Giacomo Casanova, un hombre enamorado de su mito …

Amante, aventurero, diplomático, escritor y espía -entre otras muchas facetas-, Giacomo Girolamo Casanova parece un personaje sacado de una novela. Y lo cierto es que vivió como si lo fuera, aunque fue una persona de carne y hueso y es digna de estudio la pregunta de cuánto hay de real y cuánto de fantasioso en sus memorias.

Casanova aspiró durante toda su vida a dejar su nombre en la historia y al final lo logró, aunque no de la manera que habría deseado: sus obras de éxito fueron precisamente las autobiográficas, mientras que la mayoría de su copiosa producción -que incluía desde traducciones de clásicos como la Ilíada hasta tratados de muy variados temas- fue recibida sin demasiado entusiasmo.

Fue un hombre que se enamoró de su propio mito, que había creado para hacerse un lugar en el mundo, hasta terminar sometido a él.

Juventud impetuosa

Giacomo Casanova nació el 2 de abril de 1725 en Venecia, en el seno de una familia bienestante pero no perteneciente a la nobleza.

El sentirse excluido de la esfera más alta de la sociedad por razón de nacimiento fue siempre un gran peso para él, tanto que llegó a afirmar ser fruto de una aventura que había tenido su madre con un miembro de los Grimani, una de las familias más importantes de la aristocracia veneciana.

Aunque nunca pudo probar esta afirmación, parece que no estaba falta de fundamento puesto que, al quedarse huérfano de padre, los Grimani le ofrecieron su protección.

Placa en la calle Malipiero (antigua calle della Commedia) en la que nació Casanova.

Tras cursar estudios de derecho en Padua empezó a trabajar al servicio de abogados y diplomáticos, lo que le ofrecía una oportunidad de viajar por toda Europa.

En esos viajes empezó a cultivar la fama de libertino que le acompañaría toda la vida, demostrando a menudo que le interesaban más las mujeres que los asuntos que le habían traído al lugar y protagonizando escándalos de cierta magnitud: tuvo amoríos con mujeres casadas, se enamoró de una cantante que se hacía pasar por castrato para ganarse la vida y dio cobijo en la residencia de un cardenal a una chica que se había fugado de casa, por citar algunas de sus aventuras más célebres.

El problema de Casanova no eran tanto estos hechos cuanto el hecho de no llevarlos con discreción; en otras palabras, exhibir una conducta considerada sumamente indecente y que podía incitar a otros a imitarle.

Esto le valió muchos enemigos y denuncias anónimas hasta que en 1755, cuando tenía treinta años, fue arrestado por los inquisidores venecianos bajo la acusación de “libertinaje” y encerrado en los calabozos del Palacio Ducal de Venecia, llamados Piombi -Plomos- porque el techo estaba fabricado con este material.

Su cautiverio no duró mucho: en compañía de otro preso, escapó de la celda a través de un agujero practicado en el techo de su celda, escaló hasta el tejado y se coló en el interior del palacio por una buhardilla.

Una vez dentro, actuó como si fuera un invitado que se había perdido entre las habitaciones y consiguió que un empleado les dejara salir, subieron a una góndola y desaparecieron en medio de la noche. Muchos años después, Casanova relató esta aventura en Historia de mi fuga de las prisiones de la República de Venecia, llamadas los Plomos.

Los Piombi constituían el «piso noble» de las prisiones venecianas. Situados justo debajo del techo, eran menos húmedos y gozaban de luz natural.

Una vida a la fuga

Los inquisidores, que no podían consentir una burla semejante, se lanzaron a su búsqueda y captura obligando a Casanova a huir fuera de las fronteras de la República de Venecia.

No fue hasta dieciocho años después que se le concedió un indulto, pero el aventurero ciertamente no los desaprovechó. Viajó por toda Europa y a pesar de ser un hombre perseguido raramente pasó penurias, más bien al contrario.

Si un don tenía Giacomo Casanova era el de la actuación, tal vez aprendido de sus padres, actores ambos, pero unido a un innegable magnetismo personal.

A lo largo de sus años de exilio conoció a todo tipo de personalidades como Voltaire, Wolfgang Amadeus Mozart, Benjamin Franklin, el papa Clemente XIII, el rey prusiano Federico el Grande y la zarina Catalina la Grande.

La relativa facilidad con que conseguía ser recibido en las más altas esferas resulta especialmente notable si se tiene en cuenta que, por mucho que lo reivindicara, él no pertenecía a la aristocracia y era además un prófugo.

Por una parte es indudable que Casanova tenía gran carisma personal, una vasta cultura y una vida repleta de aventuras y anécdotas que sabía explicar de manera brillante. Por otra, sabía utilizar su polémica fama a su favor para despertar la curiosidad de la gente, tenía un don especial para brillar en sociedad y regularmente podía conseguir invitaciones que le permitían aumentar su red de contactos.

Finalmente, hay que mencionar su adhesión a la masonería como un movimento estratégico –así lo afirmaba en sus memorías– que le permitía acceder a personajes importantes que también formaban parte de ella.

Es innegable que a veces utilizaba su carisma para aprovecharse de la gente, especialmente de algunas mujeres.

Así le sucedió por ejemplo a la marquesa de Urfé, una noble francesa con la que mantuvo una larga relación durante su estancia en París: la marquesa, locamente enamorada de él, puso a su disposición grandes sumas de dinero para inventir en proyectos como una lotería nacional o una manufactura de tejidos que fracasó estrepitosamente.

Por otro lado, es igualmente cierto que en más de una ocasión Casanova usó sus contactos y su ingenio para ayudar a sus amistades a salir airosas de situaciones complicadas.

Él mismo reconocía en sus memorias: “Comienzo declarando al lector que, en todo cuanto he hecho en el curso de mi vida, bueno o malo, estoy seguro de haber merecido elogios y censuras, y que, por tanto, debo creerme libre”.

En 1774 le llegó finalmente el indulto y Casanova pudo regresar a su Venecia natal tras 18 años exiliado. Sorprendentemente, una de las primeras cosas que hizo fue acudir ante los inquisidores para ofrecerles sus servicios como espía, un “trabajo” que ya había ejercido durante el exilio.

Resulta sin duda extraño que se ofreciera como informante a la misma institución que lo había apresado y perseguido, y es muy probable que quisiera simplemente sacarles dinero.

Las informaciones que conseguía no eran muy comprometedoras, una ineficiencia muy sospechosa para alguien con su talento y carisma; seguramente los inquisidores pensaron lo mismo puesto que terminaron prescindiendo de él por “escaso rendimiento”.

Su carácter transgresor le jugó una última mala pasada cuando, ofendido por uno de los Grimani, la familia que le había dado protección, decidió vengarse públicamente: publicó un pamfleto en el que, bajo una pátina mitológica, reivindicaba ser el hijo natural de Michele Grimani y que quien le había ofendido era fruto de una infidelidad.

Fuese cierto o no, una familia de tanto renombre no podía perdonar una ofensa así y en 1783 Casanova fue condenado al segundo y definitivo exilio.

Se instaló primero en Viena y después en Dux (actual Duchkov, en la República Checa), trabajando como bibliotecario en el castillo del conde de Walstein, donde murió el 4 de junio de 1798. Para añadir una última pátina de misterio a su vida, no se sabe con certeza donde fue enterrado.

El castillo de Duchkov, última residencia de Casanova.

Memorias de un seductor

Los últimos años de Casanova fueron tristes y vacíos de la aventura que había gobernado su vida. Para compensar el hastío que sentía se dedicó a una intensa actividad literaria, aprovechando la gran cultura que había adquirido en sus viajes por Europa.

Pero lo cierto es que la mayoría de sus obras pasaron sin pena ni gloria, a excepción de aquellas de carácter autobiográfico, en las que narraba su vida aventurera y libertina, y que forjaron su imagen para la posteridad. Entre muchos textos dedicados a episodios concretos, como su fuga de la prisión de los Piombi, destaca su autobiografía Memorias de J. Casanova de Seingalt escritas por él mismo, más conocida como Historia de mi vida.

Las memorias de Casanova causaron un gran escándalo, no solo por lo que explicaban sino porque implicaban a muchas figuras de la alta aristocracia que, aunque a menudo disfrazadas con seudónimos, eran fácilmente reconocibles por la cantidad de detalles que se daban en la narración.

No se publicaron hasta 1825, más de dos décadas después de su muerte y en una versión muy censurada; y no fue hasta mediados del siglo XX cuando se publicó la versión integra. Durante décadas, todas las obras de Casanova se incluyeron en el Índice de libros prohibidos por la Iglesia.

Resulta difícil decir cuánto hay de verdad en todo lo que Casanova narra en sus memorias, cuánto de exageración voluntaria y cuánto de apego a su propio mito.

Del estudio de su obra se ha podido deducir que en ocasiones no solo exageró sino que se inventó algunas de sus aventuras porque vio que vendían bien y, al fin y al cabo, lo que publicaba suponía un valioso complemento a su sueldo de bibliotecario.

En particular, hoy en día la mayoría de estudiosos de Casanova consideran que exageró su fama de seductor y seguramente no tuvo las más de 120 amantes que afirma en su biografía; además, con varias de sus compañeras mantuvo relaciones duraderas y de sincero afecto.

Es posible que quisiera, además de grabar su nombre en la historia, revivir y embellecer los recuerdos de su juventud perdida.

Lo cierto es que, a pesar de que se relacionó con la alta sociedad y las mentes más ilustres de su época, Giacomo Casanova siempre se sintió parcialmente excluido. En vida nunca obtuvo reconocimiento por sus publicaciones, que abarcaban una gran variedad de temas, ni se le reconoció su reinvindicación de ser hijo de la aristocracia. En sus memorias, al menos, podía dejar su mito personal para la posteridad.

Casanova, el cómplice de las mujeres

Era alto, con unas facciones suaves y simétricas, bien dotado sexualmente. Su presencia imponía dentro y fuera de la cama, pero el esplendor de su figura no explica su éxito por completo.

Según sus amantes, Giacomo Casanova sabía escuchar a las mujeres, y tenía que estar convencido de que, al menos en ese momento, amaba a su pareja y que su amor era correspondido.

No obstante, el enamoramiento se le pasaba muy pronto, y desvanecidos sus efímeros efectos salía a cazar a la siguiente.

Pero Giacomo Casanova (1725-1798) fue algo más que un simple rompecorazones. El veneciano, hijo de comediantes, sedujo a 132 mujeres, según cuenta él mismo en su libro “Historia de mi vida”, memorias que escribió después de cumplir 60 años por prescripción médica.

Leer sus memorias es una experiencia única, divertida, didáctica. Gracias a su lectura se conoce a un ser extraordinario, gran ejemplo del siglo XVIII, hijo de actriz, huérfano de padre a los nueve años, fundador de la lotería en Francia y adicto al juego, además de eclesiástico, músico, médico, economista y traductor de la ‘Ilíada’ al veneciano.

Llama la atención sobre el año en que Casanova interrumpe el relato de su vida, 1774, cuando estaba a punto de cumplir los cincuenta. Si hubiera seguido adelante, explica el prologuista, el célebre seductor tendría que haber cambiado radicalmente el tono de su narración, pues su vejez estuvo marcada por los achaques y las soledades, lo contrario de la vida alegre de su juventud y madurez, y era esa alegría llena de aventuras y conquistas la que él quería transmitir al lector.

El contrario a don Juan

Giacomo Casanova (1725-1798) Dibujo por Mary Evans.

Casanova tenía su propia ética de la seducción.

Prefería que le sedujeran y aceptaba de buen grado las ocasiones que se le presentaban. Nunca se aprovechó de una mujer ebria y con frecuencia se convirtió en amigo y protector de sus antiguas amantes. «Muchos casanovistas lo han subrayado: el veneciano es el anti-Don Juan, su contrario y enemigo.

Allí donde el aristócrata sevillano, infectado por la teología, se muestra vengativo, psicópata, misógino y engañador, en ese mismo lugar luce el burgués veneciano cómplice de las mujeres, su secuaz y su salvador en más de una ocasión».

A Casanova le interesa más la coquetería que la pornografía. No es el marqués de Sade, otro imprescindible del siglo XVIII, y ni siquiera llega a la maldad de Chordelos de Laclos en ‘Las amistades peligrosas’.

Pero tampoco era un santo. El gran seductor aprovechaba las ausencias de padres, maridos y tíos para acostarse con hijas, esposas y sobrinas, a la que prometía amor eterno, aunque tuvo la suficiente inteligencia como para darse cuenta de que no siempre le creían y que ellas también le utilizaban para su placer.

Esta abundante actividad sexual, y la escasez de condiciones sanitarias de la época, explican que entre los 17 y los 41 años el veneciano cogiera cuatro blenorragias, cinco chancros blandos, una sífilis y un herpes prepucial.

Los tiempos le complicaron la salud y le facilitaron sus conquistas. La sociedad ilustrada del XVIII perdonaba con facilidad las relaciones fuera del matrimonio. Tener una amante era para los aristócratas un signo de distinción, y para sus mujeres, una prueba de que ellas no se iban a quedar mirando.

L’amore frivolo, Nicolas Lavreince, ca.1780 .

Casanova fue democrático y buscó el elemento femenino en toda la escala social, desde las prostitutas a las marquesas. Los embarazos suponían una lacra dentro de ese desmadre, pero el gran seductor también fue aquí un caballero, un hombre cuidadoso que puso todos sus medios para que sus conquistas no pagaran las consecuencias.

El cazador terminó cazado. En una posada conoció a Henriette, una mujer francesa que viajaba vestida de hombre con un oficial húngaro, y que se dedicaba a jugar a las cartas y a desplumar a los ingenuos. Casanova se enamoró de ella. En sus memorias no aparecen sus juegos sexuales y sí largos elogios sobre las cualidades de esta mujer.

La relación duró cuatro meses. Cuando viejo y solo, en el castillo checo de Duchov, apuraba sus últimos días, aún se acordaba de ella. Según la leyenda, Casanova expiró musitando esta frase: «He vivido como un filósofo, pero muero como un cristiano».

nuestras charlas nocturnas.

mayo 30, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

La fortuna de Carlos Gardel …

Carlos Gardel con sus guitarristas: Angel Riverol, Julio Vivas y Guillermo Barbier

Siempre se especuló con la fortuna de Gardel, aunque lo cierto es que para 1932 su situación económica era ajustada. En enero de 1932 le escribió a Defino «… aguantando un poco de tiempo por aquí espero saldré de mis deudas y estaré tranquilo».

Recién en abril de 1935 pudo saldar la hipoteca que pesaba sobre su casa de Jean Jaures 735: Tras la normalización de sus cuentas Gardel comenzaba a pensar en su futuro desde una visión empresarial, proyectando dedicarse al cine y la radio.

Tras las tensiones que se habían generado con Razzano por inconvenientes sobre el manejo del dinero, Gardel revoca el 16 de enero del año 1933, el poder general de administración general de todos los bienes que le había otorgado a José Razzano y solicita ayuda a Armando Defino, quien en otras ocasiones ya había colaborado con él, en distintos temas jurídicos. El 22 de octubre de ese año le otorga un Poder General de administración, y este comienza a poner en orden las cuentas.

