.
Aún así, a pesar de descubrirse el montaje, el cuadro siguió su vida propia y se sabe que su último comprador lo llegó a asegurar en 5 millones de francos.
Así es el mundo del arte. Una burrada.
The New York Times(C.Caron) — En YouTube, una cineasta de Utah se regodea en el sol matutino, disfruta de un cruasán recién horneado y rocía un perfume con aroma a limón en una colcha decorada con rosas de color rosado.
Sus videos, un escape acogedor al cottagecore (una estética de internet que evoca la vida campirana), están inspirados en Ana de las Tejas Verdes, las novelas de Jane Austen y la serie de época Bridgerton. Ahí ofrece consejos para “ser más feliz y apreciar las pequeñas cosas”.
En otras partes, sobre todo en TikTok, la gente embellece sus desayunos, compra ramos de flores y practica la gratitud.
Una creadora de contenido, Rachel Hess, de 21 años, usa un rodillo para prensar hojas de eucalipto antes de colgarlas en su regadera, en un video que se ha visto más de 6,8 millones de veces y se titula “Romantiza tuu vidaaa”.
“Quiero hacer que hasta los días más rutinarios se sientan únicos porque esos días conforman la mayor parte de nuestra vida, no las vacaciones o los eventos especiales que solo ocurren de vez en cuando”, expresó Hess, una estudiante que vive en Pensilvania.
Durante los últimos dos años, la frase “romantiza tu vida” ha surgido en las redes sociales como un llamado a la acción y, de hecho, su popularidad aumentó durante algunos de los meses más sombríos de la pandemia.
El lema, que podría traducirse más precisamente al español como “embellece tu vida”, pide que apreciemos lo que hay delante de nosotros y que vivamos con intención, por muy tediosos que sean nuestros rituales diarios; es un recordatorio de que hay que buscar momentos llenos de belleza y optar por el minimalismo.
Los videos con esa etiqueta, publicados sobre todo por mujeres jóvenes, han sido vistos más de 525 millones de veces en TikTok. También hay más de 28.000 publicaciones que la mencionan en Instagram, donde las imágenes incluyen puestas de sol junto al agua, cenas servidas con elegancia y finas tazas de té.
Aunque algunos de los contenidos parecen ser aspiracionales —no todas podemos darnos el lujo de hacer un viaje rápido a Italia o salir corriendo a un campo lleno de flores, ataviadas con vestidos primaverales de volantes—, la mayor parte de estos rechaza el tipo de mensaje que empuja a la gente a adquirir bienes materiales.
Y también renuncia a la estética de “esa chica” que promueve un camino único hacia el bienestar, repleto de jugos verdes, diarios y rutinas de ejercicio.
Una persona que puso un comentario en Reddit encontró la alegría incluso mientras lavaba las cafeteras en el trabajo. “Después de poner un poco de jabón en la cafetera, aprieto suavemente la botella para que salgan burbujas”, escribió en un hilo sobre la “romantización”. “Me encantan las burbujas”.
Otro comentarista de Reddit escribió: “Compro platos de papel para celebraciones en la tienda de un dólar y los uso cuando tengo ganas de ser festivo. Hay de todas las celebraciones, sirenas, robots, bodas, ‘Es niño’. Exagero”.
En un canal de YouTube llamado Malama Life, una bloguera de estilo de vida de Hawái observa los pájaros desde su ventana, riega las plantas y corta sus frutas favoritas para el desayuno. “Me da una razón para levantarme por la mañana”, dice.
Los expertos dicen que la tendencia ha perdurado en parte porque es una manera nueva de vivir la atención plena, es decir, la práctica de concentrarse en el momento presente y estar consciente de las emociones, los pensamientos y las sensaciones físicas sin emitir juicios al respecto. También ofrece un sentido de voluntad, un sentido de control del que tristemente hemos carecido en esta interminable pandemia.
“Se trata de ser positivo sobre las cosas que ofrece la vida, no importa que la circunstancia sea la que te imaginaste o no”, explicó Ashley Ward, de 26 años, cuyo video en TikTok de 2020 sobre su filosofía ha sido visto más de tres millones de veces. “No puedes controlar todo en tu vida, pero sí puedes controlar cómo ves tu situación”.
Jake Cohen, de 28 años, autor de un libro de cocina cuyo video sobre las tostadas de aguacate fue visto casi 400.000 veces en TikTok, dijo que esta “romantización” consiste en “encontrar meditaciones en nuestros rituales diarios”.
Algunos pueden verlo como “extravagante y sin sentido”, añadió, “pero si quiero romantizar mi tostada de aguacate o el trenzado de la challah, eso es asunto mío para aportar algo más de belleza a mi rutina”.
La tendencia se nutre de distintos tipos de sabiduría, como la atención plena, la psicología positiva y la práctica danesa del hygge, pero “se presenta de forma atractiva y fresca”, afirma Eric Loucks, profesor asociado de Epidemiología, Ciencias Sociales y del Comportamiento y Medicina en la Universidad Brown y director del Centro de Atención Plena de la institución.
La investigación de Loucks y su libro nuevo, The Mindful College Student, ilustran cómo la atención plena puede disminuir el estrés y los síntomas de la depresión, además de mejorar la calidad del sueño y los niveles de actividad física. “Romantizar tu vida” se conjuga con la atención plena, añadió, en parte porque nos ayuda a estar más en sintonía con nosotros mismos.
“Si intentamos construir una vida que nos haga felices y nos ponemos al centro de manera amable, es porque todos somos diferentes”, declaró. “¿Qué métodos resuenan más en nosotros? Ese es el autoconocimiento”.
Entrelazada en la conversación virtual sobre la “romantización de tu vida” está la tendencia del “protagonista”: los videos con esa etiqueta han generado 6900 millones de vistas en TikTok, seguidos por su hermanita, la “energía del protagonista”.
El meme del protagonista o personaje principal ha dado lugar a numerosas parodias que se burlan de los clichés de las películas y del narcisismo. Es “una forma divertida de sacar a la luz algunas de las cosas deleznables que la gente idealiza”, dijo Ward. Pero “ser el personaje principal” también se ha convertido en un recordatorio franco de que hay que dejar que nuestras acciones guíen la narrativa tal como lo haría el protagonista de una película.
En el tiktok de Ward, la cámara se sitúa en lo alto, mirando hacia abajo a la playa donde ella se recuesta sobre una toalla. La toma aérea transmite la sensación de que ella es el personaje principal y la simplicidad de las imágenes permite que su narración, que se percibe sincera, sea la protagonista.
“Tienes que empezar a romantizar tu vida”, comienza la narración. “Tienes que empezar a pensar en ti mismo como el protagonista. Porque si no lo haces, la vida seguirá pasando de largo. Y todas las pequeñas cosas que la hacen tan hermosa seguirán pasando desapercibidas. Así que tómate un segundo, mira a tu alrededor y date cuenta de que es una bendición para ti estar aquí ahora mismo”.
Su pista de audio ha sido utilizada desde entonces por numerosos creadores de contenidos, como Angela Liguori, una influente de viajes y fotógrafa, que emparejó el sonido con un montaje de los lugares lejanos que visita.
“Un protagonista tiene un sentido total de voluntad y lo que la pandemia nos quitó fue ese sentido de voluntad propia”, comentó Sherry Turkle, psicóloga y profesora en el Instituto de Tecnología de Massachusetts que investiga la relación de las personas con la tecnología.
Volverse el personaje principal también es una manera de crear un yo más auténtico y de hacerle espacio a tu ser, añadió.
“Creo que en nuestro aislamiento ha habido una convergencia entre querer descubrir nuestra identidad de una manera más intensa y reafirmar nuestra individualidad”, sostuvo.
Livia Boerger, una instructora de bienestar mental en Londres, ha escrito sobre las diversas formas en que las personas pueden empezar a “romantizar” su vida y tiene un reto de 28 días en su sitio web, para “ayudarte a celebrar las pequeñas cosas de la vida y a volver a enamorarte de vivir”.
Durante la pandemia, señaló, mucha gente ha estado “buscando formas de crear alegría y encontrar esa felicidad en su interior y aprovechar al máximo lo que tiene”.
Esto también puede llevar a una pregunta más amplia: ¿qué es lo que realmente nos aporta felicidad? ¿Son esas vacaciones tan caras o esa nueva prenda de vestir? ¿O deberíamos dejar de esperar ese momento perfecto y empezar a disfrutar del presente?
“Se puede encontrar tanta alegría en las cosas que no cuestan nada”, indicó Boerger. Por ejemplo, tómate un momento para brincar en los charcos con tu hijo. O siéntate a disfrutar tu taza de té sin hacer otras cosas mientras lo bebes. “Sabe mucho mejor cuando le presto toda mi atención”, añadió.
Existen muchas variedades de cuarzo, varias de las cuales se utilizan como gemas, generalmente de valor relativamente bajo
MEER(E.López) — Las piedras son el ADN de la Tierra, si las utilizamos adecuadamente, pueden cambiar nuestra vida.
Los seres humanos somos naturaleza, formamos parte de ella. Estamos verdaderamente completos cuando estamos en contacto con la madre Tierra. Ella nos cura de todos los males. Las piedras son el ADN de la Tierra, se formaron cuando esta se creó y nos aportan muchos beneficios si sabemos cómo utilizarlas.
Todos nos sentimos atraídos por las piedras. A lo largo de los años se han utilizado para diferentes fines, por ejemplo, como ornamentación. Ciertas piedras preciosas, como el diamante, u otras como el ámbar, el jade, el rubí, la esmeralda, el zafiro, la amatista, etcétera, maravillan por su belleza.
Aunque son valoradas más allá del puro uso decorativo, ya que tienen un gran poder. Cuanto más sabemos de ellas, más podemos intensificar este poder, los beneficios y dones que estas nos ofrecen, ya que tienen vibraciones extremadamente altas.
Si los utilizamos de la manera adecuada, los cristales pueden cambiar nuestra vida; como potenciar nuestra intuición, incrementar nuestras habilidades mentales, protegernos, aumentar la confianza en nosotros mismos y en los demás, fomentar la abundancia, la sanación, incrementar la creatividad, reducir el estrés, o incluso atraer el amor y las energías positivas…
Y muchas otras utilidades. Cada piedra es conveniente para una cosa y desarrolla un área determinada.
Primero de todo es importante saber que, a la hora de adquirir una piedra, tenemos que sentirnos atraídos por ellas. Es como si la propia piedra nos llamase. Debemos saber escuchar. Es importante coger la piedra con las manos y si te entran unas cosquillas por las palmas, es que esa gema, definitivamente es para ti.
Una vez hemos escogido una piedra y nos la llevamos a casa, es muy importante hacer una buena limpieza, ya que las piedras absorben todas las energías de todo aquello con lo que han estado en contacto.
¿Cómo limpiaremos nuestras piedras y cristales? Es imprescindible un pequeño ritual para dar la bienvenida a esa piedra antes de proceder a la limpieza. Hay varias maneras de hacerlo. La más potente es dejar la piedra a la luz de la luna llena durante toda la noche, aunque también es eficaz si la dejamos a la luz de la luna (cualquiera de ellas) o del sol para cargarlas.
Otra posibilidad es si la lavamos con agua y sal, pero no a todas las piedras les va bien, por ejemplo: la Malaquita, la Selenita, la Rosa del Desierto, la Turmalina, la piedra de sal del Himalaya, etcétera.
También, las podemos limpiar con incienso, el más potente limpiador es el palo de santo. Bastará con pasar el palo de santo alrededor de la piedra y estará lista para usar.
Finalmente, podemos optar por gemas que son limpiadoras como la cornalina que limpia los otros minerales.
Una vez hemos realizado este protocolo de limpieza del mineral y le hemos dado la bienvenida, estamos preparados para usarlas y conseguir aquello que esperamos.
A continuación, describo la utilidad de 5 piedras que son fáciles de encontrar en tiendas especializadas en minerales:
Shungit: es una piedra bastante única, dicen que procede de un meteorito que se estrelló en Karelia, Rusia. Es de color negro. Una de las características de este mineral es la de neutralizar la información negativa de las ondas electromagnéticas de los aparatos electrónicos. Con lo cual es muy recomendable poner una piedra shungit donde tengamos nuestro ordenador. Es importante saber que es una de las únicas piedras que no necesitan un ritual de limpieza, ya que ella misma se auto limpia. Es una piedra que nos ayuda a encontrarnos con nosotros mismos, si en un momento de nuestra vida nos sentimos perdidos.
Obsidiana negra: hay varios tipos de obsidiana, se pueden encontrar por todo el mundo, pero el sitio más común es México. Es una piedra con un gran poder, nos impulsa a crecer y mientras lo hacemos nos apoya, haciéndonos de escudo contra la negatividad. Ayuda sobre todo a las personas muy sensibles. También si ponemos una obsidiana junto a la cama o bajo la almohada puede expulsar el estrés mental y las tensiones, con lo cual tiene un gran efecto calmante. Otras propiedades son, por ejemplo, dar vitalidad al propósito de vida, ya que nos da claridad mental y nos abre a nuevos horizontes. Te ayuda a saber realmente quién eres, te enseña tus sombras y te muestra cómo integrarlas. La obsidiana, también nos permite ver cuál es el origen de una enfermedad y desintoxica nuestro organismo.
