Las crueles mentiras de ‘Bohemian Rhapsody’ sobre Freddie Mercury …

abc play(L.M.Cabanelas)  —  A sus 45 años, pocas aventuras le quedaron a Freddie Mercury en el tintero. Fue el Dios del Rock, y como tal vivió los desmanes de un universo labrado entre gira y gira. Nacido en el Zanzíbar del protectorado británico en el seno de una familia parsi, Farrokh Bulsara se cambió el nombre y, con su nuevo alter ego, acarició las mieles del éxito mundial sobre los escenarios. Ajeno a los rumores que coleaban tras su paso, disfrutó de varias relaciones a lo largo de su vida, engañó y fue traicionado. A golpe de excentricidades, cantó para los «inadaptados» y hasta sobrevivió a la lucha de egos, pero pagó los excesos. Su fulgurante ascenso se frenó tan rápido como llegó. Después de cuatro años combatiendo el sida y de perder la mayor parte de un pie, el VIH le ganó la batalla.

Casi un cuarto de siglo después de su muerte, su legado resucitó con el primer biopic cinematográfico de Queen. Un recuerdo, plasmado en ‘Bohemian Rhapsody’, que esta noche emite Telecinco a las 22.00 y que levantó ampollas entre los adeptos del cantante que, debajo de la brillantina y el vistoso vestuario, vieron en el filme una venganza tardía contra Freddie Mercury.

El baile de fechas en momentos clave de la discografía de Queen, el partidista manejo del contagio de Mercury o sus relaciones se han distorsionado. Probablemente con el objetivo de dramatizar una historia ya de por sí dramática. Y, aunque como gritaba el propio cantante, «el espectáculo debe continuar», algunos se han preguntado si debe hacerlo a toda costa.

«Estábamos muy unidos como grupo, pero incluso nosotros no sabíamos muchas cosas sobre Freddie», dijo Roger Taylor días después de la muerte del vocalista. Sin embargo, tanto el batería, cuyas tiranteces con Mercury no esconde el filme, como el guitarrista Brian May, estuvieron involucrados en el guión de ‘Bohemian Rhapsody’, asesorando al libretista Anthony McCarten sobre los entresijos de una historia tan popular como desconocida en algunos puntos. Pero, en su interés por reivindicar el legado de Queen, la película pasa de puntillas por desmadres como la famosa fiesta con camareros desnudos y enanos con bandejas de cocaína, mientras que sí desarrolla, de forma tramposa, otros aspectos que dejan en mal lugar al artista.

Algunos detalles, como los orígenes del grupo, son más insignificantes y responden al efectismo de la película, aunque en realidad fueron menos fortuitos. Porque en realidad, ni la casualidad ni la arrolladora personalidad de Mercury consiguieron que lo fichara la banda Smile, sino su cercanía con el grupo, al que seguía tras coincidir con su líder en el Ealing Art College. Para cuando Tim Staffel abandonó la banda, todos, incluido Mercury, compartían piso, por lo que no hubo dudas sobre el relevo natural.

Sí se muestra fiel ‘Bohemian Rhapsody’ en captar la personalidad del vocalista que, según May, exigió a la banda más intención y coherencia: «No os estáis vistiendo como toca, no estáis apelando correctamente a la audiencia, siempre hay oportunidades para conectar», pedía Mercury antes de que el grupo pasara a llamarse Queen tras el fichaje del bajista John Deacon que, lejos de ser simultáneo al de Mercury como reproduce la película, se produjo en 1971 después de unas audiciones.

El ejecutivo fantasma en ‘Bohemian Rhapsody’

Los primeros pinitos de la banda ya anticipaban la grandeza de una música que, 23 años después de la muerte de Mercury, todavía sigue vigente. Para todos menos para Ray Foster, ejecutivo de EMI, que tuvo la osadía de rechazarlos porque, además de sus rarezas, consideraba que la canción ‘Bohemian Rhapsody’ era demasiado larga para la radio. Hoy en día, ese hombre –al que interpreta Mike Myers en el filme– debería estar dándose cabezazos contra la pared por su tremenda falta de visión, sino fuera porque en realidad, según la revista ‘Rolling Stone’ ni siquiera existió, sino que corresponde a una mezcla de varios ejecutivos musicales que no confiaban en el éxito de la icónica canción.

Más allá de las oportunas licencias creativas, la película no miente sobre el noviazgo entre Mercury y su «única amiga», Mary Austin. Es cierto que ambos mantuvieron una conversación similar a la del filme, en la que Mercury le confesó ser bisexual y ella le dijo que era gay, y también que estuvieron prometidos y eran vecinos, si bien no se interesó en ella hasta después de convertirse en líder de Queen. Algo más novelesco es el relato sobre su relación con Jim Hutton, que no era camarero de una fiesta privada organizada por el cantante sino peluquero en el londinense hotel Savoy. Su primer encuentro tampoco surgió en casa de Mercury, sino en un club de ambiente, donde Hutton rechazó tomar una copa con él porque, según reconoció en la edición británica de la revista ‘Time’ en 1984, no le reconoció. No dejó escapar de nuevo la oportunidad cuando volvieron a encontrarse en 1985 y, a partir de entonces, siguió a su lado hasta su muerte.

Donde más críticas ha recibido la película es en la fecha en la que Freddie Mercury contrajo el sida. Según la versión de ‘Bohemian Rhapsody’, sucedió justo antes del Live Aid, lo que sirve de pretexto para añadir dramatismo al desenlace del biopic y también para una reconciliación con la banda que nunca existió. Aunque sí es cierto que el vocalista de Queen se sometió a una primera prueba de VIH el mismo año en que se celebró el concierto en Wembley, en 1985, no fue hasta dos años despúes, según reconoció el propio Hutton, que la prueba dio positivo. «He procurado mantener oculta esta situación para proteger mi vida privada y la de quienes me rodean, pero ha llegado el momento de que mis amigos y fans de todo el mundo conozcan la verdad, y espero que todos se unan a mí, a mis médicos y a todos cuantos luchan por combatir esta terrible enfermedad, para luchar contra ella», anunció públicamente el cantante el 23 de noviembre de 1991, incapaz de justificar su deteriorado aspecto. Un día después de comunicarlo, murió.

Según su asistente personal, Peter Freestone, Mercury no quería que la gente escuchara su música condicionada por su estado, por eso mantuvo su enfermedad en secreto. Por eso, su familia no se enteró de que era seropositivo hasta el último año de su vida, mientras que los integrantes de Queen lo hicieron en 1990. «Probablemente ya os hayáis dado cuenta de cuál es mi problema. Bueno, eso es todo y no quiero que nada sea diferente. No quiero que se sepa. No quiero hablar de ello. Solo quiero seguir adelante y trabajar hasta que me caiga», cuenta Brian May que les dijo Mercury al comunicarles la noticia. Un speech similar al discurso del vocalista en el filme, acorde también con la filosofía con la que compuso la canción ‘Don’t stop me now’.

Un castigo a Freddie Mercury

Una alteración que no ha pasado desapercibida para la prensa, que no ha dudado en señalar la mala intención del filme en este aspecto. «Nunca he visto a una película distorsionar sus hechos de una manera tan punitiva. Es como si la película quisiera castigar a Freddie Mercury», escribió Mike Ryan, de UPROXX. «La trágica muerte de Mercury a causa del sida fue un momento decisivo a principios de los años 90 en la lucha por la concienciación sobre el VIH. Conectar ahora su enfermedad con su actuación en el Live Aid es frívolo y cruel». Una crítica con la que coincide David Ehrlich, de ‘IndieWire’, que asegura que es «insultante ver cuánto está dispuesta a sacrificar esta película por intentar añadir melodrama a la historia de Queen, y humillante ver las dimensiones en las que falla».

Otro ardid de ‘Bohemian Rhapsody’ para incrementar la emoción de la película es lo referente a la separación de la banda y su posterior reconciliación en la antesala del concierto de Wembley. El filme señala a Freddie Mercury como el responsable de la separación de Queen, porque supuestamente aceptó una oferta de cuatro millones de dólares para emprender una carrera en solitario. Para la ficción , el principal culpable de promover ese distanciamiento fue Paul Prenter, mánager y amante del cantante que vendió sus secretos a la prensa. Sin embargo, el único álbum en solitario de Mercury apareció en 1985, cuatro años después del primero que sacó el batería de Queen, ‘Fun in Space’ (1981), y un año después del segundo, ‘Stranger Frontier’ (1984). En cuanto a la separación del grupo… la lucha de egos era evidente, pero nunca sucedió tal cosa, sino que de mutuo acuerdo la banda decidió tomarse un descanso después de su álbum «Hot Space» en 1982 y probar alternativas por su cuenta. Un ‘retiro’ que apenas duró un año, ya que en 1983 se reunieron para grabar ‘The Works’.

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mayo 19, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Quién puso América en el mapa …

Quo(A.Jover)  —  No son el mapa del tesoro, pero sí son un tesoro de mapas, un testimonio de cómo la imagen del mundo cambió para siempre

¡Quién no ha sentido fascinación por los mapas en la infancia? Los mapas del mundo de colores brillantes sobre los que planeábamos los países que visitaríamos y cómo sería nuestro viaje por tierra, mar o aire.

Los globos terráqueos que hacíamos girar para poner el dedo en un punto al azar. O los mapas imaginados de la Tierra Media, donde elfos y arcos vivían separados por bosques y mares. No es casualidad que la secuencia de presentación de Juego de Tronos, una de las series más míticas de la historia de la televisión, sea un mapa.

Los primeros mapas de los que tenemos noticia son una tableta babilónica de arcilla del siglo. VII a.e.c.,la carta plana cuadrada de Eratóstenes de Cirene del siglo III a.e.c. o el mapamundi de Ptolomeo del siglo II. Precisamente en este último aparece la península ibérica, con una forma no totalmente precisa, pero muchos detalles reconocibles.

Durante la Edad Media, de nuevo el mundo musulmán resulta ser el más avanzado en todas las ciencias, como muestra la obra el cartógrafo Al-Idrisi que trabajó para el rey Roger II de Sicilia, y que en su Tabula Rogeriana, dice 1154, un mapa centrado en el mal Mediterráneo, pero del revés, con África en la parte superior, se puede también distinguir la Península Ibérica.

