TheConversation(G.F.Borsot) — La sociedad del siglo XXI no se puede entender sin el mundo digital. Casi todas nuestras actividades dependen de la tecnología, y cuando proyectamos el futuro a menudo lo hacemos en clave tecnológica.
Pero, aunque la tecnología nos aporta muchos beneficios que podemos apreciar, también plantea importantes retos y dilemas éticos: desigualdad, insostenibilidad, pérdida de la privacidad, vigilancia masiva, adicciones, etc.
Estos riesgos se relacionan especialmente con las tecnologías emergentes que apuntan a una revolución en los próximos años: la inteligencia artificial, la robótica, la realidad aumentada-virtual-mixta, la internet de las cosas, etc. En esta situación, necesitamos referentes que nos permitan construir entre todos una sociedad más armónica y equilibrar los excesos que acarrea el mundo digital.
Una nueva ética ciudadana
Aunque algunos de los problemas éticos tendrán que ser abordados por los expertos en tecnología, los juristas y los políticos, necesitamos además una renovada ética ciudadana. Todos usamos estas herramientas digitales a diario directa o indirectamente y los nuevos escenarios que plantean requieren una nueva consciencia y unos nuevos referentes. Por supuesto, los principios generales de la ética siguen siendo vigentes, pero las nuevas circunstancias nos piden una adaptación, un cambio en los énfasis.
A menudo vemos la ética como la lista de cosas que no debemos hacer, pero en realidad trata sobre los principios que nos orientan hacia lo que queremos promover. A continuación se exponen 3 ideas clave que pueden iluminar nuestro camino en los retos que tenemos entre manos.
1. Atención a los excesos
La tecnología nos hace tender al exceso: exceso de información, exceso de actividad, exceso de velocidad… Debemos comprender que esto es algo que la tecnología implica en sí misma, como resultado de los procesos físicos en los que se basa (por ejemplo las ondas electromagnéticas), que transcurren a unos ritmos muy distintos de los de nuestra biología o nuestra interioridad. Por definición, la tecnología está orientada al hacer y, por tanto, una sociedad hipertecnológica será fácilmente una sociedad hiperactiva.
No es extraño que algunos estudios muestren que un uso intensivo de dispositivos electrónicos conlleva una disminución de la capacidad de atención focalizada, o que quizás esto sea un factor explicativo del dramático aumento en el diagnóstico de TDAH en los Estados Unidos.
Tampoco es extraño que otros estudios muestren una escalada sin precedentes del estrés laboral, ni que las plataformas de redes sociales traten de incitarnos a usarlas de forma excesiva mediante tecnologías que combinan la inteligencia artificial, los conocimientos de neurociencia y las técnicas de psicología conductual. La sabia sentencia del Oráculo de Delfos, “nada en exceso”, se revela de rabiosa actualidad.
En este escenario, quedan en la sombra la capacidad de contemplación, de descanso y relajación, el pensar pausadamente y ponderar las cosas, tanto en soledad como en diálogo con otros. Tendremos que cultivar estos aspectos humanos intencionadamente, porque la tecnología no los promoverá, sino más bien lo contrario. A este respecto, las técnicas de atención plena, de meditación y de relajación son un gran recurso, no solo para adultos sino también para niños y adolescentes.
2. Busquemos acuerdos sociales
La tecnología es un fenómeno colectivo, es decir, es algo que hacemos como grupo, no como individuos aislados. Por tanto, de poco sirve tratar de hacer grandes esfuerzos individuales si el grupo social al que uno pertenece no cambia.
En este sentido, es esencial generar debate público sobre el uso adecuado de la tecnología con el propósito de promover acuerdos sociales. Y a un nivel más particular, debemos involucrar a familiares, amigos, colegas, asociaciones escolares de madres y padres, etc. para crear una cultura del respeto que incluya lo tecnológico y nos permita superar la cultura de la polarización y la inmediatez.
3. Cuidado con las formas de poder invisible
La tecnología crea nuevas formas de poder no institucionalizado y sistémico. Esto significa que muchos de nosotros, sin darnos cuenta y sin quererlo, acabamos siendo cooperadores necesarios de actos terribles, como la explotación infantil o la deforestación masiva.
Nuestras acciones tienen muchos efectos en lugares muy distantes y sobre personas con las que no tenemos ningún trato. Esto hace que la ética ciudadana deba incluir necesariamente una ética como consumidores y como usuarios. Hoy en día existen muchas opciones para un consumo consciente y responsable y más que nunca esto tiene fuertes implicaciones.
Además, con nuestras decisiones como usuarios apoyamos sin darnos cuenta formas de poder que se vuelven en nuestra contra. Un ejemplo es el llamado capitalismo de vigilancia, el mercadeo masivo de datos que nos deja en una situación de desprotección frente a los poderes económicos.
El sentido común indica que el nivel de vigilancia debería ser proporcional al nivel de poder: cuanto más poder tiene alguien, peores males puede causar. Pero en la práctica suele darse lo contrario, porque al poder no le gusta ser vigilado (véase por ejemplo el sistema chino de crédito social).
La distribución del poder y la vigilancia tecnológica del mismo debería ser una prioridad, y las herramientas digitales puede ser nuestras aliadas en este difícil reto. Pero para ello la ciudadanía debe presionar a la clase política. En la Unión Europea hemos sido pioneros con las regulaciones sobre privacidad, ahora también tendremos que serlo respecto a las formas de poder tecnológico y asegurarnos de que contribuyan adecuadamente a garantizar los servicios sociales y prevenir su injerencia en la política.
Si bien se podrían dar muchas más ideas, estas 3 claves (prevención de excesos, promoción de acuerdos sociales, vigilancia al poder) apuntan a un ethos adaptado a la sociedad tecnológica del siglo XXI y sus retos. Depende no solo de cada uno, sino de todos nosotros.
DW(FEW/The New York Times, Nature, Artnet News) — En 1890, unos buscadores de oro descubrieron el llamado ídolo de Shigir en el fondo de una turbera de la cordillera rusa de los Urales. Este objeto único representa la obra de arte ritual en madera más antigua que se conoce en el mundo.
Más de un siglo después de su descubrimiento, los arqueólogos siguen descubriendo sorpresas sobre este asombroso artefacto: un tótem de tres metros de altura compuesto por diez fragmentos de madera tallados con caras, ojos y extremidades expresivas y decorados con motivos geométricos.
Como escribieron Thomas Terberger, especialista en prehistoria de la Universidad de Gotinga (Alemania), y sus colegas en la revista Quaternary International en enero, las nuevas investigaciones sugieren que la escultura es 900 años más antigua de lo que se pensaba.
El ídolo de Shigir, la escultura de madera más antigua, expuesta en el Museo Regional de Sverdlovsk de la Tradición Local.
La reliquia de madera más antigua redimensiona la historia
Así, el nuevo estudio sugiere que el ídolo de Shigir fue tallado hace más de 12.500 años en un árbol que ya tenía más de 150 años. Se calcula que en su día medía más de 5 metros de altura cuando estaba completamente montada y tiene líneas en zig-zag grabadas por todo el cuerpo y ocho rostros de aspecto humano tallados en la parte superior.
El equipo alemán y ruso cree que fue tallada al final de la última Edad de Hielo y al comienzo del Holoceno, el periodo geológico actual.
Sociedades de Urales y Siberia eran más sofisticadas de lo que se pensaba
Su compleja iconografía de motivos geométricos y rostros humanos sugiere que las antiguas sociedades de la región eran más sofisticadas de lo que se pensaba. «Las nuevas pruebas de Shigir hacen soñar a los arqueólogos con el aspecto que podría tener el registro arqueológico si los restos de madera se hubieran conservado en mayor abundancia», afirmó a The New York Times el arqueólogo Olaf Jöris, del Instituto de Investigación Arqueológica Leibniz.
«El ídolo fue tallado durante una época de grandes cambios climáticos, cuando los primeros bosques se extendían por una Eurasia más cálida de finales de la glaciación a la postglaciación», explicó, por su parte, Terberger a The New York Times.
El ídolo estaba en diez piezas diferentes cuando se descubrió por primera vez en 1890 y se desechó como «curiosidad» de una época anterior –en aquel momento era imposible establecer su antigüedad–.
Visión occidental de la historia
Tal y como informa el diario neoyorquino, los investigadores llevan décadas preguntándose por la edad de la escultura de Shigir. El debate tiene importantes implicaciones para el estudio de la prehistoria, que tiende a enfatizar una visión occidental del desarrollo humano.
En 1997, unos científicos rusos dataron el tótem con carbono hace unos 9.500 años. Muchos miembros de la comunidad científica rechazaron estos hallazgos por considerarlos inverosímiles: reacios a creer que las comunidades de cazadores-recolectores de los Urales y Siberia hubieran creado arte o formado culturas propias, dice Terberger, los investigadores presentaron en cambio una narrativa de la evolución humana que se centraba en la historia europea, con las antiguas sociedades agrícolas del Creciente Fértil sembrando finalmente las semillas de la civilización occidental.
Las opiniones predominantes durante el siglo pasado, añade Terberger, consideraban a los cazadores-recolectores como «inferiores a las primeras comunidades agrarias que surgieron en esa época en el Levante». Al mismo tiempo, «las pruebas arqueológicas de los Urales y Siberia fueron subestimadas y descuidadas».
En 2018, los científicos, incluido Terberger, utilizaron la tecnología de espectrometría de masas con acelerador para argumentar que el objeto de madera tenía unos 11.600 años de antigüedad. Ahora, la última publicación del equipo ha hecho retroceder aún más esa fecha de origen.
¿Te pasas horas mirando las cuentas de quienes sigues en las redes sociales?
BBC News(K.Arneson) — Dado que nuestros mundos sociales se redujeron como resultado de la pandemia, las vidas de los demás nunca han sido más atractivas.
Estamos consumiendo artículos fotográficos que capturan los días de trabajo del personal médico sobrecargado, leyendo noticias sobre políticos que rompen la cuarentena y celebridades que viajan en avión a islas privadas.
Algunos de nosotros miramos afuera para ver qué vecinos usan mascarilla para sacar la basura.
Y también pasamos una cantidad récord de tiempo en internet.
Solo en Reino Unido en junio pasado los adultos estuvieron en promedio una cuarta parte del día usando internet, según Ofcom, la autoridad estatal que regula los medios de comunicación en ese país.
Mientras que una encuesta global al comienzo de la pandemia descubrió que el 40% de los usuarios pasaba más tiempo en redes sociales.
No es una sorpresa que estemos consumiendo información, noticias y actualizaciones personales.
Como especie siempre hemos tenido curiosidad.
Los humanos somos curiosos. Es parte de nuestra especie.
Nuestras propias historias están formadas por los intercambios que tenemos con las vidas e historias de otras personas, dice Anne Chappell, profesora titular de la Universidad Brunel de Londres, quien recientemente examinó este comportamiento junto con la profesora asociada de la Universidad de Plymouth, Julie Parsons.
Sin embargo, durante la pandemia, nuestro interés por la vida de otras personas parece estar alcanzando nuevos niveles.
Aunque puede parecer algo indiscreto —o incluso voyerista— este impulso puede no ser algo malo.
En momentos como estos, cuando los comportamientos y las normas no tienen precedentes y están evolucionando, observar a otras personas puede ayudarnos a procesar cada altibajo de la pandemia, e incluso a aprender a adaptarnos.
Un entendimiento compartido
Por supuesto, el voyerismo no es nuevo.
Tuvimos páginas de sociedad que publicaban relatos de celebridades al estilo Kim Kardashian en periódicos del siglo XIX, mucho antes de que tuviéramos la revista People, que surgió mucho antes que las historias de Instagram.
Observar la vida de los otros no es algo nuevo…
Hoy, sin embargo, tenemos muchas más formas de mirar por encima de la pared metafórica que hace solo una década.
Los proveedores de noticias se han multiplicado y ofrecen artículos de opinión y fotográficos que agregan dimensión y perspectivas humanas a las historias del día.
En las redes sociales, no solo tenemos Facebook, sino Instagram, Snapchat, TikTok y ahora Clubhouse: una abundancia de plataformas diversificadas que brindan diferentes formas de observar a los demás.
Sin embargo, este deseo de mirar la vida de los demás no es solo voyerismo.
La palabra en sí misma, dice Chappell, a menudo implica un comportamiento ilícito o sexual. Puede ser un observador pasivo que mira a otros participar activamente, a veces, pero no siempre, con el consentimiento de quienes están siendo observados.
Sin embargo, lo que obtenemos al mirar las cosas de otras personas —un acto que a menudo es inconsciente de nuestra parte— no es una «fascinación mórbida». Es más bien, un intercambio más activo, un esfuerzo por darle sentido al mundo que nos rodea.
Chappell menciona los diarios íntimos e históricos de personas como Ana Frank, destacando que son los pensamientos de más de una persona. Ellos nos hablan tanto de la vida individual como de la manera en la que funcionaba la sociedad a su alrededor.
Entonces nuestro deseo de observar parece nacer de una ambición de intercambiar información sobre quiénes somos a través de las historias que contamos sobre nosotros mismos.
«Todas las historias que experimentamos directamente, en persona con otras personas, y aquellas historias sobre las que leemos, vemos, escuchamos y con las que nos relacionamos, están teniendo algún tipo de impacto en la configuración de nuestra comprensión compartida de la sociedad», describe Chappell.
Aprendizaje y procesamiento
Desde que la pandemia de la covid-19 se extendió por todo el mundo, estamos aún más interesados en estas historias.
«Con el aumento del aislamiento social durante la pandemia, somos más curiosos y estamos más interesados en la vida de quienes nos rodean», opina la psicóloga Sabrina Romanoff.
Nuestro mayor deseo de consumir todo tipo de información refleja en parte nuestra reducida vida social diaria.
Ya sea que se trate de colegas de la oficina que extrañamos o de los padres del equipo de fútbol de un hijo, «con el aumento del aislamiento social durante la pandemia, somos más curiosos y estamos más interesados en la vida de quienes nos rodean», asegura Sabrina Romanoff, psicóloga clínica en el Hospital Lenox Hill de la ciudad de Nueva York.
Las redes sociales, algo que trae un elemento de escapismo desde las mismas cuatro paredes, nos permiten mirar la vida de los demás en un plano virtual, ya sea analizando las estanterías de los entrevistados u obsesionándose con una receta viral que extraños hacen en sus cocinas.
Proporcionan un placebo para las oportunidades de conexión en el mundo real que fueron eliminadas, opina Laura Tarbox, experta en estrategia cultural y de marca que estudia los cambios y comportamientos emergentes en las redes sociales.
Aunque estas interacciones pueden no ser tan satisfactorias como los encuentros en la vida real, las plataformas de redes sociales son una de las pocas formas que nos quedan para conectarnos espontáneamente con otros humanos, dice Romanoff.
Plataformas como TikTok, Instagram y Snapchat nos ayudan a cruzar caminos virtuales con aquellos que de otra manera probablemente nunca conoceríamos durante el confinamiento, agrega Tarbox.
Las redes sociales también juegan un papel en el establecimiento rápido de nuevas normas, algo que se hace evidente cuando nos avergonzamos de las fotos de invitados en una boda, o juzgamos en Instagram las fotos de una cuenta de una celebridad llenas de palmeras que claramente no son de viajes esenciales.
«Hemos estado monitoreando las redes sociales, tanto consciente como inconscientemente, para comprender las nuevas ‘reglas’ de aceptabilidad durante la pandemia. En resumen, para absorber un nuevo código social que se está creando en tiempo real«, explica Tarbox.
«¿Qué es aceptable hacer, cómo deberíamos comportarnos, con quién está bien estar y qué es seguro compartir?… Las redes sociales son donde captamos las señales y aprendemos las reglas», afirma.
Observar la vida de los profesionales médicos nos ayuda a procesar el impacto de la pandemia en nuestra sociedad.
Esas reglas también se alimentan con otras fuentes de información, ya sea leyendo artículos, viendo documentales u observando a los transeúntes. Entonces se convierten en nuestro libro de texto para tiempos que cambian rápidamente.
«Usamos a otros como datos», dice Romanoff. «La gente usa estos datos para medir cómo hacer valoraciones y evaluaciones sobre sus propias vidas. Somos criaturas sociales y dependemos de otros miembros de nuestra tribu y comunidad para referirnos a ellos cuando hacemos juicios» de valor.
Las vidas de otras personas, ya sea un documental médico de televisión, una publicación en Facebook sobre la abuela de un amigo afectada por la covid-19 o la sección de comentarios de una noticia que anuncia un número récord de muertes, también proporcionan un lugar para el procesamiento colectivo de esta situación sin precedentes.
Ver los temores de los demás expuestos en una publicación, o validados por otros que les gustan o comentan sobre ella, puede tener un efecto calmante, detalla Romanoff.
Agrega que este es un proceso llamado «identificación proyectiva».
«Los aspectos del yo, como el miedo y el pavor, se separan y se atribuyen a una fuente externa, como la actualización de estado de un amigo en Facebook o un artículo catastrófico compartido cientos de veces», ejemplifica.
«Seres con historia»
Por supuesto, el consumo de muchas noticias, de redes sociales o incluso el espiar lo que hace el otro pueden resultar en un exceso.
«Siempre estamos mirando al ‘Otro’ porque somos seres con historia, porque le damos sentido a nuestras vidas en relación con los demás», resume la profesora Anne Chappell.
Cuando nuestros procesos cognitivos están sobrecargados al tratar de integrar información angustiosa en nuestros mundos internos, «solo agrava e intensifica el estrés y la ansiedad que la gente ya está experimentando», dice Romanoff.
Incluso si es inconsciente, es una forma de hacer frente a las limitaciones de nuestro tiempo, procesar nuestras ansiedades personales y dar sentido a nuestro extraño mundo nuevo.
«Siempre estamos mirando al ‘otro’ porque somos seres con historia, porque le damos sentido a nuestras vidas en relación con los demás», resume Chappell.
Infobae(F.L.Muñóz/F.P.Fernández)/NationalGeographic(J.Gavaldá) — El microbiólogo y teniente general del ejército japonés condujo el escuadrón 731, una fachada para poner a prueba en humanos armas químicas y biológica y sus capacidades para resistir diferentes tipos de torturas.
Se calcula que unas 12 mil personas habrían muerto en sus ensayos.
En el marco de la Segunda Guerra Sino-Japonesa (1937-1945), y coincidiendo en parte con la II Guerra Mundial, el Ejército Imperial Japonés desarrolló un ambicioso programa de investigación de armas biológicas y químicas, poniendo en marcha experimentos a gran escala con seres humanos.
Para ello fueron creadas una serie de unidades de investigación médica, planificadas por el microbiólogo Shirō Ishii, posteriormente teniente general del Ejército Japonés.
A ellas se atribuyen miles de crímenes, así como horrendos experimentos médicos.
Estuvo al mando del Escuadrón 731, y hay quienes lo llaman el «Mengele» japonés por la serie de atroces experimentos que cometió, que incluso llegaron a superar a los cometidos por su tristemente célebre colega nazi.
Es posible que su comparación con el «ángel de la muerte» del Tercer Reich pueda quedarse corta ya que aunque sus aliados alemanes llevaron a cabo experimentos inhumanos, los científicos japoneses no se quedaron atrás. El horror en su bando tiene nombre propio: Shirō Ishii.
El cerebro organizador: Shirō Ishii
El responsable máximo del desarrollo de estos programas de investigación, focalizados inicialmente en el perfeccionamiento de armas de guerra químicas y biológicas.
Ishii nació en Shibayama, distrito de Sanbu, en 1892 y estudió Medicina en la Universidad Imperial de Kioto. Rápidamente ingresó en el Ejército y en 1922 fue asignado al Hospital del Primer Ejército y la Escuela Médica Militar de Tokio.
Fotografías de los experimentos con armas químicas realizados por unidades especiales del Ejército Imperial japonés en el territorio ocupado de Manchuria.
Dos años más tarde se especializó en microbiología, publicando numerosos artículos en revistas científicas. En 1928, Ishii efectuó un viaje de dos años a Europa para recabar información sobre los efectos de las armas biológicas y químicas durante la I Guerra Mundial.
A su regreso a Japón, Ishii se dedicó a promover entre sus superiores la necesidad de la investigación y fabricación de armas biológicas. Creía firmemente que la guerra moderna sólo se podía ganar mediante la ciencia y su capacidad para producir armas de destrucción masiva.
Paradójicamente, Ishii tendría años más tarde la prueba definitiva sobre la «efectividad» de este tipo de armas con los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki.
En 1930 ascendió a comandante y fue nombrado profesor de Inmunología de la Facultad de Medicina del Ejército en Tokio.
Allí, protegido por Koizumi Chikahiko, un alto cargo militar del Ejército Japonés muy interesado en la guerra química, Ishii organizó un departamento de Inmunología dedicado a investigaciones sobre guerra biológica.
Además, también le apoyaron importantes figuras políticas y militares de los círculos ultranacionalistas japoneses, como el general Nagata Tetsuzan o el Ministro de Guerra, Araki Sadao.
Finalmente, un hecho fortuito fue decisivo para que sus teorías fueran escuchadas. A su regreso de Europa, se desató una epidemia de meningitis en la región de Shikoku, e Ishii diseñó un filtro especial para el agua que ayudó de un modo decisivo a frenar la expansión de la epidemia.
El éxito fue tan abrumador que su talento como epidemiólogo empezó a ser muy tenido en cuenta, sobre todo por el ejército, al cual se dirigió para que sus teorías acerca del armamento biológico fueran al fin escuchadas.
Soldados japoneses custodiando prisioneros chinos durante el periodo invernal en Manchuria para un experimento de congelación.
La toma de Manchuria por el Ejército Japonés dio a Ishii la oportunidad de utilizar seres humanos en sus investigaciones. En 1932, comenzó sus experimentos preliminares sobre guerra biológica en zonas ocupadas de China como parte de un proyecto secreto.
Bajo la cobertura de un plan para la potabilización de agua para las tropas japonesas en China, desde 1936, Ishii fue organizando departamentos de Prevención Epidémica y Abastecimiento de Agua, que eran, en realidad, centros y unidades de investigación médica, destacando la tenebrosa Unidad 731.
En 1939, Ishii tenía bajo su mando una gran red de centros, como los ubicados en Harbin, Beijing, Nangjing, Guangzhou, Singapúr y Tokio, con más de 10 000 trabajadores.
En 1940, Ishii fue nombrado Jefe de la Sección de Guerra Biológica del Ejército de Kwantung y, entre 1942 y 1945, ejerció como Jefe de la Sección Médica del Primer Ejército.
Los centros de experimentación
En 1936, el doctor Ishii se trasladó al distrito de Pingfang, a unos 20 km de Harbin, para crear un gran complejo de investigación, con 6 km cuadrados y más de 150 edificios, construido por 15.000 esclavos civiles chinos, de los que un tercio fallecieron debido a las duras condiciones de trabajo.
Este fue el epicentro de la tristemente célebre Unidad 731, también conocida en algunos momentos como Unidad Togo o Boeki Bu y técnicamente como “Escuadrón de Prevención Epidémica y Purificación del Agua”. En su momento de mayor actividad trabajaban allí 3 000 empleados, de los que el 10% eran médicos.
El Escuadrón 731, dirigido por Ishii, realizó en Pingfan numerosos experimentos con prisioneros, infringiéndoles grandes sufrimientos.Se estima que entre 3.000 y 6.000 personas, incluyendo niños, murieron víctimas de los mismos, además de otros muchos que fallecerían por las epidemias causadas.
Fotografías de los experimentos con armas químicas realizados por unidades especiales del Ejército Imperial japonés en el territorio ocupado de Manchuria.
A finales de agosto de 1942, Ishii se trasladó de Pingfang a Nanking para participar en algunas campañas y experimentos. Uno de los objetivos a desarrollar fue el de contaminar todas las fuentes de agua del enemigo, dejando botellas con agua contaminada en los caminos o en las viviendas de las poblaciones cercanas.
Los experimentos
En los centros de experimentación se utilizaron prisioneros de guerra y detenidos políticos acusados de ser espías o miembros de la resistencia, fundamentalmente de origen chino, pero también soviéticos, mongoles y coreanos, además de enfermos mentales y discapacitados.
A los prisioneros forzados chinos se les llamaba “marutas”, que viene a significar “troncos” o “leños”, pues parte de la Unidad 731 estaba camuflada como un aserradero.
Ishii y sus colegas investigaron fundamentalmente sobre enfermedades infecciosas, inoculando a sujetos sanos los gérmenes del cólera, tifus, difteria, botulismo, ántrax, muermo, brucelosis, disentería, sífilis, peste, etc., para analizar el desarrollo de las enfermedades y probar la efectividad de ciertas vacunas.
Las víctimas eran forzadas a comer alimentos infectados o a beber líquidos contaminados, o bien se les obligaba a portar objetos o ropas contaminadas.
También se utilizaron cobayas humanos para probar la eficacia de las armas convencionales y de agentes químicos y biológicos como armas de guerra: se usaron blancos humanos para probar la efectividad de granadas, lanzallamas o bombas explosivas, se les obligaba a beber iperita o se les exponía a ácido cianhídrico y gas mostaza.
Médicos de la Unidad 731 extrayendo órganos en una necropsia.
También se realizaron experimentos de carácter fisiológico, muy similares a los efectuados por los médicos nazis, como la valoración del tiempo de asfixia tras colocar cabeza abajo a los prisioneros y de embolia después de la inyección intravascular de aire.
Se probaron los efectos de la inyección de orina de caballo y de agua de mar, la privación de alimentos, agua o sueño, la congelación, las radiaciones masivas con rayos X. Algunos prisioneros fueron incluso colocados dentro de máquinas centrífugas para determinar el tiempo de supervivencia.
Los experimentos de hipotermia eran una de las especialidades de Ishii. En ellos, se exponía a los prisioneros a temperaturas extremas durante los meses más fríos del año en distintas condiciones (con ropa mojada, con dieta normal, con dieta hipocalórica, etc.) y luego se estudiaban diferentes formas de reanimación.
La Unidad 731 realizó experimentos congelando extremidades de prisioneros y calentándolas luego con agua, observando la temperatura a la cual se desprendían la piel y los músculos.
Al finalizar aquellos «experimentos», y habiéndose quedado cortos los ensayos con la microbiología, Ishii decidió ir un paso más allá. Para ello se propuso explorar los límites de la resistencia humana y sometió a sus «pacientes» a la amputación de brazos y piernas sin anestesia.
También se dedicó a congelar y descongelar miembros para arrancarlos posteriormente. Asimismo, Ishii y su equipo sometieron a los sujetos de estudio a dosis letales de rayos X, los quemaron con lanzallamas, fueron expuestos a gases, los deshidrataron hasta la muerte y les inyectaron sangre de animales, entre otras torturas indescriptibles.
Aparte de experimentar con seres humanos, Ishii también lo hizo con animales, sobre todo con gatos. Para este experimento hizo pasar hambre a cien ratas que luego soltó en una habitación donde había encerrado a un gato bien alimentado. La conclusión de aquel ensayo era demostrar que un animal «inferior» es capaz de acabar con uno superior cuando se «trabaja» en equipo.
Existe constancia gráfica de la práctica de vivisecciones y autopsias en prisioneros moribundos, algunas realizadas por el propio Ishii, con el objetivo de obtener las muestras lo más frescas posible.
También se realizaron otras prácticas quirúrgicas: apendicectomías y traqueotomías, extracción de balas previamente disparadas a los prisioneros, amputaciones de miembros y, finalmente, asesinato de los sobrevivientes.
Hipotética fotografía del teniente general Shiro Ishii, responsable de la Unidad 731, realizando una vivisección.
Estas prácticas quirúrgicas estaban integradas, supuestamente, en el programa de formación de cirujanos del Ejército, para enseñarles cómo manejar a los soldados heridos en el frente.
Incluso se llegaron a publicar, después de la guerra, varios artículos en revistas médicas que estaban basados en estos experimentos.
¿Incapaces?
En la imagen, el campo de pruebas de la Unidad 731 en China, Shiro Ishii y la bomba biológica desarrollada por su equipo.
En un principio, los estadounidenses no se tomaron demasiado en serio el programa de armamento biológico japonés.
La supuesta superioridad norteamericana respecto a los científicos del País del Sol Naciente se revela en unos informes de la época en los que se afirma que: «Los japoneses serían incapaces de desarrollar armas biológicas sin la ayuda de científicos blancos».
Pero una vez iniciada la Segunda Guerra Mundial, muchos soldados estadounidenses, británicos y australianos serían víctimas de los métodos empleados por la Unidad 731.
Durante la campaña del Pacífico, fueron capturados algunos médicos nipones que habían pasado por la terrible Unidad 731.
En ese momento, los norteamericanos no solamente descubrieron que el programa de armamento biológico japonés se encontraba mucho más avanzado de lo que habían sospechado, sino que al ser interrogados dieron a conocer el nombre de Shiro Ishii.