Cuarzo rosa: el cuarzo rosa es una piedra muy común y la más conocida de todas, aunque hay numerables tipos de cuarzo y todos tienen aspectos y colores distintos. El cuarzo rosa es la piedra del amor incondicional y la paz infinita, así que ya sabemos para qué utilizarlo. Purifica y abre el corazón a todos los niveles. Aparte, da calma, seguridad y es excelente para usarlo en épocas de crisis o traumas.
Amatista: es una piedra de un color púrpura a lavanda, aunque también hay otros tipos. Es extraordinariamente poderosa y protectora. Tiene una elevada vibración que puede transmutar cualquier energía en amor. Sirve para relajar la mente e induce al sueño. Es muy propicia para utilizar en casos de insomnio, colocándola bajo nuestra almohada. Facilita la toma de decisiones, aportando sentido común y es una piedra que nos centra y nos hace escoger el camino más adecuado para nosotros. Potencia la memoria y abre nuestra intuición. A nivel curativo, mejora el sistema hormonal y endocrino y es un excelente limpiador de la sangre.
Ojo de tigre: es una piedra que tradicionalmente se ha usado como talismán contra las maldiciones y los males de ojo. Se usa para conseguir nuestros objetivos. Es útil para tratar enfermedades mentales, desórdenes de personalidad, y problemas de autoestima. Aumenta nuestra creatividad.
La versatilidad del gin al momento de preparar un trago lo hicieron llegar a este punto de masificación, con adeptos en todo el mundo
Infobae(S.Volterri) — La última década sin dudas ha sido en el mundo la del gin, pese a los casi 700 años desde el comienzo de esta historia, el último tiempo es el de descubrimiento por un mayor número de consumidores que tienen al gin-tonic como bebida insignia. Pero claro, el gin es mucho más que ese trago, es un mundo de oportunidades para quienes gustan de explorar nuevas sensaciones.
La destilación de las bayas de enebro maceradas en aguardiente es conocida desde comienzos del siglo XVI, invento que se le atribuye al médico Franciscus Sylvius en la zona de Holanda, aunque algunos escritos del que no hay confirmación detallan que en realidad todo habría comenzado en Italia. Lo único documentado es lo del anteriormente citado, que utilizaba la bebida con fines diuréticos.
En momentos de la Guerra de la Independencia, en 1585, la Guerra de los 80 Años, se observó que el denominado “coraje holandés” de las tropas provenía del consumo de la ginebra, y así fue como el Conde de Leicester comenzó a darlo a conocer en Inglaterra. Sin embargo, la introducción de la elaboración de la ginebra en ese país a gran escala se atribuye, sin quererlo, a Guillermo III de Orange, que accedió al trono en 1689 y prohibió la comercialización de destilados que no fueran británicos.
En vez de evitar que los ingleses bebieran ginebra, provocó que crecieran las destilerías ilegales. esto llevaría a disturbios y borracheras callejeras que el pintor William Hogarth retrataría en el cuadro Gin Lane en 1751.
William Hogarth retrataría en el cuadro Gin Lane en 1751 los disturbios en momentos del auge de las destilerías ilegales
Sin embargo, recién en 1895, un tal James Burrough, farmacéutico, desarrolló una fórmula magistral, logrando un estilo más seco y con un alcohol más refinado, que se denominó formalmente London Dry Gin, estilo que hoy continúa siendo predominante en todo el mundo. El Dr. Burrough fue el fundador de la marca Beefeater.
“Lo que define la calidad del gin definitivamente son los insumos con los que se elabora, como así también sus procesos de producción y destilación. Pero obviamente no basta con tener los mejores ingredientes, ni alambiques para su destilación, sino que también, la mayor responsabilidad está depositada en las y los Maestras o Maestros destiladores de gin, ya que la calidad del producto va a ser resultado también de la intuición, corazón y sentidos desarrollados de quienes lo elaboran. Son ellos quienes seleccionan los mejores ingredientes, quienes día a día testean los botánicos rompiendo las bayas de enebro en sus manos, utilizando los sentidos del olfato, gusto, tacto y visión para entender si los ingredientes que van a utilizar tienen el potencial que el producto requiere”, detalló la bartender Victoria Etchaide en una charla con Infobae.
Por su parte, Franco y Bruno Moretti afirmaron que “lo único obligatorio para que un destilado se convierta en gin es el enebro. El resto de los botánicos, el método de destilación, la base alcohólica, el equipamiento y demás varían según el estilo de gin que se quiera crear, no es lo mismo un London Dry, que un estilo contemporáneo”.
Los hermanos al frente de la destilería que lleva su apellido detallaron respecto de la variedad insignia del gin que “London Dry no hace referencia a una región geográfica, sino al método de elaboración que da como resultado un producto de textura seca y terrosa, con un muy marcado perfil de enebro y aristas cítricas bien definidas. Podría considerarse más ‘simple’ que un gin contemporáneo desde el punto de vista de la complejidad aromática, aunque su complejidad se encuentra en representar fielmente el estilo”.
Gin, tónica y un cítrico para decorar, la simpleza de un trago pasión de multitudes
En el mismo sentido, Ramiro Ferreri, bartender y brand ambassador de Bulldog, detalló que “es una bebida de un perfil seco en cuanto al sabor y normalmente súper aromático. Lo que diferencia a los distintos tipos de gin tiene que ver con el método de elaboración y con los ingredientes de la fórmula. Por ejemplo, la manera ancestral de prepararlo es el London Dry, mientras que también hay gins saborizados, blendeados, y otros del estilo ginebra holandesa”.
Entre los diferentes estilos, los hermanos Moretti marcan como hito el “Buenos Aires gin, de estilo contemporáneo, con el que comenzamos a andar este camino, compuesto por 13 botánicos, de gran complejidad aromática, ya que combina perfiles muy diversos como el cítrico, especiado, floral y herbáceo”. con el que alzaron dos premios internacionales, Bronze por la International Wine and Spirit Competition #IWSC en agosto 2019 y Best Contemporary Gin por la #WorldGinAwards en enero de 2020, ambos en Inglaterra.
Son cuatro las denominaciones posibles del producto, y encontrarlo en la etiqueta es lo indispensable para quien se interese más en saber qué está consumiendo. Por ello, Etchaide detalló cada una de ellas:
– Gin seco (Dry Gin): es el que contiene hasta 6 gramos de azúcar por litro.
– London Dry Gin: es el destilado seco. Este no admite agregado de azúcar y tampoco admite ningún tipo de agregado luego de su destilación para darle sabor o color, sólo se le puede añadir agua para su rectificación.
– Gin destilado: es la bebida obtenida exclusivamente por redestilación. Este proceso, a diferencia del London Dry, permite agregarle luego de su proceso de destilación, aceites esenciales naturales (como es el caso de los saborizados), un porcentaje de azúcar de aproximadamente el 5% y colorantes naturales. Luego se le agrega agua para su rectificación (el líquido destilado sale del alambique a unos 82% vol, el agua se agrega para bajar su graduación alcohólica) en algunos casos se lo deja estacionar en tanques de acero inoxidable para que el líquido se estabilice y luego se embotella.
– Old Tom Gin: en este caso tiene un agregado de azúcar, más o menos entre 6 y 15 gramos por litro de producto.
La amplia variedad de estilos de gin permite que cada paladar descubra el que más le guste
Entre 2017 y 2020, el consumo de gin creció un 174% y en Argentina, durante el 2020 aumentó más de 55%, según un estudio de IWSR (International Wines and Spirits Report). En paralelo, el consumo de bebidas espirituosas saborizadas creció un 60%, impulsado mayormente por los vodkas saborizados y los aperitivos. Y la tendencia sigue en aumento.
“Sin dudas hubo un aumento considerado, a tal punto que empezaron a surgir bares dedicados al gin tonic (llamados gintonerías), y pioneros en esta tendencia son los españoles quienes tienen un fanatismo considerado por este destilado, y la tendencia se fue trasladando alrededor del mundo”, explicó Román Mailhos, de Negresco Bistró&Bar.
Francisco Muñoz, jefe de barra de Trade, expresó que “así como hace unos años la cerveza artesanal se posicionó muy por encima de otras bebidas y los centros gastronómicos se minaron de ellas, hoy encontramos una revalorización del destilado en cuestión. Claramente el gin-tonic es el cóctel por excelencia para poder disfrutar de esta bebida y está tomando un lugar muy importante, no solo desde el lado del cliente de bar, sino también desde los productores y los consumidores domésticos”.
“En tan solo 3 años la oferta de gin nacional incrementó de manera exuberante y lo que lo hace aún mejor, es que cada vez se encuentran productos más cuidados y accesibles. Desde mi lugar como bartender debo reconocer que sí, se bebe más gin a comparación de unos años atrás. Para nosotros es una gran ventaja que el público esté tan amigado con el producto, ya que nos permite poder integrarlo en otros tipos de cócteles y dar lugar a que prueben cosas distintas de lo habitual”, continuó Muñoz.
Hasta el morrón es posible encontrar entre los ingredientes para decorar el trago insignia
Leandro López, en tanto, bartender y beer sommelier de Green Bamboo, no sólo reconoció al gin-tonic como el caballito de batalla de este renacer del destilado, sino que también nombró al gimlet, que se elabora con el gin, jugo de lima y almíbar, y “si bien el gin estilo London dry es el más utilizado, hay muchas etiquetas a nivel nacional e internacional donde cada marca apuesta a tener una mezcla de hierbas y botánicos que los haga diferenciarse, si bien podemos hacer un cocktail con cualquier gin, uno de mayor calidad va a darnos un resultado más agradable”.
Al igual que ocurre en otros ámbitos de la gastronomía, con un público ávido de conocer más de las materias primas que se utilizan en los diferentes platos, con la coctelería sucede lo mismo, y este renacer del gin y la cantidad de etiquetas con sus distintas formulaciones llevan a que se acerque a una barra no sólo para pedir un trago en particular, sino también para entender qué tipo de destilados se utilizarán.
“Muchos clientes ya saben lo que quieren, la marca que toman, de qué manera… algunos otros quieren ser sorprendidos y nos dejan a los bartenders ‘jugar’ en alguna receta en los cócteles. El gin tiene algo hermoso a diferencia de bebidas como el whisky, y es que no hay tanto prejuicio de cómo se debe tomar, eso nos permite ir conociendo de a poco y aprender mucho más de lo que estamos tomando. No todo el mundo quiere una medida de Gin On the Rocks”, ejemplificó Nicolás Cusido, jefe de barra de Aldo’s.
Por su parte, Etchaide aclaró que “también noto cierto cambio en el modo de consumo, donde hoy por hoy la mayoría elige la calidad a la cantidad. Lo cuál me parece importantísimo. Se nota la importancia que se le da a los productos de calidad, y si hablamos de insumos, la gente busca productos frescos, orgánicos, saludables. Hay un mayor interés por saber de dónde vienen estos insumos y cómo fueron trabajados. Los reportes e indicadores de negocio reflejan que cada vez hay un mayor conocimiento por parte de las marcas y de la categoría, así como también del modo de consumo”.
Muchos clientes llegan a las barras sabiendo lo que quieren, mientras que otros permiten que el barman los vaya guiando y descubrir nuevos sabores y sensaciones
“Sin dudas ya tenía sus adeptos el gin”, expresó Ferreri en el mismo sentido, “pero en la última década lo que se notó es que quien lo consumía se muestra más interesado en el tema, se fija más qué bebe, qué calidad, y eso en un marco en el que el gin-tonic le ha ganado consumidores a bebidas como cerveza o fernet en diferentes contextos”. Y Mailhos completa asegurando que “hasta se han vuelto expertos en realizarse su propia receta de gin-tonic, ya que eligiendo un gin más uno o dos ingredientes y completándolo con tónica entendieron que tienen un gran trago de autor”.
El desafío de las marcas es lograr cautivar a más público tanto de un lado como del otro de la barra, teniendo en cuenta el presente del destilado, las innumerables posibilidades al momento de preparar cócteles y brindar un producto de calidad, claro está.
Uno de los grandes actores en lo que respecta al presente y al futuro de las destilerías locales es también sin dudas Renato “Tato” Giovannoni, el argentino reconocido como mejor bartender del mundo, y a las vez uno de los hombres detrás de Príncipe de los Apóstoles, el gin que creó junto con su socio Adrian Gickman. Ambos estarán estrenando el mes próximo uno de los más grandes desafíos en lo que a destilados locales se refiere: Mitre Fortín.