Mapa de Ptolomeo reconstruido según la descripción de su descripción en el libro Geografía, de 150 e.c.

La Tábula Rogeriana se encuentra en la biblioteca del congreso en Washington DC, EE UU, y el mapamundi de Ptolomeo ni siquiera existe, se ha reconstruido a partir de la descripción del mapa en su “Geografía” del año 150.

Pero hay un mapa que podemos visitar y que marca el cambio del concepto del mundo que se produjo hace cinco siglos, cuando los europeos llegaron a a América.

Quién puso América en el mapa

También es de sobra conocido que Colón estaba equivocado. Pensaba que al navegar hacia el oeste llegaría a Asia, es decir, a las Indias. Colón tenía esta idea equivocada por culpa de otro mapa: el mapa de Martellus, que conserva la Universidad de Yale en EEUU.

Henricus Martellus, un cartógrafo alemán que trabajó en Florencia a finales del siglo XV, dibujó el mundo conocido hasta entonces, el mundo que Colón esperaba encontrar en su expedición cuando se topó con un continente nuevo.

No mucha gente sabe que Cristobal Colón era cartógrafo, pero como tenía otras responsabilidades capitaneando la expedición, se llevó a bordo al cántabro Juan de la Cosa.

La Tabula Rogeriana, conservada en la biblioteca del congreso en Washington, EE UU

En el año 1500, en el Puerto de Santa María, de la Cosa dibujó un mapa del mundo conocido, que se había hecho mucho más grande solo ocho años antes, cuando la carabela de Colón tocó tierra en la isla caribeña de Guanahani, en las actuales Bahamas.

El mapa de Juan de la Cosa se conserva en el Museo Naval de Madrid, y es seguramente el mapa más famoso de España, porque es el primer mapa conocido que incluye América, y el único que se conserva realizado por un testigo directo de los viajes de Colón.

Además de que el mapa de Juan de la Cosa es una maravilla técnica y artística, tiene una historia fascinante, ya que estuvo desaparecido durante siglos.

Se sabe que Juan de la Cosa presentó dos «cartas de marear de las Yndias» a los Reyes Católicos en Segovia en 1503, uno de los cuales podría haber sido este mapamundi. Hay noticias del mapa más adelante, en un escrito de Pedro Mártir, cronista de indias, en 1514. Después, el mapa desaparece.

Tres siglos después, en 1832, el barón de Walckenaer, un naturalista francés, lo compra a un comerciante de París, y se lo muestra a su amigo Alexander von Humboldt, el erudito alemán que lo daría a conocer.

Tras la muerte del barón de Walckenaer en 1852 su biblioteca salió a subasta. El intelectual Ramón de la Sagra, que conocía la existencia del mapa, vio el anuncio de la subasta y alertó al Ministerio de Marina español, que pujó por el mapa y lo adquirió por la elevada suma de 4.321 francos de la época.

El mapa de Juan de la Cosa no ha sido restaurado nunca. Es un mundo al que aún le faltan piezas. El Océano Pacífico no está, y parece que, a propósito, el cartógrafo recortó Indochina y China para evitar la misma confusión que tuvo Colón en su día.

Pero es un mapa mágico. Con la distancia que nos dan las fotos de la Tierra desde el espacio, no podemos dejar de maravillarnos y soñar con viajar por él.

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El drama de las 91 ‘brujas’ de Vardø …

Brujas siendo quemadas en la hoguera.(imágen ilústrativa)

Infobae(J.Cantillo)/ElEspañol(C.Serna)  —  La Nochebuena nunca ha sido tan triste en Vardø como en 1617. La isla, en el norte de Noruega, casi en el círculo ártico, vio morir a más de 40 hombres que se hundieron en 10 barcos que habían salido a pescar. ¿La razón de esa masacre? Una tormenta. ¿Las culpables? Las mujeres que se quedaron viudas, huérfanas y solas.

En una isla sin hombres, la mayoría de las féminas tuvo que tomar las redes, el arado y empezar a hacer ‘trabajos de hombres‘. Supervivencia lo llamaban ellas. Brujería para el resto. El poder que empezaban a ejercer asustó a algunos lensmann de la zona que no querían que se vieran como ejemplo de que lo que una mujer podía conseguir.

Eso y la recién aprobada Ley de Hechicería y Brujería para la unión Dinamarca-Noruega que se estaba gestando acabó con 91 vecinas de Vardø quemadas en la hoguera, acusadas de brujas y de haber provocado la tomenta que mató a casi todos sus hombres.

Pero llegó la noche de la tormenta, un fatídico episodio donde murieron más de 40 hombres, que vieron como 10 de sus barcos pesqueros sucumbían frente a las embravecidas aguas. Eso cambió todo, pues de un momento a otro las mujeres se vieron totalmente desprovistas, sin sus maridos o hijos mayores no tenían garantías para sobrevivir.

En medio de este panorama surgió la figura de Kirsti Sørensdatter un mujer independiente que había construido una relación más igualitaria con su marido. Ella sabía pescar y trabajar la tierra, gracias a las enseñanzas de su esposo antes de morir en la tormenta.

Fue ella quién tomó el mando de los barcos que quedaron en Vardø, asumió el trabajo del ganado, y la que empieza a organizar a las mujeres del pueblo en las distintas tareas de supervivencia para escapar a su destino de morir congeladas de hambre.

Lo irónico es que haber tomado las riendas de su vida y rehusarse a morir en el frío nórdico, las terminó condenando a todas al fuego de la hoguera inquisidora.

Las crónicas cuentan que Mari Jørgensdatter fue interrogada bajo tortura el 21 de enero y acabó confensando que Satanás había venido a ella por la noche en la Navidad de 1620 para participar en un akelarre, pero también que las brujas fueron las responsables de la gran tormenta de 1617 donde murieron casi todos los hombres del poblado.

Todo ese material histórico le sirve a Kiran Millwood Hargrave para lanzar su primera novela para adultos, «Vardø. La isla de las mujeres» (Ed. Ático de los Libros), en un homenaje a estas mujeres que fueron cruelmente tratadas por la naturaleza que las dejó solas y por los hombres que temieron su poder.

El relato describe, siempre desde el punto de vista femenino, como dos años más tarde de la tragedia, un cazador de brujas escocés, Absalom Cornet, llega a la isla junto con su esposa Ursa. Allí ella ve un mundo gobernado por mujeres independientes, autosuficientes, mientras que su marido solo ve la mano del demonio y el paganismo.

Y es que junto a las mujeres que quedaron solas en Vardø, estaban también los samis (o lapones) que habitaban el interior de estas tierras desde tiempos inmemoriales y a los que el rey de Dinamarca estaba empeñado en imponer el cristianismo, a sangre y agua, por encima de cualquier ritual o tradición milenaria.

Las sentencias fueron llegando y fueron quemando a mujeres en mutitudinarias hogueras hasta que le tocó el turno a Kirsti Sørensdatter, a la que señalaron como su líder y almirante. El libro recoge a una Kirsten independiente, con una relación más igualitaria con su marido, que le enseñó a pescar y a trabajar la tierra antes de morir en la tormenta.

Una escena de brujería representada en una pintura de 1600.

Es ella la que toma el mando de los barcos, organiza a las mujeres y hasta asume el trabajo del ganado. La que las salva de morir de hambre y congeladas.

Pero su ímpetu y su formación a pesar de su condición femenina, asustó tanto a los poderosos que llegaron al lugar que la persiguieron hasta convertirla en la última mujer quemada en Vardø, al menos en esa ‘tanda’ de persecuciones por brujería.

Aproximadamente 150 personas fueron ejecutadas por hechicería en el norte de Noruega entre 1621 y 1663, la mayoría mujeres de la zona y también algún hombre sami, que eran pintados como magos y hechiceros.

Noruega, como país, quiso resarcir, en parte, el dolor de estas féminas con un homenaje a máximo nivel hace nueve años, en el que participó hasta la reina.

La brujería en la era medieval

En la literatura medieval anterior al cristianismo, los poderes sobrenaturales eran un hecho aceptado. Se utilizó la práctica de la magia, el cambio de formas, el vuelo y los hechizos para controlar los elementos y conjurar a los muertos.

Finalmente, la iglesia rechazó estos poderes y prohibió cualquier creencia y uso de la “brujería”.

Sin embargo, la creencia y las acusaciones son parte de la historia, y durante los siglos a XVII y XVIII los juicios de brujas en toda Europa y parte de América se extendieron rápidamente.

Portada del libro «La Isla de las Mujeres», donde la escritora Kiran Millwood Hargrave cuenta la historia de las brujas.

A Vardø lo hacen particular dos cosas: la primera es que 1593 y 1692 hubo más de 140 juicios de brujería en ese pequeño pueblo; la segunda es que los juicios quedaron registrados, lo que le dio a los historiadores modernos una gran comprensión de cómo transcurrían las acusaciones de brujería y las condenas en los juicios.

Pero no era solo la independencia forzada de sus mujeres lo que llamaba la atención de los cazadores de brujas que miraban con recelo a Vardø, sino que también contribuían una serie de mitos y supersticiones que hicieron del pueblo un blanco perfecto para las hogueras inquisidoras.

Durante el siglo XVII, las autoridades locales tenían mucho poder.

A menudo, los hombres de Escocia, Dinamarca y Alemania se dispusieron a cazar brujas. Había una teoría que prevalecía en Europa de que “la maldad se podía encontrar en el norte”, una creencia de que la gente de esa zona estaba más inclinada a ser malvada que en otras partes del mundo.

En especial porque los habitantes de Finnmark (provincia de Noruega a la que pertenece Vardø) no profesaban el cristianismo, sino que mantenían sus tradiciones ancestrales y se creía que Satanás vivía en esas áreas del norte.

La “maldad” se transmitió a través de los vientos extremadamente fríos del norte, cuyos sonidos implacables y escalofriantes aullidos eran considerados por los exploradores cristianos como llamados del diablo.