El panorama va cambiar a partir de 1934, cuando firma contrato con la Paramount para filmar sus dos primeras películas americanas, «Cuesta Abajo» y «El Tango en Broadway» en esta ocasión él era el protagonista, esto no solo le permitiría lucirse, sino ganar mucho mejor.

(Correspondencia de Gardel-Defino)»…se acabaron las incertidumbres y angustias, encauzándose las cosas en una era de prosperidad y trabajo. Hemos fundado una sociedad de producción… de la cual soy el director… A mí me darán por dos películas la cantidad firme de 25.000 dólares y e1 25% de las ganancias…»

De todos modos, estas expectativas no parecen haberse concretado en una gran fortuna, pero suficiente para poder darle tranquilidad.

Carta de Armando De fino, 21 de mayo 1935: …»En nuestras conversaciones hablamos mucho de eso, tú lo recordaras: «habrá que joderse dos o tres años y después tomar el trabajo como distracción con el consiguiente beneficio» …si tú crees, como yo también creo que será éste el momento, no hay más que ponerlo en práctica. Tu situación es ahora muy distinta a la de hace tres años.

No tienes deudas un pequeño capital susceptible de aumento, con comodidad fácilmente. Por todo ello comprenderás que estoy muy de acuerdo con tu manera de pensar, sobre todo que viene a confirmar el afán de estos últimos años.

-Por otra parte, éstas son de las cosas que uno puede retractarse sin desmedro, vale decir, que mañana se te ocurriera hacer otra incursión por los distintos países, dependerá de ti, la elección, sin la obligación de pensar en asegurar un futuro como has tenido que hacerlo hasta el presente. Y felizmente que podemos pensar así hoy día.»

Carlos Gardel y José Razzano en la fiesta del Programa Vino Toro.

Carta de Gardel a Armando, Barranquilla junio 4 de 1935:… «Como te decía en mi carta anterior, estoy decidido de la manera más firme a no trabajar más en teatro y así tenés que hacérselo saber a Ricardo a quien le escribo por este mismo correo.

Yo no estoy ya para estos trotes de cantar todos los días y después de esta gira me cortaré para siempre la coleta en materia de presentaciones personales. Es demasiado trabajo, demasiado poner la voz y, en fin, ya no es para mí. Me limitaré a radio, discos y cine.

Acerca de los contratos de radio trata de tener las cosas con el mismo entusiasmo hasta que yo llegue para decidirnos por lo mejor y más rendidor.

Creo a mediados de setiembre estaré en esa e iré desde Europa. A Ricardo podés decirle que le hubiera complacido con mucho gusto pero que yo no quiero trabajar ya en teatro porque pienso que mi verdadero porvenir y conveniencia está en el cine.

Haciendo películas por mi cuenta o por cuenta ajena, conviene no dar la lata frente al público. Pero sobre todo te aseguro que cada día se me hace más dura esta cuestión de vestirme y de cantar hasta desgañitarme. En la radio es otra cosa y en las películas con dos o tres semanas de trabajo y cinco canciones estoy del otro lado…»

Gardel había decidido ordenar su vida, no podía seguir con ese ritmo de trabajo. A partir de sus últimas dos películas, no solo el éxito le sonreía, éste iba acompañado de dinero; en varias cartas enviadas a Defino se describe esta situación.

El mismo día que el destino le jugara la peor de las partidas, Armando Defino estaba firmando el mejor contrato Radial de la historia argentina.

Esta historia se conocería años más tarde, en una nota publicada en la revista Radiolandia del 26.6.1937, dirigida al amigo personal de Gardel de toda la vida, el señor José A. Zatskin, en aquel momento director de las emisoras de la calle Bolívar, quien había rehuido siempre el reportaje en torno a esa amistad y al referirse al contrato que lo unió a Gardel, descubre algunos perfiles curiosos en la fisonomía de quien fuera ídolo indiscutible de la República.

Ultima carta de Gardel a Armando desde Bogotá, junio 20 de 1935: «…Vuelvo a ratificarte mi idea acerca del trabo teatral. Se acabó. Ya no estoy para estos trotes y la sola idea de ponerme las prendas gauchas me hace caer el pelo.

Voy a dejar las botas y lo demás para los innumerables Pettorossis de ocasión que rascan por el mundo. La radio si me seduce por su comodidad y descanso y a eso y a las películas me dedicaré. Yankelevich me cablegrafió desde Hollywood preguntándome donde estaría a fin de mes.

Le contesté que en La Habana y el soru no dio más señales de vida. Cuando llegue a esa ya veremos con que estación nos decidimos, sin tener en cuenta milongas sentimentales. Ya me la han contado demasiado para que agarre viaje a estas alturas…»

PRIMER GRAN SUELDO RADIAL

José A. Zatskin -«Creo que el que le pagó Radio América fue el primer gran sueldo abonado en nuestra radiotelefonía a artista alguno» -comienza diciéndonos el señor Zatskin-. Regresaba Gardel de París -donde filmara- «Luces de Buenos Aires» -y su apoderado fue a verme a Radio América.

El propio Carlitos había querido, en primer término, que la oferta se me hiciera a mí. Y el contrato fue brevísimamente conversado:

-¿Cuánto vale Carlitos mensualmente?

-Ocho mil pesos.

-Aceptado.

-No tenía -sigue el señor Zatskin- ni anunciador ni proyecto alguno. Pero el nombre de Gardel valía por todos los factores en contra. Su actuación posterior me dio la razón, pues fue brillantísima, como todas las suyas. Cantaba una hora diaria, sin interrupción.

Más o menos doce o catorce canciones consecutivas. Hay un detalle, en dicha actuación, que merece contarse, porque indica el espíritu simple y el corazón enorme del cantor.

Uno de los míticos retratos del cantante.

La publicidad en aquellas audiciones de Gardel la había contratado una firma vendedora de vinos, que puso como condición se le cantara un tango alusivo a la bebida, como característica final de cada día.

Y lo que es peor, debía cantarlo el propio Gardel.
Saberlo Carlitos y negarse rotundamente fue todo uno.

-¿Pero cómo querés que cante eso, si es malísimo… ¿Y, además, en mi vida he tomado ese vino…

-Por favor, canta como quieras, pero canta. Es una condición indispensable del contrato.

-Mirá Zatskin. Como buenos amigos rompemos el contrato, te prometo no ir a ninguna otra radio, pero ese tango yo no lo canto.

-Pasaron varios días -nos cuenta el ex director de Radio América- y ya a dos días del fijado para comenzar la serie de audiciones, me decidí a jugar el todo por el todo.

Fui a verlo a su casa, vivía entonces con su señora madre y estaba todavía en la cama:

-Vengo a verte -le dije- porque estoy en una situación difícil. Renuncié a Radio América y quiero que vos mismo lo sepas en primer término. Había empeñado mi palabra de que cantarías el dichoso tango, y como no puedo menos que romper el contrato me voy de la broadcasting.

-Y bueno, qué embromar. He cantado tantos tangos malos en mi vida que por uno más no se terminara el mundo. A ver si por un capricho mío vas a terminar con tu carrera en la radio… El corazón enorme del zorzal criollo se había antepuesto a su amor propio herido.

-Y cantó diariamente la canción del caso -termina el señor Zatskin-. Las cosas que hizo mientras la interpretaba no se las imaginarán nunca quienes no conocieron íntimamente a Gardel. Era un muchacho grande del que se conseguía cualquier cosa. Era un niño siempre, pero su corazón era el de un hombre fuerte. Que por la amistad hubiese dado jirones de su propia vida.»

El dato histórico dice que, del contrato de dos meses, Gardel cantó por la radio solo uno. Son desconocidos los detalles de lo que sucedió a solo un mes del debut, pero es probable que la disconformidad de Gardel con el jingle fuese el motivo.

EL CONTRATO QUE NO FUE

Por treinta audiciones Cafiaspirina que iba a pagar 45.000 pesos. Transacción que, justamente, se realizaba en las oficinas de Radiolandia el 24 de junio de 1935, a las seis de la tarde. En la dirección de nuestra revista conversaban en torno al contrato, ya listo para firmarse,

Armando Defino, apoderado de Gardel, y el señor Evaristo J. Boria, jefe de publicidad radial de «Farmaplatense». Todos los detalles estaban ultimados. Y se comenzaba a planear la presentación publicitaria de Gardel, mientras la ciudad entraba ya en las sombras, como presintiendo la catástrofe.

Eran los últimos instantes de aquella conversación. Ya los sombreros en la mano y las diestras estiradas en el apretón cordial, que sellaba el contrato más grande de todos los realizados hasta entonces en nuestra radiotelefonía.

Izq. foto autografiada por Carlos Gardel a su amigo y hermano Armando Delfino. Der. Armando Delfino

De pronto, con la brevedad de las malas noticias, vibró en la emoción de toda la información cablegráfica. Había muerto Gardel. Y un nudo de angustia se hizo en los corazones. Nunca más se revivió el instante trágico de aquella tarde porteña, en que en plena calle Corrientes se estaba forjando una nueva etapa de la vida brillante del astro.

Hemos querido ahora, al cabo de dos años, que uno de sus intérpretes hablara de Gardel. Que el propio señor Boria nos dijera algunos detalles de aquel contrato fabuloso para entonces.

Y haciendo un alto en su afanosa labor diaria, rodeado de empleados que aguardaban sus órdenes, en el ambiente febril de su oficina, ha pausado esa tarea y renueva sus impresiones de aquel 24 de junio de 1935.

-Confieso que experimentaba entonces una íntima y enorme satisfacción. Había conseguido del directorio de la firma por la que trabajo, la conformidad por la cifra que pagaríamos al cantor.

Se había hecho justicia a sus méritos de embajador auténtico e incomparable del cancionero nacional. (nos aprestábamos para iniciar las publicidades de sus audiciones, ya aceptado por ambas partes el contrato, rodeando a Gardel con el afecto y la seriedad que merecía y que usamos siempre con nuestros artistas.

Jamás se había planteado una campaña publicitaria con tanto celo. Hasta en los mínimos detalles. Gardel iba a estar con su pueblo, en todas las aristas brillantes de su personalidad múltiple. Era el artista ideal – y en esto perdonen al publicista- para el producto que iba a difundir con su popularidad extraordinaria.

Sabíamos que si tres millones de personas pueden escuchar radio, el noventa y cinco por ciento de los mismos sintonizarían sus audiciones. La catástrofe de Medellín dio por tierra con su vida y con todas nuestras esperanzas. Y eran, tantas ellas, que ni en buscar emisora nos habíamos ocupado.

Sabíamos cabalmente que por cualquier onda que actuara, el éxito de Gardel sería el mismo. Hasta entonces ha hablado el hombre de negocios, el experto en publicidad que vive en nuestro reporteado. Después habla el hombre, admirador del ídolo.

-Cuando supe su muerte, como todos quienes estábamos aquella tarde en Radiolandia, se produjo en mí una emoción incontenible.

Triunfaba la muerte allí donde planeábamos la vida futura del gran muchacho que fue Gardel.

No he olvidado el instante, ni lo olvidaré nunca.

Quizás por eso, cada vez que lo he visto animado en el lienzo de algún cinematógrafo, me ha parecido revivir el sabor amargo de aquel crepúsculo, en que flotando en la sala donde había sido el tema invariable y grato quedó el dolor de su pérdida.

Una pérdida irreparable para la radio, para la canción y para todo el arte popular de este país.

Gardel había creado en EEUU su propia productora «Exito Producciones», a efecto de dedicarse al cine y a los programas radiales, tal como se describe en sus últimas cartas, Gardel ya no era solo un cantante ni un gran actor, era un gran empresario, el primer gran empresario del espectáculo argentino.

Solo el destino pudo truncar esa gran carrera, y así destruir la ilusión de millones, como una de las grandes oportunidades para la Argentina.

En el año 1030, Carlos Gardel reclamaba judicialmente por los derechos de la difusión de sus discos. Es decir, se anticipaba al histórico hecho que se plasmaría tres años más tarde con la promulgación de la Ley 11.723, impulsada por el entonces diputado nacional Roberto Noble (Ley Noble), fundador del diario «Clarín».

Dicha ley establece el derecho de propiedad de los creadores e intérpretes sobre sus obras y les otorga la facultad de disponer libremente de las mismas.

Ante el reclamo de «El morocho del Abasto», los jueces de la Cámara Civil 1» de la Capital Tobal, Campos y De Vedia y Mitre, resolvieron por unanimidad que: «.La adquisición de discos fonográficos no autoriza la difusión de los mismos por radiotelefonía si no media consentimiento de sus intérpretes.

Carlos estaba acompañado en su demanda por dos intérpretes de su misma talla, Ignacio Corsini y José Razzano, y así se refería el Juez Tobal acerca de ellos: «Los señores Gardel, Corsini y Razzano, cotizados intérpretes en su género, deducen estas actuaciones solicitando se suspenda en distintas «broadcastings» la transmisión de discos interpretados por ellos…».

Garlos Gardel y Josep Plaja (detrás),

Vale aclarar que el juez de la primera instancia había desestimado el pedido de «El Oriental» fundándose en que «Al imprimirse un disco fonográfico y entregarlo a la circulación, los autores se desprenden de sus derechos con respecto a ejecuciones de esa clase, juzgando en consecuencia que quien los compra, adquiere la facultad de ejecutarlos indefinidamente, inclusive por radio, porque el hecho de retransmitirse por radio está consentido tácitamente al ponerlos a la venta».

Argumento refutado por Tobal, en esta segunda instancia, cuando dice:

«Como se ve, estos autos plantean cuestiones novedosas: la de si asiste derecho a los ejecutantes para oponerse a que se transmitan sus discos por estaciones emisoras de radiodifusión sin el previo pago de sus derechos (…) Sostener que quien adquiere un disco puede reproducirlo por todos los medios, inclusive la transmisión a distancia, al público que pueda.»

Tras la muerte de Gardel, se funda Sadaic, Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música; creada el 9 de junio de 1936 tras la fusión de dos sociedades de autores, el Círculo Argentino de Autores y Compositores de Música y la Asociación de Autores y Compositores de Música.

Carlos Gardel, su principal asociado, que en el mejor momento de su carrera, y por cuestiones del destino, no llegó a disfrutar nada de la época de bonanza, que le empezaron a generar las regalías de su trabajo, una gran fortuna, pero todo esto forma parte de otra nueva gran historia, de la historia sin fin de Carlos Gardel.

La herencia olvidada del «Zorzal Criollo»

Muy pocas veces, o casi nunca, desde la muerte de Gardel y luego su madre, la gente se ha preguntado, que fue de su herencia, la mayoría recordaba como último sucesor a Armando Defino, su amigo y albacea, y el heredero de su herencia, es por esos que creemos que es importante que la gente conozca esta historia contada por una de las protagonistas, y como este patrimonio permaneció oculto durante 70 años.