Pero las atrocidades y los crímenes cometidos en los campos de la Unidad 731 no fueron castigados de la misma manera que lo serían posteriormente los cometidos por los nazis.
El general Douglas MacArthur creyó que los Estados Unidos podían aprovecharse de los descubrimientos realizados por Ishii.
Nunca pasó, ni la justicia se pronunció
A pesar de que todos los experimentos quedaban perfectamente documentados en papel o en película, la mayor parte de las pruebas fueron destruidas, aunque se salvaron numerosas fotografías. Incluso los centros de experimentación fueron destruidos mediante explosivos durante los días próximos al final de la Guerra, previo asesinato de todos los prisioneros, tanto los infectados como los sanos, así como de los trabajadores civiles chinos, mediante inyecciones de cianuro potásico.
Tras la rendición de Japón en 1945, las autoridades, que habían alabado y premiado el trabajo llevado a cabo por Ishii, derribaron el campo de exterminio y procuraron borrar cualquier huella de las atrocidades cometidas tras sus muros.
Pero, como si de una venganza final se tratara, antes de marchar, los responsables del campo ejecutaron a los últimos prisioneros que quedaban y soltaron ratas y pulgas infectadas.
Aquella terrible acción provocó que durante los siguientes años, miles de personas murieran a causa de la peste y otras enfermedades infecciosas.
Prisioneros en la sala del Tribunal Internacional de Crímenes de Guerra para el Lejano Oriente el 14 de mayo de 1946.
Se estima que, en el marco de estos programas, podrían haber sido asesinadas directamente hasta 12.000 personas, aunque algunos historiadores cifran las muertes causadas por el Escuadrón 731 entorno a las 200.000.
No obstante, si se estimaran las muertes provocadas por las epidemias, la cifra podría elevarse hasta 580.000. En cualquier caso, los experimentos realizados en estos centros fueron calificados por la Organización de Naciones Unidas como “crímenes de guerra”.
Mientras que los médicos nazis fueron juzgados, en el marco de los Juicios de Núremberg, por un Tribunal Militar Internacional, siendo algunos de ellos condenados a muerte o a largas penas de prisión, no hubo ningún juicio contra los médicos del Escuadrón 731.
Oficiales científicos de la Unidad 731. Fotografía tomada el 25 de Junio de 1943, en el 8º aniversario de su creación.
Únicamente 12 oficiales japoneses de bajo rango fueron juzgados por la Unión Soviética en Khabarovsk (Siberia), en 1949, y las penas fueron muy limitadas (entre 2 y 25 años).
Ishii, quien fingió su propia muerte e intentó huir, fue arrestado por los estadounidenses en 1946.
Tanto él como otros integrantes del Escuadrón 731 lograron negociar su inculpación e inmunidad en el Juicio de Tokio (Tribunal Penal Militar Internacional para el Lejano Oriente, TIPLE), que comenzó el 27 de abril de 1946, a cambio de todos los datos sobre guerra biológica obtenidos de sus experimentos con seres humanos, y sin publicidad alguna.
De esta forma, Ishii nunca llegó a ser procesado por crímenes de guerra.
El doctor Shirō Ishii, organizador y máximo responsable de la tenebrosa Unidad 731 del ejército japonés.
Muchos de los científicos implicados en las actividades criminales de las Unidades de experimentación continuaron su actividad investigadora después de la Guerra, siendo incluso protegidos.
Ishii abrió una clínica de atención gratuita y murió en Tokio de un cáncer de garganta, tras convertirse al cristianismo, en 1959. Tenía 67 años de edad.
Una conspiración de silencio sigue rodeando estos hechos. En palabras de los propios perpetradores, fue “el secreto de los secretos”. Nunca pagó por las atrocidades cometidas, incluso en los juicios de Tokio se alegó que no había pruebas suficientes para acusarlo, y la opinión pública mundial nunca conoció los hechos cometidos en los campos hasta que la década de 1980, cuando la historia apareció en los medios de comunicación.
Sheldon Harris, historiador de la Universidad del Estado de California, ha calculado que las víctimas de Ishii pudieron rondar las 200.000. Pero, ¿cuánta gente murió a causa de las epidemias que posteriormente provocó? Algunas fuentes elevan la cifra hasta 580.000, y las víctimas de las torturas del Escuadrón 731 pudieron llegar a 12.000.
EspacioMisterio(L.Gómez/Y.Díaz)/ElMundo(J.Lázaro)/ElCorreoDeAndalucía(A.P.Mayor) — En Coria, un pequeño pueblo de Cáceres, se conserva una reliquia muy desconocida: el sagrado mantel sobre el que, si atendemos a la tradición bíblica, Cristo habría instituido el sacramento de la Eucaristía.
Existe un único mantel sagrado en toda la cristiandad, aunque hay pequeños trozos en lugares como un monasterio cerca de Colonia (Alemania) o Monforte de Lemos (Galicia); sin embargo, aunque se piensa que algunos de estos trocitos podrían proceder de la reliquia cauriense, no existe ningún tipo de comprobación científica.
Son diversas las leyendas que intentan explicar la presencia de este mantel en tierras extremeñas. Una de las teorías afirma que la pieza habría sido trasladada hasta Roma, en el siglo III, por santa Elena, madre del emperador Constantino.
De ahí, aseguran, habría pasado a Carlomagno, y de este a los templarios. Afirma la leyenda que habría llegado hasta Coria tras la conquista de la ciudad por parte de Afonso VII pero, en todo caso, la mayoría de teorías coinciden en señalar a los caballeros templarios como los responsables de la llegada del mantel a Extremadura, y es que tenemos muchos datos de la presencia del Temple en esta región española.
En Coria, en concreto, estuvieron un par de años en torno a la segunda mitad del siglo XII. “Hay muchos autores que han recogido la leyenda que dice que los templarios tenían un mantel de la Última Cena y que haciendo una serie de conjuros se llenaba de alimentos.
La base de realidad de esta leyenda estaría en la costumbre de los templarios de, cada jueves santo, sacarlo para dar de comer a los pobres”, nos explica Óscar García, responsable del museo de la catedral de Coria, añadiendo que “no se puede afirmar con rotundidad pero podría ser que los templarios, cuando cae la orden, durante su huida hacia Portugal a comienzos del siglo XIV, se refugiaran en Coria y dejaran el mantel en la catedral; pero todo son conjeturas e hipótesis”.
Tras ser escondida, la reliquia habría aparecido más tarde en un arca, con motivo de obras o reformas en dicha catedral.
Según la tradición el mantel sagrado usado durante la Última Cena sería éste conservado en Coria, en Cáceres
Se conserva en el museo catedralicio de Coria una bula del Papa Luna, Benedicto XIII. Data de 1404 y lo que dice es que se otorga indulgencia plenaria a los visitantes del relicario cauriense. “En este pergamino se dice que aparecen las reliquias en ciertas arcas o cajas, y aunque no se cita al mantel se piensa que, muy probablemente, esta pieza ya formaba parte de ese conjunto de reliquias”, explica Óscar García.
La bula también señala que esas reliquias eran exhibidas el día de la Invención de la Santa Cruz, el 3 de mayo, y que acudían miles de fieles desde lugares lejanos con el fin de poder contemplar estos objetos.
El profesor John Jackson, ex científico de la NASA y director del Turín Shroud Center de Colorado, cree que el sagrado mantel de Coria y la sábana santa habrían sido los manteles utilizados durante la Última Cena
Está documentado que en el siglo XV y XVI llegaban a Coria más de 4.000 personas para venerar el mantel. Este fervor provocó que el mantel sufriera celebración de eucaristías sobre él, besos, desgarros, etc.
Por todos estos detalles, el cabildo catedralicio ha tenido muchos problemas a lo largo de los últimos siglos, debido, principalmente, a los tumultos que formaban los fieles. En 1791, el obispo Juan Álvarez de Castro toma la decisión de prohibir las ostensiones públicas.
El motivo: proteger al mantel de los extremismos de los creyentes y, también, de la Guerra de la Independencia española.
ESTUDIOS CIENTÍFICOS REALIZADOS AL SAGRADO MANTEL
Lo que más llama la atención cuando se está frente a la arqueta que contiene al mantel de Coria es que ese tejido no da la impresión de tener la antigüedad que los expertos le atribuyen. Está sorprendentemente bien conservado, algo que muchos consideran un milagro.
El primer estudio científico que se lleva a cabo sobre el mantel se realiza en 1960 por parte del Museo de Ciencias Naturales de Madrid. Óscar García asegura que “intervinieron expertos como el profesor Carreto Ibáñez o el gran experto en tejidos e historiador del arte Manuel Gómez Moreno. Miguel Ángel Muñoz de san Pedro, Conde de Canilleros, también estuvo presente en el estudio y publicó un libro, Coria y el Mantel de la Sagrada Cen”. En esa obra, él no explica muy bien qué se hace al mantel pero dice que los expertos estaban convencidos de que tenía una antigüedad superior a los 2000 años.
Con respecto al tejido del mantel, señalan que se trataba de lino procedente de Arabia Saudí. El Museo de la catedral de Coria se ha puesto en contacto con el Museo de Ciencia Naturales de Madrid para encontrar los documentos relacionados con este estudio, pero no aparecen en ninguna parte.
Detalle del Mantel de Coria
El profesor John Jackson, ex científico de la NASA y director del Turín Shroud Center de Colorado, cree que el sagrado mantel de Coria y la sábana santa habrían sido los manteles utilizados durante la Última Cena. “En el año 2006 el profesor John Jackson se interesa por el mantel.
A través del Centro Español de Sindonología se entera de la existencia de la reliquia y envía a Coria a un grupo de expertos. Estos estudiosos observan que el mantel es de lino de la península arábiga y que la sarga va haciendo rombos concéntricos con una angulación de unos 45 grados.
También se percatan de que el tinte es índigo natural, antiquísimo, posiblemente del siglo I. En cuanto a la antigüedad del mantel, consideran que sería superior a los 2000 años. Y la torsión del tejido es la misma que la de la sábana santa y el pañolón de Oviedo”, explica Óscar García.
La Sábana Santa podría haber sido uno de los manteles que Cristo utilizó durante su última Pascua judía
John Jackson, autor del descubrimiento, examinando el mantel de Coria.
Parece ser que, desde el año 78, cuando Jackson investigó la síndone, tiene la idea de que la sábana santa podría ser un mantel y, más en concreto, el que utilizara Cristo durante su última Pascua judía.
El equipo del profesor Jackson cree que ante la precipitación con la que ocurrieron los hechos tras la condena de Jesús de Nazaret, se valieron de lo que tenían a mano en aquel momento para amortajar su cuerpo: el mantel de la Última Cena.
“En esta celebración se usaban dos manteles y su idea es que el de Coria es uno de los manteles y el otro sería la sábana santa. El de Coria cree que sería el mantel propiamente dicho, por la riqueza decorativa que tiene, y la síndone podría ser el mantel que se usaba por puro simbolismo, para tapar los alimentos por aquello de la huida de Egipto y la caída del maná bíblico.
Ese mantel simboliza el resguardar los alimentos del polvo del desierto”, expone el técnico del museo de la catedral cauriense. Hay que tener en cuenta, además, que las dimensiones de ambas piezas son prácticamente idénticas: de largo la sábana santa mide 4,36 metros y el mantel de Coria 4,32 metros (teniendo en cuenta los trozos que le faltan); en cuanto a la anchura, la sábana santa mide 1,10 metros y el mantel de Coria 92 centímetros.
Lourdes Gómez ante el mantel que se conserva en el Museo de la Catedral cauriense
Actualmente, el mantel de Coria sigue en proceso de investigación y hay que esperar a que John Jackson publique el resultado de sus pesquisas para conocer más datos sobre una reliquia tan fascinante, sobre un objeto que a pesar de que puede ser visitado cada día en la catedral de Coria, sigue siendo una pieza muy desconocida. Acaba de lanzarse la página web mantelsagradodecoria.com para dar a conocer esta reliquia única en el mundo.
La similitud del hilo
Sus conclusiones las apoyan otras investigaciones anteriores. En 2001, el Centro Español de Sindonología comprobó que el hilo que conforma la trama de la tela está torsionada en «Z».
«Curiosa y casualmente el mismo tipo de torsión que el hilo de la Síndone de Turín», apunta Ignacio Dols.
Y el CSIC analizó la tintura azul que decora las bandas del mantel, concluyendo que se trata de «índigo natural», un colorante de uso común en la antigüedad, introducido en Europa en el S. XVI, 200 años después de que fuera encontrada la reliquia de Coria.
Existe además la teoría de que el mantel de Coria es el mismo que Da Vinci inmortalizó en La última cena, ya que ambos están decorados con bandas azules.
El periplo de esta pieza única está lleno de misterios y leyendas. La primera referencia documental es de 1404, cuando Benedicto XIII, el llamado Papa Luna, otorgó una bula por la que reconoce su autenticidad y permite su exposición y culto cada 3 de mayo.
Todo el interés suscitado no hace si no recordar el fervor que despertaba siglos atrás, cuando ese día se exponía en el balcón de la Catedral de Coria. Miles de personas acudían a contemplar y tocar un mantel al que se le atribuían propiedades milagrosas.
Tal era el fervor que se desataba que, temiendo por la integridad del mantel y de los fieles que luchaban por tocarlo, el obispo Juan Álvarez de Castro prohibió las ostensiones públicas en el XIX. Con el tiempo la reliquia cayó en olvido. Ahora recupera la fama del pasado.
Un poco de la historia del viaje del mantel a Coria.
La primera de las teorías la relaciona con otro objeto sagrado de nuestro país, el célebre Lignum Crucis, o fragmento de la Cruz de Cristo custodiado en el monasterio de Santo Toribio de Liébana (Cantabria).
Según la tradición, ambas piezas habrían sido traídas a Europa por Santa Elena, madre del emperador Constantino, tras una peregrinación a Tierra Santa en el siglo III.
El mantel de la Última Cena en la catedral de Coria
De ser cierta esta hipótesis, antes de arribar a la provincia de Cáceres, la reliquia habría pasado primero por Roma, pues Elena levantó una iglesia dedicada a albergar sus hallazgos —que hoy recibe el nombre de Santa Croce—.
Otros se inclinan por la tesis según la cual el lienzo habría llegado a Coria desde Francia, tras la conquista de la ciudad por Alfonso VII. En este caso el portador habría sido Iñigo Navarrón, primer obispo de la diócesis de Coria-Cáceres tras la reconquista de 1142, quien a su vez participó en el Concilio de Reims en 1148; o incluso su sucesor en el cargo, Suero I, del que sabemos que residió en Roma junto al Papa Eugenio III.
Por último, no hemos de olvidar la tradición oral, y posteriormente escrita, que mantiene que el Mantel de la Última Cena se conserva en Coria al menos desde el siglo XIV, como consecuencia de un regalo que hizo San Luis Rey de Francia, a su fallecimiento, al Archiduque Rodolfo de Habsburgo, quien sería emperador en el año 1273.
Sea cual fuere su procedencia, lo que sí parece probable es que dicha pieza estuviese custodiada durante un tiempo por la mítica Orden del Temple.
La leyenda de Fierabrás
Y es que la relación de esta orden caballeresca con Extremadura siempre fue muy estrecha.
En el caso de la reliquia de la Última Cena, su vinculación surge a través de Alconétar, lugar a orillas del Tajo donde los templarios edificaron un castillo sobre las ruinas de un templo romano (en torno a 1167).
Según una leyenda local, Carlomagno fue uno de sus primeros poseedores. Tras vencer al emperador de Alejandría, Fierabrás, en el sitio de Alconétar, el valeroso líder quiso festejar la hazaña organizando un banquete.
Al no existir víveres, un musulmán cautivo le reveló la existencia de un tesoro bajo la torre de Floripes —perteneciente a la fortaleza primitiva extremeña—, el cual incluía unos «manteles mágicos» que, al conjuro de ciertas fórmulas, hacían surgir de la nada toda clase de alimentos y bebidas.
Tela que, tras la disolución de la Orden del Temple, se descubriría ‘casualmente’ en el subsuelo de la catedral vieja de Coria, pasando posteriormente a ser propiedad de la Iglesia.
Es entonces cuando los «conjuros» pasan a convertirse en «rezos», organizándose cada Jueves Santo una comida de caridad con los mencionados manteles, expuestos sobre una gran mesa en el patio del castillo.
De Coria a Viena
Aunque este relato es poco conocido en la actualidad, lo cierto es que en siglos anteriores la pieza gozó de gran devoción entre los caurienses.
No en vano, desde el año 1495 hasta 1791, cada 3 de mayo se celebraba en Coria la fiesta «de las tres reliquias». A saber: el Lignum Via, la Santa Espina y el Sagrado Mantel. Ese día las reliquias eran expuestas en público y el mantel se colgaba de un balcón a modo de pendón, pasando por debajo los vecinos y peregrinos llegados desde todos los rincones del país.
Como es lógico suponer, estos lo besaban y se frotaban con él, confiando en los milagros que se le atribuían. Unos usos que, a la postre, produjeron graves desgarros en la tela, nutriendo de fragmentos a lugares tan dispares como Viena —hoy podemos contemplar un fragmento en la Schatzkammer o Cámara del Tesoro de la capital austriaca—.
De ahí que en 1791, el obispo cauriense Juan Álvarez Castro acabase suprimiendo su adoración. Con esto decayó su culto, la leyenda sobre sus milagros y la feria que se organizaba en torno a ella.
Catedral de Coria
Vuelta a la luz pública
Pese a que en 1611 el confesor de Santa Teresa de Jesús, don Sancho Dávila y Toledo, Tesorero y Deán de la Catedral de Coria, publicó una obra en la que mencionaba la tela, no será hasta los albores del siglo XX cuando el mantel vuelva a interesar a la intelectualidad extremeña.
En esta ocasión serán Miguel Ángel Ortí y Eugenio Escobar quienes se encarguen de sacarlo a la luz con sendas publicaciones. Sin embargo, la gran aportación documental surge en 1961 y lleva la firma de Miguel Muñoz de San Pedro.
En Coria y el Mantel de la Última Cena, el conde de Canilleros realiza el primer trabajo serio de investigación, y lo hace atendiendo al contexto, a los recipientes donde se han venido conservando esta y otras reliquias ‘increíbles’, y al inventario completo de las mismas: desde fragmentos de huesos de los Santos Inocentes a la tierra del desierto donde ayunó el Señor, pasando por una piedra del lugar de la Anunciación.
Reliquias que, durante los siglos XVI y XVII fueron declaradas «auténticas», según Muñoz de San Pedro, por obispos como «don Diego Enrique de Almanza, en 1553; don Diego Deza, en 1570; don Pedro Serrano, en 1577; don García de Galarza, en 1579, 1584 y 1591, y Fray Juan Roco Campofrío, en 1633».
Si bien, la mayor parte de las páginas del libro están dedicadas a la ‘Gran Reliquia’, como la denomina el noble. Su narración arranca en el siglo I, en el llamado «Cenáculo», donde Jesús y sus discípulos celebraron la cena de Pascua, y continúa con la tradición literaria y artística en torno a este episodio, deteniéndose en un fragmento de los Hechos de los Apóstoles, en el que Pedro revela lo siguiente: «Estaba yo en la ciudad de Joppe orando, y vi en éxtasis una visión, algo así como un mantel grande suspendido por las cuatro puntas, que bajaba del cielo y llegaba hasta mí; y volviendo a él los ojos, vi cuadrúpedos de la Tierra, fieras y reptiles y aves del cielo. Oí también una voz que me decía: Levántate, Pedro, mata y come».
Texto que, según Muñoz de San Pedro, alude claramente a ‘comida sobre mantel’, lo que podría confirmar su uso durante la Última Cena. Seguidamente, el investigador menciona el paradero de algunos de los objetos utilizados aquella noche: «la mesa fue traída por el Emperador Tito y se encuentra en Roma, en San Juan de Letrán; el asiento del Señor, en la misma ciudad, y un pedazo, en El Escorial; la toalla con que secó los pies de sus discípulos, en Gladbach; un plato, en la Catedral de Génova; el Cáliz, en Valencia…».
Primer análisis científico
Aunque si hemos de destacar un capítulo interesante de su libro, este es el dedicado al primer análisis del lienzo, realizado en octubre de 1960 en los laboratorios del Museo de Ciencias Naturales de Madrid, bajo la dirección de los catedráticos don Francisco Hernández Pacheco y don Alfredo Carrato Ibáñez.
Un proceso que les permitió examinar la fibra con la que está tejida la tela mediante el uso del microscopio. Tras dicho análisis, refiere Muñoz, «el primer especialista español en telas, el ilustre arqueólogo y académico don Manuel Gómez Moreno, procedió al estudio del Mantel, en presencia del citado profesor Hernández Pacheco y del que esto escribe.
Después de largo y escrupuloso examen, dictaminó que, sin la más mínima duda, por garantizarlo así su estructura y técnica de fabricación, no usados en Occidente, el tejido es oriental, de manera más concreta, de procedencia arábiga».
En cuanto a la posibilidad de someterlo a la prueba del Carbono 14, tras las pertinentes consultas a especialistas como el profesor holandés Florchssius, esta fue descartada por el cabildo catedralicio, al conocer que una parte de la tela debería ser reducida a cenizas obligatoriamente, no garantizando en ningún caso que el resultado fuese satisfactorio.
Por último, en su excelente trabajo, Muñoz de San Pedro confirma la enorme devoción de la que gozó la reliquia entre los siglos XVI y XVIII, siendo sacada en rogativa por la peste de 1581, por malos temporales en 1675 o por el triunfo de las armas de Felipe V sobre las del Archiduque Carlos de Austria en 1705.
Y, asimismo, el conde de Canilleros refiere la mencionada supresión de su adoración pública en abril de 1791, hecho que obligó a que el objeto tuviese que ser venerado «a través de la reja de la Capilla del Relicario, dentro de su arqueta de plata y en la hornacina del retablo».
De este modo, el Siglo de las Luces supuso el fin del culto público de este importante vestigio, no volviendo a asomar hasta la segunda mitad del siglo XX, cuando Coria organizó una magna peregrinación en mayo de 1961.
Un hecho casual
Tras el citado episodio, no es hasta los albores del siglo XXI, y merced a un hecho casual, cuando el mantel de la Última Cena cobra un renovado protagonismo.
Esto se debe a la investigación llevada a cabo por el profesor John Jackson, director del Turin Shroud Centerde Colorado, y uno de los treinta expertos escogidos por el Vaticano para estudiar la Sábana Santa en 1978. El por qué Jackson llega a tener noticias de la tela extremeña ya es, de por sí, una historia curiosísima: «Estábamos visitando a un amigo arzobispo en EEUU, y en el transcurso de una conversación distendida mencionó la existencia de un mantel relacionado con la Última Cena de Cristo que se encontraba en España.
Mi mujer, Rebbeca, y yo quisimos saber más sobre el lienzo y si existiría la posibilidad de estudiarlo. Tras algunos contactos y pruebas que solicitamos que realizara el obispado, nos trasladamos en 2006 por primera vez hasta Extremadura».
Llegados a este punto, hemos de decir que el profesor Jackson fue quien descubrió que la figura visible en la Sábana Santa de Turín es una imagen tridimensional; o lo que es lo mismo, su impronta sobre la tela es proporcional a la proximidad del tejido con el cuerpo que contuvo.
En manos de la NASA
Cinco años después, un equipo de científicos de la NASA despliega bajo las bóvedas de la catedral de Coria un arsenal de lamparas de rayos ultravioleta, infrarrojos y aparatos de barrido, tras sellar uno a uno los ventanales.
Aunque es noche cerrada, cubren con paños cualquier rendija, de modo que ningún rayo de luz procedente de la calle interfiera en las pruebas. Mientras, un miembro de la agencia espacial norteamericana destiende cuidadosamente el tejido bajo el instrumental transportado ex profeso desde Denver.
El resultado de las pruebas es asombroso. Las dimensiones del mantel de Coria son casi idénticas al lienzo que se conserva en Turín, lo que para Rebbeca Jackson supone la confirmación de que, «la Sábana Santa y el mantel extremeño fueron usados conjuntamente en la Última Cena».
Esto podría deberse a que los judíos solían utilizar dos manteles de manera ritual en las grandes solemnidades, especialmente durante la Pascua.
De este modo recordaban la travesía por el desierto tras abandonar Egipto. Así, aseguran los norteamericanos, «se colocaba un primer mantel sobre el que se depositaban los alimentos y una segunda tela sobre ellos para evitar que cayera arena o que fueran contaminados por insectos».
Dicha tesis es respaldada por Ignacio Dols, arquitecto delegado en Extremadura de la Sociedad Española de Sindonología: «la intuición de Jackson puede tener sentido por la precipitación para enterrar a Cristo.
Murió en torno a las tres de la tarde de un viernes y debía ser enterrado antes de, aproximadamente, las seis del mismo día, momento en el que comenzaba el Sabbath (día festivo para los judíos en el que no se podía realizar ninguna labor física).
En apenas tres horas, José de Arimatea tuvo que reclamar el cuerpo a Pilatos, obtener permiso para enterrarlo, trasladarle hasta un sepulcro, hacer los preparativos, amortajarlo y sellar la tumba.
Lo razonable es que utilizara los elementos que tuviera a mano, y un mantel de esas características era perfecto para envolver un cuerpo». Asimismo, el hilo que conforma la trama de la tela posee el mismo tipo de torsión de la Sábana Santa; esto es en forma de «z».
Por último, técnicos del CSIC analizaron la tintura azul que decora las bandas del mantel, determinando que se trata de ‘índigo natural’, colorante de uso común en la antigüedad, introducido en Europa en el siglo dieciséis —200 años después del hallazgo de la tela en Coria—.
En este sentido, el mantel extremeño podría ser el mismo que Leonardo da Vinci inmortalizó en «La última cena», ya que ambos están decorados con bandas azules —en el caso del fresco, estas líneas pueden contemplarse en los extremos—. Cuestionable o no, dicha hipótesis abre un nuevo marco de posibilidades para la reliquia, la cual fue presentada el pasado mes de enero en la Feria Internacional del Turismo de Madrid, FITUR, como reclamo turístico para la comunidad de Extremadura.
Psicología y Mente(Serena Psicologa/J.A.Corbin) — Hay momentos en la vida en la que nos enganchamos o enamoramos rápidamente de una persona con la que, objetivamente, sabemos que es mejor no estar. Una parte muy fuerte de nosotros desea irremediablemente estar con ella, pero nuestra parte más racional nos avisa constantemente de que es mejor no seguir.
Esto puede suceder por muchos motivos: puede ser que haya cosas de la otra persona que no nos gustan que son importantes para nosotros, porque el otro no se enamora de nosotros, porque la otra persona tal vez tenga otra pareja, o porque se haya saltado pactos de una manera que no queremos perdonar.
Es entonces cuando llega el momento en el que la cabeza se impone y decidimos terminar con ese enganche que no nos permite avanzar. Pero quien se ha visto en esa situación sabe que no es tan fácil como parece y que el dolor que se sufre al separarnos de alguien a quien aún queremos es difícil de afrontar.
¿Cómo desengancharte de una persona a la que aún amas?
En el inicio de una relación, cuando alguien nos gusta y entramos en fase de enamoramiento inicial, hay multitud de neurotransmisores y hormonas que nos invaden. La dopamina, adrenalina, oxitocina y noradrenalina son algunas protagonistas. Ellas son las que hacen que puedas pasar horas y horas sin dormir hablando con esa persona, sin comer, y sin pensar en nada más. Son las que nos proporcionan ese estado de «subidón» y las que tu cuerpo echa de menos cuando te separas de esa persona.
Es por ellas por las que te cuesta tanto mantenerte firme en tu decisión consciente de separarte. Las que hacen que sientas ese amor como una adición.
A pesar del dolor y la dificultad tan grande de dejar a alguien a quien quieres, tienes que saber que, siguiendo unas pautas, esa adición y ese dolor durarán menos tiempo. Y poco a poco y apenas sin darte cuenta, se irá aliviando. Veamos algunos consejos sobre qué hacer ante estos casos.
1. Escribe tus motivos para separarte de esta persona
Esta tarea es fundamental. Cuando estés tranquilo/a escribe tus motivos de peso para no estar con esa persona. Esa lista es importante que la tengas a mano en momentos de flaqueza, los cuales sin duda habrá.
Ni los magnifiques ni los minimices, sé realista y escríbelos para tenerlos muy presentes cuando venga la nostalgia, que seguro vendrá.
2. Evita ver y tocar a esa persona
La oxitocina es la hormona ocasionante del afecto. Cuando ves y tocas a la persona a la que amas, los niveles de esta hormona suben en sangre. Y ello hace que el vínculo y el apego hacia esa persona se mantengan, e incluso se eleven. Hay estudios que dicen que mirar a los ojos y abrazar son las conductas que más oxitocina liberan. Evita por ello verle y tocarle.