La monumental destilería de 500m2 está emplazada en Tunuyan, Valle de Uco, Mendoza, y tendrá una capacidad operativa de un millón de litros por año, la mayor apuesta de latinoamérica, que funcionará 100% a base de energías renovables.
Otro de los desafíos, en tanto, queda del lado del consumidor, que al contar con las herramientas necesarias es posible que logre el producto deseado directamente en su casa, para agasajar a amigos o familiares o simplemente para darse un gusto personal. Ante ello, los diferentes bartenders brindaron todos sus consejos.
Con pocas bebidas, pero las justas como para poder lograr un sinfín de combinaciones, es posible tener una barra en casa de forma económica y variada
“Lo mejor es ir comprando las bebidas que más te gusten y de a poco ir probando cosas nuevas, aconsejo vermouth rosso o dry que se llevan muy bien con el gin y siempre utilizar cítricos frescos para acompañar”, explicó Leandro López, quien como dato extra recordó que “está bueno macerar un gin agregando ingredientes como romero y salvia o quizás pieles cítricas y pétalos de flores para armar en casa un gin con un perfil personalizado, es muy fácil de hacer y podemos usar un gin más accesible”.
Etchaide, por caso, ejemplificó que “si hablamos de cócteles clásicos (lo cuales son el ABC de todos los cócteles), sabemos que tienen su estructura, su receta y su destilado o base de preferencia. Si cambiamos esa estructura, ya sea desde la cristalería o el destilado de base, estaríamos preparando una reversión de ese clásico. Ya que todo tiene su función: desde la técnica que aplicamos (batido, directo, refrescado) el tipo y cantidad de hielo que usamos hasta la cristalería destinada. Todo se fusiona para un fin determinado. El gin que elijas va a impactar obviamente en el perfil de tu cóctel. Por ej: un clásico Dry Martini originalmente de toma con London Dry Gin, por su perfil más seco, cítrico, fresco y especiado. Si usamos un gin destilado saborizado para un Dry Martini, ya no sería un clásico Dry Martini, sería una reversión”.
Para Cusido, en tanto, la recomendación es al menos tener en el hogar los ingredientes para preparar un negroni, ya que “uno rico hecho en casa se disfruta siempre. Pero tampoco hay que olvidar una tónica fría en la heladera y si un día hay ganas de hacer un almíbar y comprar unos limones lo que podés variar es enorme. Importante siempre y para todo tener bastante hielo”.
En exclusiva para Infobae, los más destacados bartenders presentan el paso a paso para preparar los diferentes tragos en el hogar.
AMANTES
En una copa agregar mucho hielo, 30 ml de cordial de flores, 30 ml de jugo cranberry y 120 ml de G&T INV. Para terminar agregar pétalos de flores orgánicas.
GIN TONIC CON MORAS
Colocar hielo en una copa balloon de Gin Tonic. Refrescarla con un revolvedor. Escurrir el agua extra y llenar la copa con más hielo, Verter 5cl de gin utilizando el jigger, luego incorporar 15 cl de tónica premium y mezclar. Cortar 3 moras a lo largo, disponerlas en pincho metálico del mismo lado. Es importante asegurarse de que las 3 piezas permanecerán en el pincho. Ubicar el garnish dentro de la copa haciendo un giro de 180°. Servir.
GIN TONIC
Integrar 50ml de gin y 150 ml de tónica en un vaso alto con abundante hielo, remover ligeramente y decorar con 3 rodajas finas de pepino.
TERRIER MULE
En la coctelera colocar 8 gr de menta con 30 ml de jugo de lima, machacar suavemente, agregar 45 ml de Gin Terrier London Dry Citric. Agitar enérgicamente la preparación, servir en vaso collins con mucho hielo partido y terminar con Ginger Ale. Por último, decorar con hoja de menta y gajo de lima.
OAKED NEGRONI
Colocar hielo en un vaso de trago corto, agregar 30 ml de Caporale Oaked Gin, 30 ml de Campari y 30 ml de vermouth rosso.. Decorar con una rodaja o la piel de una naranja.
¡Ojo! Asegúrate de pelar bien la naranja y quitar la piel blanca, porque te puede amargar el cóctel.
ORANGE SPRITZ
1 Parte de Beefeater Blood Orange, 2 ½ partes de espumante, ½ parte de soda y 1 rodaja de naranja. ¡Y mucho hielo!
BOMBAY COLLINS
Agitar en una coctelera 50 ml de Bombay Sapphire, 25 ml de jugo de limón y 25 ml de jarabe de azúcar simple con abundante hielo. Servir en vaso largo con hielo en cubo. Decorar con una rodaja de limón.
SModa(H.A.Aza)/El Mundo(A.Muñoz)/El País(M.Nieto) — Las fundaciones de ambos magnates siguen compitiendo por ser la institución cultural más influyente de Grecia, un enfrentamiento que proviene de la enemistad y las trágicas relaciones amorosas de sus fundadores.
Un enorme retrato de Maria Callas preside la estación de metro Megaro Musikis de Atenas, Grecia. Megaro Musikis significa “palacio de la música”, y fue la sede de la Ópera Nacional hasta 2017. La gran diva de la ópera helena dejó de tener su imagen asociada al palacio de la ópera hace cinco veranos.
En junio de 2017, la Ópera Nacional se trasladó a un imponente complejo de varios edificios y un parque diseñado por el arquitecto Renzo Piano para la Fundación Stavros Niarchos.
No fue casualidad que la imagen de la soprano no viajara a la nueva sede. Maria Anna Cecelia Sophia Kalogeropoulou, conocida como Maria Callas, fue la más reconocida de las sopranos del siglo XX.
Aunque su carrera lírica no fue muy larga, cambió para siempre la manera de entender el bel canto. Fue la prima donna de la Scala de Milán durante casi una década y la cantante más ovacionada jamás en la Ópera de París.
No solo nació en una familia griega emigrante en Nueva York, sino que hizo su debut profesional en la Ópera Nacional de Grecia. En 1960, cantó Norma y Medea en el Teatro Antiguo de Epidauro (Grecia), sede del festival de teatro clásico por excelencia.
¿Por qué entonces la Ópera Nacional helena no lleva el nombre de Maria Callas? Porque Callas fue la novia de Aristóteles Onassis. Y Onassis, que en ese momento era el hombre más rico del mundo, tenía un archienemigo: Stavros Niarchos, el segundo hombre más rico de Grecia. Efectivamente, el que da nombre a la fundación que alberga la ópera nacional.
Onassis y Niarchos (pronúnciese “Ñárjos”) se odiaban a muerte. Ambos eran armadores y encarnaban el ideal del macho alfa. Eran ricos, mujeriegos y poderosos. Competían en los negocios, en influencia y en sus relaciones amorosas.
Sus vidas parecen una tragedia griega escrita por un autor extremadamente machista. Agarren una libreta y un boli, que viene una retahíla de nombres necesaria para entender las complicadas relaciones entre ellos.
Las primeras esposas de Onassis y Niarchos eran hermanas, hijas de otro importante armador, Stavros Livanos. Onassis se casó con Athiná “Tina” Livanos en 1946 y Niarchos con Eugenia Livanos en 1947. De esos matrimonios nacieron dos y cuatro hijos, respectivamente. Aristóteles Onassis y Tina se divorciaron en 1960.
Para entonces, Onassis ya tenía un affaire con Maria Callas. La relación entre Callas y Onassis fue el romance más idealizado del momento. No había celebridad más popular, ni noviazgo al que los medios hicieran más caso.
En Grecia, a pesar de que no estaban casados y la Iglesia ortodoxa no lo aprobaba, los periódicos daban cuenta diaria del lujo que los rodeaba, regado con chovinismo a raudales.
A pesar de la atención mediática que recibían, hicieron falta cuatro décadas para que la opinión pública conociera la realidad: Onassis maltrataba a Callas tanto física como psicológicamente, y llegó a drogarla para mantener relaciones sexuales, según se desprende de los documentos personales a los que tuvo acceso la historiadora Lyndsy Spence.
Callas llamaba a Onassis “torturador”. En 1968, Onassis abandonó a Callas para casarse con Jackie Kennedy, viuda de JFK. En Grecia tal ruptura fue vivida casi como un drama nacional.
Mientras tanto, Tina Onassis se casó con el marqués de Blandford y se trasladó a vivir al Reino Unido. En 1965, Stavros Niarchos se separó de Eugenia. Niarchos comenzó entonces su romance con Charlotte Ford, la hija del magnate estadounidense Henry Ford, cuando ella tenía solo 24 años y él 56. Ford y Stavros tuvieron un hijo, pero la relación apenas duró un año.
Entonces, Niarchos volvió con Eugenia en 1967 y desheredó tanto a Charlotte como a Elena, la hija de esta. Como Stavros y Eugenia nunca se habían divorciado, ante la Iglesia ortodoxa seguían casados. En 1970, Eugenia murió en extrañas circunstancias, que es la expresión que se usa cuando no se quiere molestar al poderoso marido de la mujer que muere.
La versión oficial dice que fue una sobredosis de barbitúricos y la Fiscalía, tras una brevísima investigación, exoneró a Niarchos. Menos de dos años después, Niarchos se casó con Tina, la hermana menor de Eugenia y primera esposa de Onassis.
Es decir, Tina se casó con el padre de sus cuatro sobrinos. Cuatro años después, Tina murió igual que su hermana: sobredosis de barbitúricos. Poco antes, su hijo mayor y heredero de Onassis, había muerto en un accidente de aviación.
Aunque los hijos de Onassis y Niarchos eran primos, el odio mutuo de los patriarcas se heredó de generación en generación. La hija de Onassis y Tina, de nombre Cristina, demandó a su padrastro, es decir, a Stavros Niarchos, por la herencia de su madre, valorada en unos 250 millones de dólares.
Niarchos murió en 1996 y legó una herencia valorada aproximadamente en 5.000 millones de euros, de la que una parte importante debía destinarse a la fundación que lleva su nombre. Onassis había creado la suya dos décadas antes, poco antes de morir.
En 1975 dispuso en su testamento que la mitad de su patrimonio se transfiriera a una fundación que se crearía en nombre de Alexander, el hijo muerto en accidente de avión.
Fundación Onassis en Atenas
Hoy, las fundaciones Onassis y Niarchos siguen siendo las instituciones privadas más relevantes de Grecia y siguen compitiendo por ser la institución cultural más influyente.
Hasta 2017, la Fundación Onassis contaba con una ventaja respecto a su rival: su sede, situada en la céntrica avenida Syggrou de Atenas, es un moderno edificio donde organiza exposiciones, conciertos, seminarios, todo tipo de actividades.
Pero la Fundación Niarchos dobló la apuesta y edificó su nueva sede, que incluye nuevas instalaciones para la Biblioteca Nacional de Grecia, la Ópera Nacional Griega y el Parque Stavros Niarchos, de 210.000 m².
El parque será donado al Estado griego después de ser gestionado durante 10 años por la propia fundación. No se van a creer el lugar elegido para erigir su sede: en el extremo opuesto de la avenida Syggrou donde está la Fundación Onassis. Desde el amplio mirador de la Niarchos se ve, a lo lejos y empequeñecida, la sede de la Onassis.
Para que Maria Callas no se quedara sin un teatro, el Ayuntamiento de Atenas le puso su nombre al Olympia, uno céntrico en la capital helena. En septiembre de 2021, la artista Marina Abramović representó su obra 7 Deaths of Maria Callas en la Ópera Nacional de Grecia, es decir, en la Fundación Stavros Niarchos.
Pero solo fue una tregua temporal que de ninguna manera acabó con la guerra. El verano de 2022, cuando Grecia parece dejar por fin atrás la pandemia, se presenta repleto de actividades en ambas fundaciones que, una vez más, han hecho todo lo posible para contraprogramarse y hundirse mutuamente.
Centro cultural fundación Niarchos, Atenas.
«Cada vez que salgo ahí fuera se lanzan contra mí»: por qué María Callas se recluyó totalmente sus últimos días
A lo largo de la historia de la humanidad (desde Juana La Loca hasta Zelda Fitzgerald) la reclusión ha sido para las mujeres un método defensa instintivo o un castigo social. En el caso de María Callas, fue ambas cosas.
“Al final de su vida se recluyó más y más. Muchos amigos la abandonaron y los que no lo hicieron, mantuvieron las distancias. Cada vez era más difícil verla. Había que llamar cinco veces antes de conseguirlo.
Su criada decía ‘Madame está en el baño’, ‘Madame está en la peluquería’ o ‘A Madame le hacen la manicura’. Incluso cuando lo conseguías a la quinta, era muy difícil encontrar un momento que conviniera a los dos. Así que al final me temo que ni te molestabas”.
Así recordaba Jacques Bourgeon, amigo de Maria Callas los últimos meses de la diva para el documental Callas (1981) de Tony Palmer. En alguien que cuando estaba en la cúspide de su carrera decía: “Cada vez que salgo ahí fuera están esperando para lanzarse contra mí” sería de lo más simplón pensar que esta reclusión fue exclusivamente producto de la muerte de Aristóteles Onassis.
Si bien es cierto que, desde la desaparición de Onassis en 1975, ella apenas pisaba la calle, ni recibía visitas, lo cierto es que la existencia de Callas estuvo llena de razones que justificaron este aislamiento.
Desde esa enloquecedora lucha interna entre la Callas y Maria hasta su complicada relación con el bel canto pasando por las numerosas traiciones de su entorno. Pocas veces ha sido tan poco exagerado calificar una vida de tragedia griega. La más dramática de las óperas. En tres actos y un epílogo.
La cantante a mediados de los años cincuenta.
Acto I: La Callas
La Callas. Así se refería a sí misma Maria Callas cuando hablaba de ‘la otra’, de la soprano. O al menos así lo recuerda Nadia Stancioff, su secretaria. Y es que Maria, la mujer extremadamente vulnerable, era también la Callas, una diva planetaria a la que los medios tachaban una y otra vez de caprichosa y tiránica.
No había entrevista en la que no le hicieran preguntas capciosas, no había salida en la que el acoso de los paparazzi no rozara lo intimidante y no había vez en la que su paranoica autoexigencia no fuera tomada por una intolerable muestra de un temperamento imposible.
Ella siempre se defendía asegurando que no cancelaba más que cualquier otra estrella de la ópera y que no imponía más requerimientos de los normales. Pero probablemente, el gran escollo profesional de Callas, el que la marcó para siempre y la persiguió hasta el final de sus días fue la representación de Norma en Roma en 1958.
La soprano llegó al día de la función sin voz. Con una bronquitis tremenda, defendió como pudo el primer acto para escapar en el segundo. Crónicas de la época relataron lo acontecido con maliciosa ironía. “¿Qué, no hay soprano? Maria ya ha hecho algo así antes, escribían los articulistas del momento. Así que para estar seguro de oírla, no se arregle y vaya a los ensayos. Allí suele quedarse hasta el final”.
Callas vivió aquello como una tremenda injusticia, una lucha contra ella perpetrada con una violencia inaudita. “Me arrastraron por el fango” solía decir. Años después recordando este doloroso episodio citaría una frase de La traviata recogida en el glorioso documental Maria by Callas (2017) de Tom Wolf: “De regenerarse ya la esperanza es nula”.
Un año después empezaría su relación con el magnate Onassis. A medida que crecía su sentimiento por Ari, como ella solía llamarlo, disminuía su interés por su arte. Tanto que con tan sólo 41 años abandonó la ópera para vivir la vida, tal y como le instaba a hacerlo el hedonista de Onassis.
En 1969, Pasolini decide rescatarla. Le propone rodar Medea, mostrar al mundo lo portentosa actriz que es. Ella acepta, convencida de que puede ser el giro que necesita. ¿Y qué mejor papel que el de una hechicera que lo abandona todo por amor?
Aunque pudiera pensarse que dos personalidades como las suyas estaban condenadas a entenderse, lo cierto es que Callas no tardaría en arrepentirse.
Dijo de la película que era siniestra y que ella se veía ridícula. Hoy es un filme de culto. Su intento de volver a los escenarios no corrió mucha mejor suerte. Su última gira con Giuseppe di Stefano en 1973 fue un fracaso absoluto.
Ella que regresaba para sentirse admirada y querida tuvo que leer críticas que describían su voz como “la sombra ronca y cansada de lo que fue”. Le siguieron vanos intentos de escenografías, clases en la academia Juilliard…
Callas parecía condenada a no cumplir la profecía de Elvira de Hidalgo, una de sus primeras profesoras y su eterna confidente. “Lo lograría absolutamente todo” dijo de ella cuando aún era una adolescente.
María Callas y Aristóteles Onassis en 1959.
Acto II: Maria
“Estoy a su merced porque soy como una virgen que de repente atraviesa ese increíble planeta de revelaciones de vida física”. Así explicaba Callas su apasionado romance con Onassis. Su gran amigo Franco Zeffirelli con el que trabajó en numerosas ocasiones aseguraba que nunca había tenido un flechazo tan carnal como el que tuvo con Onassis.
En el documental Callas, John Ardoin, crítico musical y también amigo de la soprano, recuerda a Onassis como “un hombre de personalidad cuestionable. Coleccionaba a mujeres famosas. Se rumorea que pagó 10.000 dólares por una noche con Eva Perón. Quería a Callas en su colección”.
La historia se ha contado mil veces. Onassis invita a Callas y a su marido Giovanni Battista Meneghini a un crucero.
El magnate llevaba un par de años siguiéndola, mandándole flores. “Del otro griego” firmaba. En 1959, a la vuelta del crucero (que dio mucho de sí, parece que el primer encuentro lo tienen ahí mismo siendo descubiertos por la mujer de Onassis), Callas y su marido se separan y ella empieza su apasionado romance con el millonario.
La relación continúa con sus idas y venidas, con un Onassis incapaz de dar el paso que Callas lleva esperando desde el principio -el matrimonio-, y con una Callas convertida, a su pesar, en reina de la alta sociedad.
En 1968, Callas se entera por la prensa de la boda -contrato demencial de por medio- entre Onassis y Jackie Kennedy. Callas se siente como Medea: traicionada, sola, perdida y abandonada. Se refugia en su apartamento avenida Georges Mandel, 36, en esa casa-museo que le regaló el propio Onassis y que ella decoró. Reclusa con el único amor de sus dos caniches.
“Estudio sola, tengo mis discos que me muestran lo que hacía antaño y mi grabadora que me reproduce lo que hago ahora y que no debería”. En 1970, Callas, rota de dolor, se intenta suicidar. Mientras, el matrimonio de Jackie y Onassis hace aguas por todas partes.
Onassis dice saber de su esposa únicamente por sus facturas. En este sentido, Jackie se muestra muy concienzuda: puede llegar a comprarse 200 pares de zapatos en un solo día. En algún momento, Onassis vuelve a rondar a Callas.
A la antigua usanza. Bajo las ventanas del apartamento de ella. “Le acepté de nuevo” reconoce sencillamente Callas en unas declaraciones recogidas en Callas. Su relación se convierte en “una amistad apasionada”.
Los periódicos se llenan de titulares sobre el feliz retorno. “Ari vuelve con Maria”. “Cómo se enteró Jackie de la aventura de su marido”. “La verdad de los encuentros de Ari con su antiguo amor. Lo que Maria le aporta que Jackie no puede darle”.
Parecían haber encontrado la fórmula. “Mi aventura con Onassis fue un fracaso; mi amistad con él, un éxito”. Tanto que Onassis se fue a morir a París, la ciudad de ella. A pesar de la prohibición, Callas consiguió colarse en el hospital para despedirse y antes de que muriera poder decirle: “Ari, soy yo, Maria, tu canario”.
La soprano durante la filmación de ‘Medea’, de Pier Paolo Pasolini, en 1969.
Acto III: El encierro
Enclaustrada en su casa, Callas no volvería a salir a pesar de los esfuerzos de sus amigos. Alguna televisión extranjera consiguió alguna entrevista. Pasó sus últimas días con la tele encendida, tomando pastillas, unas para dormir, otras para todo lo contrario.
“Cada día doy gracias a Dios porque me queda un día menos”. El 16 de septiembre, Maria Callas aparecía muerta en su apartamento. Embolia, paro cardíaco, suicidio. Tenía 53 años y hacía dos años, dos meses y cuatro días de la desaparición de Onassis.
Epílogo
Por si la leyenda no fuera suficiente, cuenta el documental Callas – Kennedy – Onassis. Dos reinas para un rey que sus cenizas fueron robadas del cementerio Père Lachaise encontrándose casualmente la urna que las contenía en un callejón.
Fueron llevadas a Grecia y esparcidas en el Egeo. Durante la ceremonia, un golpe de viento las lanzó contra el rostro de los presentes.
La tragedia de Maria Callas: drogada por Onassis, chantajeada por sus padres y estafada por su marido
Maria Callas vivió la tragedia dentro y fuera de los escenarios. Drogada, maltratada y sometida sexualmente por su amante, Aristotle Onassis, que la abandonó por Jackie Kennedy, chantajeada económicamente por sus padres y estafada por su marido, Giovanni Battista Meneghini, la Divina pasó una vida repleta de penurias causadas por quienes más debían quererla.
Adorada, eso sí, por el público, la diosa del bel canto tuvo una relación tormentosa con el amor que, 44 años después de su muerte, sale a la luz de la mano de la historiadora norirlandesa Lyndsy Spence.
A través de una nueva biografía titulada Cast a diva: The hidden life of Maria Callas, Spence, que ha tenido acceso durante los últimos tres años a una gran cantidad de documentos personales de la soprano, relata por ejemplo cómo Aristotle Onassis, el hombre más rico de su época y una de los hombres más importantes de la vida de la artista, llegó a drogarla para mantener relaciones sexuales con ella.
«La información está sacada del diario de uno de sus amigos más íntimos. Hoy en día lo llamaríamos violación», explica la historiadora sobre unos documentos que hacen referencia a 1966, once años antes del fallecimiento de la artista.
De hecho, Onassis, que debía su fortuna a su imperio naviero en Grecia, habría llegado a maltratar físicamente a la artista hasta el punto en que ella llegó a temer por su propia vida. La obsesión de él habría llegado hasta tal punto que, en un determinado momento, Callas escribió el siguiente mensaje a su secretaria: «No quiero que vuelva a llamarme para que empiece a torturarme de nuevo».
Tampoco le fue mejor con quien le puso un anillo en el dedo. Giovanni Battista Meneghini, su marido, al que ella terminó definiendo como «una sabandija» que «se pasea por ahí como un millonario cuando no tiene un penique», le estafó gran parte de la fortuna que había conseguido sobre los escenarios.
«Mi marido todavía sigue molestándome, y eso que me robó más de la mitad de mi dinero al poner todo a su nombre desde el momento en que nos casamos. Fui una tonta… y todo por confiar en él», lamenta ella en uno de los documentos a los que ha tenido acceso la historiadora.
La tormentosa relación de Callas con algunos de los hombres de su vida tampoco acabó ahí. Durante los primeros pasos de la joven inmigrante griega, Peter Menin, presidente en aquel momento de la Juilliard School de música de Nueva York, no se tomó demasiado bien que la soprano le rechazase, y empezó a poner a todo el conservatorio en su contra para intentar lastrar su carrera profesional.
«Se ha enamorado de mí, y, como yo no siento lo mismo por él, se ha puesto en mi contra», escribió ella en una carta dirigida a su padrino.
Si los hombres no se portaron bien con ella, tampoco lo hicieron el hombre y la mujer que más deberían haber cuidado de ella.
«Callas estaba resentida con su madre, que había sido prostituta durante la guerra, por el hecho de haber intentado ofrecerla sexualmente a los soldados nazis«, apunta Spence sobre la infancia que la artista pasó en Europa.
Cuando la soprano empezó a cosechar sus primeros éxitos, su madre, que había vendido historias sobre ella a la prensa, pasó a exigir su parte del pastel: «¿Sabes qué es lo primero que hacen las estrellas de cine de orígenes humildes cuando se hacen ricas? Con su primer sueldo compran una casa para sus padres y les cubren de lujos. ¿Qué tienes que decir a eso, Maria?».
Su padre, tampoco se portó mucho mejor. «Le escribió una carta diciéndole que se estaba muriendo en un hospital de mala muerte solo para intentar que ella le diese algo de dinero», asegura la biógrafa, que aporta documentos en los que la soprano se queja amargamente de ellos.
«Estoy harta del egoísmo de mis padres y de su indiferencia hacia mí… No quiero seguir manteniendo una relación con ellos. Solo espero que los medios de comunicación no se enteren, porque si no sí que maldeciré el momento en que tuve padres».
“Por él abandoné una carrera increíble”, dijo María Callas entonces. “Rezo a Dios para que me ayude a superar este momento”, añadió. Aquella decepción la sumió en la tristeza: “No debo hacerme ilusiones, la felicidad no es para mí.
¿Es demasiado pedir que me quieran las personas que están a mi lado”, llegó a decir. Intentó reponerse pero estaba hundida, incluso se habló en 1970 de un intento de suicidio tras ingerir una sobredosis de barbitúricos.
El 16 de septiembre de 1977, con 53 años, la muerte la sorprendió en su domicilio de París. El lugar en el que se había recluido desde casi una década y donde se sintió rechazada por todos.
CQ(P.González) — Entre el año 2000 y la actualidad, unas cuantas películas eróticas han llegado a las salas de cine con escenas que causaron controversia, dieron mucho de qué hablar y hasta llevaron a algunas personas a salir corriendo por ser demasiado escandalosas.
Y es que lo erótico en el cine nunca te deja indiferente, te puede gustar o puedes odiarlo (o considerarlo muy gráfico o indecente), pero son escenas, temas e historias que responden a nuestra propia naturaleza, y por eso se nos quedan tan grabadas.