-¿Cómo nació el vínculo con Armando Defino?

-Nuria: Para esto tenemos que remontarnos a la llegada de mi familia a Buenos Aries. Mi abuelo materno, Ramón de Fortuny, llegó de Cataluña, España, con su familia, integrada por su esposa Armonía y sus tres hijas: mi madre -Nuria- y sus hermanas Elena y Gladys, la menor, a la que llamábamos Ninota, que nació en Montevideo en 1922 y hoy vive en España; es la única sobreviviente de esa generación.

Mi abuelo Ramón, por mandato de la Compañía Belga de Electricidad, fue transferido en el año 1925, de la planta de Montevideo construida 3 años antes, a montar el equipamiento de la usina eléctrica de Buenos Aires. Mi abuelo era oriundo de Barcelona, de una familia noble.

Su madre en España tenía entre su personal doméstico a Adela Blasco, una chica joven de origen humilde que quería emigrar en busca de un mejor porvenir. Adela logró viajar a Buenos Aires y consiguió trabajo en la Compañía Inglesa de Telefonía.

Tras haber perdido todo contacto con su familia y conocidos en España; al igual que todos los inmigrantes en Buenos Aires, solían reunirse con sus comunidades. De esta forma mi abuelo se reencontró con Adela, que ya estaba en pareja con Armando Defino, en el café Soviet de la Avenida de Mayo.

Desde entonces entablaron una profunda amistad; Adela con mi tía Armonía y mi abuela y Armando con mi abuelo Ramón.

En 1940 mi familia compró una quinta en la localidad de Castelar en donde nos solíamos reunir. Un año más tarde Armando compró una quinta a pocas cuadras; luego mi abuelo vendió la suya y todos comenzamos a frecuentar la quinta de Armando casi todos los fines de semana.

Varios años antes del accidente trágico, Carlos Gardel le había pedido a Armando que se ocupara de su madre -Doña Bertha- si le sucediera algo. Seguramente debe haber intuido entre tanto viaje, que algo podría ocurrirle. Tras producirse la muerte de Gardel en 1935, Armando junto a Adela y su madre Doña Pepa, se mudaron a la casa de doña Bertha, en la calle Jean Jaurés 735, cumpliendo con el pedido de Carlos y fue Adela quien se encargó de cuidar a las dos mujeres.

Casa de verano en barrio Loza, Río Ceballos, Córdoba, 1936, donde se hallaron preciados recuerdos de Gardel.

Cuando Doña Bertha se enfermó (de cáncer de útero, esto provocó que pasara sus últimos años postrada en una cama), mi padre, que era médico, la comenzó a atender a pedido de Armando; esto hizo que frecuentáramos asiduamente la casa de Jean Jaurés.

Yo era muy chiquita, entre dos y tres años de edad, y recuerdo vagamente a una señora postrada en cama.

En julio de 1943 falleció Doña Bertha y pocos meses después murió Doña Pepa; decidimos seguir viviendo en la misma casa hasta el año 1946, donde se desocupó nuestra casa de la calle Saavedra 222 que habíamos alquilado precisamente cuando fuimos a vivir en ella.

Nos mudamos a Saavedra, la casa era mucho más chica, así que la mayoría de los muebles y los objetos personales de Gardel y Bertha fueron llevados a la casa que mi abuelo había comprado en Río Ceballos; y alquilamos, a su vez la de Jean Jaures en $330 pesos mensuales y en el año 1949 fue vendida al mismo inquilino.

En un viaje a Río Ceballos, mi abuelo había conocido al Doctor Ordoñez, que tenía una casa muy linda, que parecía un castillo. Como Ordoñez estaba muy enfermo le ofreció a mi abuelo venderle la casa, con la condición de que cuide a Clarita, su hija adoptada.

Mi abuelo aceptó la compra con las condiciones pactadas y ésa pasó a ser la casa de veraneo de toda la familia. Tras la venta de Jean Jaurés que hizo Armando, quedaron muchos muebles y una gran cantidad de objetos que habían pertenecido a Gardel y a Bertha; todo eso se llevó a la casa de Río Ceballos, Córdoba.

GARDEL Y DEFINO SE CONOCEN

El hermano de Armando era agente teatral, y él presentó a Gardel con Defino. En ese tiempo Gardel atravesaba dificultades financieras y necesitaba a alguien que pusiera en orden sus cuentas. Armando fue esa persona y se hizo cargo a partir de ese momento como administrador y organizador de sus bienes y más tarde se convirtió en el albacea de Carlos Gardel.

A partir del accidente fatal en Medellín, Armando fue apoderado por Bertha para realizar los trámites de repatriación y también se ocupó de todos los bienes de Carlos Gardel en el exterior.

MI PADRE, MI MADRE Y LA HERENCIA

Mi padre había sido médico en Cataluña y allí trabajó en un laboratorio muy famoso llamado De Belarden, donde se descubrió la vacuna contra la tuberculosis.

Emigró a la Argentina como exiliado político y en el Casal de Cataluña de Buenos Aires conoció a un compatriota catalán que lo ayudó enviándole pacientes hasta tanto revalidara su título para ejercer la medicina en Argentina en forma legal.

Ese compatriota español -que más adelante sería mi abuelo- pensaba que su hija estaba tuberculosa debido a su extrema delgadez, y acudió a mi padre por estudios. El diagnóstico dio negativo. Mi futura madre sólo padecía de un cuadro de desnutrición y debía aumentar de peso.

Un cambio de hábitos alimenticios y de clima era lo indicado. Una granja en Río Ceballos, Córdoba, fue la solución y al cabo de tres meses regresó a Buenos Aires completamente repuesta, mucho más gordita y con otro semblante.

Como cortesía por no haberle cobrado los estudios y las consultas, mi abuelo invitó al médico catalán a una fiesta en el casino de la usina donde trabajaba. Allí el médico encontró a mi madre y al verla quedó prendado de ella. Allí se enamoraron y se casaron el 6 de enero de 1940. Un año más tarde nací yo, luego mi hermano y después mi hermana.

La abuela materna, Armonía González; Nuria de Fortuny, Armando Defino, Adela Blasco, Francisco Javier Cortada, Nuria Cortada de Fortuny.

A Delfino le encantaban los niños, pero no había podido tener hijos.

Se encariñó con nosotros, siendo yo la preferida.

Desde entonces, Armando y Adela me llevaban a todos lados, a los teatros, al cine e incluso a los teatros de revista a escondidas de mi mamá.

Cuando nos quedábamos en la casa de Armando por las noches, siempre teníamos cine de Gardel.

En 1953 Armando se enfermó. Tuvo un infarto al que sobrevivió, pero ya no pudo seguir trabajando. Al no contar con ahorros y ningún otro recurso económico más que el trabajo, vendió la casa quinta Yaraví y mis padres les ofrecieron que se mudaran con nosotros.

Armando falleció en junio de 1962, cuando yo tenía 21 años. Adela quedó sola y allí comenzó la polución, el desfile de gente que venía a pedirle pertenencias de Gardel.

A nosotros nos daba rabia toda esa gente; le venían a quitar o robar los recuerdos. Adela tenía un armario lleno de discos de prueba de Gardel.

Esa gente le lloraba y ella les regalaba discos hasta que no quedó ninguno. Le tomamos bronca al mundo del tango por culpa de esas personas, unos atorrantes que venían a despojar a una pobre mujer. Armando nunca quiso lucrar con Gardel; era un hombre muy honesto, con mucha integridad, y lo que percibió de derechos por Gardel tan solo le alcanzaba para vivir.

Pocos años después de la muerte de Armando, yo me había recibido, me casé y mi padre estaba muy enfermo. La casa era muy grande para ellos y mi mamá decidió mudarse.

Vendieron la propiedad de la calle Galileo pero fueron estafados. Con el dinero que nos dieron, mis padres compraron una casa en la calle Laprida al 1700. En la planta baja vivía Adela y mi mamá tenía allí su consultorio; en la planta alta había un living, un dormitorio y una cocina.

Al poco tiempo mi padre sufrió un infarto y murió en una cirugía en el Hospital Italiano.

En el año 2000 mi madre era una señora de edad avanzada y nos propuso, a mi hermana y a mí; que dejáramos todo arreglado en vida, para no tener que hacer una sucesión.

Desde aquel momento hasta la muerte de mi madre en el año 2008, mi hermana y yo no quisimos tocar nada; recién entonces, ya fallecida fuimos a ver la casa de Río Ceballos, para poder venderla.

Allí nos encontramos con todas las pertenencias de Bertha y de Gardel. A medida que íbamos extrayendo esos objetos nos íbamos dando cuenta de la importancia de todo aquello. Sólo supimos que había que preservarlo para el futuro; era lo que más nos importaba.

Siempre tuvimos conciencia clara en la familia de que éramos los herederos de Gardel, por consiguiente de Bertha y de Armando Defino.

Por otro lado, nosotras estábamos avocadas a nuestras vidas; mi hermana como farmacéutica y yo con mi profesión de bioquímica; mis hijos se radicaron en los EEUU y tienen su vida, al igual que nuestros nietos y es por eso que decidimos ceder a favor de Walter Santoro la titularidad y herencia de todo aquello que recibimos de Gardel, de Bertha y de Armando.

Creemos que él va a poder llevar adelante los deseos de Armando, como alguna vez nos dijo: «No quiero lucrar con Gardel sino mantener vivas su memoria y su obra.» y eso coincide plenamente con nuestros deseos.

Armando Defino conoció a Gardel en 1931 y en muy poco tiempo paso a ser su albacea y amigo.

Conocimos al señor Walter Santoro a razón de un conflicto que se estaba orquestando por la falta de mantenimiento y abandono de la Bóveda de Carlos Gardel en el cementerio de Chacarita, él nos solicitó poder intervenir en el conflicto a favor de defender a Carlos Gardel y para ello, nos solicitó un poder que nos represente, para poder actuar en forma oficial.

Con mi hermana vimos el trabajo que él venía realizado en defensa de nuestra historia y nuestro patrimonio, y decidimos realizar un cesión de todos los derechos a su favor, en forma gratuita, con el cargo y su compromiso de resguardar la obra y su imagen para el futuro de todos los argentinos y el mundo.

LA HERENCIA

Hasta la fecha, la historia de Carlos Gardel, así como su legado artístico fue pasando a través de varias generaciones, sustentado en un fuerte sentido de identidad porteña y con una proyección internacional alcanzada por muy pocos de sus contemporáneos, en el mundo; pero existe una sucesión, hereditaria que pasamos a explicar.

Para entender esta historia, hay que remontarnos a la época en la que Carlos Gardel conoce a Armando Defino, (año 1931) quien en muy poco tiempo paso a ser su albacea y amigo. Algunos años mas tarde, Gardel le plantea a Defino la necesidad de dejar un testamento, en esa misma conversación, le solicita que si le ocurriera algo, que cuide a su madre -Doña Bertha Gardes-.

Tras el accidente trágico, el 24 de junio 1935, Armando junto a Adela y su madre Doña Pepa, se mudaron a la casa de doña Bertha, en la calle Jean Jaurés 735, cumpliendo con el pedido de Carlos, y fue Adela quien se encargó de cuidar a las dos mujeres, hasta su muerte ocho años más tarde.

Carlos Gardel, deja bajo testamento del 7 de noviembre de 1933, a su madre Bertha Gardes, como heredera universal de todos sus bienes y derechos. Mediante testamento de fecha 2 de julio de 1942, Bertha Gardes nombra único y universal heredero de los bienes heredados de Carlos Gardel a Armando Vicente De Fino.

Mediante testamento de fecha 7 de febrero de 1960, Armando De Fino, nombra como única y universal heredera a su esposa Adela Blasco de De Fino de todos sus bienes y derechos, aclarando que en caso de que ésta falleciera primero o en caso de muerte simultánea, luego de legar ciertas propiedades a su sobrino, y en el remanente de bienes nombra como única y universal heredera a Nuria Eulalia de Fortuny de Cortada (a quien como «nuestra hija en el afecto»), pidiendo a la misma que «siga atendiendo como lo hemos hecho siempre mi esposa y yo, el monumento y la bóveda en Chacarita, donde reposan los restos de mi querido e inolvidable Carlos Gardel y los de su señora madre Bertha Gardes».

Con fecha 27 de octubre de 2000, mediante cesión de derechos, la señora Nuria Eulalia de Fortuny de Cortada, dona gratuitamente a sus hijas Nuria Eulalia Andrea Cortada de Fortuny y María Ana Inés Cortada de Fortuny todos los derechos de propiedad y las acciones inherentes a esos derechos respecto de todas las cosas y bienes y objetos materiales o inmateriales que pertenecieron en vida a Carlos Gardel, a su madre Doña Berthe Gardes y a los sucesores de ésta Armando Vicente De Fino y doña Adela Blasco de quien la cedente es la única y universal heredera.

Mediante cesión de derechos de fecha 16 de agosto de 2018, las señoras Nuria Eulalia Andrea Cortada de Fortuny y María Ana Inés Cortada de Fortuny, ceden, en forma gratuita al Sr. Walter Santoro, todos los derechos de propiedad y las acciones inherentes a esos derechos respecto de todas las cosas y bienes y objetos materiales o inmateriales que pertenecieron en vida a Carlos Gardel, a su madre Doña Berthe Gardes, con el compromiso que custodiar su memoria e historia.

En cumplimiento de ese compromiso, el sr. Walter Santoro, decide crear para tal fin la Fundación Internacional Carlos Gardel, dando comienzo de esta manera a una nueva historia.

nuestras charlas nocturnas.

mayo 29, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El peor fracaso de Hollywood: la película que hizo quebrar a un estudio, hundió a un director consagrado y derrumbó a Kris Kristofferson …

Kris Kristofferson fue el protagonista de «Heaven’s Gate» (La puerta del Paraíso) que el director Michael Cimino estrenó el 19 de noviembre de 1980. Tenía todo para ser un éxito, se convirtió en el peor fracaso de la historia de Hollywood

Infobae(M.Bauso)  —  Una película escrita y dirigida por el hombre del momento, por el último premio Oscar; un reparto con grandes nombres; un estudio legendario detrás; grandes locaciones; millones de dólares de presupuesto; una gran campaña publicitaria. Nada podía fallar. O eso parecía. Heaven’s Gate, la película de Michael Cimino, estrenada hace cuarenta años, se convirtió en uno de los grandes desastres de la historia de Hollywood.

Una película que se excedió más de diez veces de su presupuesto original y que consiguió reunir las peores críticas de la historia, derrumbar varias carreras, llevar a la quiebra a United Artists, enterrar al western y hacer que los directores, los grandes protagonistas de los setenta, perdieran su preeminencia.

Heaven’s Gate más que una película fue un desastre épico. Posiblemente se trate del film que mayores consecuencias (nefastas) provocó.

United Artists (UA) había sufrido varios cimbronazos. Algunas malas decisiones, dos o tres fracasos -nada que no le pasara a otro estudio- y un cambio súbito de comandancia. Arthur Krim había abandonado la dirección del estudio luego de años de manejarlo. Sería una figura difícil de reemplazar.