Para conseguirlo del todo también es importante que dejes de seguirle en redes para evitar fotos y videos. Sé que este paso es muy difícil pero es el paso más importante para empezar a avanzar. Si no puedes hacerlo de golpe, hazlo poco a poco, pero hazlo cuanto antes.
3. Evita hacer los mismos planes y rutinas que hacías con esa persona
En el amor la dopamina tiene mucha presencia, es la hormona participante en los circuitos de la adicción. Cuando recibimos y damos amor la dopamina es la causante de ese estado de excitación y subidón.
Cuando dejamos de hacerlo, la disminución de esta hormona hace que nuestro cuerpo y mente la añore y busque de nuevo, en especial en aquello lugares y momentos donde la recibíamos. Es por ello que es importante evitar esos lugares donde todo sea igual pero falte solo la persona. Cámbia los hábitos.
4. Recurre a extrategias y ponte trampas para los momentos más vulnerables
Antícipate en los peores momentos y piensa en estrategias que puedes llevar a cabo en momentos de más «bajón» donde veas que hay riesgo de recaer y contactar. Por ejemplo, borra su número, apaga el móvil o déjalo en casa, sal, queda con amigos en los momentos donde te sientas más solo…
5. Controla el pensar constantemente en el otro
Esto es muy difícil, lo sé. Pero has de ser consciente de que tú puedes manejar tus pensamientos. Los pensamientos vendrán una y otra vez, pero de ti depende dejarte llevar por ellos quedándote paralizado/a o estar atento/a a cuando vengan y cambiar la atención a otra cosa. Al principio parecerá que no lo consigues pero poco a poco tendrás cada vez más espacios libres de pensamientos sobre esa persona y te irás sintiendo mejor.
6. Ojo con los autoengaños
El cerebro y nuestro cuerpo utilizará miles de trucos y estrategias para hacer que caigas y conseguir todo aquello que le gusta y necesita (adrenalina, oxitocina, etc), asi que estate muy atento a los autoengaños tipo: » Por verle una vez no pasa nada» » Solo quedaré con él una vez más y será la última». Ojo con ellos, estate atento y recurre a tu lista del punto 1 cuando veas que te invaden.
Concluyendo
Serán día eternos y días muy duros, no lo pasarás bien. Pero poco a poco habrá cada vez más espacios de tranquilidad.
Un día más es un avance muy importante y fundamental para que puedas ir liberándote de la adición y de este enganche que no quieres para tí. Sé que no es fácil porque sé de lo que te estoy hablando, pero sabes que el tiempo irá aliviando poco a poco ese dolor. No lo alargues más, no lo mereces. Si necesitas ayuda para conseguirlo pídela a un profesional de la psicología. Podrás.
Además, algunos consejos para superar la dependencia emocional
Cuando tu felicidad depende de otras personas, entonces eres una persona emocionalmente dependiente. Esta situación problemática provoca que te sientas adicto a tu pareja pese a que las cosas entre vosotros no vayan bien.
Y aunque ya sepas que no estás bien en tu relación desde hace tiempo, no tienes la fuerza suficiente para dar un paso al frente por el miedo a la incertidumbre o por no confiar en ti mismo/a a la hora de afrontar las situaciones que puedan aparecer en tu día a día. Te da miedo estar en soledad, y prefieres quedarte ahí a sabiendas que no eres feliz.
Si te sientes identificado con esto y crees que sería positivo salir de esta situación, en este artículo puedes ver algunas claves y consejos para convertirte en una persona emocionalmente independiente.
Cómo salir de esta situación tan dolorosa
Aunque los hombres suelen ocultar este problema por vergüenza a reconocer y expresar que dependen emocionalmente de otra persona, este fenómeno afecta por igual a ambos sexos.
La dependencia emocional provoca un gran sufrimiento porque quien la experimenta piensa que es incapaz de vivir sin la otra persona, y ocurre cuando ésta tiene una baja autoestima o unas creencias erróneas de lo que debería ser una relación. Es un tipo de amor inmaduro que no tiene futuro. Hace falta coraje y valentía para aprender a superar la dependencia emocional, pero vale la pena hacerlo para que uno sea finalmente capaz de tomar el control de su propia vida.
Consejos para superar la dependencia emocional
Si deseas superar la dependencia emocional y convertirte en una persona con mayor autonomía e independencia, puedes seguir los consejos que vas a encontrar a continuación:
Sé honesto contigo mismo y reconoce que hay un problema
Una de las cosas más complicadas de hacer cuando alguien se encuentra en esta situación es hacer una reflexión profunda sobre lo que está ocurriendo. Es más fácil mirar para otro lado o culpar a otras personas que mirar para adentro y reconocer que tenemos un problema.
Tomarse un tiempo para la autoobservación y reconocer de forma sincera que hay un problema es el principio para poder dar un paso al frente y acabar con la dependencia emocional.
No tengas miedo a la incertidumbre
Y es que, muchas veces, es el miedo a estar solos lo que nos hace volver y volver a esa relación tóxica que nos causa tanto dolor y sufrimiento. Cuando sentimos que el futuro solos es incierto, preferimos quedarnos ahí, en el lugar que ya conocemos. Por tanto, es necesario salir de la la zona de confort y adoptar una actitud positiva frente al cambio.
Aprende a decir “no”
Aprender a ser asertivo es esencial para gozar del equilibrio emocional necesario para disfrutar de un mayor bienestar. Ser asertivo significa decir lo que uno piensa respetando a la otra persona con la que interactúa. Es decir, se trata de respetar a la otra parte, pero también significa respetarse a uno mismo. Aprender a decir “no” es imprescindible para recuperar la autonomía emocional.
Trabaja en ti mismo
El principal problema de las personas que son emocionalmente dependientes es que están demasiado pendientes de la otra persona y se olvidan de quién son. Uno debe perseguir sus metas, tener sus aficiones y trabajar en crecer cada día un poco como ser humano, en otras palabras, autorrealizarse. Para dejar de ser una persona emocionalmente dependiente, una de las claves es luchar por el propio desarrollo personal.
Y… refuerza tu autoestima
Trabajar en uno mismo es el primer paso para reforzar la propia autoestima, que, como ya se ha dicho, es una de las principales causas por las que un individuo se encuentra en esta situación. Además, cuanto más tiempo se esté en esta relación tóxica, más se sufre las consecuencias en lo relativo a la autoestima.
Es por eso que es necesario realizar estrategias que ayuden a mejorar la autoestima.
Revisa tus creencias
Otra de las causas principales por las que alguien puede acabar en una situación de dependencia emocional son las creencias que uno mismo tiene sobre qué es el amor y cómo debe ser una relación de pareja.
Para evitar esto, es necesario cuestionarse las propias creencias y tener un pensamiento crítico respecto a éstas. En las películas el amor puede parecer muy bonito, pero la realidad es distinta. No hay que forzarse en estar en pareja por miedo a estar solo o por la necesidad de tener pareja y casarse.
Se puede gozar de una gran satisfacción y bienestar estando soltero.
Relaciónate con otras personas
También puede suceder que la persona emocionalmente dependiente tenga un vida social pobre, pocos amigos o se sienta aislada. Esto provoca una situación complicada, porque la persona no tiene a nadie con quien hablar y explicarle lo que le sucede. Además, tener una vida social activa hace que disfrutemos de relaciones mucho más sanas y no dependamos tanto de una sola persona.
Sé valiente
Para salir de esta situación es necesario asumir la responsabilidad, porque tu puedes elegir entre quedarte ahí y dar un paso al frente para acabar con el problema. Hay que ser valiente y no temer al futuro. Para ello, no hay nada como marcarse objetivos a corto plazo y que estén muy claros desde el principio. Los cambios requieren un periodo de adaptación, y con el tiempo no te arrepentirás de haber tomado la decisión de dejar atrás esta relación tóxica.
Resiste a la tentación de volver atrás
Evidentemente, habrá momentos más fáciles y momentos más difíciles al dar un paso al frente. Pero debes saber que el cambio nunca es fácil y que pueden haber altibajos en el camino. Entender esto puede hacer que seas consciente de que debes resistir la tentación de volver atrás.
Aprende a amar de forma saludable
Para comenzar a sanear nuestra relación debemos amar de forma saludable y dejar atrás muchas creencias limitantes que llevamos incorporadas y que nos impiden disfrutar de las relaciones en su plenitud. Como dicen los expertos en desarrollo personal, se trata de una mochila muy pesada. Pasar de la dependencia emocional a la autonomía afectiva es una de las claves para lograr el bienestar en pareja, y para ello, es necesario amar de forma madura.
Evita las expectativas de otras personas
Es probable que muchas de las personas emocionalmente dependientes tengan expectativas poco realistas y excesivamente intensas acerca de lo que pueden esperar de los demás. Esto suele provocar una idealización hacia la otra parte, y no es una decisión acertada suplir el vacío que podemos sentir con nosotros mismos con la necesidad de tener a alguien a nuestro lado a toda costa.
Vivir con esta imagen ilusoria de otra persona puede ser peligroso, porque incluso ante la evidencia de que las expectativas que tenemos no son ciertas, dichas expectativas pueden mantenernos aferrados a algo imaginario, a una imagen irreal de lo que es la otra persona. Darse cuenta de esto puede ayudar a superar la dependencia emocional.
Busca ayuda profesional
En algunos casos, estos consejos pueden ayudarte a superar esta situación y a darte cuenta de cuál es el problema. Ser consciente de que eres emocionalmente dependiente, reconocer que tienes miedo a estar en soledad y trabajar para crecer y desarrollarte como persona, son estrategias que van a ayudarte a mejorar tu bienestar y empoderarte frente a la vida y la incertidumbre.
Sin embargo, salir de este oscuro lugar, la relación tóxica, no siempre es fácil. La mejor manera de lograrlo es buscando ayuda profesional, pues un psicólogo puede ayudarte a adquirir herramientas para mejorar tu autoestima, tus habilidades interpersonales y, por tanto, tu bienestar.
Infobae — Las momias de 22 reyes y reinas del antiguo Egipto protagonizarán un inédito “desfile de faraones” este sábado, entre el Museo de El Cairo, donde reposan desde hace más de un siglo, y el Museo Nacional de la Civilización Egipcia (NMEC), al sur de la capital, que se inaugurará el 4 de abril.
El sábado antes de que caiga la noche, 22 momias reales, 18 reyes y cuatro reinas, serán transportadas por orden cronológico, cada una a bordo de vehículos con decoraciones típicas de la época de los faraones, identificados con el nombre del soberano.
El trayecto de unos siete kilómetros durará 40 minutos y contará con impresionantes medidas de seguridad.
Inaugurará el cortejo el faraón Seqenenre Taa (del siglo XVI antes de Cristo) de la 17ª dinastía y lo cerrará Ramses IX (siglo XII antes de Cristo), de la 20ª dinastía. Más conocidos por el gran público Ramses II y Hatshepsut también formarán parte de este gran “desfile dorado de los faraones”.
Más moderno y pedagógico
El acontecimiento contará también con un espectáculo musical retransmitido en directo por la televisión egipcia.
La mayoría de las 22 momias, descubiertas cerca de Luxor, al sur de Egipto, a partir de 1881, no salieron del museo del centro de El Cairo, situado en la célebre plaza Tahrir, desde principios del siglo XX.
Una estatua de Ramses II. Sus restos también serán trasladados al nuevo Museo Nacional de la Civilización Egipcia
Desde los años 50 están expuestas, una al lado de otra, en una pequeña sala, sin demasiadas explicaciones para el visitante.
El sábado, para ser transportadas, se situarán en una especie de envoltorio que contiene nitrógeno, en condiciones muy similares a las de las urnas en las que están en el museo. Los vehículos que las transportarán tienen además un mecanismo para evitar los impactos.
En el NMEC, a partir del 18 de abril, serán expuestas en urnas más modernas, «con un control de la temperatura y de la humedad más perfeccionado que el del antiguo museo», explicó a la AFP Salima Ikram, profesora de Egiptología en la universidad americana de El Cairo y experta en momificación.
Las momias serán presentadas individualmente, al lado de sus sarcófagos, en un decorado que recuerda al de las tumbas subterráneas de los reyes, y cada una tendrá una biografía. En algunos casos se mostrarán también los escáneres que se les han realizado.
Los 22 reyes y reina serán exhibidos en mejores condiciones en el nuevo museo y con un circuito pedagógico que busca atraer más turistas a Egipto.
“Por primera vez, las momias se presentarán de una manera bonita, con fines educativos”, dijo a la AFP el egiptólogo Zahi Hawass.
Según este experto, el ambiente macabro que rodeaba a las momias en el Museo de El Cairo ahuyentaba a más de un visitante. «Nunca olvidaré cuando llevé a (la princesa) Margarita, hermana de la reina Isabel II, al museo, cerró los ojos y se fue corriendo», recuerda.
Tras años de inestabilidad política tras la revuelta popular de 2011, que afectó duramente al turismo en el país, Egipto busca la manera de que regresen los extranjeros. El NMEC y el Gran museo egipcio (GEM), cerca de las pirámides, que será inaugurado en los próximos meses, forman parte de esta estrategia.
“La maldición de los faraones”
El GEM albergará las colecciones faraónicas del museo de El Cairo, entre ellas el célebre tesoro del rey Tutankamón.
Su tumba, descubierta en 1922, conservaba la momia del joven rey y numerosos objetos de oro, marfil y alabastro.
Pero ¿por qué no mostrar las momias en este museo? «El GEM tiene ya al rey Tutankamón, la estrella. Si no se dejan a las momias en el NMEC, nadie irá a visitarlo», responde Hawass.
Hay quienes creen que el encallamiento del buque Ever Given en el Canal de Suez puede estar relacionado a la maldición de los faraones.
A la espera del inédito desfile del sábado, en las redes sociales abundan los mensajes que hablan de una “maldicion de los faraones”. Numerosos internautas hicieron la relación entre las recientes catástrofes ocurridas en Egipto a una “maldición” provocada por el traslado de los antiguos reyes.
En una semana, Egipto ha vivido el bloqueo del canal de Suez por un gigantesco buque, un accidente de tren que dejó 18 muertos y un siniestro en un edificio de El Cairo en el que fallecieron al menos 25 personas.
La “maldición de los faraones” también fue mencionada por la prensa en torno a 1920, tras el descubrimiento de la tumba de Tutankamón, cuando miembros del equipo de arqueólogos fallecieron en circunstancias misteriosas.
Dentro de la cultura popular, la película Los diez mandamientos, dirigida por Cecil B. DeMille en 1956, es una de las mundialmente más famosas, tanto que cada vez llega a más espectadores. Y dicen los críticos, que ninguno de los intentos posteriores sobre las mismas historias del Éxodo le llega a los zapatos.
La épica filmación de DeMille contó con uno de los mejores elencos jamás reunidos en la historia de Hollywood y, además, con la experiencia del mismo director de ya haber realizado una película anterior (muda) en 1923 con temáticas sobre los diez mandamientos. Aquí tienen el enlace por si les ha picado la curiosidad en caso de que no conozcan la versión anterior.
Y es que los temas bíblicos parecían atraer a DeMille, por lo que, cuando le preguntaron por los motivos, simplemente respondió que no podía desaprovechar dos mil años de publicidad, que en esta ocasión obviaremos para concentrarnos en un asunto paralelo pero fundamental, no sin antes mencionar que no solo en el séptimo arte encontramos obras sobre los diez mandamientos, eso es bien sabido, y ya que hablamos de Rembrandt y Purim, cabe mencionar su muy conocida obra Moisés con las tablas de la ley.
La lista de pintores que incluyen dicha temática es extensa: Raphael, Phillippe de Campaigne, José Juan Camarón, Benjamin West, y un largo etcétera, aunque no menos lo es el de las obras literarias (igualmente de calidad muy variada) que se inspiran en los diez mandamientos, Moisés y el faraón.
La ciencia tampoco se ha quedado corta al tratar de explicar los extraordinarios acontecimientos descritos en el Éxodo, y así hay muchas teorías que pretenden explicar las diez plagas o sugieren, desde el punto de vista estrictamente histórico, que el faraón de marras sería Ramsés II y los hebreos serían los hicsos.
Sin embargo, una y otra vez surgen contradicciones y faltan suficientes pruebas arqueológicas. Pero seamos nosotros los que demos la pauta, y así confesemos que al mirar la película una y otra vez, nos hacemos preguntas como qué son las plagas, y por qué precisamente son diez, como los mandamientos, o por qué los hebreos eran esclavos.
¿Ocurrió todo eso en verdad? ¿Será posible separar el mar, golpear una roca y que salga agua o que caiga maná del cielo? ¿Cuántas veces hemos escuchado (o pensado) que relatos como el éxodo de Egipto y la entrega de los diez mandamientos no son más que historias fantasiosas o infantiles? Pero eso está muy lejos de la verdad. La Torá (el Pentateuco) no es un libro de historia o de geografía, tiene otro propósito.
Ocurre que, por fantasiosos que parezcan sus relatos, están escritos en un lenguaje que resulta inaccesible para nuestra generación sin intérpretes. Afortunadamente los hay, y un método. Hablamos de los cabalistas y la cábala, que desde hace miles de años se dedica a enseñar un sistema para que la humanidad no viva gobernada por el egoísmo, sino en unidad y armonía.
Y ya que con seguridad usted conoce muchas de las explicaciones científicas, históricas o políticas, démosle una oportunidad a la explicación cabalística que, en sí, es definida como una antigua ciencia o sabiduría que, en vez de dedicarse a explicar los fenómenos naturales, trata de enseñar la conexión correcta con (o en) la naturaleza. Los cabalistas, además, vienen haciendo eso desde los tiempos bíblicos, pues en el mundo de la cábala, Abraham o Moisés son vistos como cabalistas, que transmitieron lo que percibieron desde su alcance para las generaciones futuras.
Así pues, vamos a dedicarnos a los significados «ocultos» del periplo contado en la película Los diez mandamientos de 1956. Obviamente nuestra propuesta no solo es pretenciosa e irrealizable en el marco de este artículo. Lo que sí podemos hacer es tomar algunas muestras para darnos una idea de cuán profundas son las aguas…
Lo primero que salta a la vista podría ser: ¿qué son los mandamientos y por qué son diez como las plagas que cayeron sobre Egipto? Empecemos por el número 10 y uno de los pasajes más enigmáticos de la película (y la historia): el momento en que Moisés transforma su cayado en una serpiente ante los ojos del faraón.
Recordemos que los magos del faraón hacen lo mismo, pero al final la serpiente de Moisés devora a las de los magos. En un interesante artículo, «La historia de π», encontramos que nos dicen: «Es importante notar que la Torá usa numeración de base 10 pero no la fracción decimal».
Antes de llegar a Moisés y la serpiente hay una disertación sobre el cálculo de π y su significado en la Torá, que usted podrá leer en el enlace. Vamos a mencionar, en beneficio de una mejor lectura del fragmento, que las letras hebreas tienen valores numéricos y que su interrelación sigue las reglas de la gematría. Así, el matemático y cabalista Yitzchak Ginsburgh nos dice:
Concluyamos meditando un poco más en la relación masculino-femenino que se halla en el corazón de π. El aspecto femenino, la circunferencia, también está representado por «faraón» (פַּרְעֹ), cuyo nombre suma 355,355 es también el valor de la palabra sefirá (סְפִירָה), indicando que hay efectivamente algo redondo en las sefirot.
Esto también provee cierta base para la etimología propuesta de la palabra «esfera» en español, que está relacionada de alguna manera a sefirá.
En la Biblia, faraón es la mitad femenina del par de grandes serpientes que Dios creó el quinto día de la creación, descriptas en los profetas como «el leviatán serpiente redondo» (לִוְיָתָן נָחָשׁ עֲקַלָּתוֹ, leviatán najash ekalatón) y «el leviatán serpiente recto» (לִוְיָתָן נָחָשׁ בָּרִחַ, leviatán najash baríaj), una metáfora clara de la circunferencia y el diámetro, respectivamente.
Efectivamente, la guematria de «redondo» (עֲקַלָּתוֹן, ekalatón) es 656, la cual daría un diámetro (el número entero más cercano) de 209, 1 menos que el valor de «recto» (בָּרִח, baríaj).
Cuando Dios envió a Moshé ante el faraón le dijo, «Tomarás esta vara en tu mano y con ella harás las señales…. Moshe tomó la vara de Dios en su mano».
Moshé usó la vara de Dios para hacer las señales que someterían al faraón y le probarían que Dios es omnipotente. Como faraón representa la circunferencia del círculo como ya vimos, se desprende que la vara de Dios habría de funcionar como su diámetro.
Alegóricamente, si Moshé pudo mostrarle a faraón —el círculo— que conoce el secreto de π, esto sería como someter a la más grande fuente de poder del faraón, su domino de la naturaleza y del mundo natural. La rectitud de Moshé, su vara, representa el Alma Divina del hombre que viene a someter ese mundo natural y endulzar sus duros juicios.
Ahora, en este versículo recién citado, la palabra »vara» aparece dos veces en dos variaciones, una vez como «la vara» (הַמַטֶה, hamaté) y una vez como »vara» (מַטֶה, maté). ¡Las guematriot de estas dos instancias de «vara» suman juntas 113! Entonces, efectivamente, la vara de Moshé actuó para someter la circunferencia de faraón (355) al revelar el secreto de π.
En el relato de cuando Moshé y su hermano Aarón llevaron a cabo las señales ante el faraón, encontramos la siguiente descripción, «Cuando el faraón les hable diciendo ‘Denme alguna señal’, le dirás a Aarón ‘Toma tu vara y arrójala ante el faraón y se transformará en serpiente’.
Moshé fue con Aarón ante el faraón y así lo hicieron, tal como el Eterno lo había ordenado. Aarón arrojó su vara ante el faraón y ante sus siervos y esta se transformó en serpiente. El faraón también convocó a sus sabios y a sus magos, y ellos también, los nigromantes de Egipto, hicieron lo mismo con sus encantamientos.
Cada uno arrojó su vara y estas se transformaron en serpientes y la vara de Aarón se tragó a las varas de ellos».
En esta sección de la Torá la palabra «faraón» aparece 5 veces, sumando en total 1775 (5 veces 355); la guematria de las palabras «se convertirá en una serpiente» (יְהִי לְתָנִין, ihié letanín) es 565 ó 5 veces 113.
¡Por supuesto, su proporción es entonces la misma que 355/113! Entonces, tenemos otra ilustración de cómo la vara convertida en serpiente (el diámetro) sometió al faraón (la circunferencia).
¿Y qué es todo esto? Les dejamos una explicación de qué significa para nosotros. Nos hemos quedado con la palabra sefirá (cuyo plural es sefirot, como luego se ve) en la boca, pero esto nos será útil más adelante, para entender lo que nos dice en una conferencia, el cabalista Dr. Michael Laitman al respecto:
Esto es de lo que habla la sabiduría de la Cabalá. Esto es lo que debemos alcanzar. Las «Diez plagas de Egipto» existen con el fin de romper completamente con el egoísmo. Es así porque nuestro egoísmo tiene diez partes, que son las diez Sefirot: Keter, Jojma, Bina, Jesed, Gevurá, Tiferet, Netzah, Jod, Yesod y Maljut. Cada una nos «describe» un tipo particular de existencia dentro del ego.
Debemos, gradualmente, liberarnos de esas diez Sefirot, de esos diez modos de existencia. Eso sucede cuando comenzamos a ver que todas son finitas, incompletas, que nos llevan a un callejón sin salida, sin darnos ninguna esperanza de continuar nuestra existencia dentro del ego.
La fase final de cada uno de esos diez niveles, esas características, esas partes de nuestro ego, son las diez plagas de Egipto. Después de ellas ya no es posible permanecer dentro del ego. En su lugar debemos levantarnos y huir de ellas a ciegas. En el nivel presente, no podemos ver el siguiente nivel. Por eso, la huida de Egipto sucede a media noche, en oscuridad total.
Las diez plagas de Egipto son, de hecho, la separación de nuestro egoísmo, cuando huimos en la oscuridad y no es claro hacia dónde vamos ¡Lo principal es que huimos! Y, gradualmente desarrollamos una nueva vida, un nuevo mundo, dimensiones nuevas, eternas, infinitas y perfectas.
Cuando apareció Moisés, él sabía que la única manera de salvar a los hebreos era sacarlos de Egipto, sacarlos del egoísmo que estaba destruyendo sus relaciones. El libro Keli Yakar (Éxodo 6:2) escribe acerca de Moisés: «El espíritu del Señor habló a la hija del faraón para que lo llamara Moshé (Moisés) de la palabra Moshej (tirar, jalar) porque él es quien saca a Israel del exilio». Es decir, como hizo José antes que él, Moisés unió al pueblo que lo rodeaba y de ese modo los liberó de Egipto.
No obstante, incluso después de haber salido, los hebreos seguían en peligro de volver a caer en el egoísmo. Recibieron su «impronta» como nación solamente cuando volvieron a poner en práctica el método de Abraham: unirse por encima del odio. Y una vez que se comprometieron a estar unidos «como un solo hombre con un solo corazón», fueron reconocidos como «nación». A los pies del Monte Sinaí, de la palabra Sinaá (odio), los hebreos se unieron y con ello cubrieron su odio con amor.
Faraón y Moisés dentro de nosotros… El faraón, José, Moisés y todos los demás personajes son algo más que una parte de nuestra historia. ¡Se nos dice que recordemos el éxodo de Egipto a diario porque en realidad ellos son partes de nosotros! Todos tenemos un faraón —la inclinación del mal— pero en nuestro interior carecemos de suficiente Moisés y José: las fuerzas de la unidad. Somos arrogantes, egoístas y centrados en nosotros mismos hasta llegar al narcisismo.
Un estudiante le pregunta:
¿Cuál es el significado desde la perspectiva cabalística de cada uno de los diez mandamientos, como el «no robarás» o «no matarás», etc.?
Nosotros no entendemos el verdadero significado de los diez mandamientos hasta tal punto que nos parecen simplemente instrucciones morales… Todos los diez mandamientos se refieren al uso correcto del deseo de disfrutar. Se trata de las limitaciones que tenemos que poner en práctica en Maljut. Estas limitaciones son llamadas un Masaj (pantalla) y la Luz Retornante (Ohr Jozer). Debido al hecho de que Maljut acepta estas limitaciones, puede convertirse en la vestidura para las diez Sefirot, y por eso es llamada los diez mandamientos.
Al final nos queda una pregunta: ¿hemos luchado del lado del faraón o de Moisés? Es decir, ¿deseamos seguir esclavizados por nuestro ego o finalmente deseamos corregirlo? Las plagas son los males del mundo producto de una sociedad que solo piensa en beneficio propio; la tierra prometida se llama un «mundo corregido». Los mandamientos son las correcciones que nos llevan a él.
Piramidión de la tumba del sacerdote Rer en Abidos
L.B.V.(G.Carvajal) — La religión del Antiguo Egipto era un sistema complejo y diverso que aunaba diferentes creencias y prácticas, de orígenes diversos. Cada región tenía su propio mito de la creación, en el que estaban implicados diferentes dioses, aunque en todos ellos el mundo (o más concretamente Egipto) había surgido de maneras parecidas.
Entre los elementos comunes que comparten estos mitos del origen del mundo está la creencia en que surgió de las aguas del caos llamado Nu, y además que lo primero que apareció fue un montículo con forma de pirámide llamado benben. De este montículo inicial nació el sol, personificado en los dioses Ra o Khepri.
Estatua del rey Horemheb ante el dios Atum encontrada en Luxor en 1987
Cada una de las cuatro ciudades principales de Egipto (Hermópolis, Heliópolis, Menfis y Tebas) estaba asociada con el culto a un dios diferente. En Heliópolis (la actual ’Ain Schams, un suburbio en el noreste de El Cairo) el dios en cuestión era Atum, el creador que se habría generado a sí mismo surgiendo del montículo benben.
De hecho en los Textos de las Pirámides se hace referencia al propio Atum como montículo y se dice que se convirtió en una pequeña pirámide, en cuyo interior habitaba. Esta pequeña piedra sagrada se guardaba en el templo Solar de Ra en Heliópolis, y se cree que fue el modelo para los obeliscos y las pirámides. Las piedras que rematan las pirámides, denominadas piramidión, son también llamabas piedras benben pues su forma deriva del benben original.
Piramidiones en el Museo Egipcio de El Cairo
Esta piedra original se perdió en algún momento de la historia, sin que se sepa exactamente que dimensiones tenía. Su forma, que en origen pudo ser cónica o redondeada, fue evolucionando por necesidades arquitectónicas hasta convertirse en una pequeña pirámide de base cuadrangular y recubierta de oro, simbolizando el lugar donde brillaban los primeros rayos del sol naciente.