Los holandeses también navegaban entre Vardøshus y Rusia para comerciar y advirtieron a sus compatriotas de los peligros de Satanás. Las guaridas de demonios y diablos volaron a través de los vientos malvados.

A las brujas les adjudicaron los poderes para evocar poderosos torbellinos, mal tiempo, niebla, truenos y relámpagos a lo largo de la costa. Toda una lista de hechicería náutica que era especial de las brujas noruegas.

Se corrió la voz de que Noruega tenía las brujas más notorias. Había historias de que la montaña Domen entre el pueblo de Vardø y Kiberg era el lugar donde se celebraban los grandes sábados de brujas.

Ahí se decía que quedaba la mismísima entrada al infierno. Algo que ‘confirmaron’ gracias a las confesiones bajo tortura de varias de las mujeres acusadas, que hablaron de un largo valle negro y un lago oscuro en el fondo del valle.

Decían que Satanás en persona había arrojado fuego de una tubería de hierro haciendo hervir el agua antes congeladas.

Contaron de hombres y mujeres que flotaban en el agua y chillaban como gatos. En toda Europa circulaban las historias de diablos y demonios que desde esa cueva noruega se extendían por todo el mundo, causando vientos, enfermedades y daños brutales a su paso.

Representación de la quema de una bruja en Vardø por el artista Liz Adamson.

A todo esto se le sumaba la presencia de los Sami en la región, un antiguo pueblo indígena escandinavo que se rehusaba a adoptar el cristianismo y que eran un blanco predilecto del rey de Dinamarca en sus cruzadas evangelizadoras.

Y entonces vinieron los juicios.

Los juicios de las brujas

En enero 1621, tres años después de la tormenta que acabó con los hombres de Vardø, llegó las Santa Inquisición al pueblo y con ella empezaron los juicios contra las mujeres sobrevivientes de la tormenta, pues se les acusaba de haberla causado por medio de la hechicería.

Las crónicas de los historiadores cuentan que Mari Jørgensdatter fue interrogada bajo tortura el 21 de enero y acabó confesando que Satanás había venido a ella por la noche de Navidad de 1620 para participar en un akelarre, pero también que las brujas fueron las responsables de la gran tormenta de 1617.

Mari confesó que las brujas habían atado tres veces una cuerda de pescar, la escupieron y la desataron, después de lo cual “el mar parecía cenizas y la gente murió”.

Otra mujer, Else, fue arrestada después de ser vista en compañía de perros y gatos negros y expuesta a la terrible experiencia del agua: si flotabas cuando te arrojaban al agua, te consideraban una bruja.

Anne Larsdatter afirmó en confesión bajo tortura que el diablo ató la lengua a las brujas para que no pudieran llorar ni confesar hasta que estuvieran expuestas al calvario del agua. Ella también había volado a un “sábado de brujas” en las afueras de Vardø, donde vio a las 40 personas ahogarse.

Las brujas de vardo en la montaña Domen, donde se creía que estaban las puertas del infierno.

Mari y muchas otros fueron condenadas y quemadas en la hoguera en esa primera tanda de interrogatorios. Ella, Anne, y muchas de las mujeres que fueron interrogadas, señalaron a Kirsti Sørensdatter – quien les había enseñado a subsistir sin sus maridos- como su líder.

Meses después, Kristi, que no estaba en el pueblo, regresó a Vardø y fue apresada e interrogada bajo tortura. Ella terminó confesando que había aprendido hechicería de una anciana.

Kristi fue quemada viva en la hoguera el 28 de abril de 1621, un par de meses después de que otras 10 mujeres fueran quemadas por brujería. Fue la última víctima del gran juicio por brujería de 1621.

La memoria de las bujas

El 23 de junio de 2011, la Reina Sonja de Noruega inauguró el monumento Steilneset a las víctimas de los juicios de brujas en Vardø.

El monumento fue realizado por el arquitecto suizo Peter Zumthor y la artista franco-estadounidense Louise Bourgeois.

El monumento fue diseñado para atraer a los visitantes a una zona de Noruega económicamente deprimida pero excepcionalmente hermosa. El memorial también es parte de la tendencia moderna de disculparse y expiar las injusticias del pasado y otorgar reconocimiento oficial a las víctimas.

El monumento se encuentra en el mismo sitio que se cree que es el lugar de ejecución de las 91 supuestas brujas.

En un promontorio azotado por el viento, su costa irregular astillada por las olas rompientes, sobre una valla de estacas del cementerio local, se ve la creación de Zumthor en dos edificios distintos.

Memory Hall es un capullo textil blanco suspendido en una estructura simple y larga con líneas cruzadas hecha de pino sin tratar. La tela para velas cosida a mano se tensa con cables de acero, inspirados en las rejillas de secado de pescado que se usan en la zona.

El pasillo está lleno de 91 lámparas. Cada una ilumina una ventana y una placa con testimonios de los juicios contando la historia de las asesinadas

Cuando se entra por una pasarela de madera, a través de una puerta de acero hacia la oscuridad, es como entrar en un túnel oscuro. Las paredes se mueven con el viento, estremeciéndose con fuertes ráfagas.

La silla ardiendo es el epicentro del memorial con el que se conmemora a las víctimas de los cazadores de brujas en Vardø

Junto a esto hay una caja en espiral negra construida para albergar una silla con una llama encendida en el medio. Sobre él hay tres espejos que reflejan las llamas, que representan a los Condenados, los Poseídos y los Amados. Los espejos distorsionan las llamas y hacen sentir al espectador como si estuviera en el fuego.

Así reposa la memoria de estas mujeres, cuya independencia era tan amenazante para el orden establecido que terminó siendo calificada de brujería, sus cualidades para sobrevivir catalogadas de hechizos y su identidad, que no reconocía el cristianismo, como herejía.

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mayo 18, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Fotos de la construcción del Titanic …

El Royal Mail Steamship Titanic era el segundo de un trío de transatlánticos conocidos como Clase Olympic.

El Titanic fue construido en los astilleros de Harland and Wolff, en Belfast (Irlanda del Norte).

El Titanic se diseñó usando algunas de las más avanzadas tecnologías disponibles en aquel tiempo, tales como mamparos herméticos que dividían el casco en 17 secciones independientes y que se creía que podían mantenerlo a flote en caso de rotura de una parte del casco; iba dotado de telegrafía, un nuevo diseño de hélice de tres palas y las instalaciones de primera clase eran tan lujosas que no tenían comparación con otros buques en cuanto a lujo se refiere.

Todo ello hizo que el Titanic fuera considerado «insumergible».

Ismay y Pirrie rápidamente llevaron la idea de la Clase ‘Olympic’ de un sueño a una mesa de dibujo.

El equipo de Pirrie trabajó en el diseño de los barcos mientras que el astillero de Harland & Wolff en Belfast comenzó la conversión de tres grandes atracaderos a solamente dos.

Una grúa de puente con 67 metros de alto, la más grande del mundo, sería construida sobre estas instalaciones.

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¿Quién fue San Isidro? El labrador holgazán de los milagros de la comida infinita y los bueyes …

Talla de San Isidro Labrador, ángel y bueyes, de la Iglesia de San Juan Bautista de Amaya.

ElConfidencial  —  Mayo es sinónimo de fiesta, los días son más largos, el sol ilumina las calles y parques y Madrid disfruta no de uno ni de dos, sino de tres días festivos. Tras el 1 de mayo, fiesta a nivel nacional, y el 2 de mayo, festividad de la Comunidad de Madrid, llega el 15 de mayo, día de San Isidro.

Aunque la pandemia lo ha parado todo, en la ‘antigua normalidad’ el Jardín de las Vistillas, el parque de San Isidro, la Plaza Mayor y muchos otros lugares emblemáticos de la capital se convertían en escenarios al aire libre con decenas de conciertos que disfrutar; las calles asumían el olor del cocido madrileño y las rosquillas mezclado con el de los claveles y en el aire resonaban los chotis, mezclados con el pop y el rock de los grupos más actuales.

Las fiestas de San Isidro son de las más castizas de la ciudad, junto a las de verano (San Cayetano, San Lorenzo y La Paloma), y madrileños y turistas de todas las edades se engalanan con sus trajes de chulapas y chulapos allá donde quiera que vayan.

Sin embargo, no todos conocen la historia del que pone nombre a las fiestas patronales de la ciudad: Isidro de Merlo y Quintana nació en el seno de una familia humilde del Madrid musulmán y en su vida vivió muchas anécdotas que luego pasaron a la historia, entre ellas su matrimonio con quien da nombre a uno de los grandes paseos de la capital, Santa María de la Cabeza (cuya fiesta se celebra el 9 de septiembre).

Con la religión cristiana como herencia de su familia, a los 10 años comenzó a trabajar como labrador para una finca, y estos dos puntos se mezclaron en uno de los muchos milagros que se le atribuyen: cuenta en su web la Archidiócesis de Madrid que cada madrugada retrasaba su ‘entrada’ al trabajo para acudir al templo cristiano y rezar, razón por la cual fue calificado de holgazán por sus compañeros.

El patrón de la finca comprobó con sus propios ojos que Isidro llegaba siempre tarde a trabajar por culpa de esos rezos, pero mientras él conversaba con Dios, «los bueyes estaban arando solos la parte que le correspondía al buen Isidro». Milagro número uno. De muchos, casi 500.

«Su esposa encontró, sorprendida, que la olla rebosaba comida y vio en él a un santo»

La Iglesia le atribuye un total de 438 milagros, entre ellos el de elevar las aguas del pozo en el que se encontraba su hijo —de hecho, su primer trabajo conocido fue el de pocero—, el de mantener su cadáver incorrupto años después de muerto o el de sanar a los enfermos, además de aquel de arar la tierra con ayuda de su fe.

‘La olla de San Isidro’ es como se conoce a otro de sus múltiples milagros: «Se cuenta que cada año nuestro amigo organizaba una gran comida popular donde eran invitados los más pobres y marginados de Madrid. Sin embargo, en una ocasión el número de presentes superó lo previsto y la comida que habían preparado no llegaba ni a la mitad de los convocados», relata la Archidiócesis madrileña.