Para colmo junto a otros cuatro jerarcas no se marchó para jubilarse ni para reposar bajo el sol, sino para crear otro estudio, Orion, que sería competencia directa de UA.

Pero nadie podía poner en duda la salud de UA. Tenía dos de las franquicias más poderosas de la industria: James Bond y la Pantera Rosa. Y con Rocky estaba construyendo la tercera. Como si eso fuera poco había ganado los tres últimos Oscar a la mejor película: Rocky, Atrapado sin salida y Annie Hall.

Además tenía a dos de los más grandes directores del momento preparando grandes obras para ellos: Scorsese estaba en preproducción con Toro Salvaje y Francis Ford Coppola terminaba después de años de batalla Apocalypse Now.

El Francotirador, el gran film de Michael Cimino

Alguien les dijo que tenía una bomba entre manos. Le ofrecían un contrato por varias películas con Michael Cimino, el próximo gran director.

Los ejecutivos de UA (Steven Bach era uno de ellos y contó todo este proceso en Final Cut, un gran libro), nuevos en sus puestos de poder, no comprendían la oferta. Cimino no aquilataba antecedentes deslumbrantes. Solo había dirigido una (buena) película de acción con Clint Eastwood y Jeff Bridges, Thunderbolt and Lightfoot, y había sido el guionista de una de las de la serie de Harry, el Sucio y de La Rosa.

Pero en el momento de la oferta estaba dirigiendo una película para otro estudio de la que no se sabía demasiado. Solo que la protagonizaba Robert De Niro y que el presupuesto estaba excedido. Pero la socia de Cimino insistió e hizo viajar a los directivos de UA hasta Nueva York para hacerles una pasada secreta del film.

Cuando los hombres de negocios vieron ese rústico primer corte de El Francotirador supieron que estaban frente a una obra maestra. De inmediato firmaron un contrato para asegurarse al director. Estaban seguros de que se trataría de la nueva estrella de Hollywood, alguien que venía a sentarse en la misma mesa de Coppola, Scorsese, Spielberg, Lucas y Bogdanovich (que ya estaba declinando).

Lo que no pensaron en ese momento fue el motivo por el cual el estudio para el que filmó esa película, no se desvivía por retenerlo. Preferían dejar pasar la oportunidad de que creara obras maestras para ellos que volver a sufrir con sus demoras, exigencias, caprichos y dispendios innecesarios.

En ese momento, los directivos de UA no se percataron de esto debido a la habilidad negociadora de Cimino. Las exigencias eran altas y muy estrictas. Y cada vez que parecían llegar a un acuerdo, el director sumaba una nueva. El temor a que firmara con otro estudio los hizo ceder en cada oportunidad.

Cimino quería filmar una adaptación de El Manantial, la novela de Ayn Rand. Lo convencieron de que eso no era factible y en el mismo momento sacó un viejo guion que había tratado de filmar desde 1971. Se llamaba The Johnson County War. Una especie de western que contaba una historia oscura, que había tenido lugar a fines del siglo XIX en Missouri, en la que se enfrentaban inmigrantes de Europa Oriental con ganaderos locales, que contrataban mercenarios y sicarios para liquidar a los recién llegados.

UA quería una gran película para fines de 1979 ya que para 1980 los esperaban la vuelta de La Pantera Rosa (Peter Sellers moriría antes), una nueva Rocky y Moonraker. Así que apuraron los papeles, las negociaciones se tensaron y el guion no fue estudiado ni trabajado en profundidad.

Luego llegó el estreno de El Francotirador. Cimino era el director del momento. Tapa de revistas, éxito de taquilla, 4 Oscars (entre ellos mejor película y mejor director). Y un módico suceso personal: le ganó la carrera a Coppola y consiguió estrenar su película bélica, su visión de Vietnam, antes que él.

Michael Cimino era el director del momento: había ganado cuatro Oscars y la crítica lo aplaudía. Su ego y su difícil personalidad llevarían al fracaso de su nueva película

Las condiciones que puso para firmar con UA fueron diversas. Exigió que Kris Kristofferson fuera el protagonista y que Christopher Walken hiciera el otro papel masculino.

También exigió un salario muy alto y viáticos elevados. Corte final y una cláusula que no tenía antecedentes: Cimino podía excederse todo lo que quisiera del presupuesto siempre y cuando la película fuera estrenada en la navidad de 1979. UA aceptó para tener su tanque para fin de año y un candidato obvio para los Oscars del año siguiente.

A los pocos días exigió una addenda al contrato. Su nombre debía figurar en los afiches con el mismo tamaño que el título de la película: Michael Cimino’s Heaven´s Gate sería el nombre que leería el público (una costumbre que había iniciado Stanley Kubrick).

El estudio se puso firme y exigió que la actriz fuera Jane Fonda o Diane Keaton. Pero ellas no aceptaron. Y Cimino impuso a Isabel Huppert, una actriz francesa que en ese momento era desconocida. Los directivos se opusieron pero como en todo el proceso, meses después fueron vencidos por el director.

El elenco se completó con nombres sólidos como Sam Waterston, William Dafoe, Jeff Bridges, John Hurt y Joseph Cotten.

Las declaraciones públicas de Michael Cimino luego del suceso de El Francotirador no ayudaban. Polémico, nada amable, soberbio y algo descentrado paseaba su ego por los medios.

El presupuesto que calcularon antes de la firma era de 4 millones de dólares. Pero al momento de iniciar la preproducción ya lo habían ajustado a 11 millones.

En Hollywood, en ese tiempo, se creía que nunca una película era lo suficientemente cara si luego se convertía en un éxito. Pero a medida que pasaban los días, los números crecían. El presupuesto final terminó siendo de 44 millones de dólares. Una cifra que a valores actuales supera los 130 millones.

En la fecha señalada, Cimino empezó su película. El cronograma era ajustado pero realista.

El corte final se preveía para septiembre de 1980. Tenían tres meses de margen para estrenar en navidad.

A los doce días de rodaje, el atraso ya era notorio.

Estaban desfasados diez días del plan original. Eso además significaba que el presupuesto original se agotó en la tercera semana.

Al mes y medio los directivos del estudio se enfrentaron a la verdad, ya no podían hacer como que todo estaba bien.

Fueron al set, bien temprano, a presentarle un ultimátum a Cimino. El director los esquivó por la mañana y luego les dijo que estaba muy ocupado. Así los directivos tuvieron que pasar todo el día en el set.

A medida que pasaba el tiempo su enojo era cada vez mayor. La morosidad de Cimino, camuflada en un perfeccionismo enfermizo, conseguía que cada toma llevara horas, exigencias de modificación de decorados, contratación súbita de decenas de extras y que un plano se repitiera más de veinte veces. Solo en película gastaba 200.000 dólares por jornada.

Cuando se dio por terminado el día, los dos hombres del estudio, furiosos y agobiados por el tedio, se abalanzaron sobre Cimino. Este con un gesto le pidió que lo siguieran. Los tres más algún asistente se dirigieron a una sala improvisada en la que pasaron escenas filmadas los días anteriores.

Los ejecutivos quedaron pasmados por la belleza y complejidad de lo que veían. “Las nubes en los lugares exactos, como dibujadas, los cielos rosas, las escenas grupales, el Oeste como nunca se había visto. Eso era Poesía Americana”, escribió Steven Bach, uno de los ejecutivos en su libro.

Cuando se encendieron las luces, saludaron a Cimino y con amabilidad (y admiración) le pidieron que, dentro de lo posible, no se atrasara tanto y que gastara un poco menos. Los dos hombres se fueron esa noche a sus casas convencidos de que tenían una obra maestra entre manos.

Pero al tiempo los problemas volvieron a aparecer. El rodaje cada vez se atrasaba más. Eso traía todo tipo de problemas más allá del evidente que cada día extra significaba mucho dinero.

Cambiaban las condiciones climáticas del lugar, los actores tenían otros compromisos (John Hurt debía partir a protagonizar El Hombre Elefante) y el clima de trabajo cada vez era peor. Ya nadie soportaba el trato despótico del director.

La morosidad de Cimino, camuflada en un perfeccionismo enfermizo, conseguía que cada toma llevara horas, exigencias de modificación de decorados, contratación súbita de decenas de extras y que un plano se repitiera más de veinte veces. Solo en película gastaba 200.000 dólares por jornada

Cimino ordenaba crear nuevos decorados, para minutos después de verlos en pie mandar destruirlos. Contrataba 100 extras, luego exigía 200 pero tampoco se conformaba y a los gritos obligaba a que fueran 500. Y había que conseguir la ropa de época, los sombreros, los guantes y cada accesorio para ellos.

Hizo trasladar cientos de kilómetros una locomotora que descansaba en un museo porque la que había conseguido la producción no le parecía lo suficientemente linda. Podían esperar horas a que las nubes adquirieran la forma por él imaginada o que la sombra de un árbol se reflejara con nitidez.

Y después de todo eso, la obsesión por repetir cada toma decenas de veces. Kris Kristofferson se llegó a subir 52 veces a un caballo hasta que a Cimino le pareció que todo estaba como debía ser.

El estudio analizó sus opciones. La opción 1 era la variante que ellos llamaban Cleopatra, por el desastre épico protagonizado en los sesenta por Liz Taylor: dejar que el rodaje siga hasta su fin con el mismo ritmo, financiando cada gasto y rezar.

La opción 2 era la Apocalypse Now: intervenir en la producción, controlar gastos, negociar con el director ya que eso habían hecho con Coppola y les había resultado; pero Cimino no se mostraba permeable: luego de la última charla con un ejecutivo y después de haber aceptado las condiciones, a la mañana siguiente mandó un telegrama prohibiéndole la entrada al set y negándole para siempre la palabra.

La tercera opción era dar por terminada la producción, asumir las pérdidas y no ver a Cimino nunca más en la vida: UA no podía darse el lujo de perder tantos millones de dólares.

Al poco tiempo encontraron una cuarta opción: buscar un socio y vender un porcentaje de la película a otro estudio; como en Hollywood todo se conoce, esto fue imposible: nadie quiso asumir el riesgo.

Alguien acercó la opción 5: echar al director; pero quien hizo esa sugerencia aclaró: “antes de hacerlo tengan contratado el reemplazante”. Una vez más el casting les fracasó. Los ejecutivos negociaron con nombres muy importantes pero ninguno quiso ser parte del desastre inminente.

Con este panorama decidieron dar un (nuevo) ultimátum a Cimino quien se comprometió a apurarse. Eso sí, antes exigió que instalasen un sistema de riego en las tierras porque para varias escenas necesitaba un césped bien verde. El objetivo de llegar a estrenar en la Navidad de 1979 se había olvidado hacía mucho tiempo.

Christopher Walken en una de las escenas de Heaven’s Gate

El final del rodaje finalmente llegó. Cimino utilizó el triple del tiempo que se había estimado. Luego la preproducción fue también trabajosa. Tenía entre manos cientos de horas de película para realizar el montaje final.

En el medio, sucedió algo que también produjo daño a la reputación del film. Sus problemas de producción llegaron a los medios. Las revistas escribían largas notas contando las idas y venidas, los millones tirados, los caprichos del director, los enojos de los ejecutivos. Eso también preparó el terreno para lo que vino.

El estreno se estipuló para el 19 de noviembre de 1980. Antes se programaron tres funciones de preestreno a las que se invitaron celebridades e importantes críticos. En el intervalo de la primera de ellas, el director vio que nadie hablaba, ni siquiera tomaban el champagne importado que ofrecía el estudio, y que muchos abandonaron la sala para no volver.

“No toman el champagne. ¿No les gusta?”, preguntó Cimino a un asistente. “Lo que no les gusta, Michael, es la película. Es más, la están odiando”, le respondió.

La respuesta de la crítica fue feroz. Posiblemente el rechazo y la virulencia tuvo una contundencia nunca vista. Vincent Canby, el crítico del New York Times, influyente y que con unas pocas líneas podía entronizar a alguien o demoler para siempre una carrera, escribió: “Uno sospecha que Cimino vendió el alma al diablo para conseguir el éxito de El Francotirador, y que ahora el diablo vino a cobrarse su deuda. Esta película es un desastre indescriptible”. El resto de las críticas siguió esta línea. Las otras funciones de preestreno se suspendieron.

En una decisión sin precedentes, ocho días después del estreno, el estudio retiró la película de los cines. Cimino entró de nuevo a la sala de montaje.

Un año después se estrenó una versión con una hora menos (la original tenía casi cuatro horas) pero el daño era irreversible. La película tuvo un costo de 44 millones de dólares y solo pudo recuperar poco más de 3 millones en la taquilla.

Este fracaso estrepitoso tuvo muchas consecuencias y ninguna fue buena. La carrera de Kris Kristofferson como actor se derrumbó. La futura estrella no llegó a consolidarse en el cine aunque permaneció su prestigio y suceso como cantante. Los anteriores sucesos de Convoy y Nace una estrella no le sirvieron para levantar este desastre.

También sufrió el western como género. Durante los ochenta y principios de los noventa, casi desaparecieron las películas situadas en el Lejano Oeste, se convirtió en un género tóxico y espantapúblico. Hasta Los Imperdonables las excepciones fueron escasas (El Jinete Pálido, Silverado y no muchas más).

La película provocó la caída en desgracia de la figura de Michael Cimino. Su megalomanía desaforada en un mundo de megalómanos fue considerada demasiado peligrosa. No importó el talento sino su falta de confiabilidad

Los ejecutivos principales de UA fueron despedidos. Pero lo peor fue que significó el colapso de la mítica productora. Este film desbocado logró arrastrar en su caída al estudio que habían fundado Charles Chaplin, D.W. Griffith, Mary Pickford y Douglas Fairbanks.

Y por el que habían pasado las más grandes estrellas y directores. El año anterior habían conseguido grandes éxitos con Apocalypse Now, Manhattan, Rocky II, Moonraker y La Jaula de las Locas. Pero el delirio de Heaven’s Gate la arrastró al abismo.

La otra consecuencia natural fue la caída en desgracia de la figura de Michael Cimino. Su megalomanía desaforada en un mundo de megalómanos fue considerada demasiado peligrosa. No importó el talento sino su falta de confiabilidad. Pareció que podía renacer en 1984 con Footloose pero a los cuatro meses fue despedido. Luego filmó Manhattan Sur, El Siciliano y Horas Desesperadas entre otras.

Sin embargo la consecuencia más evidente fue el cambio de época. A partir de este film, los estudios volvieron a tomar el control de las producciones.

La era de los directores había quedado atrás. No se puede culpar solo a Cimino. Contemporáneos a Heaven’s Gate fueron 1941 de Spielberg, New York, New York de Scorsese, One From the Heart de Coppola, varios desastres de Altman, Reds de Warren Beatty o los Blues Brothers. Producciones enormes, con presupuestos ridículamente desfasados, que siguieron los caprichos del director y, pese a los disímiles méritos artísticos, que fracasaron en la taquilla. Era una nueva era: los directores dejaban de tener el control.

Es cierto que Cimino y su film fueron el ejemplo extremo. O quizá solo el caso final, el detonante. Este cambio se produjo porque la situación se le había ido de las manos a los estudios en más casos de los que deseaban.

Peter Biskind elige el film de Cimino para terminar su libro sobre el cine de los setenta. Ahí recoge dos testimonios reveladores. Scorsese dijo: “Heaven’s Gate nos debilitó a todos. Esa película marcó el final de algo. Supe que algo había muerto”.

Por su parte, Francis Ford Coppola expresó: “Lo que vino después de Heaven’s Gate fue como un golpe de estado encabezado por Paramount. Los estudios recuperaron el control indignados por cómo crecían los presupuestos y por cómo aumentaban nuestros salarios”.

En junio de ese año, la crítica Pauline Kael había visto venir la tormenta: “Nadie tiene control de las grandes producciones. Todo depende del director sin importar si es inseguro, descuidado o loco. El potencial megalómano del cine está más descontrolado que nunca”, había escrito en el New Yorker.

El paso de los años hizo que la respuesta crítica respecto al film cambiara. Las nuevas revisiones de Heaven’s Gate valoran la belleza de muchas de las escenas, los planos elaborados de Cimino y las actuaciones del trío protagónico. Pero la película cada vez que es vista soporta el peso de su leyenda negra, de su producción caótica, de la ambición descomunal (y algo querible) de su director.

nuestras charlas nocturnas.

mayo 29, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El Señor Pakal …

marcianosmx.com/matadornetwork.com/National Geographic  —  La historia de este ser se remonta unos 12,000 años, en el corazón de la civilización maya. En 1949 el arqueólogo Alberto Ruz de L’huiller descubrió en un templo, bajó una escalera de cuarenta y cinco escalones, un sello oculto que daba a una gran piedra triangular. Alberto Ruz de L’huiller comprendió que iniciaba un verdadero descubrimiento.

En la parte inferior observó una zona rellena de pedruscos y cal, al abrir dicho hueco pudo asomarse y ver lo que contenía la espaciosa cámara: una espectacular cripta con una gigantesca lápida tapando el sarcófago donde yacía el señor Pakal.

La lapida tenía unas medidas de 3.80 metros de largo, 2.20 metros de ancho y un espesor de 25 centímetros, con un peso aproximado de 5 toneladas.

Es posible imaginar la emoción del arqueólogo, después de tantos meses de trabajo y de sortear dificultades de todo tipo, al contemplarla, teniendo en cuenta que era el primer hombre que, luego de siglos, tenía acceso a ella.

“Ahau” es la forma en que los mayas nombraban a su gobernante y el templo está asentado sobre una estructura piramidal escalonada de 16 metros de altura.

Pakal fue un rey maya que ascendió al trono ¡con tan sólo doce años de edad!

El Castillo del Palenque(1863)

Su lápida mide 3.80 metros de largo, 2.20 metros de ancho y tiene un espesor de 25 centímetros, con un peso aproximado de 5 toneladas. Pero a continuación viene lo más emocionante: en la losa se hallan unos grabados muy particulares que han dado pie a innumerables enfrentamientos entre investigadores y arqueólogos, y sobre los cuales se han llegado a elaborar las teorías más increíbles.

Lo interesante de este descubrimiento es el magnífico trabajo realizado en el relieve de la tapa labrada. En efecto, en ella se reproduce la figura de un hombre con atuendo maya, en una posición semiacostada en una especie de silla con cinturón de seguridad y con los pies apoyados en unos pedales y controles al frente y una gran cantidad de tornillos, resortes, caños, tableros y palancas de mando.

Pero los mayas enterrados en templos eran normalmente celebridades. ¿Qué hizo pensar a los mayas que el señor Pakal era una celebridad? Todo eso hace pensar que este individuo era un ser extraterrestre que aterrizó en territorio maya y compartió con ellos distintos conocimientos, hasta el punto de ser considerado una deidad.

El científico soviético A. Katsantsev no tiene ninguna duda que se trata de un navío espacial y así lo ha atestiguado en diversas publicaciones e infinidad de conferencias. Es más, han dibujado un cohete asimilándolo al relieve de la lápida y las coincidencias son sorprendentes.

En 1969 la NASA encontró 16 puntos coincidentes entre el dibujo de la lápida y el módulo de mando de una cápsula espacial contemporánea. Para muchas personalidades no cabe duda de que la imagen esculpida es la representación de un astronauta dentro de un módulo espacial fuera de la atracción de la atmósfera terrestre, controlado o dirigido por un ser.

Vista del corredor de acceso a la Tumba de Pakal (c.1952)

Incluso afirman que el autor de este relieve tuvo que tener un modelo, o seguir las instrucciones de alguien que conocía perfectamente ese artefacto esculpido en la piedra.

El 8 de noviembre de 1949, elevada dicha losa a 1.12 metros, Alberto Ruz de L’huiller pudo observar con comodidad el interior: una tapa perfectamente pulida, de la que sobresalían dos secciones, como orejas. Dicha tapa se encontraba labrada a la manera de una forma humana, en un solo bloque; retiró cuatro tacos de madera que cubrían orificios realizados en la misma, y la levantó.

El interior estaba pintado de rojo, y en el fondo yacía un esqueleto humano cubierto de joyas. Su talla era de 1.70 metros y su cabeza se hallaba guardada por lo que fuera una mascarilla de jade, lamentablemente rota. Cuando fue reconstruida, pudo contemplarse en todos sus detalles, una verdadera obra de arte.

Sus restos difieren totalmente de las características físicas del pueblo Maya. Los antiguos Mayas eran personas que medían alrededor de 1.50 metros, lo que hace pensar que no era Maya comparada con el hombre de Palenque. Otra prueba de la identidad no Maya de Pakal es que como símbolo de belleza los mayas se incrustaban piedras preciosas en los dientes, y éste carecía de ellas. La cantidad y calidad de las joyas encontradas daban una idea de la elevada alcurnia de quien allí yacía, manos delgadas, dedos alargados cubiertos de anillos, y su cráneo no se encontraba deformado, práctica usual entre este pueblo.

Los mayas enterrados en templos eran normalmente celebridades. No hay pruebas de la existencia de cacique, chamán o rey con tal descripción en ninguna inscripción de algún otro monumento.

Retrato de Alberto Ruz L’Huillier en la cripta funeraria de la Tumba de Pakal, bajo la lápida. Templo de las Inscripciones. (c. 1952).

La única explicación para los servicios fúnebres de tal magnitud en este individuo es que él haya sido considerado como un dios o semidiós. En la autenticidad del conjunto concuerdan todos los arqueólogos americanos, recordando además que los análisis realizados con carbono 14 sobre los restos óseos encontrados dieron una antigüedad de 2,000 años.

Es que lo que parece estar inscripto en la lápida tiene grandes similitudes con una nave espacial moderna, así es, el grabado de la lápida muestra al gran Pakal sentado en algo que parece ser una nave en pleno vuelo…

Otros afirman que tal vez se trate de un viajero del tiempo, un hombre con la tecnología para poder avanzar y retroceder a la época que quiera y que, por alguna razón, se quedó a vivir entre los mayas.

Otras teorías afirman que sólo representa a Pakal en un altar iniciando su viaje al inframundo, ya que los mayas creen en tres mundos distintos:

1. El nivel de los nueve cielos.

Es la parte superior de la lápida y se aprecia una criatura mitad serpiente y mitad pájaro sobre una cruz central. Esto representa el intermedio entre los cielos y la Tierra. Debajo de ella existen dos representaciones del Sol.

2. El mundo de los vivos.

En la parte central hay un árbol sagrado con una serpiente de dos cabezas, de cuyas bocas salen el Dios Llamarada y el Dios Bufón. El Ahau Pakal aparece sentado en su descenso hacia el inframundo.

3. El inframundo o Xilalbá

Sobre lo que se sienta Pakal sería, nada más y nada menos, que el Monstruo de la Tierra, con su sombrero presidido por cuatro pétalos. La nariz del monstruo es la de un mono araña, que junto al signo KIN de su cabeza componen una clara referencia al Sol. Todo ello encaja en las fauces de dos serpientes descarnadas que sostienen la figura de Pakal y la del Monstruo de la Tierra en su descenso al Mundo de los Muertos.

Lápida de Pakal in situ, Templo de las Inscripciones (c.1952).

Pero más allá de entrar en el debate de si lo que hay en las representaciones es un cohete o un simple altar me gustaría centrarme un poco en el propio Pakal, ya que un velo de misterios también rodea a su persona.

Comencemos por aclarar que de acuerdo a lo descubiertok, Pakal fue un gobernante muy estimado y respetado por su pueblo, quien tenía una visión de Pakal muy peculiar. Se lo veía como un dios o semidiós y, además, su templo funerario es el único templo conocido de esta parte de América en el que se ha encontrado una cripta con restos mortales. Los mayas jamás levantaron templos en calidad de monumentos funerarios.

Supuestamente, según teorías oficiales, Pakal falleció a los 80 años, después de 68 años de reinado. De ello cabría esperar haber encontrado unos restos óseos que encajasen con la descripción de un hombre anciano.

Por el contrario, los restos aparecidos en el sarcófago real tras el hallazgo del Dr. Alberto Ruz corresponden anatómicamente a una persona de unos 40 o 50 años de edad, que además tiene una talla muy por encima de la media que alcanzan los mayas. Los antropólogos también han resaltado que los restos del difunto Pakal corresponden a un varón robusto y bien proporcionado. Desde luego, nada que ver con un anciano maya octogenario.

La antigüedad de la tumba también puede ser cuestionada, pues en el momento de su apertura la cripta se encontraba cubierta de estalactitas y estalagmitas. El proceso de formación de estos elementos geológicos es extremadamente lento, apenas unos pocos milímetros cada 1.000 años, por lo que cuesta imaginar su presencia en una cripta con una supuesta antigüedad de 1.300 años aproximadamente.

Además, la altura que tenía Pakal no era natural de los mayas, ya que, según los restos funerarios recogidos, tenía una altura de 1,70 metros y esto difiere totalmente con las características físicas de los hombres del pueblo maya, quienes son personas que miden alrededor de 1,50 metros. Esto hace pensar que Pakal no era maya.

Otra prueba esgrimida a favor de la identidad extranjera de Pakal es que, como símbolo de belleza, los mayas se incrustaban piedras preciosas en los dientes. Pakal, sin embargo, carecía de ellas. La cantidad y calidad de las joyas encontradas daban una idea de la elevada alcurnia de quien allí yacía, manos delgadas, dedos alargados cubiertos de anillos, y su cráneo no se encontraba deformado, práctica usual entre los mayas.

Osamenta de Pakal, vista (1952)

Los mayas enterrados en templos eran normalmente celebridades. No hay pruebas de la existencia de cacique, chamán o Ahau con tal descripción en ninguna inscripción de algún otro monumento maya.

La única explicación para los servicios fúnebres de tal magnitud en este individuo es que él haya sido considerado como un dios o semidiós. En la autenticidad del conjunto concuerdan todos los arqueólogos, recordando además que los análisis realizados con carbono 14 sobre los restos óseos encontrados dieron una antigüedad de 2.000 años.

Pakal poseía un avanzado conocimiento astronómico, conocía las órbitas de Marte, los movimientos de la Tierra y podía predecir los eclipses lunares.

¿Quién era Pakal realmente?

Todo parece indicar que no era maya y eso nos lleva a no creer tan descabellada la idea de que tal vez se trate de un visitante de otras tierras o de otro mundo y ¿por qué no? tal vez de otra época.

Esta es la máscara funeraria y estas son las joyas de Pakal el Grande, el rey maya de Palenque, quien fue entronizado durante la adolescencia y, según parece, gobernó hasta una edad avanzada. La máscara está formada por cientos de teselas de jade de varias tonalidades, además de fragmentos de concha para la esclerótica y dos discos de obsidiana para las pupilas.

El caballete nasal le llega al entrecejo, se advierte un cierto estrabismo, premeditado o impremeditado, y en la boca entreabierta hay una pieza de jade que simboliza el viento húmedo y el aliento del espíritu, es decir, el alma.

De sus orejeras sobresalen unas piezas tubulares que imitan el pistilo de la flor y también luce collares de cuentas. Con este rostro de jade, absolutamente deslumbrante, se presentó Pakal en el inframundo.

Con estos ornamentos se enfrentó a los señores de la muerte y renació como dios del maíz. Desde el año 683, fecha de su muerte, hasta 1952, nadie interrumpió el reposo del gran señor maya, nadie quebrantó su tumba en el Templo de las Inscripciones.

Alberto Ruz, su descubridor, un arqueólogo naturalizado mexicano, relató el hallazgo con unas palabras conmovedoras: «Entré a la misteriosa cámara con la extraña sensación de ser el primero que pisaba los escalones de la entrada en mil años.

En 2016 el hallazgo de un complejo sistema de canales bajo la cámara mortuoria del señor Pakal II, en el Templo de las Inscripciones de Palenque, el edificio más importante de esa zona arqueológica mexicana, cambia la teoría original sobre la construcción de esa pirámide, el titular del Proyecto Arqueológico Palenque (Chiapas) explicó, tras una conferencia de prensa a la que el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) convocó con carácter de urgente, que por ubicarse bajo el espacio mortuorio más importante de todo Mesoamérica, ese sistema de canales de agua representa un hallazgo que varía la historia.

El contexto indica que entre el ajuar con que fue ataviado Pakal «El Grande» al llegar su muerte hace mil 333 años, se encontraba un par de orejeras con epígrafe que narra cómo, para ser recibido por el dios del inframundo, el difunto debía sumergirse en el agua del dios Chaac. Hasta hoy, la tumba descubierta en 1952 poco había revelado adicionalmente.

El especialista comentó que con el reciente hallazgo de un sistema de canales en el subsuelo del Templo de las Inscripciones, mismo que también corre bajo la cámara funeraria del gobernante palencano, esta metáfora podría tener una interpretación mucho más compleja, dando nuevos datos sobre la construcción y el uso de esa gran pirámide.

Por su cercanía a la cámara funeraria, a 1.70 metros por debajo del umbral de su pared norte, este sistema hidráulico posiblemente reproducía de manera simbólica el sinuoso camino que condujera a K’nich Janaab’ Pakal a las aguas del inframundo.

El hallazgo cambia la tesis del arqueólogo Alberto Ruz Lhuillier hasta ahora sostenida como buena.

Esa tesis señala que la cámara funeraria de Pakal II, la cual descubrió Ruz en 1952, sería el punto de partida de los nueve cuerpos que componen el Templo de las Inscripciones. Ahora la evidencia sustenta que su centro debió estar dado por la clara existencia de un manantial del que aún queda una compleja red de canales, de acuerdo con el hallazgo.

Esa red, dispuesta a diferentes niveles y orientaciones, debió ser diseñada mucho antes que se proyectara la pirámide misma, en las primeras décadas del siglo VII. El origen de esta corriente de agua, la cual aún fluye por el canal principal, fue punto de partida desde el cual se erigió el edificio y cuyo fin era asociar a Pakal II, gran señor de Palenque, con estos acuíferos.