Pero hay más porque la piedra benben también está asociada con el mito del ave Bennu, que simbolizaba la creación y la renovación. Esta ave era representada como un hombre con cabeza de garza, posado sobre la piedra benben. Se había creado a sí mismo a partir del fuego con que ardía un árbol sagrado en el templo de Ra, y tenía la capacidad de renacer de sus cenizas. Efectivamente, los griegos la llamarían Fénix.
Un Bennu sobre una piedra benben en el templo de Edfu
En los Textos de las Pirámides (línea 600, § 1652) se dice:
…tu que surges, como el Benben, en la morada de Bennu en Heliópolis…
Algunos estudiosos opinan que la piedra benben original pudo ser un meteorito. Otros interpretan los obeliscos como rayos de sol fosilizados, y las pirámides como escaleras hacia el sol, una manera de simbolizar su relación con Atum y el culto solar.
Curiosfera — En la Antigüedad, el estropajo ha jugado un papel protagonista dentro del hogar. Son de esas cosas humildes con mucha historia y que no fueron tal y como se conocen hoy en día.
Para conocer los orígenes del estropajo o esponja de cocina debemos remontarnos a más de 4.000 años en la historia.
En esa época, con una especie de manopla hecha de una buena porción de esparto mojado se fregaban los suelos de piedra y mármol en los inmensos templos egipcios de Amón en Karnak, en el Alto Egipto.
Los inmensos corredores empedrados y salones de piedra y mármol de dichos templos eran adecentados a diario por cuadrillas de esclavos que realizaban la labor ayudados de un jabón obtenido con el hervido de diversos álcalis.
La limpieza de los lugares sagrados y estatuas divinas no podía descuidarse. Su lavado era preceptivo y litúrgico, y para ello se utilizaba el estropajo empapado en un líquido jabonoso procedente de Babilonia y Sumeria. Así se limpiaban las paredes de palacios y edificios de respeto.
Los fenicios comercializaron en Oriente el esparto que traían del sur de España hace cuatro mil años. Se vendía en Grecia, en Creta, en Asia Menor, en Egipto y Asiria.
Con el esparto traído de la Terra Spartaria, uno de los nombres del levante español en la Antigüedad, se tejían las esterillas que servían de yacija a la gente humilde y se manufacturaban estropajos.
Entre las cosas que se exportaban de Hispania, junto a las bailarinas gaditanas, el garon o salsa de pescado de la Bética y las espadas, figuró el esparto. Con él ya se hacía un calzado rudimentario llamado alpargates o espardañes, es decir, de esparto. Los primeros en vender este producto fueron los romanos.
Entre los útiles de limpieza de la Antigüedad figuraba en los primeros siglos de la era cristiana el maniculum o mechón de esparto para fregar los cacharros de cocina, también para limpiar el cuerpo. Este uso continuó a lo largo de la Edad Media.
En documentos que datan del siglo XIV, y en Libro de las aves de caza, del canciller Pedro López de Ayala, se menciona al estropajo de esparto o de estopa.
En el siglo XVI el estropajo era de uso corriente en España. Se habla del estropajo como de un trozo de paño vil con que se limpian el suelo y las paredes. Así mismo, existía un estropajo especial a modo de escobilla para limpiar los vasos de noche u orinales.
También la panocha del maíz, desgranada y seca, se utilizó antaño como estropajo. Todavía en México y Oriente Medio se veían secaderos de panojas en los años 1950, de donde pasaban a los mercadillos para ser vendidas junto con las esponjas naturales como material de limpieza.
Quién inventó el estropajo
El inventor del estropajo moderno o estropajo metálico fue un vendedor californiano de baterías de cocina llamado Edwin W. Cox en el año 1917. Nada más natural, ya que Cox vendía a domicilio además de ollas y cazos, mercancía de moda, y todo tipo de objetos para la cocina.
Pero Cox tenía un problema: las mujeres norteamericanas de la época se mostraban reacias a hacerle pasar hasta el “santo lugar” del hogar: la cocina. Su mayor problema era abrirse paso hasta la cocina para poder hacer allí su demostración.
Lo consiguió con un truco. Ofrecía un regalo a cambio del cual se le permitiera entrar en la cocina. Como vendedor de cacerolas sabía que las quejas habituales de las amas de casa giraban en torno a un inconveniente.
El problema era que la comida se pegaba y era difícil limpiar el fondo de los cacharros. Para su limpieza necesitaba un estropajo poderoso que realizara la ingrata operación.
Fueron las quejas de las amas de casa las que le hicieron concebir la idea del estropajo metálico. Poco a poco fue madurando su idea, elaboró pequeños estropajos de viruta de acero que impregnaba en un concentrado jabonoso una y otra vez a fin de saturar de jabón su pequeño estropajo.
Armado con este producto ya no había casa que se le resistiera y las señoras le abrían sus cocinas de par en par, con lo que se facilitaba la venta de cacerolas de aluminio: el estropajo era el gancho, lo regalaba.
El éxito de Edwin W. Cox fue enorme: las señoras no querían oír hablar de cacerolas ni de baterías de cocina, se interesaban solo por los estropajos metálicos que Cox daba de regalo. La gente empezó a pedirlos con insistencia, y Cox, que más que nada era un vendedor, se dio cuenta del negocio.
Tanto creció la demanda del producto que se vio desbordado; dejó de vender cacerolas y se dedicó exclusivamente a fabricar estropajos metálicos. Tras buscar un nombre comercial con el que patentarlo, lo hizo.
Fue su propia mujer quien se lo sugirió, diciéndole que el estropajo en cuestión debía llamarse SOS. Cox pensó que se refería a la señal internacional de socorro, pero el SOS que la señora Cox tenía in mente era la abreviatura del sintagma inglés Save Our Saucepans: “Salvemos nuestras cacerolas”
Corría el año 1917 y Edwin W. Cox conseguía llevar al éxito un objeto humilde de la vida cotidiana, inscribiendo su nombre, de manera definitiva, en la Historia.
Etimología de la palabra estropajo
La palabra estropajo es de origen incierto, acaso alteración de un derivado despectivo de “estopa”: estropajo. Aunque la materia prima tradicional del estropajo es el esparto, el vocablo pudo haber tenido que ver con “estopa”.
Ya que el estropajo era una tela hecha de estopa, especie de trapo que pudo haberse empleado para fregar suelos, voz procedente del latín stuppa, de donde resultaría el mozárabe “ustubba” a finales del siglo X.
En catalán se llama estrop a un trozo de cuerda unido por ambos cabos a manera de anilla que sirve para enganchar un aparejo, y procede del latín stroppum: acaso la voz estropajo sea término resultante de añadir a la voz latina citada el sufijo despectivo -uculus, que en castellano es -ajo.
También es probable que se trate del griego strovos= porción de esparto machacado, que dio origen a la palabra castellana estopa de donde se dijo estopajo o estropajo. Tuvo asimismo, y tiene, connotación insultante dicho de una persona.
En todas las guerras, se han utilizado a los animales, bien sea para misiones de socorrismo o de parapeto, y en el artículo que nos ocupa, los perros, por su fidelidad y fuerza física, fueron cientos los sacrificados por el Ejército soviético durante la Segunda Guerra Mundial, normalmente, el mas común utilizado fue el pastor alemán.
Entrenamiento de un perro antitanque
En junio de 1941, cuando Hitler atacó a la Unión Soviética, el Ejército ruso fue cogido totalmente por sorpresa, de nada valieron los Tratados que Stalin había firmado con Alemania de No-Agresión.
El avance alemán fue imparable, aniquilando todo el potencial que podía ofrecer las Fuerzas Armadas de Stalin.
Ante la desorganización, caos y retirada, los soviéticos pensaron, desesperados, que el perro podía ser utilizado para frenar las columnas blindadas alemanas en las estepas ucranianas y rusas, ya que en 1924, se había autorizado por el Consejo Militar Revolucionario, que el perro ayudase en las labores del Ejército.
Se crearon tres escuelas de adiestramiento, enseñándolos para rescate de personas, localizar minas y transporte de suministros, y dado el éxito relativo, se crearon otras escuelas de adiestramiento, aunque como se ha relatado, fue al principio de la invasión cuando se pensó utilizarlos con explosivos.
Pavlov con uno de sus perros
El origen de esta idea, era del científico Iván Pavlov (Premio Nobel de Medicina 1904), el creador de la «Psicología Conductivista», es decir, se basaba en modificar la conducta de los canes, bajo estímulos que crearan determinadas respuestas.
La primera repesa de estos perros con explosivo (TNT) adosados a sus lomos, se les conocían como «los perros de Pavlov», aunque después tuvieron diferentes nombres, como «perros bomba», «perros-mina» o «perros antitanque».
Los alemanes los conocían como die Panzerabwehrhunde y también Hundenminen.
ilustracion que muestra el dispositivo que carga
La idea era sencilla. Los perros cargados con dinamita o minas, se tenían que meter debajo de los tanques alemanes y, una vez debajo (los bajos eran su parte más débil), detonar la carga explosiva. El perro quedaría desintegrado pero, al menos, habrían inutilizado el carro de combate. La teoría decía que podía funcionar y se pusieron manos a la obra.
Se empezó a entrenar a cientos de perros que pudieran llevar la carga explosiva (entre 6 y 12 kilos) con un arnés o mochila fijada a sus costillas para que se metieran debajo de los tanques, y la forma de que lo hicieran era haciéndoles pasar hambre.
Los canes eran encerrados durante días sin darle de comer, y cuando estaban desesperados, se les enseñaba que la comida estaba debajo del carro, cuando se les liberaba, salían rápidamente para meterse en un vehículo acorazado, porque sabían que debajo estaba la comida. La otra cuestión, era detonar la carga.
Detalle del chaleco bomba
Llevar al perro hacia el tanque era relativamente sencillo, pero el explosionar la carga, no lo era tanto. El control remoto de los explosivos, si bien existía, era caro y no estaba disponible en masa, por lo que los soviéticos idearon primero un mecanismo en el que el propio perro se detonaba a si mismo al estirar de un tirador o anilla que llevaba atada a su cuello, y luego, al ver que fallaba, o se le añadía un temporizador o bien se le añadía una especie de palanca de madera de unos 20 centímetros que, al tocar los bajos del tanque, detonaba la dinamita o las minas. La idea era buena pero tenía sus inconvenientes.
Desfile en la Plaza Roja con perros adiestrados, 1938
Los perros, como animales especialmente sensibles, se asustaban mucho de las explosiones y del ruido (no hay más que ver un perro cuando se tiran fuegos artificiales).
Ello hizo que los perros fueran entrenados con ruidos de explosiones y batalla, de tal forma que el hambre les inhibiera de su terror a los ruidos fuertes.
Todo parecía que tenía que funcionar, pero en el momento de entrar en batalla, la cosa no dio los resultados esperados, ya que algunas veces, se asustaban, daban media vuelta y se metían entre los propios vehículos soviéticos (los propios soldados rusos tenían que dispararles), o por el ruido de la batalla, escapaban, e incluso, al ser entrenados para meterse debajo de los tanques parados, los carros alemanes en movimiento, no los reconocían, también que al olfatear el carro, el olor del combustible no era el mismo, ya que los rusos utilizaban diesel, y los alemanes, gasolina.
Los primeros treinta perros fueron usados en 1941, con un resultado pobre, ya que la mayoría fueron acribillados por los propios rusos.
De todas formas, los soldados alemanes disparaban a cualquier perro que se encontraran en cualquier lugar, sin importar la raza, por si acaso, e igualmente los carros, disparaban con la ametralladora de la torreta, y aunque esto último presentaba alguna dificultad, por lo pequeño del perfil que presentaba, se llegó a utilizar incluso lanzallamas para desviarlo de su objetivo.
En octubre de 1941, ya se implantó el atar el explosivo al perro, en este caso, se accionaba una palanca conectada, y al impactar contra la parte inferior del vehículo, provocando la detonación.
Recreación de perro bomba
A pesar de que la propaganda soviética, de cara a justificar las fuertes pérdidas de los canes, publicitaba que más de 300 tanques alemanes fueron abatidos de esta forma, la verdad es que no hay constancia fehaciente de todos estos objetivos exitosos. Se tiene noticia que, en el frente de Hlukhiv, 5 tanques alemanes fueron dañados por 6 perros, en el aeropuerto de Stalingrado, 13 tanques fueron destruidos.
Una de sus participaciones más destacadas, según las fuentes soviéticas, fue la batalla de Kursk (una de las batallas de toda la IIGM. en las que participaron un mayor número de carros de combate). Los soviéticos dijeron que, en esta batalla, 16 perros destruyeron 12 tanques. Sin embargo, las fuentes alemanas afirman que eran exageradas las bajas.
De todas formas, lo cierto es que los «perros bomba» destrozaban los nervios de los alemanes, quienes se veían obligados a acertar con sus armas a estos veloces animales dotados con grandes reflejos. En muchas ocasiones, este factor psicológico bastaba para desconcertarles. Aunque la efectividad de los “perros bomba” era modesta, sí que tuvo como consecuencia: minar aún más la moral de las tropas alemanas, que debían permanecer en constante alerta. Los soldados soviéticos eran conscientes de la importancia que tenían estos actos.
El uso de los perros, empezó a menguarse a partir de finales de 1942, por las enormes bajas de los canes con sus pobres resultados, en contraposición con las muchas horas de entrenamiento que necesitaban y las bajas reales al enemigo.
En 1944, sólo se utilizaban ya en el rastreo de campos de minas. En total, unos 40000 perros se utilizaron por los rusos en diferentes tareas.
Las escuelas de adiestramiento de perros fueron utilizados con fines militares en el Ejército ruso hasta 1996. Existe un monumento a estos perros en Volgogrado, inaugurado en mayo del 2011.
Perros antitanques reunidos. Una de las más extrañas armas antitanques que el Ejército Rojo exhibía era un perro especialmente entrenado, sin ninguna raza en particular, que pudiera correr bajo un tanque alemán que se acercaba con una carga explosiva amarrada a su espalda. La explosión inhabilitaría el tanque, penetrando fácilmente la delgada armadura del vientre
Los perros paracaidistas en el Día D
En 1941, el Ministerio de Defensa británico había hecho llamamientos a través de la radio, a los dueños de perros para que prestaran sus mascotas al esfuerzo de la guerra. Esto llevó a la primera tanda de perros, a la «Escuela de Entrenamiento de Perro de Guerra», en Hertfordshire (Reino Unido), aunque también se convirtió en un refugio de animales, debido que sus dueños los habían abandonado por las penurias de la guerra.
A finales de 1943, el Primer Ministro británico, Winston Churchill, y el Presidente estadounidense, Franklin D. Roosevelt, se reunieron (también Iósif Stalin) en Teherán (Irán), para planear la invasión del continente europeo, entonces ocupado por los alemanes. Pero no fue hasta el 6 de junio de 1944, cuando se dieron las circunstancias oportunas, para el desembarco de Normandía, que marcó el inicio de la liberación de la Europa occidental ocupada.
Uno de los regimientos británicos que iban a participar, era el 13º Parachute Regiment and Airborne Forces(Regimiento de Paracaidistas y Fuerzas Aerotransportadas), al que le asignaron tres perros: Bing, Monty y Ranee, todos pastores alemanes, (este último era una perra, siendo la única que saltó en paracaídas durante la IIGM).
Brian y su dueña Betty Fetch Brian
En la base de Larkhill Garrison (Salisbury, Reino Unido), los perros recibían el adiestramiento necesario para localizar minas y explosivos, realizar labores de vigilancia y actuar como mensajeros, familiarizarse con los escenarios de guerra, para que no se asustasen en medio de, explosiones tiroteos o bombardeos… y un entrenamiento específico para saltar de los aviones.
En la primera parte de este entrenamiento, los perros se sentaban dentro de la cabina durante horas para que se acostumbrasen al ruido de los motores, en la segunda fase, la más complicada, los paradogs debían perder el miedo a saltar desde el avión. Para ello, antes del salto los dejaban sin comida y los instructores subían al avión con un buen trozo de carne. Cuando llegaban a la altura señalada, los instructores saltaban enseñándoles el jugoso filete… los perros estaban tan hambrientos que saltaban tras la carne. Cuando llegaban a tierra, recibían el preciado botín.
Para ello tuvieron que ser adiestrados concienzudamente para que no se asustasen al estar en el avión, ni con los ruidos, ni por el habitáculo ni por nada. El miedo y la distracción convertirían el plan en fallido.
Salto a salto, fueron perdiendo el miedo e incluso parecía que se divertían.
Entre estos animales, uno con dos años de edad, el perro Brian, un pastor alemán con cruce de collie.
Brian se llamó después Bing, su propietaria civil era Betty Fetch Brian. Brian participó en dos misiones: en Normandía y en Alemania.
Los cuerpos delgados de los perros demostraron ser ventajosos porque, durante su prueba de saltos, utilizaban los paracaídas (más pequeños), que en realidad habían sido diseñados para transportar bicicletas.
Con el fin de hacer más fácil para llegar a los perros para saltar de la aeronave, no se les daba de beber o comer de antemano.
El 2 de abril de 1944, Ken Bailey (instructor asignado), escribió en su cuaderno de notas sobre el primer salto con la hembra alsaciana Ranee. Señala que llevaba consigo un pedazo de 2 libras de carne, y que el perro se sentó en sus talones con entusiasmo viendo como los hombres en el frente de la línea saltaron del avión.
Era el momento del primer salto, que relata:
«Me volví hacia la línea de vuelo…. La perra estaba a unos 30 metros de distancia, la rampa del avión estaba abierta, «Ranee» parecía un poco desconcertada, se movía ligeramente para un lado y otro, pero no mostró ningún signo de temor, la llamé y de inmediato se volvió hacia mí y movió su cola vigorosamente.
La perra embarcó y durante el vuelo, me miraba, no hacía ningún intento de anticipar ni resistir cuando llegara el momento, fue lanzada fuera del avión, aterrizando sin contratiempos. Estaba completamente relajada, se dio la vuelta una vez, se puso de pie y se quedó mirando a su alrededor, yo aterricé cerca y de inmediato corrí hacia ella, la solté y le di la alimentación, dos libras de carne».
El Yorkshire Smoky durante un descenso en paracaídas
Con cada nuevo salto los perros desarrollaban más y más placer en su trabajo, y en algún momento, los animales comenzaban a arrojase voluntariamente con sus compañeros humanos del avión.
Tras dos meses de saltos, estaban preparados para el día D.
Y llegó el día en que los perros habían sido entrenados, el 6 de junio de 1944: los tres aviones con los miembros del 13º batallón despegaron a las 23.30 pm en la noche anterior y se dirigieron a Francia. A la 01.10 de la mañana, con sólo 30 segundos de retraso, los aviones llegaron a Normandía. Cada aeroplano llevaba 20 hombres y un perro cada uno.
Aunque ninguna de las tres aeronaves fue alcanzada por las defensas antiaéreas alemanas, los aviones recibieron fuertes sacudidas por las explosiones cercanas.
Monty y Ranee mantuvieron el tipo, pero Bing se puso muy nervioso, comenzó a ladrar y se escondió asustado bajo un asiento. El salto todavía sería peor… para los tres perros: el paracaídas de Bing quedó enganchado en un árbol durante dos horas y fue herido con dos profundos cortes en la cara, antes de poder ser rescatado por los paracaidistas, Monty resultó gravemente herido, muriendo después, y Ranee no tomó contacto con el batallón y desapareció. Fueron sustituidos por otros dos pastores alemanes.
Miembros del 13º Batallón de Paracaidistas después de la guerra cerca de Wismar
Bing, a pesar de recuperarse sólo en parte de sus heridas, consiguió hacer su trabajo detectando minas e incluso salvando a sus compañeros humanos de una emboscada en un segundo salto durante la «Operación Varsity», en marzo de 1945.
Fue galardonado con la Medalla Dickin en 1947, la condecoración que el Gobierno británico otorga a los animales por sus acciones durante los conflictos bélicos, por su «gallardía tan notoria y devoción al deber mientras servía en cualquier rama de las Fuerzas Armadas o de las Unidades de Protección Civil.».
Después de la guerra, el Ejército devolvió a Bing a su dueña, Betty Fetch. Tuvo una vida plena y feliz, y tras su muerte, en 1955, fue enterrado en un cementerio para animales de guerra próximo a Londres, y se hizo una estatua en su honor, se puede visitar en el Museo del Regimiento de Paracaidistas y Fuerzas Aerotransportadas, de Duxford, con un paracaídas a su espalda y la Medalla de Honor, la cual dice: «por su valentía» y «nosotros servimos».
Bing, recibiendo la condecoración, junto a su propietaria
Medalla al único perro prisionero durante la Segunda Guerra
Judy, la mascota de la Royal Navy, se convirtió en una prisionera oficial de guerra
Judy, que es como se llamaba ese perro, era una especie de mascota para los marineros de un buque de guerra inglés que fue torpedeado por los japoneses en 1942. Todos los tripulantes, incluida Judy que era una hembra de la raza pointer, fueron colocados en un campo para prisioneros de guerra en la isla de Sumatra. Uno de los marineros británicos, Frank Williams, se encargó de cuidar a Judy en el campo y más tarde, convenció a los oficiales nipones de que le otorgasen al perro el rango oficial de prisionero de guerra.
Judy logró sobrevivir tras varias heridas de bala y mordiscos de cocodrilo, y en más de una ocasión había ayudado a los reclusos ingleses desviando la atención de los guardias. Una vez terminada la guerra, Frank Williams se llevó al animal a su ciudad natal, Liverpool.
En 1946 Judy fue condecorada por su valentía con la Medalla PDSA Dickin, el equivalente de la Cruz de la Victoria para los animales. En 1950, ese perro leyenda murió y más tarde, cuando falleció también su amo, los parientes de Williams traspasaron la medalla y el collar de Judy a la colección del Imperial War Museum, cumpliendo la voluntad del difunto.
A pesar de que nunca he tenido la oportunidad de verla a Judy en vida, siempre ha sido un miembro más de nuestra familia – cuenta Doris Williams, la viuda de Frank -. No hay duda de que Judy la ha salvado la vida a mi esposo y a sus compañeros’.
La gran explosion de Fauld (Staffordshire, Reino Unido)
Depósito de municiones de la RAF
EL HECHO
La explosión se produjo en un depósito subterráneo de municiones de la RAF a las 11.11 horas, del día 27 de noviembre de 1944, que era una antigua mina abandonada de yeso, de unos 17.000 metros cuadrados, fue la más grande deflagración no nuclear de la historia que se ha producido en el Reino Unido. Entre 3.500 y 4.000 toneladas de municiones sin estallar, incluyendo gran variedad de explosivos, asimismo 500 millones de balas para rifles.
Se formó un cráter de 120 metros de profundidad, y unos 1300 metros de anchura, se destruyó un depósito de agua de 450.000 metros cúbicos de capacidad, así como edificios cercanos y granjas, oyéndose la explosión a más de 30 kilómetros de distancia, el lugar está situado y se ve de forma clara en la aldea de Fauld, al oeste de la colina de Hanbury, en Staffordshire.
CAUSA
La causa exacta de la explosión no se ha podido determinar de forma oficial, en ese momento estaban trabajando en el lugar unos 189 prisioneros de guerra italianos inexpertos, pero no fue hasta 1974 cuando se dio a conocer el hecho, ya que en plena guerra, la noticia sería a todas luces impopular y se daría a conocer la falta de seguridad, incompetencia y las condiciones de los trabajadores, o peor aún, que hubiera sido por la acción de saboteadores enemigos.
Se informó que la causa sería probablemente por la acción de un técnico, el cual estaba manipulando el detonador de una bomba de 115 kilos con un cincel de cobre, en vez de hacerlo con uno de madera.
Un testigo declaró que lo había visto con el cincel, contraviniendo las estrictas medidas de seguridad en vigor.
El cráter en la actualidad
BAJAS
El informe oficial comunicó que, 90 personas murieron, no se pudo determinar el número exacto, siendo: 26 muertos o desaparecidos, entre personal de la RAF, civiles y prisioneros. 37 ahogados. 8 trabajadores agrícolas que estaban trabajando en las granjas cercanas. 22 heridos. También 200 vacas murieron de las granjas cercanas.
CONSECUENCIAS
Aunque gran parte de la instalación de almacenamiento fue destruida por la explosión, cabe reseñar que las secciones 3 y 4 aguantaron, ya que tenían barreras de rocas, evitando así una reacción en cadena, y los daños se extendieron a unos 1300 metros a la redonda, edificios cercanos, granjas y el gran depósito de agua, como se ha comentado anteriormente, e incluso el pueblo de Hanbury, sufrió daños por la caída de cascotes de escombros lanzados al aire.
Monolito en recuerdo de las víctimas de la explosión
DESPUÉS DE LA EXPLOSIÓN
La instalación fue siendo utilizada hasta el año 1966, cuando se disolvió la Unidad de Mantenimiento, pero fue recuperada otra vez por el Ejército de EE. UU. para almacenar sus municiones que estaban antes ubicadas en Francia, ya que éste país se retiró de la OTAN en 1966, clausurándose definitivamente en el año 1973.
En 1979 el lugar fue cercado y desde entonces la naturaleza se ha adueñado del lugar, estando la zona restringida por carteles de aviso, por la cantidad de explosivos que aún están enterrados en el sitio.
El Gobierno del Reino Unido consideró su eliminación, pero resultó inviable por el alto coste.
El barco militar que fabricaba helados en la IIGM
Ice Cream Barge
En momentos de depresión o baja autoestima, alimentos como el chocolate o los helados son un recurso habitual para tratar de elevar la moral de quien sufre esa apatía. En periodos de conflictos bélicos, donde casi cualquier solución es válida para mantener contentos a los soldados, esta perla de la sabiduría popular no podía ser ignorada por los mandos militares.
De hecho, el poder reconstituyente del helado fue tomado tan en serio que, en plena Segunda Guerra Mundial, la Marina de Estados Unidos construyó un buque, el «Ice Cream Barge», encargado de fabricar y distribuir miles de toneladas de este producto entre los barcos y bases que tenía desplegados en el Pacífico Sur.
Todo comenzó, cuando la cúpula militar buscaba soluciones para los principales problemas que el clima caluroso de la zona y la baja moral causaba entre las tropas. El consumo de helados, habitualmente prescrito por los médicos a los soldados para recuperarse de la fatiga, era una respuesta ideal, ya que atacaba ambos problemas a la vez.
Así, a partir de 1943, se distribuyeron más de 61.000 toneladas de helado deshidratado entre todas las bases militares del Pacífico Sur. Con un poco de agua y siguiendo las instrucciones que indicaba la lata del producto para diluir el polvo, cualquier soldado podía obtener su propio helado de vainilla.
Sirviendo helados a la tropa
Sin embargo, el secretario de la Marina de los Estados Unidos, James Forrestal, estaba convencido del enorme beneficio de incluir este alimento en la dieta de los soldados. Por ello, decidió dar máxima prioridad a su distribución y, en 1945, se las ingenió para convencer a la Comisión Nacional de Presupuestos para que apoyaran su plan.
Con el millón de dólares que obtuvo, Forrest ordenó construir el barco más insospechado de la Segunda Guerra Mundial: uno destinado única y exclusivamente a la fabricación de helados. Conocido como «Ice Cream Barge», era una barcaza remolcada capaz de producir alrededor de 300 litros de helado cada hora que distribuía por todas las bases del Pacífico Sur.
El «Ice Cream Barge», además de ser la primera heladería flotante y ambulante del mundo, sin duda hizo las delicias de muchos de los soldados, a la vez que les sirvió de cierto apoyo moral mientras combatían en unos campos de batalla muy alejados de su hogar. Un curioso uso de los helados, quizá solo superado por el de los caramelos de chocolate que salvaron la vida de un batallón de marines en la Guerra de Corea.
Un gallego en Omaha Beach
Manuel Otero Martínez
La historia es la siguiente:
Gema Martínez, una vecina del municipio de Serra de Outes, (provincia de A Coruña, Galicia, España), se pone en contacto con D. Manuel Arenas, fundador y presidente de la Asociación histórico-cultural «The Royal Green Jackets» de A Coruña y de la Asociación de Amigos del Museo Militar de A Coruña.
Esta mujer le comenta que tiene un féretro que perteneció a su tío y que su historia podría interesarle. Manuel al principio no se lo toma en serio pero ante la insistencia de la mujer y atraído por la curiosidad se acerca al citado municipio en busca de más información.
Gema le cuenta que su tío, Manuel Otero Martínez, nacido el 29 de abril de 1916 y marinero de profesión, se encontraba embarcado como mecánico en el vapor Inocencio Figaredo, amarrado en el puerto de Santander. Estalló entonces la Guerra Civil Española, siendo reclutado en el bando republicano antifranquista cuando contaba con 20 años de edad. Fue herido gravemente en un pulmón y un brazo durante la Batalla de Brunete y hecho prisionero en Barcelona pero, gracias a la intermediación y las influencias de su hermano que había luchado en el bando nacional profranquista, es liberado y regresa a su pueblo, Serra de Outes.
Sin embargo nada sería igual. Desde entonces, la persecución a la que fueron sometidos los que habían luchado en el bando republicano una vez finalizada la Guerra Civil, le impulsa a emigrar a EE.UU. en el año 1941 en busca de mejor fortuna. Y la encontró. Se muda a EEUU a través de Hawái, para evitar problemas con inmigración. Posteriormente se traslada a Nueva York donde abre un próspero taller mecánico. Su sobrina nos cuenta que, ya de pequeño, Manuel solía construir bicicletas de madera para jugar con ellas. Pero en su mente estaba el objetivo que todo emigrante desea alcanzar, el sueño americano de lograr la nacionalidad.
La forma más fácil de hacerlo era ingresar en el ejército durante 6 meses, así que, aunque en Europa había comenzado la guerra, se alista creyendo que aquel conflicto quedaba lejos de afectar a su país adoptivo, EEUU. Pero el destino, que parecía tenérsela jurada a este buen gallego, le jugó de nuevo una mala pasada. Tan sólo tres días después llegó el ataque a Pearl Harbor y con él la entrada de EEUU en la IIGM, así que Manuel Otero queda alistado en el ejército y en 1943 lo mandan a Inglaterra a completar su entrenamiento, ya de por si amplio dada su experiencia en la Guerra Civil Española. Posteriormente parte a Normandía en el marco de la Operación Overlord.
Omaha beach el Día D
El Día D desembarca en Omaha Beach, sector este, con las primeras oleadas de infantería, como soldado de primera clase en el 16º Regimiento de infantería de la 1ª División, la mítica Big Red One. Allí como tantos otros encuentra la muerte.
Recibe el Corazón Púrpura a título póstumo y sus restos son enterrados en el cementerio americano de Colleville-sur-Mer, para después ser repatriados en 1948 a Galicia, por petición de su familia. Es enterrado en su panteón familiar en la Iglesia Parroquial de San Juan de Sabardes, y posteriormente se trasladan sus cenizas al cementerio nuevo cercano.
Lo paradójico es que el párroco, en el certificado de defunción, cita una postdata donde dice que «Ha sido enterrado por soldados del Ejército norteamericano con todos los honores. Fecha: 18 de septiembre de 1948».
En esta imagen vemos el diploma original de concesión del Corazón Púrpura
«¿En esa época Franco permitiría venir a soldados de uniforme para hacer el entierro?», se pregunta Manuel Arenas, quien advierte de que no hay rastro del suceso en la prensa de la época. Sin embargo, el propio Arenas narra que una mujer del pueblo, que cuando sucedió aquello apenas tenía 9 años, dice recordar aquel entierro y especialmente cómo a la persona fallecida se le dio sepultura con una bandera roja y blanca que ella no conocía, además de unos militares que hablaban de una forma extraña y que acompañaban el féretro.
«Es decir, que compañeros suyos debieron venir al entierro de La Coruña», intuye Arenas.
«Es un personaje olvidado durante 70 años y su historia merece que sea conocida en toda España. Tuvo mala suerte en todos los sentidos, era un joven que tenía el sueño de prosperar, el sueño del emigrante gallego. Es el único gallego y el único español. Miramos todos los listados de fallecidos del Ejército americano y había puertoriqueños o mexicanos, pero el único que figura como español era Manuel Otero y murió un día como hoy hace 70 años», afirma Arenas durante el homenaje que se le ha dedicado en su pueblo natal este 6 de junio de 2014.
El paradero de la condecoración se desconoce, aunque se sospecha que pueda conservarla la única hermana viva que le queda, residente en Como, (Italia). También podrían tenerla unos familiares emigrados a Canadá.
La clave para confirmar la identidad del soldado gallego es el número de identificación, (32868826), que figura tanto en los registros americanos como en la caja de madera que contenía el féretro metálico en el que repatriaron los restos.
Se decide colocar una placa en su tumba y ofrecerle un homenaje en el que he tenido el gusto de participar, y al que acudimos con vehículos y uniformes de la época. Este acto se pretende repetir cada año coincidiendo con la fecha del Día D.
La tumba de Manuel Otero
Su casa natal sería convertida en un hotel con una sala-museo y que, por supuesto, se llamará «Hotel Normandía».
Además, el escritor e historiador D. Antonio Osende Barallobre, vicepresidente de la Asociación «The Royal Green Jackets», está recopilando información para la elaboración de una biografía lo más completa posible sobre este soldado gallego, que prevé poder publicar en año y medio.
Así que esta es, en resumen, la historia del único español que murió en Omaha Beach y que, como no, tenía que ser gallego.
La placa de Manuel Otero en Colleville-sur-Mer cerca de la playa de Omaha junto al monumento a la Big Red One
Varios miembros de la Asociación The Royal Green Jackets viajaron a Normandía y colocaron una placa conmemorativa en una poyata informativa, junto al monumento a la Big Red One, rindiendo homenaje a Manuel Otero.
Según las últimas averiguaciones parece que hay testimonios de que Manuel Otero murió al pisar una mina mientras trataba de cruzar la playa.
Infobae(M.del Moral) — Una noche de otoño 91 personas murieron, 191 sinagogas fueron incendiadas, 7.000 comercios saqueados y 26.000 judíos arrestados. El jueves 9 de marzo de 1939, los vidrios astillados de las tiendas asaltadas esparcidos en la calle le pusieron nombre al primer capítulo del horror nazi: “Kristallnacht” o “la noche de los cristales rotos”. El pogromo fue celebrado por cien mil alemanes en Nuremberg. Fue el germen del plan de aniquilación racial. Se encadenaron multas de mil millones de marcos para reparar los gastos sufridos, expulsión a los niños judíos en las escuelas, la persecución y prohibición de la población judía en la sociedad alemana.
El papá de Ana María Wahrenberg fue detenido esa noche. Efectivos con camperas negras se lo llevaron de su casa. Lo enviaron al campo de concentración de Sachsenhausen. Lo liberaron 29 días después. Ella presenció el secuestro con apenas ocho años de edad. Aún hoy, 83 años después, recuerda el drama con nitidez: “De ahí en adelante mi vida cambió totalmente, vivimos siempre amenazados de muerte”. La solución era huir. Dejar la vida en Berlín en el pasado. Dejar recuerdos y amistades. Conservó documentos de su infancia. Una libreta, por ejemplo, con un mensaje especial: «si algún día, en tus últimos años, tomas este libreto entre tus manos, ¡¡¡recuerda lo hermoso que fué habernos conocido!!!» La firma: “Tu amiga Ilse”. La fecha: marzo de 1939.
Con Ilse iban al mismo colegio. “Los niños judíos no eran admitidos en otras escuelas del barrio porque los alemanes querían mantener su raza limpia y consideraban que no podíamos mezclarnos con ellos. La comunidad judía tuvo que preocuparse de formar colegios para judíos”, relató en una entrevista con Sputnik. Jugaban en sus casas porque, al ser judíos, su asistencia en espacios públicos como parques y cines estaba restringida. Tampoco podían interactuar con otros niños. “A ellos les prohibían hasta saludarnos”, detalló.
No poder subirse a una hamaca de la plaza le dejó una huella. Se reconoce consciente de la exclusión y la discriminación. Recuerda con olores frescos y dolor sin desgastar la despedida con Ilse: “Fue muy terrible porque las dos nos queríamos mucho. El día que sabíamos que teníamos que separarnos, nos juntamos en el patio del colegio, bajo un gran árbol. Nos abrazamos, lloramos mucho y prometimos escribirnos, lo que nunca hicimos»
La familia de Ilse huyó primero, rumbo este. Se dirigió a uno de los pocos puertos abiertos en Shanghai, China, para recalar años después en la costa este de los Estados Unidos. La familia Wahrenberg escapó hacia el oeste, primero España. En Bilbao, Ana María recuperó la paz. “Me acosté esa noche en la cama con una almohada, me sentí tan acogida y tranquila. Miraba la puerta y sabía que no se iba a abrir para que entrara los de la SS”, dijo en diálogo con CHV Noticias. De Europa, un embarque clandestino a Panamá y de ahí, una nueva travesía hacia el sur. El punto del mapa elegido estaba en territorio chileno. “De Chile no sabíamos nada. La cosa era salir de las llamas. No importaba hacia dónde”.
La niña tenía ya 9 años. En su primer domingo en Chile volvió a sentir el viento en la cara: “Mis padres me llevaron a la Plaza de Armas y de ahí fuimos caminando hasta el Parque Forestal. Me pude subir a un columpio. Estaba libre, podía hacer de todo, podía caminar sobre la vereda, podía ir al colegio». Se instalaron en un departamento con otros inmigrantes judíos. Su madre, que no tenía profesión, pidió trabajo en una carnicería: “El dueño de la carnicería nos regalaba salchichones y podíamos comer pan con algo. Así empezamos”.
En su escape de Alemania, Ana María Wahrenberg pasó por Inglaterra, España y Panamá antes de recalar en Chile. Tenía solo nueve años
Ana María Wahrenberg, después de volver a subirse a una hamaca, después de volver a comer pan con algo, vivió una vida normal. Aún la vive. Tiene 91 años y la plenitud y la voluntad de una mujer obstinada, dedicada a recordar. Las charlas, conferencias y seminarios que brinda como sobreviviente del Holocausto la mantienen activa. En pandemia, el confinamiento impulsó la virtualidad. En el aniversario de 2020 de “la noche de los cristales rotos”, desplegó su testimonio en un encuentro organizado por la Red Latinoamericana para la Enseñanza de la Shoá (LAES), una institución que se creó en tiempos de coronavirus y que une a distintas instituciones latinoamericanas para la enseñanza del Holocausto.
Narró su historia. Contó detalles. Ita Gordon, una archivista del Instituto para la Historia Visual y la Educación de la Shoá (USC Shoah Foundation, por sus siglas en inglés), estuvo atenta al relato. Un fragmento de la historia le despertó curiosidad. La mujer hablaba de una amiga y de una promesa trunca: recopiló un nombre y algunos datos biográficos. Ita rastreó a Ana María en los 55 mil archivos de la organización sin fines de lucro creada por Steven Spielberg en 1994, cuyo objetivo radica en grabar y conservar los testimonios de sobrevivientes y de testigos. No la encontró.
Pero halló la otra cara de la historia. Una mujer de nombre Betty Grebenschikoff la había citado en una entrevista realizada en 1997. En el minuto 14:23 de su relato, interrumpe: “Tenía una amiga en particular que siempre digo su nombre cuando hablo sobre mi vida. ¿Puedo decirlo aquí? Su nombre es Anna Marie Wahrenberg. Nunca supe lo que pasó con ella y siempre me pregunto si algún día ella escuchará esto. Ella era mi amiga, fuimos al colegio juntas desde muy pequeñas y jugábamos juntas. En 1939 nos tuvimos que despedir; mi familia se iba a China, fue muy difícil porque éramos mejores amigas. Se suponía que nos escribiríamos pero nunca lo hicimos y nunca más volví a escuchar de ella. No sé lo que le pasó… quizás murio en la guerra, pero no estoy segura»
Betty Grebenschikoff se llamaba cuando nació Ilse Kohn. Su familia huyó hacia China, después Australia y finalmente Estados Unidos
“Me emocioné mucho. No lloré ni nada, pero lo que hice fue quedarme muy callada y decirme a mí mismo: ‘puede que tengas que actuar, pero ahora mismo, siéntelo’. Porque podría existir la posibilidad de que dos queridos amigos estén juntos de nuevo”, le contó Ita a Rachel Cerrotti, fotógrafa, escritora y educadora galardonada, autora del texto que se publicó en la USC Shoah Foundation.
Cruzaron las declaraciones. Las fechas y las historias coincidían. Los nombres no. El sitio Ynet Español contó que se contactaron con Michelle Reich, una de las responsables del Museo Interactivo Judío de Chile, institución fundadora de la red LAES. “Cuando le contamos acerca del testimonio que encontramos de una mujer en Estados Unidos, nos dijo que no, su amiga no se llamaba Betty, sino Ilse, y que se había ido a Shanghai”.
Ilse Kohn, en efecto, emigró con su familia a la capital china. Eso fue lo último que Ana María supo de su amiga. El devenir de Ilsa continuó por Australia y culminó en los Estados Unidos con un nuevo nombre: Betty Grebenschikoff. Desde Miami y Santiago de Chile, las mujeres hacen lo mismo: Ana María colabora en el Museo Interactivo Judío de Chile y Betty en The Florida Holocaust Museum; ambas dan charlas en instituciones educativas donde predican el ejercicio de la memoria, ambas plasmaron sus historias en libros autobiográficos. Sus vidas, descubrieron los investigadores, estaban espejadas.
«Mencionaba su nombre cada vez que daba una charla en la que hablaba del Holocausto y nunca pasaba nada. No puedo creer que ella esté ahí. Es maravilloso», narró Betty
La red LAES coordinó el reencuentro virtual con los dos museos. Se celebró los últimos días de noviembre de 2020 a través de Zoom. Del evento también participaron sus familiares. “Hola”, dijo Betty. “Hola Betty. ¿Puedes verme? Y también veo a Ana María”, intervino la moderadora. “Sí, las puedo ver a las dos”, respondió Ana María, mientras aparecían sus rostros en la pantalla. Volvían a verse las caras 82 años después. Los nervios impidieron que la charla fluyera. Hubo silencios y emociones los primeros cinco minutos. Después llegaron las reflexiones y también las trivialidades.
«¿Esto que corurrió con nosotras es un milagro, no?», preguntó Ana María. A Betty las ideas y las palabras se le acumulaban: “Tengo… estoy tan… no tengo palabras. Para esto que estamos… después de tantos años, después de 80 años, nos hemos juntado nuevamente. Es un regalo”.
Los presentes se conmovían desde el anonimato: sus micrófonos y sus cámaras estaban apagadas, y su participación quedaba relegada al silencio y la sombra. “Fue tan natural para ellos”, interpretó Lucas Kirschman, uno de los siete nietos de Betty. “Estaban hablando de cosas al azar como si no fuera gran cosa… Y es casi como si el idioma pudiera haber sido una barrera, pero no lo fue en absoluto. Nunca antes había escuchado a mi abuela hablar alemán”.
En noviembre de 2020, Betty y Ana María se reencontraron a través de una videollamada, de la que también participaron sus familiares
La charla duró casi dos horas. Un brindis con champagne cerró la cita. Todos alzaron las copas. “Ver a Ana María y Betty en la videollamada, junto con sus familias sanos y felices, fue ver el triunfo definitivo sobre el odio”, concluyó otro espectador del encuentro íntimo.
La relación continuó recomponiéndose. Las dos mujeres de 91 años ya entablaron varias conversaciones por Whatsapp y por Zoom. Ana María Wahrenberg también siente que la reaparición de su amiga de la infancia es un regalo del que estará infinitamente agradecida. «Hablamos todos los domingos durante aproximadamente una hora. Nunca nos pondremos al día. Nuestras conversaciones son geniales, todavía tenemos intereses en común y, por supuesto, muchos, muchos recuerdos que aún compartimos. En cuanto salgamos de esta horrible pandemia, intentaremos reunirnos en algún rincón del mundo”, contó la chilena al medio The Times of Israel.
Betty, la estadounidense, recordó que su mejor amiga de la escuela aún estaba buscando refugio cuando ella y su familia huyeron de Berlín hacia la ciudad portuaria en China. “Nunca pude encontrarla. La busqué en el Museo del Holocausto de Washington y en la base de datos. Mencionaba su nombre cada vez que daba una charla en la que hablaba del Holocausto y nunca pasaba nada. No puedo creer que ella esté ahí. Es maravilloso”, sostuvo.
Por su memoria, por su deferencia, por su insistencia, por seguir nombrándola, por la curiosidad de Ita Gordon, por la gestión de la red LAES, los museos y la USC Shoah Foundation, por la vocación de ambas, Ana María Wahrenberg y Betty Grebenschikoff volvieron a encontrarse 82 años después de que el nazismo las obligara a emigrar de Alemania. Aún adeudan el abrazo, el mismo que se dieron cuando tenían ocho años y lloraban abajo del árbol del patio del colegio.
The Conversation(G.Mestre-Bach/C.C.Actis) — Una de las consecuencias de la llegada de internet ha sido el aumento del uso de pornografía en línea. Esto ha generado un incremento de la investigación científica centrada en las posibles consecuencias de estos materiales.
Sin embargo, gran parte de los estudios han evaluado exclusivamente las consecuencias en los consumidores adultos. Probablemente, el hecho de que justamente la población más vulnerable a este tipo de contenidos sea la menos estudiada se deba, entre otros aspectos, a limitaciones éticas y prácticas, y a una cierta negligencia por parte de los formadores, que no quieren creer que niños y adolescentes acceden a estos contenidos.
Los menores disponen de un acceso ilimitado a múltiples y variados contenidos pornográficos. Sin embargo, debido a la etapa evolutiva en la que se encuentran, caracterizada, entre otros aspectos, por un cerebro aún en desarrollo, les resulta más dificultoso diferenciar entre realidad y ficción.
También se observa que los más jóvenes copian las conductas sexuales que visualizan en los materiales sexualmente explícitos y los consideran una potente herramienta de educación sexual.
Consecuencias negativas
Aunque algún autor se ha centrado en las posibles consecuencias positivas derivadas del uso de pornografía en los jóvenes, la realidad científica evidencia un incremento exponencial de investigaciones que evalúan la asociación entre el uso de pornografía y múltiples consecuencias negativas.
Respecto a las conductas sexuales, se ha observado que aquellos jóvenes que consumen pornografía presentan una mayor probabilidad de llevar a cabo sexo esporádico, sexo con amigos o sexo oral y/o anal. También refieren un mayor deseo sexual, mayor número de encuentros sexuales, múltiples parejas sexuales y una iniciación sexual más temprana, en comparación con aquellos adolescentes que no consumen pornografía.
Sin embargo, cabe destacar que otros autores no han observado efectos direccionales claros entre el uso de pornografía y el comportamiento sexual de los adolescentes, por lo que se trataría de una asociación controvertida.
En cuanto a las conductas sexuales de riesgo, algunos autores subrayan que existe una clara asociación entre la exposición a la pornografía y las relaciones sexuales sin preservativo en los adolescentes. Sin embargo, otros estudios encuentran esta asociación en población adulta, pero no en el caso de los menores.
¿Más conductas sexuales agresivas?
Diversos estudios sugieren que los jóvenes que ven pornografía violenta podría presentar más conductas sexuales agresivas y una mayor aceptación de la violencia en el noviazgo, aunque se requiere de más evidencia empírica para poder obtener resultados concluyentes.
Como factores predisponentes para una mayor probabilidad de consumo de pornografía y de su frecuencia, se ha encontrado la mayor impulsividad, el uso de alcohol y otras sustancias en el año previo, una menor vinculación emocional con los progenitores, alteraciones en el funcionamiento familiar y la violencia familiar.
Los adolescentes que han sido víctimas de violencia familiar presentan una mayor tendencia a consumir pornografía, y especialmente de contenido violento. Aunque algunos autores no han podido evidenciar una asociación clara entre el uso de pornografía y alteraciones en el bienestar psicológico, otros destacan que aquellos adolescentes que consumen pornografía presentan una mayor probabilidad de referir sintomatología depresiva y/o ansiosa, de reportar obesidad y de usar tabaco, alcohol y otras sustancias. No se encontrado asociación con las disfunciones sexuales en adolescentes, aunque sí en adultos.
Uso problemático
Existe cada vez más evidencia empírica que muestra una clara asociación entre el uso de pornografía y el uso problemático de pornografía. Aquellos adolescentes que consumen pornografía con más frecuencia presentan una mayor probabilidad de acabar reportando uso problemático de pornografía con consecuencias negativas para su vida sexual, sus relaciones personales y su bienestar, y es más probable que refieran sintomatología depresiva y un mayor interés sexual.
Los adolescentes que consumen pornografía de manera regular presentan una mayor propensión a mostrar actitudes de género negativas, y cuando perciben los materiales pornográficos como una herramienta de educación sexual muestran una mayor tendencia a percibir el sexo como un mero instrumento para la gratificación sexual.
La asociación entre el uso de pornografía y los factores mencionados con anterioridad es altamente controvertida. Esta falta de consenso evidencia la clara necesidad de disponer de más investigaciones longitudinales en esta línea que permitan llegar a conclusiones más sólidas sobre el posible impacto que los materiales sexualmente explícitos pueden tener sobre los más jóvenes y qué variables pueden ser mediadoras para que la pornografía tenga esos efectos perniciosos o no.
L.B.V.(G.Carvajal) — Hace más de 2.000 años el río Eufrates cambió su curso, alejándose de la antigua ciudad de Ur al sur del actual Irak, que quedó abandonada para siempre. Fundada hacia el año 3800 a.C., está documentada su existencia como una poderosa ciudad-estado desde el siglo XXVI a.C., siendo su primer rey Mesanepada, quien aparece en la lista de reyes sumerios como fundador de la primera dinastía de Ur.
Las ruinas de la ciudad fueron visitadas a lo largo de la historia por numerosos viajeros. No obstante, los estudiosos europeos no identificaron el lugar hoy denominado Tell el-Muqayyar con la antigua Ur hasta que Henry Rawlinson, el padre de la asiriología, descifró en 1849 algunas inscripciones encontradas en el lugar.
Imagen aérea de la ciudad de Ur
Las primeras excavaciones, que sacaron a la luz el zigurat y otras estructuras, fueron las de John George Taylor entre 1853 y 1854. Sin embargo no tuvieron continuidad y el lugar quedó expuesto durante 75 años, siendo los milenarios ladrillos de los edificios desenterrados reutilizados como material constructivo por los habitantes de la zona. Hasta que el Museo Británico retomó los trabajos en 1918.
En 1922 se encargó de las excavaciones Leonard Woolley, que comenzó por realizar algunas zanjas de prueba para hacerse una idea de la disposición de la ciudad. A lo largo de dos años realizaría importantes descubrimientos, como un gran patio rodeado de habitaciones, dos grandes edificios, uno de los cuales era la vivienda de la gran sacerdotisa, y tantos objetos de oro y piezas de arcilla y cerámica que apenas tenía tiempo de catalogarlas.
Sello de lapislázuli encontrado en la tumba de la reina Puabi
Pero el cuarto año se encontró con algo inesperado, un enorme cementerio de 1850 entierros, de los cuales 16 eran tan grandes y lujosos que Woolley los consideró tumbas reales, el lugar de descanso de los reyes de Ur. Databan de entorno al 2600 a.C., el período de la primera dinastía de Ur, y consistían en grandes cámaras con paredes de ladrillo o piedra coronadas por bóvedas.
Lira encontrada en la tumba de la reina Puabi
En cada una de las tumbas reales había un cuerpo principal y cierto número de acompañantes, así como abundantes objetos, entre los que se encontraron piezas tan importantes como el Estandarte de Ur o el casco de Meskalamdug. Pero prácticamente todas las tumbas habían sido saqueadas desde tiempos antiguos. Solo una de ellas apareció completamente intacta, la de la reina Puabi, cuyo nombre indica uno de los sellos encontrados en el interior.
Puabi, que pudo ser una reina, una sacerdotisa o las dos cosas, era acadia y pudo ser la segunda esposa del rey Meskalamdug, aunque no existe evidencia documental. Por eso algunos opinan que habría reinado en solitario y en su propio nombre.
Al entrar en la tumba Woolley encontró en el centro de la cámara un carro y lo que quedaba de un cofre con artículos de aseo personal, bajo el cual un agujero y una rampa conducían a otra estancia. A lo largo de esa rampa estaban enterrados 63 asistentes, sirvientes y guardias equipados con cascos de cobre y espadas. El camino conducía a una fosa en que habían sido sepultadas 74 personas, 68 de las cuales eran mujeres, ataviadas con tocados de elaborados detalles. Restos de esteras de caña cubrían los cuerpos para evitar el contacto con la tierra. También había caballos y leones. Todos ellos con el objetivo de servir a su señora en el más allá.
Dos metros por debajo de esa fosa una cámara sepulcral construida en piedra, que no tenía puerta y cuya única entrada era a través del techo, albergaba cuatro cuerpos, uno de ellos, el más importante, el de la reina Puabi. Su cuerpo era fácil de identificar por sus joyas de cuentas de oro, plata, lapislázuli, cornalina y ágata. Los otros tres eran sus sirvientes personales, y cada uno tenía sus propios adornos.
El tocado y las joyas de la reina Puabi, en el Museo Británico
Algunos de todos estos cuerpos, analizados recientemente en el Museo de la Universidad de Pensilvania, presentan traumatismos que indican que pudieron sufrir una muerte violenta.
La tumba contenía un número de objetos asombroso, que incluía un magnífico y pesado tocado de oro hecho con joyas, anillos y placas de oro, posiblemente una corona que se inspiraba en la naturaleza, con motivos florales; una lira completa con una cabeza de toro barbada con incrustaciones de oro y lapislázuli; abundantes cuentas cilíndricas de oro, coralina y lapislázuli, una profusa vajilla de oro; un carro adornado con cabezas de leona hechas de plata; y anillos y brazaletes de plata, lapislázuli y oro en cantidades impresionantes.
Análisis modernos encontraron que la tumba contenía restos de cinabrio y vapor de mercurio, posiblemente utilizados para evitar o ralentizar la descomposición durante los ritos funerarios. Los restos de Puabi se conservan en el Museo de Historia Natural de Londres.
Anillos encontrados en la tumba de la reina Puabi
El Cementerio Real de Ur estuvo en funcionamiento al menos durante tres siglos en la segunda mitad del tercer milenio a.C. Sorprendentemente, las excavaciones realizadas por debajo del nivel de las tumbas reales encontraron otra capa de arcilla aluvial de unos 3,5 metros de grosor. Esta capa cubría los restos de viviendas anteriores, donde se encontró cerámica del período Ubaid, la primera etapa de asentamiento en el sur de Mesopotamia.
El primer museo de la historia, creado en el año 530 a.C. en la ciudad de Ur por la princesa Ennigaldi
Hemos hablado del arqueólogo Leonard Woolley y de los asombrosos descubrimientos que realizó a lo largo de su vida: dirigió junto a T.E. Lawrence (Lawrence de Arabia) las excavaciones de Carquemís, encontró la estatua-biografía del rey Idrimi, y halló las evidencias geológicas del diluvio relatado en el poema de Gilgamesh.
Pero por lo que es más conocido es por sus excavaciones de la antigua ciudad sumeria de Ur entre 1922 y 1934. Los hallazgos realizados allí son uno de los acontecimientos arqueológicos más importantes del siglo XX: las tumbas reales (2700 a.C.), el estandarte real de Ur o el Toro de Cobre, entre otros.
El arqueólogo Leonard Woolley
Por cierto que en dos ocasiones, en 1929 y 1930 Agatha Christie visitó las excavaciones, donde conoció al que sería su segundo marido, Max Mallowan, que era el arqueólogo ayudante de Woolley. Y seis años más tarde publicaría su novela Asesinato en Mesopotamia, donde la trama gira en torno al asesinato de la esposa del director de las excavaciones (tristemente la inspiración para el personaje, Katharine, la esposa de Woolley, moriría nueve años más tarde de esclerosis múltiple, tras haber colaborado con su marido durante 20 años).
Pero antes, Woolley, Mallowan y Katharine hicieron otro sensacional descubrimiento. Mientras excavaban el complejo palacial y el templo de Ur, comenzaron a aparecer en determinadas estancias objetos y artefactos, docenas de ellos, que enseguida llamaron su atención.
Uno de los cilindros de arcilla, foto de Leonard Woolley
Por una razón muy concreta, y es que todos ellos pertenecían a épocas diferentes, algunos con diferencias de varios siglos. El objeto más reciente era siete siglos más antiguo que el pavimento del edificio, y el más viejo dos milenios anterior, según escribió el propio Woolley. Es más, junto a cada uno había un pequeño tambor cilíndrico de arcilla con inscripciones en cuatro columnas: la primera en sumerio antiguo y las otras en tres lenguas diferentes, con explicaciones sobre cada uno de los objetos, a la manera de los museos actuales.
La evidencia estaba totalmente en contra de que llegaran allí por accidente escribiría Woolley más tarde en su famosa obra Ur de los Caldeos. Y añadiría que la habitación era un museo de antigüedades locales mantenido por la princesa Bel-Shalti-Nannar (también conocida como Ennigaldi-Nanna).
Su padre, Nabonido, no solo fue el último rey del Imperio Babilónico reinando entre 556 y 539 a.C., sino que está considerado como el primer arqueólogo. Fue él quien dirigió las primeras excavaciones en busca de los templos de Šamaš, el dios sol, la diosa guerrera Anunitu (ambos situados en Sippar), y el santuario que Naram-Sin construyó al dios de la luna, situado en Harran, y tras hallarlos los restauró. Fue también el primero en intentar la datación de un objeto arqueológico, aunque la falta de tecnología le hizo desviarse unos 1.500 años.
Todos los artefactos que Nabonido halló en sus investigaciones procedían de yacimientos del sur de Mesopotamia, datados entre 2050 y 1400 a.C. (e incluso se cree que algunos pudieron haber sido recolectados previamente por Nabucodonosor II). Hacia el año 550–530 a.C. su hija reunió toda la colección en una habitación anexa a su palacio (el edificio llamado E-Gig-Par), creando lo que muchos historiadores consideran el primer museo de la historia.
El museo formaba parte de la escuela de sacerdotisas que Ennigaldi dirigía, donde utilizaba las piezas para enseñar historia, al mismo tiempo que instruía en la escritura y un dialecto llamado Emesal, utilizado en los textos literarios exclusivamente por mujeres.
Nabonido, rey de Babilonia
La escuela ya tenía ocho siglos de existencia cuando Ennigaldi fue nombrada sacerdotisa de Nannar (dios de la Luna) en 547 a.C. y se puso al frente de la misma.
Los restos del edificio que albergaba el museo están a solo 150 metros al sureste del Zigurat de Ur, a unos 24 kilómetros al suroeste de Nasiriya en Irak. En cuanto a los objetos encontrados por Woolley, se reparten entre el Museo Británico, el Museo de la Universidad de Pensilvania y el Museo Nacional de Bagdad.
Sputnik(E.Y.Illezcas) — La Semana Santa es una época de recogimiento y también para dar rienda suelta a otras tradiciones, sobre todo, comer. Dentro del recetario clásico, las torrijas son el plato por excelencia al que muy pocos pueden resistirse. Mira cómo se hacen, de dónde vienen y porqué son irresistibles, especialmente en estos días de pandemia.
Así que este año vivimos las vacaciones de Pascua como una época de restricciones por partida doble: las sanitarias y las eclesiásticas.
Las torrijas son el dulce típico por excelencia en España durante estos días de recogimiento (el doble sentido de esta palabra viene que ni pintado para esta ocasión). Su consumo asociado a la Semana Santa no tiene una base científica.
Más bien se debe a las creencias populares como que durante la Cuaresma (los días de ayuno y penitencia en conmemoración a los 40 días que Jesucristo pasó ayunando en el desierto antes de su muerte) había que buscar alimentos que llenasen el estómago para no pasar demasiado hambre.
Las monjas, maestras del aprovechamiento, reutilizaban el pan duro y lo empapaban en miel, leche y canela durante los días de abstinencia para llevarse una alegría al buche hambriento y exhausto por la oración constante.
Otros credo populares aseguran que su consumo en Semana Santa se debe a la sofisticación que sufrió la gastronomía durante el auge de la clase media en el siglo XIX, que comenzó a incluir en sus recetarios alimentos más refinados como la almendra, las yemas de huevo, las mermeladas o el arroz con leche de coco; y los ingredientes clásicos de las torrijas (el azúcar, el pan blanco y la canela) dejaron de considerarse productos gourmet y por lo tanto, las torrijas de toda la vida ya no resultaron tan dignas de comerse en grandes banquetes o en importantes eventos como bodas o bautizos.
De esta manera, este dulce tradicional quedaría relegado como alimento básico para una época de austeridad tan característica como es la Semana Santa.
Luego hay otros que ven un paralelismo claramente metafórico y absolutamente religioso entre el pan y el cuerpo de Cristo y el vino con el que a veces se rebozan en sustitución de la leche y la sangre del redentor.
Obviamente no hay ningún pasaje de la Biblia que lo corrobore al respecto y ni mucho menos esta afirmación aparece en los libros de historia y ciencia. Pero la fe es la fe.
Sin embargo y como excepción, cabe mencionar que hay algunas zonas de España donde las torrijas se comen en otras épocas y no en Cuaresma o Semana Santa.
Por ejemplo en Cantabria, al norte del país, se comen durante la Navidad, y en el País Vasco por Carnavales (curiosamente la fiesta pagana por excelencia).
Además, en otras comunidades, no son tan fans de las torrijas en Semana Santa sino que elaboran otros postres como las monas de Pascua en Cataluña, las chulas gallegas en Galicia o los gañotes de Ubrique en Cádiz.
¿Qué son las torrijas?
Las torrijas son un dulce de origen europeo, pero que actualmente son tremendamente populares en España.
Consiste en una rebanada de pan blanco que suele ser de días anteriores (incluso pan duro), o dependiendo de quién las prepare, también puede ser un pan especial para torrijas o pan brioche.
Se empapa el pan en leche o vino aromatizado con canela, se reboza en huevo batido y se fríe en una sartén con el aceite hirviendo.
Una vez frita, se escurren los restos del aceite y se endulza al gusto, pero lo habitual es echarles azúcar, miel, melaza o canela.
Las variantes pueden ser tantas como cocineros haya, aunque últimamente las de chocolate en todas sus versiones, con más o menos cacao, están poniéndose de moda. También hay por ahí quien ha comenzado a mezclar lo dulce con lo salado e incluye toppings de aguacate, huevo duro o salmón.
Y por supuesto, los que experimentan con la masa clásica y cambian el pan por patata o maíz. Cuestión de gustos, aunque la duda es si a tanto experimento deberíamos seguir llamándole torrija.
En cualquier caso y para preparar una buena torrija tradicional, que al final son las que triunfan en las pastelerías, mercados de toda la vida y la casa de la abuela, el secreto es que no hay secreto. Su preparación es tremendamente sencilla y hasta el más torpe en la cocina podría preparar una torrija más que decente.
De hecho, así se lo ha reconocido ASEMPAS (Asociación de Empresarios Artesanos del sector de Pastelería de Madrid), que le ha dado el premio a la mejor torrija de corte tradicional y a la segunda mejor torrija de corte innovador. Se trata de la pastelería Vait, que nació hace treinta años en un pequeño obrador en el centro de la ciudad.
Eso sí, según explica a esta agencia la gerente de Vait, Mercedes Jara Casitas, para este año de austeridad han decidido escuchar a sus clientes y solo están fabricando las torrijas tradicionales.
Se dieron cuenta de que cuando trataron de innovar y fabricar torrijas con los ingredientes de siempre añadiéndoles sofisticaciones como whisky, ron, cacao o baileys, no triunfaban entre la clientela que solo preguntaban por los postres de canela, bañados en leche y bien revueltos en azúcar blanco o en almíbar, que son las dos variantes clásicas de esta pastelería.
En estos días de Semana Santa no dan abasto a hacer torrijas en la cocina y este medio es testigo de ello. El obrador es un ir y venir de trabajadores empeñados en que las torrijas salgan a tiempo y salgan perfectas. No hay máquinas para hacerlas en cadena, sólo las manos y la rapidez de la que cada uno disponga.
Es como estar en la cocina de casa, pero más grande y con más gente vestida con el uniforme propio para mancharse sin culpa.
«Todas nuestras torrijas están basadas en la receta tradicional», explica a Sputnik Mercedes Jara. «Su base es un pan brioche de muy alta calidad, mantequilla francesa, harina de alta calidad y el resto de ingredientes clásicos. Absolutamente todo lo confeccionamos nosotros, incluido el almíbar».
Y se ríe claro, como pidiendo disculpas; aunque el extremo buen olor a mantequilla que impregna la cocina tras la fritura del postre da alguna pista de hacia dónde puede ir ese secreto tan preciado.
Sobre cómo está afectando a las ventas el año de la pandemia, Jara Casitas asegura que «no se ha notado en absoluto». «Otros dulces sí se han vendido menos, pero las torrijas igual que siempre, incluso más».
El año de pandemia para las torrijas es lo único que no se ha notado. El resto sí se ha vendido un poco menos, pero las torrijas se están vendiendo al mismo nivel. Solo para los días Jueves y Viernes Santo esperan vender un mínimo de 600 cada día. Y eso que las de Vait son de buen tamaño. Algún cliente asturiano comentó cuando las vio en la vitrina de la tienda si aquello con esa pinta suculenta e irresistible eran torrijas o cachopos.
¿Cómo se prepara una torrija tradicional?
– Se calienta leche en un cazo a fuego lento y se añade un palo de canela (y puede ser también una corteza de limón para darle gusto). Se deja infusionar durante unos minutos para que se mezclen los aromas y se deja enfriar.
– Se corta el pan en rebanadas, preferentemente gruesas para que una vez empapadas en los diferentes condimentos no se rompan.
– Se retira la canela y la cáscara de limón y se sumergen las rebanadas de pan vuelta y vuelta.
– Se baten los huevos según se vayan necesitando. Si batimos muchos huevos a la vez, como las torrijas van soltando leche, se mezcla con el huevo y puede afectar a su estructura y dificultar la fritura.
– Pasamos las torrijas por el huevo batido y las metemos en una sartén con abundante aceite de oliva (fundamental que sea AOVE). Ese es el truco para que no queden aceitosas. Cuando hay mucho aceite, la torrija flota y de esta manera ni se quema ni absorbe gran parte del aceite.
– Una vez fritas (con unos escasos minutos estarán listas) se sacan, se escurren bien, se colocan en una bandeja y se rebozan en azúcar, en miel o en almíbar. De manera opcional se puede añadir un poquito de canela en polvo.
– Comer sin culpa todas las torrijas que se pueda y disfrutar de este postre único y tradicional.
Breve historia de las torrijas ¿De dónde vienen y por qué se hicieron tan populares?
La primera vez que la historia ha hecho una referencia a un producto parecido a la torrija data de la obra de Marco Gavio Apicio, gastrónomo romano del siglo I. En uno de sus recetarios habla de que el pan debe sumergirse en leche, pero no le da al postre en cuestión ningún nombre especial.
Se limita a llamar a la tostada aliter dulcia (plato dulce). Eso sí, entre sus recetas en torno a este plato, Gavio Apicio especifica varias cosas:
«Toma buenos panecillos de mosto africanos, sin corteza, y ponlos en leche. Cuando estén remojados, mételos en el horno sin que se sequen. Sácalos calientes, pínchalos y úntalos con miel para que empape. Espolvorea con pimienta y sirve».
También se lee: «Coge pan, quítale la corteza y corta trozos grandes. Remójalos en leche, fríelos en aceite y añade miel por encima». Suena increíblemente actual, aunque recordemos que estamos hablando del siglo I.
Teniendo en cuenta esta fecha, es normal que no se mencionen todavía ni los huevos ni el azúcar porque fueron dos ingredientes introducidos en Europa por los árabes.
Fue durante la Edad Media en el continente europeo donde comenzaron a popularizarse diferentes platos que podrían ser los precursores de la actual torrija.
Los nombres que aparecen en aquella época son suppe dorate, soupys yn dorye, tostées dorées o el pain perdu (pan perdido) en Francia.
La palabra soup o suppe indica que el pan ha sido sumergido en algún líquido o «sopa», y Martino da Como, un gastrónomo europeo del siglo XV escribió una receta en la que habla de que este «pan jugoso era servido a menudo con aves de caza y otras carnes», por lo que parece que en aquella época, la torrija todavía no se servía como postre sino que más bien era el pan condimentado que se servía junto a otros menesteres y proteínas del plato principal.
Una bomba que ameritaba siesta, sin duda y seguramente no para todos los públicos en lo que a poder adquisitivo se refiere.
A partir del siglo XVI, se popularizó que el consumo de leche ayudaba a las parturientas a producir leche propia para los bebés recién nacidos, así que las mujeres que acababan de parir eran agasajadas con este producto, pero también con otros alimentos que en la época se consideraban fundamentales para tener energía y cargar pilas, algo que sin duda, se creía que necesitaban las recién paridas de la época.
Así que, durante sus primeras semanas de lactancia, se convirtió en tradición que las madres se alimentasen a base de leche, pan, huevos, caldos y dulce.
Básicamente se mantenían de torrijas aunque en aquel momento no lo llamasen así, porque la combinación de todos esos elementos deriva en el famoso postre actual.
Sin embargo, y teniendo en cuenta estas tradiciones, entendemos porqué las torrijas reciben algunos nombres particulares en varios puntos de España. Por ejemplo, en Mallorca se llaman «Sopes de partera», y en Galicia «Torradas de parida».
La primera persona que utilizó la palabra «torrija» fue Juan del Encina en 1496, en un cancionero en el que incluye un villancico donde habla de unos pastorcitos que llevan regalos a Jesús recién nacido, et voilà. Le llevaban parece unas buenas torrijas en este caso, se sobreentiende, para su madre, la Virgen María, que seguramente y siguiendo las creencias de la época, debía reponer fuerzas tras el parto a base de buenos chutes de azúcar e hidratos.
Posteriormente, el término “torrija” no apareció en los diccionarios hasta 1591 y hasta ese momento, torrija significaba sencillamente «trozo de pan» sin más edulcorantes. Una base muy práctica para hacer diferentes recetas y platos.
En definitiva, la historia habla de un postre que se hizo tal con el paso de los años y siglos, y que comenzó su éxito comiéndose como simples «trozos de pan» (más básico, rudimentario y para todos y todas imposible) que acompañaban cualquier plato, y que cumplían la función de alimentar y llenar el estómago a la vez. Saciarse (aunque sea bajo una emoción engañosa) era fundamental en una época en la que la mayoría no tenía para comer a diario y el pan era el rey de esa necesidad en la base piramidal.
Lo polifacético del plato lo hizo triunfar en toda Europa y refinarse con el paso de las décadas a base de inventiva y mezclas jugosas, dando prioridad a lo dulce y al paladar de gustos enérgicos.
La torrija tal y como la conocemos hoy ha llegado a nuestros días casi por casualidad, y la manera de hacerlas, aunque se sigan unos patrones indiscutibles, es tan diversa como cocineros haya al mando sobre la receta.
Lo importante es comerlas y disfrutarlas; solos, con amigos o en familia. Un capricho para el alma y el cuerpo en una época difícil en la que los antojos se hacen todavía más necesarios para mantener la mente y el cuerpo en equilibrio.
Daremos la vuelta en esta ocasión al famoso proverbio y diremos esta vez: Corpore sano in mens sana.
La doctora Irene Frachon, quien descubrió que el medicamento Mediator podría tener un efecto secundario mortal, habla con los reporteros mientras sale de un tribunal de París, el lunes 29 de marzo de 2021.
Los Angeles Times(AP)/París — Una farmacéutica francesa deberá pagar millones de euros en daños y multas por su participación en uno de los escándalos de salud más grandes de la historia moderna de la nación, luego de que el lunes un tribunal de París declaró culpable a la empresa de homicidio involuntario y otros cargos por haber vendido un medicamento para la diabetes al que se atribuyen cientos de muertes.
El fallo culminó un maratón jurídico contra la farmacéutica Servier Laboratories y que involucró a más de 6.500 demandantes. El tribunal parisino tardó casi tres horas en leer su veredicto que totalizaba 1.988 páginas.
El enorme juicio se llevó a cabo a lo largo de 10 meses en 2019 y 2020 y cerca de 400 abogados trabajaron en el caso. Excepcionalmente, el tribunal de París también estaba en contacto con una corte de Montpellier, en el sur de Francia, a través de una videollamada para que decenas de demandantes allí pudieran ver el veredicto.
El caso estuvo enfocado en el medicamento para la diabetes Mediator. Servier Laboratories fue acusada de poner las ganancias por encima del bienestar de los pacientes al permitir que el fármaco fuera recetado de manera generalizada e irresponsable como una píldora para adelgazar, con consecuencias letales. Servier alegó que no sabía sobre los peligros del medicamento.
El tribunal declaró culpable a Servier de homicidio involuntario, heridas involuntarias y engaño agravado. El fallo de los jueces señalaba que la empresa ocultó a los reguladores médicos los efectos secundarios del fármaco, el cual suprime el hambre. La corte exoneró a Servier de fraude.
También declaró culpable y multó por homicidio de segundo grado y heridas involuntarias a la agencia de medicamentos francesa, que ahora ha sido renombrada y reformada. Fue acusada de no tomar medidas apropiadas para proteger a los pacientes y de ser demasiado cercana con Servier. Los abogados de la agencia dijeron que reconocía una parte de la responsabilidad, pero que también fue engañada por Servier.
Madrid desprende alegría y encanto mires por donde la mires. La ciudad de las oportunidades, de las mil culturas, y del ocio.
Madrid esconde muchos rincones maravillosos para visitar, pero no solo eso, sino que cada barrio tiene su propia historia. Seguro que, si te nombramos el barrio Malasaña, o la Latina o las Delicias te suenan ¿verdad?
Incluso si estás pensando en irte a vivir a Madrid, habrás entrado en el buscador de viviendas en Madrid para ver su ubicación, los precios y las viviendas tan bonitas que disponen esas zonas.
Queremos aprovechar este post para contarte un poco más sobre los barrios de Madrid que se trasladan a la historia, cuáles son y porqué.
Barrios de Madrid con historia
Malasaña
¿Quién no ha paseado por Malasaña, y se ha comido una crepe en la creperia La Rue? Malasaña es uno de los barrios de moda, especiales, y, sin duda, uno de los más icónicos de nuestra Madrid contemporánea.
Malasaña está situado en el centro de la ciudad y acoge a miles de personas de todas las edades cada temporada. Paseando por sus calles se puede respirar diferentes culturas y almas que solo quieren disfrutar del ocio y la cultura moderna, algo que este barrio ofrece sin dudarlo.
Pero Malasaña no se descubrió ayer, sus orígenes se remontan a hace más de doscientos años, cuando su historia cambió para siempre. A continuación, te lo contamos.
Antes de llamarse Malasaña, se conocía este barrio como el barrio de las Maravillas. Se llamaba así porque la imagen del Convento de las Carmelitas que estaba allí situado era la Virgen de las Maravillas y por ello se tomó el nombre prestado para denominar el barrio.
Años más tarde, en 1808, concretamente el 2 de mayo, la fecha del famoso levantamiento contra las tropas francesas liderada por Napoleón Bonaparte, una joven llamada Manuela perteneciente a la familia Malasaña, de origen francés, causaría tal impacto que cambiaría el significado de aquellas calles para siempre.
Esta joven de 17 años se convirtió en protagonista del levantamiento del 2 de mayo contra las tropas extranjeras. Como todo en la vida, las habladurías dieron luz a dos versiones diferentes de los hechos.
En la primera, Manuela murió entregándole munición a su padre, mientras él combatía a favor de las tropas francesas, movido por sus orígenes galos.
En la segunda versión cuenta la leyenda que la joven fue ejecutada en la plaza que hoy se conoce como la plaza 2 de mayo, castigada por atacar a dos soldados franceses que trataban de aprovecharse de ella. Historia que a día de hoy se utiliza para defender el lema de “no es no.”
No se sabe cuál fue la verdadera versión de los hechos, pero desde 1961 este barrio tomó prestado el nombre de la joven valiente.
La Latina
La latina es otro barrio histórico de los que podemos disfrutar en Madrid. Es de los más viejos y carismáticos de Madrid.
El nombre de la Latina tiene su origen en un antiguo hospital, fundado en 1499 por la escritora Beatriz Galindo “la latina”, profesora de latín de la reina Isabel I.
La edificación del barrio es mayoritariamente del siglo XIX sobre las parcelas antiguas de edificios derribados o derruidos lo que mantiene el urbanismo de calle estrechas y quebradas junto con grandes plazas.
Comenzando desde la Plaza de la Cebada en la que podemos encontrar el antiguo Mercado de la Cebada, que funcionaba con mercado de abastos desde el siglo XV, y que a día de hoy sigue siendo un mercado tradicional, pasando por la calle Maldonadas que nos acerca a la plaza de Cascorro.
En la plaza de Cascorro se encuentra la estatua de Eloy Gonzalo, uno de los héroes que defendieron el municipio cubano de Cascorro en la guerra entre España y EEUU a finales del siglo XIX.
Más abajo por la calle Toledo, en la misma acera, se abre un pequeño espacio donde se levanta la Fuentecilla. Una pequeña fuente monumental creada a principios del siglo XIX para conmemorar el regreso de Fernando VII a la ciudad, muy popular entre los vecinos. Como ves es un barrio con varios monumentos e historias
El barrio de las delicias
Este barrio de Madrid lo componen el distrito de Arganzuela y una larga calle con su nombre.
El secreto de este barrio nos lleva a mediados del siglo XVIII, durante el reinado de Fernando VI, quien optó por darle un aire nuevo y elegante a muchas de las zonas que se extendían a las afueras de la ciudad.
Uno en concreto fue el paseo desde el paseo del Prado hasta el canal del río Manzanares. Este paseo contaba con varias líneas de árboles y era lugar de encuentro y esparcimiento de muchos madrileños.
Por ser tan bonito y conducir al Manzanares se le empezó a llamar como “las delicias del río”, ya que sacaba a relucir sus virtudes y “delicias”. Este término caló rápidamente en los madrileños, y aunque con el tiempo fue perdiendo su aspecto original, esta palabra permaneció para siempre.
Tres versiones de Pinocho: Enrico Mazzanti (1881), Charles Folkard (1911) y la clásica de Disney
Infobae(O.L.Mato) — Carlo Lorenzo Filippo Giovanni Lorenzini, el creador de Pinocho, más conocido como Carlo Collodi, adoptó ese apellido en honor a un pueblo en el corazón de La Toscana, donde había pasado su infancia y que, de alguna forma, refleja en la obra que le daría al autor una fama imperecedera.
Después de cursar sus estudios primarios en Collodi, Lorenzini fue enviado al seminario de Val D’elsa. Aunque lo suyo no era el sacerdocio, allí adquirió una notable cultura que aumentó con las lecturas en la biblioteca de la duquesa donde también conoció los textos prohibidos por la Iglesia.
A los 18 años comenzó a trabajar en una librería, y a los 20 escribía artículos para el periódico L’Italia musicale. Su desempeño como crítico de arte le ganó prestigio en Italia. Dirigió y escribió en varios periódicos, el más conocido fue Il Lampione, un medio que fue censurado y cerrado en 1848, en plena efervescencia revolucionaria.
Carlo Collodi, el olvidado autor de «Pinocho»
Durante la Segunda Guerra de la Independencia Italiana, Lorenzini sirvió como soldado en el ejército piamontés. Tras la contienda volvió a Florencia donde fue empleado de la Comisión para la Censura del Teatro -curioso empleo para alguien que había sido víctima de dicha censura.
Escribió para distintos medios y produjo varias novelas, como In vapore, Macchiette, Occhi e nasi y Storie Allegre. En 1875 realizó una traducción y adaptación de los cuentos de hadas de Perrault, dando comienzo una extensa producción de relatos infantiles que culmina con la Storia di un Burattino (Historia de un títere) publicado en el semanario Il Giornale per i bambini, primer periódico italiano para niños.
«Il Giornale per i bambini», donde Pinocho apareció por primera vez
Como muchos cuentos infantiles, hoy conocemos la versión que Walt Disney produjo y que se estrenó en 1940, hace 80 años. Sin embargo, en el relato original, esta marioneta hecha de pino -de allí su nombre- no es el simpático personaje creado por los estudios de animación americano, sino un tosco muñeco de palo, delgado y sin gracia (ilustrado originalmente por Ugo Fleres y Enrico Mazzanti), que vaga por las calles mendigando y valiéndose de mentiras y su falta de escrúpulos para sobrevivir en un mundo hostil.
De reacciones intempestivas, ante una recriminación del grillo (Pepe Grillo en la versión de Disney), la marioneta embustera le lanza una piedra con tanta violencia que lo mata. Obviamente, le miente a Geppetto – el añoso carpintero que lo había creado – para exculparse.
La versión original de Pinocho, por Enrico Mazzanti
El ambiente en el que se mueve Pinocho es de marginalidad y violencia. Mendiga, roba y malvende las propiedades de su padre para derrocharlas en vicios. Tiene conversaciones con fantasmas y debe huir de delincuentes que tratan de acuchillarlo, aunque nada le hace la navaja a la madera que conforma su cuerpo. Collodi planeaba que su creación muriese colgada para escarmiento de sus pecados, pero la popularidad del personaje lo salvó de este final abrupto, a fin de hacerle vivir otras desventuras como cuando lo quieren freír en una sartén, lo convierten en asno, o le quitan la piel, nada más alejado de la trama liviana que conocemos sobre Pinocho.
El productor norteamericano había tomado contacto con la cultura europea durante la Primera Guerra Mundial cuando se desempeñó como ambulanciero. Allí conoció los cuentos de los hermanos Grimm, de Perrault y esta historia de Collodi, relatos con una finalidad educativa que podían resumirse en una frase: la vida es cruel y el niño debe adaptarse a un medio hostil.
En ese mundo, el lobo feroz existe, las brujas abundan, la naturaleza es cruel y no se puede confiar en nadie (ni aun en los mismos progenitores). Pinocho no es una excepción y el crecimiento exponencial de la nariz, ante su tendencia a la mendacidad, es la conclusión moralizante de un cuento didáctico.
La conversión del muñeco en un niño real no estaba en el planteo original de la historia de Pinocho, y solo llega cuando el público clamó por un final feliz.
A lo largo de su carrera como periodista, Collodi cultivó la difusión de conocimientos científicos y literarios en textos dedicados a la docencia, convirtiéndose en un benemérito de la educación pública. A pesar de la popularidad de su personaje, la Iglesia miraba con recelo la historia de Pinocho. Lorenzini había leído los libros prohibidos por el Vaticano y adhería a la masonería, además de apoyar la independencia de Italia que era una amenaza a las propiedades de los Estados Vaticanos.
Pinocho, la marioneta de madera que simboliza a los mentirosos
La creación de esta marioneta por Geppetto alude a la tradición alquimista y al concepto en boga de dar vida a objetos inanimados o muertos, como había sugerido Volta al hacer mover la pata de una rana con impulsos eléctricos, una idea que no coincidía con los principios cristianos.
Sin duda la escena más dura del cuento es ver a un Pinocho hambriento que decide ir a mendigar por las calles. Lo hace de noche y en medio de la tormenta, pero los vecinos no le dieron nada y le tiraron una cubeta llena de agua encima.
Entonces el muñeco volvió a su casa mojado y sin comida, se sentó cerca de una hoguera para secarse y se quedó dormido, pero sus piernas comenzaron a arder y se convirtieron en cenizas.
Geppetto golpea la puerta repetidas veces y grita para que Pinocho le abra, pero éste le contesta que no puede caminar. Su padre creador no le cree, pero logra entrar y ve que sus piernas están totalmente quemadas.
El pobre carpintero reconstruye las extremidades de la mentirosa figura de madera. Geppetto no solo deja de comer para que Pinocho pueda hacerlo, sino que además empieza a vender sus cosas. El pequeño muñeco aprovecha las ganancias para derrochar y meterse en problemas.
El último violento episodio que vivió se produjo cuando escapaba de un par de ladrones que lo persiguieron para robarle, pero él logró entrar en una casa encantada para refugiarse, donde tuvo una extraña conversación con una niña que habría estado muerta, al igual que toda su familia.
Tras este bizarro encuentro con el fantasma de una chica, los ladrones empiezan a acuchillar a Pinocho entre los riñones. Sin embargo, como al ser de madera parece no sufrir nada, deciden pasar a otra cosa.
Le ataron las manos a la espalda, le pasaron un nudo corredizo en torno al cuello y lo colgaron de la rama de un gran árbol toda la noche.
Luego, trataron de freírlo en aceite hirviendo junto a un montón de peces. Finalmente, se convirtió en asno y vendido a un circo, donde lo obligarán a bailar y a saltar a través de aros.
Después quedó cojo y no pudo actuar más en el circo. Más adelante fue vendido a un hombre que quiere despellejarlo para hacer un tambor con su piel.
En cuanto el hombre pagó se llevó al burro a una roca que estaba a orillas del mar; le puso una piedra al cuello, lo ató por una pierna a una cuerda que sujetaba en la mano, le dio repentinamente un empujón y lo arrojó al agua.
Pinocho, con aquel peso en el cuello, se fue muy al fondo; y el comprador se sentó en la roca, esperando que el burro muriese ahogado para después quitarle la piel.
Carlo Lorenzini murió repentinamente en 1890 y a pesar de la enorme popularidad de su creación, pocos lo recuerdan como el creador de Pinocho y menos aún como el autor de una extensa obra literaria. Mucha gente cree que la historia de la marioneta mendaz es un cuento popular italiano o una obra edulcorada, creada por la gran productora americana. Después de todo, Collodi no estaba tan equivocado en señalar a los lectores de Pinocho que a fin de cuentas el mundo es cruel e ingrato.
Joe Frazier vs. Muhammad Ali en la pelea que se realizó en el Madison Square Garden, 1971.
Infobae(Ch.Bialo) — Qué bello aquel tiempo en el cual el boxeo paría héroes y mitos.
Nos quedaban cerca, casi dentro nuestro sus nombres y sus historias. Sabíamos de ellos y disfrutábamos al escribir sobre sus frustraciones y sus proezas. Antes y después de cada combate, cada uno de ellos era el protagonista de su propia historia. Y ellas tenían el origen de la niñez sombría, de la adolescencia dolorosa y de la juventud incierta.
El boxeo era una alternativa que les ofrecía la vida, acaso la más decente, la más digna para tener nombre y apellido; presente y futuro.
Fueron muchos de aquellos episodios los que se eternizaron como inequívocos referentes de época. Los 70 fueron los años de Muhammad Alí a quien le quitaron la corona mundial obtenida y ratificada ante Sonny Liston –el peso pesado apoyado por la Mafia- al negarse a cumplir con el servicio militar en plena guerra de Vietnam.
Eso ocurrió en el 67 y tres años después de la sanción regresó a los rings abandonando para siempre su nombre de nacimiento que era Cassius Marcellus Clay.
Cuatro años después de la gran pelea, ya empezó a tallar Don King como promotor, en la foto entre Muhammad Ali y Joe Frazier en una promoción en Nueva York
Muhammad realizó dos peleas en 1970: la primera fue contra el granítico”irlandés” Jerry Quarry a quien noqueó en 3 vueltas y la segunda frente a nuestro Oscar Ringo Bonavena al que le ganó en histórica pelea tras provocarle tres caídas en el 15° asalto.
Joe Frazier, medalla dorada en Tokio 64, era el campeón mundial pues le había ganado la corona vacante que dejó Alí a un ex sparring de éste: Jimmy Ellis. Pero además Alí y Frazier, tenían muchos derrotados en común, cual curiosa simetría en sus campañas. Por citar solo unos pocos ejemplos, ambos les habían ganado a Buster Mathis, George Chuvalo, Doug Jones y Ringo Bonavena.
Lo que diferenciaba a Muhammad de Smoking Joe (le decían así a Frazier porque de sus anchas fosas nasales parecía salir humo cuando exhalaba) eran los estilos.
Tal como se recuerda Muhammad era piernas ágiles en dinámico e imprevistos movimientos, fenomenal jab de izquierda e implacable gancho de derecha. Joe, en cambio, era un atacante frontal de muy fuerte pegada que por ser poco resistente a los golpes a la mandíbula peleaba pegado al rival sin dejar de tirar golpes jamás.
Resultaba muy difícil sostener su ritmo de pelea franca y es por ello que Muhammad debía pelearle siempre desde lejos.
Fue una noche inolvidable, se diría la noche de la mejor pelea de pesados de la historia. Y el dinero generado por el evento marcó un nuevo orden en el negocio del boxeo. Aquel combate fue subastado entre los empresarios interesados el 30 de Diciembre de 1970.
La mejor oferta era del Astródromode Texas que garantizaba una bolsa de 600.000 dólares para cada boxeador. No existían aún ni Arum, ni Don King . Y apareció un empresario teatral de gran prestigio y enorme fortuna: Jerry Perenchio, representante de cien notables figuras de Hollywood encabezadas por Marlon Brando y Elizabeth Taylor y dueño de “media” Malibú, California.
Perenchio – quien falleció en 2017 dejando un patrimonio de 2.800 millones de dólares- era a la vez el fundador de Univisión y otras empresas de comunicación y su oferta fue inigualable: 2.500.000 dólares para cada boxeador a abonar en cuotas anuales garantizadas para que Alí y Frazier paguen menos por sus impuestos
Fue así que el mítico Madison Square Garden se convirtió en un escenario alquilado con obligaciones de ofrecer su logística y su organización por los cuales cobró el 15% de los 22 millones que por todo concepto generó este inolvidable combate.
A esta pelea fueron 19.578 personas y fue televisada por CBS para USA comentada por el gran actor Burt Lancaster (“De aquí a la eternidad”, “Elmer Gantry”). Además fue en directo a 26 países – para Argentina la transmitió Canal 13- , en diferido a otros 18, fue vista en más de 1.000 salas cinematográficas de los Estados Unidos y 33 teatros del Reino Unido, país al cual el combate llegó a partir de las 4.30 de la madrugada.
Ese inolvidable maestro que fue Emilio Lafferranderie (El Veco), a quien tantas enseñanzas le debo, escribió en El Gráfico esta maravilla:
“Dos negritos que en Louisville (Kentucky), el primero y en Beaufort(Carolina del Sur), el segundo, tal vez se pelearon por un sandwich, tal vez no alcanzaron jamás el tranco de los camellos de enero y que más de una noche se fueron a acostar con un beso por todo bocado, con la mancha del hambre que siempre duele más en el alma que en el estómago.
Esos dos negritos que se criaron en los colmenares de dos conventillos son los que conmueven a todo el mundo en esta en esta noche del 8 de marzo. Esos dos negritos han hecho el milagro de convertir a una pelea en un segundo de la historia que será visto por mayor cantidad de gente después del primer alunizaje.
Pienso en esos dos negritos que veinte años después le hacen pagar los precios más altos de la historia a los pudientes del mundo blanco y que han determinado esta división del mundo negro de los Estados Unidos, no sólo por la bifurcación natural de las simpatías deportivas, sino en otro orden. Cassius Clay, antibélico, discursivo, hombre de labios para afuera, recogió las banderas agresivas del asesinado Malcom X, mientras Joe Frazier, parquedad, silencio, levanta los pendones pacifistas del también inmolado Martin Luther King.-
Casi un cuadro: Clay sentado en un instante antes de golpear la lona bajo la mirada del parco y amenazatne Frazier, pintado en 1971 en el Madison Square Garden de Nueva York.
Esta fue la primera de las tres peleas que enfrentaron a Frazier y Alí constituyendo un clásico de la historia del boxeo mundial que terminó destruyendo a los dos, pues en cada pelea, se “mataron”: Alí se impuso en 2 y Frazier en 1. Y fue ésta en la que los jurados en un fallo controversial y discutido vieron ganar a “Smoking” Joe por puntos al cabo de los 15 asaltos sustentado en la caída que sufrió Alí en el último round.
El Veco, enviado especial de El Gráfico tituló en su crónica original “Tres jurados derribaron a una estatua”. Iba escribiendo desde el propio Madison, bajo emoción, para cumplir con la hora del cierre de una edición que esperaba esa nota para salir a la calle. Las opiniones estaban divididas – aún hoy, 50 años después- y la dirección de la revista a cargo de otro grande del periodismo como Carlos Fontanarrosa – recuerdo y gratitud maestro – modificó el titulo e indicó corregir el texto pues él y sus amigos consultados estuvieron convencidos que Frazier había sido el legitimo ganador.
Pero tal corrección hubo de llevarse a cabo a la mañana siguiente del combate, cuando ya se habían impreso los primeros 10.000 ejemplares destinados a Córdoba. Fue entonces que la crónica cambió algunos pocos giros de ponderación a Alí, reconoció otros a Frazier y el título que era “Tres jurados derribaron a una estatua”, pasó a a ser: “Cayó una estatua” y decía así:
¨Los gritos de todos. Los hombres arriba. El murmullo de todos. Campana. Campana histórica. Ellos y nosotros. Ellos dos y todos nosotros. Y empieza la historia. Ya no vale nada. Ellos y nosotros. Y Frazier que pega. Arriba y abajo. Abajo y arriba. Y el arte de Clay, que espera y espera. Que traba. Sereno.
Y siempre es Joe el que va al ataque. La cabeza al frente. Sacando cien manos. La zurda y la zurda. Sin genio. Sin arte. Pero pega y pega. La cabeza al frente. Abajo y arriba. Arriba y abajo. Esa es la pelea que estaba prevista. La que ya descontaban todos los pronósticos. Todas las apuestas.
El instinto puro que apenas si piensa. El hombre sereno. ¿Qué sabe Joe? Todo lo que el instinto piensa. Todo lo que vive en esa fiereza por ir siempre al frente. Para destrozar la imperturbable serenidad de ese gigante de ojos abiertos. Que todo lo que tiene previsto. Que todo lo que adivina.
Que tiene mil golpes en sus puños sabios. Que espera. Que enrieda. Que agacha. Que acomoda. Y saca la zurda. También la derecha. Derecha e izquierda. Izquierda y derecha. Pero gana Joe. Gana todo el indomable ímpetu de Joe
Cuando la campana cierra la cuarta vuelta ya está Joe ganando en el puntaje. Recién en el quinto aparece su arte. Las piernas que bailan. Allí recién aparece toda su enorme y abrumadora sabiduría. Y ese uno-dos que encuentra siempre la cara de Joe.
Y ya en el séptimo es Cassius en todo el esplendor de su talento. Esa zurda en punta que pretende borrarle la cara a Joe. Allí, recostado sobre las sogas. En la actitud displicente, casi sobradora. Como si se deleitara con esa impotencia de Joe para sacar los brazos. Para buscarle los flancos.
Pero Joe quiere. Quiere siempre. Joe sabe que sólo puede ganar pegando. Sacando la zurda. Arriba y abajo. Aunque la zurda salga abierta. Aunque sea una zurda que no está en los libros de arte. Y sabe que muere en esa pausa que Cassius le impone.
Que se ahoga frente a esa zurda que le frota la cara. Por eso lo saca vigorosamente de las cuerdas como si quisiera obligarlo a la pelea. A la única pelea que alienta en el instinto indomable de Joe. Y Clay sigue inmutable. Sigue con los ojos abiertos. Y la zurda en punta. Y el revés del guante que impone distancia.
Y ya es Clay en toda su grandeza. Es el gran maestro. Y es la gran pelea. La que estaba en la historia desde antes. Cerebro e instinto. –
Por eso pega después de la campana del octavo. Para sacarlo a Cassius de su flema. Para irritarlo, para cambiarle cien golpes mal tirados por otros cien sabios. Y por eso gana Joe. Porque sigue buscando siempre la pelea. Ya prevalece Joe. La serenidad de Clay parece un subterfugio. Undécimo round.
Dos violentos zurdazos de Joe que encuentran la cara de Clay. Y los dos son netos. La sabiduría de Clay se desmorona. Ya advierto la elocuencia de esa mueca que se hace presagio. Sólo el oficio es lo que aflora. Su gran oficio. A ese final que se insinúa en su andar lento. En esas manos que buscan el recurso póstumo del clinch.
En esas piernas que no bailan. Y se va sentido. Y vuelve sentido en el undécimo. Ya no hay reservas para “sobrar”. Casi treinta y seis minutos de pelea. Y además de los golpes que cuentan está el cansancio que dobla las piernas. Que impide levantar los brazos.
El mismo cansancio que también va paralizando a Joe. Que se advierte en dinámica lenta. En esa resignación para apoyarse en el cuerpo de Clay. En esos brazos que ya perdieron el ritmo. Y esa es la mente glacial de Clay la que siempre encuentra la tregua para ordenar el pensamiento.
Es el final del duodécimo que lo sorprende otra vez bailando. No hay potencia ya en ninguno de los dos. Pero en Joe sigue alentando su convicción.-
Los guantes de la pelea de Cassius Clay fueron subastados, aunque en el interior tenían manuscrito el nuevo nombre Alí, 1971.
Pega mejor Clay en el decimotercero. Pega con más claridad. Ya no conmueve. Pero gana el round. Gana, aun cuando los dos están muertos. Aun cuando los dos quieren el cuerpo a cuerpo como bálsamo para todo el cansancio acumulado. Y vuelve la postura clásica de Clay en el penúltimo.
No alcanza para ganar. No alcanza ni siquiera para descontar, pero se prolonga su enorme dimensión de boxeador. Son los últimos estertores de su razón. La muerte de su oficio, que ya apenas sirve para sobrevivir a ese torbellino de golpes que nunca se paraliza.
Y en la apertura del epílogo, la zurda de Joe que entra neta. La caída espectacular de Clay. El cerebro que ya no gobierna. La lona que ya marca su derrota. Y se levanta. Se yergue groggy. Vencido. Los brazos abajo. Las piernas duras. Estáticas. Ahora es la memoria que lo protege.
Es la lección aprendida que gobierna sus manos. Que maneja las piernas. Y Joe pega. Que saca los brazos en la entrega postrera. La historia que ya empieza a escribirse. Ellos dos y todos nosotros. Todo el silencio. Todo el drama. Y cae Clay. Joe que pega. Que sigue pegando. Y el oficio que vuelve. El cerebro que otra vez funciona. Apenas funciona. Pero manda, aconseja, ordena.
Y Clay se sostiene en toda su conmovedora dignidad. Es el hombre que quiere morir erguido. Y así se va: erguido. No le alcanzó el cálculo. No le alcanzó la frialdad del cerebro. Ni el oficio, ni el arte. Toda la razón estuvo en el vigor de Joe. En esos dos puños que nunca se paralizan. Así será la historia. Tal vez ni hacía falta esa caída de Cassius para decretar su derrota.
Ya había perdido de antes. El instinto ganador de Joe ya quería la victoria desde que sonó la primera campanada… Desde que empezó la noche. Esta noche inolvidable que ellos dos repartieron con nosotros…-
Puedo cerrar los ojos y recordar aquella pelea, la pelea irrepetible aunque Muhammad y Joe se simbiotizaron en los otros dos combates posteriores en los cuales ambos dejaron parte de su salud pues ellos eran algo más que adversarios, eran inexplicables enemigos.
Y aunque Frazier ayudó económicamente a Alí mientras estuvo sancionado y Alí siempre sostuvo que Joe fue un ejemplo de dignidad sobre el ring, murieron sin abrazarse.
El medio siglo transcurrido permite afirmar que estos dos “negritos” que hoy son estatuas y recuerdos, que se pelearon por un sandwich, que tal vez no alcanzaron jamás el tranco de los camellos de enero y que más de una noche se fueron a acostar con un beso por todo bocado, con la mancha del hambre que siempre duele más en el alma que en el estómago.
Esos dos “negritos” que se criaron en los colmenares de dos conventillos son los que conmovieron a todo el mundo pues ellos ofrecieron la mejor pelea del siglo.
Este bronce de Benín fue vendido a un coleccionista privado por la suma récord de US$14 millones.
BBC Mundo — Durante la época de la colonización europea, innumerables artefactos históricos fueron saqueados por todo el mundo para terminar en manos de museos o colecciones privadas en Europa.
Ahora, sin embargo, hay una creciente campaña para regresarlos a sus sitios de origen. Tal es el caso de los bronces de Benín tomados de lo que hoy en día es Nigeria.
Barnaby Phillips, excorresponsal de la BBC en Nigeria y autor de Loot; Britain and the Benin Bronzes(Botín: Gran Bretaña y los broces de Benín) explora el dilema que se le presentó a una familia que poseía una de estas preciadas esculturas y la decisión que tomó.
Una mañana de abril, en 2016, una mujer entró entró en una sucursal del Banco de Barclays, en la exclusiva zona de Park Lane en Londres, para retirar un objeto misterioso que había estado guardado en las bóvedas durante 63 años.
Los asistentes la guiaron a una planta baja. Tres hombres esperaban arriba, sentados ansiosamente en un incómodo sofá, observando a la clientela en sus gestiones bancarias.
20 minutos después, la mujer apareció cargando algo cubierto en un trapo viejo. Cuando lo desenvolvió, todos se quedaron sin aliento.
Era la cabeza de un joven fundida en bronce con ojos que miraban intensamente. Tenia un collar de cuentas alrededor del cuello y coronada con un calabacino.
Los hombres, un comerciante de arte llamado Lance Entwistle y dos expertos de la casa de subastas británica Woolley and Wallis, reconocieron la escultura como como un antiguo bronce de Benín, representando un oba, o rey del siglo XVI.
Estaba en una condición casi inmaculada, cubierta de una patina gris oscura típica de bronce antiguo, muy parecida a las piezas contemporáneas del Renacimiento italiano. Sospecharon que valía millones de dólares. Los funcionarios del banco los condujeron rápidamente a una sala con paneles, donde colocaron la cabeza en una mesa.
La mujer que había bajado a las bóvedas era la hija de un comerciante de arte llamado Ernest Olhy, fallecido en 2008.
He decidido llamarla Frieda y no revelar su nombre de casada para proteger su privacidad.
El padre de Ernest, William Ohly, un judío que escapó de la Alemania nazi, fue una figura destacada en el gremio artístico de Londres de mediados del siglo XX.
Las exposiciones de William Ohly a finales de la década de 1940 atraían a amantes del arte y celebridades.
William Ohly vivió «en el nexo de la cultura, la sociedad y los artistas», dice Entwistle.
Sus exposiciones de «Arte Primitivo» atraían a coleccionistas, la alta sociedad, y artistas como Jacob Epstein, Lucian Freud, Henry Moore, Francis Bacon, Duncan Grant y Vanessa Bell.
Murió en 1955. Ernest Ohly heredó su amor por el arte, aunque era de carácter más reservado.
«Un hombre muy difícil de conocer. No divulgaba nada. No sabías lo que estaba pensando», explica Entwistle.
La muerte de Ernest Ohly provocó una ola de interés entre las altas y lucrativas esferas del mundo del arte etnográfico. Se rumoraba que tenía una colección extensa. Sus estatuas de Polinesia y máscaras de África Occidental fueron subastadas en 2011 y 2013. Y hasta ahí llegó el asunto, según supusieron los comerciantes del arte.
Pero sus hijos sabían algo diferente. En su vejez, su padre les había dicho que tenía una escultura más. Se encontraba en una caja fuere en el bando de Barclays y que no debía venderse, especificó, a no ser que se diera otro holocausto.
En 2016, las cosas cambiaron para los hijos. La sucursal de Barclays en Park Lane estaba clausurando sus cajas fuertes; les informaron a los clientes que reclamaran sus pertenencias.
Conocí a Lance Entwistle en 2019, en su biblioteca forrada en libros sobre escultura africana. Su página en internet afirma que su compañía ha estado «asesorando comerciantes de arte tribal durante más de 40 años».
«Arte tribal» es un término que los museos occidentales evitan hoy en día, pero sigue siendo común que se use en el mundo de las subastas y ventas privadas.
«Quedé boquiabierto. Era hermosa, conmovedora y su aparición tras estar en la oscuridad fue muy emocionante» Lance Entwistle Comerciante de arte, sobre la venta en US$14 millones de la escultura de Ohly
Entwistle ha ido muy pocas veces a África, y nunca a Nigeria, pero está muy bien conectado. El Museo Británico, el Musée du Quai Branly en París y el Metropolitano de Nueva York le han comprado piezas.
Le pregunté cómo se sintió cuando Frieda desenvolvió la cabeza de bronce de Benín en el banco.
«Quedé boquiabierto«, dijo. «Era hermosa, conmovedora y su aparición tras estar en la oscuridad fue emocionante. Estoy acostumbrado a escuchar sobre una cabeza de Benín, una placa en relieve de Benín, un caballo y un jinete de Benín. Por lo general no me emociono porque el 99% de las veces resultan ser falsificaciones, y el 1% restante resultan robos».
La procedencia es todo en el mundo de Entwistle. Esta vez, gracias a la conexión con Ernest Ohly, estuvo confiado en que se trataba de una pieza con credenciales auténticas.
Le comentó a Frieda que la cabeza de bronce de Benín era significativa e inusual, y la convenció a que la llevara consigo en taxi, a su casa en Tooting, en el sur de Londres.
Los bronces de Benín fueron llevados a Europa en la primavera de 1897, el botín de los soldados y marineros británicos que conquistaron el antiguo Reino de Benín en el occidente de África, lo que es hoy el estado de Edo en Nigeria actual.
Aunque se les llama bronces de Benín, realmente son miles de esculturas fundidas en bronce o latón y marfiles tallados. Algunas fueron expuestas en el Museo Británico ese mismo año, causando una sensación.
Según pensaban los británicos de la época, los africanos no tenían las habilidades para producir piezas de tal sofisticación o belleza. Tampoco se suponía que tuvieran mucha historia.
Pero los bronces -algunos de los cuales representaban visitantes portugueses en armaduras medievales- tenían evidentemente cientos de años de antigüedad.
Benín había sido denigrada en los diarios británicos como un lugar salvaje, una «ciudad de sangre». Ahora, esos mismos diarios describían los bronces como «sorprendentes», «sobresalientes», y reconocieron estar «desconcertados».
Algunos de estos bronces siguen en posesión de los descendientes de aquellos que saquearon a Benín, mientras que otros han sido pasados de propietario en propietario.
Victor Ehikhamenor, un artista del estado de Edo, me explicó que los bronces no fueron creados solamente para el placer estético.
«Esos fueron nuestros documentos, nuestros archivos, las ‘fotografías’ de nuestros reyes. Cuando se los llevaron nuestra historia quedó exhumada».
Pero a medida que su valor crecía en Occidente, también se convirtieron en una inversión de prestigio, en manos de los ricos y los excéntricos.
Las ventas de subastas en Londres revelan esa historia. En 1953, la casa de subastas Sotheby’s vendió una cabeza de bronce de Benín en US$15.400 (cambio aproximado de la época). El precio llamó la atención; la anterior cifra había sido de apenas unos US$2.180.
En 1968, la casa de subastas Christie’s vendió una cabeza de Benín en US$50.400 (al cambio de la época). La pieza había sido descubierta unos meses antes por un policía que merodeaba el invernadero de un vecino y notó algo interesante entre las plantas.
En la década de los 1970, los precios de «Arte Tribal» se dispararon, y los bronces de Benín fueron la punta de lanza. Y así siguieron, hasta 2007 cuando Sotheby’s de Nueva York vendió una cabeza de Benín en US$4,7 millones.
El Museo Nacional en Ciudad Benín conserva algunas de las esculturas ancestrales.
Entwistle se mantuvo atento a esa venta en 2007. El comprador, cuya identidad no fue revelada públicamente, era uno de sus asiduos clientes.
Nueve años después, cuando Frieda le dio planteó el desafío de vender la escultura de Ernest Ohly, Lance supo a quién recurrir.
«Fue el primer cliente a quien le se la ofrecí, que es lo que uno quiere, no se tiene que ir vendiéndola por todos lados», comentó.
Sólo hubo un pequeño regateo sobre el precio. El cliente, insistió Entwistle, estaba motivado por su amor del arte africano.
«Nunca la venderá, en mi opinión». Quien quiera que sea, dondequiera que esté, pagó una cifra que fue otro récord mundial.
La «cabeza Ohly», como Entwistle la llama, se vendió en US$14 millones -una cifra que hasta ahora no había sido divulgada.
Si uno trata de imaginarse a la mujer que vendió el bronce de Benín más caro del mundo, es probable que no se asemeje a Frieda.
Nos encontramos en la galería del museo Tate Modern de Londres, que queda a las orillas del Támesis. Había llegado desde Tooting en metro. Es una abuela, de pelo corto canosos y anteojos. Solía trabajar en jardines infantiles, pero está jubilada.
«Mi familia está llena de secretos», me contó. «Mi padre rehusaba hablar de su ascendencia judía».
Por cuenta propia, investigó sobre sus parientes que murieron en los campos de concentración nazis. Ernest Ohly estaba obsesionado, «paranoico«, dice Frieda, ante la posibilidad de otra catástrofe que abrumara a los judíos.
Seis millones de judíos murieron durante el Holocausto y, según la Conferencia de Reclamos Judíos, los nazis incautaron 650.000 piezas de arte y objetos religiosos de judíos y otras víctimas.
Las obras de arte producidas en Ciudad de Benín siguen buscando representar eventos históricos -como esta que representa el comercio de esclavos.
Ernest Ohly desconfiaba de extraños y vivía en un mundo de dinero en efectivo y objetos secretos. Tenía una valija llena de billetes de 50 libras esterlinas bajo la cama.
«Ernie el comerciante» lo apodó la familia. Los niños crecieron rodeados de arte. Pero al final, estaba cansado de la vida.
Su case era caótica, sus tapetes persas devorados por las polillas. La familia encontró la valija con los billetes pero descubrió que ya no eran moneda de curso legal.
Ernest Ohly pudo haberle prestado poca atención a algunos asuntos, pero era un coleccionista formidable.
«Él y mi abuelo nunca fueron a África ni el Pacífico Sur, pero adquirieron su conocimiento de estar rodeados de objetos», indica Frieda.
«Había todo un colectivo de comerciantes europeos en Londres, desde los años 1940 hasta los 1970».
El Imperio Británico estaba llegando a su fin, y con las muertes de sus últimos funcionarios y soldados surgieron botines con cuales hacer buenas ganancias.
«Nunca entendí por qué mi padre estaba tan interesado en leer los obituarios de la prensa. The Telegraph, The Times, estudiándolos de cerca. Si se trataban del Ministerio de Exteriores, la fuerzas armadas, cualquier cosa que tuviera que ver con el Imperio, le escribía a las viudas».
Ernest Ohly registraba sus compras en bitácoras. Así fue como Entwistle encontró los que estaba buscando: «Cabeza de bronce de Benín… dic 51, £230 [US$650]» de Glendining’s -una casa de subastas de Londres donde también compraba monedas y estampillas.
La bitácora de Ernest Ohly muestra cuánto pagó por el bronce de Benín en 1951.
En dinero actual eso es poco más de US$9.700. En otras palabras, una compra importante. Pero Ernest Ohly sabía lo que estaba haciendo. Era una ganga. Puso la cabeza en una caja fuerte en 1953 y allí se quedó hasta 2016.
«Era como un lingote de oro», dice Frieda. Pero los beneficios extraordinarios no fueron tan grandes como hubieran podido ser.
Los asuntos de Ernest Ohly eran un desastre y el recaudo de impuestos se llevó una suma sustancial. No obstante, dice Frieda, ella puede dormir tranquila ahora. La cabeza de Benín le representó el cuidado de su familia y propiedades para sus hijos.
Frieda está casada con un hombre de ascendencia caribeña y su hijo es un periodista.
Hace unos años, él escribió un artículo de cómo los edo -el pueblo del Reino de Benín- intentaron frenar la venta de una máscara de marfil de Benín en Sotheby’s.
De hecho, aunque no lo sabía entonces, se trataba de una máscara que su bisabuelo, William Ohly, tuvo en su galería en 1947.
El artículo describió cómo los edo estaban indignados que la familia que tenía la máscara -parientes de un oficial británico que la saqueó en 1897- se estuviera lucrando de algo que ellos consideraban como un robo y un crimen de guerra.
Frieda es demasiado inteligente y sensible como para no apreciar la complejidad de la ironía de su propia historia. Ella había seguido los argumentos de si los bronces de Benín deberían ser regresados a Nigeria.
Reino Unid tiene leyes que permiten el regreso del arte saqueado por los nazis, pero no hay legislación similar que corresponda a su propio período colonial.
«Una parte de mis ser siempre se sentirá culpable de no haberlo devuelto a los nigerianos… es un pasado turbio, mezclado con el colonialismo y la explotación».
Su voz se fue apagando.
«Pero eso está en el pasado, muchos gobiernos no son estables y las cosas pudieron haber sido destruidas. Me temo que tomé la decisión de vender. Defiendo mi posición. Quería que mi familia estuviera segura».
Frieda no es la única dueña de un bronce de Benín que ha luchado con su consciencia en años recientes.
Mark Walker, un doctor de Gales, devolvió dos bronces que habían sido tomados por su abuelo, un oficial de una expedición en 1897.
Mark Walker (der.) fue celebrado en 2014 cuando devolvió un ave sagrada y un campana para llamar a los ancestros que fueron robadas por su abuelo.
Fue recibido como un héroe en Ciudad Benín.
Otros están indecisos. En un imponente edificio en el oeste de Londres me encontré con una mujer anciana cuyo abuelo también había saqueado bronces en 1897.
Hace diez, o inclusive cinco años, no hubiera sido difícil lograr que alguien en su posición hablara. Pero hoy en día los dueños de bronces de Benín son cautelosos, así que acepté mantener a esta mujer en el anonimato.
Me mostró dos estatuillas de aves oro («aves proféticas»), fundidas en latón. Le pregunté si la hacían sentir incómoda.
«Tuve mis dudas, consideraciones que cruzaron mi mente… Tal vez dudas es una palabra demasiado fuerte. No siento que deba darles nada». Hubo un largo silencio.
«Sabe», me dijo, «uno deambula durante 77 años, y de pronto esto se convierte en un tema sensible. Nunca antes lo fue».
Frieda y yo salimos del Tate y caminamos a lo largo del Támesis.
Estaba a punto de despedirme. Espontáneamente, volvió al tema de los bronces de Benín.
Algunas veces, dijo, deseaba que su padre hubiese vendido esa cabeza cuando estaba vivo.
La hubiese liberado de un dilema.
«Fue difícil para mí», aseguró otra vez. «Parte de mí sintió que la debimos haber devuelto». Y con eso, se fue.
La batalla por los bronces de Benín:
Una colección de intricadas esculturas y relieves en bronce y latón del palacio de Oba Ovonramwen Nogbaisi
Creados por gremios especializados al empleo de la corte real
Los relieves ofrecen un registro histórico del Reino de Benín, incluyendo su primer contacto con emisarios portugueses.
Muchas de las piezas fueron creadas para altares ancestrales de reyes y reinas madre del pasado
El término «bronces de Benín» también se usa en referencia a artefactos hechos de marfil, cuero, coral y madera
En febrero de 1897, los británicos lanzaron una expedición punitiva contra el reino, después de que siete oficiales y comerciantes fueron asesinados
Ciudad Benín fue invadida; las fuerzas británicas saquearon el palacio real y lo quemaron. El oba, o rey, fue enviado al exilio
Museos en Europa han acordado prestar de manera rotativa algunos de sus bronces a un nuevo museo que será construido en Ciudad Benín, más de seis décadas después de la independencia de Nigeria
El primer reporte sobre el tostado de las semillas de café para molerlas y mezclarlas con agua caliente ha sido encontrado en textos escritos durante el siglo XV en monasterios Sufí de Yemen
Wall Street International(J.M.González) — Estimulado por varias tazas de café y con los consiguientes altos niveles de cafeína produciendo un flujo rápido de pensamientos, eliminada mi somnolencia y mi aparente fatiga, recordé de repente un artículo escrito hace algunos meses por mi amigo, el biólogo venezolano, Clemente Balladares.
En dicho artículo, Clemente hablaba sobre algunos locales donde tomarse un buen café en Caracas. Sin duda, el espacio limitado del articulo le impedía nombrar más lugares.
En la Caracas, y, sin duda, en la Venezuela de mis recuerdos, numerosos locales existían (¿existieron?, ¿existen?) donde era siempre gratificante comenzar el día, terminar alguna faena, pasar por casualidad, o simplemente esperar para tomar un carrito por puesto o un autobús, tomándose (en mi caso) un buen «marrón», con muy poca leche, sin azúcar, recién salido de alguna máquina de café expreso.
Pero yo no soy excepción, cada día, cada mañana, cada tarde, casi cualquier venezolano, donde quiera que esté, reafirma su amor incondicional por un buen café. ¡Raro es quien no lo haga! No hay nada más estimulante que disfrutar del aroma de un café recién colado, o recién salido de una máquina de expreso e inmediatamente degustar tan deliciosa bebida.
Pero… ¿de dónde hemos sacado los venezolanos esa pasión por un buen café?
Por lo que recuerdo de mis clases de Cultivos Tropicales y algunas charlas impartidas por el profesor Jaime Henao Jaramillo, tanto en nuestra Facultad de Agronomía de la Universidad Central de Venezuela como en la estación experimental El Laurel, el origen exacto del café no está muy claro.
Es altamente posible que los primeros en apreciar las propiedades energizantes del café fueran los habitantes de aquella región conocida como el Reino de Kaffa, en el suroeste de la actual Etiopia, antes Abisinia, donde la planta crece naturalmente y de donde pareciera haberse originado también la palabra coffee.
Casa de los Blandin, productores pioneros del café en Caracas, 1930
Kaffa es, a su vez, un vocablo aparentemente originado de la palabra árabe Yemenita qahwah que significa algo así como «café, brebaje de bayas». Esta palabra, a su vez, pudo originarse de qahiya, «a falta de hambre» basada en la reputación de la bebida como un supresor del apetito.
De esa región etíope, la planta y sus semillas comenzaron a distribuirse hasta llegar a diversos lugares de Arabia, donde comenzarían a ser muy apreciadas. El primer reporte sobre el tostado de las semillas para molerlas y mezclarlas con agua caliente, como lo hacemos hoy, ha sido encontrado en textos escritos durante el siglo XV en monasterios Sufí de Yemen.
El café continuaría su expansión luego de ser aceptado sin ambages en el Medio Oriente, a pesar de ser visto por algunos como un vicio similar al tabaco o al alcohol. Una vez en Europa, tal brebaje fue recibido con numerosas críticas y debido a su asociación con el mundo islámico se le denominaba «la bebida de Satanás». Igualmente, numerosos sacerdotes católicos temían que sustituyera al vino.
Pero luego de 1592, durante el papado de Clemente VIII (1536-1605), miembros del clero le pidieron denunciar a la bebida e impedir que la feligresía se «enviciara» con tan nefasto «bebistrajo». El Papa, curioso, insistió en probarla antes de emitir alguna sentencia. Luego de disfrutar de tan estimulante cocción, Clemente VIII anunciaría:
Esta bebida de Satanás es tan deliciosa que sería una lástima que los infieles tuvieran un uso exclusivo de ella.
La leyenda cuenta que, entonces, bendeciría y bautizaría los granos de café para eliminarles cualquier influencia diabólica. A partir de aquel momento, los católicos aceptaron el uso y consumo de café, siguiéndole las comunidades protestantes. La venta del grano y las tiendas especializadas en expender la bebida se propagaron por toda Europa.
La Ilustración, movimiento cultural e intelectual europeo, nacido a mediados del siglo XVIII y que duró hasta principios del XIX, parece haber sido posible gracias al aumento de cafés al aire libre donde se reunían los pensadores a discutir sus ideas filosóficas y revolucionarias.
Los primeros cafetos que llegaron a Venezuela fueron sembrados en las misiones españolas asentadas en el Rio Caroní
Pero volvamos atrás un poco y ubiquémonos en Suramérica. Los primeros cafetos que llegaron a Venezuela fueron sembrados en las misiones españolas asentadas en el Rio Caroní. Se estima que los trajo el padre Joseph Gumilla (1686-1750), quien también establecería cultivos en otras misiones a lo largo del Orinoco.
Provenían dichos cafetos de Brasil y estos, a su vez, habían llegado desde Guayana Francesa o Surinam, cuyos primeros arbustos fueron traídos desde Martinica y Guadalupe. Estos primeros cafetos «venezolanos» comenzaron a sembrarse allá por el año 1732 para ser cultivados por los jesuitas de la congregación de Gumilla a orillas del Caroní.
El propio Gumilla en su obra El Orinoco Ilustrado y defendido… presenta detalles diversos del «soberbio» río y varios de sus tributarios, así como de las costumbres y actividades de los pueblos indígenas que poblaban las zonas aledañas. De su puño y letra leemos:
El café, fruto tan apreciable, yo mismo hice la prueba: lo sembré, y creció de modo que se vio ser aquella tierra muy a propósito para dar copiosas cosechas de este fruto.
Las siembras prosperaron en la región y, para 1740, ya se habían extendido a la Gobernación de Caracas y hasta se producía un poco en la provincia de Coro. Ya a mediados del siglo XVIII, varias familias pudientes de Caracas tenían haciendas o estancias al pie del Ávila, en los alrededores de la pequeña población de Chacao.
Siembras y algo de ganado ocupaban toda la zona comprendida entre los ríos Tócome y Anauco, áreas que hoy van desde San Bernardino hasta la entrada de Petare.
Desde mediados de ese siglo, arbustos de café eran plantados como curiosidad ornamental, pero entonces unos seis mil cafetos sembrados en 1784 por el presbítero José Antonio García Mohedano (1741-1804) (mejor conocido como el Padre Mohedano o el cura de Chacao) perecen.
Se reúne así con los también presbíteros José Antonio Hurtado y Pedro Palacios y Sojo (1739-1799), con Miguel José Sanz (1756-1814) y Bartolomé Blandin (1745-1835), todos propietarios de terrenos fértiles en Chacao y sus alrededores. Estos emprendedores, junto con otros más, decidieron preparar almácigos para sembrar luego los pequeños arbustos a la usanza de regiones agrícolas que ya lo cultivaban en varias islas caribeñas.
Este muy serio intento tuvo un notable éxito, obteniéndose la primera cosecha de unas 50 mil plantas, distribuidas en varias estancias que incluían a Blandin, San Felipe y La Floresta.
Las siembras prosperaron en la región y, para 1740, ya se habían extendido a la Gobernación de Caracas y hasta se producía un poco en la provincia de Coro
Por dos ocasiones, antes de florecer el café, los bucares perdieron sus hojas, y aparecieron sobre las peladas copas macetas de flores color escarlata que hacían aparecer las arboledas como un mar de fuego.
¡Cuánta alegría se apodero de los agricultores, cuando en cierta manan, al cabo de dos años, brotaron los capullos que en las jóvenes ramas de los cafetales anunciaban la deseada flor!
A poco, todos los árboles aparecieron materialmente cubiertos de jazmines blancos que embalsamaban el aire. Parecía que sobre los árboles hubiese caído una nevada.
En vista del éxito de tal empresa, los afortunados emprendedores decidieron celebrar junto a amistades y representantes diversos de la sociedad caraqueña, un «día festivo» en el cual degustarían una comida comunal acompañada de las primeras tazas de café cultivado en el valle de Caracas.
Las crónicas relatadas por Arístides Rojas (1826-1894), basadas en sus conversaciones con la señora Dolores Báez de Supervie y manuscritos facilitados por los descendientes de los Blandin, indican que tal ceremonia se efectuó a fines de 1786, aunque no precisa la fecha exacta.
Tan alegre y multitudinaria tertulia tuvo lugar en los terrenos de la hacienda Blandin, en lo que conocemos hoy como el Caracas Country Club (la casa de los Blandin fue eventualmente remplazada por la actual sede del Club). Además de las autoridades civiles y eclesiásticas, las familias notables de Caracas hicieron presencia.
Numerosas mesas, muebles y vajillas importadas de China y Japón, recaudadas entre los familiares y amigos de los convidantes, se dispusieron en los alrededores de la casa de los Blandin, en un enorme comedor improvisado bajo la sombra de frutales y otras plantas.
Los alegres y emocionados invitados fueron paseados entre los cafetales para que admiraran las ramas cargadas de rojos frutos. Una vez que la concurrencia regresa de la plantación, son recibidos por música. Luego de un prolongado tiempo lleno de danzas y cantos, llegó la hora del almuerzo.
Este, una vez concluido, es preámbulo de una transformación del arbolado recinto. Todas las mesas son retiradas, excepto la central, adornada con arbustos de café. Había llegado el momento de servir y degustar las primeras tazas de café cultivado en el Valle de Caracas.
Aparece entonces el anfitrión, Don Bartolomé Blandin, seguido de su hermano el canónigo doctoral, don Domingo Blandin, racionero de la Catedral de Caracas y los muy respetados padres Sojo y Mohedano. Llegan todos a la mesa central donde una primera cafetera ha sido vaciada sobre las tazas de porcelana.
La primera de estas se le presenta al padre Mohedano, quien la degusta. Acto seguido del emocionado aplauso de la concurrencia y un posterior silencio. Mohedano, emocionado dirige entonces un improvisado discurso:
Bendiga Dios al hombre de los campos sostenidos por la constancia y la fe. Bendiga Dios el fruto fecundo, don de la sabia Naturaleza a los hombres de buena voluntad.
Dice San Agustín que cuando el agricultor, al conducir el arado, confía la semilla al campo, no teme ni la lluvia que cae ni el cierzo que sopla, porque los rigores de la estación desaparecen ante las esperanzas de la cosecha.
Así nosotros, a pesar del invierno de esta vida mortal, debemos sembrar, acompañados de lágrimas, la semilla que Dios ama: la de nuestra voluntad y de nuestras obras, y pensar en las dichas que nos proporcionara abundante cosecha.
La producción de café de la Gobernación de Venezuela comenzaría a crecer cada vez más en referencia a cada año inmediatamente anterior, estimulándose el desarrollo del cultivo por todo el valle y las montañas de Caracas. El dinero obtenido por las ventas del café producido en las primeras cosechas en las tierras de la familia del Padre Mohedano seria destinado a la construcción del templo de Chacao.
Morir después de haber levantado un templo y de haber sido útil a mis semejantes será mi más dulce recompensa…
Es a partir de entonces que, en Venezuela, comienza a degustarse el café en establecimientos del mismo nombre que se convirtieron en lugares de encuentro para no solo disfrutar de tan gustosa bebida, sino para discutir los eventos del momento.
Al mismo tiempo, entre los venezolanos, saborear el café se convierte en rutina. En cada hogar, con seguridad había una «media» para colar el guayoyo mañanero y una Greca, para el café más fuerte, el «expreso» casero obligatorio luego del almuerzo o a media tarde.
Eventualmente, diversos cafés y salones para familias serian abiertos no solo en Caracas, sino en el resto del país. Con la llegada de la inmigración europea luego de la Segunda Guerra Mundial, estos locales proliferarían aún más, especialmente luego de los años 50, cuando las máquinas de expresos Gaggia, Faema y muy posteriormente las Rancilio, se convertirían en objetos indispensables en cualquier café, panadería o pastelería del país, donde, con frecuencia, pudimos disfrutar de un buen «negrito», algún «con leche» o un gustoso «marrón».
Desde principios de los años cincuenta la máquina de café expreso llegó a Venezuela y no se fue nunca más… nos acostumbramos a tomar «café de máquina», a disfrutar de un café fatto alla italiana, e hicimos nuestra esa costumbre y ese modo de apreciar el café.
DWDespués de analizar un misterioso objeto interestelar que pasó cerca de la Tierra en 2017, los científicos concluyen que es un fragmento de un mundo similar a Plutón, refutando una teoría de origen alienígena.
Ni es cometa, ni asteroide, y mucho menos tiene la forma de un cigarro, como se ha especulado hasta el momento. El primer visitante interestelar conocido de nuestro sistema solar se parece más a los restos de un mundo parecido a Plutón y tiene la forma de una galleta.
Esta teoría es defendida por astrónomos de la Universidad Estatal de Arizona, quienes informaron que el extraño objeto de 45 metros que pasó cerca de la Tierra en 2017 parece estar hecho de nitrógeno congelado, al igual que la superficie de Plutón y la luna más grande de Neptuno, Newt.
Llamado Oumuamua (algo así como «pionero» en hawaiano, en honor al observatorio en Hawai que lo descubrió), el objeto interestelar resultó ser un enigma para los astrónomos, ya que no encajaba en ninguna de las categorías conocidas.
El misterio del Oumuamua
Aunque parecía un asteroide, aceleró a su paso como un cometa. Sin embargo, a diferencia de un cometa, no tenía una cola visible. Por lo tanto, la especulación osciló entre el cometa y el asteroide, e incluso se sugirió que podría ser un artefacto obra de extraterrestres.
«Todo el mundo está interesado en los extraterrestres y, por lo tanto, era inevitable que este primer objeto fuera del sistema solar hiciera que la gente pensara en esto», dijo el equipo científico en un comunicado. «Pero en ciencia, es importante no sacar conclusiones apresuradas».
Basándose en el brillo, el tamaño y la forma del objeto, y el hecho de que estaba impulsado por sustancias que se disipaban sin dejar una cola visible, los científicos estadounidenses crearon modelos informáticos que les ayudaron a determinar la naturaleza de Oumuamua.
recreación del oumuamua
En forma de galleta
En su estudio, los investigadores concluyeron que probablemente se trata de un trozo de hielo de nitrógeno que sufre una erosión gradual. Cuando Oumuamua alcanzó su mayor proximidad a la Tierra, parecía ser seis veces más ancho que su grosor. Estas son las proporciones aproximadas de una galleta, anotó el equipo científico.
Los hallazgos fueron publicados en dos artículos el martes 16 de marzo por la American Geophysical Union y también presentados en la Conferencia de Ciencia Lunar y Planetaria, normalmente celebrada en Houston, pero virtual este año.
Producto de una civilización alienígena
Pero no todos los científicos están de acuerdo con la nueva explicación. El reconocido astrónomo Avi Loeb de la Universidad de Harvard discute los hallazgos e insiste en la idea de que el objeto parece ser más artificial que natural, en otras palabras, algo de una civilización alienígena. Aborda el tema en su nuevo libro Extraterrestrial: The First Sign of Intelligent Life Beyond Earth.
«Estas ideas que explican las propiedades específicas de Oumuamua siempre involucran algo que nunca antes habíamos visto», dijo Loeb en una entrevista con AFP en febrero. «Si esta es la dirección que estamos tomando, ¿por qué no contemplar un origen artificial?»
Hoy en día a más de 3.000 millones de kilómetros de distancia, demasiado lejos para ser detectado incluso por el Telescopio Espacial Hubble, Oumuamua debería comenzar a salir de nuestro sistema solar alrededor de 2040. Para entonces, la relación ancho por espesor habrá caído a 10 a 1, según Desch. «Entonces, tal vez Oumuamua, que parecía una galleta cuando la vimos, pronto será literalmente tan plana como un panqueque», dijo Desch a la AFP.
Turistas y residentes en un bar en el centro de Madrid, el 26 de marzo de 2021. Con su política de bares y restaurantes abiertos, Madrid se ha ganado la reputación de oasis de diversión en el desierto de restricciones de Europa. Fuera de la capital de España, los esfuerzos para reactivar el turismo están teniendo un resultado desigual debido en parte al mosaico de normas regionales, nacionales e incluso europeas que impiden los viajes no esenciales dentro de muchos países mientras crean un vacío legal para quienes quieren pasar sus vacaciones en España.
AP(A.Parra)/Madrid — En Madrid, la verdadera fiesta empieza a las 23:00 horas, cuando cierran los bares y comienza el toque de queda.
Es entonces cuando grupos de jóvenes y políglotas juerguistas de Italia, Holanda, Alemania y, sobre todo, Francia, se unen a los jóvenes españoles por las estrechas calles de la zona antigua de Madrid buscando una diversión ilícita. La mayoría tienen poco más de 20 años y están ansiosos por disfrutar en la capital española como hace meses que no pueden en sus ciudades por las restricciones contra la pandemia.
Con su política de bares y restaurantes abiertos — que atienden tanto en su interior como en la terraza — y de mantener los teatros y museos abiertos a pesar de los brotes de coronavirus que han saturado sus hospitales, Madrid se ha ganado la reputación de oasis de diversión en el desierto de restricciones de Europa.
Otras regiones españolas tienen un enfoque más estricto hacia el ocio. Hasta los soleados balnearios turísticos costeros ofrecen un limitado catálogo de opciones para los pocos visitantes que comienzan a llegar, coincidiendo con las vacaciones de Semana Santa, ante las contradictorias normas europeas para viajar.
“Para mí es un verdadero privilegio ir a bares porque en Francia no se puede. Aquí puedo ir a restaurantes, pasar tiempo con amigos fuera de casa, descubrir la ciudad”, dijo Romy Karel. Esta berlinesa de 20 años voló a Madrid el pasado jueves desde Burdeos, una ciudad del sur de Francia donde estudia ciencias sociales.
“No recuerdo cuándo fue la última vez que hice esto”, añadió.
Los visitantes generan un negocio vital para los residentes y dan a los políticos mucho sobre lo que debatir antes de unas polarizadas elecciones regionales. Isabel Díaz Ayuso, la presidenta de la comunidad, que se presenta a la reelección, está tratando de atraer votos más allá de sus partidarios conservadores haciendo campaña bajo el lema de “libertad”.
Turistas y residentes en un bar en el centro de Madrid, el 26 de marzo de 2021. Con su política de bares y restaurantes abiertos, Madrid se ha ganado la reputación de oasis de diversión en el desierto de restricciones de Europa
Fuera de la capital, los esfuerzos para reactivar el turismo están teniendo un resultado desigual. Eso se debe en parte al mosaico de normas regionales, nacionales e incluso europeas que impiden los viajes no esenciales dentro de muchos países mientras crean un vacío legal para quienes quieren pasar sus vacaciones en España.
Aunque Alemania ha prohibido todo el turismo nacional y desaconseja viajar al extranjero, el gobierno permite visitar las Islas Baleares, que tienen una tasa de contagios baja. Las reservas de vuelos y hoteles continuaron a pesar de la decepción de muchos al descubrir a su llegada que los bares y restaurantes estaban cerrados por la noche.
“En Alemania tenemos tantas normas que venir aquí se siente como libertad”, dijo Marius Hoffman, de 18 años, poco después de aterrizar en la capital del archipiélago, Palma de Mallorca, el pasado fin de semana.
David Stock, otro viajero alemán que visitó la famosa Alhambra de Granada esta semana, reconoció la paradoja de las restricciones de su gobierno combinadas con la bienvenida que brinda España a los turistas.
“Hay reglas extrañas en todas partes estos días”, afirmó Stock.
En Francia, las regiones más afectadas por el coronavirus están restringiendo la libertad de movimientos a un radio de 10 kilómetros (unas seis millas) desde casa. Esto, junto al toque de queda nocturno en todo el país y al cierre total de bares y restaurantes desde octubre, está siendo demasiado para muchos, que miran hacia el sur en busca de emoción.
Turistas descansan en un terraza junto al mar en Mallorca, en las Islas Baleares, España, el 27 de marzo de 2021. Fuera de la capital de España, los esfuerzos para reactivar el turismo están teniendo un resultado desigual debido en parte al mosaico de normas regionales, nacionales e incluso europeas que confunden tanto a los turistas como a sus anfitriones.
De Francia parten ahora una quinta parte de todos los vuelos que aterrizan en Madrid, mientras que el análisis de itinerancia de datos móviles ha mostrado un creciente aumento de celulares franceses en la capital de España desde enero, cantidad que se incrementa durante los fines de semana.
Cuando comienza el toque de queda, muchos de los que quieren divertirse acuden a reuniones clandestinas anunciadas en grupos de mensajería. Otros reclutan a otros fiesteros de regreso a sus alojamientos turísticos. El fin de semana pasado, la policía desmanteló más de 350 fiestas ilegales con algunos de los asistentes escondidos en armarios o en otros lugares “inverosímiles”.
España anunció recientemente que ampliará el requisito de mostrar un test negativo de coronavirus, algo que ya exige para las llegadas por mar y aire, a quienes crucen la frontera terrestre desde Francia.
Pese a esto, extranjeros como Hoffman o Karel pueden volar directamente desde Múnich o Burdeos a zonas de playa o maravillas culturales en España, mientras que los españoles no pueden cambiar de región para ir a su segunda residencia o visitar a familiares.
Esto irrita a muchos, como Nuria López, propietaria de una pastelería en la capital.
“La verdad que eso no me parece bien”, afirmó López, de 45 años. “Pero por otro lado también pienso que se mueve un poco la economía aquí en Madrid y que nos hace falta”.
Residentes se reúnen en un parque público en Barcelona, el 28 de marzo de 2021. Los esfuerzos para reactivar el turismo están teniendo un resultado desigual debido en parte al mosaico de normas regionales, nacionales e incluso europeas que confunden tanto a los turistas como a sus anfitriones.
Como ella, muchos ven necesario impulsar una industria que en 2019 supuso el 12,5% del Producto Interno Bruto del país y empleó a casi un 13% de su población activa. La suspensión casi total de los viajes internacionales, junto con el primer y restrictivo confinamiento del año pasado, hicieron que la economía se contrajese un 10,8% en 2020, la mayor caída desde la Guerra Civil, en la década de 1930.
Así que aun cuando los hospitales volvieron a llenarse después de Navidad, los políticos resistieron la presión de seguir a otros países europeos y ordenar confinamientos y cerrar escuelas o la mayoría de los negocios.
A día de hoy, España ha evitado imponer cuarentenas a los visitantes de otros países de la Unión Europa, al contrario que la vecina Portugal, que el lunes endureció el requisito de aislamiento obligatorio para la mayoría de los que ingresan al país.
Pablo Díaz, experto en turismo de la Universidad UOC de Barcelona, dijo que la fatiga pandémica, especialmente entre las generaciones más jóvenes, y la falta de una política común europea han hecho que el “el turismo haya encontrado formas de establecer corredores directos de una forma orgánica allá donde la oferta y la demanda se unen”.
El repunte de las reservas antes de Semana Santa, “ha sido como una bocanada de oxígeno para el turismo”, afirmó. “Pero eso no significa que el sector vaya a salir de la UCI pronto, o al menos no de una forma generalizada”.
Curiosfera — La historia de las tijeras es de las más curiosas que existen.
Este artilugio sencillo, nos facilita enormemente algunas de las tareas más cotidianas de la vida y de muchos profesionales.
Los orígenes de las tijeras son difíciles de precisar.
Son utensilio y herramienta antigua, acaso ya conocidas en la Edad del Bronce, pero no se puede hablar propiamente de ellas con anterioridad al año 1000 a. de C.
De esa época (la de Bronce) son unas tijeras de cortar pieles y cabello, unidas por la parte del mango mediante un muelle en forma de “C”.
Eran tijeras de hierro destinadas a trasquilar ovejas para obtener por primera vez lana en forma de vellón.
No es probable que haya habido tijeras de cobre: de haber sido así las cuchillas se hubieran doblado con facilidad ya que no es un material muy resistente en este sentido.
Los metales conocidos entonces, como el oro, el plomo, el estaño o el bronce no eran tan elásticos, no podían llevar a cabo el cometido de unas tijeras, ya que ambas cuchillas se hubieran doblado.
Quién inventó las tijeras
Como muchos otros artilugios creados por el ser humano, no se puede saber quién es el inventor de las tijeras.
Si sabemos que las primeras tijeras de la historia de las que disponemos son del Antiguo Egipto.
No obstante, y como curiosidad, existen varias leyendas sobre quién es el creador de las tijeras.
Aunque insistimos, no dejan de ser meras historias o leyendas infundadas. Por ejemplo:
En la mitología griega las tijeras son atributo de una de las tres Moiras o Parcas: la encargada de cortar el hilo de la vida, y simboliza el fin repentino, aludiendo al hecho de que la vida del hombre depende de los dioses.
Se representaba a Athropos empuñando tijeras y un ovillo de hilo, leyendo en un libro donde se registraba el futuro de los mortales. Se sabe que en Grecia ya había tijeras en el siglo V a. de C.
La modalidad más común en el siglo I, utilizada tanto en Roma como en Oriente, tenía una especie de pivote entre el mango con hoja de bronce o hierro. A diferencia de las tijeras actuales eran de una sola pieza, siendo las cuchillas cortantes y flexibles parte de la misma hoja curva.
Este tipo de tijeras carecían de orejas o agujeros por donde introducir los dedos, ya que la presión se ejercía de forma lateral.
Los ejemplares de la Antigua Grecia y las de los romanos muestran gran variedad de empleos: corte de pelo, esquilado de animales, poda de árboles, corte de tejidos; la mayoría eran de bronce o de hierro.
De este último material son unas tijeras pequeñas halladas en la española ciudad de Elche, y diversos ejemplares encontrados en el reino de León, hoy en el Museo Arqueológico Nacional.
Las tijeras conocieron también uso suntuario y en el tocador de las mujeres romanas. Un fresco pompeyano del siglo I, muestra unos amorcillos cortando ramos de flores con unas pequeñas tijeras de hierro. Y entre objetos de ajuar funerario hallados en tumbas griegas y romanas aparecen las tijeras con frecuencia.
Evolución de las tijeras
En un inventario de Carlos V el Sabio de Francia, de hacia 1380, se habla de unes forcettes de plata y oro con esmaltes, anilladas en los extremos a modo de orejas horadadas.
La forma de las tijeras antiguas pervivió hasta el siglo XIV, en que se inventaron las tijeras de clavillo entre ambos brazos o cuchillas, como las conocemos ahora.
En 1418 se habla ya de tijeras de acero, pero distaban mucho de ser de uso doméstico.
Eran más bien pequeños útiles suntuarios, pequeñas joyas lujosas con incrustaciones de nácar y cargadas de pedrería. Se guardaban en estuches muy ricos junto a otros útiles preciosos destinados al tocador de grandes damas.
Otra gama, las tijeras profesionales, aparecen en escudos de armas del gremio de pañeros y cortadores. El oficial o maestro de tijeras solía llevarlas en un bolsillo lateral.
En los siglos XVI y XVII, se pusieron de moda en Europa las denominadas tijeras españolas, de clavillo o de doble hoja pivotante en cruz de san Andrés.
Eran unas tijeras más bien largas, de cuchillas damasquinadas con cabos y ojos bien labrados. Se hacían en Toledo, Albacete, Madrid o Alcázar de San Juan, con inscripción grabada acerca de la fecha y lugar en que se hicieron y el nombre del artesano.
A menudo las inscripciones de las tijeras incluían leyendas tan curiosas como ésta, de un par de tijeras albaceteñas en que se lee: “Concordes las cuchillas, lo cortarán todo; pero discordes, se comerán a sí mismas. Torres, Artifex. Albacete, 1612”.
Sevilla tenía el monopolio de las tijeras que se enviaban a América, por lo que se convirtió en un centro fabril importante de este artículo.
En el siglo XVIII, se generalizó el uso de las tijeras y empezó a emplearse el acero en su elaboración.
La fama de la ciudad inglesa de Sheffield llegó a dictar la moda hasta finales del siglo XIX en que se simplificaron los estilos y modelos, debido a la mecanización del proceso fabricación.
Estas eran unas tijeras similares a las que estamos acostumbrados a ver en la actualidad. Con la que hoy cortamos el papel, la tela o muchos otros materiales.
Etimología de la palabra tijeras
Debes saber que la palabra “estijeras” es incorrecta, ya que se dice “tijeras”. Proviene del latín tonsorias= tijeras de esquilar. A partir del participio pasivo de tondere= cortar el pelo, podar.
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