La congregación de San Isidro, en su página web, exhibe la misma historia. «Isidro le rogó a María que fuera a la olla. Obedeciendo al esposo fue, a sabiendas de que la había dejado vacía, y sin embargo, encontró sorprendida que la olla rebosaba comida. María reconoció en su marido a un santo».

Milagros y solidaridad

Al ahora patrón de Madrid se le atribuye, además de los muchos milagros, una solidaridad ilimitada, y se cuenta que lo que ganaba lo repartía entre su familia, el templo y los pobres.

Tanto es así que además del de la olla se le asigna el milagro del banquete de la cofradía a la que Isidro pertenecía, una vez más, relacionado con la comida infinita.

Isidro llegaba tarde a esta reunión gastronómica, una vez más por haberse quedado rezando en la iglesia; cuentan que cuando iba de camino fue seguido de un grupo de mendigos, pero cuando llegaron todos, la comida se había terminado y solo quedaba la porción que sus compañeros de la cofradía le habían guardado para él, por lo que los que lo acompañaban no podrían comer.

«Isidro contestó que su porción bastaría para él y para el resto.

Comenzó el reparto, habiendo para todos y además sobrando», explica la congregación que lleva su nombre.

No fue el único caso: cuentan que un día de nieve Isidro se dirigía al molino cargado con un saco de grano, pero por el camino se encontró con un grupo de pájaros que no podía encontrar comida en el suelo por la cantidad de nieve.

Decidió entonces compartir con ellos parte del cereal y al llegar a su destino descubrió, una vez más, que la comida se había multiplicado: el saco de grano volvía a estar lleno.

Isidro fue beatificado por el papa Paulo V en 1619. Fue este quien, conforme a la revisión de las costumbres de la Iglesia tras el Concilio de Trento, decidió beatificar al labrador y decretar que la fecha de su festividad fuera el 15 de mayo.

Sin embargo, tres años después, Gregorio XV lo canonizaba —aunque la bula de canonización fue firmada por el papa Benedicto XIII dos años más tarde, a causa de la muerte del anterior—.

La santificación de Isidro el labrador respondía a la reanimación del monarca Felipe III, y en el decreto se hace alusión a la fiesta de traslación, por lo que el 15 de mayo podría referirse al traslado de los restos del cuerpo de San Isidro en 1212 a la Iglesia de San Andrés.

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Tras la lente estaba Madame d’Ora …

Elsie Altmann-Loos, 1922.

ElPaís(D.Granda)/XLSemanal  —  Fue la primera fotógrafa de moda. Madame d’Ora sedujo a las élites de Viena, Berlín y París de los años veinte y treinta con sus retratos de mujeres desinhibidas, libres y absolutamente modernas.

Se llamaba Dora Kallmus y fue, además de pionera, transgresora, como demuestra este retrato de la actriz y bailarina vienesa Elsie Altmann, realizado en 1923. Cuando abrió su primer estudio en Viena, en 1907, muy pocos retrataban a las estrellas de la moda, la danza, el teatro o la pintura. Conectada con las tendencias vanguardistas, su técnica, con lentes que difuminaban los contornos, y su modo de capturar la individualidad de sus clientes, con poses naturales y dinámicas, en contraste con la rigidez de la época, se hicieron rápidamente populares.

Kallmus (Viena, 1881-Frohnleiten, 1963), conocida como Madame d’Ora, abrió su primer estudio de fotografía en la Wipplinger Strasse 24, un edificio en el corazón de Viena que hoy solo alberga oficinas. El primer artista en posar para ella fue Gustav Klimt. De familia judía, hija de un importante abogado del Estado, los contactos de su padre le abrieron las puertas de la capital imperial y ella las cruzó hasta convertirse en una fotógrafa imprescindible. Incluso para la aristocracia y los Habsburgo, no muy amigos de hacer negocios con los judíos, que la eligieron en 1916 para retratar la coronación como rey de Hungría del último emperador de Austria, Carlos I, por sus buenos contactos con los medios.

“No era la única mujer dedicada a la fotografía en Viena, pero sí fue la primera en imponerse con un éxito incontestable. Fue la pionera en retratar a estrellas de la danza, el teatro o la pintura como modelos, fuera de su elemento, algo que hoy es habitual en todas las revistas, y en mostrar a la aristocracia en actitudes muy poco convencionales”, explica Monika Faber, comisaria de la muestra.

Al inicio de la exposición recibe la foto de la compositora Alma Mahler. “Todo el mundo era más hermoso en las fotografías de Madame d’Ora que delante de un espejo. Todos estaban retocados, ese era su secreto. En una carta que le escribió Alma Mahler le agradece la bonita fotografía pero le pregunta: ¿puedes ponerme todavía un poco más guapa? Si miras el negativo, ves lo que sucedió: el cuello y la cintura son más delgados, están estilizados”, dice la comisaria, que ha titulado el proyecto precisamente: ¡Ponme guapa, Madame d’Ora!

Élite cultural

Coco Chanel, 1923

Hay otra foto de la mecenas vienesa. En una esquina de la sala, casi con timidez, se exhibe su retrato junto al del escritor Arthur Schnitzler. Si Mahler estuvo casada, además de con el compositor, con el arquitecto Walter Gropius y el escritor Franz Werfel y tuvo idilios con los pintores Oskar Kokoschka y Gustav Klimt, Schnitzler asistía más a sus amantes que a los ensayos de sus obras. Buena parte de esta élite cultural pasó por el estudio D’Ora.

También figuras de la cultura subterránea como la bailarina Anita Berber, de quien Dora Kallmus subrayó su condición underground fotografiándola no sólo desnuda, lo que no era particularmente escandaloso para un símbolo erótico de la República de Weimar y musa politoxicómana del pintor Otto Dix, sino vestida de monja.

En los veinte, Kallmus abandonó Viena para abrir el Atelier d’Ora en París, donde tenía a sus clientes más influyentes como fotógrafa de moda. Coco Chanel, Lanvin, Balenciaga… su estudio era una pasarela. Recibió encargos de publicaciones de toda Europa. Hasta que llegaron los nazis.

La amenaza comenzó en 1935 con la prohibición de publicar cualquier fotografía suya en Alemania. Tras la invasión de Francia, aunque se había convertido al catolicismo años antes, se vio obligada a vender el negocio y refugiarse en un pueblo de montaña al sur de Lyon. Su hermana Ana murió asesinada en un campo de exterminio. El modisto y amigo Cristóbal Balenciaga le ayudó a obtener el visado para España, pero el viaje tenía muchos riesgos y no se decidió a dejar Francia.

Tras la II Guerra Mundial su fotografía dio un giro radical. Documentó la vida precaria de los campos de refugiados en Viena y Salzburgo, donde se hacinaban prisioneros liberados de campos de concentración nazis y también alemanes expulsados de Yugoslavia y Checoslovaquia. La mujer de origen judío que había padecido el holocausto puso su cámara delante de los refugiados alemanes para denunciar su condición de víctimas. En París, cuando se acercaba a los 70 años, frecuentó los mataderos para mostrar el bestiario sangriento de las carnicerías.

Y conservó la mirada blasfema. Al escritor William Somerset Maugham, abiertamente homosexual, lo fotografió en 1955 en su villa en Cap Ferrat junto a la estatua de un obispo. Poco después hizo su último retrato, a Picasso, y en 1958, presentada por Jean Cocteau, ofició su última exposición en París donde reunió en un mismo salón imágenes de los campos de refugiados y de los animales mutilados en el matadero con sus retratos para la alta sociedad. En 1962 se retiró a su casa familiar en Estiria que había sido arianizada durante el Tercer Reich.

Josephine Baker, 1928. MADAME D’ORA

Cuando Josephine Baker llegó a Viena en 1928, el parlamento austriaco celebró un debate para decidir si esta bailarina afroamericana era una amenaza para la moralidad pública. El clero anunció que tañerían las campanas desde el momento que llegara su tren para advertir a sus feligreses sobre los peligros del “diablo hecho carne, el demonio de la inmoralidad”. Y la alcaldía acabó por suspender su función en el teatro Ronacher. Ese mismo año, Josephine Baker posó para Dora Kallmus en su estudio de París: la fotógrafa vienesa decidió retratarla en toda su belleza, toda su negritud, desnuda. Esa era Madame d’Ora. La fotografía fue portada de 1927 de Die Bühne (la revista cultural de mayor tirada de Austria) con Josephine Baker cubierta solo con unas plumas, y que encendió la polémica.

Fritzi Massary, judía y gran soprano vienesa de principios del siglo XX, fue otra de las grandes habituales del Atelier d’Ora. Tanto ella como Ida Roland y la propia Madame d’Ora sufrieron el exilio con la llegada de los nazis al poder. D’Ora pasó la guerra escondida en varios lugares del sur de Francia y perdió a casi toda su familia en el Holocausto. A partir de 1945, su estilo y sus temas cambiaron radicalmente, fotografiando supervivientes de campos de concentración y ejerciendo como fotorreportera en los años cincuenta. Tras recuperar su casa familiar, regresó a Austria, donde murió en 1963.

La gran diseñadora austriaca Emilie Louise Flöge fue, en 1909, una de las primeras divas en posar ante la lente de Madame d’Ora. Lo hizo meses después de que Gustav Klimt, su pareja, se convirtiera en el primer artista retratado por la fotógrafa. El último fue Picasso, en 1956.

Atraída por las mujeres más osadas de su tiempo, en el catálogo de Madame d’Ora no podía faltar Colette. Novelista candidata al Nobel, artista de music hall, crítica de moda y una de las primeras féminas en vestirse como los hombres, la fotógrafa vienesa la retrató en 1953, un año antes de su muerte.

D’Ora desembarcó en el París de los años veinte y treinta, hervidero de vanguardias y bohemios. También de mujeres carismáticas como la pintora polaca Tamara de Lempicka, la primera artista en alcanzar estatus de estrella, a la que retrató en repetidas ocasiones.

Hija de un judío, abogado del Estado, las conexiones de su padre le abrieron todas las puertas de Viena. Aunque su trabajo pronto habló por sí mismo. Los retratos con ropa masculina de la célebre actriz Ida Roland (foto), vienesa y judía como ella, causaron tanto impacto como sus desnudos.