K’nich Janaab’ Pakal fue el sabio que proyectó este plan arquitectónico, y fue durante su reinado (615-683 d.C.) cuando comenzó la construcción del Templo de las Inscripciones, una edificación funeraria que concluyó su primogénito, K’nich Kan B’ahlam, en el lapso que duró en el trono de Lakamha’ («Lugar de las Grandes Aguas»), nombre original de la ciudad maya, entre los años 683 y 702.

La cabeza estucada, de tamaño y estilo naturalista, formó parte de algún decorado arquitectónico, probablemente a modo de mascarón (una cara deforme o fantástica que se usa como adorno arquitectónico). «El hallazgo fue realizado en el patio este de la Casa E, la sede del poder político y administrativo de la antigua ciudad de Palenque. El patio funcionó en algún momento como un estanque de agua y posteriormente fue inhabilitado y se continuó la construcción de edificios en esta parte de El Palacio»

En 2018 se descubre una cabeza modelada en estuco que representaría a K’inich Janaab’ Pakal, conocido como Pakal el Grande, el célebre gobernante maya de Palenque, fue hallada junto a otros objetos que conformaban una vasta ofrenda durante unas excavaciones realizadas en el patio este de la Casa E del conjunto arquitectónico conocido como El Palacio, en la Zona Arqueológica de Palenque, en Chiapas, en la región suroeste de México, según reveló a finales de agosto el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México.

«La cabeza pudo formar parte de las decoraciones que se encontraban en las pilastras, en los frisos o incluso en la crestería de algún edificio del interior de El Palacio y, de acuerdo con los rasgos fisonómicos que presenta, se trata de un personaje de edad avanzada; la realización de un análisis iconográfico y estilístico para conocer su identidad nos llevó a proponer al gobernante K’inich Janaab’ Pakal como la posibilidad más fuerte«, explica Benito Venegas Durán, uno de los arqueólogos responsables del descubrimiento, a National Geographic España. «Este mascarón de estuco es uno de los hallazgos más importantes de los últimos años, ya que desde los años 40 y 50 no se había localizado otro similar y en tan perfectas condiciones de conservación y, por supuesto, es aún más importante por la información que nos brinda el contexto tan interesante en el que fue ubicado», añade.

nuestras charlas nocturnas.

mayo 29, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

La Caída de los Gigantes y su Destino Según los Textos Antiguos …

Ancient Origins(Mariló T.A./A.O-Stokes)  —  «Que una antigua raza o razas de gigantes alguna vez existió en todo el mundo, desde China hasta América del Norte, es un asunto atestiguado no solo en los registros escritos de varias civilizaciones sino también en el registro arqueológico. Como señalan Jason Jarrell y Sarah Farmer, la gran cantidad de gigantescos restos esqueléticos humanoides excavados solo en la región de América del Norte hace que sea estadísticamente altamente improbable que los interpretemos a todos como anomalías genéticas, como a menudo hacen los estudiosos convencionales.

Cuando la humanidad comenzó a multiplicarse sobre la faz de la tierra y les nacieron hijas, vieron los hijos de Dios que las hijas de los hombres les venían bien, y tomaron por mujeres a las que prefirieron de todas ellas. Entonces dijo Yahvé: «No permanecerá para siempre mi espíritu en el hombre, porque no es más que carne; que sus días sean ciento veinte años». Los nefilim aparecieron en la tierra por aquel entonces (y también después), cuando los hijos de Dios se unieron a las hijas de los hombres y éstas les dieron hijos: estos fueron los héroes de la antigüedad, hombres famosos» (Génesis 6,1-4)

Los Nefilim: Gigantes Bíblicos Hijos de los Ángeles Caídos

Los nefilim o nephilim (en hebreo נְּפִלִים, un plural, que viene de nafál: «caer» y de ahí “los caídos” o “los que hacen caer», aunque también se ha traducido como “gigantes” o “titanes”) son unos seres que se mencionan varias veces en la Biblia  -así, por ejemplo, se usa el mismo término para referirse a unos gigantes que habitaban en Canaán en el momento de la conquista israelita (Números 13,33)- aunque también se les nombra en otros libros, tanto canónicos como apócrifos, como por ejemplo en el Libro de Enoc. Según el Génesis serían los descendientes de los «hijos de Dios»  y las «hijas de los hombres» que vivían antes del diluvio universal (Génesis 6,4).

 Orígenes

Existe un intenso y amplísimo debate acerca de los nefilim pero en una primera versión nos encontramos con que tanto los nefilim bíblicos como los nombrados en otros escritos religiosos judíos y cristianos ancestrales vendrían a ser un pueblo de gigantes surgidos por el deseo de algunos ángeles rebeldes de mantener relaciones sexuales con las mujeres terrestres

“La caída de los ángeles rebeldes”, obra de El Bosco, está basada en Génesis 6,1–4

Sin embargo, el término hebreo Nefilim no implica tanto la idea de una gran estatura como la de un carácter feroz, audaz, impío y temerario. Además, ciertas traducciones bíblicas identifican a los Nefilim con “los poderosos”. Por su parte, quienes rechazan la tesis de que sean una raza fruto de relaciones sexuales entre mujeres y ángeles, tanto en el ámbito judío como en el cristiano, se basan en que los ángeles son descritos en la Biblia como «espíritus», sin capacidad de reproducción porque no habrían sido creados por Dios para tal fin. Pero la Biblia hebrea sí refiere casos en los que determinados ángeles se materializaron en ocasiones y hasta realizaron funciones biológicas corporales, comiendo y bebiendo con los seres humanos. (Génesis 18,8).

¿Por qué habrían hecho los ángeles (o demonios) tal cosa? La Biblia no responde a nuestra pregunta, pero teniendo en cuenta que los ángeles rebeldes –también conocidos como ángeles caídos o demonios- son seres malvados y sibilinos, una posible explicación podría ser la de querer contaminar la sangre humana para evitar la posterior encarnación de Jesucristo: Dios había prometido que el Mesías nacería del linaje de Eva (Génesis 3,15) quien heriría a la serpiente (Satanás) en la cabeza. Así que, tal vez, los demonios intentasen impedirlo haciendo imposible que un día naciera un Mesías sin pecado original.

En otro orden de cosas, también  existen quienes sostienen la opinión de que los Nefilim eran, simplemente, hombres malvados como Caín –y sus descendientes-, que vagaron por la tierra hasta que fueron aniquilados en el Diluvio Universal. Asimismo, hay quienes aseguran que los Nefilim podían haber sido descendientes de Set e, incluso, existe otra versión que los relaciona con supuestos extraterrestres, ya que según defienden numerosos ufólogos, habrían sido fruto de una hipotética intervención extraterrestre en la antigüedad. Esta hipótesis se basa en que el término “Nephila” o “Nefila” era empleado por los arameos para referirse a la constelación de Orión y, por tanto, los Nefilim procederían de dicha constelación.

Nebulosa de Orión. Una de las hipótesis acerca del origen de los Nefilim asegura que proceden de Orión.

Una de las principales referencias bíblicas acerca de los Nefilim se encuentra en el famoso Libro de Enoc. Este libro, perteneciente al canon de las Iglesias Copta y Ortodoxa Etíope, no es un texto canónico para la Iglesia Católica ni aparece en la Biblia. En él se indica que el propósito del diluvio universal fue, precisamente, acabar con los Nefilim (Enoc 10,1-9), quienes no habían sido creados según los planes de Dios (Enoc 10,15-16) ni tenían capacidad espiritual y, por lo tanto, desconocían la resurrección. Una historia que es complementada por el Libro de los Jubileos, otro texto admitido por la iglesia etíope.

Asimismo, en el Libro de Baruc, texto canónico bíblico, podemos leer: «allí nacieron los famosos gigantes de antaño, de gran estatura y diestros en la guerra. Pero no los eligió Dios ni les enseñó el camino de la ciencia, y perecieron por no tener prudencia; por su locura perecieron» (Baruc 3,26-28).

En cuanto al conocido Libro de la Sabiduría bíblico, en él se menciona lo siguiente:

«ya en los comienzos, cuando los soberbios gigantes perecían, la esperanza del mundo se refugió en una balsa que, pilotada por tu mano, legó al mundo una semilla de vida» (Sabiduría 14,6).

Por último, en el Eclesiástico se indica que «no perdonó a los antiguos gigantes, que se rebelaron seguros de su fuerza» (Eclesiástico 16,7).

La Reina-Valera, también llamada Biblia de Casiodoro de Reina o Biblia del Oso, es una de las primeras traducciones de la Biblia al castellano a partir de la traducción de los textos originales en hebreo y griego y fue publicada en Basilea, Suiza, el 28 de septiembre de 1569. Su traductor fue Casiodoro de Reina, religioso español convertido al protestantismo

Civilizaciones Nefilim

Según la tradición rabínica, los anakim o anaquitas, los refaim o refaítas y los emim o emitas, eran pueblos pertenecientes a la misma raza nefilim. De hecho todos los términos citados se traducen por “gigantes”.

Los refaítas eran una antigua tribu cananea que vivía en las colinas de Judá y en la llanura filistea (Hebrón, Debir, Anab, Gaza, Gath y Ashdod).  Antiguos habitantes de Canaán, ocupaban el Líbano y el área del Monte Hermón y construyeron una serie de ciudades fortificadas al norte de las costas de Siria y Transjordania. Vivían en la región que, posteriormente, ocuparon los moabitas y los amonitas. A los primeros les llamaron emitas y a los segundos zomzomeos. En la parte occidental de Palestina se aliaron y se cruzaron con los caftorim, que habían llegado desde Creta, estableciéndose en áreas costeras y siendo conocidos, posteriormente, como filisteos y fenicios. Así, el filisteo Goliat, quien murió al lanzarle David una piedra con su honda, era refaíta.

Como ya hemos señalado, anak o anac significa gigante y en el Midrash judío se explica que los anaquitas llevaban cadenas al cuello. Anac, su líder, era hijo del refaíta Arba. A su vez, Anac tuvo tres hijos: Sesai, Aiman y Talmai, todos ellos cabezas de los clanes arameos. Finalmente, los anaquitas fueron derrotados por Caleb.

Goliat, el gigante filisteo vencido por David, era refaíta: uno de los pueblos de origen Nefilim. Óleo sobre lienzo de Guillaume Courtois (1650 – 1660).

En cuanto a los emitas, sólo nos consta lo que el Pentateuco dice de ellos: “cuando Yahvé dio la tierra de Moab a los hijos de Lot, se dice que esa tierra había sido habitada por los emitas, pueblo grande, numeroso y corpulento como los anaquitas» (Deuteronomio 2,10).

¿Qué Sucedió con los Nefilim?

Tal y como indicamos anteriormente, los Nefilim fueron una de las razones principales por las que Yahvé envió el gran diluvio en tiempos del patriarca Noé. Por tanto, en teoría los Nefilim fueron exterminados a causa del diluvio, igual que el resto de seres vivos a excepción de Noé, su familia y los animales refugiados en el arca. Y decimos “en teoría” porque si analizamos detenidamente el Libro de los Números, que narra la marcha de los israelitas por el desierto durante el éxodo de Egipto, veremos que no fue así, ya que en dicho texto se deja clara constancia de que muchos de los Nefilim sobrevivieron al diluvio: «Hemos visto también gigantes, hijos de Anac, de la raza de los gigantes. Nosotros nos veíamos ante ellos como saltamontes, y eso mismo les parecíamos a ellos» (Números 13,33).

En todo caso, lo que sí parece cierto es que los israelitas los destruyeron por completo durante su invasión de Canaán: «Por entonces fue Josué y exterminó a los anaquitas de la montaña, de Hebrón, de Debir, de Anab, de toda la montaña de Israel: los consagró al anatema con sus ciudades» (Josué 11,21).

Pese a ser supuestamente aniquilados, la fama de los Nefilim y el temor que inspiraron se prolongó en el tiempo constituyendo la base de muchas mitologías paganas que se esparcieron por toda la tierra creando historias únicas, personajes irrepetibles y colosales aventuras.

Pese a su total desaparición a manos de los israelitas, el recuerdo de los Nefilim, su gran poder y el temor que provocaban permanecieron incólumes con el paso del tiempo, inspirando a numerosos personajes mitológicos posteriores. Recreación artística de un gigante.

Los gigantes estaban aquí. Sin embargo, esta observación nos lleva inmediatamente a otra pregunta problemática: si los gigantes, como raza o razas, alguna vez existieron en la antigüedad, ¿por qué no existen ahora? ¿Que les pasó a ellos? ¿Qué factores llevaron a su extinción?

El registro arqueológico en gran parte, aunque no del todo, no nos responde a estas preguntas. Esto es particularmente evidente en el trabajo realizado en civilizaciones gigantes en América del Norte. Los arqueólogos y antropólogos norteamericanos han realizado un trabajo increíble al abordar las características culturales únicas de Hopewell y Adena, pueblos precolombinos que eran gigantes o descendientes directos de una raza de gigantes anterior. Al mismo tiempo, la arqueología norteamericana se esfuerza por explicar la repentina desaparición de ambas civilizaciones en algún momento alrededor del año 500 DC.

Ahora utilizaremos un método antropológico alternativo para determinar el destino de los antiguos gigantes. En lugar de intentar interpretar la evidencia arqueológica escasa e inconclusa, sugiero que los estudiosos recurran a textos antiguos y las tradiciones mitológicas / religiosas que contienen. Como señala Erik Von Daniken, la literatura antigua, si bien altamente mitológica, a menudo conserva los hechos en su núcleo.

Colosal estatua del gigante Appenino.

Además, como también señala Von Daniken, muchas de las narraciones contenidas en textos antiguos son mucho más literales de lo que los académicos modernos del siglo XXI les dan crédito. Cuando se toma en consideración este material, sugiere que muchas de las antiguas civilizaciones gigantes fueron violentas y opresivas en su cultura y que eventualmente fueron destruidas por sus propias tendencias y acciones violentas.

La descripción de gigantes en la literatura antigua

Como señala Xaviant Haze en su reciente trabajo Ancient Giants, los cuentos y las historias de gigantes son un fenómeno universal que se encuentra en casi todas las culturas humanas a lo largo de la historia humana registrada. Cuando se examinan estos diversos relatos, surge un tema común, a saber, que los gigantes y las civilizaciones que crearon fueron definidos por la violencia y el derramamiento de sangre. Si bien un examen exhaustivo de los gigantes en las antiguas tradiciones orales y escritas está más allá del alcance de este artículo, es posible limitar nuestro enfoque aquí al tratamiento de los gigantes dentro de una cultura particular y su cuerpo de literatura.

Como alguien con experiencia en estudios bíblicos, los antiguos israelitas inmediatamente vinieron a la mente como los mejores candidatos para tal examen. A diferencia de muchas otras sociedades antiguas del Cercano Oriente, la historia del antiguo Israel está muy bien documentada tanto en fuentes bíblicas (es decir, la Biblia del Antiguo Testamento / hebreo) como extrabíblicas.

El «Libro de los Gigantes» cuenta la historia de los orígenes pre-diluvianos del mal y el destino de los Vigilantes y sus descendientes gigantes.

Una de las primeras referencias a los gigantes en Israel proviene del relato yahvista del gran diluvio encontrado en Génesis capítulo 6. (El Yahwista es uno de los cuatro autores o fuentes del material en los primeros cinco libros del Antiguo Testamento comúnmente referido como la Torá o el Pentateuco. La teoría de las cuatro fuentes se popularizó a finales del siglo XIX en la obra del famoso erudito bíblico alemán Julius Wellhausen.) Aquí están vinculados a los «hijos de Dios» (en hebreo: bene ‘elohim) que con fuerza tomar a las «hijas de los hombres» (banot ‘anashim) como esposas.

La traducción latina del pasaje de Génesis 6 dice:

Gigantes autem erant super terram en diebus illis: postquam enim ingress sunt filii Dei ad filias hominum illaeque genuerunt isti sunt potentes a saeculo viri famosi

Pero los gigantes estaban sobre la tierra en aquellos días. Porque después de que los hijos de Dios entraron en las hijas de los hombres y estas (mujeres) dieron a luz. Estos son los poderosos de hace mucho tiempo, los hombres famosos. (Génesis 6: 4)

El Antiguo Testamento comparte historias sobre gigantes que toman mujeres humanas.

Aunque el relato de la inundación sugiere que los gigantes fueron exterminados con el resto de los habitantes de la tierra, sin Noé y su familia, aparecen nuevamente mucho más tarde en la línea de tiempo bíblica en lo que los estudiosos llaman la historia de Deuteronomio. (En estudios bíblicos, la historia de Deuteronomio se refiere al material de Josué a 2 Reyes en el Antiguo Testamento. La historia comienza con la entrada de Israel en la Tierra Prometida y termina con la destrucción del Reino del Sur, Judá, en el 586 a.C.)

Dentro de esta historia es, sin duda, el relato más famoso de un gigante en la literatura bíblica y posiblemente en la cultura occidental: el encuentro (violento) entre el israelita David y el gigante Goliat de Gat (1 Samuel 17).

Cabe señalar que tanto en la historia del Deuteronomio como en la fuente Yahwist anterior, los gigantes están asociados con una mayor violencia. Como sugiere el término hebreo laqach, toman por la fuerza (es decir, asalto sexual) las «hijas de los hombres» que conducen al nacimiento de una descendencia híbrida, superhumana, que la tradición extrabíblica identifica con los dioses y héroes griegos. (En el primer volumen de sus Antigüedades de los judíos, el historiador judío Josefo del siglo I DC vincula a los gigantes del Génesis con los semidioses griegos como Hércules).

En encuentros posteriores entre los gigantes e Israel, el resultado siempre es violento y conduce a la guerra y al derramamiento de sangre entre los dos grupos. Es esta característica particular de los gigantes lo que nos da una idea de lo que les pudo haber sucedido no solo en el antiguo Israel sino en todo el mundo.

La destrucción de los gigantes

Se nos proporciona una cuenta explícita sobre el destino de los gigantes prediluvianos en la literatura extrabíblica. En el libro apócrifo de Eclesiástico, incluido en el canon católico, pero no protestante del Antiguo Testamento, encontramos la siguiente declaración.

No exoraverunt pro peccatis suis antiguos gigantes qui destructi sunt confidentes suae virtutis.

Los antiguos gigantes, que fueron destruidos por confiar en sus propias fuerzas, no fueron exonerados por sus pecados. (Eclesiástico 16: 8)

Se sugieren dos cosas en esta declaración de Eclesiástico. Primero, que los antiguos gigantes tenían un poder y una fuerza extraordinarios. En segundo lugar, su destrucción se produjo porque confiaban demasiado en este poder.

En Eclesiástico afirma que los gigantes fueron deshechos por la violencia.

En terminología bíblica, «confiar en el poder propio» tiene un significado tanto religioso como secular. En el contexto anterior, se refiere a descuidar (en opinión de los autores bíblicos) el poder de Dios a favor de asumir que el poder y la fuerza propios son suficientes.

En este último contexto, siempre se usa en referencia al abuso de poder, generalmente a través de la opresión física violenta. Sin embargo, el texto no indica si los gigantes se mataron entre sí o fueron destruidos por sus víctimas y finalmente se alzaron contra ellos.

Se puede encontrar más información sobre la cuestión de los gigantes y su destino final al recurrir al texto hebreo del Antiguo Testamento. En el relato de la inundación de Yahwist en Génesis 6, el autor señala repetidamente que debido a los gigantes la tierra estaba llena de violencia (hebreo: hamas). Como se señaló en el diccionario hebreo de Strong, el término hamas se usa a menudo en referencia a la violencia autodestructiva, que significa actos de violencia física dirigidos no solo a los demás, sino en última instancia hacia uno mismo y los tratos con miembros de su propia comunidad.

La Biblia insinúa la destrucción de los gigantes a través del diluvio.

En otras palabras, Hamás es un tipo de violencia casi suicida y autoconsumo, y su asociación con los gigantes aquí sugiere que incluso antes del evento de inundación real, estaban en peligro de exterminio al matarse entre ellos. Incluso se podría concluir, basado en el uso de hamas en Génesis 6, que los gigantes fueron destruidos a través de algún tipo de guerra civil.

Tal comprensión del destino de los gigantes correspondería bien con la evidencia arqueológica y las tradiciones orales en todo el mundo que tratan con los gigantes, particularmente en América del Norte. En la región del medio oeste de los Estados Unidos, dos civilizaciones precolombinas, Hopewell y Adena, parecen haber desaparecido misteriosa y rápidamente después de lo que los arqueólogos infieren que fue una batalla repentina y masiva entre los dos grupos.

Esto es paralelo al tipo de violencia autodestructiva que se describe en relación con los gigantes en el Antiguo Testamento. Por otro lado, existen tradiciones entre varias tribus nativas americanas de un conflicto violento entre sus antepasados​​y las antiguas razas de gigantes en América del Norte.

Por ejemplo, los indios Pauite se refieren a una antigua raza de gigantes hostiles y violentos conocidos como los Si-Te-Cah. Como en el relato bíblico, los gigantes oprimieron a estos antepasados ​​que finalmente se levantaron en una revuelta contra ellos y los exterminaron.

Conclusión sobre el destino de los gigantes

Las huellas literales y los restos de civilizaciones pobladas y habitadas por razas de gigantes ahora extintas se encuentran en todo el mundo. En este artículo, he intentado proporcionar una posible explicación de por qué estos gigantes ya no existen basándose en tradiciones y narraciones preservadas en la Biblia hebrea y del Antiguo Testamento.

Los textos bíblicos sugieren que los gigantes no solo eran de naturaleza violenta, sino que fueron destruidos por esta violencia autoconsumo. Este destino para los gigantes parece estar respaldado por la evidencia arqueológica (por ejemplo, la destrucción aparentemente inmediata de los pueblos Hopewell y Adena), además de varias tradiciones orales de los nativos americanos. Cuando se tiene en cuenta esta evidencia, tal vez pueda servir de guía para los arqueólogos y antropólogos modernos que luchan por explicar la repentina desaparición de estas fascinantes, aunque aparentemente brutales, gigantescas razas.

nuestras charlas nocturnas.

mayo 28, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El asombroso caso de Ramanujan, el indio pobre y autodidacta que dejó un legado eterno en el mundo de las matemáticas …

El indio Srinivasa Aiyangar Ramanujan se crió en un hogar pobre de la provincia de Madrás

El País(A.Timon/A.Córdoba)/infobae(M.Bauso)  —  Srinivasa Aiyangar Ramanujan, el genio matemático indio, está otra vez enfermo. Internado en Putney, barrio a unos diez kilómetros de Londres, lo visita su mentor y protector Godfrey Harold Hardy, uno de los grandes matemáticos británicos.

–Vine en taxi –le dice–. Como siempre jugamos con los números, anoté su matrícula: 1729. Pero te defraudé: me parece un número intrascendente.

–No. Es un número muy interesante. Es el número más pequeño expresable como la suma de dos cubos de dos maneras diferentes, que puede ser expresado de dos maneras distintas como suma de dos números elevados al cubo: 1729 = 1³ + 12³ = 9³ +10³.

No fue el único asombro del severo, ateo, férreo, concentrado profesor Hardy, estrella matemática del Trinity College de la Universidad de Cambridge. Ni la única fisura entre él y el joven Ramanujan, profundamente religioso, alimentado con hierbas y granos, y horrorizado ante el clásico british breakfast: salchichas, pescado, pan, manteca, dulces…

Pero, ¿qué hace un indio nacido en Erode, provincia de Madrás, bajo el dominio británico? ¿Cómo ha llegado a Cambridge y pretende que algún día su retrato cuelgue de la pared de la monacal Royal Society, cerca de Newton, Darwin, Fleming, Volta, y no muy tarde el mismo Hardy?

Sin contar, además, con el prejuicio: choque cultural, color de piel, religión.

Por caso: para Hardy, una compleja ecuación bien resuelta es el resultado de la inteligencia, sin intervención de otros factores. Para Ramanujan, lo mismo…, pero viendo en esos números y signos la voz de Dios.

Su llegada a Londres, en abril de 1914, a sus 27 años, y a tres meses de los fuegos, la sangre y la muerte de la Primera Guerra Mundial, no ha sido poca peripecia…

Hijo de padres brahmanes pobres: un vendedor de tienda y un ama de casa cantante de templo, ambuló entre ellos, abuelos, tíos, otros tantos techos, y una mala salud que empezó durante una epidemia de viruela que mató a miles, pero lo perdonó.

Sus tres hermanos murieron. Uno a los tres meses, y los otros en plena infancia.

La escuela lo aburría. Pero a los 10 años aprobó aritmética con el puntaje más alto de todo el distrito.

Primer martillazo de la forja…

Un año después, por azar y prestado, llegó a sus manos un libro de trigonometría avanzada escrito por Sidney Luxton Loney. Lo devoró; lo exprimió hasta la última gota, y empezó a urdir sofisticados teoremas. Y lo mismo sucedió con otros. Para sus compañeros, galimatías. Para Ramanujan, como leer en el agua clara…

Para entonces dominaba la geometría, las series infinitas, las ecuaciones cúbicas. Sus compañeros, asombrados, decían:
–Rara vez lo entendemos, pero sentimos por él un temor respetuoso.

Soplaron malos vientos. Pobreza extrema en la familia. Ramanujan, casi muerto de inanición. Signos como velas que le dictaban su partida a Londres…

En julio de 1909, a sus 22 años y según ancestral costumbre, se casó con Srimati Janaki, de apenas 10.

Y más enfermedades: hidrocele, operable, pero postergada dos años hasta que un cirujano usó, gratis, su bisturí. Y más penurias económicas: empleado de bajo sueldo, ayudante de cátedra ad honorem, y de noche y a solas, su romance con los números. Integrales elípticas, series hipergeométricas, y una teoría propia: series divergentes.

Por fin, una carta de su profesor de matemáticas llega a Londres. Dice, en síntesis: «Es un joven de capacidad excepcional en matemáticas«.

Carta que cae, por fin, en las manos del profesor Hardy.

Ramanujan tenía la capacidad de captar las estructuras subyacentes de los números. No tenía una mente matemática típica: prefería centrarse en los ejemplos significativos antes que en construcciones más generales, obviando las demostraciones rigurosas. Esto chocó con la metodología de Hardy, a quien no le bastaba con ver, sino que necesitaba la cadena de silogismos que exige el método deductivo. Hardy conocía suficientes ejemplos de conjeturas ilustradas con pocos casos que luego resultaban falsas.

Las primeras relaciones no son fáciles. Según el gran maestro, «las ecuaciones de Ramanujan son desprolijas, apresuradas, escritas al voleo, impresentables, como si le resultara imposible hacerlas de otra manera».

Ramanujan , en el centro, junto a académicos británicos

Pero así y todo, las mandó a otros altos matemáticos, con un juicio aventurado –por los naturales prejuicios de los cráneos coronados– pero no dictado por la amistad: «Considero a Ramanujan un 100 en la escala matemática de 1 a 100, cuando yo mismo me adjudico 25«.

Pese a no disponer de formación académica (hecho que fue fuente de los ataques de sus colegas más conservadores, como bien retrata el biopic), la intuición aritmética de Ramanujan le permitía observar cancelaciones ocultas, patrones y simetrías en series numéricas, construir fórmulas, identidades y cálculos. Su visión algebraica y combinatoria y sus habilidades de manipulación de series, algoritmos, fracciones continuas estaban por encima de la mayoría de los matemáticos. Durante los cinco años que estuvo en Cambridge publicó veintiún artículos de investigación.

Entre sus obsesiones, y a partir de un sueño, flota el número pi, que lo seguirá como una sombra hasta su último día en la tierra.

Trabaja sobre ese símbolo que apenas recordamos de nuestros días en la escuela, pi: 3,14,16…, etcétera, y logra cientos de formas diferentes para calcular valores aproximados a ese fetiche (Nota: gracias a esos cimientos, poderosas computadoras calcularon los primeros… ¡10 billones de decimales del número pi.)

Pero ninguna hazaña rompe el racismo y el desprecio de muchos sectores de la sociedad hacia «ese indio, ese ser inferior» –la estupidez humana iguala al infinito…– A tal punto, que los primeros trabajos originales de Ramanujan aparecen publicados con la firma de Hardy, y debajo, como ayudante, para no irritar a los grandes bonetes, la de su admirado y protegido…

Pasarán años antes de que sea aceptado por la Sociedad Científica. Pero no alcanza a ver su retrato entre los colosos de la sabiduría: muere antes, el 26 de abril de 1920, apenas a sus 32 años.

Aquella salud golpeada desde niño, y bajas las defensas por la soledad, el abismo cultural, la distancia y la nostalgia que lo separan de su esposa-niña, le asestan el último golpe: tuberculosis y amebiasis hepáticas se lo llevan después de una larga agonía, pero al menos en su tierra: Kumbakonan, Tamil Nadu, todavía bajo dominio británico.

Muchas de las aportaciones de Ramanujan fueron enunciados y no demostraciones.

Esta es una de las tensiones que se presentan en el film. Él alcanzaba resultados novedosos sin apoyarlos en demostraciones formales, lo que era inaceptable para Hardy y para el método científico occidental: el resultado debía de ser replicable (es decir, otro matemático debía poder seguir la demostración).

En abril de 1914 , a los 27 años, Ramanujan llega a Londres

Sus dos cuadernos (que registró en Madrás) contienen cientos de fórmulas, el primero, con 351 páginas; el segundo, con 56 páginas; y el tercero con 33 páginas; años después se descubrió un cuarto cuaderno.

En la película se da una visión algo distorsionada de la intuición de Ramanujan, da a entender que no necesitaba demostraciones porque “veía” las verdades matemáticas iluminado por la diosa hindú de su familia.

Sin embargo, es más posible que en India desarrollara las demostraciones en pizarra, pero no las anotara porque el papel era muy caro; o porque el estilo de los libros con los que había estudiado era de esta manera; o simplemente porque guardaba sus resultados por interés personal, sin más pretensiones.

Lo cierto es que no pudo terminar las demostraciones completas de sus anotaciones por falta de tiempo: falleció con tan solo 32 años. Sin embargo, sus cuadernos inspiraron numerosos trabajos de matemáticos posteriores, que trataron de demostrar sus enunciados.

Sus ideas tienen más implicaciones que las que se observan a primera vista, e incluso han abierto nuevas direcciones de investigación.

Suyas son fórmulas que incluyen intrigantes series infinitas para pi, que de hecho se siguen usando hoy en día para aproximar el valor de este número, ya que convergen extraordinariamente rápido (el resultado aproximado se acerca al valor de pi con un número relativamente pequeño de iteraciones).

Su legado, ahora retratado por Hollywood, va más allá del exotismo de su figura, y supone un pilar de la teoría de números moderna.

Alguien lo llora además de los de su sangre: Hardy.

Y quedan, para el mundo matemático y sus apasionados, tres verdades y tres desafíos para quienes intenten refutarlas: la Suma de Ramanujan, la Constante de Landau-Ramanujan, y la Constante de Ramanujan-Solder.

Y por cierto y por las noches, su diálogo secreto con los nobles fantasmas de Newton, de Darwin, de los que cambiaron el mundo.

nuestras charlas nocturnas.

mayo 28, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Música, jadeos y sonidos sexuales: la lista definitiva de las mejores canciones donde se grabaron orgasmos …

Donna Summer, Beyonce, Prince, Yoko Ono, Stevie Nicks, Axl Rose, Jane Birkin y Britney Spears, parte de los artistas que grabaron canciones con orgasmos

Infobae(M.Bauso)  —  Son muchas las canciones que hablan de sexo, de sus prácticas. Que cuentan historias de affaires prohibidas, de noches repletas de lujuria, de encuentros secretos.

Es una de los grandes temas de la música moderna. Pero hay una especie de sub género que es el de los temas con sonidos sexuales. En los que a la música y a la letra, los acompañan jadeos, respiraciones quebradas, gemidos.

Y orgasmos, fingidos o reales. Y la grabación de esas canciones muchas veces genera grandes historias o, al menos, leyendas que merecen ser contadas. Los que siguen son algunos (pocos) ejemplos de ellos.

Hace 45 años la Música Disco llegaba para quedarse durante un buen tiempo y poner nerviosos a los rockeros. Fue casi un lustro de dominio de charts y de las pistas.

El baile lo era todo. Terminó con tomatazos en la tapa de las revistas, rotura masiva de discos y desprestigio para quienes habían transitado el género. La reivindicación tardó varias décadas. Pero mientras duró fue muy divertido.

Uno de los primeros grandes éxitos globales fue un tema que llegó a tener casi 20 minutos y 23 orgasmos. Love to love you baby no estaba destinado a ser un suceso. Y mucho menos la plataforma de lanzamiento de dos de las personas que definieron el género.

Donna Summer y su voz (y su actitud), y Giorgio Moroder con su producción futurista, el hombre de las neuronas danzarinas.

Donna había grabado algunos simples y actuaba en obras musicales en Alemania y Austria. Estaba lejos de ser una figura mundial. Cuando esta mujer nacida en Boston entró al estudio, estaba casada con un actor austríaco y tenía una hija de tres años. Su estilo era grandilocuente, imitaba a las divas de Broadway.

Nunca pensó que esa sesión rutinaria le iba a cambiar la vida. Los productores Moroder y Pete Bellotte cortaron rápido el tema y lo hicieron circular entre los Djs europeos. Lo de siempre. La canción se pasaba en las discos y nadie sabía quién cantaba ni quién la había escrito. Pero con este tema pasó algo diferente.

El dueño de la compañía discográfica, Casablanca Records, quedó prendado de esta canción. En sus fiestas (muy habituales) pasaba el disco todo el tiempo. Apenas terminaba, volvía la púa al principio. Era una actividad algo desgastante.

Para no tener que hacerlo le pidió a los productores que volvieran a entrar al estudio y lo extendieran. Debía durar lo mismo que una cara de un LP. Bellotte, Moroder y Donna Summer regresaron y la canción pasó a tener más de veinte minutos y 23 orgasmos. Una especie de orgía disco.

El título incorporó, en este proceso, una palabra que haría todo más sugerente: el Baby final. Ahora era Love to Love You Baby.

 Cuando la canción se convirtió en un hit global y disparó la carrera de Donna Summer hasta convertirla en la Reina de la Música Disco, todos se preguntaban cómo había hecho Donna. Y no se referían a su vocalización.

En cada entrevista le preguntaban por sus gemidos y jadeos. Querían saber si había tenido sexo con alguien en el estudio o si se había masturbado. Ella, con picardía, respondía que se había tocado: que mientras cantaba con su mano derecha acaricia su rodilla, era un tic que tenía.

Lo cierto es que el día en que debían registrar la canción, el estudio estaba lleno de gente. Luego de dos tomas, ella se dio cuenta que no iba a poder hacerlo. Se sentía incómoda, ridícula y expuesta. Los sonidos sexuales le salían torpes, sin gracia. Giorgio Moroder desalojó el estudio. Pero aún así seguía sin funcionar.

Apagaron las luces y la cosa iba mejorando. A Bellotte se le ocurrió prender velas y algún sahumerio para darle clima al estudio pero Donna continuaba algo tensa, no lograba soltarse. Hasta que se le ocurrió acostarse en el piso. Los productores acomodaron los micrófonos, volvieron a apagar las luces y salieron del estudio.

En ese momento todo fluyó. Con los ojos cerrados, olvidando a la cantante de comedias musicales que vocalizaba fuerte, casi a los gritos, Donna Summer grabó Love to Love You Baby. Los expertos contaron 23 orgasmos (fingidos) a lo largo del tema. Un récord de clímax para una canción. Donna Summer empezaba a reinar.

Casi tres décadas después, Beyoncé la homenajeó. En Naughty Girl utilizó el tema de Summer. Hay respiraciones fuertes y entrecortadas, jadeos y el Love to Love You Baby escuchado de fondo, persistente, en toda la canción.

Cuando entraron a aquel estudio alemán, Moroder y Bellotte no sólo tenían un sonido en la cabeza. Querían remedar la atmósfera profundamente sexual de un tema que había sido hit unos años antes. Una canción orgásmica, que levantaba la temperatura de cualquier lugar en que sonara: Je T’aime… moi non plus de Sege Gainsbourg y Jane Birkin.

Gainsbourg había compuesto y grabado el tema en 1967. Su compañera había sido Brigitte Bardot, el mayor sex symbol de su tiempo (y tal vez de todos las épocas). La canción rebosa transpiración y sexo. Pero eso que para algunos puede ser una virtud, para otros es un problema grave.

Por ejemplo, para Gunther Sachs, multimillonario marido en ese entonces de Bardot, que prohibió la difusión del tema (una confesión a los gritos de infidelidad) bajo el castigo de retirarle de por vida toda asistencia económica a la actriz.

Dos años después, Gainsbourg tuvo una nueva posibilidad de desempolvar la canción. Conoció a la actriz Jane Birkin, 18 años más joven que él en el set de la película Slogan. Ella poseía una belleza arrobadora y venía de filmar Blow Up.

La pareja se encerró en una diminuta cabina de grabación para cantar el tema. Se abrazaron y fijaron la pista vocal más caliente de la historia.

Con el tiempo, Jane Birkin contó que en medio de la grabación Serge se alejó de ella, la soltó y comenzó a dirigir sus entradas con leves movimientos de las manos como un director de orquesta.

Esta declaración dinamitó fantasías, leyendas y versiones sobre lo que había ocurrido en esa estrecha cabina de grabación. Gainsbourg, una vez pasada la polémica, dijo: “Por supuesto que no hubo sexo en el estudio. De haberlo habido en vez de un simple, hubiera sido un disco doble”.

Je T’aime… moi non plus llegó a la cima de los charts de Inglaterra y de muchos otros países.

Una canción caliente que disparaba las fantasías de los oyentes y que lo enloquecía con esos gruñidos, voces sugerentes, versos lúbricos (El amor físico es un callejón sin salida/ Voy y vengo/ Entre tus riñones/ Voy y vengo/ Te espero) y los gemidos finales de Jane Birkin.

Para crear algo más de expectativa, en la portada de los simples aparecía la leyenda: Prohibido para menores de 21 años. En muchos países, la canción no fue resistida y la censura hizo su aparición.

Fleetwood Mac tiene una historia de tórridos amores internos, infidelidades cruzadas y escándalos sexuales. La grabación de Tusk en los años setenta con las dos parejas rompiéndose John y Christine McVie, Stevie Nicks y Lindsey Buckingham, sumada a la relación paralela entre Stevie y Mick Fleetwood, fueron el paisaje para las sesiones más turbulentas de la historia del pop y para un disco que en medio del caos logró transformarse en un obra maestra.

Fleetwood Mac alcanzó el estrellato pero las tensiones terminaron por detonar el grupo. A mediados de los ochenta se volvieron a reunir: demasiados viejos éxitos todavía vivos como para desperdiciarlos.

Pero también grabaron material nuevo. Tango in the Night no llegó a tener la estatura de sus trabajos anteriores pero es un disco más que digno. Everywhere, Seven Wonders y Little Lies están ahí para atestiguarlo. También Big Love, el primer corte.

La canción, compuesta por Lindsey Buckingham, estaba destinada a integrar el tercer álbum solista del músico. Pero la ofreció al grupo para esa nueva reunión.

La segunda mitad del tema es una contienda de gemidos y jadeos. Uh Ah, Uh Ah. Un hombre y una mujer. La intensidad va aumentando.

El clima toma altísima temperatura hasta que se produce el estallido a dúo. Muchos creyeron que la canción significaba un reencuentro entre Lindsey y Stevie que se habían separado en pésimos términos en la época de Tusk. Nada de eso. Una vez más la imaginación del público fue más frondosa que la realidad. Aunque sorprenda, ambas voces están hechas por Buckingham.

Prince fue un experto en calentar sus canciones. Desde la temática, la actitud escénica, la música y el juego de respiraciones agitadas y gemidos. Get Off, Cream, Come, Head. Relaciones, masturbaciones, felaciones, el sexo siempre estuvo presente en sus creaciones.

Debe ser la estrella con mayor cantidad de canciones lúbricas. El tema final de su álbum Come brinda lo que su título promete. Orgasm es breve. Hay ruido de olas rompiendo, la voz sensual de Prince incitando a una mujer a acabar, alguna guitarra distorsionada que se apaga para que sólo quede esta chica alcanzando un orgasmo estruendoso.

En el booklet del CD, Prince la agradece a la mujer que llama “She Knows” (Ella Sabe). Los fanáticos del de Minneapolis están convencidos que la chica del tema no estaba fingiendo y que Prince grabó la relación para poder usarla en su CD.

El otro ícono pop de los ochenta (y de las décadas posteriores) que siempre tuvo una relación desprejuiciada con el sexo fue Madonna. Provocadora y desafiante, no tuvo problema en hacer papeles cinematográficos con varias escenas eróticas, editar un libro con sus desnudos o realizar coreografías más que sugerentes. Naturalmente tiene su festival de gemidos grabados: Justify my Love.

Britney Spears, otra que reinó en el pop, y gustó de la controversia hasta que las tormentas personales, familiares y mediáticas la destrozaron, tuvo su certamen de respiraciones agitadas, percusivas, en I’m a Slave 4 You.

Rocket Queen de Guns & Roses esconde una buena historia. En la mitad del tema que cierra el disco con el que la banda se dio a conocer al mundo, aparecen unos gemidos femeninos que van ganando en intensidad. Cuando llegan a su pico se mezclan con un torbellino de guitarras y la demoledora batería de Steve Adler, uno de los baluartes de la canción.

La historia detrás de esos gemidos se conoció con el tiempo. Adriana Smith tenía 19 años y era novia del baterista de la banda.

Pero en una interrupción de la grabación, la chica intercambió palabras (y fluidos) con Axl Rose. Los dos, tapados de sustancias y ahogados de alcohol, habrían creído que los refugiaba la oscuridad de la sala de grabación. El ingeniero de sonido tomó registro de la actividad sexual.

Y un fragmento de eso es lo que se escucha en el tema. Adriana confirmó hace unos años la historia (no sabemos ya si porque era cierta o porque prefirió habitar la leyenda): “Lo hice por la banda y por una botella de Jack Daniels”, sostuvo.

Tampoco se conoce si la energía con la que Adler acomete sus parches está relacionada con que estuviera enterado del affaire entre su novia y su amigo. Otra versión indica que la grabación del sexo estuvo planificada y que duró alrededor de media hora.

Que Axl y Slash querían sonidos orgásmicos en media de su canción y no querían que fueran fingidos. Hasta se dice que en medio de la sesión, uno de los ingenieros de sonido entré al estudio para acomodar mejor los micrófonos.

La Rocket Queen que inspiró la letra, sin embargo, fue otro chica. Barbi von Greef tenía 18 años y era protagonista de la escena underground de Hollywood y fascinaba a Axl Rose, que le dedicó esta furiosa canción de amor.

En Double Fantasy, el último disco de John Lennon, lanzado pocas semanas antes de su asesinato, las canciones se alternan, a uno de John le sigue una de Yoko. La primera de ella fue un módico éxito. Siempre experimental, adelantada a sus días, Kiss Kiss Kiss es un tema incómodo pero pegadizo que figuraba en la cara B del primer single.

La canción finalizaba con un estridente orgasmo de ella. La grabación de esa sección del tema adquirió ribetes legendarios. En algunas de las entrevistas les preguntaron cómo lo hicieron ante la ola de rumores que sostenían que era fruto del registro de un acto sexual de la pareja o de una práctica masturbatoria de Yoko.

John con su picardía habitual para responder las consultas contó que nadie sabía bien qué había sucedido ya que vaciaron el estudio y pusieron un biombo entre la cabina de grabación y la sala. Sólo quedaron él y el productor quienes nada más podían escuchar a Yoko, oculta detrás del biombo.

Ella, por el contrario, decía que sólo se trató de una actuación, que para eso era una artista.

A fines de la década del 80, el DJ norteamericano Lil Louis tuvo un tremendo hit dance con un largo tema de casi diez minutos. Se llamó French Kiss.

La primera mitad eran bases electrónicas, la cadencia típica del tecno. Pero en un momento se deja escuchar una mujer jadeante. Con sus gemidos, la base va cambiando, se acomoda al ritmo de la mujer jadeante.

Se acelera, se ralentiza, entra en una meseta. la base se agita y la respiración ahogada femenina gana protagonismo y ya domina el tema hasta que alcanza el orgasmo.

nuestras charlas nocturnas.

mayo 27, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

La belleza femenina (Un recorrido histórico por los cánones más importantes) …

mayo 27, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario