¿Buenos o malos para la salud? Los mitos sobre el café y el vino tinto que quizás sigues pensando que son ciertos…

septiembre 1, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Las sagas familiares más influyentes de todos los tiempos: Los Oppenheimer …

Ernst Oppenheimer

Baunat  —  A la edad de 16 años Ernst Oppenheimer decidió abandonar la localidad alemana de Friedberg y trasladarse a Inglaterra, donde se convertiría en uno de los comerciantes de diamantes más poderosos del siglo XX. DW-TV narra la historia de la familia Oppenheimer, la dinastía de los diamantes, en dos capítulos que se emitirán los días 24 y 31 de julio de 2007.

Su incansable espíritu de trabajo, su genial instinto para el mercado de las piedras preciosas y, cómo no, una buena porción de osadía judío-alemana le valieron a Ernst Oppenheimer para tomar la delantera a todos los buscadores de diamantes de Sudáfrica.

Desde entonces, el clan familiar de los Oppenheimer dirige el consorcio De Beers en Sudáfrica y, después de 4 generaciones, continúa a la cabeza del mercado mundial de diamantes. Además, la familia posee gran parte del consorcio de oro y metales preciosos Anglo American.

Se calcula que el capital privado de los Oppenheimer oscila entre 4 y 6 mil millones de dólares.

La insólita historia de cómo la Compañía De Beers dominó los precio del diamante

Cecil Rhodes era un hombre Inglés, que viajó a Sudáfrica (SA) para hacer negocio cuando escuchó hablar de la fiebre de los diamantes.

Empezó por el alquiler de bombas de agua a los mineros. Pero muy pronto, Cecil Rhodes, que era un rico hombre de negocios, vió la oportunidad y comenzó a comprar campos de diamantes, muchos de ellos.

Incluyendo el campo de propiedad de dos hermanos llamados De Beer, que es donde surgió la idea, y decidió crear De Beers Mining Company.

En aquel momento, combinar esfuerzos y repartir las infraestructuras era una tendencia común en la extracción de diamantes; especialmente cuando la mayoría de los titulares de derechos eran pequeños.

Así es como Cecil Rhodes, en un corto período de tiempo, logró poseer prácticamente todas las minas de diamantes de Sudáfrica, creando así el monopolio de toda la producción y distribución de diamantes en Sudáfrica.

Cecil Rhodes

– Los precios del Diamante y el papel de De Beers

Cecil Rhodes era un pionero, en el momento de su muerte en 1902, De Beers poseía el 95% de la producción mundial. Pero el hombre detrás del imperio como la conocemos, fue Ernest Oppenheimer y más tarde, sus herederos.

Con el fin de controlar los precios del diamante y el inventario, De Beers creó canales de distribución, a través de «The Diamond Syndicate», donde los titulares de derechos y los distribuidores se unieron porque creían que así se podría crear una escasez, controlando los altos precios del diamante.

A través de Oppenheimer, De Beers también estableció contratos especiales con los compradores y proveedores, que les prohibía la compra de diamantes fuera de De Beers. De Beers compraba los diamantes a través de una subsidiaria y determinaba la cantidad de diamantes disponibles en el mercado y su precio, para todo el año. Esta es la forma en la que trabajó durante varias décadas.

De Beers es también la compañía que creó el concepto de diamantes de comercialización y su campaña más famosa fue «Un diamante es para siempre», que en realidad se convirtió en su lema oficial.

El objetivo de la familia Oppenheimer era vender sus diamantes en América. A través de esta campaña y la asociación de los diamantes al amor, a finales de 1940 consiguieron aumentar drásticamente las ventas de diamantes y anillos de compromiso.

Cuando se encontraron nuevas minas, como por ejemplo en la antigua Unión Soviética o en Botswana, De Beers firmó alianzas o continuó tratando de comprar todo el inventario disponible con el fin de canalizar los diamantes a través de un «único canal».

Sin embargo, recientemente, los países con grandes producciones se negaron a cooperar con este sistema de canales, obligando a De Beers a cambiar de estrategia. De esta manera, no se le permitió controlar los precios del diamante por más tiempo.

Es hoy en día, se centran en la promoción de su propia marca de diamantes y sus ventas al por menor.

Nicholas F. Oppenheimer nació el 8^th de junio de 1945 en Johannesburgo, Sudáfrica, como hijo de Bridget y Harry, que tenía un largo legado de mineros. El abuelo creó la compañía minera Anglo American en 1917 en el campo de oro más grande del mundo, Witwatersrand, cerca de Johannesburgo.

Nicolas F. Oppenheimer

No se conformaron con su trabajo en la mina y en 1929 también tomaron el control de De Beers Company, transformándola en la mayor empresa de diamantes del mundo. Las dos empresas se conectaron mediante participaciones cruzadas y se transformaron en una empresa multinacional con sede en Londres y productora de nada menos que el 40% del platino del mundo.

Cuando el abuelo era demasiado mayor, pasó las riendas a su hijo, quien fue nombrado presidente en 1957.

Nicholas se quedó en Inglaterra durante sus años escolares, estudiando en Harrow School y Christ Church en Oxford, luego de lo cual se graduó con una Maestría en Artes, especializándose en Filosofía, Política y Economía como una opción interdisciplinaria. Recuerda que su primer trabajo fue como lavador de botellas para la división de oro de Anglo American, pero esto es bastante difícil de creer.

Se casó con Orcillia Strilli Lasch en 1968, la hija del magnate industrial Helli Lasch y juntos tienen un hijo, Jonathan Oppenheimer, quien ayudó a continuar el legado familiar de trabajar en la empresa minera.

Cuando terminaron sus estudios, Nicholas se incorporó a la empresa, siendo nombrado director en 1974 y gracias a su arduo trabajo ascendió hasta convertirse en vicepresidente de Anglo American en 1983, cargo que ocupará hasta 2001.

En 1985 fue nombrado presidente de Diamond Trading Company y solo en 1998 se convirtió en presidente de De Beers Group hasta 2012, cuando se jubiló tras vender la participación familiar en la empresa a Anglo American.

Comenzó como asistente personal del presidente a los 23 años, Nicky se convirtió en presidente y luego comenzó a cambiar el modelo de negocio de la empresa cuando atravesó una mala racha durante el año 2000 que casi le llevó a perder la ventaja que tenía en el mercado de distribución de diamantes. En 2001, De Beers fue excluido de la Bolsa de Valores de Johannesburgo.

El negocio de los diamantes era muy complicado y había muchos malos medios de comunicación sobre el comercio de diamantes en zonas de conflicto. Esto creó el concepto de diamantes de sangre y Nicky buscó una forma de distanciar a la empresa de esta idea. Con este fin, la empresa se unió al esquema de certificación del Proceso de Kimberley en 2003 que intentaba evitar que los diamantes de zonas en conflicto aparecieran en el mercado.

Recibió un Doctorado en Tecnología honoris causa en 2003 de Technikon Witwatersrand y más tarde también recibiría una Beca Honoraria de la London Business School en 2009 por sus contribuciones.

Durante los años siguientes, Nicholas utilizó sus conexiones y su fortuna para preservar el patrimonio de Sudáfrica y mejorar la educación, la atención médica, las artes y el paisaje natural de la comunidad. Crearon la Fundación Brenthurst en 2005 para contribuir a las estrategias y políticas relacionadas con el desempeño económico de África y su desarrollo sostenible.

Dijo sobre sí mismo: “Soy africano. Yo vivo allí y mis hijos viven allí y, por lo que tengo entendido, tienen la intención de seguir viviendo allí «.

Siempre estuvo preocupado por las ideas muy simplistas que el mundo occidental tenía sobre este continente: “muchos están cada vez más cansados ​​de ser vistos simplemente como receptores de la generosidad occidental, especialmente generosidad que expande la dependencia del donante, o los convierte en rehenes de las pasiones y prejuicios de ONG extranjeras «. Él ve esta caridad como una adicción que no ayuda a los países a tener un futuro adecuado.

“Como soy africano, me reservo el derecho de decir que África no existe simplemente para que la gente de este país (es decir, del Reino Unido), o de cualquier otro lugar del mundo desarrollado, se sienta bien consigo misma. […]

En un continente de casi 700 millones de personas, 50 países muy diferentes y cientos de idiomas diferentes, hay cientos de idiomas diferentes, hay otra África, vibrante y llena de potencial que exige reconocimiento ”.

La familia estaba preocupada por el medio ambiente y estaba involucrada en la conservación, por lo que se asoció con De Beers en 2006 para crear lo que se convirtió en la Ruta del Diamante, una forma en que sus propiedades se optimizarían para la conservación y la investigación.

Conecta ocho sitios en Sudáfrica y quiere mostrar “el bien que hacen los diamantes”.Junto con su hijo Jonathan, Nicholas tiene la conservación privada de vida silvestre más grande de Sudáfrica y se utiliza como una reserva de caza privada de lujo que se puede visitar.

Tienen una finca en el condado de Berkshire de Inglaterra y los jardines aquí están abiertos a los visitantes.

La familia vendió la participación que tenía en De Beers, que asciende al 40%, a Anglo American por la suma de $ 5.2 mil millones en agosto de 2012 y así terminó su participación en diamantes. En una entrevista realizada entonces, Oppenheimer declaró que planea utilizar los fondos para invertir en otros campos como una empresa conjunta de capital privado centrada en África llamada Tana Africa Capital que se creó junto con Temasek Holdings.

Invirtió en 4Di Capital en 2012, aunque las cifras exactas no se revelan y, por lo tanto, es bastante difícil estimar el patrimonio neto total de la familia Oppenheimer, pero en el momento actual Forbes lo sitúa en $ 6.7 mil millones, lo que significa que fue superado por Johann Rupert. por el título del hombre más rico de Sudáfrica.

Kimberley – Sudafrica

Cuando no está trabajando, Nicholas disfruta de las novelas policiales, pilota su propio helicóptero o se relaja con sus perros y, a pesar de llamarse vehementemente africano, incluso disfruta jugando al cricket. Disfruta de los placeres de la vida y, renunciar a las preocupaciones por la Compañía De Beers, le permitió hacer esto aún mejor, demostrando que es un hombre práctico en lugar de alguien que busca el control.

Los diamantes son intrínsecamente inútiles, excepto por la profunda necesidad psicológica que satisfacen” es lo que solía decir, y después de reinar durante 85 años en la industria, la familia Oppenheimer eligió orientar su vida hacia otras formas de mejorar el país en el que viven y amor.

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agosto 30, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | 2 comentarios

Medicamentos ilegales y curas ‘milagrosas’ que nos enferman…

The Conversation(C.J.Sanz/D.M.Miguel)  —  Tomar medicamentos sin receta o adquirir fármacos en centros no autorizados se antoja una fórmula ágil cuando queremos frenar una dolencia o mejorar nuestro rendimiento cuanto antes. Ahora bien, esta prisa puede llevarnos a asumir riesgos desconocidos o infradimensionados, no solo por consumir productos ilegales, sino también por una posología o dosificación inadecuada.

Curarse y no morir en el intento

Empecemos por el principio. Aunque generalmente confiamos en las autoridades médicas a la hora de tomar medicamentos, realmente ¿cuándo y dónde bajamos la guardia?

Gimnasios, herbolarios y centros de dietética son los lugares donde más nos exponemos a este tipo de malas prácticas, que además son delictivas cuando ponen en riesgo la salud de las personas.

Adquirir y vender fármacos de forma ilegal es algo realmente sencillo para cualquier persona mediante servicios de paquetería y de etiquetado realmente baratos y rápidos. Por suerte para la ciudadanía, no es una práctica extendida, aunque sí emergente.

Le hacen más fuerte, pero ¿a qué precio?

En centros deportivos y de ocio aparecen oportunidades para que deportistas aficionados potencien su rendimiento deportivo a través de productos no permitidos por la Agencia Española de Medicamentos y Productos Sanitarios.

También es frecuente el uso de medicamentos legales, pero administrados a dosis muy elevadas. Un ejemplo es la nandrolona.

Este anabolizante androgénico aumenta la masa muscular y ayuda a tener una mejor tolerancia al ejercicio cuando es utilizado correctamente y bajo supervisión médica.

Sin embargo, en grandes dosis genera graves problemas cardiovasculares y endocrinos, como la esterilidad.

A la hora de mejorar el rendimiento sexual, no respetar los canales de compra adecuados puede conllevar un mal estado del fármaco o unas condiciones verdaderamente insalubres y antihigiénicas.

Es de sobra conocido el caso de la viagra: cuando se comercializa de manera ilegal no existen controles de calidad y nadie puede asegurar la cantidad exacta de principio activo que contiene la famosa pastilla azul, haciendo que al tomarla puedan aparecer un sinfin de efectos secundarios.

En los últimos años han aumentado considerablemente los casos de hepatotoxicidad relacionados con el consumo ilegal de dicho medicamento.

En algunos herbolarios y farmacias online se ofertan curas milagrosas para la hepatitis, diabetes, artritis o incluso el cáncer. Estos entornos son ideales para aprovecharse de personas que se encuentran en una situación desesperada.