Barbette, trapecista travesti que maravilló al París de los años veinte y treinta -apareció en un filme de Jean Cocteau, Man Ray lo retrató…-, conectó a la primera con Madame d’Ora. La fotógrafa vienesa realizó con él uno de sus grandes y más completos reportajes fotográficos.

Dora Kallmus quería ser fotógrafa desde niña. Criada en una familia aficionada al arte, alcanzar su sueño requirió, sin embargo, de todo su empeño en tiempos en que ver a una mujer detrás de una cámara era una auténtica herejía social. Le tocó, por tanto, derribar barreras.

Madamme d´Ora con su perro Penny en 1925

Es lo que hizo hasta conseguir abrir, con 26 años, el Atelier d’Ora en la Viena de 1907. Pocos meses después el pintor Gustav Klimt cruzó sus puertas, Dora -ya Madame d’Ora- le hizo un retrato, y su estudio se convirtió en gran referencia en la capital imperial. Grandes de la moda, artistas, aristócratas, burgueses, políticos y el propio emperador -en 1916 fotografió la coronación de Carlos I, último emperador de Austria, y retrató a toda la familia imperial- contrataron sus servicios durante dos décadas.

A partir de 1920, cuando las fotografías de moda comenzaron a reemplazar a las ilustraciones en las revistas, su aura y su fama la convirtieron en un mito que dejó especial impronta en sus retratos a mujeres, quienes parecían desinhibirse ante su lente. Quizá seducidas por pensamientos como este, revelado en 1930 a una publicación alemana: «Puedes ponerte cualquier cosa porque eres hermosa, pero cualquier cosa que te pongas desmerecerá ante tu belleza». Su leyenda, en todo caso, se agigantó a partir de 1927, tras trasladar su estudio a París y retratar allí a las grandes divas de la época. Hasta que llegó la guerra. Perseguida por judía, aquello cambió por completo su visión del mundo… y de la fotografía.

nuestras charlas nocturnas.

mayo 17, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Fotografías postmortem en el siglo XIX …

Infobae(C.Peiró) – Susan Sontag tiene toda la razón cuando afirma que desde que se inventaron las cámaras en 1839, la fotografía ha acompañado a la muerte.

Por su naturaleza de capturar lo efímero, de perpetuar un momento único, el arte-técnica de fijar imágenes en placas de distintos materiales ha estado unido a los ritos funerarios.

Somos materia, huesos y piel que se corrompe, que desaparecerá una vez que muramos, por lo que haremos todo lo que esté a nuestro alcance para dejar alguna prueba de nuestro paso por este mundo.

Durante el siglo de los 1800 fue muy usual que las familias que perdían a un ser querido hicieran retratar el cadáver antes de que las huellas de la descomposición se hicieran evidentes.

En la mayor parte de los casos los dolientes colocaban al difunto de manera que aparentara estar vivo, y así tomarle la última de sus fotografías.

Estas placas, que se guardaban como reliquias y se heredaban de generación en generación, provocan diferentes sentimientos: patetismo, compasión, repulsión, lástima, incluso miedo.

Son un intento desesperado de preservar una parte del finado y, más aún, de negar la condición del fallecido. No está muerto, únicamente dormido.

Recuérdame como era.

Desde los inicios de la humanidad el ser humano siempre ha buscado la manera de negar su condición efímera y, al mismo tiempo, de eternizarse.

Desde los faraones egipcios que se hacían cubrir con sarcófagos que representaban su rostro en vida, hasta los mayas y sus máscaras policromas de jade, todos hemos querido perpetuar nuestra imagen más allá de nuestra propia muerte.

Durante el Renacimiento, y hasta bien entrado el siglo XX, era frecuente que a la persona que acababa de fallecer se le hiciera una mascarilla de yeso que capturara su última expresión.

Muchas veces estas imágenes se colocaban en la tumba del finado, sobre su lápida, para identificar el lugar de su último reposo.

Sin embargo, cuando el muertito era ilustre, estas impresiones se guardaban como reliquias patrias, en el Palacio Nacional de la Ciudad de México está exhibida la máscara mortuoria de Benito Juárez, para no ir más lejos.

Las máscaras mortuorias tenían la característica de ser fieles. Al tomarse directamente del rostro del cadáver representaban los rasgos del recién fallecido de manera puntual y milimétrica.

Sin embargo, también mostraban los pómulos salientes, los ojos hundidos, las quijadas tiesas, las heridas del rostro si las había; no ocultaban los rastros innegables de la muerte. No había engaño posible en ellas.

Fotografías post mortem

La fotografía nace gracias al afortunado matrimonio entre la óptica y la química. En los inicios del siglo XIX, Nicéphore Niepce combinó la cámara oscura, artilugio capaz de proyectar una imagen invertida en una de sus paredes interiores, con las propiedades fotosensibles de las sales de plata.

El resultado fue una impresión, en negativo, de lo que el orificio de la cámara proyectaba. El mismo Nicéphore obtuvo en 1926 lo que se considera la primera fotografía de la historia: una imagen del patio de su casa.

Hay que subrayar que estas primeras imágenes requerían de un largo tiempo para fijarse en la placa empapada con emulsión de sales de plata.

La técnica de Nicéphore, llamada calotipo, tardaba hasta ocho horas de exposición para dar una imagen relativamente clara. Los modelos que utilizó el científico para sus experimentos fueron objetos fijos y paisajes.

Para que un modelo humano pudiera ser retratado, con estos problemas técnicos, debía estar lo suficientemente quieto. Quieto como un muerto.

Otro sabio llamado Louis Daguerre desarrolló su propia técnica conocida como Dagerrotipo, en la que utilizaba placas de metal (cobre o estaño) cubiertas con nitrato de plata.

La técnica del francés tardaba alrededor de 15 minutos en fijar la imagen, lo que representaba una enorme ventaja sobre el calotipo.

Una joven fallecida, retratada junto con sus padres. La larga exposición que exigía el daguerrotipo hace que los vivos aparezcan más borrosos que ella

La técnica de Daguerre tuvo un éxito inmediato entre las familias burguesas enriquecidas por la Revolución Industrial, las cuales eran afectas a las pinturas familiares.

Todos querían una impresión en donde salieran los primos y el abuelo durante los bautizos, las navidades, los cumpleaños y… los sepelios.

Las pinturas mortuorias, que representaban a los parientes recién fallecidos, usuales desde el siglo XVII, fueron sustituidas por los daguerrotipos postmostem, tal y como lo muestra el texto de este anuncio de un periódico peruano que data de 1846;

«...Las familias que tengan la desgracia de perder algún deudo de quien deseen poseer un momento de esta naturaleza pueden lograrlo por medio de un daguerrotipo, para cuyo efecto el profesor Furnier ofrece ejecutar el retrato en el mismo aposento mortuorio; como es costumbre en Europa hoy en día…»

Las técnicas de impresión fotográfica requerían, durante la primera mitad del siglo XIX, de un equipo grande y pesado que limitaban su movilidad. Se requirió que se perfeccionaran las técnicas y de que las cámaras se redujeran, para que se pudiera dar esa otra gran manifestación de las imágenes mortuorias: la fotografía de guerra.

Las primeras imágenes bélicas se tomaron durante la guerra entre México y Estados Unidos (1846-1848). De tal conflagración, se conservan algunas placas de los soldados invasores y de algunas escenas del campo de batalla.

Debido a los dilatados tiempos de exposición que se requerían, esas primeras imágenes bélicas aparecen confusas, difuminadas; sólo una superposición de bayonetas caladas y rostros ennegrecidos.

Pero se puede entender esta peculiar costumbre, que tuvo su auge en la época victoriana y se practicó hasta comienzos del siglo XX, haciendo un poco de historia.

No sería sino hasta la guerra de Crimea [1855], cuando la técnica mejoró lo suficiente como para que el fotógrafo Roger Felton sacara impresiones claras de soldados vivos y, en menor medida, de muertos o heridos en acción.

Fue hasta la guerra de secesión estadounidense [1860-1865], en donde se pudieron ver claramente las primeras imágenes de cadáveres despedazados por los cañones y las balas.

Gracias a Mathew Brady, fotógrafo norteamericano financiado por empresas privadas, se pudo ver, por primera vez, fijado en nitratos de plata, todo el horror de un campo de batalla.

Se puede afirmar que la fotografía postmortem se encuentra en el extremo opuesto a la fotografía de guerra. Sontag expone en ANTE EL DOLOR… que un fotograma de guerra es más válido conforme más espontáneo parezca.

Al ser una imagen bélica un testimonio de los hechos, su verosimilitud depende del grado en que parezca haber sido montada o no.

Sleeping Beauty

La fotografía postmortem, por el contrario, se basaba en el montaje de una escena.

El cuerpo del recién finado se vestía, se recostaba en un sillón o en una cama; a veces, se le sentaba en una silla.

Se le cerraban los ojos y se le acomodaban los brazos en actitud durmiente.

Algunas ocasiones, algunos de los deudos posaban junto al cadáver; incluso se llegaba al extremo de abrir los ojos del finado y pegarle los párpados.

El propósito de la imagen era engañar. El muerto no estaba muerto, sólo dormido o distraído. Hay algunas de una muy oscura poesía. Fotografías de hermosas muchachas recién muertas que aparentan estarse echando una pestañita. A estas imágenes se les llamaba, no sin cierto patetismo. SLEEPING BEAUTY.

Por el contrario, había otro tipo de placas -las menos frecuentes, hay que apuntar, en donde no se tiene la intención de ocultar el estado cadavérico del retratado. En este tipo de imágenes, conocidas como Mourning Pictures, hay incluso un deseo casi morboso [si se permite la expresión], por exhibir el sufrimiento de los deudos. No lloro cuando te veo sino cuando me enfoca la cámara.

En el siglo XIX al fotógrafo inspirado se le podían ocurrir infinidad de maneras de lograr que el recién fallecido pareciera rebosante de vida. Había quien maquillaba al cadáver para ocultar los signos de putrefacción -algo que no siempre se lograba-, había otros que llegaban a inyectarle glicerina a los ojos del difunto para agregarle brillo a su mirada; algunos llegaban al extremo de colocar soportes por detrás del cuerpo para hacerlo aparecer erguido, sin rastro alguno del paso de la guadaña.