Han habido muchos cambios en el cine con el paso de los años, el Codigo Hays hizo que, en algún punto, mostrar mucha piel o situaciones sexuales estuviera prohibido, pero eso no duró mucho y, cuando llegó a su fin en los años 60, los directores, guionistas y realizadores aprovecharon la oportunidad para explorar fantasías, deseos prohibidos y desnudos, demostrando que el sexo vende, pero también puede ser una forma de arte.
Ahora, el sexo se usa de muchas formas, para provocar terror (como en Midsommar e It Follows, que tienen escenas sexuales icónicas), para demostrar los problemas internos de un personaje (como en Shame), o simplemente para subir la temperatura y darnos un poco de adrenalina al ver a los protagonistas entrelazados.
El siglo 21 nos ha dejado grandes películas y algunas de ellas demuestran que el cine con carácter erótico ha evolucionado y llegó para quedarse.
Portrait of a Lady on Fire
Céline Sciamma dirige este nuevo clásico del cine francés con Adéle Haenel. La película se desarrolla en una pequeña isla aislada en el siglo 18, donde una artista local es contratada para pintar el retrato de una mujer que está a punto de casarse, pero surge una atracción entre las dos que no pueden negar y poco a poco van cediendo ante sus impulsos y fantasía, iniciando una relación prohibida que deben mantener en secreto.
Swimming Pool
Charlotte Rampling y Charles Dance son los protagonistas de esta película francesa icónica, nominada a la Palma de Oro en Cannes en 2003. Todo comienza cuando una escritora de novelas de misterio se queda en la casa de verano de su publicista en el norte de Francia, donde es sorprendido cuando la hija de él llega inesperadamente y cambia sus planes por completo.
Nymphomaniac
Dirigida por Lars von Trier, la saga Nymphomaniac es perturbadora, gráfica y salvaje en ocasiones. Charlotte Gainsbourg da vida a una mujer con ninfomanía, quien después de sufrir un ataque, es rescatada por un hombre al que decide contarle todas las experiencias sexuales que ha tenido en su vida, hasta el punto que la llevó a tener que ser rescatada por él.
Under the Skin
Scarlett Johansson es la protagonista de esta peculiar película de Jonathan Glazer. Under the Skin tiene mucha tensión sexual desde el principio, aunque no muchas escenas de sexo en el sentido tradicional. Johansson da vida a una misteriosa mujer que camina por las calles y se topa con hombres solitarios a los que invita a volver a casa con ellos, pero el encuentro nunca termina como ellos esperan, sino de una forma más oscura y retorcida, que son parte del viaje de autodescubrimiento de la protagonista.
In Secret
Esta película poco conocida tiene como protagonistas a Elizabeth Olsen y Tom Felton. Es una historia de época en la que una mujer que está al cuidado de su tía es obligada a casarse con su primo, quedando atrapada en un matrimonio que no quería. Todo cambia cuando aparece un viejo amigo de su esposo, con quien ella comienza una relación secreta que puede destruirlo todo.
Blue is the Warmest Color
Léa Seydoux y Adéle Exarchopolous, esta película de Abdelatif Kechieck se llevó la Palma de Oro en Cannes en 2013. Esta es la historia de Adéle, cuya vida cambia cuando conoce a Emma, con quien tiene su primera relación adulta y con una mujer. Juntas van explorando el deseo, qué significa ser adultos, la traición, el amor y la pérdida, hasta que se encuentran a sí mismas y descubren lo que realmente quieren.
Raw
Julia Ducornou explora el deseo y el sexo con un ángulo algo diferente, con una historia que sigue a una estudiante de veterinaria (Garance Marillier) que, después de comer carne cruda, descubre que siente un hambre incontrolable y un antojo inexplicable por consumir carne humana, y todo está relacionado con un secreto del que su familia intentó protegerla.
Y Tu Mamá También
La película de Alfonso Cuarón es una de las más icónicas del cine mexicano moderno. Protagonizada por Gael García, Maribel Verdú y Diego Luna, esta es una historia sobre crecimiento y exploración sexual, donde dos amigos realizan un viaje por carretera junto a una mujer mayor que se convierte en un objeto de deseo y les enseña más de lo que esperaban.
Carol
Esta es una película erótica sutil, que es tanto sobre sexo y deseo, como sobre relaciones humanas y lo que nos mueve. Cate Blanchett y Rooney Mara protagonizan esta historia en la que una fotógrafa y una mujer mayor desarrollan una relación íntima, en una época (los años 50) en la que los prejuicios y las normas sociales eran un gran obstáculo entre ellas. La película es una adaptación de la novela de Patricia Highsmith, The Price of Salt.
Quills
Basada en la vida y obras del Marqués de Sade, esta película con Joaquin Phoenix y Kate Winslet se desarrolla en un hospital psiquiátrico del siglo 18 en Francia, en el cual el infame Marqués está encerrado, como castigo por sus obras. Ahí, el Marqués decide comenzar una batalla contra el médico que los atiende y que prefiere que todos vivan reprimidos y que Sade sea eliminado.
Personal Shopper
Kristen Stewart protagoniza esta película que no es exactamente erótica, pero tiene algunos elementos que se combinan con un poco de terror psicológico. Esta es la historia de una mujer que, después de perder a su hermano, cree que es visitada por su fantasma y está decidida a hacer contacto, pero todo se complica cuando empieza a recibir mensajes de un extraño.
Black Swan
Sexo, deseo, paranoia, venganza y obsesión son algunos de los temas de esta película de Darren Aronofsky, donde Natalie Portman da vida a una dedicada bailarina que sueña con conseguir el papel protagónico en Swan Lake, pero todo se descontrola cuando aparece otra bailarina que es todo lo que ella no es y que amenaza con arrebatarle el papel que cree que merece (y que después se convierte en su fantasía).
The New York Times(J.Bittel) — Cuando una cucaracha macho quiere aparearse con una hembra, dirige su parte trasera hacia ella, abre las alas y le ofrece una comida casera: azúcares y grasas que salen prensadas de su glándula tergal.
Mientras la dulce dama en cuestión mordisquea, el macho la engancha con un pene mientras que otro pene le entrega su envío de esperma.
Si todo va bien, el jugueteo de las cucarachas puede durar cerca de 90 minutos.
Pero cada vez más a menudo, el coito de las cucarachas está sucediendo de manera peculiar e incorrecta, lo que ha contribuido a que, en algunos lugares, sea más difícil acabar con las poblaciones de cucarachas con los plaguicidas convencionales.
En 1993, los científicos que trabajaban en la Universidad Estatal de Carolina del Norte descubrieron una característica de la cucaracha alemana, una especie que habita en todos los continentes, excepto en la Antártica.
En concreto, parecía que a estas nuevas cucarachas no les gustaba una forma de azúcar llamada glucosa, lo cual era raro porque —como sabe cualquiera que haya tenido que lidiar con una plaga de cucarachas— por lo general, las cucarachas nunca se sacian de las cosas dulces.
Entonces, ¿de dónde venían estas nuevas cucarachas tan preocupadas por su salud?
Parece que nosotros las creamos por accidente después de varias décadas de intentar matar a sus ancestros con polvos y líquidos dulces envenenados.
Las cucarachas a las que les gustaba el dulce se comían el veneno y morían, mientras que aquellas que no tenían tanto gusto por la glucosa evitaban esas trampas mortales y sobrevivían el tiempo suficiente para reproducirse y transmitir de este modo esa característica a la siguiente generación de cucarachas.
“Cuando pensamos en la evolución, a menudo nos imaginamos a los animales silvestres, pero en realidad también ocurre en los animales pequeños que habitan en nuestras cocinas”, señaló Ayako Wada-Katsumata, una entomóloga de la Universidad Estatal de Carolina del Norte.
Wada-Katsumata y sus colegas acaban de introducir otra novedad a la historia de las cucarachas: según un estudio publicado el mes pasado en la revista Communications Biology, la misma mutación que podría ayudar a que la cucaracha hembra evite el señuelo envenenado de sabor dulce también la hace menos propensa a quedarse con cucarachas machos normales y a aparearse con ellos.
Una cucaracha macho, a la derecha, atrayendo a una cucaracha hembra con una mezcla de grasa y azúcar extraída de la glándula tergal. Algunas cucarachas hembras se están volviendo inmunes a esta práctica.
Esto sucede porque la saliva de las cucarachas tiene la capacidad descomponer con rapidez azúcares complejos, como los que se encuentran en el regalo de cortejo del macho, y convertirlos en azúcares simples, como la glucosa.
Así que cuando una de estas hembras con aversión a la glucosa toma un poco del regalo nupcial del macho, este literalmente se le amarga en la boca y huye antes de que él pueda completar la doble maniobra de enganchar y disparar.
“¡Estupendo!”, podrían estar pensando. “Cuanto menos se apareen las cucarachas, menos plagas tendremos”. No se adelanten, dijeron los científicos.
“En verdad, es complicado saber cómo afectará esto a la población,”, comentó Wada-Katsumata.
Eso sucede porque a pesar de los obstáculos, las cucarachas que rechazan la glucosa siguen hallando maneras de llevar a cabo el acto.
En experimentos de laboratorio, Wada-Katsumata y sus colegas demostraron que las cucarachas con aversión a la glucosa son más esquivas con los machos que las cucarachas más silvestres, a las que los investigadores denominan cucarachas sin aversión a la glucosa.
No obstante, también descubrieron que, al parecer, los machos con aversión a la glucosa compensaban esto pasando al sexo inmediatamente después de darles su ofrenda.
“Digamos que la hembra con aversión a la glucosa pasa tres segundos comiendo la secreción del macho”, dijo Coby Schal, profesor benemérito de entomología en la Universidad Estatal de Carolina del Norte y uno de los autores del estudio.
“El tipo de cucaracha macho silvestre no responde en tres segundos, pero el macho con aversión a la glucosa sí”.
Los investigadores incluso tienen pruebas que indican que todas estas presiones nuevas están provocando posibles cambios en la química del obsequio de bodas de los machos con aversión a la glucosa para poder seguir atrayendo a las hembras.
Desde un punto de vista científico, la historia de la cucaracha alemana es una muestra de cómo los seres humanos pueden afectar tanto la selección natural —las cucarachas que sobreviven a nuestras trampas de veneno— como la selección sexual: las cucarachas con aversión a la glucosa que ya no quieren aparearse con cucarachas que siguen ofreciéndoles bocadillos dulces.
“Creo que esto es lo que lo hace más cautivador”, dijo Schal. “Esta idea de que los seres humanos determinen de tal manera la selección en los animales de nuestro entorno, sobre todo dentro de nuestros hogares, y de que los animales no solo respondan con cambios fisiológicos, sino también con cambios conductuales”.
La buena noticia para los consumidores es que los fabricantes de plaguicidas comparten el mismo entusiasmo que Wada-Katsumata y Schal en comprender la evolución de las cucarachas y están trabajando para modificar la composición del veneno para las cucarachas y alejarse de la glucosa.
Pero debido a las condiciones de la nueva investigación, esos cambios tardarán algún tiempo en aplicarse a los productos que estarán a la venta.
“Lo peor que puede suceder es tener un producto que contenga un señuelo que no se coman las cucarachas”, dijo Schal.
Cuando vas a la ferretería, tienes que detenerte en busca de la serenidad, porque son demasiados los olores que ingresan a las glándulas olfativas
Meer(E.Moure) — Entras en un ascensor y te llega de súbito un olor a líquido de limpieza, lo que llamábamos brasso en los días de la infancia, al parecer el nombre de una marca que se volvió denominación universal, y ves en la interminable película de la memoria a la abuela, sentada frente a la mesa del comedor, con los finos cubiertos desplegados y un paño amarillo con el que limpia aquellas piezas de plata o de plaqué o de peltre, quizá, con sus finas manos alargadas, en paciente morosidad, y las va colocando en una caja con espacios para tenedores, cuchillos, cucharas, según tamaño y destino preciso del difícil oficio de comensalía.
A veces entras en un espacio que huele parecido a un hostal donde te alojaste en Lugo, hace mucho, y regresa la sensación agridulce de la nostalgia, porque allí estuviste solo y nunca se te ha dado bien la soledad, aunque a menudo te encierres en el nimbo clausurado de la lectura o de la escritura…
Es para ti imprescindible la compañía, sobre todo la presencia femenina. ¿Cómo concebir la vida desprovista de una mujer, de sus aromas, de sus olores amatorios y domésticos?
Cuando vas a la ferretería, a comprar algún adminículo u objeto para reparaciones caseras, tienes que detenerte en busca de la serenidad, porque son demasiados los olores que ingresan a las glándulas olfativas, pugnando por su decodificación memoriosa…
La creolina, con su oliscar intenso, picante e invasivo, te recuerda la vieja ferretería del Paradero 27, y otros efluvios intensos, como el aguarrás, el diluyente a base de piroxilina, el aceite de linaza, dulzón y resinoso como los pinos radiales…
La creolina te recuerda el baño de los canes, en la mañana del sábado, cuando llenábamos de agua y viscoso líquido desinfectante el ancho recipiente metálico e íbamos metiendo, uno a uno, a nuestros fieles perros.
La Diana no rehusaba el baño, coqueta y melindrosa, parecía alegrarse ante la perspectiva de una piel limpia y lustrosa; el Sil gruñía su disgusto, pero aceptaba el higiénico fregado, bajando la cola en ademán de resignada sumisión…
En cambio, el Cofi, perdiguero de buena raza, era alérgico al agua, y apenas sentía el fuerte olor de la creolina, arrancaba a perderse, y había que sacarlo a tirones de algún escondrijo, como podía ser debajo de mi cama…
Los perdigueros o gracos, suelen ser asiduos al agua fresca, pero yo creo que Cofi tenía ancestros franceses o gallegos, de esos que se bañan una vez a la semana, «hágales o no falta».
Y si de Francia se trata, hay un autor que te atrae con predilección. Es Louis Ferdinand Celine, maestro de la narrativa, recurrente en los tópicos de la escatología…
Y no me refiero a la vida ultraterrena, sino a las instancias terrenales de los detritos humanos, a las exudaciones corporales, a las evacuaciones nauseabundas, que el parisino repite hasta asquear al lector, aunque siempre hay un destello lúcido o poético que puede sacarte –en sentido literal- de la mierda que recorre páginas de escepticismo y desencanto frente al sucio animal humano que somos.
Así, el joven personaje (autobiográfico) de la novela Muerte a Plazos, habla y describe sus propios hedores con una fruición que a ratos suena patológica. Parece que oliéramos su ropa interior, sus calcetines, sus pies que solo lavaba el día sábado, si es que su madre, jofaina y toalla en mano, le conminaba al aseo personal.
Por otra parte, tanto él como otros personajes del libro, vestían camisa blanca, corbata y ternos convencionales, según práctica burguesa y laboral, aunque no se dieran la ducha diaria que a nosotros no debe faltarnos…
Bueno, a veces, si puedo, me salto el baño matinal porque creo, al igual que mi recordado padre gallego, que la ducha cotidiana es un invento gringo que, con tanto jabón, agua caliente y sobajeo, debilita las defensas cutáneas y estraga la piel…
(Marisol no concuerda con esta peregrina teoría, y su olfato finísimo puede transformarse en implacable enemigo de la incuria higiénica).
Pero hay aromas y olores gratos que resultan incomparables y necesarios para la estética sutil del olfato. Uno de ellos es el hálito del mar, más intenso en el océano Pacífico que en el Atlántico, y aún más en el mar Cantábrico, según mi experiencia.
Hay una hermosa palabra gallega, marusía, que nos hace sentir en las fosas nasales las invisibles partículas salinas que las olas hacen estallar en sus constantes abrazos con la arena de la playa…
El aroma del tocino en la preparación de una tortilla española, el olor penetrante de los jamones y chorizos que cuelgan en la bodega de la casa de A Touza; el olor del heno recién cortado que la campesina carga sobre el carro; el inigualable aroma del pan que cada mañana surge del horno y que trae, sobre su piel tostada, la imagen áurea de los trigales y el halo del viento seco que los agita al ponerse el sol. «El olor del pan y la manzana guardada», en palabras de Efraín Barquero.
El olor del recién nacido, con sus intensos efluvios augurales… Pero, sobre todo, el aroma de un cuerpo femenino en el umbral de la plétora amorosa, o en cualquier lugar donde se perciba, en un escaño, bajo los árboles.
Recuerdas a ese joven trabajador que aconsejaste para que se alejara de la empedernida bohemia, y te respondió, como si hubiese sido el mejor de los poetas: «Profesor, yo no puedo evitar embriagarme con el olor de la noche».
Uno de los efectos terribles del virus pandémico es la pérdida del olfato y del gusto. Quizá sea una forma de castigo (aún se cree en las puniciones terribles del Dios cruel de las Escrituras) con intenciones estéticas, en una sociedad vertiginosa y digital que parece no detenerse jamás en la morosa fruición del goce, sea este espiritual o hedonista.
¿Se imaginan a Marcel Proust enfermo de Covid? No hubiese podido escribir los maravillosos párrafos de la magdalena remojada en té. En cambio, su asma crónica agudizó su sensibilidad en grado superlativo.
Pero también cabe oler el mundo en la madrugada, como si fuese una doncella desnuda, cubierta de rocío sobre la hierba temprana.
Ancient Origins/National Geographic(C.Mayans) — Cuando la película Wonder Woman se estrene a principios de junio sin duda se convertirá en un éxito de taquilla al igual que otras franquicias cinematográficas recientes inspiradas en el mundo del cómic. Wonder Woman (“Mujer Maravilla”) ha sido durante largo tiempo una creación artística muy exitosa, imaginada originalmente en el año 1941 por el psicólogo William Moulton Marston, y la película seguirá algunas de las líneas principales de la trama desarrollada en los propios cómics.
Wonder Woman es una superheroína conocida como Diana, princesa de las Amazonas, una mujer entrenada para ser una guerrera invencible. Cuando un piloto estadounidense, Steve Trevor, se estrella en las orillas de la paradisíaca isla perdida de Wonder Woman y le cuenta sobre la terrible guerra que está a punto de estallar en algún lugar del mundo, Diana deja su hogar, convencida de que será capaz de detener la amenaza.
Aunque Wonder Woman era presentada como un icono feminista en los años 40, era también un personaje con un elevado contenido sexual.
No podemos dejar de preguntarnos cuáles son las razones de este supuesto vínculo entre la guerra y la sexualidad femenina. Siendo una mujer muy atractiva, aunque también una fiera guerrera, es raro que Wonder Woman se encuentre sola.
A lo largo de la historia, culturas de todo el mundo han imaginado y reverenciado la figura de la femme fatale bajo muy diversas formas, desde felinas asesinas hasta diosas sensuales, sin olvidarnos de alguna provocativa exploradora más moderna.
La Wonder Woman sumeria
En el año 3000 a. C., en la antigua ciudad sumeria de Uruk, Mesopotamia, los primeros reyes de la historia de la humanidad dominaban el sur de lo que hoy es Iraq bajo la protección de Ishtar, una gran diosa de la guerra y el amor asociada a menudo al león.
Figura desnuda de Ishtar incisa sobre la superficie de una pieza cerámica.
Ishtar revelaba quiénes eran los enemigos de los reyes sumerios y acompañaba a éstos al campo de batalla. Se decía entonces que combatía como una leona desatada protegiendo a sus cachorros – en este caso, el pueblo sumerio.
Como ocurre con Wonder Woman, el deber sagrado de Ishtar era defender el mundo de peligros muy diversos.
Ishtar podía ser también una mujer sensual. Más que limitarse sencillamente a adorar a la diosa, los reyes de Uruk aseguraban ser los “amantes de Ishtar”, por lo que según los himnos de la realeza de la época, entrarían en la cama de la diosa para “arar la divina vulva”.
Para el rey, recibir favores sexuales y militares de una diosa servía a su agenda política, legitimaba su reinado y hacía de él un héroe excepcional para su pueblo. En la película de Wonder Woman, este papel lo encarna un piloto estadounidense.
También se han encontrado referencias a posibles uniones sexuales sagradas entre los antiguos palestinos y babilonios, aunque los expertos no han podido confirmar con seguridad qué es lo que ocurría realmente dentro de aquellos templos.
Mujeres-gato de Sekhmet
¿Qué puede haber más sexual que una mujer poderosa? Por supuesto, conseguir dominarla.
En el antiguo Egipto, la diosa más temible era Sekhmet. Al igual que Ishtar, tenía dos caras: podía ser tanto una bestia salvaje como una amorosa compañera.
Sekhmet es retratada a menudo como una terrible leona, la asesina de los enemigos del faraón. En ocasiones, sin embargo, se transformaba en la adorable gata conocida como Bastet.
La diosa Bastet bajo su forma de leona.
En nuestros días, los felinos aún son símbolo habitual de la sexualidad femenina. Catwoman, otra heroína de los cómics, nació poco antes que Wonder Woman, y encarna el mito más moderno de una mujer felina.
Con sus curvas y su atuendo de ama dominante, Catwoman siempre ha sido un personaje hipersexual, aunque algunas voces críticas lamentan que haya sido la sexualidad de Catwoman –y no su inteligencia– el aspecto más valorado de la heroína en nuestros días.
Amazonas, el sueño de los marineros solitarios
También entre los antiguos griegos se hablaba de mujeres guerreras de naturaleza sexual.
El mito griego de las Amazonas nos cuenta la historia de un reino Mediterráneo en el cual las mujeres combatían y gobernaban, mientras que los hombres quedaban relegados a las tareas domésticas. En el cómic de Wonder Woman de William Marston se mencionan también la ciudad de las Amazonas, Temiscira, y el nombre de su reina, Hipólita.
Marston adornó su escenario de antiguas Amazonas con detalles de la leyenda de las mujeres de Lemnos, adoptando la idea de esta isla perdida del Mar Egeo como tierra natal de Wonder Woman.
Según el mito griego, las mujeres de Lemnos se rebelaron y masacraron a todos los hombres de la isla, jóvenes y viejos. Viviendo una obligada abstinencia sexual, estas mujeres se regocijaban cuando navegantes y marineros desembarcaban inesperadamente en las playas de la isla.
De hecho se abalanzaron inmediatamente sobre los Argonautas, un grupo de bellos y famosos héroes mitológicos entre los que se encontraban Hércules y Teseo, arrastrándoles a una larga sesión sexual orgiástica.
Amazonas en un vaso griego
El tema de la mujer hambrienta de sexo sin compromiso es otra de las fantasías masculinas favoritas, ofreciendo satisfacción imaginaria a escenarios sexuales difíciles de realizar en la vida real.
A finales del siglo XX llegó Lara Croft para recuperar la idea de las Amazonas y las mujeres de Lemnos. Croft, aventurera y arqueóloga inglesa que empezó siendo el personaje protagonista del juego de los años 90 Tomb Raider, era definitivamente la mujer perfecta de la realidad virtual: experta en artes marciales, excelente en el manejo de armas y superinteligente.
Además, Lara Croft siempre deja a los hombres con “ganas de más”. Encarnada en la gran pantalla por la acriz Angelina Jolie en el año 2001, Croft a menudo dispensaba a sus colegas masculinos un trato más bien frío. Las secuelas posteriores protagonizadas por Alicia Vikander continuaron presentando a Lara Croft como un símbolo sexual y reafirmando además sus credenciales feministas.
Mujeres y armas, la fantasía definitiva
La nueva película de Wonder Woman parece haber llevado a cabo una cuidada selección de su actriz protagonista. Yendo más allá de la búsqueda de una cara bonita y un cuerpo espectacular, de lo que también puede presumir Gal Gadot, la actriz también se parece mucho a la heroína del cómic en otros aspectos.
Elegida Miss Israel en el año 2004, Gadot ha sido también monitora deportiva en el ejército israelí. En una entrevista publicada en agosto del 2015 en la revista Fashion, la actriz, entonces con 30 años, afirmaba que su experiencia militar le ofreció una buena preparación para su carrera en Hollywood.
En la gran pantalla y fuera de ella, el antiguo vínculo entre feminidad, atractivo sexual y dotes militares aún sigue siendo muy fuerte en nuestros días.
Desde Wonder Woman y, por ejemplo, la mujer soldado israelí convertida en modelo Maria Domark, hasta el nacimiento de un nuevo subgénero de mujeres guerreras en el cine asiático, pasando por supuesto por los catálogos estadounidenses de armas, todo confirma la antigua fantasía masculina que asocia caras bonitas con pistolas.
La nueva película de Wonder Woman canaliza todo este mito. Los intentos de la cultura popular por presentar a la heroína como una feminista no pueden contrarrestar miles de años de arraigadas fantasías sexuales. Pero lo que sí parece seguro es que va a ser un gran éxito de taquilla.
Mujeres guerreras de la historia
Artemisia de Caria
Hija de Lígdamis, rey de Halicarnaso y de una aristócrata cretense, Artemisia apoyó al rey persa Jerjes en su intento de conquista de Grecia durante la segunda guerra médica (480-479 a.C.). Artemisia contribuyó a la flota persa con cinco naves, de las que estuvo al mando como general, y participó en la batalla de Salamina.
Su valor como estratega le ganó la admiración del Gran Rey persa, que al menos la consultó en dos ocasiones antes de la crucial batalla.
Artemisia tuvo partidarios y detractores, y aunque no sabemos cómo ni cuando murió lo que sí es cierto es que su dinastía perduró varias generaciones. Su hijo Lígdamis gobernó como rey de Halicarnaso entre los años 460-450 a.C.
Rodoguna de Partia
Rodoguna fue hija del rey parto Mitríades I (171-138 a.C.) y hermana de Fraates II. Se casó con el rey Seléucida Demetrio II Nicátor, que estaba prisionero en Partia, con quien tuvo varios hijos.
Parece que en una ocasión, Rodoguna quedó a cargo de una parte del Imperio cuando estalló una rebelión.
Según cuenta Polieno, la reina se encontraba en ese momento a punto de tomar un baño y, en vista de la situación, juró no volver a bañarse hasta lograr la victoria.
Llamó a los generales y ella misma se puso al frente de las tropas, combatiendo en primera línea y contribuyendo a conseguir una gran victoria.
Tras el combate, la primera orden que dio fue que le preparasen un baño.
Boudica
La reina de los icenos levantó un ejército de más de 60.000 hombres contra las legiones romanas que ocupaban Britania y que la habían sometido a ella y a sus hijas a una terrible humillación tras la muerte de su esposo, el rey Prasutago.
Boudica en persona se puso al frente de sus tropas y las de los trinovantes, que se unieron a ella.
Atacaron Camulodunum (la actual Colechester), pasaron a cuchillo a todos sus habitantes y demolieron la ciudad hasta los cimientos. Lo mismo pasó con Londinium (Londres) y Veralamium (St. Albans).
Al final, Suetonio Paulino logró vencer a los britanos en Watling, causando una terrible mortandad. Boudica sobrevivió a la batalla, pero, no pudiendo esperar clemencia de Roma, según Tácito, se suicidó ingiriendo veneno.
Fu Hao
Fu Hao era la esposa favorita del emperador Wu Ding (1250-1192 a.C.), de la mítica dinastía Shang. Actuó como suma sacerdotisa en ritos de adivinación y llegó a comandar un ejército de más de 13.000 hombres, que fue el mayor de China en su época.
Combatió contra los bárbaros del otro lado de la frontera y derrotó a los jiang, los principales enemigos de su esposo.
También luchó contra los tu y los yi, a los que venció. La historia militar china destaca su victoria ante la tribu de los ba, que destaca como un ejemplo de estrategia.
A su muerte, Fu Han fue enterrada en una magnífica tumba, descubierta en 1976, que contenía un completo ajuar funerario, en el que había huesos oraculares, 130 armas y 20 puntas de flechas.
Tumba de Zhao de Pingyang
Era hija de Li Yuan, el emperador que fundó la dinastía Tang en el siglo VII. Mientras era gobernador, Li Yuan inició una revuelta contra el emperador Yang, de la dinastía Sui.
Su hija Pingyang, de apenas veinte años, vendió las propiedades de la familia y reunió un ejército para apoyar la rebelión de su padre.
Miles de hombres se unieron a ellos, y la joven llegó a comandar un ejército de hasta 70.000 soldados, logrando numerosas victorias gracias a su valentía y a sus conocimientos de estrategia militar.
Ella y su ejército hicieron huir al ejército imperial.
Su padre, al convertirse en emperador con el nombre de Gaozu, reconoció los méritos de su hija y celebró un gran desfile militar en su honor, además de otorgarle el título honorífico de zhao y de princesa.
Nakano Takeko
Nacida en Edo (Tokio) en 1847, Nakano Takeko era hija del oficial Nakano Genai. La joven aprendió arte, literatura y artes marciales con el maestro Akaoka Daizuke.
Nakano se convirtió en una gran guerrera samurái, en una onna bugeisha. Cuando estalló la guerra civil entre el shogunato Tokugawa, al que ella servía, y las tropas imperiales, se puso al frente de un grupo de mujeres samuráis a las que ella había entrando personalmente.
Tomó parte en la batalla de Aizu, donde luchó con gran arrojo. Pero un impacto de bala en el pecho la dejó herida de muerte. Nakano entonces decidió llevar a cabo un seppuku o suicidio ritual asistida por su hermana, que le cortó la cabeza para enterrarla a los pies de un árbol en el templo Hokaiji, donde aún hoy es venerada.
Juana de Arco
Conocida como la «doncella de Orleans», esta joven francesa se sintió escogida por Dios para liderar a los ejércitos franceses contra Inglaterra durante la guerra de los Cien Años.
En 1429, el rey de Francia Carlos VII aceptó que liderara un ejército de cinco mil hombres durante el asedio de Orleans, que se saldó con una gran victoria sobre los ingleses.
Tras varios triunfos más, Juana fue hecha prisionera en Compiegne el 24 de mayo de 1430 por el duque de Borgoña.
Llevada a Ruán, fue acusada de brujería por un tribunal eclesiástico y condenada a morir en la hoguera el 30 de mayo de 1431, con tan sólo 19 años.
María Pita
En 1581, una mujer coruñesa, María Pita, se enfrentó a las tropas británicas que querían conquistar la ciudad.
María mató a un alférez inglés con una lanza, un arcabuz o un cuchillo, según las versiones, y le arrebató su bandera.
Tras presenciar la muerte de su marido en el asedio, llena de rabia, y al grito de «quien tenga honra que me siga», lideró el contraataque hasta que los ingleses, al mando del corsario sir Francis Drake, se retiraron de la ciudad y pusieron rumbo a Lisboa.
Felipe II reconoció el valor de María, le concedió una pensión y le dio el título de «soldado aventajado».
Anne Bonny
Nacida en Irlanda en 1698, Anne Bonny, nacida Cormac, fue fruto del adulterio de su padre con una criada. La familia marchó a Charleston, en Carolina del Sur, para huir de las habladurías.
Anne era una joven a la que le gustaban las armas y los caballos. Se enamoró de James Bonny, un expirata con el que se casó y la pareja fue a vivir a las Bahamas.
Allí Anne conoció a Jack Rackham, un famoso pirata, con quien se fugó a bordo del buque Revenge.
Junto a Rackham, Anne participó en numerosos abordajes piratas y se distinguió en la lucha como cualquier otro miembro masculino de la tripulación.
Al final, fueron hechos prisioneros. Jack Rackham fue ahorcado, pero Anne eludió varias veces la condena a muerte, y se cree que vivió hasta los 84 años en Carolina del Sur.
Hannah Snell
Nació en 1723 en Worcester (Inglaterra) y en 1744 se casó con James Summs.
Su marido la abandonó cuando estaba embarazada y, tras dar a luz a una niña que murió poco después, Hannah se vistió de hombre, adoptó el nombre de James Gray y fue en busca de su esposo.
Tras enterarse de que había sido ejecutado acusado de asesinato, Hannah siguió haciéndose pasar por hombre y se enroló en la Marina británica como cocinero.
En la India, participó junto con sus compañeros en los combates contra los franceses, siendo herida en numerosas ocasiones, aunque no de gravedad.
Tras cuatro años fue ascendida a teniente. Al llegar a Londres, reveló su secreto a sus compañeros, quienes alabaron su valentía. Recibió una pensión anual como reconocimiento a sus logros militares.
Agustina de Aragón
El 15 de junio de 1808, durante el primer sitio de Zaragoza, en el transcurso de la invasión napoleónica, Agustina, una joven nacida en Reus, pero que había acompañado a su marido, cabo de artillería, a Zaragoza, llevó a cabo la acción que la hizo célebre.
Tras haber caído los defensores de la puerta del Portillo, las tropas francesas se prepararon para tomarla al asalto. Entonces Agustina tomó la mecha de manos de un artillero herido y logró disparar un cañón sobre los franceses, que se batieron en retirada.
La leyenda cuenta que, enterado el general Palafox de tal hazaña, concedió a la joven el distintivo de subteniente.
Al parecer, Palafox, en efecto, admitió a Agustina en el cuerpo de artilleros, pero como artillero raso.
Telva — Sin pre-acuerdo, no hay boda. Cada vez es más habitual que se filtren las cláusulas de estos precontratos con los que celebrities de todo el mundo pretenden preservar sus fortunas antes de dar el sí quiero.
Ben Affleck y Jennifer Lopez, a poco de convertirse en marido y mujer, también han llegado a un acuerdo. Una tendencia que cada vez es más popular y en la que se establecen, incluso, pautas de comportamiento que la pareja debe adoptar más allá de las penalizaciones económicas por rupturas e infidelidades o las gratificaciones estipuladas por mantener la llama encendida.
Del binomio Bennifer a otros que a día de hoy no siguen juntos, estos son los acuerdos económicos prenupciales más llamativos entre los famosos.
Jennifer Lopez y Ben Affleck
Así como no se sabe la fecha exacta de la boda, tampoco se sabe con certeza las cifras que se manejan en el contrato preboda que llevan meses preparando sus abogados. La cantante, que cuenta con un patrimonio de 400 millones de dólares, quiere proteger su riqueza tanto como su salud íntima. Sobre esta, en cambio, si ha trascendido la famosa cláusula de al menos cuatro encuentros íntimos a la semana.
Katie Holmes y Tom Cruise
El padre de la actriz, abogado, le recomendó que firmara un acuerdo prematrimonial antes de casarse con el protagonista del Top Gun. En el se establecía que si se divorciaban antes de 11 años de matrimonio, Katie Holmes recibiría 3 millones de dólares por cada año que hubiesen estado casados y la mitad del patrimonio de Tom Cruise si la separación se daba pasados esos 11 años. Estuvieron casados 6 años y tuvieron a Suri, cuya custodia pertenece a la madre al 100%.
Khloe Kardashian y Lamar Odom
Entonces Khloe estaba casi irreconocible con respecto a hoy y puede que gracias a su divorcio. En el precontrato se establecía que la joven recibiría del ex jugador de baloncesto 500.000 dólares por cada año de matrimonio, 6.000 más para tratamientos de belleza y 25.000 extras como pensión compensatoria durante la mitad del tiempo que durase su matrimonio. Y la casa que, con estas cantidades, es casi una anécdota.
Mariah Carey y James Packer
Aunque no llegaron a oficiar su boda, si llegaron a firmar un acuerdo prematrimonial en el que se establecían cifras muy llamativas. Por ejemplo, no se consideraría un obsequio ninguna joya o pieza de lujo que superase los 250 mil dólares salvo que estuviese expresamente señalado como tal (con una tarjeta)
Tiger Woods y Elin Nordegren
De los divorcios más comentados del mundo, la sueca resultó indemnizada con 110 millones de dólares. Si bien, el golfista se arrepintió de su infidelidad y para demostrárselo le ofreció un nuevo contrato prematrimonial para volver con ella ofreciéndole 200 millones como compensación adicional y una cláusula anti infidelidad de 350 millones más.
Elizabeth Taylor y Larry Fortensky
Se llegó a casar ocho veces con siete maridos. Uno de ellos gozó de un contrato prematrimonial en el que se premiaba una cierta longevidad de la relación: si duraban más de cinco años juntos Larry recibiría un millón de dólares. Fortensky recibió su compensación y poco después se separaron.
Denise Richards y Charlie Sheen
En su contrato prematrimonial se incluía un ejemplo (muy extendido en Hollywood) de cláusula para evitar las infidelidades. Si el tenía una relación extramatrimonial debía indemnizar a Denise con cuatro millones de dólares.
Nicole Kidman y Keith Urban
El acuerdo al que llegaron ambos fue un intento de la actriz por mantener alejado de las drogas y el alcohol a su futuro esposo. Si durante su matrimonio caía de nuevo en alguno de esos vicios perdería parte de su fortuna y, si por contra, se mantenía sobrio, recibiría 600.000 dólares por cada año de matrimonio. Aún siguen juntos desde 2006.
Jessica Biel y Justin Timberlake
La fama precedía al cantante, por eso la actriz decidió incluir en el último momento una cláusula anti infidelidad en la que se establecía una compensación de 500 mil dólares en caso de que su futuro marido tuviese alguna relación extra marital. Parece que le ha funcionado, porque no ha habido rumores al respecto y continúan juntos desde 2011.
Kim Kardashian y Kanye West
Quitando que la empresaria era la única beneficiaria del seguro de vida del rapero, Kim también se aseguró una buena cifra por cada año de matrimonio si se divorciaban (un millón de dólares) más la casa en la que ambos residían. En total estuvieron seis años casados.
Michael Douglas y Catherine Zeta Jones
En su contrato prematrimonial se establecía un pago inicial de 3 millones de dólares a Catherine por contraer matrimonio con Michael y un millón más por cada año que permaneciesen juntos y cinco más por cada infidelidad que cometiese el actor. A cambio, Douglas exigía que su mujer no engordara más de 10 kilos. La pareja sigue casada desde el año 2000.
Beyoncé y Jay-Z
En 2008, antes de darse el sí quiero, Beyoncé dejaba su rubrica en un documento donde se establecía una compensación económica de 5 millones por cada hijo que tuviese con el rapero y un millón por cada año de casados en caso de divorcio.
Angelina Jolie y Brad Pitt
El mayor patrimonio de la pareja son sus seis hijos en común. Por ello, Angelina quiso dejar firmado un precontrato en el que no había cifras millonarias de por medio, pero si una pérdida de custodia total en caso de que Brad Pitt le fuese infiel.
Meghan Markle y el príncipe Harry
El hijo de Lady Di fue reacio a firmar un acuerdo prematrimonial hasta el último momento, porque confía en el amor que le une a su mujer. Finalmente tuvo que hacerlo (presionado por su entorno) y, en caso de divorcio, Meghan recibiría una décima parte de su fortuna.
Felipe VI y Letizia
Las capitulaciones matrimoniales de Felipe y Letizia simplemente establecen un escenario de acuerdo en caso de divorcio. De manera que en caso de que esto sucediese, la formación de las infantas correría a cargo de la Casa Real, Letizia recibiría una asignación económica y dos residencias.
Brooklyn Beckham y Nicola Peltz
Ambos llegaron al matrimonio procedentes de familias adineradas, quizá por ello no choca que ambos hayan rubricado un acuerdo para preservar sus fortunas donde la cifra que se establece es de 3 millones de libras.
Infobae — Es ocasiones cuando se navega en la web, al ingresar a un sitio, en vez de mostrar contenido se indica un error con un código específico dando a entender que la página no está disponible o no existe. Los códigos más populares son 404 y 500.
Estos hacen parte de lo que se conoce como códigos de estado HTTP, y cada uno de estos indica algo diferente, sin embargo, estos códigos hacen parte del funcionamiento normal del internet.Dichos códigos son mensajes de permiso que se transmiten internamente entre el navegador que el usuario está utilizando, como Google, y el servidor.
Esta interacción entre el navegador de preferencia, el computador y el sitio web seleccionado, se genera en códigos y cada uno de ellos significa algo diferente, aunque normalmente son permisos. Es decir, cuando se desea ingresar a un sitio web y tener acceso a su contenido, este solicita acceso para ingresar en el sistema del computador y mostrar la información.
Normalmente, esta interacción de código, el usuario no la nota, ya que lo único que se puede ver es el sitio cargando o no, y ocurre en cuestión de segundos. En el único momento en que una persona va a tener la posibilidad de ver en su pantalla estos códigos es cuándo existe un error y se avisa en la pantalla.
La mayoría de los errores corresponden a enlaces rotos, en pocas palabras, la página web en cuestión ya no existe, es decir, su contenido, pero el link que se coloca en la barra de texto ubicada en la parte superior de la pantalla cuando se está dentro de Google, aún circula por el internet.
Esta situación se conoce como putrefacción de enlaces, haciendo una metáfora a la basura que queda en las calles de las ciudades pudriéndose cuando el camión no se la lleva, al igual que los enlaces que no son retirados y provocan molestias en los usuarios que no encuentran la información.
Los errores más comunes
Error 404
Ocurre porque el recurso a visitar fue retirado. Un caso común es cuando en las tiendas on-line se quita un producto del catálogo pero continua apareciendo en los resultados de búsqueda de Google.
Error 505
Se presenta cuando el servidor tiene un daño. En estos casos el inconveniente es temporal y después de unos segundos se ingresa sin problemas al sitio web.
Hay alguna manera de solucionar estos errores
Es muy poco lo que el usuario puede hacer porque no es su culpa. Además, estos errores que se traducen en enlaces rotos de recursos que ya no están disponibles en internet, son considerados algo normal de la web.
Sin embargo, las personas tienen la posibilidad de ingresar al directorio que contiene todas las direcciones web registradas, en este enlace, allí se puede buscar un sitio en específico para verificar si existe o si fue retirado.
15 Minutos — El cambio climático no solo tiene efectos a gran escala, sino que también puede tener una fuerte influencia en actividades cotidianas fundamentales como el sueño.
Un equipo científico estima que para 2099 el alza de temperaturas podría mermar entre 50 y 58 horas de sueño por persona y año.
Un estudio encabezado por la Universidad de Copenhague y que publica la revista One Earth indica que el aumento de temperaturas ambientales afecta negativamente al sueño de los seres humanos de todo el mundo, pero el efecto es sustancialmente mayor para los residentes de los países con menores ingresos, así como en los adultos mayores y las mujeres.
El documento sugiere que en las noches muy cálidas, con más de 30 grados centígrados, el sueño disminuye una media de algo más de 14 minutos.
La probabilidad de dormir menos de 7 horas también aumenta a medida que suben las temperaturas.
“En este estudio, aportamos la primera prueba a escala planetaria de que las temperaturas más cálidas que la media erosionan el sueño humano”, indicó el primer autor de la investigación Kelton Minor, de la Universidad de Copenhague.
Ese efecto se produce principalmente al retrasar el momento en que las personas se duermen y al adelantar el momento en que se despiertan cuando hace calor.
Los investigadores utilizaron datos globales anónimos sobre el sueño recogidos a partir de pulseras de seguimiento del sueño basadas en acelerómetros.
Los datos incluían 7 millones de registros de sueño nocturno de más de 47.000 adultos de 68 países.
Durante la noche, nuestro cuerpo desprende calor al entorno circundante, dilatando nuestros vasos sanguíneos y aumentando el flujo de sangre hacia las manos y pies y, para ello, el entorno circundante debe estar más frío que nosotros.
Si preguntamos a Google Trends, herramienta destinada a captar los patrones de búsqueda de los usuarios en un periodo de tiempo determinado, por el interés por la palabra Wonderbra, nos responderá que el último pico tuvo lugar en 2008.
Desde 2004 hasta finales de 2020, el interés por el Wonderbra, la marca de sujetador realzador o efecto push up más famosa del mundo, no ha hecho más que disminuir.
El crecimiento en 2008 tiene nombre propio: la bailarina de burlesque Dita Von Teese, que ese año realizó una colaboración con la marca que despertó el recuerdo por un tipo de sujetador que ya estaba pasando a la historia.
Antes de Dita y de que la tecnología revelase nuestros más oscuros secretos, el pico de interés analógico por el Wonderbra tuvo lugar en 1994, cuando se lanzó la campaña en Reino Unido en la que la modelo checa Eva Herzigova miraba hacia sus senos realzados gracias al sujetador maravillas mientras se leía el mensaje Hello, boys (Hola, chicos).
Cuenta una leyenda urbana que las vallas publicitarias que mostraban aquella potente imagen de Herzigova producían una ralentización del tráfico, e incluso accidentes, en la zona.
Para la campaña en Estados Unidos se dejó de lado cualquier sutileza, y la misma Eva Herzigova aparecía acompañada de mensajes como ‘a quién le importa si hoy tengo mal pelo’ o ‘mírame a los ojos… he dicho a los ojos’.
El sujetador maravilla se convirtió en los 90 en el gran objeto de deseo que conseguía integrar las fantasías femeninas (aumentar de talla de sujetador y realzar los senos sin necesidad de cirugía para amoldarse fácilmente al canon estético imperante) y las masculinas (Eva Herzigova) convirtiéndose en un éxito instantáneo.
Algunos factores culturales que contribuyeron a este éxito: la aparición de Pamela Anderson en una playa de Malibú en 1992 para interpretar a C.J en Los vigilantes de la playa, serie que la catapultó a la fama mundial y la convirtió en sex symbol internacional, creando mayor tolerancia hacia la artificialidad, a los cuerpos moldeados por la cirugía estética y a los grandes escotes.
El regreso del corsé y la lencería que marcaba y exageraba la silueta femenina de la mano de diseñadores disruptivos como Jean Paul Gaultier o Vivienne Westwood. Madonna.
Y la chica de moda, Kate Moss, que no era famosa precisamente por tener una silueta curvilínea, rindiéndose a la magia del Wonderbra en una entrevista para New York Magazine en 1994, donde reveló que, incluso ella, lograba tener escote cuando lo usaba.
Una serie de datos sorprendentes sobre el fenómeno, extraídos de un caso de estudio sobre Wonderbra elaborado por la Escuela de Negocios de la Universidad de Michigan: tras aterrizar en mayo de 1994 en Estados Unidos, con un precio sugerido de 26 dólares, se empezó a vender un sujetador cada 15 segundos.
El año de su lanzamiento, las tiendas no eran capaces de reponerlos en los estantes y las mujeres esperaban horas para hacerse con un codiciado Wonderbra. Las ventas del primer año en Estados Unidos rondaron los 120 millones de dólares.
El Consejo de Diseñadores de Moda de América (CFDA) homenajeó a Wonderbra «por crear un fenómeno nunca antes experimentado en la industria». Ethel Klein, editora de EDK Forecast, un boletín informativo que rastreaba los intereses de las consumidoras, afirmó: «Wonderbra se ha convertido en una especie de Kleenex, en el sentido de que es el nombre del producto lo que define la categoría».
Además de con Kleenex, Wonderbra fue comparado con Levi’s por su enorme impacto social y cultural.
La modelo Adriana Karembeu fue la sucesora de Herzigova en 1998, en anuncios cada vez más evidentes. El texto de la imagen dice: ‘No sé cocinar, ¿a quién le importa?’.
Las pérdidas para Wonderbra llegaron, precisamente, por culpa del éxito del producto y de la democratización de la lenceria: a partir de los 2000, cualquier marca tenía su propio sujetador push up que ofrecía las mismas maravillas que el de la famosa marca.
Todo el mundo vendía Kleenex. Las previsiones de venta tampoco eran demasiado halagüeñas de cara al futuro del producto: en 1994, en un artículo para el Chicago Tribune, se predijo que, aunque en aquellos momentos fuese un caso de éxito, no tendría largo recorrido puesto que «el sujetador es incómodo y el 78% de las mujeres escogen un sujetador por comodidad antes que por sex appeal«.
En la pieza señalaban que la venta de zapatos de tacón también estaba sufriendo un descento frente al zapato plano y cómodo.
También se produjo un cambio de mirada: los anuncios de Wonderbra, más que dirigidos a mujeres, parecían estar dirigidos a hombres. El impacto cultural del producto tenía mucho que ver con la mirada masculina y el deseo.
Como explicó Leticia García en un artículo en este mismo medio: «Hasta hoy, buena parte de los modistos famosos han sido hombres, y en las pocas excepciones de mujeres que han alcanzado la primera división en esta industria, se podía captar a simple vista la apuesta por la comodidad de ellas (con Coco Chanel a la cabeza) frente a la decoración superflua y a veces incómoda de ellos.
El sujetador no es una excepción. Lo patentó una mujer, Mary Phelps Jacobs, en 1914, pero entoncess era un paso revolucionario frente al opresivo corsé». Más adelante, se convirtiería en una prenda sexy más que práctica y, en algunos casos, casi tan incómoda como el propio corsé.
En 2013, la artista visual, música y poeta Scout Paré-Phillips, realizó un trabajo llamado Impressions (Impresiones), un conjunto visual que mostraba las incómodas marcas que la ropa interior dejaba sobre la piel.
El proyecto fue compartido por la marca de ropa interior Heist Studios en su cuenta de Instagram: «Queríamos iniciar un debate en torno a la ropa interior incómoda», compartieron desde la marca, «queríamos compartir algo que mostrase esa sensación cuando el sujetador se te clava o cuando las bragas te dejan marcas alrededor del ombligo».
Desde inicios de 2010, muchas marcas de lencería empezaron a apostar por líneas de ropa interior cómodas: los sujetadores fueron perdiendo progresivamente los aros y el relleno, dando paso a toda una gama de bralettes, se apostó por tejidos como el algodón, la ropa interior sin costuras y las líneas deportivas.
Otras marcas nacieron directamente con esa intención. Este fue el caso de la firma Negative Underwear, fundada por dos mujeres llamadas Lauren Schawb y Marisa Vosper quienes, en una entrevista para S Moda, revelaron cómo nacio su proyecto: «Hace cinco años nos dimos cuenta de las mujeres odiaban sus sujetadores, por eso creamos una línea de ropa interior centrándose en otro lado del universo de la moda: queríamos resolver un problema, no desbarajustar más el mundo y, obviamente, los sostenes eran el reto a afrontar».
En 2020, con la pandemia, las mujeres se quitaron los sujetadores para estar en casa. Y, una vez fuera, lo último que querían volver a ponerse era un Wonderbra: el consumo de sujetadores cómodos, básicos e incluso deportivos, alcanzó una subida una subida del 40% en tiempos pandémicos.
Quién sabe la vuelta a la vida social y nocturna traerá una imprevisible vuelta del Wonderbra, como ya ha sucedido con los incómodos y sexuales vestidos de Hervé Léger, aunque en el caso de los sostenes, parece mucho más improbable.
En un artículo de 2018 de Teen Vogue, la edición adolescente de una de las revistas de moda y tendencias más influyentes del mundo, titulado No tienes por qué llevar sujetador, hablaban de quitarse el sujetador como símbolo de los tiempos contra el status quo: «Estamos en el punto donde las mujeres ya no quieren soportar la incomodidad de llevar sostén y están desafiando las costumbres culturales que dictan que sus senos deben estar cubiertos y restringidos».
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Nuestras Charlas Nocturnas 