Tal es el riesgo de estas recetas prodigiosas que durante la pandemia ocasionada por la covid-19, la Agencia Española de Medicamentos y Productos Sanitarios advirtió a la población de los riesgos para la salud del consumo de dióxido de cloro o MMS, el cual fue comercializado por redes sociales para prevenir (sin evidencia científica) la infección por SARS-Cov-2.

Este compuesto produce náuseas, vómitos y diarreas graves que pueden llevar a la deshidratación, fallo renal o anemia hemolítica.

La medicina es ciencia y paciencia, no un milagro

La crisis económica impacienta a la ciudadanía, los recortes en sanidad aumentan las esperas y las tendencias sociales como el autocuidado, la búsqueda de mayor bienestar y las modas estéticas de un cuerpo definido como imagen de salud incrementarán estas malas prácticas en los próximos años. Ante esta situación, la ciudadanía cuenta con herramientas para mitigar los riesgos.

Conocer los entornos y peligros del consumo de fármacos por canales no autorizados es fundamental para estar alerta cuando la tentación llama a la puerta. No se trata solo de evitar productos ilegales, también de consumir aquellos legales de forma correcta y exclusivamente cuando sea pertinente.

La medicina no es un milagro, requiere conocimiento y paciencia por parte de todos. El abuso de medicamentos y los objetivos de rendimiento a corto plazo nos alejan de ese uso responsable.

Debemos exigir una correcta dotación para que las autoridades tanto policiales (unidades especializadas de la Policía Nacional y la Guardia Civil) como sanitarias (la Agencia Española de Medicamentos y Productos Sanitarios) refuercen su papel en los próximos años.

Ahora bien, una operación policial lleva meses de duro trabajo en busca de evidencias y análisis farmacológicos, un cambio de etiquetado en un producto no lleva más de 48 horas y la operación tendría que comenzar de nuevo. Por tanto, su papel es realmente limitado y no aborda las causas del problema.

La verdadera exigencia ciudadana debe radicar en una mayor financiación de investigación y salud. Desde la atención primaria con los medicamentos de hoy hasta laboratorios para los medicamentos de mañana.

Esto permitiría un servicio sanitario que sea no solo de calidad, como el actual, sino también adecuadamente sustentado por las administraciones públicas que regule, controle y apoye activamente a los centros deportivos y de alimentación donde se producen estas malas prácticas.

También es necesario un entorno científico sólido donde los profesionales puedan desarrollar sus investigaciones de manera rigurosa y también estable, acercando a las personas todos los avances con la mayor rapidez posible y generando un ecosistema de salud y ciencia a la altura del estado del bienestar prometido. No se trata de pedir milagros, se trata de inversión en investigación científica y paciencia ciudadana.

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agosto 30, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

«La mala educación es como un virus que infecta a la gente y se propaga»

agosto 30, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Ser mayor: atesorar recuerdos y cosas…

El País(J.C.Álvarez)/hola.com(C. Soria)  —  Existe un impulso que nos lleva a coleccionar. De objetos a destrezas. De biografías a desafíos. Ese impulso nace en la infancia. Con los cromos de fútbol o las muñecas de alma prácticamente humana. Para dar paso justo después a una actitud de coleccionista maduro.

Que disfruta tantísimo que los demás no parecen entender nada en absoluto. Se colecciona para sobrevivir. Y en último término para dar sentido a una vida que ya se intuye desordenada e incoleccionable.

Freud aseguraba que el poder asignado al tesoro otorgaba ese mismo poder psicológico a su poseedor. De ahí que haya quien se rodee de esculturas o pinturas para adentrarse en su antiguo magnetismo.

El deseo de esa pieza única lo cambia todo. Y así cuando por fin se obtiene se produce el instante extraordinario. Todo encaja en un momento irrepetible y desgraciadamente fugaz. Para de nuevo volver a empezar.

Al contrario de lo que muchos creen los objetos nos eligen. Y no al revés. Eso creía Umbral en sus feroces páginas hechas de miopía. Uno puede volcarse ante un disco y que el tiempo corra de un modo diferente. Con la respiración entrecortada y la atención absoluta como si el mundo realmente se hubiese detenido.

Exactamente igual que en aquella escena de Arrebato sobre las primeras sensaciones frente a las ilustraciones de algunos libros. Quizá Zulueta era un descarado coleccionista de imágenes. Lo mismo vale para los libros o los platos de diseño.

Para un vino que sobrecoge o un paseo por un territorio indómito. Nadie medianamente sensible puede dejar de coleccionar. Cambiará en ocasiones. Porque siempre hay amantes menos fieles. Pero la pasión por el coleccionismo no desaparece. Y si ocurre tal vez uno esté dando demasiada importancia a cuestiones que no la tienen.

La vida nos colecciona a nosotros. Pasamos entre sus dedos como esos libros que se van amontonando. Un desenfadado juego desde ambos lados. Diría incluso que estamos tan habituados a coleccionar que apenas nos damos cuenta. Se acumulan las pequeñas figuras.

Los vestidos o los marcos de plata. Coleccionamos porque no sabemos dejar de hacerlo. Porque podríamos vivir con menos pero sería más aburrido. La plenitud siempre es incompleta. Hay también quien colecciona dinero.

Aunque ese tipo de coleccionista suele tener menos imaginación. Desde fuera resulta divertido y recuerda a Tío Gilito en aquellos cómics donde se bañaba entre monedas. Supongo que el coleccionismo nace de una carencia.

De algo que no tuvimos y que en nuestra imaginación se hizo fascinante. Por eso me alegro tantísimo de que hayan faltado cosas. De una ligera frustración que nos ha construido distintos. Aplicados en encontrar ese asombroso descubrimiento.

Desprenderte de objetos que simbolizan recuerdos es una crisis que vivirás varias veces en tu vida

Es una costumbre muy humana atesorar objetos que nos recuerdan a momentos importantes de nuestra vida. Conceder una importancia relevante y emocional a lo material forma parte del ADN de la psicología del ser humano.

Porque es una llave para transportarnos a aquellos momentos en los que fuimos felices, tratando de que existan rastros que no se borren y que nos permitan mantener vivos y frescos esos momentos.

Sin embargo, hacer acopio de objetos y detalles que están anclados en recuerdos no siempre tiene una utilidad muy clara. Principalmente porque cuando se van cumpliendo años la cantidad de cosas que podríamos atesorar se va haciendo insostenible.

Existen detalles de todo tipo, desde un billete de tren que utilizamos cuando viajamos por última vez con alguien muy especial, hasta una prenda de ropa que nos pusimos en los días más felices de nuestra adolescencia.

Atesorar objetos que simbolizan recuerdos puede acabar siendo un tipo de acopio que realmente no implica beneficios, ni emocionales ni prácticos. Porque si lo ves con perspectiva, es muy difícil que encuentres un momento para repasar esos detalles y ensimismarte al recordarlos.

Pueden acabar siendo objetos sin utilidad, que no aporten nada y que, incluso, cuando los vayas a revisar descubras que están envejecidos por el paso del tiempo, que ya no mantienen su textura u olor original, y sentir de forma más aguda esta pérdida.

El único recuerdo necesario está en tu mente

Mantener los recuerdos vivos es un ejercicio que tiene más consecuencias mentales que físicas. Es decir, los recuerdos materiales nos atan a ser los custodios de que aquello que queremos conservar no se malogre, nos confiere una responsabilidad externa a nuestro propio recuerdo y nos sitúa en el brete de saber que en cualquier momento tal vez lo perdemos o debemos deshacernos de ellos.

Atesorar recuerdos físicos de los momentos importantes de nuestra vida nos confiere una responsabilidad que puede ser negativa, porque en el momento de deshacernos de ellos nos podemos sentir traidores de los que significaron.

Aprovecha las mudanzas y las limpiezas generales

Ese es el problema de “personalizar” objetos que simbolizan recuerdos, que establecemos con ellos una relación de reliquia, en la que se desdobla nuestra responsabilidad inicial, de ser fieles custodios del recuerdo, para convertirnos en deudores de un respeto al objeto físico.

Casi aplicando los principios de Marie Kondo a nuestra forma de acumular recuerdos, ten en cuenta hasta qué punto te es útil esta relación con objetos físicos y afronta que puede ser más valioso para tu vida depender únicamente del poso que dejaron esos acontecimientos y vivencias en tu vida, en tu recuerdo, que focalizando ese amor y respeto por los momentos en objetos que cogen polvo y ocupan espacio.

Aprovecha cada mudanza o los momentos en los que te tomas en serio una limpieza y reorganización general de tu casa, para sumergirte en esos recuerdos, disfrutarlos y rendirles tributo, y hacer una limpieza de todo aquello que realmente no necesitas para recordar, pero que puede servirte en esta ocasión para honrar unas emociones vividas que aun te importan.

Si en estos casos, ante una mudanza o una limpieza, dedicas algo más de tiempo y cuidado a este tipo de detalles, puede servirte para disfrutar de esa rememoración y, a la vez, para desprenderte de cosas que realmente no tienen más función que coger polvo.

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agosto 29, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Cariñosos arriba y debajo del escenario: 5 historias de los papás más tiernos y famosos …

De Izq. a Der: Harper y David Beckham, Bella y Mark Ruffalo y Crhis junto a Apple Martin

Infobae  —  “No puedo pensar en ninguna necesidad en la infancia tan fuerte como la necesidad de la protección de un padre”, dijo alguna vez Sigmund Freud. El padre del psicoanálisis no se equivocaba: qué imagen no simboliza más que la de la protección en un padre.

Ellos, los padres famosos, lo saben bien porque el ojo está tal vez más puesto que lo normal sobre sus hijos.

En una época donde las familias se reconfiguran, el rol del padre sigue pesando a la hora de criar y guiar a sus hijos. “Con un mundo cada vez más lleno de mezquindad, la familia puede ser una sanación”, dijo recientemente el actor Mark Rufallo.

Tanto él como George Clooney, David Beckham, Chris Martin, Brad Pitt, en otros, siguen de cerca el camino de sus hijos.

En palabras del doctor Ricardo A. Rubinstein, médico Psicoanalista, miembro titular en función didáctica APA-Full member Internacional, los padres famosos siguen siendo lisa y llanamente, padres.

“Una cuestión es la imagen pública del padre que sale a trabajar y otra es la cuestión privada del padre con el hijo. Yo creo que ahí no necesariamente se generan dificultades o conflictos.

Quizás sí vemos como toda la imagen que tienen los chicos que acceden a los medios, esto quizás se ejerza algún tipo de influencia, pero no me parece que demasiado en las cuestiones trascendentales de lo que es el ejercicio de la paternidad”, dice Rubinstein a Infobae.

Historias. De eso se trata esta nota: padres e hijos, arriba y abajo de los escenarios.

Brad Pitt, el súper papá

El actor Brad Pitt junto a Pax Thien Jolie-Pitt, Shiloh Nouvel Jolie-Pitt y Maddox Jolie-Pitt en un estreno en California 

Angelina Jolie y Brad Pitt tienen seis hijos en común, tres de ellos adoptivos y tres biológicos. Shiloh Jolie Pitt, la más grande de los tres niños que dio a luz la actriz, es la que más popularidad alcanzó a lo largo de los años.

La adolescente que tiene 16 años se convirtió en una verdadera estrella: hace algunos días atrás, se convirtió en tendencia en redes sociales tras filtrarse un video que deja en evidencia todo su talento para el baile urbano.

Desde que era tan solo una niña, Shiloh Jolie-Pitt contó con el apoyo de Angelina y Pitt y la total libertad de elegir quién quería ser y cómo. Tal es así que en su momento se hizo popular porque acostumbraba a vestir como varón.

Hace algún tiempo atrás, Brad Pitt se refirió a su rol de padre en general, no solo sobre su vínculo con Shiloh Jolie-Pitt y dijo: “Los niños son tan delicados, absorben todo. Necesitan que los sujeten de la mano y que les expliquen las cosas. Necesitan ser escuchados. Cuando entro en ese modo de trabajo ocupado, no escucho. Quiero ser mejor que eso”.

Shiloh Jolie-Pitt en el estreno británico de «The Eternals»

El resto de los hijos de Brad son: Maddox, Vivienne Marcheline, Knox Leon, Zahara Jolie-Pitt y Pax Thien. Pitt sigue de cerca el crecimiento de cada uno de ellos. Pese a sus diferencias como pareja, Angelina Jolie y Brad Pitt han intentado educar a sus hijos con ciertos valores que hacen que ellos, en la actualidad, se sientan entusiasmados por diferentes causas solidarias.

Zahara, por ejemplo, destina las ganancias que obtiene de su emprendimiento (diseña y vende bijouterie) a varios refugios que ayudan a las mujeres víctimas de violencia de género .

Por otro lado, se ha visto a Shiloh y a los mellizos Knox y Vivienne junto a su mamá, en un parque canino de Los Ángeles, colaborando con un refugio. Con fines de recaudar dinero, los chicos se dedicaron a vender al público alimento orgánico para perros. No fue la primera vez que realizaron este tipo de acciones ya que, anteriormente, también vendieron otros artículos para recaudar fondos para la organización benéfica Hope for Paws.

Chris Martin, el más tierno

Chris junto a su hija, Apple

Chris Martin y Gwyneth Paltrow estuvieron casados entre 2003 y 2016. Luego anunciaron que tendrían una separación consciente, por lo que a pesar de no estar juntos, se mantienen como buenos amigos y unidos con sus hijos: Apple de 18 años y Moses Martin, de 16.

Hace unos días se lo pudo ver a Martin junto a su hija Apple en su graduación. Fue una foto que se viralizó en todas las redes, mostrando la mencionada “comunión” que existe entre ambos. Junto a Paltrow, el vocalista de Coldplay celebró el logro académico de su hija.

“Chris es un gran padre”, se le ha escuchado decir muchas veces a la actriz. “Desde que decidimos terminar nuestro matrimonio, él se la ha arreglado para estar siempre junto a sus hijos”, agregó.

Hace unos días se lo pudo ver a Martin junto a su hija Apple en su graduación. Junto a Paltrow, el vocalista de Coldplay celebró el logro académico de su hija

“Amo a estos papás”, “wow ellos son muy maduros”, “me encantan Gwyneth y Chris, son los más maduros”, “se ven tan felices y orgullosos de su hija”, y “amo a estos dos”, fueron algunas de las reacciones en redes.

Moses y Apple compartieron un momento especial y musical en 2016, cuando subieron a cantar una canción en el Festival de Glastonbury. La música es sin dudas un hilo conductor en la relación que Martin tiene con sus hijos. El nombre de Moses, provino de una canción que el propio Martin le compuso a Gwyneth.

Además, los dos hijos de Chris y Gwyneth tienen créditos en el disco Music of the Spheres. A Apple se le atribuye la composición del tema Let Somebody Go, con Selena Gomez; mientras que a Moses se adjudica la interpretación de la canción Humankind, en la que se lo puede escuchar cantando con su padre.

Sus nombres aparecen en los créditos escritos a mano en el álbum, junto a corazones garabateados. En 2019, los niños también aparecieron en el escenario con el líder de Coldplay e interpretaron la canción Orphans. Apple y Moses participan activamente en la carrera de su padre. Chris, de hecho, dijo que si los chicos están presentes mientras él actúa, “le gusta llevarlos al escenario”.

La familia, la ley primera de Mark Ruffalo

“Feliz #DíaDelPadre a todas mis figuras paternas alrededor del mundo. Agradecido”, escribió el año pasado en su cuenta de Instagram, donde posó con sus tres hijos 

Mark Ruffalo es sin dudas unos de los actores que más sensaciones desprende en mujeres y hombres. Ta vez, su estilo despojado lo hace ser un especie de famoso más terrenal. El actor tuvo tres hijos: Keen, Bella y Odette Ruffalo. Ambos son del fruto del matrimonio con Sunrise Coigney

Cuando creció y tuvo su propia familia, Mark se mudó a la ciudad de Nueva York para que sus hijos pudieran ir a una escuela con un buen programa para estudiantes disléxicos, porque no quería que sus hijos pasaran por las mismas luchas que él experimentó él de joven (sufrió trastorno por déficit de atención e hiperactividad (TDAH) y dislexia)

Sin dudas uno de los momentos recientes y más emotivos que el actor vivió fue el año pasado, en plena pandemia, cuando aceptó on line su trofeo al Mejor Actor en Miniserie o Película para TV en los Globos de Oro 2021. Mientras daba un discurso apasionado sobre el ambientalismo, fueron sus hijos los que se robaron el show.

Mark Ruffalo y su hija asisten al juego Milwaukee Bucks vs New York Knicks en el Madison Square Garden

Mientras la estrella daba su discurso, Keen rodeó con el brazo a su hermana y sonrieron durante el gran momento de su padre. Mark habló sobre ellos en cámara, diciendo que quería agradecer a su familia, “que me deja ir y traer a estos locos a casa y tienen que vivir con todos estos años. Gracias, chicos”.

“Feliz #DíaDelPadre a todas mis figuras paternas alrededor del mundo. Agradecido”, escribió el año pasado en su cuenta de Instagram, donde posó con sus tres hijos.

Ruffalo es muy familiero. En otra instantánea de las redes, posteó una foto junto a dos de sus hijos y la leyenda: “Con un mundo cada vez más lleno de mezquindad, la familia puede ser una sanación”.

David Beckham y una debilidad llamada Harper

El ex jugador es padre de cuatro hijos: Brooklyn, Harper, Romeo, y Cruz Beckham 

El ex jugador es padre de cuatro hijos: Brooklyn, Harper, Romeo, y Cruz Beckham. Todos ellos, son el fruto de su relación con Victoria, su esposa.

Sin dudas, su única hija mujer es su debilidad. Hace muy poco, padre e hija viajaron a Venecia para el 180 aniversario de Riva, un evento dedicado a celebrar la historia de la construcción de barcos al nivel del arte. Para esta gala, su hija de 10 años impactó con un vestido strapless rosa y morado Zimmermann que la hizo lucir como una mini princesa.

A casi 10 años de su retiro, Beckham es una celebridad en los Estados Unidos. Allí vive junto a su esposa y junto a sus hijos. En abril de este año, la familia Beckham fue protagonista de la boda del año: su hijo mayor Brooklyn se casó con Nicola Peltz, actriz y modelo estadounidense, además de hija del multimillonario Nelson Peltz.

David, con su hija Harper 

Según reportes, el casamiento tuvo un costo de más de 3 millones de euros. Y entre los regalos que recibieron los novios, hubo uno que sobresalió sobre el resto. David junto a su esposa le obsequiaron a los novios un Jaguar XK140 eléctrico, una pieza del año 1954 que está valuada en unos 500 mil dólares.

Pocas horas después de la celebración, una cuenta que retrata el día a día de los que sucede en Palm Beach fotografió a Brooklyn Beckham paseando en el automóvil por el barrio en el que se encuentra la casona donde se realizó la boda.

En Brooklyn ha predominado la profesión de su madre, estando más enfocado en el mundo del espectáculo, pero sobre todo, el de la moda. En 2014 comenzó como modelo y apareció en portadas de varias editorias de Vogue y The New York Times, habiendo sido fotografiado por Bruce Weber, Terry Richardson, Daniel Jackson y Alasdair McLellanm, entre otros.

David Beckham en el casamiento de su hijo, Brooklyn

Beckham comparte la pasión del fútbol con Romeo, quien es futbolista profesional y juega como delantero en el club Fort Lauderdale CF de la USL League One.

Se unió a la filial de reserva del club de su padre, Inter de Miami, en 2021, aunque realmente su carrera como deportista empezó en 2014 en la reserva del Arsenal. Además del fútbol, su otra gran pasión es el tenis y estuvo a punto de dedicarse a ello también.

George Clooney el padre que no quería ser padre

Amal y George Clooney se casaron en septiembre de 2014 en Venecia. En 2017 vinieron al mundo sus dos hijos, Alexander y Ella. Así, el actor se deshace en halagos hacia su mujer y sus dos hijos. Ellos se han convertido en el pilar fundamental de su vida y, por eso, ha decidido bajar su ritmo de trabajo.

Ahora, pasa mucho tiempo con sus dos pequeños, y toda la familia vive entre Italia e Inglaterra. Además, Amal tiene una intensa vida laboral, por lo que ambos intentan estar siempre presentes en los momentos más especiales de la vida de sus pequeños.

“Yo no quería casarme ni tener hijos”, había asegurado el actor hace unos años, durante una entrevista en el podcast WTF with Marc Maron. Pero todo cambió cuando Amal entró en su vida y el intérprete, que se había divorciado de Talia Balsam veinte años antes, vio como todo su mundo se daba la vuelta.

En otra entrevista con CBS, Clooney admitió que su nueva vida como padre significó un nivel de trabajo durante la pandemia que nunca había imaginado que viviría. “Hacía tiempo que no ponía 15 lavadoras en un día o que pasaba la mopa por el suelo, y estas puertas las barnicé”, explicó.

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agosto 29, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Del número al infinito …

agosto 29, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

¿Es la herramienta de IA DALL-E 2 una amenaza para los artistas?…

Muy Interesante(S.Romero)  —  ¿La has probado? DALL·E 2 es el modelo de inteligencia artificial más nuevo de OpenAI. Si has visto algunas de sus creaciones y crees que son increíbles, tienes toda la razón.

OpenAI publicó una entrada en su blog oficial y un documento titulado «Generación de imágenes condicionales de texto jerárquico con latentes CLIP» en DALL·E 2. El documento es excelente para comprender los detalles técnicos pero ninguno explica lo asombroso de DALL·E 2, y lo no tan asombroso, en profundidad.

A pesar de su tamaño, DALL·E 2 genera imágenes con una resolución cuatro veces mejor que DALL·E y es el preferido por los jueces humanos en un 70 % de las veces, tanto en coincidencia de subtítulos como en fotorrealismo.

DALL-E 2 puede incluso modificar imágenes existentes, crear variaciones de imágenes que mantengan sus características sobresalientes e interpolar entre dos imágenes de entrada. Los impresionantes resultados de DALL-E 2 hacen que muchos se pregunten exactamente cómo funciona bajo el capó un modelo tan potente.

¿Cómo genera imágenes?

Si bien DALL-E 2 puede realizar una variedad de tareas, incluida la manipulación e interpolación de imágenes como se mencionó anteriormente, en este artículo nos centraremos en la tarea de generación de imágenes y su eco en el mundo real.

La representación mental codifica las principales características que son semánticamente significativas: personas, animales, objetos, estilo, colores, fondo, etc. para que DALL·E 2 pueda generar una imagen novedosa que retenga estas características mientras varía las características no esenciales.

DALL-E 2 representa un cambio radical en la tecnología de generación de imágenes de IA. Comprende las indicaciones del lenguaje natural mucho mejor que cualquier otro anterior, lo que permite un nivel de control sin precedentes sobre temas, estilos, técnicas, ángulos, fondos, ubicaciones, acciones, atributos y conceptos, y genera imágenes de una calidad extraordinaria.

Con alta calidad, genera docenas de opciones en segundos, cada una con un nivel de calidad que le llevaría horas producir a un fotógrafo, pintor, artista digital o ilustrador humano. Es una especie de sueño de director de arte.

OpenAI dice explícitamente que los usuarios «obtienen todos los derechos para comercializar las imágenes que crean con DALL-E, incluido el derecho a reimprimir, vender y comercializar». Pero todavía existen algunas áreas grises legales que aún no se han explorado completamente.

¿Cuánto tiempo pasará antes de que veamos un cortometraje completo, escrito, dirigido, con banda sonora y hecho completamente por sistemas de IA? ¿Cómo será entonces el futuro para los artistas?

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agosto 29, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Gun-fu: el combate que ha dominado la ficción contemporánea…

Life and Style((L.M.Cruz)  —  La industria de Hollywood siempre ha recurrido a distintos estilos de pelea para potenciar sus películas de aventuras y acción.

El ejemplo más destacado fue durante los 60 y 70, cuando el kung-fu dejó de ser propiedad de Hong Kong para convertirse en patrimonio mundial, en buena parte por el factor Bruce Lee, cuyo talento con los puños le convirtió en un arma viviente.

Pero los tiempos han cambiado y el arte marcial ha quedado atrás, sólo que no tanto como algunos pensarían, ya que el siglo XXI ha sido dominado por un heredero directo como es el gun-fu.

El nombre lo dice todo: una técnica de combate que combina pistolas (guns en inglés) con kung-fu. Parece sencillo, pero su historia de origen es relativamente larga y compleja. Y al igual que su técnica madre, puede atribuirse casi completamente a un solo hombre: el director John Woo.

Antes de que el cineasta hongkonés entrara en escena, las películas que implican tiroteos eran más bien estáticas: en una escena mostraban al tirador apuntando y disparando, y en otra a la víctima cayendo al piso.

Todo cambió con la película A Better Tomorrow (1986) y concretamente con una secuencia en que un personaje saca su espada cual espada desenvainada en una escena y en otra dispara al tiempo que el agredido vuela por los aires liberando en el camino una buena cantidad de sangre.

Esto último en un mismo cuadro, lo que dio un dinamismo sin precedente al uso de armas de fuego en el cine, convirtió los disparos en explosiones, los impactos de las balas en poderosísimos golpes y añadió una buena dosis de dolor con el derramamiento del líquido vital carmesí.

Esto no es gun-fu, sino una evolución a tiroteos más estilizados que se convertirían vitales para el paso decisivo.

Este llegó en Hard-Boiled (1992), cinta en la que el cineasta incorporó elementos del waixa. Esto es un estilo narrativo de orígenes ancestrales que suele implicar espadachines en todo tipo de misiones, con armas elegantes que se mueven como si fueran parte de sus propios cuerpos y con habilidades que implican el rompimiento de las barreras físicas.

El ejemplo más reciente sería El tigre y el dragón (2000). Es, además, un estilo que exalta la belleza al interior de la violencia, que en esta película en particular se logra con el héroe defendiendo a un bebé durante un tiroteo y cuyo pequeño rostro termina cubierto de sangre ante la matanza que le rodea.

El gun-fu a la conquista del mundo

Los filmes mencionados anteriormente son clásicos en toda la extensión de la palabra, pero pocos se atreverían a afirmar que su popularidad es de carácter global.

Por esto mismo, suele decirse que el gun-fu se presentó ante el mundo entero con Matrix (1999) que, dotada de artes marciales y armas de fuego, el rompimiento de las leyes físicas desde las bases de la simulación tecnológica, algunos de los cuadros más icónicos del cine moderno, y mucha, muchísima sangre, exhibió todas las propiedades del subgénero.

Si no se le asocia tanto es porque su naturaleza sci-fi no encaja con el tinte urbano que caracteriza al grueso de estas obras.

Algo que puede apreciarse de mejor manera en títulos como Equilibrium (2002), Wanted (2008), Kick-Ass (2010), Kingsman (2014) y Atómica (2017), por nombrar algunas.

Pero si hay una película que se ha convertido en el referente por excelencia es John Wick, con el personaje titular interpretado por Keanu Reeves en una eterna búsqueda de venganza al interior de un inframundo de asesinos.

Sus armas son más que eso, son una parte de su cuerpo que dejó por amor y que sólo retomó cuando la hostilidad que rodea su propia existencia le obligó a hacerlo.

No hay redención ni descanso, pues estos sólo pueden alcanzarse con la victoria o la muerte.

La tradición continúa con Tren bala, que protagonizada por Brad Pitt en el papel del asesino con nombre clave Ladybug, evoluciona la técnica al trasladar los combates al interior de un tren en movimiento.

Espacios angostos que obligaron a los actores a inspirarse en el estilo de combate de Jackie Chan con golpes cortos pero rápidos y poderosos con el fin de provocar el mayor daño al adversario en medio de las limitaciones espaciales.

A esto se suma John Wick: Chapter 4 con el asesino titular continuando su sangrienta cacería en la que presuntamente será su penúltima entrega.

La buena noticia es que la franquicia continuará con Ballerina, con Ana de Armas como la letal bailarina de ballet introducida en Parabellum (2019), la cual ha sido entrenada para convertir la danza en la más mortífera de las artes.

La pasión por el gun-fu

Hay otras razones clave por las que el gun-fu suele despertar tanta pasión entre las audiencias. La primera y más sencilla de comprender es la popularidad del cine de acción que permite vivir todo tipo de aventuras improbables desde la comodidad de la pantalla.

En este caso, además, las emociones se ven favorecidas por el gran dinamismo del subgénero que añade movimiento, velocidad y por consiguiente una alta dosis de adrenalina.

Más complejo es su uso recurrente de tropos comprobados que suelen generar sensaciones muy específicas en el público.

El más recurrente es el one-man army que implica un héroe solitario saliendo avante en un combate contra incontables enemigos y que nos pone a soñar con la posibilidad de que nosotros mismos seamos ese alguien que se enfrenta a un mundo de adversidades con el fin de lograr un mundo mejor.

No es el único, ya que también hay títulos que se han valido de the badass and the child en el que una persona de naturaleza brutal protege la inocencia a costa de su propia vida.

La ya mencionada Hard-Boiled dio algunos indicios de ello con el ya referido bebé; John Wick lo distorsionó cuando el antihéroe fracasa en proteger a su perro de la muerte.

Finalmente, su belleza estética. El ser humano ha demostrado ser una especie violenta, pero no por esto disfruta las imágenes de sangre, muerte y destrucción que ésta implica.

El gun-fu revoluciona la premisa cuando engalana el ataque y la muerte con posiciones refinadas, retira la vieja vulgaridad de la pistola para convertirla en un arma elegante, y dota a la sangre de una cualidad artística, como si del vivo de un cuadro se tratara.

Ha contribuido así a que un género demeritado por años como la acción se convierta en algo tan distinguido como popular.

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agosto 28, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Se nos rompió el amor: la ciencia de las rupturas…

agosto 27, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

¡Cerveza al por mayor! Qué es el Oktoberfest y cómo nació la mayor feria de Alemania…

Milenio(D.Rodríguez)  —  Es una tarde de septiembre en Múnich. Miles de personas acuden al Theresienwiese para que una camarera les sirva grandes tarros de cerveza mientras la música suena en el fondo y se realizan bailables con disfraces.

Una de las fiestas más tradicionales de Alemania que ha trascendido fronteras y ahora no sólo se celebra en la ciudad bávara, sino en diversas partes del mundo: el Oktoberfest.

Cada año, las imágenes de la «fiesta de otoño» recorren el mundo, noticieros y periódicos llevan la nota donde abren el primer barril y los asistentes toman litros de cerveza en grandes tarros.

Aunque la pandemia de covid-19 ha limitado durante dos años los festejos, este 2022 planea regresar tras dos años de pausa. ¿Qué se hace en el Oktoberfest? ¿Cómo nació esta festividad «de Alemania para el mundo»? ¿Qué tipos de cervezas se consumen? ¿Cómo se ha expandido más allá de Múnich?

¿En qué consiste el Oktoberfest?

Realmente es un festival folclórico (Volksfest), una feria de pueblo, pero es uno de los más grandes del mundo. Además de cerveza hay más de 80 atracciones —como una rueda de la fortuna, un carrusel, una casita del horror, montañas rusas, entre otros— y conciertos.

El Oktoberfest 2022 iniciará a partir del 17 de septiembre y durará 17 días, hasta el 3 de octubre, esto pese a las amenazas de la pandemia de covid-19. En las carpas es donde se la gente acude a beber cerveza. Los visitantes pueden elegir entre 14 mamparas festivas grandes y 15 más pequeñas.

Debido a la saturación de las mismas, la alcaldía de Munich ha instalado en los últimos años un barómetro en su portal web para revisar la tasa de ocupación.

Tiene un horario de 10:00 hasta las 23:30 horas, pero en fines de semana abre más temprano, a las 9:00 horas, y el festival es totalmente gratuito, a excepción del Oidn Wiesn —el «antiguo recinto ferial», que corresponde a una especie de «ciudad vieja» del Oktoberfest— cuya entrada es sólo de 3 euros (3 dólares).

De los más de 120 locales de comidas y bebidas que hay en el festival, 27 carpas ofrecen un total de alrededor de 120 mil asientos; tres de estas carpas, que son las principales, están ubicadas en Oidn Wiesn («Tradition», «Herz-Kasperl Festzelt» y «Zur Beauty Queen») con un total de alrededor de 12 mil 500 asientos.

El festival ha atraído a millones de visitantes cada año durante las últimas décadas. Cada vez llegan más invitados del extranjero, principalmente de Italia, Estados Unidos, Japón y Australia.

Durante varios años ha habido una tendencia hacia los trajes tradicionales: muchos visitantes del Oktoberfest vienen en pantalones de cuero o dirndls (vestidos femeninos bávaros).

Durante el Oktoberfest, algunos lugareños usan sombreros bávaros (Tirolerhüte), que contienen un mechón de pelo de gamuza, que es muy valorado y apreciado, pero ha disminuido esa tradición por reemplazos más baratos. Se consideraban un símbolo de riqueza.

Pero esta fiesta tiene una inauguración formal. En el día de la apertura, alrededor de las 10:45 horas más de mil participantes realizan el desfile festivo de los propietarios de cerveceras (Wiesn) y cervecerías en el Theresienwiese, la explanada donde se realiza el Oktoberfest, ubicada en el centro-oeste de la ciudad.

Los cerveceros y sus familiares realizan un desfile con carruajes adornados, tirados por caballos de tiro, esto conducido por el ícono de la ciudad, el «Niño de Munich» (Münchner Kindl) —que es el escudo de armas de la urbe, figura nacida desde el siglo XII, originalmente un monje masculino, pero después se fue infantilizando y feminizando a lo largo de los años—.

Recorre desde el centro de la ciudad hasta el Theresienwiese. Como dice la tradición, a las 12:00 horas del primer sábado del Oktoberfest, el alcalde de Munich golpetea el primer barril de cerveza y la abre con el grito “O’zapft is!” («¡Ya está abierto!»), dando el inicio formal del festival, que se realiza en la carpa Schottenhamel.

Como «buena suerte» del festival, el alcalde debe abrir el barril de cerveza con el menos número de golpes posibles, para llenar el tarro y dárselo tradicionalmente al primer ministro de Baviera, región donde se localiza Munich.

Después de la ceremonia, se realizan doce disparos frente a la estatua de Bavaria —dentro de la explanada del Oktoberfest— para señalar a las otras carpas del festival que ya pueden vender cerveza.

Aunque la feria abre a partir de las 9:00 de la mañana, en ese primer día, la venta de cerveza se realiza después de la ceremonia. Al día siguiente se realiza un segundo desfile de trajes tradicionales, donde participan clubes de caza, grupos de disfraces históricos, bandas y abanderados que caminan por el centro de la ciudad de Múnich hasta Theresienwiese.

Para el primer jueves del Oktoberfest se realiza una misa para los trabajadores del festival (artistas, vendedores, cerveceros, y a quienes hayan fallecidos) a la que también pueden acudir los visitantes para pedir bendiciones a Dios.

Hay tanto un sacerdote protestante como uno católico y se pueden ofrecer ese días bautismos, primeras comuniones y confirmaciones.

En el segundo domingo del festival se realiza el gran concierto público de los cerveceros, que tiene lugar tradicionalmente al pie de la estatua de Bavaria, que comienza alrededor de las 11:00 horas.

Ahí el alcalde y varias celebridades suben a podio y agitan la vara del director de orquesta, vestidos con el traje tradicional, donde deben mantener el ritmo musical sin desafinar o sin fallar en la coordinación.

Centenares de músicos (y bailarines) tocan las marchas y canciones bávaras más famosas y populares. Al final, miles de globos de colores se lanzan al cielo frente a la estatua de Bavaria, mientras el público canta el himno de la región a todo pulmón.

En el final del Oktoberfest, que siempre cae en el último domingo, termina con un fuerte saludo de armas. La ciudad hace que el festival termine con una «verdadera tradición bávara» de 60 tiradores masculinos y femeninos disparan un saludo de armas desde el pie de la estatua de Bavaria a las 12:00 horas.

Cada disparo no solo produce un fuerte estallido, sino que también emite humo blanco, eso se debe a que, en lugar de balas, se dispara pólvora negra. El espectáculo es acompañado musicalmente por una fanfarria.

No cualquier cerveza está en el Oktoberfest

De acuerdo con las normas de funcionamiento del festival, en el Oktoberfest solo se puede servir cerveza de las cervecerías tradicionales de la ciudad.

Las cervezas deben cumplir con dos principales requisitos establecidos: el Reinheitsgebot —la ley de pureza de la cerveza— y que hayan sido elaboradas plenamente dentro de los límites de Múnich.

El Reinheitsgebot es una ordenanza que data del año 1516 — ya que durante el final de la Edad Media se solía falsificar la bebida con ingredientes baratos y de baja calidad— en la que se exige que los únicos ingredientes sean agua, cebada y lúpulo, también se utilizaba la levadura, aunque no estuviera plenamente registrada en la legislación.

Esto hizo en su momento que se limitaran las las ganancias de los posaderos —que fabricaban las cervezas— y convirtió la confiscación en la pena por hacer cerveza impura. La ley de pureza se ha extendido a gran parte de Alemania como una «regulación base» de su fabricación, incluso están garantizadas como un producto «vegano».

La segunda legislación plenamente exige que las cerveceras produzcan sus bebidas dentro de los límites de la ciudad de Múnich, una «denominación de origen» para proteger tanto el marketing como a los fabricantes, que también han provocado protestas de otros cerveceros que no cumplen con estas características.

La birra debe tener una gravedad original —es decir, la cantidad total de sólidos disueltos en agua antes de su fermentación— y contener aproximadamente entre 5.8 y 6.4 por ciento de alcohol por volumen.

Además, los tarros deben ser de vidrio, con tal de evitar las falsificaciones.

Hay dos estilos de cervezas distintos: la Märzen lager —de estilo dorada con un cuerpo medio a completo y puede variar en color desde pálido hasta ámbar hasta marrón oscuro— y la Festbier —más pálida y que es la más comúnmente en el propio Oktoberfest— y sólo seis cerveceras pueden producirlas: Augustiner-Bräu, Hacker-Pschorr-Bräu, Löwenbräu, Paulaner, Spatenbräu y Staatliches Hofbräu-München.

El precio de la cerveza es un debate entre los asistentes del festival.

Debido a la inflación que se registra a nivel mundial, el tarro de cerveza costará este año en promedio unos 13 euros (13.30 dólares), precio que se mantiene durante el festival.

Los meseros profesionales suelen servir la jarra en menos de dos segundos, así como cargar el mayor número que sea posible, hasta seis tarros por mano.

Por el consumo masivo de cerveza, muchas personas suelen estar en estado de ebriedad, por ello a partir de las 18:00 horas se empieza a dejar de tocar música tradicional y se baja a 85 decibeles la música en general.

Sin embargo, algunos de los residentes de Munich, la prensa y otros invitados describen el festival como una borrachera masiva molesta, que no tiene nada que ver con un festival folclórico.

¿Cómo nació el Oktoberfest?

El rey Ludwig I (cuyo reinado fue de 1825 a 1848), se casó con la princesa Teresa de Sajonia-Hildburghausen el 12 de octubre de 1810. Se invitó a los ciudadanos de Múnich a asistir a las festividades celebradas en los campos frente al puertas de la ciudad para celebrar el evento real.

Esos campos se llamaron Theresienwiese («La Pradera de Teresa») en honor a la princesa heredera y han mantenido ese nombre desde entonces, aunque los lugareños han abreviado el nombre simplemente como Wiesn.

El recinto ferial, que estaba fuera de la ciudad en ese momento, fue elegido por su idoneidad natural. Se desarrolló ahí una carrera de caballos en homenaje a una pareja real.

Para el año siguiente se comenzó a hacer un festival en la zona, primero para promover la agricultura de la región de Baviera, y desde 1814, la fiesta se empezó a hacer de forma recurrente, creciendo año tras año.

En 1818 aparecieron las casetas de carnaval, varios puestos atrajeron en particular a los habitantes más pobres de la ciudad, ya que había porcelana, plata y joyas para ganar.

Pero en 1819, los padres de la ciudad de Múnich se hicieron cargo de la gestión del festival, que dieron el origen oficial del Oktoberfest.

A lo largo del Siglo XIX, se fueron añadiendo otros elementos al evento y el Oktoberfest se convirtió cada vez más en el festival folclórico conocido en todo el mundo en la actualidad. Se amplió en el tiempo y se adelantó a los últimos días de septiembre, que suelen ser agradables y cálidos a causa del verano.

Desde entonces, solo el último fin de semana del Oktoberfest cae en octubre.

 partir de 1880, la administración de la ciudad aprobó la venta de cerveza. La cerveza se servía en pequeños reservados que se fueron expandiendo con el tiempo, eso cambiaría por completo el concepto del Oktoberfest a como lo conocemos ahora.

Se fueron añadiendo los desfiles, innovaciones tecnológicas y la colocación de las grandes carpas.

Fue en 1950 cuando se sumó el “O’zapft is!” como parte de una tradición política para la apertura del Oktoberfest. Desde ahí, los cambios fueron más paulatinos, y no sólo eso, el «gran festival de cerveza», no sólo de Alemania, sino también más allá de sus fronteras.

Gracias a la diáspora alemana, y también para los fanáticos de la cerveza, se expandió en América, principalmente en países como Estados Unidos, Chile, Argentina, Brasil y México, con el objetivo de que se celebrase parecidamente al que se realiza en Munich.

El festival ha sido cancelado en 26 ocasiones en sus casi 200 años de historia, desde las guerras napoleónicas, las guerras mundiales, la inflación, el cólera, y por último, del covid-19, que lo hizo suspender durante dos años seguidos.

El atentado contra el Oktoberfes.

El 26 de septiembre de 1980 se detonó una bomba casera en un cubo de basura cerca de los baños en la entrada principal al cierre del festival, a las 22:19. La bomba consistía en un extintor de incendios vacío lleno con 1,39 kilogramos de TNT y proyectiles de mortero.

Trece personas murieron y más de 225 resultaron heridas, 68 de gravedad. La bomba había sido colocada por Gundolf Köhler, de 21 años y miembro de organizaciones neonazis, quien murió en el acto al no conseguir alejarse a tiempo de la bomba.

Aunque se atribuye a Köhler la autoría en solitario del acto, ha habido quien lo ha relacionado con la Operación Gladio, un plan de la OTAN y la CIA con resistencias armadas en caso de una invasión a Europa.

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agosto 27, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Científico estudia las misteriosas conexiones entre las personas mediante el entrelazamiento cuántico …

The Epoch Times(T.Masisaac/M.Wing)  —  Los científicos suelen dejar de lado la conciencia humana para estudiar temas de investigación más “relevantes”.

Pero, ¿está justificado este rechazo? ¿O la ciencia está pasando por alto un componente clave del universo, que está intrínsecamente ligado a todo lo demás? Una universidad californiana “fuera de los caminos trillados” se propone investigar lo que muchos científicos evitan.

“Tradicionalmente, lo que [el psicólogo] William James llamaba ‘científicos de mentalidad dura’ o ‘empiristas empedernidos’ trataban la conciencia como algo trivial, inexistente o, en el mejor de los casos, lo que técnicamente se denomina un epifenómeno: algo que el cerebro produce de algún modo pero que no significa nada”, afirma el Dr. Allan Leslie Combs, que está desarrollando un programa de doctorado en estudios de la conciencia en el Instituto de Estudios Integrales de California (CIIS).

El impacto que la observación consciente tiene sobre los objetos físicos —como se ha visto en los experimentos de física cuántica— ha suscitado un creciente interés por el estudio de la conciencia humana.

“Si la conciencia forma parte del tejido básico del universo a nivel cuántico, entonces es importante en todas partes y en todo”, dijo Combs, añadiendo entre risas: “Los físicos se lo toman muy en serio, no son cosas de locos”.

Sus cursos sobre la conciencia hacen que los estudiantes obtengan créditos académicos reconocidos a nivel nacional. Aunque el CIIS surgió a partir de un grupo informal de vino y discusión en la década de 1950 —un foro tradicionalmente adecuado para hablar de asuntos espirituales o filosóficos— desde entonces ha obtenido una acreditación completa y durante más de dos décadas ha constituido una sólida institución académica, aunque poco convencional.

De pie en el campus del CIIS en San Francisco, señalando a través de la bahía hacia la Universidad de California-Berkeley, Combs declara con orgullo: “Tenemos la misma acreditación que ellos”.

Afirma que está surgiendo una nueva visión del mundo.

El Instituto de Estudios Integrales de California (CIIS) en South of Market, en San Francisco. Fuente: The Epoch Times en español

Cita al difunto historiador de la cultura y ecoteólogo Thomas Berry, que consideraba el universo como una comunidad de seres y no como una colección de objetos. Combs hace hincapié en la palabra “comunidad”. Parte de la nueva visión del mundo es una mayor conciencia de interconexión.

El fenómeno del entrelazamiento cuántico revela que las partículas, una vez en estrecho contacto, muestran signos de conexión incluso después de estar separadas por grandes distancias, lo que parece romper las reglas de la mecánica clásica, donde la velocidad de la luz se considera la forma más rápida posible para que dos partículas se comuniquen.

Esta conexión instantánea en el entrelazamiento echa por tierra todo el modelo clásico y ha confundido a los científicos, incluido Einstein.

“En el momento del big bang, todo estaba conectado”, afirma Combs. Entonces, ¿podrían todas las cosas del universo seguir conectadas de algún modo a través del entrelazamiento cuántico? Por supuesto.

Pero parece que no todas las partículas del universo cambian de forma correspondiente a todas y cada una de las otras partículas. ¿Podría haber una conexión que no nos resulte evidente? ¿Una que exista pero que trascienda la percepción ordinaria?

Abordar cuestiones tan trascendentales como ésta ha sido siempre el ámbito de la filosofía y la religión, hasta hace poco.

Dr. Allan Leslie Combs, presidente y fundador de la Sociedad de Estudios de la Conciencia, y profesor del Instituto de Estudios Integrales de California (CIIS).

Aunque el entrelazamiento cuántico se ha convertido en la corriente principal hoy en día, las universidades populares todavía no enseñan estudios sobre la conciencia, aunque Combs confía en que finalmente lo harán. El CIIS podría ser el modelo de las universidades del futuro, tendiendo un puente entre la ciencia y el misticismo.

¿Podrían el entrelazamiento y la conciencia, tomados conjuntamente, explicar la interconexión exhibida por el poder de la oración, u otras extrañas conexiones entre personas, como gemelos o parientes cercanos, que están muy alejados? ¿Podrían explicarse los fenómenos conscientes de deja vu, o las afirmaciones aún más extraordinarias de visión remota, en el mundo de la física cuántica? ¿Podría la existencia de otras dimensiones explicar a Dios o la vida después de la muerte? Al unir estas ideas, la ciencia y el alma, el CIIS podría abrir las puertas a nuevos descubrimientos.

Combs surgió como profesor de conciencia al aterrizar donde el empirismo se encuentra con el misticismo. Al identificarse con la filosofía china del daoísmo y la práctica de la meditación, se le dio rienda suelta para buscar nuevas vías en el estudio de la conciencia en el CIIS. No todos tienen esa libertad. Sabe de profesores de otras universidades que han sido despedidos por desviarse, aunque sea mínimamente, de sus investigaciones.

Dentro del campus del CIIS, las paredes están adornadas con mandalas y fotografías de líderes espirituales. Las ideas “alternativas” son escuchadas con seriedad aquí, una entrada para entrar en la corriente principal. Predomina la tolerancia de ideas. Pero en el ámbito de la ciencia académica, mantener la tolerancia tiene sus retos.

“A veces es un poco arriesgado”, dijo Combs. “Uno de los problemas que tenemos, [junto con] otras escuelas alternativas… es que en algunas áreas, como la psicología clínica, para estar plenamente acreditado, tienes que seguir las normas de la APA [Asociación Americana de Psicología]. Eso significa no hablar de espiritualidad, por ejemplo. [Significa] ceñirse a un enfoque empírico realmente básico”.

Y añadió: “Esto es un problema para las escuelas alternativas, porque nosotros tenemos una orientación más espiritual y más humanista”.

El doctor es presidente y fundador de la Sociedad de Estudios de la Conciencia, que ahora cuenta con casi 200 miembros expertos, entre ellos el famoso médico y defensor de la salud holística Deepak Chopra.

Combs compara la aparición de los estudios sobre la conciencia con el incremento de una sinfonía. Él no es más que uno de los muchos “músicos” que contribuyen en concierto a su auge. Fuente: The Epoch Times en español

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agosto 27, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Wall Street compara a TikTok con la cocaína crack y dicen que el auge del vídeo de formato corto puede «arruinar» internet…

Business Insider(K.Hays)  — TikTok ha resultado ser tan popular y adictiva que los principales analistas de Wall Street solo han podido hacer una comparación convincente esta semana: la cocaína crack.

Con más de 1.000 millones de usuarios mensuales en unos 5 años, la aplicación de vídeos cortos ha sustituido «la fricción de decidir qué ver y las ‘aburridas’ imágenes de actualización de estado» por una «descarga sensorial de vídeos del tamaño de un bocado impulsada por un algoritmo de caja negra de propiedad china», recogen los analistas de Bernstein Research.

«El algoritmo empuja el contenido más viral directamente al usuario, proporcionando un golpe de endorfina tras otro con cada golpe», continúan los analistas.

«Los efectos de la cocaína tardan en producirse, mientras que el efecto del crack es instantáneo, pero desaparece rápidamente y lleva al usuario a buscar otro ‘golpe’. El crack es increíblemente adictivo«.

Las otras grandes plataformas tecnológicas, encabezadas por Facebook (la cocaína en esta analogía ampliada), se han apresurado a competir, creando una «epidemia de crack digital», según una nota de investigación de los analistas titulada «¿Ha arruinado TikTok Internet?»

Entre los clones más notables está Reels, lanzado en Instagram en 2020. Snapchat Spotlight llegó el mismo año, seguido de YouTube Shorts, WeChat Video Accounts, Pinterest’s Idea Pins y Netflix’s Fast Laughs.

Amazon también está entrando en el juego, con algo llamado «Inspire» que por el momento está en fase de pruebas, como ha recogido anteriormente Business Insider España.

A pesar de la capacidad, hasta ahora limitada, de monetizar el vídeo de formato corto a través de la publicidad efectiva (la gente puede pasar de largo rápidamente e ignorar por completo los anuncios), es ahí donde está creciendo la atención de los usuarios.

Solo TikTok está preparada para acaparar el 16% del gasto mundial en publicidad digital este año. Facebook dice que los Reels representan ahora el 25% del tiempo total que se pasa en Instagram y YouTube dice que 1.500 millones de personas ven 30.000 millones de Shorts cada mes.

Aunque los analistas admiten que Internet es siempre «evolucionar o morir» y que el vídeo corto es simplemente la última evolución de los medios de comunicación, ven posibles inconvenientes para los usuarios, los creadores profesionales y los anunciantes.

Es probable que se produzca una mayor erosión de la capacidad de atención del ser humano, mientras que las plataformas, los creadores y los anunciantes verán depreciado su negocio, ya que el vídeo corto puede «diluir estructuralmente la monetización del tiempo del usuario en toda la industria de los anuncios digitales».

Uno de los problemas centrales para las plataformas y los anunciantes en este momento es la capacidad limitada, y en algunos casos inexistente, de hacer anuncios de respuesta directa dentro del vídeo de formato corto.

Un anuncio de respuesta directa es aquel en el que se pide al usuario que haga algo, como un clic, una inscripción o una compra, lo que permite a los anunciantes saber mejor si sus anuncios están funcionando y cuánto deberían pagar por ellos.

Bernstein espera que cada vez más contenidos de las redes sociales se conviertan en vídeos cortos, e incluso ve la posibilidad de que los actuales feeds de noticias con mucho texto e imágenes de casi todas las plataformas sociales sean sustituidos por vídeos cortos.

Si empresas como Facebook, YouTube y TikTok no consiguen hacer que los anuncios de respuesta directa funcionen con vídeos cortos, «las consecuencias podrían ser graves», advierten los analistas.

«¿Y si se produce algo más depredador que arruine la economía de los anunciantes, el arte de los creadores y la capacidad de atención de los consumidores en el camino… todos desesperados por ese próximo éxito de 15 segundos?», concluye el informe.

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agosto 26, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

Más libido, más relaciones, pero con fantasías no tan bonitas: pros y contras del sexo veraniego…

Yahoo Noticias(M.Prats/Huffpost)El verano trae consigo nuevos contactos, vacaciones, relax… Y, para mucha gente, una subida de la actividad sexual. El verano es para muchas parejas la ocasión perfecta para recuperar esa ‘chispa’ perdida el resto del año por el estrés laboral.

“El verano es la época con más actividad sexual, también pasa en Navidad o en otras de celebración o vacaciones en general, pero la temperatura y el tiempo que duran las vacaciones suelen acompañar más”, apunta la sexóloga y psicóloga Susana Marín.

Según la especialista, el estar más tiempo fuera de casa practicando actividades que ayudan a la desconexión y a subir la libido, la oxitocina y la serotonina, algo que influye tengas pareja o no.

“En verano hay más horas de luz, y aunque estemos trabajando, dedicamos más horas al ocio que nos permiten desconectar de problemas, de trabajo, de marrones familiares, de un montón de cosas, algo favorable para tener sexo”, explica la sexóloga y matrona Laura Cámara.

“Incluso cuando no tenemos pareja, el salir más, conocer más gente, viajar… Todo eso hace que tengamos más deseo y más posibilidad de contacto sexual. El verano es una época en la que aumentan las frecuencias de relaciones sexuales”, indica.

Eso sí, este aumento de la frecuencia conlleva ciertos riesgos si no se toman las precauciones pertinentes, tanto a nivel de salud sexual como de salud genital, algo que se ve también influenciado por los cambios que traen consigo las vacaciones.

Hongos, cistitis y otras enfermedades a las que prestar especial atención

Ambas especialistas coinciden que, a pesar de que es una época espléndida para el sexo, no tanto para enfermedades como la candidiasis o la cistitis, especialmente en el caso de las mujeres.

“Cambiamos los hábitos nutricionales, comemos peor, bebemos más alcohol, también que tengamos ropa mojada o bañadores hace que aumenten las infecciones por hongos. También la frecuencia de las relaciones sexuales influye en la cistitis, por ejemplo. Todo esto hace que el verano sea una época muy propicia para que aparezcan este tipo de infecciones”, explica Cámara.

Marín coincide con Cámara y recuerda que la candidiasis sí se transmite por vía sexual y puede suponer un problema tanto para la persona que lo sufre como para su pareja o parejas sexuales. “Se producen por motivos tan diversos como la higiene, la humedad del agua de la playa o la piscina o las relaciones sexuales, pero en el caso de la candidiasis puede transmitirse fácilmente de una persona a otra”, detalla.

Como consejo contra estas dolencias, Cámara recuerda que hay que cuidar la alimentación, no tomar demasiados azúcares ni alcohol, especialmente si se es propensa a tener este tipo de infecciones así como la higiene tras el sexo y guardar especial cuidado en la playa y la piscina. “Hay que usar ropa transpirable, cambiarnos el bañador para que esté seco… Si vamos a la piscinaenjuagarlo para que no esté en contacto con el cloro”, añade Cámara.

Marín recuerda que, en el caso de las personas que no tengan relación stable y tengan varias parejas, es fundamental utilizar métodos de protección. “En verano se mueve más todo el mundo, hay más prácticas de riesgo, hay quien opta por hacer prácticas como el sexo grupal, ir a fiestas, etc. Todo se debe hacer siempre extremando los cuidados”, enfatiza.

El sexo en la playa… no siempre es buena idea

Entre las fantasías más populares, tanto de hombres como de mujeres, se encuentra tener sexo en un ambiente romántico y poco habitual como puede ser la playa o la piscina, algo que con los factores anteriormente mencionados no juega una buena pasada.

“Hay que saber que el agua de la playa o la psicina no tienen nada que ver con el agua corriente, también para el pH íntimo y para la lubricación y el contacto continuado con las zonas íntimas”, explica Marín. “Hay a quien puede irritarle el cloro o la sal en ciertas zonas en las que en un momento determinado hay fricción o penetración y no están lubricadas y la humedad, como hemos dicho, no es nada buena para los genitales, especialmente femeninos”, añade.

Precisamente la falta de lubricación es uno de los factores que más pueden estropear este tipo de relaciones. “Es probable que la lubricación natural de la vagina y la vulva se vea afectada porque se elimina y que tengamos que utilizar un lubricante, que se recomienda que sea de en base de silicona o aceite, porque no se va a disolver en el agua”, señala.

Al estar más sensible y menos lubricada esta zona puede estar más expuesta a otros factores externos como bien recuerda Marín. “La arena de la playa se puede colar por ejemplo a través del pene si este tiene y entra en la vagina, por sí misma, no. Eso puede generar bastante irritación, aunque si se mantiene una buena higiene y no se tienen relaciones directamente sobre la arena, no tiene por qué haber problemas”, señala.

Ambas sexólogas animan a las parejas a “dar rienda suelta a sus fantasías”, aunque siempre siendo conscientes de estos pequeños inconvenientes. “Forma parte de un escenario muy erótico, que se encuentra en la parte de la fantasía, que puede ser como muy estimulante”, avisa Cámara.

“Hay que tener en cuenta que en el agua las cosas no son tan fáciles como parecen: hay que ponerse preservativo antes de entrar en el agua, y algunas posturas no son tan eficaces como querríamos. Es algo que puede ser muy erótico, pero sin pretensiones, igual no es tan de película como te imaginas”, recalca.

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agosto 26, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

La BBC destapa un chantaje masivo a mujeres con fotos y vídeos a través de Reddit…

Huff Post(efe)  —  Numerosas mujeres afrontan amenazas y chantajes de personas anónimas después de que sus datos personales, fotos íntimas y vídeos fueran compartidos en la red social Reddit, revela este lunes un programa de la cadena BBC.

El programa Panorama pudo descubrir casos en los que las fotos fueron sacadas de Instagram y publicadas en Reddit, acompañadas de lenguaje sexual degradante.

Tras ser alertado de un caso, el programa inició una investigación y descubrió un mercado sobre este tipo de material, en el que cientos de perfiles anónimos se dedicaban a compartir, intercambiar y vender imágenes explícitas, sin el aparente permiso de las mujeres fotografiadas.

Eran instantáneas de mujeres desnudas o parcialmente vestidas, junto a las que se publicaban comentarios maliciosos, incluidas amenazas de violación.

Según Panorama, lo descubierto parecía una nueva forma de la denominada pornografía de la venganza, en la que el material sexual privado se publica en línea sin el consentimiento de las mujeres, a menudo por parte de exparejas despechadas.

No solo se compartieron imágenes íntimas, sino que en algunos casos, siempre en forma anónima, se expusieron las identidades reales de esas mujeres, dice la BBC.

Las direcciones, los números de teléfono y los identificadores de las redes sociales se intercambiaron en línea, mientras que las mujeres fueron después blanco de comentarios sexuales desagradables, amenazas e incluso de chantaje, agrega.

Reddit , con alrededor de 50 millones de usuarios diarios, aproximadamente cuatro millones en el Reino Unido, permite que las personas puedan crear y administrar foros, conocidos como subreddits, dedicados a todo tipo de intereses.

La mayoría de esos subreddits son inofensivos, pero Reddit tiene un historial de albergar contenido sexual controvertido.

En respuesta a estas controversias, la compañía con sede en EEUU, introdujo hace unos años reglas más estrictas y reforzó su prohibición de publicar o amenazar con publicar contenido íntimo o sexualmente explícito de personas sin su consentimiento, recuerda la BBC.

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agosto 26, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

La cara atroz del «Guernica» de Picasso…

Pablo Picasso; «Guernica», 1937, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España

MEER(R.F.Palmeral)  —  Hace 85 años que Pablo Ruiz Picasso pintó en París por encargo de la Segunda República el cuadro o mural conocido por el nombre Guernica como una denuncia de la Guerra Civil Española y, además, actualmente, convertido en símbolo de paz contra todas las guerras habidas y por haber en el mundo.

Sin embargo, vemos que, en el presente año 2022 estas advertencias icónicas no han servido de nada como confirma la invasión de un país soberano, Ucrania, por su vecino, la Rusia de Vladímir Putin (dictador del gobierno de Rusia), cuyo ídolo patriótico es el zar Pedro el Grande (1672-1725).

Las consecuencias de la dictadura comunista desde 1917 con la Revolución Rusa han traído terror, desgracias y guerras al mundo, semejantes al nazismo de Hitler; de la imposición por las armas, no por la razón ni la democracia, sino por la fuerza de los misiles, siendo, actualmente Europa quien paga los platos rotos de una dictadura bolchevique anquilosada en el pasado.

Hoy, con la crisis energética, por dejarse seducir en el pasado por energías baratas como el petróleo, el gas o el carbón ruso. Putin, «el receloso», que, baraja su política, una estrategia militar de vencido como si la Guerra Fría no hubiera cerrado su capítulo con la caída del Muro de Berlín, actúa con engaño, premeditación y sorpresa en una mentalidad medieval de conquistas.

Las dictaduras son veloces en el decidir, asesinar y ejecutar órdenes, por ello, tienen ventaja respecto a las democracias parlamentarias de los países civilizados.

La OTAN que surgió en 1945 tras la Segunda Guerra Mundial, pretende defender a Europa y a EE. UU., de una posible invasión o ataques exteriores, nació como contraposición el Pacto de Varsovia, que se ha ido atenuando en el tiempo como un azucarillo, porque lo que se necesita la gente es libertad y no militarismo.

Los días finales de junio actual se reunió en Madrid la cumbre de la OTAN, que entre sus visitas culturales a museos como en Prado, ante las Meninas de Velázquez, que en realidad se titula La familia de Felipe IV, donde se autorretrata el propio pintor Diego de Velázquez, también visitaron (los consortes de los delegados guiados por la reina Letizia) el Guernica de Picasso en el Museo Reina Sofía de Arte Contemporáneo.

El resultado de la Cumbre de Madrid se resume en la necesidad de aumentar los gastos en defensa común.

Y desde el punto de vista estratégico militar, Putin, que de socio preferente pasa a ser una amenaza, «ha venido a abrir los ojos que falta nos hacía», según Antony Beevor, a los socios de la OTAN, tras constatar que la paz mundial es una utopía, una palabra decorativa en el diccionario inventada por algún filólogo con buenas intenciones franciscanas.

Y del icónico cuadro internacional llamado el Guernica, vamos a hacer algunas consideraciones historias sobre su creación, realización, y avatares históricos.

Traslado del Guernica a España

Se habían hecho varios intentos de traer el Guernica a España desde 1968 (a Franco ya no le importaba el pasado), pero Pablo Picasso no quería traerlo porque en España no había democracia, pero como falleció en Mougins el 8 de abril de 1973, antes que Franco, la cuestión cambió.

Tras la muerte de Franco el 20 de noviembre de 1975, y en 1977 por el gobierno de Adolfo Suárez, volvieron a tomar las negociaciones con el MOMA de Nueva York donde estaba depositado desde 1940, estos exigían que el gobierno español demostrara su propiedad.

Pero como en 1981 se cumplía el primer centenario del nacimiento de Picasso, y era la fecha ideal para traerlo, las negociaciones con el MOMA se aceleraron.

Y es «por arte y birlibirloque» que aparecieron en la biblioteca privada de Luis Araquistáin (del entonces embajador de España en París durante la Guerra Civil), un documento de dudosa credibilidad firmado por Max Aub por el pago a Picasso de 150,000 francos, por «gastos», según una nota fechada en París el 31 de mayo de 1937, para el pabellón español de la Exposición Internacional de París del mismo año.

Al final de esta odisea de recuperación de una obra emblemática, el Guernica regresó a España el 10 de septiembre de 1981, a las 8:30 horas en el aeropuerto de Barajas de Madrid, (hoy Adolfo Suárez), en un Jumbo 747 de Iberia, llamado Lope de Vega, y el comandante de la nave era Juan López Durán.

Llegó el cuadro y los bocetos, no sé si se han perdido algunos, eran 62. Se llamó por la prensa «el último exiliado»; no es correcto porque el Guernica nunca salió de España, sino de París. Cuando la nave aterrizó el comandante dijo a los pasajeros: «Ha viajado ustedes con el Guernica de Picasso».

En primera instancia el gran cuadro de 3.49 x 7.77 metros se expuso en el Casón del Buen Retiro, anexo al Museo del Prado, custodiado por la Benemérita. Luego, en julio de 1992 se llevó al Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (sala 6 de la 2ª planta) donde actualmente se halla.

Quien pueda verlo sentirá, sin duda, un bofetón picassiano, que para eso lo pintó Picasso, un bofetón a la conciencia de los espectadores. Y puedo asegurar, que cuando yo lo vi en septiembre del año 2000, anidó en mí una forma distinta de ver y entender el arte contemporáneo, y sentí un bofetón de su cara atroz.

Encargo de un mural por la Segunda República

La reina consorte Letizia y las parejas de los mandatarios asistentes a la cumbre de la OTAN, 2022, posan frente al «Guernica» de Picasso

En un decreto de Manuel Azaña, a la sazón presidente de la Segunda República española, en La Gaceta de la República, el 19 de septiembre de 1936, y a propuesta del director de Bellas Artes, Josep Renau, Picasso es nombrado director honorario del Museo del Prado; por ello no vino a España a ejercer el cargo, ya que era honorario.

Como la República quería dar una imagen de vanguardia y modernidad, que esta fue una de sus grandes apuestas revolucionarias desde el 14 de abril de 1931, remover los anquilosados cimientos de la España católica y tradicional caciquil, propusieron al ya internacional Picasso un mural para el pabellón de España en la Exposición Internacional de París Artes y Técnicas de la Vida Moderna del verano de 1937, cuyos arquitectos del pabellón español fueron José Luis Sert y Luis Lacasa.

Desde el principio de la guerra, el gobierno de la Segunda República española había buscado la colaboración de los más destacados artistas españoles como medio de propaganda.

Se cree que la mediación con el genial Picasso se hizo primero a través de su amigo José Bergamín, a primeros de enero de 1937 (uno de los que habían dirigido la evacuación del Museo del Prado hacia Valencia en noviembre de 1936).

También intervinieron Max Aub, que era desde diciembre del 36 hasta julio del 37 agregado cultural de la Embajada de España en París con el embajador Luis Araquistáin.

El comisario de la exposición era, desde febrero, José Gaos, que también habló con Picasso varias veces porque el mural no avanzaba.

El encargo del mural fue por un importe de 150,000 francos franceses (una cantidad astronómica, casi el 15% de todos los gastos del pabellón español, según Javier Tussel) en concepto de «gastos» que le pagó Max Aub el 28 de mayo de 1938, aún la obra sin acabar.

Después Picasso ayudó a los exiliados republicanos desde Francia en Toulouse y fundó el Hospital Varsovia para ayudar a niños huérfanos republicanos.

Proceso creativo

– Bocetos preparatorios del Guernica

Con el encargo a la vista, Picasso, a través de su amante Dora Maar (Teodora Markovitch, de origen yugoslavo, hablaba castellano por sus años en Buenos Aires), tomó en alquiler un taller grande en el N.º 7 de la Rue des Grands-Agustín de París (edificio del XVII), especialmente para que le cupiera el mural de 349.3 x 776.6 cm.

El 8 y 9 enero del 37 empieza a componer dos planchas para grabados en aguafuerte: sus Sueños y mentiras de Franco (por eso la fecha aparece al revés) la primera fechada el 8 de enero de 1937 y la segunda de 9 de enero-7 de junio 37, es tipo viñeta como los tebeos donde se cuenta el cruce del Estrecho de Gibraltar por Franco, representado como un homúnculo (es el diminutivo de «hombre» y se usa frecuentemente para ilustrar un arcano importante en alquimia) con forma de enano boniato.

A petición de Juan Gaos se vendieron en el pabellón como tarjetas postales para recaudar fondos para la República española.

En los aguafuertes abocetó Picasso un poema surrealista de escritura automática titulado Sueños y mentiras de Franco, donde escribe: «gritos de niños, gritos de mujeres, gritos de pájaros, gritos de flores, gritos de maderas y de piedras, gritos de ladrillos, gritos de muebles de camas de sillas de cazuelas de gatos y de papeles, gritos de olores que se arañan gritos de humo…».

Después de una crisis creativa, acuciado por las prisas, dibuja los primeros bocetos serios a lápiz, que son del 18 de abril (unos trazos de un toro, un caballo, mujer con lámpara), antes del bombardeo de Guernica que sucedió el 26 de abril; y el día 10 de mayo aparece el puño con una hoz y un martillo (del comunismo), que desaparecería de inmediato.

Conocemos las fotos del proceso gracias a las fotos de Dora Maar y a la República que se las pagó. Los bocetos más serios son del 1 de mayo, aparece un caballo alado sobre un toro, como Pegaso o el alma del caballo resucitado.

Aparecen todas las figuras de la obra final: el toro, la mujer con la luz, el guerrero en el suelo y el caballo. En otro boceto del 1 de mayo, un pequeño caballo alado escapa de la herida del caballo central, aparecen un soldado romano (lleva un casco y una lanza) derribado, el toro y la mujer de la lámpara.

La lanza, al final de proceso de creación, quedará lanceada y rota en el cuerpo del caballo.

El 8 de mayo introduce a la estremecedora madre con el niño muerto, una rueda de un carro, y el caballo muerto que cae sobre el guerrero y el 11 de mayo empieza a pintar sobre el lienzo definitivo hasta el 4 de junio, fecha de su culminación.

El 11 de mayo vemos al guerrero con el puño alzado en el centro, los símbolos del cuadro están prácticamente armados, menos el hombre muerto y el puño que será quitado, luego separará la mano del cuerpo y quedarán independientes.

Jóvenes protestan contra la cumbre de la OTAN, 2022, frente al «Guernica» de Picasso

El 13 de mayo, pinta una espada rota (armas anacrónicas en una guerra con armas de fuego y cañones), esta mano tiene 6 dedos, una mano que se aferra al arma. El 4 de junio aparece la cabeza decapitada que espira. Y también la flor en la mano con la espada.

En realidad, Picasso pinta el mismo cuadro que el de los bocetos germinales, antes del 26 de abril, es decir, es una metamorfosis desde el principio al final pintado en 20 días.

Picasso estaba en su casa de Antibes (Francia) cuando se enteró de la noticia del bombardeo de Guernica, la noticia salió el día 29 en The Times y el 30 en Ce Soir.

La noticia tuvo repercusión porque casualmente unos periodistas extranjeros estaban en Guernica; evidentemente las imágenes valen más que mil palabras.

Otros dicen que fue Juan Larrea, vasco y delegado de Relaciones Culturales de la Embajada de España, quien comunicó a Picasso el bombardeo de Guernica. Es este poeta y escritor quien, en 1947, publica un libro en Nueva York, en inglés, titulado Guernica: Pablo Picasso, con fotos de Dora Maar; ese libro se publicará en España en 1977.

Lo que ocurrió es que los sucesos bélicos de la guerra acuciaron la urgencia de entregar el trabajo en el verano (se inauguró el 12 de julio de 1937).

Si fuera la ciudad de Guernica estaría el roble milenario o los símbolos del Señorío de Vizcaya: lobos cebados en corderos, calles con vascos, bombas; sin embargo, hemos visto que los temas estaban elegidos previamente al bombardeo de Guernica, es un largo proceso creativo como lo demuestran los múltiples bocetos anteriores al 26 de abril.

Cuando se expuso el cuadro en París no tenía título ni estaba firmado. Se le conocía como: «Gritos de niños, gritos de mujeres, gritos de pájaros».

– ¿Cuándo y cómo se rebautizó como Guernica?

Como no gustaba el cuadro instalado ya en el pabellón, el público europeo le daba la espalda, porque el tema era sangriento y Europa se encontraba en vísperas de un desastre mundial; ante este malestar general, el pintor guipuzcoano Julián Tellaeche Aldasoro y un puñado de políticos también vascos pidieron que se sustituyera el cuadro por otro de Aurelio Arteta, un tríptico sobre la Guerra Civil (según Joaquín de la Puente, p. 80 de su libro Guernica).

Esto lo cuenta el escritor Manuel Llano Gorostiza. Como no consiguieron tal sustitución, los responsables políticos del pabellón español se vieron obligados a reinterpretar el tema del gran lienzo-mural, y lo relacionaron con el bombardeo de la ciudad vizcaína Guernica, que había ocurrido por la misma fecha de la ejecución del cuadro.

El cuadro no gustaba, daba una bofetada al espectador, fue rechazado de lleno por los visitantes deslumbrados por los progresos tecnológicos expuestos en otros pabellones (44 países participaron), tuvo malas críticas y apenas salía en los catálogos mensuales.

Ahora, pasados 86 años del inicio de la guerra, parece como si el único bombardeo urbano, de una y de otra parte de los bandos enfrentados, solo hubiera ocurrido en la ciudad vizcaína. Los hubo por ambos bandos: Málaga, Córdoba, Jaén, Belchite, Alicante y un largo etcétera.

Si prestamos atención al Guernica vemos que no hay nada que identifique a la ciudad vasca homónima: no hay aviones, no está el roble milenario, ni bombas, ni txapelas o boinas.

Lo que sí debemos tener en cuenta es que este cuadro es un cuadro de crueldad, simbólico de la guerra en general y un manifiesto contra todas las guerras, por eso es gris, blanco, negro con algunos tonos azules, colores del luto y dolor; es una denuncia contra la violencia innata del propio hombre y por eso se ha usado como emblema de «no a la guerra».

– Técnica

Es un cuadro de expresionismo surrealista, dentro del estilo cubismo. Las señoritas de Aviñón, de 1907, es ya una revolución surrealista.

Hemos visto lo que es un proceso creativo, una continuidad de ideas, porque en realidad cuando pintamos vamos dejando sobre el lienzo parte de nosotros mismos. Eligió un lienzo de 349 x 776, o sea, 27 metros cuadrados de tela, eligió pintura industrial mate marca Ripolin de tipo industrial y lo pintó en 20 días, un récord, desde el 11 de mayo al 4 de junio del 37.

Para llevar las figuras tan grandes al lienzo las recortaba en papel y luego las llevaba al cuadro. Este sistema de transposición de dibujos no lo había inventado él, es la técnica que se usa para dibujar frescos y se empleó para pintar techos de salones o teatros.

Cubismo sintético o collage de figuras heterogéneas. Pegaba papeles como un collage que luego iba despegando, además es el cubismo un método muy rápido de pintar.

La idea es que el lienzo fuera como un muro, por eso el cuadro es mate, pintado con pintura industrial Ripolin mate. También es una implicación proletaria, aunque él era por entonces un millonario, toda una incongruencia.

Si lo habéis visto en el Centro de Arte Reina Sofía, os podéis fijar en las matizaciones de los grises y los chorreones que tiene la pintura. No está completamente terminado. Dicen que no está bien colocado.

La escena representada ocurre dentro de una especie de habitación oscura, la luz eléctrica ilumina el interior, son como fogonazos que entran por los bombardeos del exterior.

– La tridimensionalidad del Guernica

A la izquierda, el Guernica en el atrio del pabellón español y la fuente de mercurio de Alexander Calder. A la derecha, Picasso ultimando su obra. 

Descripción: del quinqué parten dos haces o líneas imaginarias de luz o líneas maestras de donde se triangula el cuadro. Es una luz piramidal. Existen otras líneas de triangulación como la que sale de la parte superior de la cabeza de la figura que se supone entra por una ventana y la que parte del ángulo de la puerta de luz central y pasa por el borde de la mesa.

Tenemos otra luz reflejada en el suelo, cuyo ángulo inicial nace en la rodilla de la mujer que sube del sótano. La línea que parte como bisectriz del ángulo superior derecho pasa por la pequeña bisectriz que forma la puerta y coincide con la dirección de la espada rota.

Existen otras líneas de menor importancia, como la que parte del punto de luz derecho de la puerta central y llega al centro de la rodilla, la cual tiene forma de libro abierto. La importancia de la rodilla: ¿acaso el abotargamiento de esta rodilla nos da a entender que el pintor padeciera algún tipo de artrosis, reuma o condromalacia artrítica en la rodilla izquierda? Existen otras líneas como la superior horizontal.

El espacio donde se encuentra la escena del cuadro parece ser una o varias habitaciones; nos lo indican los triángulos superiores de las esquinas.

– Los símbolos

Todavía perdura la polémica sobre los símbolos del cuadro. Hay ocho figuras o representaciones figurativas sometidas a discusión.

Picasso se negó en vida a explicar los símbolos en conflicto, consideró que el Guernica debía tener vida propia. Para mí, en realidad, el Guernica es un cuadro denuncia de la Guerra Civil española y, por añadidura, contra todas las guerras del mundo, en contra de la violencia del hombre; es un cuadro de realidad y crueldad elocuente.

Otros autores, como Emilio F. Granell, creen que es una corrida mítica, e incluso se ha llegado a decir que es un Belén mítico, pero estas ideas han quedado descartadas.

Como ya he dicho, ni en los bocetos preparatorios ni en el cuadro aparecen formas, referencias o símbolos que induzcan a pensar en el bombardeo de Guernica: aviones, bombas, llamas, el roble de la villa, vasco, boinas, nada que los identifique.

Por lo tanto, el cuadro es una consecuencia de la proyección en el tiempo de la obra de un artista sometido a un encargo y a un compromiso nada más. Las lecturas posteriores han sido manipuladas.

En realidad, es una profecía o un alegato de paz, una advertencia contra los desmanes del hombre. Para mí es un cuadro simbólico, un escaparate detrás de un cristal o una «auca» o cartel de ciegos.

La escena sucede dentro de una habitación oscura, el teatro de la vida; es de noche, vemos los ángulos de las esquinas superiores, otros han querido ver un frontón (cuando se quieren ver cosas todo vale) y parte de solerías. También puede ser una escena nocturna y un bombardeo.

La luz interior del cuadro que define las perspectivas quiso ser la de la mujer con quinqué que entra por la ventana (la mujer con vela de los minotauros). En el centro hay una luz piramidal. Existen distintos puntos de vista. Línea de convergencia. La luz piramidal. Es una escena nocturna.

En el cuadro hallamos dos focos de luz. La luz eléctrica y el candil nos anuncian que la escena del cuadro ocurre de noche.

El toro tiene cara de humanoide y guapetón. Hay un error al creer que el toro es España, aquí el toro es la guerra, el autor del desastre, el atacante, por eso su actitud es de victoria, de orgullo, su cola es como el humo de un volcán, además muestra sus signos viriles de gran tamaño.Es el fascismo.

Los minotauros, mitad hombre y mitad toro, aparecen cuatro años antes del Guernica en la obra picassiana, simbolizan la fuerza instintiva, la fuerza elemental. Aparecen en 1933 para la portada de la revista Minotaure.

Bestia sangrienta, acto de un drama sangriento. Aparecen toros corneando a caballos, recuerdan las corridas de toros donde el caballo no llevaba peto, y morían diez o doce caballos en cada corrida. Para Picasso era «brutalidad y oscuridad», podría ser un autorretrato.

El caballo hizo al hombre caballero. Tenemos a los famosos caballeros españoles, el Cid, don Quijote, y a Babieca y a Rocinante; algunos expertos dicen que se trata de una yegua, por el corte (rombo vertical) en forma romboidal vaginal en el costado, y representa a España herida por el fascismo, es la víctima del cuadro, la herradura del caballo está al revés del casco, como símbolo de mala suerte, la lanza es una puya de picador.

En un cuadro de Henri Rousseau, el caballo es la guerra. En las viñetas Sueños y mentiras de Franco algunos estudiosos creen que tiene un miembro viril erecto, en realidad es el antebrazo del hombre que está abrazado al caballo.

El caballo relinchante, herido de muerte, va tomando forma hasta que su cuello ocupa el lugar donde estaba el puño de los primeros bocetos. El caballo es la víctima de la hecatombe. Larrea llegó a decir que el caballo representaba al franquismo, pero sufrió severas críticas.

La piedad o mujer sufriente y el niño muerto no tienen más explicación, es fuerte, la madre suplicando al cielo pidiendo explicaciones a Dios, es el dolor más fuerte, la muerte del hijo, la muerte del bebé inocente.

Boca abierta y lengua puntiaguda, similar a la del caballo, esa lengua retorcida ya había aparecido en 1931 en Figuras a orillas del mar. Esta figura de la mujer con el niño primero aparece a la derecha del cuadro subiendo una escalera, y luego acaba sin escalera debajo del toro.

También apareció en las viñetas de Sueños y mentiras de Franco. Las víctimas de las guerras o terrorismos. El 90% de las madres no superan la muerte de un hijo, se trastornan. En los primeros bocetos aparece subiendo una escalera.

El hombre descuartizado o el decapitado puede ser un civil, soldado por lo de romano o un esclavo, en una mano tiene una espada y una flor como símbolo de paz, aunque él pintó una paloma que es el símbolo de la Universidad de Málaga. La antítesis de la espada y la flor. Al principio tenía una lanza, la lanza que clavará en el caballo, la puya.

Una mujer con el pie abotargado que acaba de subir de un sótano representa a una madre que pregunta qué está pasando, pregunta ¿dónde están mis hijos?, podría ser el gobierno de la Segunda República española con la bandera tricolor sobre los hombros; vemos el pie en evidente signo de pisar un escalón, si nos fijamos en las dos manos son la derecha, mira fijamente al quinqué, está como deslumbrada. Está herida de muerte. En los pechos tiene los símbolos del comunismo: la hoz y la cabeza de un martillo.

El ángel exterminador o la joven o la figura femenina que entra por una ventana con quinqué en la mano bien apretada es el ángel anunciador que ilumina la escena.

Entra por una ventana y da las malas noticia; su boca abierta está diciendo algo, o es una exclamación, es la mujer o la niña de la vela que vimos en los minotauros que ha entrado en el oscuro laberinto (aguafuerte de Minotauromaquia, 1935). Tiene una mano entre dos senos, es como la mujer torera. La luz es piramidal.

La mujer con brazos levantados a la derecha en el interior de la casa en llamas. En otros bocetos anteriores aquí estaba la madre con el niño muerto subiendo por unas escaleras. Esta figura también aparece en los bocetos previos.

Debajo de la mujer debió quedarle un espacio vacío o un tejado (una azotea) y pintó lo que parece un suelo de marquetería de madera en llamas (tres llamas o cuernos), efectos de una perspectiva al plano.

El pájaro en actitud de grito es un polluelo abandonado que busca a su madre, puede representar la agresión al medio ambiente afectado por las guerras; las aves son las primeras que previenen del aire viciado, parece atrapado en un cepo o montera sobre una mesa, la mesa de los diálogos, la mesa o el altar de los sacrificios. Nos recuerda al alcatraz lleno de petróleo de las mareas negras.

La bombilla eléctrica es como un sol —en Sueños y mentiras de Franco aparece un sol, el sol de España— y sus rayos, y dicen que tienen forma de bomba, es una luz que se come el color. A lo mejor es el símbolo de la luz divina. En cambio, no es quien irradia las perspectivas, pues se pintó después, sobre un puño. El eje de luces es el quinqué. Esta luz nos puede indicar que la escena ocurre de noche.

La puerta situada a la derecha del cuadro podría simbolizar la existencia de una salida, una posible solución a todos los conflictos; es la puerta de la huida y también es la puerta de entrada, aquí parece que está cerrada. Es la esperanza abierta.

nuestras charlas nocturnas.

agosto 25, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

El viaje del héroe: la estructura que se lleva repitiendo desde el principio de los tiempos…

Prometeo tampoco se salva del viaje del héroe. 

ACV(A.Nuño)  —  Un joven se coge un año sabático y decide viajar por el mundo, aunque jamás ha salido de casa.

En su trayecto vive miles de aventuras y cuando vuelve a casa, maduro y diferente, no para de dar la chapa a sus amigos, familiares y todo aquel que quiera oírle sobre sus pericias, acerca de cómo su viaje le ha cambiado y ahora es una persona diferente.

En realidad, ese joven no ha inventado nada, sino que su psicología sin saberlo está reproduciendo el que es el mito más antiguo de todos: el monomito. El viaje del héroe.

Da igual que sea Ulises, Gilgamesh, Cristo, Buda, Luke Skywalker, Frodo o Harry Potter, su periplo será muy parecido: una persona siente la llamada a la aventura y la sigue.

En su paso hacia lo desconocido encontrará distintas figuras: un mentor y un ayudante, que le prestarán la mano y le servirán en los momentos en los que haya retos y tentaciones (que los habrá).

En un determinado momento se encontrará ante el abismo y se tendrá que enfrentar de una manera u otra a la muerte, pero se expiará y retornará de nuevo a su hogar totalmente cambiado. Son en total 17 etapas, aunque es cierto que pocos mitos cumplen todas y se suelen centrar en 12.

Por describirlo etapa por etapa, de la manera simple:

• El mundo ordinario. El hogar del héroe, que se presenta al principio, donde está atado.

• La llamada a la aventura. Algo sucede que trastoca la vida del héroe y tiene que cambiarla por completo.

• Rechazo a la llamada. El héroe está cómodo en su zona de confort, se niega a salir.

• Encuentro con el maestro. El personaje con experiencia y sabiduría que le convencerá de que siga la llamada.

• Cruce del primer umbral.

• Al cruzarlo, irremediablemente tendrá que superar pruebas, hacer aliados y enemigos.

• Acercamiento a la caverna más profunda. Las pruebas son cada vez más difíciles, pero va ganando experiencia.

• Calvario. El héroe se enfrenta a un momento dramático, sus demonios o, generalmente, la muerte (quizá de uno de los suyos).

• La recompensa. Tras superar el calvario, recibe una recompensa.

• La vuelta. Emprende el camino a casa.

• La resurrección del héroe. Se enfrenta a un reto a muerte con el que se transformará dejando atrás su antiguo yo, el inicial, gracias a su experiencia supera sus defectos y sale reforzado como un nuevo ser, más fuerte.

• Regreso (con el elixir).

El término fue acuñado por el antropólogo Joseph Campbell para definir ese modelo que se repetía en muchos relatos épicos del mundo. Basándose en la obra de Joyce, de la que era admirador, lo describió en su obra ‘El héroe de las mil caras’ (1949).

Es inevitable darse cuenta de que prácticamente todos estos héroes no solo fueron hombres en el pasado (normal, si no juzgamos con los ojos del presente) sino que el monomito se sigue definiendo con ellos, salvo en algunas excepciones relativamente recientes.

Según el poeta Robert Bly y otros estudiosos del tema, en el concepto del viaje del héroe se basa el ‘Movimiento masculino’, y es una metáfora para el crecimiento espiritual y psicológico, muy similar a los cuentos de hadas, pero con arquetipos extraídos de Jung, y relacionado con temas de rol e identidad de género.

Doce etapas y siete historias básicas

Aunque también hay mujeres que se engloban en el monomito, y no hace falta que sean princesas Disney.

Jane Eyre de Charlotte Brontë, por ejemplo, está considerada unánimemente como parte del viaje del héroe: una mujer victoriana de clase media que se debe enfrentar a obstáculos y conflictos, diferentes a los de sus contrapartes masculinos, y que finalmente sale victoriosa de los mismos.

Es, además, un claro ejemplo del llamado ‘Bildungsroman‘: historias comunes en la ficción victoriana, sobre el aprendizaje, que muestran el desarrollo moral y psicológico de los protagonistas a medida que se convierten en adultos.

Fotograma de ‘Jane Eyre’. Un viaje de la heroína en pura regla. 

¿Por qué sigue repitiéndose el viaje del héroe ahora que el mundo es diferente? ¿Por qué, en el fondo, Harry Potter y Odiseo no difieren tanto?

Podríamos hablar, por supuesto, de una falta de creatividad. Pero en realidad, como asegura Christopher Vogler en ‘ El viaje del escritor ‘, por mucho que lo quiera, ningún autor está libre de la forma, por mucho que rechace la tradición o los modelos.

Al final todos somos esclavos de esas historias que nos precedieron y nos sirven como espejos, aunque sea para seguir otros caminos (influidos por ellas).

De una manera bastante rígida y dejando algunos escritores que no lo cumplen por el camino (como Kafka o Proust), Christopher Booker aseguró en 2004 que solo existían siete tramas básicas en todas las historias, que vienen a ser un poco la continuación del monomito:

• La metatrama. La etapa de anticipación, el héroe es llamado a la aventura, a veces a través de un sueño. Después vendrían las verdaderas tramas.

• Superar al monstruo. Desde Teseo a Star Wars, son infinitas las historias que lo cumplen.

• Pasar de la riqueza a la pobreza. David Copperfield, Jane Eyre, Cenicienta, Aladín…

• La búsqueda de un objeto. La Divina Comedia, la Ilíada, Monty Phyton…

• Viaje y regreso. La epopeya de Gilgamesh es la más antigua, pero también se puede hablar de Regreso al futuro, Peter Pan, el Rey León o El tercer hombre.

• Comedia (y tragedia). Se engloban muchísimas obras debido a la vaguedad de la trama expuesta. En los primeros: el gran Lebowsky o Sueño de una noche de verano. Los segundos van desde Ana Karenina a Ciudadano Kane.

• Renacimiento. Desde La reina de las nieves a El día de la marmota.

Booker señala, curiosamente, la importancia del número tres en todas estas tramas. Después de varios eventos, el tercero es el desencadenante final para que suceda algo importante y se resuelva el conflicto.

Esto es algo que se puede observar especialmente en los cuentos de hadas moralizantes, nada muy raro si tenemos en cuenta que en la Edad Media, debido al cristianismo, era el número perfecto, que simbolizaba la Trinidad y la perfección de lo acabado.

De igual manera, los doce pasos oficiales del viaje del héroe se repiten continuamente desde el principio de los tiempos, y Merlín, Gandalf o Dumbledore son la misma figura.

Igual que Gautama Buda en su viaje se dio cuenta de la importancia de no caer en la ambición, algo que los personajes de Tolkien deberían recordar después.

Incluso Gilgamesh, tras no lograr vencer a la muerte, vuelve a casa siendo un nuevo rey justo con los suyos, mientras que Beth Harmon, la protagonista de ‘Gambito de dama’ acaba jugando al ajedrez con los transeúntes por la calle.

Todos los héroes (asegura Campbell) han recorrido el sendero, el camino es conocido, hay que seguir la huella del héroe. Donde habíamos pensado viajar al exterior, llegaremos al centro de nuestra existencia, y donde habíamos creído estar solos, estaremos con el mundo.

Quizá por ello la historia sigue siendo efectiva, porque al final, citando a Bowie, todos podemos ser héroes.

El viaje del héroe trata menos del héroe como tal que del camino que alguien tiene que recorrer para conocerse a sí mismo. Al final es muy fácil ponerse en la piel de aquel que tiene que salir de su zona de confort y luchar contra lo desconocido para, finalmente, salir victorioso.

Todos en mayor o menor medida y en diferentes momentos de nuestra vida tenemos que enfrentarnos a retos semejantes, sin que haga falta luchar contra dragones o hacer uso de la magia.

Un nuevo trabajo o mudarte a una gran ciudad pueden servir para que lleguemos al centro de nuestra experiencia y sobrevivamos, intentando conocer todas las respuestas por el camino. Quizá no hay nada más heroico que eso.

nuestras charlas nocturnas.

agosto 24, 2022 | Categories: Actualidad, opinión | Deja un comentario

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