Lo cierto es que, a pesar de tales mañas, el muerto seguía muerto. La mirada del cadáver seguía dislocada, errabunda. Sus ojos miraban sin ver y lo descubrían.

Por eso muchos fotógrafos preferían manipular la placa luego de tomarla: coloreaban las mejillas del retratado, le pintaban los ojos abiertos, le retocaban las incipientes manchas cadavéricas.

El problema con estas técnicas era que en ocasiones daban como resultado imágenes de pesadilla.

La fotografía postmortem también se utilizó en su momento como prueba -o souvenir- del deceso.

En aquella época, en la que una carta podía tardar meses en llegar a su destino, la fotografía de algún difunto ilustre se utilizaba para demostrar su baja permanente del padrón de los vivos.

Así ocurrió, con los célebres criminales Jesse James [en Estados Unidos], Heraclio Bernal [En Sinaloa, México], y con el malogrado emperador Maximiliano de Habsburgo, fusilado en 1865.

Los memento mori del siglo XIX [ya sea daguerrotipos o imágenes fotográficas sobre papel], casi siempre muestran a niños o jóvenes, muy pocos a adultos, casi ninguno a ancianos.

Las imágenes representan al bebé que duerme en el carrito que sólo usará esa vez; a los niños que se recuestan en el regazo de la madre; a la jovencita que dormita esperando el beso del príncipe azul.

La fotografía postmortem es, asimismo, un reclamo y un desafío ante la muerte por llevarse a los hijos, sobrinos, primos; a la prometida, la hermana, la nieta. Las imágenes niegan en su construcción el hecho de que los retratados, muchos ellos en la flor de la vida, hayan fallecido.

Incluso puede haber interpretaciones más metafísicas para estos perturbadores fotogramas. En toda Latinoamérica, territorio en donde el memento mori fue muy popular, está muy extendida la creencia de los angelitos.

Un niño bautizado que fallecía antes de los cuatro años tenía visa automática al cielo. Los dolientes muy probablemente guardaban las imágenes de su infante difunto con la misma devoción con la que atesoraban las imágenes de Santa Rosa de Lima o del Santo Niño de Atocha.

El bebé muerto se convertía de inmediato en un ángel protector de la familia que lo vio partir. Los sepelios de los angelitos casi siempre devenían en escandalosas fiestas en donde se bebía, se bailaba y se reía.

Eran motivo de alegría, no de duelo: se celebraba tener una palanca en la corte celestial.

Desde el siglo antepasado hasta nuestros días la tecnología ha evolucionado a niveles impensables para aquellas épocas.

Hoy es posible sacar una fotografía con un teléfono celular y mandarla de inmediato a Internet para que la vea alguien en el otro lado del mundo.

Sin embargo, nuestro idilio con la muerte, mezcla de miedo, repulsión y atracción no ha cambiado. Durante el siglo XIX las personas convivían mucho más de cerca con la muerte.

Los niños eran retratados junto a sus hermanos muertos sin siquiera inmutarse o llorar; las madres cargaban los cadáveres de sus hijos mientras sonreían.

Era natural, pues debido a las epidemias, a la falta de antibióticos y a las guerras, la Señora Muerte era una invitada habitual en los hogares decimonónicos

Hasta el miembro más pequeño de cualquier familia podía preciarse de haber visto, por lo menos una vez, algún muerto en vías de ser enterrado.

Por el contrario, en nuestra época, la costumbre de las fotos postmortem casi ha desaparecido.

A nadie le atrae ya tomarle una foto a la abuelita que descansa en una caja.

Ahora negamos la muerte propia [o cercana], pero seguimos viendo, con horror y deleite la muerte del otro.

Ahí están, por ejemplo, las fotos -y videos-, postmortem de Juan Pablo II, las tomas de cadáver de Diana de Gales, o las infames tomas de los soldados de Abu Ghraib, para dar fe de nuestra morbosa mirada.

La mayoría de los retratados son niños. Fallecidos a muy corta edad, son fotografiados en sus cunas o en el regazo de sus madres, en ocasiones incluso flanqueados por sus hermanitos supervivientes.

Hay muertos que «posan» con los ojos abiertos y bien maquillados, al punto que a veces cuesta descubrir quién es el vivo de la fotografía.

La costumbre resulta hoy tenebrosa, pero contextualizada tiene su sentido y hasta su lógica.

Es natural que desde nuestro presente parezca chocante retratar cadáveres como si fuesen personas vivientes, en tiempos en que nadie retrata a los muertos, salvo la policía o la prensa amarilla, y en que publicar fotos de difuntos es visto como una profanación.

Pero se puede entender esta peculiar costumbre, que tuvo su auge en la época victoriana y se practicó hasta comienzos del siglo XX, haciendo un poco de historia.

Recordemos que Domingo Faustino Sarmiento, presidente de Argentina de 1868 a 1874,  fue fotografiado post mortem, en 1888, sentado en una poltrona, como si estuviese dormido.

Domingo Faustino Sarmiento, a pocas horas de su muerte, en septiembre de 1888, en Asunción

Quien haya creído que esto era una excentricidad más del sanjuanino, debe desengañarse. Sarmiento murió en pleno auge de la foto funeraria y este cliché que le tomaron a pocas horas de su muerte era algo bastante frecuente.

Pero cabe remontarse unas décadas atrás, a los años 30 del siglo XIX.

Antes de la aparición del daguerrotipo, antecedente inmediato de la fotografía, retratarse era cosa de ricos: había que contratar a un artista para que pintara un cuadro y no existían garantías de que el resultado se pareciera realmente al modelo.

Con suerte, los poderosos, por cuna o por fortuna, podían aspirar a posar al menos una vez en la vida frente a un artista para inmortalizar su imagen.

Invento de L.Daguerre.

El invento de Louis Daguerre, presentado al público en París en el año 1839, lo cambió todo. Permitió a familias de menores recursos conservar un recuerdo de su ser querido fallecido que no había tenido la ocasión de posar en el taller de un artista.

El invento de Louis Daguerre permitió sumar un elemento más a las ceremonias fúnebres. El daguerrotipo, mucho más real incluso que un retrato pintado, representaba un vívido recuerdo para los deudos y ayudaba a pasar el duelo.

El retrato se abarató y se democratizó. El daguerrotipo permitió a muchas familias inmortalizar el rostro del ser querido fallecido.

A poco de lanzado este invento, los estudios de fotografía ofrecían sus servicios a domicilio para inmortalizar a la persona fallecida. Las más frecuentes eran las fotografías de bebés y niños de corta edad, en un tiempo en que la mortandad infantil era muy elevada.

Ello explica la gran cantidad de retratos de pequeños fallecidos «posando» junto a sus hermanitos supervivientes.

El artificio de disimular la palidez cadavérica y presentarlos «vivos» era una revancha sobre la muerte. El fin no era retratar un cadáver sino inmortalizar la imagen del familiar fallecido tal como era en vida, para conservar un recuerdo imperecedero.

Maquillaje, escenografía, artificios, poses, accesorios… todo se ponía al servicio de la fotografía funeraria para que el montaje resultase lo más realista posible.

Se usaban incluso arneses para fijar el cuerpo a una pose «natural».

El dato curioso de estos daguerrotipos es que con frecuencia el muerto sale más nítido que los vivos. El estado de la técnica en esos comienzos de la fotografía exigía una larga exposición frente a la lente y varios minutos de inmovilidad de la persona que posaba.

Y, macabra ironía, en esto el muerto corría con ventaja.

Por lo general, estos daguerrotipos presentaban al difunto acompañado de miembros de su familia y en una escena normal de la vida cotidiana: sentado a la mesa, jugando  con sus hermanitos (en caso de ser el muerto un niño), descansando en el regazo de la madre.

Un toque de rubor en las mejillas de la niña fallecida

En ciertos casos, no resulta fácil distinguirlo en medio de los vivos.

A los bebés en cambio se los solía retratar con los ojos cerrados.

Los hermanitos de la niña fallecida no pudieron mantenerse inmóviles el tiempo necesario y están borrosos en la fotografía

Estas fotos funerarias irán desapareciendo a medida que se difundan las máquinas de fotos y el revelado instantáneo, que van a permitir retratar a los niños desde el primer momento de vida.

Pero durante un largo medio siglo, la foto post mortem tuvo una gran vigencia.

En la actualidad, las familias tienen fotos y videos de sus seres queridos desde el primer día de vida, e incluso previamente, a través de la ecografía. Para estas familias decimonónicas, golpeadas por la muerte prematura y demasiado frecuente de sus hijos, sólo quedaba apelar al retrato post-mortem y eso explica el montaje de estos cuadros «vivos»: se buscaba conservar una imagen lo más fidedigna posible de la persona tal como era en vida, ya que no se poseía ningún otro retrato.

Para estas puestas en escena, no sólo se apelaba al maquillaje y a la ropa; también se usaban aparatos para sostener el cuerpo en la posición elegida o para mantener los ojos abiertos. El decorado se completaba con los objetos preferidos del difunto.

A veces, simplemente se buscaba dar la sensación de que la persona estaba sumida en un sueño profundo.

Curiosamente, la costumbre de fotografiar al muerto en el ataúd fue algo posterior.

Estas fotografías funerarias son en definitiva un indicio de una actitud frente a la muerte diferente a la que se tiene hoy. Por un lado, la muerte infantil era algo casi acostumbrado; difícilmente una familia evitaba ese trance.

A partir de mediados del siglo XX, la fotografía post mortem pasó a ser resorte casi exclusivo de la ciencia en general y en especial de la medicina y de policía forense. Esto último ha llevado a asociarla al crimen y a convertirla en algo de ribetes siniestros.

Poco a poco, difundir imágenes de un muerto se ha convertido en una práctica condenable. El respeto a los despojos de los muertos es incluso objeto de normativa en algunos códigos: deben ser tratados con respeto y dignidad. Hoy, fotografiarlos es contrario a ese espíritu.

El muerto “posa” en el estudio fotográfico. Se ve el aparato que le sostiene la cabeza

mayo 16, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Hace 40 años baleó a Juan Pablo II, hoy alimenta perros callejeros en Estambul: la misteriosa vida de Ali Agca …

Juan Pablo II instantes después de ser baleado por el turco Mehmet Ali Agca el 13 de mayo de 1981

Infobae(A.Amato) —  Mehmet Alí Agca, quién diría, está bien y vive en Turquía.

Hace hoy cuarenta años, y en la Plaza San Pedro del Vaticano, le disparó a Dios e hirió de gravedad al papa Juan Pablo II en el abdomen, la mano y el brazo.

A partir de ese instante, su vida, su pensamiento, sus intenciones, sus ideas, sus designios y su mente, en general, fueron un enigma. Y quién lo armó, lo instruyó, lo guio, lo financió, lo convenció para que le disparara a Dios y, probablemente, para que luego se matara, quién fue en suma, quién ocupó en su cerebro el amplio blanco que había en él, es otro enigma.

La sangre del Papa tiñó las blancas vestiduras del vicario de Cristo y el Vaticano perdió su santidad, esa plaza histórica que imaginó Michelángelo como un gran abrazo de la Iglesia a la Humanidad, perdió su condición de sacralidad, no rozada por la guerra o la violencia, y el mundo se hizo más vulnerable.

Si pueden con el Papa, pueden con cualquier cosa. Esa fue la gran victoria del terrorismo en aquella tarde primaveral y soleada de Roma.

Mehmet Ali Agca tenía 23 años cuando disparó cuatro veces conta el papa Juan Pablo II

Juan Pablo II era un hombre sano y fuerte. Cuando recibió los balazos de Agca, le faltaban cinco días para cumplir 61 años.

Lo llevaron de urgencia al Policlínico Gemelli de Roma, donde los médicos le salvaron la vida después de una operación que duró cinco horas y media, mientras caía la noche en la ciudad y San Pedro, a oscuras, se convertía en un solo rezo, en un murmullo leve pero gigantesco que duró hasta la salida del sol.

Era un espectáculo estremecedor.

El Papa que peleaba por su vida, había llegado a ser el heredero de Pedro en 1978, después de la súbita, y sospechosa, muerte de Juan Pablo I, el cardenal Albino Luciani, que murió en soledad en las habitaciones papales a los 33 días de su breve reinado, encaminado a enderezar las escandalosas finanzas vaticanas y las no menos escandalosas relaciones de parte de la cúpula de la Iglesia católica con la logia masónica Propaganda Due, y con los oscuros intereses financieros del Banco Ambrosiano, que se derrumbaría al año siguiente del atentado de Agca.

Agca disparó su Browning nueve milímetros cuando el auto del Papa pasó frente a él; empuñó el arma con la mano derecha, la alzó sobre las cabezas de la gente y disparó cuatro veces, hasta que la Browning, que había comprado en Viena por doce mil euros, se atascó

Pero el joven turco, que tenía 23 años en el momento de apretar el gatillo, no le disparó al escándalo, sino a uno de los hombres más populares del mundo en aquellos tempranos años 80. Cuando el cardenal polaco Karol Wojtyla llegó a la Santa Sede para elegir al sucesor de Juan Pablo I, no imaginaba salir de la fantástica Capilla Sixtina, otra genialidad de Michelángelo, convertido en el primer Papa no italiano en más de cuatro siglos.

Entendió de inmediato cuál era su misión: tenía que ser un sacerdote no italiano el que arreglara, o intentara arreglar, las finanzas vaticanas. Era un tipo de una especial energía, y seguro que fue esa energía, entre otras cosas, la que lo llevó a ser hoy un santo de los altares.

Trece meses después de los balazos de Agca, Juan Pablo visitó la Argentina en los días finales de la Guerra de Malvinas. No había en él secuelas visibles de las heridas, y entró al Salón Blanco de la Casa de Gobierno para saludar a los dictadores de turno, Leopoldo Galtieri, Jorge Anaya y Basilio Lami Dozo, con paso firme y seguro.

No calzaba las sandalias del pescador, sino unos pesados botines negros que resonaron como un tambor en el parqué lustrado del salón.

Juan Pablo II era un hombre sano y fuerte. Cuando recibió los balazos de Agca, le faltaban cinco días para cumplir 61 años. Lo llevaron de urgencia al Policlínico Gemelli de Roma, donde los médicos le salvaron la vida después de una operación que duró cinco horas y media

Si Agca le pudo disparar al Papa bajo el cielo azul y al aire libre, fue porque la popularidad de Juan Pablo habían convertido las audiencias públicas de los miércoles en un show gigantesco: el aula Nervi, enorme y amplísima, escenario tradicional de las audiencias papales, había quedado chica y baldía ante el fervor popular.

Ahora el Papa viajaba en un auto abierto que daba una enorme vuelta desde la izquierda de la Basílica de San Pedro, rodeaba el obelisco egipcio que había engalanado el circo del emperador Calígula y que, en 1586, el Papa Sixto V había ordenado emplazar en el Vaticano para celebrar el triunfo de la Iglesia ante el paganismo, y regresaba a San Pedro por la derecha mientras pasaba por el Centro del Colonnato y el Papa repartía bendiciones y escuchaba aplausos y vivas fragorosos.

En ese último giro lo acechó Agca.

Había llegado a Roma en tren, desde Milán. Y antes había estado en Londres donde, dijo luego a la policía, se había echado una novia llamada Edith: “Yo ya sabía que le iba a disparar al Papa, pero no se lo dije a mi novia. No hubiera sido justo para ella.

Yo tenía un pasaporte falso y ella me conoció como Farouk. Trabajaba en una gran tienda de Londres, como Harrods, pero no recuerdo cual. Era seis o siete años mayor que yo”.

Como todo lo que dijo Agca, y aun lo que dice hoy, el testimonio está teñido por la sospecha: el tipo miente como un desorejado.

Agca le disparó a Juan Pablo II en el abdomen, la mano y el brazo

En Roma lo esperaban tres cómplices, un turco y dos búlgaros que seguían instrucciones de un mafioso llamado Bekir Celenk.

El plan era simple: los tres tenían que disparar contra el Papa en la plaza San Pedro, estallar un pequeño artefacto para crear más confusión y escapar a la embajada de Bulgaria.

Pero sólo Agca disparó su Browning nueve milímetros cuando el auto del Papa pasó frente a él; empuñó el arma con la mano derecha, la alzó sobre las cabezas de la gente y disparó cuatro veces, hasta que la Browning, que había comprado en Viena por doce mil euros, se atascó.

No pudo escapar: lo detuvo la multitud y el jefe de seguridad del Vaticano, Camillo Cibin. En uno de los bolsillos de sus pantalones le encontraron una nota que decía: “Yo, Agca, he matado al Papa para que el mundo pueda saber que hay miles de víctimas del imperialismo”.

Era un mensaje pueril, un poco tonto, disparatado y destinado a que, quienes lo leyeran, pensaran que el ataque provenía de una organización de izquierda, o de un país comunista. En esos años, Juan Pablo II era la tercera pata del triángulo que la llamada “revolución conservadora” lanzada por el entonces presidente de Estados Unidos, Ronald Reagan, a quien habían baleado en marzo, y que seguía al pie de la letra la primer ministro británica Margaret Thatcher: ambos iban de choque contra el comunismo.

Juan Pablo les daba su apoyo sin disimulos y, de paso, apuntalaba al líder obrero polaco Lech Walesa, en su lucha contra el régimen implantado por Moscú en su país.

Agca quiso escapar, pero lo detuvo la multitud y el jefe de seguridad del Vaticano, Camillo Cibin. En uno de los bolsillos de sus pantalones le encontraron una nota que decía: “Yo, Agca, he matado al Papa para que el mundo pueda saber que hay miles de víctimas del imperialismo”

Lo que se supo enseguida sobre los antecedentes del criminal, fue una sorpresa: había estado vinculado sí, años atrás, a una agrupación de izquierda, pero había recalado finalmente en los “Lobos Grises”, una agrupación juvenil de las juventudes del Partido de Acción Nacionalista de Turquía, xenófobo y racista, con unos cuantos muertos en sus espaldas, que predicaban la superioridad de la raza turca y negaban el genocidio contra los armenios.

La cara de permanente alelado de Agca, su mutismo fanático, su dureza impostada y sus mensajes de supuesta entidad religiosa lo hacían aparecer más cercano a esos títeres que los servicios de inteligencia manipulan a su antojo, que a un cruzado comunista dispuesto a hacer justicia por mano propia. Así era Agca.

Pero, ¿quién era Agca? Había nacido el 9 de enero de 1958 en Hekimhan, un barrio pobre de la provincia de Malatya. Estudió a tropezones y se destacó más en la dudosa erudición de las pandillas callejeras y en algunos robos menores, hasta que su familia mudó a Estambul. Estudió, por un lapso breve, historia, idiomas y economía en las universidades de Estambul y Ankara, pero el estudiante sucumbió al dinero venturoso del tráfico de armas entre Turquía y Bulgaria, dos países con fronteras comunes pero que jugaban en bandos contrarios el duro ajedrez de la Guerra Fría: Turquía en la OTAN y Bulgaria en el Pacto de Varsovia.

Negocios son negocios.

Agca fue condenado por la justicia italiana a cadena perpetua, más la pena especial de aislamiento, en julio de 1981. Dos años más tarde, Juan Pablo lo visitó en la cárcel romana de Rabibbia para otorgarle su perdón

Según Agca, recibió entrenamiento militar y los rudimentos de las tácticas terroristas en Siria, de manos del izquierdista Frente Popular de Liberación de Palestina, un viaje y un curso de entrenamiento que las versiones hicieron pagar a Bulgaria: nunca se comprobó nada.

Fue después de Siria que Agca se metió en el grupo paramilitar de derecha Lobos Grises, a quien le adjudicaron aceptar financiamiento de la CIA que, en esos años, también financiaba y entrenaba a los talibanes afganos que luchaban contra la invasión soviética.

El 1 de febrero de 1979, Agca asesinó en Estambul, y por orden de los Lobos Grises, a Abdi Ipecki, editor del importante periódico izquierdista Milliyet.

Fue delatado, capturado, juzgado y condenado a cadena perpetua. Pero a los seis meses de estar en la cárcel se fugó con la ayuda del número dos de los Lobos, Abdullah Catli. Y probablemente con la ayuda de gente más importante.

Su rastro se pierde hasta el miércoles 13 de mayo de 1981, cuando alzó su Browning a pocos metros de Juan Pablo II, aunque es probable que, con diferentes pasaportes, haya deambulado por la República Federal de Alemania, Suiza, Túnez, España, Italia y Gran Bretaña.

¿Con qué dinero? Nadie lo sabe. ¿En cuál bando jugaba Agca? ¿En la izquierda, en los facciosos Lobos Grises, en el servicio de inteligencia turco, en el búlgaro? ¿Obedecía a los soviéticos?

El 27 de diciembre de 1983, con sus vestiduras blancas, como el día del atentado, Juan Pablo habló veintidós minutos con Agca, que vestía un suéter azul. Nadie sabe en cuál idioma hablaron ni qué se dijeron

Agca fue condenado por la justicia italiana a cadena perpetua, más la pena especial de aislamiento, en julio de 1981. Dos años más tarde, Juan Pablo lo visitó en la cárcel romana de Rabibbia para otorgarle su perdón.

Lo había hecho en varias ocasiones: “Rezo por el hermano que me disparó, a quien he perdonado sinceramente”, dijo más de una vez. Pero el 27 de diciembre de 1983 quiso hacerlo en persona. Con sus vestiduras blancas, como el día del atentado, Juan Pablo habló veintidós minutos con Agca, que vestía un suéter azul.

Nadie sabe en cuál idioma hablaron ni qué se dijeron. Agca reveló no hace muchos años al Daily Mail: “Hay algunas cosas de las que no puedo hablar. Fue todo muy especial y hablamos de cosas que nunca he dicho”.

Agca siempre escondió todo acerca del atentado, sembró pistas falsas o recurrió al enigma, a lo críptico, que se le da muy bien: “Fui el instrumento inconsciente de un plan misterioso”, dijo alguna vez, como si significara algo más que lo que oculta. Es probable, sin embargo, que le haya dicho al Papa en aquella ocasión, que la idea de matarlo había nacido en la URSS: “Fueron ellos quienes planearon el asesinato.

Lo querían muerto”, admitió alguna vez. Pero años después dijo que la trama del ataque había sido urdida en el mismo Vaticano y que el cardenal Agostino Casaroli, secretario de Estado de Juan Pablo, había sido el cerebro del atentado.

Agca durante el juicio en Roma por el atentado al Papa: fue condenado a perpetua, pero leugo fue indultado e extraditado a Turquía

El Papa perdonó a Agca, a modo de consuelo espiritual: el turco siguió en prisión hasta que, en 1989 y merced a su buena conducta, la justicia italiana le redujo parte de la pena. En 2000 el presidente italiano Carlo Ciampi lo indultó y, de inmediato, el ministro de Justicia, Piero Fassino, lo extraditó a Turquía, donde a Agca le esperaba la cárcel por el asesinato de Ipecki y por el asalto a un par de bancos. Libre, pero ni un minuto más en Italia, Mehmet.

Agca fue a parar a una cárcel turca, condenado a otros treinta y seis años de cárcel. El 2 de abril de 2005 Juan Pablo II murió en el Vaticano y Agca reveló algo más sobre sus enigmáticos sentimientos. Dijo que para él había sido un alivio que el Papa no hubiese muerto víctima de su atentado, al que se refirió como algo diseñado por el destino. El lobo, gris o de cualquier color, tornaba a ser cordero.

Años después agregaría: “Fue el destino el que hizo posible que sobreviviera. Se convirtió en un hermano para mí y cuando murió sentí que mi hermano, o mi mejor amigo, había muerto.” De las motivaciones, financiamiento, instrucciones y cerebros detrás del atentado, ni una palabra.

También dijo que en la famosa entrevista que mantuvo en la cárcel con Juan Pablo, “el Papa sabía perfectamente que el Vaticano estaba detrás del atentado”.

Su afirmación tuvo dos desmentidas. En 2013 el vocero vaticano Federico Lombardi dijo que Agca había reinventado la entrevista con Juan Pablo.

Dos años antes, el entonces vocero, Joaquín Navarro Valls, dijo que Agca no había expresado el menor arrepentimiento ante Juan Pablo II y que estaba “obsesionado con lo que leía en los diarios.

Sólo le preguntó por el tercer secreto de la Virgen de Fátima”.

Ali Agca y una vieja tapa de la revista Time con la foto de aquella entrevista con el Papa en la cárcel y una pregunta impresa para la que el turco no tenía respuesta: “¿Por qué perdonar?”

El 12 de enero de 2006 Agca fue liberado en Turquía: hacía tres días que había cumplido 48 años y había pasado 25 en prisión.

Salió de la cárcel con el pelo blanco, sus típicos suéteres ceñidos y una vieja tapa de la revista Time con la foto de aquella entrevista con el Papa en la cárcel y una pregunta impresa para la que Agca no tenía respuesta: “¿Por qué perdonar?”.

Fue examinado por el ejército turco para que cumpliera con el servicio militar obligatorio que su vida errante había eludido.

Lo consideraron “mentalmente inestable” y no lo incorporaron. En noviembre de ese año envió un mensaje al Papa Benedicto XVI, que iba a visitar Turquía a finales de ese mes: “No venga a Turquía. Su vida corre peligro. Le matarán.

Como hombre que conoce estas cosas, le digo que su vida está en peligro, no venga a Turquía”. Benedicto visitó ese país sin incidentes.

La libertad le duró poco. La Corte Suprema de Justicia la revocó porque consideró que los años de cárcel pasados en Italia, no eran acumulables a la prisión dictada en Turquía, como pretendían sus abogados.

Agca cumplió condena en la prisión de Kartal hasta su liberación definitiva, en enero de 2010. Entonces difundió una carta extraña en la que decía: “Yo soy el eterno Mesías, declaro el mensaje divino de Dios.

En el nombre de Alá, Dios es uno, eterno y único. Dios es total. La Trinidad no existe. El Espíritu Santo no es sino un ángel creado por Dios. Declaro que el fin del mundo está por llegar. Todo el mundo desaparecerá al final de este siglo. Todos los seres humanos morirán antes de que termine el siglo, la Biblia está llena de errores, yo escribiré una Biblia perfecta”.

Las referencias a Alá y a la Biblia sugieren o bien cierta confusión conceptual o algún tipo de desorden espiritual. En todo caso, desmienten la conversión al cristianismo que Agca anunció cuando estaba preso en Turquía y aun cuando una prisión turca sea el ámbito adecuado para convertirse en lo que dé lugar.

En 2014 viajó a Italia, clandestino. Y estuvo en el Vaticano. Compró dos ramos de rosas blancas y el 27 de diciembre, aniversario treinta y uno de su entrevista en la cárcel con Juan Pablo II, pasó por el sitio donde le había disparado, se hizo fotografiar con dos lagrimitas falsas, y fue a dejar las rosas en la tumba del Papa

Ya libre, en 2014 hizo una nueva revelación en una autobiografía titulada: Me prometieron el paraíso. Mi vida y la verdad sobre el atentado contra el Papa.

Allí dijo que sólo había cumplido órdenes del Ayatola Khomeini que veía a Juan Pablo II como “el portavoz del diablo en la Tierra”.

Dijo Agca que Khomeini le dijo: “Mata por Alá, mata al anticristo. Mata sin piedad a Juan Pablo II y después quítate la vida para que la tentación de la traición no te ofusque”.

Era una nueva versión de Agca sobre el atentado: ninguna aclaró nunca nada y la idea del suicidio para evitar ofuscadas tentaciones, no parece haber pasado siquiera cerca de su cabeza

A fines de ese año 2014, el de su autobiografía, Agca desarrolló una intensa actividad.

Primero, pidió al Vaticano encontrarse con el Papa Francisco cuando visitara Turquía, entre el 28 y el 30 de ese mes.

Por la razón que fuere, la Santa Sede rechazó el pedido y Agca dijo que no había recibido ninguna respuesta: el tipo no entiende el elocuente idioma del silencio.

Luego, en diciembre, recuperó su andar de lobo y viajó a Italia, clandestino. Y además, estuvo en el Vaticano.

Compró dos ramos de rosas blancas y el 27 de diciembre, aniversario treinta y uno de su entrevista en la cárcel con Juan Pablo II, pasó por el sitio donde le había disparado, se hizo fotografiar con dos lagrimitas falsas, enfundado en un abrigo corto, oscuro como la noche, y fue a dejar las rosas en la tumba del Papa. “Algunas personas me reconocieron –dijo luego– Pero no hubo problemas. La policía fue muy amable conmigo”. Y con esa amabilidad, lo pusieron de patitas en la frontera.

“Me siento como el pontífice de los animales callejeros de Estambul”, dijo Agca cuando fue hallado por periodistas del Daily Mail el año pasado en Estambul

El diario británico Daily Mail lo encontró en 2020 en un tranquilo barrio de los suburbios de Estambul, rodeado de vecinos que lo describen como un tipo amable que alimenta a diario a perros y gatos de la calle. Agca dijo: “Me siento como el pontífice de los animales callejeros de Estambul”, lo que más que una declaración de principios, es una admisión de esquizofrenia.

Si hay que creer en su candor, Agca le dijo al Mail: “Ahora soy un hombre bueno. Intento vivir mi vida de manera correcta.

Cuando le disparé al Papa tenía 23 años. Era joven, ignorante. Recuerdo lo racional que me sentí. Disparé hasta que el arma se atascó”. Pero fue enemigo de hablar cómo se armó el plan para matar al Papa. Y quién lo hizo.

Mehmet Ali Agca, el hombre que le disparó a Dios, tiene 63 años y el plan de ser, acaso de por vida, el buen vecino del barrio tranquilo de Estambul que alimenta perros y gatitos. Guarda mil secretos valiosos.

Se los va a llevar a la tumba.

nuestras charlas nocturnas.

mayo 16, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario