elhistoriador.es/topmitologias.com — El Grifo fue un animal fabuloso, presente de forma ininterrumpida en la mitología de las civilizaciones de Oriente Próximo y Asia occidental, cuya forma varía con el tiempo, si bien siempre es fácilmente reconocible ya que combina un cuerpo de león con cabeza, pecho, alas y garras de águila.
Ésta morfología puede presentar variantes: la cabeza puede ser de buitre o, sobre todo en las representaciones mesopotámicas, de león.
Las patas pueden ser todas de león o todas de águila, o bien aparecer dos y dos. Es posible también que el cuerpo del felino aparezca alado y sea más pequeño, del tamaño de un lobo, y ocasionalmente puede tener cola de serpiente. Otras veces se le atribuía cuerpo de león, pero con cabeza y alas de águila, orejas de caballo y una cresta con aletas de pez.
Por otra parte, la postura del grifo no es uniforme: aparece amenazador y rampante, como custodio de un trono real, como montura de un dios o, simplemente, como un animal de presa.
Lo mismo se puede decir respecto a su color; el historiador griego Ctesias decía que estaba cubierto de plumas rojas en el pecho y negras en el cuerpo, azules en el cuello y blancas en las alas, pero en época bizantina, cuando el grifo consolida por completo su carácter solar, es totalmente blanco.
De todo lo anterior se deduce que el grifo reunía en sí los caracteres físicos de los dos animales más poderosos de la tierra y del aire, el león y el águila.
Era regente del aire y también de la tierra. Esta imagen de imponente poder se refleja en la etimología del nombre, pues grifo parece provenir de la raíz indoeuropea grah, ‘agarrar’, en referencia a la condición rapaz y agresiva de este animal.
Las imágenes del grifo más antiguas remiten por igual a Mesopotamia y Egipto, lo que no permite saber con exactitud cuál fue su lugar de origen. Sin embargo, sí parece probado que esta figura mítica conoció un enorme éxito iconográfico y se fue dispersando hacia Palestina y Siria, y de allí hacia Grecia.
Del arte griego pasó luego al etrusco y, más tarde, al bizantino. Los artistas medievales también incorporaron esta figura a sus composiciones; así, aparece en el Libro de Alexandre o en los relieves de la catedral de Santiago de Compostela.
Con el paso del tiempo, los caracteres del grifo se fueron definiendo.
Quedó convertido en un ave cuadrúpeda de enormes garras, con uñas del tamaño de los cuernos de un buey, capaces de aferrar el cuerpo de un caballo o de un hombre completamente armado y transportarlo por los aires (las garras eran tan grandes que se podía fabricar una taza o un vaso con cada una de ellas; de hecho, durante la Edad Media se comerció frecuentemente con supuestas garras de grifo, en la creencia de que cambiaban de color si se introducía un veneno en ellas).
Cuando el grifo echaba a volar, el viento que producían sus fuertes alas bastaba para derribar a los hombres. Los grifos vivían en los montes Hiperbóreos, en algún punto de Escitia, en lucha constante con los arimaspos, los cuales intentaban robarles el oro y las esmeraldas que colocaban en su nido como talismán contra las alimañas venenosas del monte.
Los enemigos naturales del grifo eran los hombres, a los que no temía en absoluto, y los caballos. De su enorme hostilidad hacia este animal da cuenta el hecho de que Virgilio no encuentra imagen más significativa para describir las bondades de la Edad de Oro que decir que en esta época incluso los caballos se mezclaban con los grifos (posteriormente esta idea hará fortuna en la figura del Hipogrifo).
Lo verdaderamente increíble de este animal, cuya presencia es constante en la mitología de la zona mediterránea y de Oriente medio desde hace seis mil años, es que nunca ha dado lugar a una auténtica leyenda mítica. En efecto, tan sólo dos apuntes existen referentes al grifo: uno es la lucha contra los grifos custodios del oro, y el otro el viaje por los aires de Alejandro Magno.
Es en Grecia donde aparece por primera vez el motivo de la lucha entre los hombres y los grifos en un poema del siglo IV a.C., titulado Arimaspeia, del que por desgracia no se conservan más que seis versos. El autor del relato, el poeta Aristea de Proconeso, cuenta su viaje hacia el país de los hiperbóreos, la tierra del dios Apolo, quien le había inspirado su obra.
«GRIFO» tallado en piedra en una balconada de la C/ Mayor de Orihuela (Alicante)
Durante el camino se había encontrado a los arimaspos, unos extraños seres ciclópeos, en lucha perpetua con los grifos para apoderarse del oro que éstos custodiaban.
Un siglo más tarde el historiador Heródoto retomó la historia y escribió que los grifos construían nidos de oro.
La segunda leyenda relacionada con el grifo aparece ya en época medieval, en el Libro de Alexandre, reconstrucción fantástica de la vida del emperador Alejandro Magno, en la cual el macedonio se convierte en un héroe en el que confluyen motivos religiosos, caballerescos, legendarios, etc., capaz de realizar numerosas proezas.
Entre ellas está la de enganchar en su carruaje dos grandes grifos.
El macedonio, ya conquistada la tierra, decide a emprender la conquista del cielo; asciende a una elevada montaña cercana al Mar Rojo y ordena construir una especie de cesto que sujeta con cadenas a unos grifos.
Alejandro idea entonces una treta para conseguir que los grifos levanten el vuelo.
Sentado en el interior de la barquilla, sujeta en sus manos dos largas pértigas de madera en cuyo extremo había colocado unos trozos de carne que caían justo delante del pico de los animales; así pues, éstos, en su afán de alcanzarla, echan a volar.
Después de sobrevolar la tierra durante el tiempo suficiente para verla como una isla rodeada del océano, la extraña aeronave cayó al agua, al parecer sin consecuencias trágicas para el rey. Se trata éste de un motivo recurrente en la iconografía mundial a lo largo de la historia que, como el anterior, no ha permanecido en el imaginario colectivo.
Los antiguos hebreos consideraron que el grifo representaba Persia y su religión dualista, el zoroastrismo, pero básicamente el grifo fue siempre -como tantos otros híbridos- una figura guardiana.
En la Creta minoica representó la valentía vigilante, y así también lo consideraron los antiguos griegos, convencidos de que los grifos protegían los tesoros de oro en Escitia e India.
Para los romanos, el grifo fue el emblema de Apolo, el dios del sol, y estuvo relacionado con Atenea, diosa de la sabiduría y con Némesis, diosa de la venganza.
Con la llegada del cristianismo, el grifo se convirtió en la imagen de venganza y la persecución y, ya en época medieval, fue uno de los pilares de los bestiarios cristianos, pues pasó a simbolizar la naturaleza dual -humana y divina- de Cristo.
En cualquier caso, el grifo siempre mantuvo su carácter guardián pues imágenes suyas en piedra -a modo de gárgolas- custodian frecuentemente los templos y palacios en la arquitectura gótica de la Baja Edad Media.
El origen de este vocablo sigue siendo incierto, ya que puede estar vinculado con el término griego “grypos”, que quiere decir “corvo”, o “ganchudo”, entendiéndose éste como el significado de grifo en la mitología griega. Pero igualmente puede que sea cesión de cierta lengua semítica de la misma procedencia que generó al hebreo “kruv”, querubín, tal cual el acadio “karūbu”, criatura de alas.
Nombres del Grifo en la Mitología
Se cuenta que los grifos pertenecen a varias regiones al igual que se ubican en varios continentes como Asia y Europa, por lo que de acuerdo a su localidad, le asignan nombres a estos seres. A continuación referimos algunos:
Lammasu
Numerosas seres mitológicos de la antigüedad son semejantes al grifo. Entre ellos están incluidos el Lammasu, la divinidad protectora asiria en ocasiones personificada con cuerpo de toro o de león, alas de águila y cabeza humana.
Anzú
La cosmogonía sumeria y acadia tiene al demonio Anzú, mitad hombre, mitad ave, vinculado al dios superior del cielo Enlil. Era un ave-tormenta celestial asociada con el viento del sur y las nubes de tempestad.
Ziz
La mitología de los judíos relata acerca del Ziz, que evoca a Anzú, así como al Fénix de Grecia. La Biblia alude al Ziz en Salmos 50:11. Es parecido al Querubín. El querubín, o esfinge, era famoso en la iconografía fenicia.
Minoico
En la ancestral Creta, los grifos eran muy célebres, simbolizados en diversos medios. El Genio Minoico era una ser semejante.
Garuda
En el credo hindú, Garuda es una ser semejante a un ave que sirve de cabalgadura (vájana) para el dios Visnú. Igualmente es la denominación de la constelación del Águila.
Las Palomaespines
Corresponde a una clase de grifos y como otros, se debate sobre su especie y si son híbridos o criaturas naturales. Un examen físico nos dice que es una combinación de águila con leopardo.
El Arce
Es otro clase de grifo que ha sido personificado como un león con cabeza aguileña y púas, pero carente de alas.
El Grifo Wayne
Con tamaño similar al de un burro, con gran rapidez para atrapar a sus presas. Reposa sobre los árboles de gran altura.
El Grifo Polares
Posee gran destreza en el aire y con su pico pueden quebrar hasta los huesos de mayor dureza. Es muy eficiente en la cacería y sus víctimas predilectas son los venados. Conviven en pareja y crían a sus retoños hasta los dos años cuando los adiestran en la caza y en la autodefensa.
Grifo e Hipogrifo
El Hipogrifo, igualmente es una bestia mitológica, que surge del cruce de un grifo con una yegua. Es parte águila y parte caballo, poseyendo en su parte anterior la fisionomía del águila, su cabeza, pecho, alas y filosas garras.
Este ser híbrido y místico, que ha sido una de las de mayor presencia en relatos y fábulas, así como en poemas, efigies y cuadros u cualesquiera otra manifestación artística.
Representaciones del Grifo
El grifo en la mitología, gracias a su portentosa presencia, ha sido parte de las letras y la arquitectura desde hace siglos, pero la modernidad ha facilitado la generación de multiplicidad de nichos informativos y de uso extendido que la imagen del grifo se ha hecho más popular que nunca.
Significado Heráldico
En la heráldica, la combinación de león y águila en el grifo recibe el reconocimiento de valentía y arrojo, viendo siempre a vigorosos monstruos. Se utiliza para significar fortaleza, brío militar y liderazgo. Los grifos se representan con la parte posterior de un león, la cabeza aguileña, orejas erguidas, pecho de plumas con patas anteriores de águila, portando garras. Esta descripción indica una mezcla de inteligencia y vigor.
En la heráldica inglesa, se exhibe un grifo macho carente de alas, con su físico recubierta por penachos y púas, con un modesto cuerno emergiendo de su frente tal cual un unicornio. Regularmente se muestra al grifo femenino llevando alas.
Arquitectura
Las efigies que señalan el ingreso a la Ciudad de Londres se confunden ocasionalmente con grifos, cuando ciertamente son dragones (Tudor), que sustentan el escudo de la ciudad. Se diferencia de los grifos por sus alas colmada de membranas más que de plumas.
En la Literatura
Lucio Flavio Filóstrato hace alusión al grifo en “La vida de Apolonio de Tiana”:
Con referencia al oro que sacan del suelo los grifos, hay unas rocas matizadas por los salpiques del oro como chispas, que arranca esta bestia por la fortaleza de su pico; ya que estas criaturas existen en la India y se les adora como ungidos al Sol, y por ello uncen cuatro de ellos en las efigies de quienes simbolizan en la India al Sol.
En tamaño y fortaleza son similares a leones, pero por la virtud de sus alas, los agreden a ellos mismos. Son inclusive mas potentes que elefantes y dragones. Su vuelo no es muy alto, sino como las aves de breves vuelos, pues no disponen de alas, como es usual entre las aves…
…sino que tienen trenzadas sus plantas con unas membranas rojizas y, virándolas, les es posible volar y luchar desde la altura; el tigre es el único que no esta a su alcance, porque su rapidez lo compara a los vientos.”
~ La vida de Apolonio de Tiana
Los grifos de los indios y las hormigas de los etíopes, si bien se distinguen por su forma, no obstante, según dicen, son de los mismos objetivos, pues se les alaba a ambos como custodios del oro, al mostrar su predilección por las tierras auríferas de ambas naciones.
~ La vida de Apolonio de Tiana
El grifo en la mitología es parte frecuente en la poesía persa, siendo Rumi uno de aquellos poetas que redactan refiriéndose a los grifos. En su Divina Comedia, Dante Alighieri, en el canto XXIX del Purgatorio, se muestra un grifo arrastrando un carro en un sueño de Dante. Su parte aguileña es de oro al tanto que la de león es roja, tomándose como una referencia a la sustancia humana de Cristo (la combinación de blanco y bermejo da lugar al color de la carne).
En el libro “El hijo de Neptuno” de Rick Riordan, Percy Jackson, Hazel Levesque y Frank Zhang son asediados por grifos en Alaska. En la fábula Harry Potter, Albus Dumbledore tiene un picaporte con figura de grifo. Asimismo, el apellido de Godric Gryffindor es una variedad del francés griffon d’or (grifo dorado).
Pomponio Mela: “En Europa, la precipitación constante de nieve hace que los sitios cercanos a las montañas Rifeas sean tan escabrosos que, además, impiden que quienes viajan allí intencionadamente vean nada. Luego viene una zona de suelo muy fértil pero inhóspito a causa de los grifos, una casta de bestias salvajes, que adoran el oro que se saca de lo profundo de la Tierra, y que resguardan con fascinante animosidad ante quienes se acercan allí”.
Isidoro de Sevilla: “Los grifos son denominados así debido a que son cuadrúpedos con alas. Esta clase de criatura salvaje se localiza en las cumbres hiperbóreas. En casi todo parte de su físico son leones, al tanto sus alas alas y cabeza son de águilas, y son feroces adversarios de los caballos. Por otra lado descuartizan en trozos a los hombres”.
Usos Modernos
El grifo es un emblema del Museo de Arte de Philadelphia; entramados de bronce se sustentan en cada rincón del techo del museo, resguardando la colección. De modo parecido, previo a la primera mitad de la década de 1990, un grifo era parte del logo del Midland Bank (ahora HSBC).
El grifo es el logotipo de United Paper Mills, Vauxhall Motors, Scania y su conglomerado anterior de SAAB-Aircraft y SAAB-Automobile. El mas reciente avión caza fabricado por SAAB-Aircraft lleva la denominación de “Gripen” (Grifo), pero a causa de la competencia pública. General Atomics ha empleado el vocablo “Ojo de Grifo” para su sistema de vigilancia fundamentado en una avión de uso civil Hawker Beechcraft King Air 35FR.
La efigie “Grifo” de Veres Kalman se encuentra en el patio anterior del camposanto Farkashegyi en Budapest, Hungría.
Los grifos, como otros seres de fábulas, se muestran frecuentemente en el género de filmes fantásticos. Ejemplos de ello son las franquicias dirigidas a la fantasía como Warhammer Fantasy Battle, Warcraft, Heroes of Might and Magic, Dungeons & Dragons, Ragnarok Online, Harry Potter, Las Crónicas de Spiderwick, My Little Pony, La Magia de la Amistad y La batalla por Wesnoth.
Emblemas Escolares y Mascotas
La cresta del Trinity College de Oxford (1555) está conformado por tres grifos, proveniente de la cresta familiar del fundador Sir Thomas Pope. Su cofradía de debates es nombrada como El Grifo, y según señala su maestro emérito es una de los asociaciones de debate más añejas del país, aún más antigua que la célebre Oxford Union Society. Los grifos igualmente son las mascotas de la VU University Amsterdam, Reed College y Sarah Lawrence College.
El sello formal de la Universidad de Purdue fue admitido en su centenario en 1969. El sello, autorizado por el cuerpo directivo, fue delineado por el profesor Al Gowan. Sustituyó al sello no oficial que se vino utilizando por 73 años.
The College of William and Mary en Virginia reemplazó su mascota por un grifo en abril de 2010. Se escogió al grifo por su mezcla del león inglés y el águila americana.
La Escuadra de Apoyo 367º y el 12ª Brigada de Aviación de Combate exhiben grifos en sus distintivos.
Es el amuleto del St Mary’s College, uno de las 16 de la Universidad de Durham.
Es el amuleto del Colegio Público de Toronto GLenview Senior, así como su denominación en sus equipos deportivos.
La mascota del L&N STEM Academy en Knoxville, Tennessee, una institución pública de ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas, es un grifo. El grifo fue incorporado en el equipo de robótica.
La mascota de la escuela pública Charles G. Fraser en Toronto es un grifo, constituyendo parte de la ilustración de su logotipo.
La mascota del Instituto Colegial de Glebe en Ottawa es un grifo, siendo igualmente la denominación de su equipo Glebe Gryphons.
El grifo es el amuleto formal del Chestnut Hill College en Pennsylvania.
Es el amuleto del Leadership High School en San Francisco, escogido por el cuerpo de estudiantes por voto popular por el Golden Gate University Griffins, donde funcionaban de 1997 a 2000.
En realidad, toda esta enorme difusión del grifo parece deberse a su aspecto formal, elegante y vigoroso, el cual se presta a un papel emblemático y simbólico, antes que a una fabulación mítica. Esta es quizá la razón que explica el dilatado uso de esta figura en heráldica, donde siempre ha representado la fuerza y la vigilancia.
BBC News — En el vigésimo aniversario del atentado más mortífero en suelo estadounidense, el Buró Federal de Investigaciones (FBI) publicó un documento que analiza las posibles conexiones entre varios ciudadanos sauditas en Estados Unidos y dos de los atacantes del 11 de septiembre de 2001.
Los familiares de las víctimas de los ataques de las Torres Gemelas llevaban años solicitando la divulgación de estos archivos clasificados, argumentando que los funcionarios sauditas habrían tenido conocimiento previo del atentado pero que no intentaron detenerlo.
De los 19 secuestradores de los aviones, 15 eran ciudadanos sauditas.
Sin embargo, el documento —el primero de varios que se espera que sean hechos públicos— no proporciona ninguna evidencia de que el gobierno saudita hubiera estado vinculado o tuviera conocimiento del complot contra las Torres Gemelas.
Antes de la desclasificación, la embajada saudita en Washington se mostró a favor de que los archivos se sacaran a la luz, y una vez más negó cualquier vínculo entre su país y los secuestradores, señalando que tales afirmaciones son «falsas y maliciosas».
El documento es el primero de varios que se espera que sean desclasificados en los próximos meses.
¿Qué dice el documento?
El documento del FBI de 16 páginas se basa en entrevistas con una fuente cuya identidad está clasificada (nombrada como PII) y describe los contactos entre varios ciudadanos sauditas y dos de los secuestradores, Nawaf al-Hazmi y Khalid al-Midhar.
Ambos se hicieron pasar por estudiantes para ingresar a Estados Unidos en el año 2000.
El memorando del FBI dice que luego recibieron un apoyo logístico significativo de Omar al-Bayoumi, quien, según testigos, era un visitante frecuente del Consulado de Arabia Saudita en Los Ángeles a pesar de que su estatus oficial en ese momento era el de estudiante.
Según la fuente del FBI, Bayoumi tenía «un estatus muy alto» en el consulado.
«La asistencia de Bayoumi a Hamzi y Midhar incluyó traducción, viajes, alojamiento y financiación», dice el documento.
Por otra parte, el archivo del FBI también asegura que hubo vínculos entre los dos secuestradores y Fahad al-Thumairy, un imán (líder musulmán) de la mezquita del rey Fahad en Los Ángeles, a quien las fuentes citadas describen como «de creencias extremistas».
Tanto Bayoumi como Thumairy abandonaron Estados Unidos semanas antes de los ataques del 11 de septiembre, según la agencia de noticias AP.
La agencia también citó a Jim Kreindler, un abogado de los familiares de las víctimas del 11 de septiembre, diciendo que el documento publicado «valida los argumentos que presentados en el litigio sobre la responsabilidad del gobierno saudí en los ataques del 11 de septiembre».
El mes pasado, una demanda iniciada por familiares llevó a que varios altos exfuncionarios sauditas fueran interrogados bajo juramento.
Las administraciones precedentes, las de George W. Bush, Barack Obama y Donald Trump,se negaron a desclasificar los documentos, citando como argumento la seguridad nacional.
Pero el actual presidente Joe Biden ordenó la semana pasada una revisión de los documentos y les pidió a los funcionarios que publicaran lo que pudieran durante los próximos seis meses.
Durante mucho tiempo se ha especulado sobre vínculos oficiales sauditas con el atentado, dado el número de ciudadanos de ese país involucrados y los antecedentes del líder de al Qaeda, Osama bin Laden.
Estados Unidos y Arabia Saudita han sido aliados durante mucho tiempo, aunque a veces la relación ha sido compleja.
El anterior presidente estadounidense, Donald Trump, fortaleció los lazos entre su país y la monarquía absoluta.
Pero Biden calificó a Arabia Saudita de «paria» después de que en febrero de este año un informe de inteligencia de Estados Unidos implica al príncipe heredero, Mohammed bin Salman, en el asesinato del periodista Jamal Khashoggi, ocurrido en 2018. Bin Salman niega haber ordenado el asesinato, que tuvo lugar en el consulado saudita en Estambul.
El corresponsal de seguridad de la BBC, Frank Gardner, afirma que desde entonces Biden ha suavizado su postura hacia el que es el hombre más poderoso de Arabia Saudita, reflejando la importancia de la alianza entre ambos países.
Yorokobu(A.M.I.Botrán) — El Palacio de Versalles olía a orín, por mucho que durante los siglos XVII y XVIII fuera centro de ostentación y poder, y que los tres reyes que lo habitaron, Luis XIV, Luis XV y Luis XVI, hicieran de él un hogar de lujo donde se desarrolló la historia de la monarquía francesa.
Algo olía mal en Versalles: así lo detalla Georges Vigarello en su libro Lo limpio y lo sucio. La higiene del cuerpo desde la Edad Media, y así lo muestra también el documental disponible en el canal Arte sobre la higiene a través de los tiempos.
Vigarello dice que cada época tiene la sensación de que es la más limpia, pero la mirada desde el siglo XXI nos puede parecer cuanto menos sorprendente.
Cartón de tapicería encargado por Luis XIV. La escena tiene lugar en el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles. (Claude-Guy Hallé, 1715).
Miedo al agua
La mortífera epidemia de peste generó mucho miedo al agua. En Francia, en los siglos XVII y XVIII el contacto con el agua se consideraba peligroso y no se usaba en ningún caso caliente para lavarse. Pensaban que los poros abiertos podían dejar entrar enfermedades y que los baños provocaban pérdida de fuerza vital, abortos e infertilidad.
Sin embargo, sí se creía que podría tener propiedades curativas para determinados males.
El lavado corporal era en seco, y el de los reyes y reinas, público. Por la mañana, lo primero que hacían tras levantarse era enjuagarse las manos con agua ante un selecto grupo de nobles. Era el único contacto con el agua ya que la higiene corporal se hacía frotando el cuerpo con telas de algodón perfumadas.
La limpieza del cuerpo no era importante, pero sí la de la ropa interior. De hecho, se la cambiaban varias veces al día. La lencería tanto de hombres como de mujeres era una especie de camisón holgado. Estas prendas eran muy caras y, por lo tanto, una forma de mostrar el estatus social y económico.
Por eso se dejaban a la vista los lujosos encajes en los puños y en los cuellos. Tal era su valor, que hasta se inventariaba en los testamentos.
El pelo tampoco se lavaba con agua. Con suerte, sólo tenían piojos a veces. Existía un champú seco, y para evitar olores el pelo se empolvaba, lo que provocaba la caída prematura del cabello. Una razón de peso para ponerse de moda las pelucas, que a menudo provocaban dolores y molestias en la nuca.
Cama de Luis XIV en el Palacio de Versalles.
Orina para el mal aliento
Los dientes de la mayoría estaban sucios y con caries. Eso quien tuviera la suerte de conservar la dentadura, ya que solían tener las bocas con infecciones de encías, y pérdidas de piezas dentales. De ahí que en casi todos los retratos aparezcan con la boca cerrada y sin casi sonreír.
Para limpiar los dientes se frotaban con un saquito de tela relleno de polvo de mármol y algunas raíces. Para disimular el mal aliento se masticaba tabaco o hierbas aromáticas. En algunos casos, los enjuagues bucales se hacían con orina.
Maquillaje de plomo
Maria Antonieta retratada por Élisabeth Louise Vigée Le Brun en 1783.
Había que cubrir los poros y mostrar la cara lo más blanca posible. Un rostro puro significaba tener un alma pura, y para ello no había que tener ni cicatrices ni granos. También era signo de clase social, para diferenciarse de la plebe: estar moreno indicaba que trabajabas y que no pertenecías a la aristocracia.
Para conseguir esta blancura se aplicaban lo que se llamaba el blanc de céruse: unos polvos blancos de plomo. Eran pigmentantes pero también tóxicos y muy astringentes. Secaban intensamente la piel, lo que provocaba envejecimiento prematuro y hasta enfermedades graves en los ojos, en el pecho y en los pulmones.
Para darle gracia y elegancia se pegaban lunares de tafetán, se llamaban mouches (moscas). Se ponían encima de las imperfecciones o las marcas de la viruela. Cada lugar del rostro tenía un significado y se empleaba como juego de seducción. Los labios y las mejillas se pintaban de rojo intenso, dando en conjunto un aspecto teatral e irreal.
Dime a qué hueles y te diré de qué clase social eres
Louis XIV (Charles Le Brun, 1661-1662).
El perfume disimulaba los olores corporales indeseados. También se consideraban un agente purificador; los perfumistas casi eran curanderos cuyas creaciones podían ahuyentar los males y curar enfermedades. Era, por supuesto, un signo de rango social y había un perfume para cada estamento.
Madame de Montespan.
En general, se usaba el perfume de las flores de cada estación. El favorito de la amante de Luis XIV, Madame de Montespan, era el de flor de naranjo.
La reina Maria Antonieta tenía uno creado para especialmente ella: el perfume de mil flores, la máxima expresión del lujo al estar realizado con flores de todas las estaciones.
Se cuenta que Madame de Montespan se ponían mucho perfume, y que el rey Luis XIV no lo soportaba. Al rey, un dentista le había dejado si paladar por accidente en una intervención. A los 50 años no tenía dientes, lucía una boca de anciano y padecía de una gran sensibilidad a los olores. Se mareaba con el perfume de Montespan y le rogaba que dejara de usar aromas tan intensos. Pero ella no le hizo caso y nunca dejó de perfumarse; se dice que esta podría ser una de las razones por las que el rey la abandonó.
Orinar: paredes y palanganas
Pero por mucho que perfumaran y se llamara la cour parfumée (la corte perfumada), Versalles atufaba a orines.
El rey tenía su famosa chaise percée (un váter, vaya) y había también de este tipo instalados en los apartamentos de la nobleza. Pero el palacio es enorme y a veces no había tiempo para llegar. Además, allí vivían unas cuatro mil personas y era transitado por otras cientos a diario, de modo que los hombres orinaban donde podían, normalmente en las paredes de los patios.
Las mujeres solían llevar consigo una palangana, a veces escondida en un falso libro titulado “Voyage aux Pays Bas” (Viaje a los Países Bajos), y cuando lo necesitaban, se levantaban la falda, orinaban en el recipiente y lo tiraban ahí donde estuvieran.
Había una legión de limpiadores, que trabajaban incansablemente, pero era insuficiente para que los efluvios pudieran ser disipados totalmente: Versalles olía a orines. Por eso llevaban siempre consigo un botecito con hierbas aromáticas, que inhalaban al pasar por ciertas zonas pestilentes del palacio.
Las bañeras de Maria Antonieta a la moda
Bañera octogonal en mármol rojo.
Las bañeras eran un mobiliario poco frecuente y poco utilizado. Sin embargo, Luis XIV regaló a Madame de Montespan un lujoso apartamento de baños en la planta baja del palacio. Tenía 5 salas y una de las tres bañeras era octogonal, de tres metros de diámetro y uno de profundidad, realizada en una sola pieza de mármol rojo de Flandes.
Cabían varias personas, por lo que sus fines eran quizá más eróticos que higiénicos.
Las obras para mejorar el estado sanitario de París contribuyeron al acceso al agua limpia. La reina Maria Antonieta se hizo instalar entonces en una habitación del palacio dos bañeras, una para lavarse y otra para aclararse; con una cama para descansar del perturbador trance del paso por el agua.
En su palacete el Petit Trianon, también tenía una sala de baños. La reina interviene por lo tanto en el auge de las ventas de bañeras en la década de los sesenta del siglo XVIII, y contribuye a la difusión de práctica del baño entre la nobleza y la burguesía.
Sala de baño de los aposentos de María Antonieta en Versalles.
Sin embargo, no fue hasta finales del siglo XVIII cuando lavarse con agua comienza a considerarse necesario para la salud, y sólo a principios del siglo XIX se generaliza en París el acceso y uso del agua limpia.
Muy Interesante(J.Álvarez) — Ani fue una ciudad armenia de origen medieval que llegó a tener entre 100.000 y 200.000 habitantes, un perímetro amurallado con hasta 40 puertas y tantos edificios religiosos que se la conocía como la ciudad de las 1001 iglesias. Hoy es un vasto páramo desierto salpicado de ruinas y olvidado.
El problema es que la coyuntura política la dejó en la parte turca de la frontera con Armenia.
No están muy claros los orígenes de Ani, pero se sabe que la localidad fue creciendo a partir de una posición estratégica situada sobre una colina, ya descrita por los cronistas armenios en el siglo V. Yeghishe y Ghazar Parpetsi la mencionan en esa época como una posesión de la dinastía Kamsarakan, una familia noble de origen Parto.
A finales del siglo VIII todas las posesiones de los Kamsarakan fueron incorporadas por la familia Bagratuni, a cuyo fundador Ashot Msaker el califato abasí nombró príncipe de Armenia en el año 804, iniciando una dinastía real.
Sería uno de sus descendientes, el rey Ashot III, quien trasladaría su capital a Ani en 961, convirtiéndola en el centro de su reino y dando comienzo a su desarrollo urbanístico y arquitectónico. El reino armenio bagrátida comprendía la mayor parte de la actual Armenia, pero también del este de la actual Turquía.
Durante los años siguientes Ani se expandió y desarrolló rapidamente, y en 992 se convirtió también en la sede de los patriarcas catholicós (los jefes de la iglesia apostólica armenia). En esa época la población ya alcanzaba quizá los 100.000 habitantes, y seguiría creciendo hasta su época de máximo esplendor bajo el reinado de Gagik I (989-1020).
Luego las luchas por la sucesión harían que el Imperio Bizantino se interesase por la estratégica situación de Ani, en medio de importantes rutas comerciales con Persia y Arabia, y envió a sus ejércitos a conquistar la urbe, que se rindió finalmente en 1046.
Su dominio no duraría demasiado, porque en 1064 los turcos selyúcidas asediaron la ciudad durante 25 días y, tras capturarla, mascraron a toda la población y la redujeron a ruinas.
Según el historiador árabe Sibt ibn al-Jawzi, los muertos eran tantos que bloqueaban las calles, nadie podia ir a ningún sitio sin trepar por encima de ellos. Estaba decidido a entrar en la ciudad y ver la destrucción con mis propios ojos. Intenté hallar una calle donde no tuviera que trepar por encima de los muertos, pero me resultó imposible.
Pero todavía no fue ese el final de Ani. En 1072 los selyúcidas le vendieron la ciudad a los Xadádidas, la dinastía kurda que gobernaría Armenia al menos durante un siglo tras la caída de los Bagratuni.
Para reafirmar su derecho se casaron con miembros de la antigua familia real y ejercieron una política conciliadora con la población principalmente cristiana de la ciudad.
Cuando las cosas empezaron a torcerse los ciudadanos de Ani pidieron ayuda al vecino reino cristiano de Georgia, quienes atacaron y capturaron la ciudad por lo menos cinco veces entre 1124 y 1209. La última vez fue conquistada por la reina georgiana Tamar, quien estableció como gobernadores a sus generales Zakare e Ivane.
El primero se haría definitivamente con el poder, siendo sucedido por su hijo Shahanshah, quien considerándose como el sucesor de la dinastía bagrátida, establecería una nueva, los Zakáridas. La prosperidad volvería a Ani, nuevos edificios se levantarían y las defensas serían reforzadas.
Ello no fue impedimento para que los mongoles la conquistasen en 1226, aunque permitiendo a los zakáridas seguir gobernándola bajo vasallaje.
En los siglos siguientes se sucedieron los asedios, las conquistas por diferentes pueblos, e incluso un terremoto en 1319 y la captura por Tamerlán, el último de los grandes conquistadores nómadas de Asia, en la década de 1380. Finalmente en 1579 pasó a formar parte del Imperio Otomano.
Poco a poco la ciudad fue decayendo y para mediados del siglo XVII apenas quedaba un pequeño poblado en el interior de sus murallas. En 1735 sus últimos habitantes, los monjes del monasterio de Kizkale, abandonaron el lugar, dejándolo completamente desierto.
La ciudad fue redescubierta en la primera mitad del siglo XIX por viajeros y diletantes europeos que dieron cuenta de sus grandes e impresionantes edificios públicos y religiosos, así como de su doble muralla, todavía conservada.
Fue excavada por vez primera en 1892 por el arqueólogo ruso Nicholas Marr, y los trabajos se extenderían hasta 1917, sacando a la luz numerosas construcciones y realizando trabajos de reparación en aquellos en riesgo de colapso. Se creó un museo para albergar las decenas de miles de objetos encontrados en las excavaciones.
En 1918, durante la Primera Guerra Mundial, la recién declarada República de Armenia consiguió evacuar al menos 6.000 de los objetos del museo, mientras los turcos avanzaban sobre Ani. Hoy estos objetos se pueden contemplar en el Museo de Historia Armenia de Yerevan. El resto fue completamente destruído.
Murallas de Ani
Los tratados posteriores a la guerra dieron el control del territorio a Turquía y, en mayo de 1921, el gobierno turco ordenó que Ani y todos sus monumentos fueran eliminados de la faz de la Tierra.
En sus memorias, el comandante turco encargado de llevar a efecto la orden, Kazim Karabekir, afirma que se opuso vigorosamente a ejecutarla y que nunca lo hizo. No obstante, el aspecto actual de la ciudad no parece que eso sea completamente cierto.
Hoy en día Ani se halla en la zona fronteriza militarizada entre Turquía y Armenia, una de las causas de su abandono durante tanto tiempo. No obstante Turquía propuso en 2015 la inscripción de Ani como Patrimonio de la Humanidad, a lo que la UNESCO accedió el 15 de julio de 2016.
Mezquita de Ani
Entre los monumentos que quedan en pie destaca la catedral, cuya construcción comenzó en 989 y finalizó en 1001 siguiendo el diseño de Trdat, el más famoso arquitecto armenio de la Edad Media.
Su estilo tiene muchas similitudes con el gótico europeo, al que precedería varios siglos. Muchas iglesias quedan parcialmente en pie, en ocasiones solo pequeños lienzos o fragmentos de ábsides, lo que da al lugar una apariencia ciertamente fantasmal.
Sorprendentemente el minarete de la mezquita ha sobrevivido intacto, lo contrario que el edificio en sí, que fue el lugar elegido en 1906 para la creación del museo. Asimismo perviven fragmentos de lienzos de las poderosas dobles murallas, y algunas de las torres construidas en ella por diferentes familias nobles durante los siglos XII y XIII.
marcianosmx.com — «Mente sana en un cuerpo sano», esta vieja máxima resume que la salud mental tiene la misma importancia que la salud física, pues como dicen algunos, es imposible separar una de la otra, toda vez que el cuerpo es uno solo.
De acuerdo con un estudio publicado en 2016, aquellas primeras relaciones que establecemos durante nuestra infancia, especialmente con la familia, resultan determinantes en la forma que veremos el mundo el resto de nuestras vidas.
A continuación te presentamos una prueba, elaborada por el sitio Bright Side, que intenta demostrar como esas primeras relaciones terminaron moldeando tu personalidad. Las instrucciones son observar detenidamente los tres grupos de personas que aparecen en las siguientes imágenes y responder.
¿Cuál de estos grupos NO es una familia?
Si has elegido la familia número 1.
Si tu respuesta implica la primera opción, probablemente no seas una persona muy orientada hacia la familia – al menos no en el sentido tradicional. Sueles tratar a tus amigos como tu verdadera familia, y prestarles ayuda te genera un sentimiento de satisfacción y felicidad. Sueles esforzarte continuamente para llevar algo bueno a la vida de todos aquellos que te rodean.
Tal vez creciste sin una figura paterna fuerte, por eso es que siempre haces todo lo posible para estar presente en la vida de aquellas personas que te necesitan – de la misma forma que lo hizo tu madre.
Tal vez esta familia no sea la más feliz, pero todavía es una familia real. Evidentemente, la madre se encarga de cuidar del niño llevándolo de la mano y protegiéndolo de la indiferencia de su padre. No quieres que otros crezcan en las mismas condiciones que te tocó afrontar, es por esto que has elegido esta familia como la falsa.
Si has elegido la familia número 2.
Si has elegido esta opción, probablemente estás muy volcado a las relaciones familiares. Nada es más importante en este mundo que tu familia. Crees en la construcción de relaciones estables y duraderas, siempre basadas en la confianza y el compromiso.
Sueles anteponer las necesidades de tu familia, incluso ignorando las propias, siempre que esto implique hacer feliz a tus seres queridos.
Probablemente notaste que las personas de la imagen no parecen una familia real. Los adultos no prestan atención a la niña, y la pequeña tampoco intenta sostener la mano de algún adulto – incluso podría ser un grupo de extraños caminando juntos. Como eres alguien de familia, fuiste capaz de identificar al instante a la familia falsa.
Si has elegido la familia número 3.
Si terminaste inclinándote por esta opción, probablemente hayas sido criado en el seno de una familia disfuncional. Debido a los traumas de esa infancia, sueles tener dificultad para confiar en las personas. Sueles ser una persona ansiosa e interactuar con los demás muchas veces supone un reto. Vives constantemente preocupado por lo que te depara el futuro, y tiendes a pensar demasiado en las cosas.
Las personas de la imagen parecen una familia amorosa y feliz. Se trata de una familia real. Los padres casi se abrazan mientras caminan, y el hombre sostiene la mano de la niña. Crecer en una familia disfuncional forjó tus perspectivas de cierta forma que te hacen desconfiar en las relaciones saludables. No sientes que algo así puede existir en la realidad, es por esto que has elegido a esta familia como la falsa.
Ibercondor/madriddiario.es/La Vanguardia(A.Martiarena) — 13.052 kilómetros, ocho países, cinco sistema aduaneros, tres cambios de ancho de vía y 16 días -de media- por trayecto. Estas son algunas de las cifras de la ruta de la seda ferroviaria más larga del mundo. La que une Yiwu, al este de China, con Madrid, y que este mes de noviembre cumple su cuarto aniversario.
El romanticismo del periplo por España, Francia, Alemania, Polonia, Bielorrusia, Rusia, Kazajistán y China, al más puro estilo Orient express, choca con el materialismo que le dio origen: establecer una nueva vía comercial más lenta, pero más barata, que las aéreas; y más rápida que las marítimas -45 días-.
Las tarifas de exportación de esta línea son tres veces superiores al precio del envío de un contenedor marítimo, pero seis veces inferior que el envío aéreo de la misma mercancía. Eso hace una media de mil euros de ahorro por cada contenedor.
Es así como dos veces por semana, dependiendo de la temporada, la capital española ocupa la cabecera de un tren que, partiendo del mayor mercado mayorista del mundo, pasa por ocho países abriendo canales de intercambio comercial entre Asia y Europa.
Plano de la ruta Madrid – Yiwu. Fundación Fiye
El tren debe adaptarse a los diferentes anchos de vía existentes a lo largo del trayecto: ancho estándar en China, ancho ruso en Rusia y países exsoviéticos, nuevamente ancho estándar en Europa y finalmente ancho ibérico en España.
Se trata de un convoy de hasta 40 contenedores -más de medio kilómetro de longitud-, que en la ida carga principalmente jamones, aceite, vino productos industriales y bienes de lujo, y que regresa repleto de productos mayoritariamente tecnológicos y de ‘todo a 100’, muchos de los cuales tienen como destino el polígono Cobo Calleja.
El mayor centro comercial de empresarios chinos de toda Europa ubicado en la localidad madrileña de Fuenlabrada.
El catálogo no para de crecer y pronto lo hará exponencialmente tras los protocolos bilaterales establecidos entre con China en materia de porcino, uva de mesa y comida para mascotas, así como en lo referente a vacuno y ovino tras el reconocimiento de España como país libre de gripe aviar y ‘vacas locas’.
Mercancía delicada que, en época invernal, requiere el uso de contenedores especiales llegados de Alemania y equipados con sistemas de calefacción para evitar que las gélidas temperaturas de las zonas que atraviesa el convoy dañen la mercancía antes de llegar al destino.
Sistema de carga de contenedores en la estación de Abroñigal.
Una vez allí, la mercancía se distribuye sobre todo en el delta del río Yangtsé, una de las zonas más prósperas de la segunda economía mundial; en Shanghái y las provincias orientales de Zhejiang (en ciudades como Yiwu o Hangzhou) y Jiangsu (en urbes como Nankín o Suzhou).
Pese al inicio titubeante, que le ha llevado incluso a cambiar de recorrido aparcando su paso por Irún para probar con una ruta que, previo parada en Zaragoza, conecta con Francia a través de Catalunya, al tren de la seda presenta un buen estado de salud a tenor de la reunión bilateral celebrada recientemente entre España y China.
El principal problema, hoy en día, está en Rusia en cuyas aduanas se entorpece el tránsito de mercancías españolas hacia Asia por el embargo impuesto a varios productos agroalimentarios de la Unión Europea. Las negociaciones ayudarían a que el tren superara el 70% de ocupación de carga que actualmente presenta en dirección China.
La opción turista
Son esas dificultades las que, una vez superadas, puedan hacer realidad la implantación de un vagón de pasajeros que imitaría el modelo europeo de Interrail y que doblaría al mítico Transiberiano, que cruza toda Rusia de este a oeste recorriendo 87 ciudades pasando por más de 800 estaciones en un trayecto de 8 días en el que se atraviesan 8 zonas horarias.
La gran incógnita será la del precio. Si un billete de tercera para hacer todo el recorrido del Transiberiano oscila entre los 2.000 y 2.500 euros, los cálculos auguran que para viajar en tren de Madrid a Yiwu -con un organigrama interno que ronda los 100 conductores y vigilantes-, habrá que rascarse el bolsillo.
Cifras mareantes para un periplo sólo apto para viajeros aventureros -las temperaturas en el tramo de Omsk (Siberia), superan de los 30 grados bajo cero- y sin prisa: aunque su velocidad de crucero alcanza los 100 km/h, la media del viaje apenas rebasa los 25 km/h.
Llegada a Madrid del tren inaugural de la nueva ruta de la seda proveniente de Yiwu.
Esta ruta nace de China y llega a Europa a través de nueve líneas de tren principales
Chongging – Duisburg (Alemania)
Chengdu – Lodz (Polonia)
Zengzhou – Hamburgo (Alemania)
Suzhou – Varsovia (Polonia)
Wuhan – República Checa
Changsha – Duisburg (Alemania)
Yiwu – Madrid (España)
Harbin – Hamburgo (Alemania)
Xinig – Amberes (Bélgica)
En noviembre de 2014 se inició el proyecto de la línea de mercancías ferroviaria Yiwu-Madrid, dentro de la vía terrestre de la Ruta de la Seda. El primer tren llegó el 9 de diciembre de 2014 a la Terminal de Abroñigal en Madrid desde Yiwu.
El tren recorre más de 13.000 kilómetros por ferrocarril y es, con diferencia, la línea ferroviaria más larga del mundo. Desde Yiwu por la vía de Kazajistán pasa por Rusia, Bielorrusia, Polonia, Alemania, Francia y llega finalmente a Madrid.
Desde que se inició la ruta en 2014 se ha conseguido reducir el tiempo de tránsito desde Yiwu hasta Madrid de los 21 días iniciales a los 16 días que dura el viaje hoy en día, lo que ha permitido la consolidación de la ruta.
A pesar de que únicamente acoge 40 contenedores frente a los miles que caben en un barco, cada semana parten en dirección a la estación de Abroñigal en Madrid dos trenes desde Yiwu. Además, el llamado “tren de la seda” tendrá parada en Zaragoza a partir de este año y baraja la posibilidad de añadir un vagón de pasajeros que imitaría el modelo europeo de Interrail.
El Yixin’Ou (línea Yiwu-Madrid) traslada productos para los que el factor tiempo es esencial, pudiendo justificar así el coste mayor que supone con respecto a otros medios de transporte. Hablamos, por ejemplo, del sector agroalimentario, con bienes que no solamente son sensibles al tiempo sino también a la humedad, como las mercancías perecederas.
El Instituto Español de Comercio Exterior (ICEX) ha realizado un informe para analizar el estado de desarrollo de la Ruta de la Seda, en el que se recoge que el proyecto aumentará el crecimiento en las economías de los países implicados y, por tanto, incrementará la demanda de los bienes y servicios chinos.
Ventajas del tren Madrid – Yiwu:
El tiempo de tránsito es más corto.
El precio de transporte es más competitivo que el aéreo.
La forma de transporte es ecológica.
La línea férrea, además, acaba de incorporar un canal verde que permite a las empresas superar las gestiones aduaneras con facilidad, así como varios depósitos en Polonia y Alemania para la carga y descarga de mercancías, que multiplican las opciones de intermodalidad.
Esta nueva línea ofrece a los clientes un tercer nuevo método logístico entre el transporte marítimo y el transporte aéreo, que va a traer muchas oportunidades comerciales para las empresas españolas.
Las tarifas de exportación de esta línea son tres veces superiores al precio del envío de un contenedor marítimo, pero seis veces inferior que el envío aéreo de la misma mercancía.
Sin embargo, uno de los principales problemas que presenta la línea Yiwu-Madrid es el que el viaje de retorno no es tan competitivo como el de ida. Son pocas las empresas nacionales que utilizan esta vía para enviar sus productos a China.
Yiwu
Potencial de Yiwu:
Yiwu es una zona popular por el comercio minorista, un “hub” para las pequeñas y medianas empresas chinas al que llegan productos de todas partes del país, pero no de grandes proveedores. Allí se encuentra el Mercado de Futian, la feria de exposición permanente de productos más grande del mundo, con unas dimensiones equivalentes a centenares de campos de fútbol.
La carga marítima está muy concentrada en los puertos centroeuropeos y la conexión férrea se presentó como alternativa de expansión comercial.
El Transiberiano – La segunda Línea Férrea más Larga del Mundo
El ferrocarril transiberiano es, con sus 9897 km, la línea férrea más larga del mundo. Su construcción comenzó en 1891 y fue vital para la extracción y el transporte de las materias primas procedentes de Siberia.
La idea de establecer una vía de comunicación entre Europa y Asia apareció en el siglo XVIII, cuando los filósofos mantenían una estrecha correspondencia con los príncipes ilustrados. De mente especialmente lúcida, Voltaire fue uno de los pensadores más interesados en lo que se llamó la conquista del este.
Desde Ferney, donde vivía, escribió al conde de Chouvalov en 1761 para asegurarle que era posible trasladarse desde San Petersburgo y Moscú a Pekín, pasando por las inmensas llanuras rusas y franqueando un reducido número de montañas.
Ya bajo el reinado de Pedro El Grande, emperador de Rusia de 1682 a 1725, se habían emprendido expediciones que tuvieron como resultado los primeros mapas y trazados de esta magna empresa.
Un visionario francés del siglo XIX, el ingeniero Luic de Lobel, propuso llevar a cabo un gigantesco proyecto que consistía en unir París, Moscú y el Lago Baikal con el estrecho de Bering y América, para lo cual se construiría un tunel que uniese Siberia con Alaska.
Por entonces el Imperio zarista no consideraba Siberia sino una sucesión de posesiones lejanas sólo aptas para deportados, aventureros y escasas tribus autóctonas. Por lo tanto sobraba con el viejo trakt o pista transiberiana, practicable por carromatos y trineos.
El siglo XIX marcó un punto decisivo en la expansión del Imperio ruso.
Poco a poco Asia Central fue descubriendo al mundo ciudades como Samarkanda, Bukhara y Tachkhent, que hasta entonces habían pertenecido a la leyenda de las estepas.
Desde 1806, Siberia se constituyó en un gobierno general dividido en dos zonas: Siberia Occidental y Oriental, a la que años más tarde se unió también la Siberia Central.
En 1854, Nikolai Muraviev, gobernador de la Siberia oriental, condujo una expedición a la región del Amur y llevó valiosas informaciones al zar Nicolás I. Lejanos ecos llegados de la fiebre del oro en California llevaron al presentimiento de fabulosas riquezas en las inhóspitas tierras de Siberia.
Y así fue, ya que se descubrieron importantes yacimientos carboníferos en el Altai y minas de metales preciosos en el Lena, lo que hizo necesaria la comunicación de esta zona del país con los puertos comerciales.
Nadie como Julio Verne en su famosa novela Miguel Strogoff divulgó al mundo sus conocimientos sobre Siberia, una región con más de diez millones de kilómetros cuadrados. Los rigores del clima, con sus fríos extremos en invierno y los más de cuarenta grados en verano, le habían granjeado su reputación de inhóspita.
Las observaciones de la Sociedad Rusa de Geografía, fundada en 1845, concluyeron la necesidad de construir el ferrocarril necesariamente al sur del paralelo 60. Sólo el tren podía exportar e implantar en Siberia el nacionalismo ruso y convertirse en su símbolo.
Además, en San Petersburgo nadie ignoraba el éxito comercial de las dos grandes compañías norteamericanas: la Unión Pacific y la Central Pacific.
Si en tiempos de Nicolas I, el zar se contentaba con la creación de una línea de ferrocarril que uniera San Petersburgo con Moscú, bajo el reinado de Alejandro III el soberano no pudo conformarse con una red al oeste de los Urales y con un proyecto de red al este.
Rusia necesitaba una salida al Pacífico y Vladivoskok, fundada en 1860 como puerto militar y más tarde convertida en el mayor puerto internacional ruso, se perfilaba como la mejor opción como cabecera de la línea de ferrocarril que se convertiría en la más grande del mundo.
La idea de construir una vía férrea en Siberia proviene del conde de Muraviev-Amourski, gobernador general de la Siberia oriental desde 1841 a 1861. Fue él quien conquisto los territorios del Amur y el que llevo a cabo el Tratado de Aigun en 1858, por el que China reconocía el derecho de Rusia sobre la región del Amur.
En el curso de la expediciones para la conquista de este territorio, el conde se dio cuenta de las dificultades con que las embarcaciones comerciales se encontraban en la boca del delta. Es así como surgió la ida de crear una nueva vía comercial que, evitando el estuario, uniera directamente esta región con el mar del Japón.
En 1857 pidió al capitán Romanov, del Estado Mayor ruso, que estudiara y determinara el trazado de una carretera susceptible de ser transformada en vía férrea. Romanov estudió el proyecto y estableció un plan para explotar la línea, que fue concedida a una sociedad privada que disponía del capital suficiente para su construcción.
Pero la región del Amur estaba muy lejos de San Petersburgo, y la administración central no comprendió el interés de construir una vía férrea tan lejana y rechazó el proyecto.
A partir de este momento, surgieron numerosos proyectos para la instalación de una línea transiberiana, ninguno de los cuales tuvo conclusión durante más de treinta años.
Muchos de ellos fueron tildados de fantasiosos, otros revelaron un profundo desconocimiento de las estepas siberianas y de sus características climatológicas, y en otros se enfrentaron los intereses económicos y los estratégicos. Los proyectos más serios fueron presentados por los rusos.
Sofronov propuso una ruta que asegurase la venta de productos industriales y la compra de materias primas en todos los países de Asia. Su línea debía unir Saratov al Amur pasando por Minoussinsk. Pero los responsables piensan que la mejor es la vía histórica que atraviesa Siberia desde Nijni-Novgorod a Kiakhka, vía Kazan.
El ingeniero Rachett propuso un proyecto distinto, una vía de comunicación entre las industrias de esta región y los sistemas fluviales de Kama y Tobol. Por lo tanto, la vía entre Perm, el centro más importante de Kama, y Tiumen, situado en un afluente del Tobol, atravesaría los Urales y pondría en comunicación los grandes centros mineros del hierro.
Su propuesta tampoco fue aceptada. Otro proyecto interesante fue el del coronel Bogdanovitch, que tras estudiar las necesidades de la zona hizo saber a su ministro que la mejor forma de acabar con el hambre en Siberia era construir una línea de ferrocarril que partiera de la Rusia central hasta Ekaterinburgo y Tiumen.
El coronel subrayó que la prolongación de la línea hacia la frontera China la dotaría de una gran importancia estratégica. Este proyecto fue llamado “Sur” por oposición al “Norte” de Rachett. Se subrayó la revalorización de las tierras de la corona gracias a la explotación de los recursos mineros.
Los sabios de la Sociedad Geográfica discutieron los proyectos y la prensa intentó influir en ambos sentidos. Los empresarios siberianos escribieron una carta al emperador pidiéndole que el ferrocarril les uniera a la metrópoli. En 1868 llegaron a Moscú delegaciones de las regiones interesadas, a fin de defender la línea “Norte” o la “ Sur”.
El proyecto de China de construir un ferrocarril por el sur de Manchuria, obligó al emperador Alejandro III a acelerar la construcción de la línea férrea dejando a un lado la iniciativa privada para coordinar mejor los esfuerzos.
El zar quiso marcar solemnemente la importancia de la construcción del Transiberiano y en marzo de 1891 presentó al Consejo de Ministros un proyecto del que se encargaría su hijo, el zarevitch Nicolás, sometiéndolo luego a la aprobación del Senado.
El 31 de mayo de 1891 el príncipe heredero presidió en Vladivostok la ceremonia inaugural de los trabajos del ferrocarril. Así quedó resuelto, después de más de un tercio de siglo de difíciles negociaciones entre el Gobierno y la sociedad rusa, el problema de la construcción del Transiberiano. Por primera vez la Rusia zarista estaría unida a China por tierra.
El trayecto definitivo que se estableció fue Moscú – Samara – Ufa – Cheliabinsk – Omsk – Novosibirsk – Irkutsk – Chita – Vladivostok.
La línea estaría dividida en seis secciones: Transiberiano occidental, Transiberiano central, línea Circabaikaliana, línea Transbaiká lica, línea del Amur y línea del Usuri. La Guerra Ruso-japonesa de 1904 descubrió la vulnerabilidad de la ruta que atravesaba Manchuria y se construyó un camino alternativo que bordeando esta región con el Amur llegase a su destino final: la salida al Océano Pacífico por Vladivostok.
Este nueva línea comenzó a construirse en 1908 y se pudo poner en funcionamiento a partir de 1914. Tras veinticinco años de trabajos la línea logró ponerse en funcionamiento en 1916. Durante la Segunda Guerra Mundial, en la que Rusia perdió dos millones de personas, el Transiberiano desempeñó un papel crucial para los soviéticos.
Ante el avance de las tropas alemanas, les sirvió para trasladar las fábricas desmanteladas hasta más allá de los Urales. La electrificación de la línea se realizó entre 1950 y 1970.
Durante al proceso de tendido de la línea, la débil densidad de población de las regiones que debían ser atravesadas por el ferrocarril y la escasez de la mano de obra obligaron al Comité Transiberiano a pedir al Ministro del Interior que considerara la utilización de los presidiarios que se encontraban en la región del Amur para ayudar en las tareas de construcción.
Se elaboró así un reglamento por el cual los presidiarios cobrarían un salario mínimo y se les conmutaría parte de la pena. En 1895 se extendió el reglamento para el resto de las provincias que debía atravesar la línea. Es muy abundante la literatura que describe esta etapa de la historia de Rusia, en la que los presos se vieron obligados a trabajar interminables jornadas en las duras estepas siberianas.
De entre todos ellos quizá el Premio Nobel, Alexander Solzhenitsin, sea el que nos ha dejado un testimonio más crudo en su novela “Un día en la vida de Ivan Denisovitch”. Por lo que se refiere al personal técnico, ingenieros, peritos, especialistas, y al suministro de material, el Comité tomó la dirección de las instrucciones dadas por su presidente de que todo fuera realizado con mano de obra y materiales rusos.
El Transiberiano fue un tren mítico. Los personajes que desfilaron en los primeros años de siglo, en los que todavía existía la Rusia zarista, contribuyeron a darle ese toque de glamour de los trenes transcontinentales.
La nobleza prerrevolucionaria vivía con agrado los más de siete días de viaje, mientras, charlaban en los vagones-gabinete decorados al estilo rococó, dilapidaban sus fortunas en el vagón-casino o los caballeros tenían sus momentos de esparcimiento en el vagón zíngaro, en el que desnudas bailarinas hacían las delicias de los viajeros.
El transiberiano dispuso de todos los lujos, incluso un coche-sauna y un coche-iglesia donde un pope iba diciendo misas mientras el famoso tren atravesaba la vasta extensión rusa.
Hoy en día sólo dos de los trenes que salen diariamente de Moscú llegan a Vladivostok. Los demás finalizan su trayecto en Jabarovsk, aunque en ambas opciones es indispensable la parada de Irkutsk, el destino de Miguel Strogoff. A pesar de que el Transiberiano posee el nombre más mítico, el Transmogoliano actual, que culmina el recorrido en Pekín, duplica los atractivos del viaje.
La Vanguardia(J.Barranco)/elhistoriador.es — Los Manuscritos del Mar Muerto o Rollos de Qumrán (llamados así por hallarse los primeros rollos en una gruta situada en Qumrán, a orillas del mar Muerto) son una colección de casi 800 escritos de origen judío, escritos en hebreo y arameo por integrantes de la congregación judía de los esenios, y encontrados en once grutas en los escarpados alrededores del mar Muerto.
Los primeros siete rollos fueron encontrados en 1947 por Jum’a y su primo Mohammed ed-Dhib, dos pastores beduinos de la tribu Ta’amireh en una cueva de Qumrán. Se cuenta que utilizó algunos en una hoguera para calentarse, al carecer del conocimiento de la importancia del hallazgo.
Estos rollos fueron vendidos (troceados, para aumentar su precio) a un anticuario en el mercado local, extraviándose un tiempo algunos en Egipto y otros en los Estados Unidos.
Posteriormente se publicaron copias de los rollos, causando un masivo interés en arqueólogos bíblicos, cuyo fruto sería el hallazgo de otros seiscientos pergaminos, y cientos de fragmentos. Lo más importante de este hallazgo es su antigüedad, que permite estudiar importantes fuentes teológicas y organizativas del cristianismo.
La mayoría de los manuscritos datan de entre los años 250 adC y 66 dC, estando entre ellos los textos más antiguos de que se dispone en lengua hebrea del Tanaj o Antiguo Testamento bíblico. Se cree que fueron ocultados por los esenios debido a las revueltas judías contra los romanos en esos años.
Descubrimiento
Los primeros siete rollos, de pergamino , fueron encontrados en 1947 por Jum’a y su primo Mohammed ed-Dhib , dos pastores beduinos de la tribu Ta’amireh en una cueva de Qumrán .
Se cuenta que utilizó algunos en una hoguera para calentarse, al carecer del conocimiento de la importancia del hallazgo.
Estos rollos fueron vendidos (troceados, para aumentar su precio), mediante diversas vicisitudes a dos anticuarios de Belén .
Cuatro de ellos fueron vendidos (por una pequeña cantidad) al archimandrita del monasterio sirio-ortodoxo de San Marcos en Jerusalén , Atanasio Josué Samuel (más conocido como Mar Samuel ).
Los tres siguientes, al final, fueron a parar al profesor judío Eleazar Sukenik, arqueólogo de la Universidad Hebrea de Jerusalén que dándose cuenta del valor de los mismos los compró en 1954 .
Posteriormente se publicaron copias de los rollos, causando un masivo interés en arqueólogos bíblicos , cuyo fruto sería el hallazgo de otros seiscientos pergaminos, y cientos de fragmentos.
Lo más importante de este hallazgo es su antigüedad, que permite estudiar importantes fuentes teológicas y organizativas del judaísmo y del cristianismo . La mayoría de los manuscritos datan de entre los años 250 a. C. y 66 d. C. , estando entre ellos los textos más antiguos de que se dispone en lengua hebrea del Tanaj o Antiguo Testamento bíblico.
Se cree que fueron ocultados por los esenios debido a las revueltas judías contra los romanos en esos años.
Biblioteca
Entre los manuscritos se encuentran:
Los libros del Tanaj , incluido una versión más extensa del Libro I de Samuel , con la excepción de Ester , así como los deuterocanónicos como el Sirácida y el Libro de Tobías .
Estudios sobre cada libro de la Escritura, desde un punto de vista esenio.
Los manuales, reglamentos y oraciones propias de la comunidad que habitó el sitio, entre los cuales destaca el Documento de Damasco , que ya había sido encontrado en 1896 en el depósito de una sinagoga , en una versión manuscrita por los karaitas del siglo IX .
Un rollo de cobre con cuestiones contables y relativas a la localización de determinados tesoros.
Diversos textos religiosos intertestamentarios como:
el Libro de Enoc .
el Testamento de los Doce Patriarcas .
el Libro de los Jubileos , que expone un calendario solar, diferente a los que usaban los fariseos y saduceos en el Templo y que conducía a un conflicto por las fechas de celebración de las fiestas de la Ley, pero que concuerda con las normas de la comunidad de Qumrán y es explícitamente citado en el Documento de Damasco (XVI 3-4).
El traductor de estos manuscritos, Florentino García Martínez, escribió que, con la única excepción del rollo de cobre, se trata de una “biblioteca sectaria”, pues los rollos forman un conjunto articulado de concepciones teológicas , escatológicas , morales y éticas (1992:36-39).
Las normas de la comunidad citan y hacen referencia a todos los textos bíblicos , apócrifos y seudoepigráficos encontrados, de manera que estos sustentan a aquellas, que a su vez se consideran intérpretes de textos inspirados que están en la “biblioteca”.
El uso del antiguo calendario hebreo por la comunidad, claramente diferente al oficialmente vigente en el siglo I , distingue a la biblioteca de los textos de otras corrientes judías, como los fariseos.
En el año 2010 se concretó un proyecto entre la empresa Google y la Autoridad de Antigüedades de Israel , con un costo de 3,5 millones de dólares , que tiene como objetivo digitalizar los 3.000 fragmentos del documento, los que estarán disponibles en Internet en un plazo de 5 años. Estos incluirán traducciones de los textos.
Los Manuscritos de Qumran
Los textos de Qumran, descubiertos por beduinos locales en esta región de Israel en el año 1947, siguen siendo un tema de gran interés. ¿Qué cuentan de Jesús estos documentos? ¿Se han traducido en su totalidad? ¿Ha ocultado algo el gobierno israelí?
La historia del descubrimiento de los Rollos del Mar Muerto conocidos también como manuscritos de Qumran es, como no podía ser de otra manera, una verdadera aventura arqueológica de ésas que superan a la realidad.
Todos hemos oído hablar de la historia del cabrero que, buscando al animal perdido en las montañas, tuvo la fortuna de que una de las piedras que lanzaba a una cueva cercana con el fin de saber si dentro se había escondido el animal, se topo con tan sensacional descubrimiento.
Hasta este punto, no sabemos qué parte es verdad o cuál ficción. Al parecer el hallazgo lo realizaron dos pastores beduinos de la tribu Ta’amireh. Sus nombres eran Jum’a y su primo Mohammed ed-Dhib. Sin embargo, quien dio relevancia al descubrimiento fue Khalil Iskander Shahin, más conocido en Belén por el apodo de Kado.
Hasta su tienda en la ciudad judía fue el beduino para vender la leche de sus animales y, de paso, llevar algunos rollos por si podía sacar algo de dinero con ellos. Su comprador habitual era Kado quien también regentaba una zapatería. El beduino pensó que quizás podría utilizar los rollos como material para su negocio.
Kado, que era cristiano, no mostró mucho interés en los documentos pero sintió la suficiente curiosidad como para llevarlos a Jerusalén. Allí descubrió su verdadero valor en el convento sirio de San Carcos.
Acompañado por su cómplice en la aventura, George Isaiah, los dos visitaron la cueva de Qumran guiados por el beduino, sacando de allí gran parte del material.
A partir de este momento la historia del descubrimiento de los textos se dispara. Una vez valorada la extraordinaria importancia del hallazgo, el Metropolitan Museum de Nueva York organiza una pequeña expedición hasta la cueva para recuperar y comenzar la investigación del material.
Arqueólogos israelís han anunciado el descubrimiento de docenas de nuevos fragmentos de los Manuscritos del Mar Muerto encontrados en una cueva del desierto de Judea y que creen que fueron escondidos durante una revuelta judía contra Roma hace 1.900 años.
Los fragmentos de pergamino contienen líneas en griego antiguo de los libros de los profetas menores Zacarías y Nahum, contienen la palabra Dios en hebreo y han sido datados a través de las pruebas de radiocarbono en el siglo II, de acuerdo con la Autoridad para las Antigüedades de Israel (AAI).
Son los primeros nuevos manuscritos encontrados en excavaciones arqueológicas en el desierto del sur de Jerusalén en 60 años
Los Manuscritos del Mar Muerto, una colección de textos judíos hallados en cuevas del desierto en Cisjordania cerca de Qumrán en los años cuarenta y cincuenta, abarcan desde el siglo III a.C. al siglo I d.C. Incluyen las copias de textos bíblicos más antiguas conocidas y documentos que delinean las creencias de una secta judía poco comprendida.
Las nuevas piezas se cree que pertenecen a un conjunto de fragmentos de pergamino encontrados en los años sesenta en un lugar denominado «la cueva del horror», situada en un remoto cañón en el desierto de Judea al sur de Jerusalén y llamada así por haberse hallado en él cuarenta esqueletos humanos durante las excavaciones.
La cueva está en la reserva natural de Nahal Hever, situada a unos 80 metros por debajo de la cima de un acantilado escarpado, y a la que solo se puede acceder haciendo rápel entre desfiladeros. Los pergaminos encontrados entonces contenían también una traducción griega de los doce profetas menores.
Se cree que los fragmentos -de la mano de dos escribas distintos-fueron preservados en la gruta durante la revuelta del líder judío Bar Kochba, una rebelión armada contra Roma durante el reino del emperador Adriano entre los años 132 y 136 d.C.
Las cuevas donde se preservaron los rollos tienen condiciones climáticas interiores que permitieron su conservación excepcional y han sido blanco de saqueadores de antigüedades en las últimas décadas, por lo que la Autoridad para las Antigüedades de Israel realizó una «operación nacional» para evitar que objetos de suma «importancia histórica» cayeran en sus manos.
Esqueleto de una niña de hace 6.000 años hallado en la cueva parcialmente momificado y en posición fetal
En la excavación se han hallado también restos importantes de otras épocas históricas. Entre ellos, destaca el esqueleto de un menor de hace unos 6.000 años, probablemente una mujer, envuelto en una tela, parcialmente momificado y colocado en posición fetal.
El cuerpo se conservó en gran medida por el clima de la cueva, incluidos la piel, los tendones y el cabello, y experimentó «un proceso de momificación natural», concreta Ronit Lupu, experta en prehistoria y miembro de la AAI.
Además, en otra cueva de la zona se halló una cesta de hace unos 10.500 años, de la época neolítica precerámica. Se tejió con material vegetal, se preservó gracias al clima árido y podría ser «la más antigua del mundo», destacó la AAI.
Nuevos Fragmentos de los Manuscritos del Mar Muerto recién descubiertos por la Autoridad de las Antigüedades de Israel
La cesta tenía una capacidad de entre 90 y 100 litros y aporta nuevos datos «sobre cómo se almacenaban los productos unos 1.000 años antes de la invención de la cerámica». Sin embargo, se encontró vacía, y ahora se investigará su posible uso a partir de una pequeña cantidad de tierra de su interior.
Otro de los descubrimientos es un alijo de monedas de hace unos 1.900 años, «con símbolos judíos como un arpa y una palmera datilera», y entre el que también hay restos de «flechas y puntas de lanza, tela tejida, sandalias e incluso peines para piojos».
ACV(A.Nuño)/Casas Increibles(R.Medina)/Esquire(J.Coscaron) — Quizá era por agradecer las cosechas o para celebrar un matrimonio, pero lo cierto es que la Edad Media fue un periodo particularmente creativo a la hora de elaborar fiestas, en parte gracias a la Iglesia, que combinó su calendario con los ritmos estacionales.
Aunque ha llovido desde entonces, las fiestas siguen teniendo en nosotros el mismo efecto que tenían entonces en aquellos pobres ciudadanos medievales que vivían en un valle de lágrimas continuo: la desinhibición absoluta.
Muchas fiestas de estas, independientemente de su componente pagano o religioso, han llegado hasta nuestros días manteniendo la esencia de sus primeros días. Sean más antiguas o recientes, algunas de ellas son muy sorprendentes, no solo por lo que se celebra, sino por la manera de hacerlo y las curiosas historias que hay detrás de sus orígenes.
Midsommar
Aunque muchas personas conocen este festival por la inquietante película que le da nombre, dirigida por Ari Aster, lo cierto es que se basa en una festividad real del solsticio de verano que se celebra en Suecia.
Es una de las fiestas más importantes del país, y las extrañas tradiciones que se ven en el filme no son del todo ficticias: el viernes la gente eleva un palo (o cruz de mayo) decorado con flores y las familias que tienen niños suelen ayudar a colocarlas. Después, se baila alrededor de dicho palo.
La mayoría de la gente, aunque especialmente las mujeres, llevan una corona hecha de flores y hojas que simboliza la suerte. La tradición proviene de que en el pasado se solía decir que las flores y hojas que se recogían en Midsommar eran mágicas. Además, se beben grandes cantidades de alcohol.
Burning Man
Durante una semana, una ciudad emerge en medio del desierto, en Nevada (Estados Unidos). El primer lunes de septiembre, día del trabajo en el país, los propios participantes del festival Burning Man ‘construyen’ la ‘ciudad’ de Black Rock, donde vivirán durante siete días de manera anárquica.
En el festival no se aceptan comercios ni marcas sino que se promueve la desmercantilización, así como la conciencia de que no debe tirarse nada y recogerse todo para no dejar rastro. Tampoco hay dinero, hay tiendas gratuitas y lo único que se vende es hielo.
Siguiendo el espíritu de los hippies de los 60, los participantes deben llevar su propia agua y comida para poder subsistir durante esa semana. El esfuerzo comunal es una máxima en un festival completamente inclusivo, donde todo el mundo está aceptado.
El evento original nació en una playa de San Francisco en los 80, cuando un grupo de amigos celebró el solsticio de verano quemando una figura de madera. Al cobrar tanta fama, en los 90 se trasladó a Nevada.
En 2018 falleció su creador, Larry Harvey, y en la actualidad debido al COVID se ha cancelado, pero quién sabe si en el futuro volverá con aún más fuerza.
Holi
El festival indio de los mil colores se ha globalizado y en los últimos años no ha sido raro poder participar en carreras donde terminabas, sin embargo la celebración en India y Nepal viene de lejos. La muchedumbre baila feliz mientras se arrojan polvos de colores que les mancharan todo el cuerpo.
Antes, durante la noche del ‘Holika Dahan’ se enciende una hoguera para simbolizar la victoria del bien sobre el mal. Al día siguiente se lanzarán los polvos de colores o ‘gulal’.
El festival Holi, al contrario que los sucedáneos que se celebran en otros países del mundo, tiene orígenes místicos que se funden con varias leyendas hindúes. Una de ellas es la historia de Radha y Krishna: el segundo le preguntó a su madre por qué él tenía la piel tan oscura y Radha tan blanca.
Para evitar que sintiera celos, su madre propuso que le pintase el rostro de colores oscuros. Desde entonces, todos los enamorados siguen la tradición. Cada color refleja un concepto.
Noche del Krampus
La noche del 5 de diciembre, en Austria se celebra la Krampushact (noche del Krampus). La gente sale a las calles para conmemorar al popular demonio que secuestra a los niños, y pueden verse personas disfrazadas del mismo que participan en carreras.
La tradición es que el Krampus recorre las casas ese día para dejar ramas en las habitaciones de los niños que se han portado mal como advertencia, antes de raptarlos.
A la hora de la verdad, mucho no suele raptar, pero la tradición dice que cada año los niños buenos reciben regalos por parte de San Nicolás y los malos un trozo de carbón de Krampus (un poco como nosotros). Y por la noche los disfrazados se entretienen asustando a los transeúntes y persiguiéndolos con un palo.
Las linternas flotantes
En algunos países asiáticos se tiene la idea de que lanzar linternas flotantes atrae la buena suerte, y se suelen utilizar en algunas fiestas míticas como el Festival de la Luna en China, Corea o Vietnam.
En Tailandia las celebraciones son particularmente impresionantes, y las linternas ya forman parte de muchos festivales. El de Loy Kratong, por ejemplo, se celebra coincidiendo con la luna llena del mes (generalmente) de noviembre. Es como comenzar una nueva etapa, y no faltan las luces y decoraciones en casas y templos.
Los farolillos se hacen con papel de arroz y sujetos por un marco de bambú. Cuando se enciende la llama el aire caliente los eleva al cielo, creando un espectáculo de luz en contraste con la oscuridad de la noche maravilloso.
La tomatina, Valencia (España).
Se celebra en el municipio de Buñol el último miércoles del mes de agosto. La fiesta consiste en tirarse tomates los unos a los otros a modo de batalla campal. Sin duda es una de las celebraciones raras en el mundo.
Coincide con las fiestas locales del pueblo, en el que además de la tomatina hay muchas otras actividades, como paellas en la calle, bailes, etc.
Cada año se utilizan aproximadamente 150.000 tomates que se distribuyen entre los 20.000 participantes que suelen acudir cada año.
Todos los participantes acaban teñidos de rojo y se forman ríos de jugo de tomate.
En caso de que quieras animarte a participar en la fiesta te recomendamos que utilices gafas protectores para los ojos, así como aplastar los tomates antes de tirarlos, sino alguien se podría hacer daño.
Como toda fiesta, está pensada para que la gente disfrute, aunque es una fiesta llena de polémica por el uso “indebido” de la comida, frente a la situación de escasez que otras ciudades o países pasan.
Día de los muertos, México.
Fiesta mexicana con origen mesoamericano que se celebra anualmente el 1 de Noviembre.
La UNESCO la ha declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Es una de las celebraciones extrañas solo cuando no la conocemos.
La festividad consiste principalmente en el culto a la muerte, a pesar de ser criticada por muchos países católicos que celebran el día de todos los santos.
Muchos mexicanos creen que esta fiesta permite el uso de disfraces sin faltar el respeto a la cultura ni poner en riesgo la fiesta en el país.
Las calles se visten de color y se colocan ofrendas a las personas que se han ido, se les suele poner la que era su comida y bebida favorita.
Fotos de los difuntos y flores coloridas se colocan en el exterior de las casas y en las calles.
Otra tradición importante es la de colocar velas en las tumbas de los muertos, así se les ilumina el camino de regreso a casa, hay personas que pasan toda la noche en los panteones o incluso se hacen conciertos en los cementerios tocando las canciones favoritas de los difuntos.
El humor está presente en la fiesta, se visten a esqueletos con diferentes atuendos pomposos como muestra de la presencia de la muerte en todo lo cotidiano.
Festival del queso rodante, Gloucester (Inglaterra).
Esta divertida y curiosa fiesta se celebra el último lunes de mayo en la colina de Cooper.
Se trata de una fiesta local de un pueblo llamado Brockworth, aunque se ha ganado la fama internacional.
La tradición es muy sencilla: desde lo alto de la colina se lanza un queso que pesa unos 4 kilos aproximadamente y los competidores deben correr tras él con el objetivo de alcanzar el queso.
Sin duda una de las fiestas raras en el mundo ideal para quienes tienen debilidad por el queso.
Aquella persona que sea capaz de alcanzarlo o que al finalizar esté más cerca del queso, será la ganadora y podrá llevarse el queso rodante como premio.
En total se celebran hasta cuatro carreras, y debido a la enorme cantidad de gente que participa y la velocidad que se alcanza por la inclinación de la montaña, las lesiones y los accidentes son muy frecuentes.
No sería la primera vez que un espectador también sale lesionado debido a que el queso puede llegar a alcanzar los 110 km/h y, evidentemente, puede desviarse del camino.
Aún así, podéis estar tranquilos ya que nunca se ha tenido que lamentar victimas mortales.
La fiesta de Santa Marta de Ribarteme, Galicia (España).
Esta región española se caracteriza por su pasado pagano, la brujería y la creencia sobrenatural años atrás.
Como sabemos, las tradiciones se mantienen año tras año dando como resultado alguna que otra cosa extravagante hoy en día.
Pues bien, en la región de Pontevedra podemos encontrarnos esta peculiar fiesta que consiste en homenajear a Santa Marta, patrona de las resurrecciones, celebrando la “no muerte” de personas que han estado a punto de dejarnos.
Tal vez parezca una de las fiestas más locas del mundo, aunque tiene mucho sentido celebrar la no muerte.
Para ello se realiza una procesión con ataúdes, pero estos no van vacíos, sino que dentro nos encontramos a las personas que han estado a punto de morir.
Se hace un desfile por todo el pueblo hasta llegar al cementerio y finaliza en la iglesia.
Una vez allí, los participantes agradecen a la virgen con una ofrenda el que les haya devuelto a la vida.
Pasado el desfile, las calles se llenan de fuegos artificiales, música, bailes, puestos de comida, y de alegría donde no faltan las historias de los afortunados de cómo sobrevivieron.
Festival del mono, Tailandia.
En la localidad de Lopburi, cada mes de noviembre tiene lugar este festival en el que los monos nos dan mucha envidia.
Evidentemente, cada cultura trata a los animales de manera diferente, en algunos países los gatos son animales domésticos, en otros se los comen, en otros veneran a las vacas y en el que vamos a ver hoy organizan un macrofestival para los monos.
La fiesta consiste en llenar el templo Prang Sam Yot con cuatro toneladas de comida y golosinas para que los macacos del lugar puedan disfrutarlo.
¿Por qué a los macacos?
Pues porque se cree que ellos son los descendientes del dios Hanuman.
Los monos disfrutan del bufet a su antojo mientras les acompañan espectáculos de música y coreografías de personas disfrazadas de monos.
Los pequeños animales pueden disfrutar de todo tipo de comida: kilos y kilos de fruta, verduras, huevos duros, etc. sin contar con la increíble presentación.
Recomendamos que en caso de asistir, tengas cuidado con las pertenencias ya que los monos tienen fama de estar pendientes de cualquier despiste con los objetos que les llame la atención.
Sin ninguna duda es una fiesta muy divertida en la que los tailandeses sacan las mejores galas, ya que están convencidos que honrar a los monos les traerá suerte todo el año.
Kanamara Matsuri, Japón.
La traducción literal de esta fiesta sería “Festival del ‘aparato reproductivo masculino’ de metal“, celebrado en Kawasaki el primer domingo del mes de Abril.
Es una fiesta que rinde homenaje a la fertilidad y en el que se venera al miembro viril masculino, el cual podemos ver convertido en ilustraciones, dulces, decoraciones, etc. durante todo el festival.
Los principales eventos se llevan a cabo alrededor de un templo local que antiguamente era un lugar frecuente al que acudían muchas prostitutas para rezar pidiendo protección ante las enfermedades de transmisión.
El miembro de metal viene por una leyenda que decía que en la vagina de las mujeres se escondía un demonio con colmillos que llegó a castrar a dos hombres en la noche de bodas.
Por este motivo, un herrero creó un aparato reproductivo de metal, para así romperle los dientes al demonio, esta historia ha hecho que hoy en día se venere a un miembro de metal.
Todos el dinero recaudado en el festival se destina a organismos que investigan la enfermedad del sida. Cada año se reciben a cientos de turistas americanos y europeos que acuden con curiosidad.
Moose Dropping Festival, Alaska.
Esta curiosa festividad se remonta al año 1972, cuando unos jóvenes quisieron atraer a los turistas al pueblo de Talkeetna.
Como uno de los animales más típicos de allí eran los alces, pensaron en hacer algo relacionado con ellos, y no se les ocurrió otra cosa que usar su caca para inventar juegos.
Como lo yes, cada uno tenía que buscar la caca de alce, barnizarlas y ponerles número. Después se hacían competiciones tirando la caca para conseguir puntos.
Durante 37 años el festival sirvió para la recaudación de fondos en el pueblo. Lamentablemente, la fiesta no se celebra desde 2009 debido a que se hizo demasiado grande, acudiendo hasta 5.000 personas y, tras varios incidentes, el pueblo votó la suspensión de la fiesta.
Festival de la rana, Louisiana (EEUU).
Un gran evento que llena las calles de Valley City de fiestas durante días en el mes de Agosto.
Parques de atracciones, bailes, música, premios de belleza y divertidos concursos llenan la agenda de la fiesta.
Eso sí, las indiscutibles protagonistas son las ranas, ya que ellas también tienen concurso de disfraces y un mítico concurso de saltos en los que más de 600 personas, de todas las edades, participan con su rana para ver cuál llega más lejos saltando.
No hace falta que seas dueño de una rana, allí por 5 dólares te la alquilan para la competición.
Las normas son muy claras, no pueden tocarse, pero sí dar golpes en el suelo o gritar para hacerlas saltar lo más lejos posible.
El año pasado la ganadora fue una niña de tan sólo un año de edad, ¿qué cara habrá puesto para ahuyentar a la rana de esa manera?
Festival del ajo, California (EEUU).
Aunque no es obligatorio, es recomendable que te guste el ajo, ya que este es uno de los mayores festivales de comida que hay en todo el mundo y el ajo su principal protagonista.
A partir del 24 de Julio se congregan en las calles de California cientos de cocineros que hacen platos en grandes cantidades mientras otras actividades se dan lugar.
Grandes y pequeños pueden disfrutar de días enteros de fiesta con música, bailes, y sin duda la mejor bebida y la mejor comida.
No faltan los concursos de cocina, las degustaciones gourmet, así como diferentes espacios de entretenimiento.
Este festival nace de la idea de compartir las mejores recetas de ajo con los visitantes, así como intercambiar opiniones y aprender de otras culturas.
Campeonato de “cargar con la esposa”, Finlandia.
Singular campeonato que ha adoptado fama internacional y que se celebra el primer sábado de Julio en las fiestas de Sonkajarvi, Finlandia.
La competición es sencilla: los hombres deben cargar a su mujer por toda una carrera de obstáculos en el menor tiempo posible.
Aunque la carrera hace mención al estado civil de los participantes, en realidad la mujer puede ser o su esposa o una vecina, siempre y cuando sea mayor de 17 años.
Aunque se formalizó en 1992 en Finlandia, muchos países lo han replicado, incluyendo Nueva Zelanda, Estonia o incluso Estados Unidos.
El peso mínimo de la mujer debe ser de 49 kilogramos y en caso de pesar menos, al corredor se le dará una mochila con peso adicional para equipararlo.
Aunque gana la pareja más rápida, hay algunos premios especiales en otras categorías como por ejemplo al mejor disfraz.
A su vez hay una norma muy importante y especial: Todos los participantes deben saber divertirse y ese tiene que ser el principal propósito.
Mooning of The Armtrak, California.
El segundo sábado del mes de Julio puedes dirigirte hacia Laguna Niguel, en California, para bajarte los pantalones o subirte la falda y enseñarles el trasero a los trenes que pasan y, por supuesto, a todos los pasajeros que van dentro de ellos.
Curiosamente es una fiesta no organizada, ni patrocinada por ningún bar ni empresa, el boca a boca ha ido haciendo tradición y ha convertido esta fiesta en un acto popular.
No tiene más misterio que mostrar tu desnudez en las vías del tren, mientras la gente se reúne con bebida y comida y pasan el día entre risas.
Aunque no hay unas normas establecidas, es recomendable que se quede como una fiesta para adultos, hay que entender que es un día para pasarlo bien en el que hay que aceptar el exhibicionismo sin ofenderse.
La fiesta cada vez es mayor y acuden más personas, y muchas veces los trenes disminuyen la velocidad cuando pasan por esta zona, así el espectáculo se disfruta más.
LA OKTOBERFEST
Todo empezó el 12 de octubre de 1810, cuando el príncipe Luis de Baviera (hijo del rey Maximiliano I para más señas) y Teresa de Sajonia-Hildburghausen, contrajeron matrimonio en la ciudad de Múnich. Y, como no podía ser de otra manera, tiraron la casa por la ventana para celebrarlo.
Todos los habitantes de Múnich fueron invitados a los festejos que se celebraron con motivo del enlace en una enorme pradera a las afueras de la ciudad, desde entonces llamada Theresenwiese (Prado de Teresa).
Tal fue la fiesta, que se alargó un total de cinco días. Hubo carreras de caballos, cánticos, bailes… y probablemente cerveza, claro. Lo pasaron tan bien, que decidieron repetir al año siguiente, y al siguiente, y al siguiente… convirtiéndolo en una fiesta popular. Concretamente, en la «fiesta de octubre» o, lo que es lo mismo, Oktoberfest.
Tinku
El Tinku es un ritual y una danza folklórica de Bolivia que se realiza en el norte del departamento de Potosí. El significado de la palabra, originaria del idioma quechua, es «encuentro», pero en aymara significa «ataque físico».
Y esa es la parte curiosa de esta celebración, ya que los vecinos aprovechan para resolver disputas –a la vez que honran a sus ancestros– por medio de puñetazos, patadas y tortazos.
Aunque no es extraño que pueda haber algún muerto, la policía suele vigilar que la cosa solo quede en un poquito de sangre para regar a la Pachamama.
The New York Times(J.Carrión/Barcelona) — El rapero Travis Scott sorprendió a sus fans en julio con doscientos cincuenta drones que dibujaron, en el cielo del escenario en que estaba actuando, un código QR que conducía a un link de Spotify. Un año antes la artista catalana Joana Moll criticó en su proyecto Ultimate Solvers que las corporaciones hayan aprovechado la pandemia para vendernos nuevos dispositivos, nuevas distancias.
Esas dos actitudes aparentemente antagónicas —beneficiarse de las últimas tecnologías o ponerlas en tela de juicio— conviven en la relación de cada uno de nosotros con nuestros teléfonos móviles. ¿Debemos abandonar la firma analógica, el dinero en metálico, los documentos en papel? ¿Tienen que ser la mayoría de nuestras interacciones, por defecto, digitales?
Los códigos QR —llamados así porque sus siglas en inglés significan Quick Response Code o Código de Respuesta Rápida— contestan afirmativa e irreflexivamente a esas preguntas. Se han consolidado como un puente entre el viejo y el nuevo mundo, entre el físico y el virtual.
Los escaneamos con el móvil para acceder al menú del restaurante o dejamos que lo escaneen para entrar en una sala de conciertos. El 55 por ciento de los estadounidenses los usan en estos momentos. Porque reducen el riesgo de contagio.
Desde su invención en 1994, la tecnología llevaba esperando más de veinticinco años una gran pregunta para ofrecer sus respuestas. La COVID-19 tiene la forma exacta de ese gigantesco signo de interrogación.
Pero a menudo las soluciones de hoy se convierten en nuevos problemas pasado mañana. Si permitimos que todas nuestras transacciones y experiencias se produzcan a través de dispositivos automatizados, precipitamos la disminución de la interacción física, de la conversación y de la negociación.
Contribuimos así a que sean cada vez mayores el aislamiento humano y la brecha digital. Como tantos otros hábitos tecnológicos de los últimos años, los códigos QR han sido normalizados sin debate, reflexión o formación previos.
Antes de descargarnos una nueva aplicación, antes de ingresar en una nueva red social, deberíamos informarnos a fondo sobre ellas y pensar en sus consecuencias.
Porque somos víctimas del solucionismo tecnológico que ha denunciado, entre otros, el ensayista bielorruso Evgeny Morozov.
Esa nueva ideología global —surgida de Silicon Valley— que propugna que todos los problemas de la humanidad pueden solucionarse con algún tipo de sistema o artefacto tecnológico que por lo general prescinde de las superficies físicas, desde la piel hasta el papel.
La conexión sin cables, a través del wi-fi o de bluetooth, ya formaba parte de nuestra vida cotidiana antes de la pandemia.
Siguiendo esa lógica wireless y contactless —inalámbrica y sin contacto—, la tercera década del siglo va a asistir a la implementación del internet de las cosas, que supondrá la conexión entre objetos, electrodomésticos y dispositivos a través de sensores y diversos tipos de códigos (como el de barras o el propio QR).
Se va a ir tejiendo una maraña de relaciones tecnológicas a distancia que va a alejarnos todavía más a los unos de los otros.
A menudo, cuando acercamos el lector óptico de nuestros móviles a un código QR o cuando alguien escanea el nuestro, estamos compartiendo nuestros datos. Así sacrificamos nuestra privacidad en aras de mantenernos a salvo del contagio.
Como nos recuerda el ensayista y profesor Carlos A. Scolari, los interfaces no son transparentes y su diseño y su uso son prácticas políticas. Los lectores ópticos, como las aplicaciones, las redes sociales o los motores de búsqueda, nos acostumbran a leer e interpretar el mundo de un modo muy determinado.
Un modo que favorece el poder de las grandes corporaciones tecnológicas y perjudica el tejido social.
La dilatación de la pandemia no hace más que incrementar la separación entre los cuerpos. Amazon y el resto de las plataformas de consumo por internet no cesan de ganar penetración y poder.
Las criptomonedas no engañan: su propio nombre confiesa que su intención es volver la realidad más críptica. Por primera vez en la historia las transacciones económicas cotidianas no tienen relación con objetos, sino que son meros datos. Todo se vuelve cada vez más intangible y abstracto.
En un mundo tactofóbico, de pronto casi desnudo de papel, los códigos QR se han extendido tanto en el ámbito informal —los menús— como en el burocrático —los certificados, las transacciones—.
Son los interfaces que conectan nuestro presente con un futuro cercano en que habrá mucho menos contacto físico. Paradójicamente, la hiperconexión macro y global está provocando una desconexión en el ámbito más cercano.
Estamos divididos entre la aceptación y el rechazo de las múltiples soluciones que nos ofrecen las aplicaciones de nuestro teléfono móvil. Ante el dilema, merece la pena recordar que lo nuevo no es necesariamente mejor que lo tradicional.
Hay que preguntarse, en cada caso, qué es lo que realmente nos conviene. Las soluciones pueden convertirse en nuevos problemas. ¿De qué vivirían, en un mundo sin monedas, quienes mantienen a sus familias con limosna?
Si sigue creciendo la digitalización de todo, ¿cómo evitaremos la discriminación de las personas que no puedan adaptarse por motivos de edad?
Los códigos QR están viviendo su edad de oro durante la pandemia. Porque en estos tiempos de crisis necesitamos con urgencia puentes entre los dos mundos que ahora componen el mundo.
Pero no seamos ingenuos, son los conectores y los signos de puntuación de la nueva sintaxis tecnológica. Una sintaxis que nos acostumbra cotidianamente a no usar billetes ni papel, a no tocar y a no tocarnos.
Por eso lo más inteligente tal vez sea evaluar, en cada ocasión en que nos pidan que usemos esa tecnología y las de su familia contactless, si debemos optar por la integración o por la resistencia. Por el sí o por el no.
lavozdigital.es(M.P.Villatoro) — ¿Cuándo se separaron los baños por sexos? Aunque no lo parezca, la historia del retrete es una perfecta representación de cómo ha evolucionado la sociedad.
Algo similar a lo que sucede con el arte o la música, las cuales han ido cambiando acorde a las costumbres de la época. El remoto origen del aparato en el que actualmente sentamos nuestras posaderas se encuentra en Creta, donde los habitantes ya disfrutaban de una especie de cisternas en el año 2000 A.C.
Eran tiempos de evolución que dieron paso a una etapa (la de Roma) en la que los habitantes podían acudir plácidamente a las letrinas públicas para hacer de vientre de forma comunal (sin paredes o biombos).
Por entonces empezaba a existir una separación entre sexos, pues hombres y mujeres iban por separado a las termas. Posteriormente llegó la Edad Media, donde el retroceso se hizo patente y la mayoría de la población se aliviaba en plena calle, como podía y a la vista de cualquiera que pasase por la zona.
Hubo que esperar hasta 1739 para que, según explica Angel Óscar Prignano en « El retrete y sus conexiones», comenzara definitivamente la división por sexos en los baños. Fue ese año en el que, durante una elegante y gran fiesta en París, se separó por primera vez la habitación en la que se encontraban los inodoros masculinos de los femeninos.
En los comienzos del siglo XIX, antes de que se popularizase de forma masiva el inodoro, no era extraño que (tras una copiosa cena de varias horas) damas y caballeros se retirasen a habitáculos separados (y comunales) en los que cada uno hacía de vientre a la vista de los demás huéspedes.
Con todo, y según se explica el doctor Bindeshwar Pathak en un dossier del popular « Museo del inodoro» de la India, las «instalaciones» (si es que pueden ser llamadas de esta forma) para chicas escaseaban, por lo que se comenzó a «enseñar a las mujeres virtudes de control».
Es decir, que se empezó a alabar su capacidad para aguantarse sus necesidades.
Los siguientes años fueron los que dieron, finalmente, el empujoncito definitivo a la evolución del inodoro. Para empezar, Joseph C. Gayetty inventó y comercializó (según la mayoría de fuentes) el papel higiénico en 1857. Todo un avance en lo que a higiene se refiere.
En las décadas posteriores fue en las que se generalizó (principalmente en Estados Unidos) el uso de baños divididos por sexos.
Las causas fueron, entre otras, la llegada del extremo puritanismo de manos de los valores victorianos (los cuales establecían que era necesario evitar la tentación sexual a toda costa) y la idea de que las mujeres debían contar con un lugar íntimo después de que comenzase a ser bien visto su trabajo fuera del hogar.
(ANSA) – WASHINGTON — El músico y trompetista afroestadounidense Louis Armstrong fue utilizado sin su conocimiento como pantalla por la CIA durante su gira por el Congo en 1960, en medio de la Guerra Fría.
Así lo reveló Susan Williams, investigadora de la London University’s School, en el libro «White Malice», que levanta el velo sobre la increíble amplitud de las operaciones de Inteligencia Central en Africa Central y Occidental en la década de 1950 y principios de la de 1960.
«Armstrong fue utilizado básicamente como un ‘caballo de Troya’ para la CIA. Es realmente desgarrador, fue educado para servir a un interés que era completamente contrario a su sentido de lo que estaba bien o mal. Se habría horrorizado», explicó la autora de la obra.
El famoso trompetista se encontraba en medio de una larga gira por Africa, organizada y promovida por el Departamento de Estado para mejorar la imagen de Estados Unidos en decenas de países que acababan de liberarse de los regímenes coloniales.
Armstrong, sin embargo, no sabía que el anfitrión de una de sus actuaciones no era el agregado político sino el jefe de la CIA en el Congo, quien aprovechó la oportunidad para recopilar información crucial que facilitaría algunas de las operaciones más controvertidas de la CIA en toda la Guerra Fría.
Uno de los lugares que más interés despertaban era la región de Katanga, rica en uranio.
Según cuenta en su libro Williams, en aquel tiempo y por temor a que Patrice Lumumba, presidente del Congo elegido en las urnas, se alinease con Rusia, la CIA planeaba eliminarlo.
Dos meses después de la gira fue asesinado y eso posibilitó que Joseph-Désiré Mobutu, quien había colaborado con la agencia, accediese al poder.
Una de las papeleras instaladas en 1934; a la derecha el alcalde Pedro Rico López
elhistoriador.es — Las papeleras de Madrid, ahora abarrotadas e insuficientes por la falta de limpieza en las calles, también esconden una historia, curiosa e irónica. Al contrario que en la actualidad, en 1934 fueron protagonistas tanto por su carácter novedoso como por su fisionomía.
En la fecha, cuando fueron instaladas por decenas, los madrileños las recibieron con agrado por ambas características, pero tiraron de sarcasmo para bautizarlas con el apelativo de «pedritos», inspirándose en el entonces alcalde de la capital: el republicano Pedro Rico López.
Rico López, miembro de Acción Republicana, fue el regidor de Madrid en dos etapas de la Segunda República, siendo en la primera cuando instaló esta flota de papeleras (según explica el blog Secretos de Madrid). Concretamente, ocupó el Ayuntamiento entre 1931 y 1934 y, posteriormente, durante menos de un año en 1936.
Analizadas las imágenes que acompañan a este texto, la analogía salta a la vista. El diseño redondeado y chaparro de los cubos, con la parte inferior en forma de semiesfera, apoyados en un cilindro alargado, bastó para que los madrileños encontraran un parecido razonable con el cuerpo y el aspecto del alcalde.
No fue con mala intención, o al menos no hay documentos que así lo certifiquen, pero lo cierto es que los «pedritos» forman parte de la crónica popular de Madrid. Que fuera él quien los situó, evidentemente, despempeñó un papel fundamental en la inspiración.
historiahoy.com(M.A.Hernandez)/concepto.de — El matrimonio o unión conyugal es una institución social fundamental, que involucra a dos personas físicas y naturales. Es la forma de oficializar un vínculo de pareja y someterlo a las normativas legales, sociales, morales e incluso religiosas dictaminadas por la sociedad.
El matrimonio es al mismo tiempo una figura legal, una ceremonia social y religiosa, y una entidad cultural tradicional. Es decir que por matrimonio podemos entender distintos tipos de conceptos sociales, culturales y legales, dependiendo de la tradición específica de una sociedad y su imaginario.
Así, el matrimonio es comúnmente regulado por la ley (sobre todo para prohibir las uniones que culturalmente se consideran inadecuadas, como las incestuosas), pero tiene una existencia milenaria, con presencia en sociedades que comprendían la justicia y el Estado de un modo muy distinto al contemporáneo.
De hecho, la palabra matrimonio proviene del latín matrimonium, derivada de la unión de los vocablos mater (“madre”) y monia, un término que se usaba para referirse a situaciones ceremoniales o legales, como en patrimonium (“patrimonio”, o sea, la herencia que el padre deja al morir).
Este término se empleaba en la Antigua Roma para referirse al derecho de una mujer de ser la madre legítima y reconocible de los hijos de un varón, lo cual le confería el estado de casada (no disponible) y el derecho a heredar los bienes que dejara su marido al fallecer.
Además, suele considerarse que el matrimonio es la base de la sociedad. Esto se basa en la idea de que cualquier sociedad humana tiene como fin la perpetuación de la especie y la protección de las generaciones venideras. Para lograrlo se propone la unión matrimonial.
En suma, el matrimonio es la unión exclusiva de dos individuos que desean compartir todos sus bienes y derechos. En principio se trata de hombre y mujer, dado que se le atribuye al matrimonio el fin de la reproducción humana, pero este sentido ha cambiado en tiempos modernos.
Dependiendo del momento histórico, las órbitas de las tres grandes religiones del mundo—Cristianismo, Judaísmo e Islam—han acomodado una de las dos versiones para fundamentar la obediencia debida de la mujer al varón dentro del matrimonio (argumentando que Dios lo quiso así) o han ensalzado la igualdad de los dos miembros de la pareja por igual.
La idea de matrimonio legal fue concebida, en primer lugar, por los antiguos egipcios. Ellos ya habían establecido la prohibición del incesto (aunque los faraones no siempre la respetaban) y hasta admitían la posibilidad del divorcio.
A diferencia de otras civilizaciones antiguas, entre los egipcios se consideraba que una pareja debía conocerse un tiempo antes de casarse y, al decidirlo, se firmaba un acuerdo en el cual se establecían los derechos y obligaciones de los esposos.
Los egipcios consideraban a los dos miembros de la pareja igualmente relevantes, lo que tiene mucho parecido con las uniones de pareja actuales. La mayor parte de las sociedades de Oriente Medio, en cambio, no consideraban a la mujer como un adulto jurídicamente hablando, sino que eran dependientes de sus padres y luego de sus esposos.
Posteriormente, los griegos también sostendrían una versión no igualitaria entre los dos sexos, considerando la obligación de la mujer de obedecer y servir a su marido.
En la mayoría de las civilizaciones antiguas, el matrimonio era simplemente un contrato privado entre el padre o tutor de la mujer y un varón. Éste podía rechazar y dar por finalizado el contrato cuando se le antojase y de forma unilateral; las mujeres no tenían ni voz ni voto.
Dependiendo de la cultura y la religión, el matrimonio podía ser monogámico (una sola mujer y un solo hombre) o poligámico (varias mujeres para un solo hombre), como en la tradición oriental. Luego fue asimilado por la naciente cultura cristiana, en la cual el matrimonio se convirtió en un vínculo sagrado celebrado ante Dios y conforme a ciertos ritos provenientes del Antiguo Testamento, es decir, de la religión judía.
La Biblia ofrece la versión clásica que conocemos: “Dios creó al hombre a su imagen, hombre y mujer los creó. Dios los bendijo y les dijo: ‘Sean fecundos y prolíficos, llenen la tierra y domínenla…’ «.
En el judaísmo, el matrimonio como unión estable de pareja existe desde los tiempos de la Torah. Sin embargo, en un principio tenía formas diversas, aceptándose incluso la poligamia, común entre reyes y patriarcas (por ejemplo, Jacob estaba casado con dos hermanas, Leah y Rajel, y Abraham convivía con Sara y Agar).
Pero en el Nuevo Testamento, Jesús rechaza la poligamia y repudia el divorcio; en Marcos 10, 11-12, dice: “El que se divorcia de su esposa y se casa con otra, comete adulterio contra la primera; y si la mujer deja a su esposo y se casa con otro, también comete adulterio”.
La ceremonia de casamiento judía se celebraba en dos etapas. La primera parte, el erusin, consistía en el momento en el cual el novio consagraba, con un anillo, a su esposa. Sin embargo, a pesar de estar casados legalmente, luego de esto la pareja vivía un año más en la casa de sus padres.
Luego se celebraba el nissuin, se firmaba la ketuvá (acta matrimonial) y la pareja ahora sí habitaba su nuevo hogar.
Con el tiempo, el matrimonio fue tomando diferentes connotaciones según se tratara de las clases nobles o las plebeyas. En las primeras, el matrimonio celebraba y formalizaba la unión de sus reyes y nobles, lo que se traducía a menudo en cambios de dinastía, uniones estratégicas o cambios en la sucesión del poder político, según fuera el caso.
Los plebeyos, en cambio, no celebraban ningún matrimonio, ya que el mismo no era necesario para tener relaciones sexuales o para concebir hijos.
En todo caso, quienes desearan afirmar una relación formalmente podían hacerlo según ceremonias muy simples.
En las eras antiguas era frecuente que las uniones involucraran el intercambio económico: quien recibía una esposa también recibía el control de una dote perteneciente a la mujer, que podía estar compuesta por animales, propiedades o un terreno para iniciar una familia productiva y sostenerla.
Pero el matrimonio tal y como lo entendemos hoy en Occidente nació en la Antigua Roma.
La palabra matrimonio proviene del latín “matrimonium”, que deriva de la unión de los vocablos “mater” (madre) y “monia”, un término que se usaba para referirse a situaciones ceremoniales o legales.
El término “matrimonio” se empleaba en la antigua Roma para referirse al derecho de una mujer a ser reconocida como la madre legítima de los hijos de un varón, lo cual le confería el estado de “casada” (es decir, no disponible) y el derecho a heredar los bienes que dejara su marido al fallece: el patrimonio, que proviene de “patrimonium”, y tiene una estructura similar: “pater” (padre) y “monia” (o sea, la herencia y cuestiones legales que el padre deja al morir).
Los romanos tenían varias costumbres diferentes en el arte de acercarse a las mujeres. Hacían fiestas improvisadas de “encuentro” con mujeres, en las que se invitaba a vecinos, conocidos, no tan conocidos y a sus hijas, y luego de conocerlas… se las llevaban.
Esta especie de «rapto consentido» fue después practicado en otras culturas muy diferentes, como por ejemplo la gitana. Otra opción matrimonial era el “coemptio” (compra recíproca), en la que ambos miembros de la pareja simulan “comprarse” mutuamente con regalos.
Esta costumbre era usada por las clases bajas, que no tenían muchas posesiones sino que lo único que tenían era el uno al otro. En este caso, se casaban por amor y no por imposición paterna.
Paquio Próculo y su esposa. Acuarela de Pompeya del siglo I. Actualmente se exhibe en el Museo de Capodimonte, Nápoles.
Otra forma era la “confrarreatio”, que se daba entre las familias ricas. Es la primera forma de unión de derecho privado y, ya en tiempos en los que el Imperio Romano había adoptado la religión cristiana, también tenía carácter religioso, ya que era avalada y santificada por las autoridades eclesiásticas.
Esto sería el equivalente al matrimonio civil y religioso de hoy en día. En este caso los arreglos entre los miembros de la pareja recaían en los padres, que veían conveniente unir a sus hijos (se amaran o no), quienes debían obedecer los mandatos paternos.
Cuando se derrumba el Imperio Romano, la Iglesia Católica Medieval toma las riendas de la ética y moral en Occidente.
El matrimonio pasa a ser concebido como una unión de iguales ante Dios, se impone la monogamia formal (aunque las mancebas, amantes, cortesanas, etc, no dejaron de estar a la orden del día) y se prohíbe la consanguineidad, aunque las familias reales seguían practicándola. La Iglesia declara al matrimonio como indisoluble: el clásico “que el hombre no separe lo que Dios ha unido”.
El divorcio queda prohibido, a tal punto que Enrique VIII tuvo que separarse de la religión católica y crear una nueva para poder hacer su voluntad y volver a casarse, lo que terminó haciendo seis veces.
Gracias a la separación de Estado y religión ocurrida en Occidente desde finales del Medioevo, el matrimonio se fue convirtiendo más en una figura legal que en un nexo religioso indisoluble. Así surgió el matrimonio civil, que permitía casarse a personas de religiones distintas o impedidas por ley eclesiástica.
También fue posible el divorcio, que permitía la interrupción del matrimonio, aunque la Iglesia tardó en reconocerlo, pues sus votos matrimoniales son “hasta que la muerte los separe”.
Gregorio Vásquez, Desposorios de José y la Virgen. Óleo sobre tela, ca. 1680, Nueva Granada. Colección Museo Colonial, Bogotá
Características del matrimonio
El matrimonio, tal y como lo entendemos hoy en Occidente, se caracteriza por:
Ser un vínculo legal voluntario y duradero. Las personas se pueden casar únicamente por su propia voluntad, y deben hacerlo mediante una serie de ritos y ceremonias legales (y religiosas, si así lo desea) que atestiguan la validez y legitimidad del hecho.
Puede ser civil y/o religioso. Todo depende de las creencias de los cónyuges, aunque el único valedero ante el Estado es el civil, y el único valedero ante la Iglesia es el religioso.
Ser monógamo. Involucra a dos personas únicamente, quienes se comprometen a tener un vínculo amoroso y sexual exclusivo (fidelidad).
Es tradicional y convencional. Se rige por las convenciones y tradiciones sociales, morales y religiosas de la comunidad y la nación, por lo que puede tener marcadas diferencias de una región del mundo a otra.
Crear una comunidad de bienes. Llamada “comunidad conyugal”, implica que todas las propiedades y capitales obtenidas desde el inicio del matrimonio son de ambos cónyuges por igual, lo que implica un reparto común y la necesidad de arreglos en caso de divorcio.
Tipos de matrimonio
Existen los siguientes tipos de matrimonio:
Matrimonio religioso. Involucra un conjunto de ritos y ceremonias con un fuerte componente simbólico, determinados por el tipo de religión de la cual se trate: judía, católica, islámica, etc. Generalmente exige que ambos cónyuges practiquen la misma fe y suele ser mucho más rígida con sus mandatos y exigencias.
Matrimonio civil. Se trata de la contrapartida legal, laica y jurídica del matrimonio religioso, la cual se rige por las leyes del Estado y no por los mandatos de la religión o la moral. Por ende, es mucho más permisivo en ciertas ocasiones y es el único valedero ante la justicia.
Matrimonio igualitario u homosexual. Se trata de la unión entre dos personas del mismo sexo, bajo los mismos términos del matrimonio civil heterosexual. En algunas latitudes es más aceptado que en otras, y en algunas lo es bajo un nombre distinto al de “matrimonio”, como “unión civil”.
Matrimonio por conveniencia. Se llama así a los matrimonios que, en principio, no nacen del amor sino del interés, o sea, de un intercambio como cualquier otro. El matrimonio por interés no es bien visto socialmente, a pesar de que en la antigüedad todas las formas de matrimonio eran, en principio, por interés: un príncipe y una princesa solían casarse para unificar sus reinos, no porque se amaran, por ejemplo.
Importancia del matrimonio
El matrimonio es una figura central en la constitución de las sociedades. De forma más o menos explícito, todas las sociedades tienen como principio fundamental la reproducción de la especie y la conformación de nuevas familias. Por eso, el vínculo matrimonial desde un principio se ha visto protegido legalmente y amparado por costumbres sociales, morales y culturales.
Justamente por esa razón, la introducción de nuevas formas de matrimonio son siempre polémicas: se trata de un pequeño pero significativo cambio en la idea matriz de la sociedad.
Para algunos implica hacerla más amplia, democrática y abarcadora de los estilos de vida que ya existen, mientras que para otros significa la pérdida o alteración de valores antiguos creados en una sociedad muy anterior y muy distinta a la contemporánea.
Divorcio
El divorcio es el acto legal de interrupción del matrimonio, es decir, la separación legal que disuelve la comunidad conyugal (la comunidad de bienes creada por el matrimonio).
Se realiza conforme a términos acordados jurídicamente, dependiendo del grado de entendimiento de los cónyuges que están por separarse. En algunos casos, uno de los dos debe demandar al otro para exigir el fin del matrimonio, y se establece un juicio.
El divorcio, si bien aceptado por algunas iglesias, no es afín a la religión. En muchos casos los individuos divorciados no pueden volver a casarse por la iglesia, hasta que se produzca la muerte de su ex pareja, pues a los ojos de la religión, sigue casado con ella.
Concubinato
El concubinato es un tipo de unión marital distinto del matrimonio, pero que brinda a quienes lo integran muchos de los derechos consagrados en la ley para la protección de los núcleos familiares. Así como los cónyuges son quienes integran un matrimonio, el concubinato está conformado por dos concubinos.
Desde tiempos antiguos existen reglas más o menos estrictas que regulan el matrimonio, ya sean de tipo religioso, cultural, social o jurídico. En consecuencia, el concubinato surge como una alternativa para quienes no pueden o no desean casarse, pero lleven una vida conjunta en cohabitación y desean formalizar legalmente su unión ante la Ley.
Este tipo de unión es libre, voluntaria y responde a los derechos y deberes que el ordenamiento jurídico local le consagre. Por ejemplo, en algunos países es legal el concubinato entre personas del mismo sexo, mientras que en otros no.
El concubinato ha sido una figura usual en la historia. De hecho, muchos monarcas y líderes tenían tanto una esposa como una o varias concubinas, dependiendo de la tradición cultural, religiosa y legal de su nación. En tiempos modernos, en cambio, se ha convertido en una figura legal accesible a cualquiera.
Concubinato en la Antigua Roma
La palabra concubinato viene del latín concubinus, que era el término en la Antigua Roma para aquellos jóvenes varones escogidos como amantes por su amo, aunque también era posible que se tratase de una concubina, o sea, una mujer.
En principio, las concubinas no eran demasiado distintas de las esposas, excepto en su denominación y en la “dignidad” de su unión, ya que usualmente se trataba de jóvenes plebeyas o de un estatus social que les impedía acceder al matrimonio.
Por otro lado, no disfrutaban de las ventajas materiales de su relación, y sus hijos no eran legítimos descendientes del noble que los engendrara, sino que eran “hijos naturales”, que podían aspirar a lo sumo a heredar la sexta parte de los bienes del padre. Aun así, la ley romana impedía tener varias concubinas a la vez, al igual que varias esposas.
Características del concubinato
Cualquier concubinato se caracteriza por ser:
Voluntario. Nadie puede obligar a nadie a formalizar un concubinato, al igual que no pueden obligar a nadie a casarse en contra de su voluntad. Se trata de un vínculo deseado.
Singular. Los dos sujetos que forman un concubinato pueden hacerlo con exclusividad, o sea, solamente si es el único concubinato que tienen, al igual que el matrimonio. No pueden tenerse varios concubinos o concubinas a la vez.
Permanente. Los concubinatos son uniones duraderas y estables, no pasajeras y efímeras. No puede formalizarse una relación que ya no existe, obviamente.
Notorio. El concubinato no es una unión secreta, ni es una figura para esconder el adulterio, sino que es un vínculo notorio, o sea, formal, evidente, de cara al resto de la sociedad.
Requiere de cohabitación. Los concubinos deben vivir juntos, con todo lo que ello implica. No son concubinos quienes no comparten un hogar.
El resto de las características o requerimientos varían según la legislación que rija el caso, dependiendo del país y de su ordenamiento legal.
Efectos del concubinato
Los efectos del concubinato están determinados por ley, así que dependen en primer término del orden jurídico aplicable. Aun así, suelen ser bastante parecidos a los del matrimonio, brindando ciertos derechos conyugales a los concubinos, aunque no posea generalmente el mismo tipo de reconocimiento pleno del matrimonio para determinados asuntos legales.
En líneas generales, los concubinos gozan de:
Formalización del vínculo. Los concubinatos son uniones jurídicas reales, que permiten a los concubinos compartir pólizas de seguro médico, y que protegen en caso de separación a ambas partes en el reparto de las propiedades obtenidas mediante esfuerzo mutuo.
Permite la filiación. Los hijos de concubinos están amparados por la misma ley de paternidad que los hijos de matrimonios, pudiendo de igual forma heredar bienes y recibir el apellido paterno, con plena vigencia de derechos filiales, como la pensión alimenticia por parte del otro progenitor en caso de que el concubinato se rompa.
Regulación familiar. A la familia producto de un concubinato se le considera legalmente igual a la familia de un matrimonio, y gozan de los mismos derechos y deberes de cara al núcleo familiar.
Preguntas frecuentes sobre el concubinato
Algunas de las preguntas más frecuentemente hechas en torno al concubinato son:
¿Cuánto tiempo requiere de una unión para ser un concubinato?
Depende de la legislación, pero usualmente se establece un límite de dos años de convivencia plena, notoria y singular, para dar inicio a una relación de concubinato.
¿Puede romperse el concubinato?
Desde luego, a voluntad de las partes (o de una sola de ellas). En ese sentido el concubinato es un vínculo más libre que el matrimonio, ya que no requiere de un divorcio.
¿Qué pasa si un concubinato se rompe?
Al igual que en otros tipos de unión, el concubino menos favorecido económicamente puede negociar con el otro, por intermediación jurídica, un reparto equitativo de los bienes, una pensión temporal de ayuda económica (especialmente si tiene hijos), un régimen de visitas para los hijos y otros derechos semejantes. Todo ello deberá ser sustentado por la ley.
¿Cómo puedo formalizar un concubinato?
La ley de cada país contempla (o no) la posibilidad de formalizar un concubinato y los términos del mismo, así como los deberes, derechos y beneficios específicos de los que cada concubino disfrutará.
Familia ensamblada
Se conoce como familia ensamblada, familia mixta o familia reconstruida a un núcleo familiar en el cual uno o ambos progenitores tienen descendientes fruto de una unión anterior. Es decir, se trata de una familia formada por uno o dos padres divorciados, viudos o padres o madres solteras.
El origen de este término se remonta a la Argentina en 1987, cuando se promulgó la ley de divorcio, reconociendo oficialmente esta figura en dicho país, donde ya era un grupo demográfico importante. Y aunque se asume que también lo sean en el resto del mundo occidental, las cifras respecto a las familias ensambladas son muy diversas.
Ello se debe a que dependiendo de la legislación, puede no considerarse como tales a las segundas uniones no legalizadas, muy frecuentes en América Latina, o a las madres y padres solteros que luego contraen matrimonio por primera vez.
Sin embargo, tanto en Europa como en EEUU las tasas de divorcio son significativas (30% y 50% respectivamente), pero de los divorciados un altísimo porcentaje (75%) decide volverlo a intentar con una nueva pareja.
Se ha defendido el uso de estos términos en español para combatir la connotación peyorativa que el sufijo –astro le da a un padrastro o una madrastra, figuras que en el imaginario de la fábula infantil están además vinculados con la maldad o el egoísmo. Dicha connotación no existe en el término inglés: step- (como el stepfather o stepmother).
Familia monoparental
Cuando se habla de una familia monoparental, se refiere a que está guiada por un sólo progenitor, ya sea padre o madre.
Es el caso de los viudos y viudas, los padres y madres solteros, y los padres o madres divorciados que no vuelven a construir una pareja fija.
Este término se emplea únicamente cuando hay hijos a los que cuidar, y al contrario de lo que a menudo se piensa, estos hogares no están incompletos, ni son por ello disfuncionales, sino que simplemente el padre o madre ocupa en solitario el rol tutelar.
A lo sumo, y dependiendo del caso, pueden enfrentar mayores dificultades económicas que un hogar en el que ambos padres aporten dinero al hogar, lo cual no es siempre el caso de los hogares en los que haya dos progenitores.
Familia homoparental
La familia homoparental es aquella cuyos progenitores son una pareja del mismo sexo, o sea, una pareja homosexual, y poseen hijos provenientes de relaciones anteriores o adquiridos mediante adopción, maternidad subrogada o inseminación artificial (en el caso de las parejas de mujeres).
El reconocimiento legal de este tipo de familias ha sido posible únicamente en aquellos países que reconocen la unión legal homosexual (en algunos casos referido como el matrimonio igualitario o el matrimonio gay) y les permiten el acceso a la adopción.
Este tema puede ser polémico, dado que existen numerosas posturas religiosas y morales en contra; pero es una tendencia general, al menos en occidente, la normalización de la homosexualidad y de las relaciones homosexuales, brindando así a los cónyuges el justo amparo de la ley y de los beneficios de la vida oficialmente en pareja.
Actualmente el matrimonio igualitario es reconocido en 25 países: Alemania, Argentina, Australia, Bélgica, Brasil, Canadá, Colombia, Dinamarca, España, Estados Unidos (en algunos estados), Finlandia, Francia, Irlanda, Islandia, Luxemburgo, Malta, México, Noruega, Nueva Zelanda, Países Bajos, Portugal, Reino Unido, Sudáfrica, Suecia y Uruguay.
Poligamia
Se conoce como poligamia a un tipo de matrimonio en el que una persona puede desposar a varias otras al mismo tiempo. Esto aplica para matrimonios de un solo hombre y varias mujeres (poliginia) o una sola mujer y varios hombres (poliandria). Su nombre proviene del griego polís (“muchos”) y gámos (“matrimonio”).
La poligamia no es aceptada, y de hecho es sancionada, por las doctrinas occidentales del derecho, que consideran la monogamia (justamente lo contrario) como única opción matrimonial y familiar viable. Sin embargo, es ejercida en muchas otras culturas, especialmente en Asia y el Medio Oriente.
Por otro lado, el número de sociedades polígamas documentado en el mundo es bastante pequeño, dado que no todas las familias polígamas provienen de un matrimonio polígamo.
No debe confundirse la poligamia con otras formas de vínculo amoroso o erótico, como pueden ser la promiscuidad, la infidelidad o las relaciones sexuales informales (orgías, relaciones casuales, amoríos, prostitución, etc.). De hecho, la poligamia suele estar muy vinculada a ciertas vertientes religiosas (en especial sectores del judaísmo tradicionalista y el islam).
Quizá el término contemporáneo que más se le aproxime en Occidente sea el llamado poliamor, pero ese tipo de relaciones no goza de ninguna forma de reconocimiento formal, ni legal.
Países donde se acepta la poligamia
La poligamia es aceptada formalmente en algunos países islámicos, especialmente aquellos más tradicionales, siempre centrado en torno a la poliginia.
En naciones como Arabia Saudita o Emiratos Árabes Unidos, por ejemplo, se la practica entre las clases más altas, ya que el hombre que tiene varias esposas debe proveer para cada una un hogar, aunque ellas ni siquiera tengan trato entre sí. En cambio, otras naciones musulmanas más seculares, como Túnez, Líbano, Malasia y Turquía, prohíben expresamente este tipo de unión.
La tradición hinduista ni condena ni fomenta la poligamia, y en naciones hinduistas como Bután está formalmente permitida. Sin embargo, la India es un caso particular: la poligamia está prohibida para todos menos para los musulmanes, ya que las tensiones étnico-religiosas han permitido desde 2004 una legislación dual, dependiendo de a qué religión uno pertenezca.
Por último, algunos de los Estados Unidos de América permiten la poligamia en su legislación, aunque no sea bien vista socialmente. También Sudáfrica permite este tipo de uniones si se elige en el momento del matrimonio.
En Paraguay fue legal durante los tiempos posteriores a la guerra de 1865, en que la nación se enfrentó a Brasil, Argentina y Uruguay, y tras perder el 90% de su población masculina, se vio en la necesidad de flexibilizar estas consideraciones bajo una política de “amor libre”.
Los mormones y la poligamia
La iglesia mormona permitió la poligamia hasta principios del siglo XX.
La poligamia ha formado parte del modelo de vida de un grupo religioso conocido como los mormones desde que su fundador Joseph Smith afirmó en 1831 que ciertos hombres de su colectividad debían practicar el matrimonio múltiple. Smith explicó que esta información se le había comunicado en una revelación divina.
Esta revelación consiguió publicarse en el Doctrina y convenios de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. Así comenzó una larga historia de disputas entre el Estado y los integrantes de este grupo en torno al tema.
Sin embargo, el endurecimiento de las leyes sobre la bigamia en algunos de los Estados Unidos obligó a los mormones a emigrar a Canadá y a México, donde podían continuar con este tipo de matrimonios.
Sin embargo, a principios del siglo XX la iglesia mormona comenzó a excomulgar a los fieles que lo practicaran. Por otro lado, según el diario Salt Lake Tribune de 2005, aún había al menos 18.500 mormones viviendo en hogares polígamos.
¿Qué es la monogamia?
La monogamia es justamente lo opuesto a la poligamia, es decir, un matrimonio monógamo únicamente puede estar conformado por dos individuos (tradicionalmente de sexos opuestos) en una relación estable, única y mutuamente exclusiva.
Este es el principio vigente en las religiones occidentales como el catolicismo o el protestantismo y es, por ende, la única forma de unión conyugal posible y reconocida por el Estado. La bigamia, de hecho, constituye un delito punible por ley en la mayoría de los países.
Relaciones interpersonales
Cuando hablamos de relaciones interpersonales, nos referimos al modo de vincularse que existe entre dos o más personas, basándose en emociones, sentimientos, intereses, actividades sociales, etc.
Este tipo de relaciones son la base de la vida en sociedad y se dan de distinto modo en numerosos contextos cotidianos, como la familia, los amigos, el entorno laboral, clubes deportivos, matrimonios, y muchas más, siempre y cuando existe en ellos la posibilidad de que dos o más personas se comuniquen de manera sostenida.
Además, forman parte de la vida humana a niveles tan profundos que pueden estar incluso reguladas por la ley, por convención o por la costumbre. Así se crea un entramado complejo de vínculos y grupos sociales que constituyen la sociedad por completo. De hecho, el manejo de las relaciones interpersonales es un hito fundamental en el crecimiento del individuo.
Tipos de relaciones interpersonales
Las relaciones interpersonales pueden ser muy diversas y complejas, y algunas puede que incluso no tengan un nombre. Pero a grandes rasgos solemos reconocer más o menos las siguientes:
Relaciones íntimas o afectivas. Aquellas que persiguen una conexión profunda con otros individuos, y que básicamente comprenden los distintos grados del afecto. Se trata de vínculos de enorme confianza y que buscan perdurar en el tiempo, asociados a sensaciones placenteras y de protección, solidaridad y pertenencia. Tal es el caso del amor y la amistad, por ejemplo.
Relaciones superficiales. Aquellas que se manejan en una capa inicial del conocimiento de los individuos, o sea, en las etapas formales y no muy profundas, ya sean placenteras o no. Se trata de vínculos pasajeros, no demasiado importantes ni centrales en la vida emocional del individuo (a diferencia de los íntimos). Es el tipo de relaciones que forjamos con desconocidos, con personas que sabemos efímeras o con el compañero de asiento de un avión, a quien nunca volveremos a ver.
Relaciones circunstanciales. Aquellas relaciones que ahondan en el espectro intermedio entre lo íntimo y lo superficial, ya que involucran a personas con las que compartimos a menudo, pero por las cuales no sentimos un apego demasiado profundo. Este tipo de vínculos puede siempre trascender y hacerse profundos, o mermar hasta hacerse superficiales. Es lo que ocurre con nuestros compañeros de trabajo, por ejemplo.
Relaciones de rivalidad. Aquellas que parten, justamente, de la enemistad, de la competencia o de emociones más profundas, como el odio. Se trata de vínculos en general negativos, que movilizan nuestras emociones en mayor o en menor medida, pero que no valoramos como con nuestras relaciones íntimas, aunque siempre pueden cambiar de categoría, dependiendo de las circunstancias. En esta categoría están nuestros rivales y enemigos.
Relaciones familiares. En esta categoría se encuentran las personas junto a las cuales nacimos y con las que nos vincula un árbol familiar o genealógico, es decir, con las que compartimos un vínculo consanguíneo. En muchas de ellas hay también cierto principio de autoridad, y por ellas podemos llegar a sentir amor o antipatía. Además, en general podrían ser más o menos profundas o superficiales, pero a diferencia de las demás, suelen persistir enormemente en el tiempo. Obviamente en esta categoría el ejemplo ideal son nuestros padres.
Importancia de las relaciones interpersonales
El manejo de las relaciones interpersonales son la base de la personalidad humana y un factor ineludible en nuestra forma de vivir. Esto significa que son centrales en nuestro recorrido y que pueden ser fuente de enormes satisfacciones, o de mucho sufrimiento, dependiendo de las elecciones que hagamos y del tipo de vínculos que establezcamos con los demás.
Relaciones más armónicas con los otros suelen generar individuos socialmente más saludables, más flexibles y tolerantes, o al menos con más herramientas para integrarse al colectivo y manejarse más exitosamente ante los demás.
Características de las relaciones interpersonales
En general, las relaciones interpersonales:
Pueden ser profundas o superficiales.
Pueden ser amenas o conflictivas.
Pueden darse mejor con un individuo por separado o con un grupo entero.
Las características dependen de los individuos involucrados y de sus destrezas sociales, muchas de las cuales se determinan a lo largo de etapas clave de la infancia y juventud. En ese sentido, pueden estar influenciadas por traumas o por situaciones críticas. A menudo son un claro síntoma de nuestra vida interior o vida emocional.
Ejemplos de relaciones interpersonales
No es difícil dar ejemplos de relaciones interpersonales: el amor, en su enorme y variada gama de vínculos, desde los filiales hasta los eróticos, es un tipo común de relación interpersonal.
También son buenos ejemplos la amistad y el compañerismo, o las relaciones laborales y sus leyes jerárquicas. Allí donde haya dos personas interactuando, habrá algún margen de vínculo interpersonal.
Comunicación y relaciones interpersonales
La comunicación es la capacidad para el intercambio efectivo de información. Por lo tanto, es la base de todo tipo de relación interpersonal. De hecho, para que surja una relación entre dos o más personas, éstas deben poder comunicarse, incluso si es para expresarse desagrado.
En ese sentido, la comunicación es una capacidad crucial y determinante en nuestro modo de establecernos en la sociedad. Es capaz incluso de convertir vínculos superficiales o conflictivos en amistades profundas, o bien de disolver nexos que se pensaba permanentes.
Amy Winehouse, la chica rebelde que solo buscaba amor
Infobae(P.Florio)/Vaniti Fair(A.Ander) — Hija de un vendedor y una farmacéutica, Amy Jade Winehouse nació el 14 septiembre de 1983 en Southgate, Londres, en el seno de una familia humilde.
Su padre le inculcó el amor por el jazz y ella siempre tuvo claro que quería convertirse en una buena intérprete de ese género musical. Y lo iba a lograr, porque había nacido bendecida por un don de esos que no les toca a todos: una voz prodigiosa, distinta, que la llevaría hasta donde quisiera.
Apenas apareció Frank (2003) -su primer disco que lleva ese nombre por su amor por Frank Sinatra-, un periodista le preguntó:
—¿Cuán famosa vas a ser?
—Mi música no entra en esa escala. No creo que vaya a ser famosa. No creo, tampoco, poder soportarlo —contestó la joven cantante.
A la luz de los hechos, queda claro que falló solo el 50% de sus predicciones. Fue una celebridad, tapa de todas las revistas, conquistó el mundo. Pero no pudo resistirlo. Siempre intentó huir de la fama, de las giras y de las responsabilidades que la asfixiaban, eran demasiado.
Nunca pudo hacerlo y encontró la oscuridad. Años de excesos que la consumieron y la hicieron descender a los infiernos. El 23 de julio de 2011 la encontraron muerta en su cama, en su casa de Londres, por una intoxicación etílica.
Tenía apenas 27 años, pero no fue una sorpresa para nadie: el alcoholismo y la bulimia que padecía, sumado a un enfisema pulmonar derivado de fumar crack, ya estaban acabando con su vida desde mucho antes.
Amy Winehouse había nacido bendecida por un don de esos que no les toca a todos: una voz prodigiosa, distinta, que la llevó a la cima
Pero es injusto recordarla solo por sus excesos o por pertenecer al Club de los 27-una expresión utilizada para referirse a músicos, artistas, y actores que fallecieron a esa edad-. Amy era mucho más que eso. Y su música aún estremece y emociona.
Una figura conflictiva
A sus 9 años sus padres se separaron y ya nada sería igual. Su progenitor se fue de casa demasiado pronto y esa falta de afecto paternal la marcaría por siempre. Su madre trabajaba muchas horas para suplir las ausencias y no pudo ponerle límites ni acompañarla como Amy necesitaba. Comenzaron a expulsarla del colegio y prácticamente, hacía lo que quería.
“Mi madre tuvo a sus hijos. Los criaba prácticamente sola porque cuando estaba mi padre, nunca estaba. Nunca estaba para las cosas importantes. No hablo de llevarnos a la escuela, digo por la noche, cuando nos portábamos mal. Decíamos: ‘No nos acostaremos’. Mi padre nunca estaba para decir: ‘¡Háganle caso a su madre!’. Y eso era lo que necesitábamos. Él decía que estaba trabajando”, revelaría Amy años después, en una entrevista.
Encontró refugio en su abuela paterna, Cynthia, y en su hermano mayor Alex, quien le enseñó a tocar la guitarra. La música siempre fue un lugar que la mantuvo a flote: componía durante horas y plasmaba en esas partituras todo el dolor que la hundía.
Con 10 años fundó una banda de rap. Con 15 empezó a tocar en pubs de Londres y formó parte de una banda femenina de jazz. Su novio por aquel entonces, Tyler James, entregó un demo suyo a un productor y así fue cómo Amy firmó su primer contrato y empezó su carrera profesional.
Sus días tomaban un ritmo vertiginoso: comenzó a fumar hierba y a beber alcohol en exceso. A los 15 años le confesó a su madre que había encontrado una forma ideal de hacer dieta: comer todo lo que quisiera y luego vomitarlo. Comenzaba un camino hacia la autodestrucción.
En el 2006 la muerte de su abuela la dejó hundida. En esa época ya era una estrella y necesitaba parar. Su padre había reaparecido para manejar su carrera y ella le pedía tiempo para unas vacaciones, pero él llenaba sus giras de presentaciones millonarias.
Como en tantos otros casos, la máquina de generar dinero no podía apagarse aunque se termine triturando al artista. Y Amy, que se sentía presa, no pudo salir de ese laberinto.
En Amy, el documental nominado al Oscar dirigido por Asif Kapadia, se apunta contra su padre, un negador serial que no reconoció los problemas de su hija hasta bastante tarde (él fue uno de los principales opositores a que su hija ingresara en centros de rehabilitación durante largo tiempo) y que solo reaparece en su vida fascinado con la idea de ser el padre de la nueva estrella del momento.
El amor tóxico
Blake Fielder-Civil, el hombre que llegó para destruir la vida de Amy Winehouse
A Blake Fielder-Civil lo conoció en un pub de Londres en 2003. Ambos tenían pareja en aquella época, pero se hicieron inseparables. Su amor era como una droga: él, que a los nueve años se cortó las venas, la introdujo en el consumo de crack y heroína y le enseñó a vivir sin límites.
Y ella, que estaba rota, fue manipulada por completo. Este fue el segundo hombre que destruiría su vida.
Su relación duró aproximadamente siete años. El 18 de mayo de 2007 se casaron en una ceremonia secreta en Miami, pero tan solo unos días después de la boda Blake Fielder-Civil fue arrestado por haber protagonizado una pelea en un pub.
Su ingreso en prisión por peleas, robos y delitos con armas de fuego se convirtió en una constante y, aunque Amy juntó coraje y se internó en una clínica de rehabilitación, realmente quería sanarse, formar una familia, ser madre.
Se divorciaron en 2009. Ella pasó unos meses en una isla para desintoxicarse y componer nuevas canciones para su tercer álbum. Se la veía más recuperada, pero no pudo ganarle la batalla al alcohol.
Sola, con Blake preso; sus amigas de la infancia alejadas; sus padres negando sus problemas; con el acoso de la prensa que registraba sin piedad cada paso que daba y varios shows suspendidos por sus excesos, esa noche del 23 de julio se despidió de su guardaespaldas cerca de la medianoche y a las tres de la mañana le envió un mensaje de texto a un amigo: “Estaré acá para siempre, ¿y tú?”.
A las 10 de la mañana el guardaespaldas se acercó a su puerta y no escuchó nada. No lo sorprendió. Tampoco cuando repitió el movimiento a las 12 del mediodía.A las tres de la tarde, alarmado por la falta de respuesta de la cantante, ingresó a su cuarto. Llevaba muerta varias horas.
Al costado de la cama había tres botellas de vodka vacías. Los análisis toxicológicos demostraron que no había rastros de drogas en su sangre, solo una cantidad desmesurada de alcohol: 4,16 gramos por litro de sangre -el límite antes del coma alcohólico es de 3,5-.
No había nada que hacer, la estrella se apagaba y con ella sus sueños. La chica rebelde de la música se convertía en leyenda. Pero Amy Winehouse solo quería que la quisieran.
Amy Winehouse y Blake Fielder-Civil, una historia de obsesión, drogas y ¿amor?
«Yo estaba en el bar y entró ella. Jugamos al billar y nos fuimos a otro pub. Luego volvimos a casa de Amy. Ambos estábamos saliendo con otras personas, pero no pensé en ello como en una infidelidad. Solo la veía como una chica muy caliente. Yo era así», explica Blake Fielder-Civil en el documental Amy (2015).
Mujeriego, fiestero y adicto a las drogas, se ganaba la vida trabajando como auxiliar en una productora de videoclips. Poco que ver con Amy, una dulce, carismática e inteligente joven de 21 años con cierta falta de autoestima que había abandonado los estudios para dedicarse de lleno a la música.
La cantante, que al poco de toparse con Blake dejó a su novio, pasó el verano de aquel año sin separarse apenas de su nueva conquista, por quien sintió una atracción inmediata. La obsesión era tal que apenas un mes después de conocerlo se tatuó su nombre sobre el pecho izquierdo.
«Me gustaba hacerme daño, y creo que a Amy también», afirmó luego Blake. «Iba en nuestros genes. Le preguntaba por qué era tan promiscua y por qué era como un hombre en cuanto al sexo. Eso indica que alguien ha vivido un episodio traumático, quizá de índole sexual. Viendo su comportamiento, tenía sentido.
Ella decía: ‘Por nada. No abusaron de mí cuando era una niña ni nada parecido’. Y afirmaba que todo era porque su progenitor (Mitch Winehouse) abandonó a su madre y eso le impidió ver a su padre. Lo entendí. Cuando tenía nueve años, me corté las venas. No sé si quería morir o que mi madre dejase a mi padrastro. Amy y yo nos parecíamos».
La relación entre ambos parecía inquebrantable. Amy estaba tan ciega de amor que, cuando Blake se cortó con el filo de una botella durante una juerga salvaje, tuvo que cortarse ella también. «Haré lo que tú hagas. Quiero sentir lo que sientes tú», le dijo.
Pero la cosa empeoró el día que Blake le mandó un mensaje para comentarle que no quería dejar a su novia y que era mejor continuar simplemente como amigos. «Cuando rompimos, me volví completamente loca, era una imprudente. Enloquecí. Todo me recordaba a él.
Buscaba algo en la nevera y lo veía. Subía las escaleras, veía sangre en las paredes y pensaba en él; pero era de mis puños», contó ella después.
A partir de ahí, los dimes y diretes entre ambos tomaron bastante protagonismo en su relación, lo que fue minando la moral de Amy, que comenzó a abusar del alcohol para tratar de huir de la depresión en la que se sumió.
En noviembre de 2005 su representante, Nick Shymansky, se sentó a hablar seriamente con ella y trató de convencerla para que acudiera a un centro de desintoxicación. Amy le respondió con un «Iré si mi padre me lo pide», pero el susodicho determinó que la muchacha estaba bien y que su apego al alcohol era algo así como una adicción temporal e inocua —un asunto que quedaría retratado en la archiconocida canción Rehab—.
La londinense acabaría superando aquella mala racha. A principios de 2006 dejó a la agencia que la representaba para firmar con Raye Cosbert, de Metropolis Music, y comenzó a trabajar duro en su segundo álbum, Back to Black, un disco donde fusionó con atino diferentes estilos (como el jazz, el soul o el hip-hop) y cuya composición le sirvió de catarsis emocional.
La cantante cambió totalmente de look, pasando a lucir su característico moño cardado, y se consagró como una de las artistas con más ventas y más famosa del planeta, lo que conllevó también un nivel de exposición mediática que le incomodaba bastante.
Porque si bien es cierto que adoraba cantar y componer, no es menos cierto que Amy siempre tuvo los pies en la tierra. Nunca escuchaba sus propias canciones en casa y jamás se creyó nada especial —por más que su admirado Tony Bennett llegase a hablar de ella como una estrella del jazz a la altura de maestras como Ella Fitzgerald y Billie Holiday—.
La resaca del éxito trajo consigo su reconciliación con Blake, con quien decidió casarse en Miami en mayo de 2007. «Al volver de Estods Unidos, ya casados, fue la primera vez que Amy probó el crack y la heroína. En aquel momento, yo las tomaba y me gustaban. Anulaban por completo cualquier sentimiento negativo, y Amy las probó conmigo.
Después de tomarlas los dos nos enganchamos enseguida», expuso sin titubeos Blake en una entrevista. Ese mismo verano Amy estuvo ya a punto de morir tras sufrir su primera sobredosis —aunque en esa ocasión accedió a ingresar junto con su marido en un centro de desintoxicación ubicado en la isla de Osea—.
Algunos amigos de Amy comentan que su entonces marido y ella siguieron drogándose juntos hasta que Blake fue arrestado (y enviado a la cárcel) por ayudar a golpear al propietario de un pub y ofrecerle luego un soborno para que no lo contase. Poco a poco, la vida de ambos comenzaría a ir cuesta abajo y sin frenos.
Amy, que era quien llevaba el dinero a casa, empezó a gastar ingentes cantidades de parné —hasta 18.000 euros a la semana— para comprar drogas duras, desarrolló bulimia y comenzó a descuidar su carrera musical, hasta el punto de llegar a cancelar todos los conciertos que tenía programados ese año por prescripción médica.
«No puedo darlo todo en el escenario sin mi Blake. Lo siento mucho, pero no quiero hacer los espectáculos con poco entusiasmo. Amo cantar. Mi marido es todo para mí, y sin él, simplemente, no es lo mismo», declararó entonces la propia artista. «Amy quedaba lejos de representar cualquier ideal de feminismo.
Sus traumas de la infancia la arrastraron hacia una enfermiza dependencia de los hombres, manifestada en una actitud sumisa y supeditada a los deseos de un esposo por el que podía, incluso, morir», apunta la escritora Susana Monteagudo en la biografía ilustrada Amy: Stronger than her (Lunwerg, 2019).
Los medios británicos comenzaron a hacerse eco de las peleas de Amy con Blake. Cualquier consumidor de prensa amarillista de la época recordará imágenes como aquella desagradable fotografía —tomada justo después de una fuerte disputa entre ambos— donde él aparece con el rostro repleto de arañazos y ella se deja ver con el maquillaje corrido y las manoletinas cubiertas de sangre.
Y cualquiera que siguiera de cerca la carrera de Amy recordará la popularidad que adquirieron los chistes sobre su adicción a las drogas o su demacrado físico. «Según Contactmusic.com, en el próximo disco de Amy Winehouse las canciones serán sobre cocina. Cocinar meta, heroína…», comentó con cierta mala baba el humorista satírico Jay Leno en The Tonight Show.
Amy siempre había tratado respetuosamente a los medios. De hecho, se mostraba a menudo generosa con los reporteros que hacían guardia en la puerta de su casa —su padre contó en una entrevista que hasta les servía té y bocadillos, lo que hacía que la adorasen—.
Pero aquellas mofas, las críticas crueles y la constante persecución mediática la llevaron a replantearse su relación con la prensa, hasta el punto de que más adelante llegaría a lograr una orden judicial contra los paparazzi que la acosaban brutalmente y no la dejaban vivir tranquila.
Back to Black se convirtió en uno de los discos del año, llegando a cosechar hasta seis nominaciones a los Grammy. En enero de 2008 Amy aceptó ingresar en una clínica de desintoxicación para poder viajar a Estados Unidos y acudir a la ceremonia de entrega de aquellos prestigiosos premios.
Por desgracia, su solicitud de visado para entrar en el país acabó siendo rechazada por la embajada estadounidense en Londres, y la pobre Amy tuvo que conformarse con celebrar su victoria desde un estudio de la capital británica —lugar desde el que dedicó sus cinco premios «a mi Blake, que está encarcelado»—.
Agotada física y mentalmente, Amy cumplió aquel verano con los compromisos adquiridos y luego decidió parar para tratar de recuperarse. «Sabía que las cosas estaban mal, pero estaba harta y realmente superada por la situación. Vivía en una pecera, y no podía escapar de su vida. Empezó a desmoronarse en público y el tratamiento de los medios la empujaba más al abismo», le contó el pianista Sam Beste al cineasta Asif Kapadia.
Los efectos del abuso de las drogas y del alcohol estaban haciendo estragos en el cuerpo de Amy, que era muy consciente de los deseos de sus fans —ávidos de nuevos temas— pero se veía incapaz de centrarse en la preparación de su siguiente disco.
Por un lado, la personas del entorno más cercano de la cantante temían por su vida y deseaban verla bien. Pero, por otro, había mucho dinero de por medio y algunos consideraban imprescindible solucionar aquel desaguisado de manera que no afectase a su trayectoria financiera.
En febrero de 2009 Amy abandonó el Reino Unido para tomarse un prolongado descanso en la isla caribeña de Santa Lucía, donde consiguió dejar el crack y la heroína —aunque siguió bebiendo como un cosaco—, y recibió la visita de su padre —quien apareció rodeado de cámaras y técnicos de sonido sin previo aviso, dispuesto a grabar un documental sobre los problemas de padres con hijos adictos—.
Allí se vio a Amy relajada, caminando por la arena con su guitarra al hombro o siendo fotografiada en actitud cariñosa con el actor Josh Bowman. «Escapé finalmente del infierno. Estoy enamorada de nuevo y no necesito drogas. Mírame, ¡estoy radiante! No sé qué está pasando con Blake y conmigo ahora y, por el momento, me he olvidado de que estoy casada. Estoy aquí sola, feliz y pasándolo bien con Josh», declaró al News of the World.
Body & Soul, fue publicado antes, el 14 de septiembre de 2011, en MTV y VH1 para conmemorar el que hubiera sido su cumpleaños número 28
Amy apenas concedía ya entrevistas, pero aprovechó aquella tribuna para comentar que su matrimonio se basaba «en consumir drogas» y que «estar con alguien como Josh es mucho mejor para mí». Blake se enfadó al ver a Amy en los brazos de otro hombre y pidió el divorcio por adulterio de la cantante. Seis meses después un tribunal le concedió a la pareja el divorcio.
Amy comenzó entonces una historia de amor con el director de cine británico Reg Traviss —con quien mantendría una relación relativamente estable hasta su fallecimiento—. También buscó sin demasiado éxito la inspiración para componer las canciones de ese esperado tercer disco y hasta puso en marcha su propia discográfica (Lioness).
Su ruptura con Blake olía a cierta esperanza, pero la sombra de la recaída siguió acechando a Amy, que nunca dejó la bebida y en mayo de 2011 ingresó nuevamente en una clínica de rehabilitación londinense para tratar su adicción al alcohol y así poder volver a trabajar.
La cantante había recibido ofertas para actuar en distintas ciudades europeas y, aunque estaba aburrida del repertorio, acabó cediendo ante la presión de su discográfica para tocar de nuevo los temas de Back to Black. Conforme se acercaba la fecha de la nueva gira, volvió a emborracharse, pensando que así, quizás, podría librarse de los directos.
Pero ni por esas. El 17 de junio de 2011 Amy se quedó inconsciente en el sofá de su casa londinense. Varios miembros de su equipo se presentaron aquel día all, y la metieron en un coche, dormida, para llevarla al aeropuerto. Luego la subieron a un jet privado con destino a Belgrado, donde al día siguiente debía dar comienzo su esperada (y publicitada) gira de regreso.
El bochornoso recital ofrecido por Amy en la capital serbia dio buena muestra de la delicada situación que atravesaba la cantante de 27 años. Desorientada e incapaz de mantenerse en pie, la escuálida artista se negaba aquella noche a cantar, lo que la llevó a recibir sonoros abucheos.
Después del show (y nunca mejor dicho) el equipo de Amy se vio obligado a cancelar sus siguientes conciertos. «Pese a estar seguros de que ella quería cumplir con estos compromisos, Amy acordó con la gerencia que no podía entregar lo mejor de su capacidad y que volverá a casa. A ella le gustaría disculparse con sus fans, que esperaban verla en las presentaciones, pero siente que esta es la manera correcta de actuar», se justificó su representante a través de un comunicado.
Aquel junio Blake —que entonces cumplía una condena de 32 meses por robo y posesión de un arma de fuego— fue enviado a la cárcel penitenciaria Armley, en Leeds, desde donde mantendría una última conversación telefónica con Amy.
Durante la charla, ella le aseguró que quería ser «Una mujer de un solo hombre», a lo que Blake respondió que siempre la querría, y que «Lo único que no quiero es perderte». «Nunca me perderás, Blake», apostilló entonces la británica, que el sábado 23 de julio sucumbió ante la presión y murió en su casa de Camden Town tras sufrir una intoxicación aguda por alcohol.
La repentina desaparición de Amy supuso un mazazo para su problemático ex, que se enteró de la noticia estando aún entre rejas.
Pero el ser humano en general, y los medios en particular, necesitan buscar culpables, y eso propició que Blake se convirtiera para muchos en el principal responsable de la espiral de autodestrucción en la que había entrado Amy —curiosamente, su última etapa en prisión, totalmente alejado de la cantante, coincidió con la etapa más oscura (y de mayor y más rápido deterioro) de la joven—.
Hasta Mitch Winehouse llegó a describirlo una vez como «el mayor cabrón de los bajos fondos en el que Dios haya puesto aliento». Aquel pobre diablo, sin embargo, se defendería con el tiempo de todos estos ataques asegurando que «Amy no era una mujer joven, bien adaptada, etc., y me parece irrespetuoso insinuar que fui un titiritero maquiavélico».
La madre de Amy, Janis, decidió apoyarlo también públicamente afirmando a OK que la relación entre Blake y su hija «fue íntima y genuina. Su matrimonio fue impulsivo, pero aun así fue puro. Obviamente, era una relación complicada, pero el amor estaba en el centro de ella».
Claro que es posible que aquella tóxica relación con Blake condujera en cierto modo a Amy a su trágico destino. Aunque también es posible que fuese su compleja y contradictoria personalidad lo que realmente la mató.
Su propia madre comentó que Amy «eligió su propio camino», pues «era una persona vulnerable, pero no débil». O puede que fuese la codicia ilimitada de su entorno la culpable de todos sus males.
Y que, además, todos los que alguna vez hicieron (hicimos) clic en cualquiera de los enlaces que conducían al último vídeo de Amy en apuros, o bien compraron la revista de turno con sus instantáneas más desfavorecedoras, fuesen cómplices de lo ocurrido.
Pero también es posible que, como suele decirse en estos casos, entre todos la mataron y ella sola se murió.
BBC News — Fuera como fuera, su historia iba a ser extraordinaria, pues estaba destinado a ser el gobernante absoluto de casi un cuarto de la población del mundo. Pero terminó siendo única pues, a diferencia de sus antepasados, inició con el siglo XX y sufrió las consecuencias.
Aisin-Gioro Puyi nació en febrero de 1906 en Pekín cuando su tío Guangxu era el emperador de China. Este, sin embargo, llevaba ya 8 años bajo el arresto domiciliario en el que lo había puesto su tía, la emperatriz viuda Cixi, la misma que lo había escogido para ocupar el trono del Dragón y se había mantenido como regente bajo el título de «Santa madre, emperatriz viuda».
Ella misma ordenó el 13 de noviembre de 1908 que trajeran a la Ciudad Prohibida, la residencia oficial de los emperadores y su corte, así como centro ceremonial y político del gobierno chino, al sucesor de Guangxu, quien estaba agonizando.
El elegido era Puyi y, a pesar de su corta edad, nunca olvidó su encuentro con la formidable Cixi, cuyo «rostro demacrado y aterrador» vio a través de una cortina gris y rodeado de extraños.
«Se dice que estallé en fuertes aullidos al verlo y comencé a temblar incontrolablemente. Cixi le dijo a alguien que me diera algunos dulces, pero los tiré al piso y grité ‘¡Quiero a mi niñera, quiero a mi niñera!’, para su gran disgusto», recordaría años después.
El 14 de noviembre murió Guangxu y al otro día, Cixi.
El 2 de diciembre, a dos meses de cumplir 3 años, a Puyi lo empezaron a llamar «Su majestad el emperador», «El señor de los diez mil años», «El hijo del cielo» tras la «Gran ceremonia de entronización».
«Una ceremonia que yo arruiné con mis llantos», escribiría más adelante en su autobiografía.
Se había convertido en el duodécimo emperador de la dinastía Qing y el más joven en la larga historia imperial china.
Su dinastía
Puyi era descendiente de las tribus manchúes que vencieron a los Ming y fundaron la dinastía Qing en 1644, bajo la cual China duplicó su tamaño para incluir Xinjiang en el lejano oeste, así como Mongolia y el Tíbet, creando la forma esencial de China en la actualidad.
Un sello imperial del período Kangxi de la dinastía Qing.
La nueva dinastía toleraba una diversidad de pueblos y religiones, y emprendió grandes empresas culturales.
Para el siglo XVIII, China era posiblemente la mayor economía del mundo, con la rica cultura que acompaña a la prosperidad. Sus emperadores vivían en el corazón de su opulenta capital, Pekín, rodeados de guardias imperiales y familias nobles manchúes.
Pero en el siglo XIX la dinastía Qing empezó a debilitarse, al no poder defender a China de la agresión militar de las fuerzas británicas estadounidenses, francesas, alemanas y japonesas.
En 1850, un converso cristiano chino, Hong Xiuquan, se proclamó líder de una nueva dinastía, el Reino Celestial de Taiping, y con sus seguidores marchó contra los Qing, obteniendo un gran apoyo a medida que avanzaba.
La guerra civil que siguió duró 14 años; alrededor de 20 millones de personas perdieron la vida en un conflicto que finalmente involucró a soldados europeos y chinos.
La rebelión de Taiping, obra de mediados del siglo XIX.
La rebelión de Taiping fue uno de los eventos más importantes de la China en el siglo XIX, y dejó su huella así como la dejó el «Levantamiento de los bóxers», también conocido como el «Levantamiento Yihétuán», una rebelión de aldeanos de las provincias del norte que estaban desesperados y hambrientos y culpaban a los extranjeros por su difícil situación, así que se propusieron purgar a China de comerciantes y misioneros foráneos.
Afirmaban que sus puños eran más fuertes que el fuego y eran invencibles a las balas, que iniciaron su movimiento en 1898 y para el verano de 1900 tenían bajo un fuerte asedio a Pekín, pero todo terminó brutalmente en septiembre de 1901.
Fue esta China la que, nominalmente, empezó a regir el pequeño Puyi, con el título de Emperador Xuantong y su padre, el príncipe Chun, y su tía, la emperatriz viuda Longyu (esposa de Guangxu), como sus representantes.
El mundo allá afuera
En otros tiempos, la debilidad de la dinastía Qing habría dado lugar al surgimiento de otra, pero el siglo XX trajo consigo otras opciones.
1909: Príncipe Chun, regente y controlador de la nación, con su hijo menor de rodillas y Puyi (1906-1967), emperador de China, a su lado.
Mientras Puyi era instruido para su rol y jugaba rodeado de privilegios que incluían el extremo de ser dueño de otras personas, como los eunucos que lo atendían y tenían que obedecer todos y cada uno de sus caprichos, se fue fraguando una revolución contra el poder de su dinastía, que muchos chinos consideraban había perdido el Mandato del Cielo.
En 1911 estalló la Revolución de Xinhai o Revolución de Hsinhai y el 12 de febrero de 1912, la Emperatriz Viuda Longyu selló el «Edicto imperial de la abdicación del emperador».
«La Emperatriz Viuda estaba sentada en un kang (plataforma) en una habitación lateral del palacio de la Naturaleza de la Mente, secándose los ojos con un pañuelo mientras un anciano gordo (el primer ministro Yuan Shikai) se arrodillaba ante ella sobre un cojín rojo, con lágrimas rodando por su rostro.
«Yo estaba sentado a la derecha de la viuda y me preguntaba por qué lloraban ambos adultos«, recordó Puyi en sus «Memorias».
Las emperatrices viudas Longyu (primera a la derecha) y Cixi (Tzu-hsi, 1835-1908, centro) con damas de la corte en 1904.
Lloraban pues estaban poniendo fin formalmente a su gobierno y a 267 años de poder de la dinastía Qing.
Pero él, a sus 6 años, era ajeno a esas realidades.
Y lo siguió siendo, pues con el establecimiento de la República de China todos habían entrado en territorio desconocido: tras terminar con un sistema imperial de 2.000 años de antigüedad, nadie sabía muy bien qué hacer con la casa imperial depuesta.
¿Debían mandarlos a Manchuria o dejarlos en Pekín?
Decidieron tratarlo como a los reyes extranjeros, permitiéndole vivir en la Ciudad Prohibida, disfrutando del lujo en su palacio y jardines imperiales.
Es por eso que, para Puyi, poco cambió: ni siquiera le informaron que ya no era emperador hasta después de un tiempo y siguió disfrutando de privilegios hoy difíciles de imaginar.
«…en el tiempo en el que China era llamada república y la humanidad había avanzado al siglo XX, yo seguía viviendo como un emperador, respirando el polvo del siglo XIX«, escribió.
Hay quienes dicen que la Ciudad Prohibida fue su primera prisión.
Y de hecho fue reinstituido brevemente como emperador en 1917, cuando el general promonárquico Zhang Xun dio un golpe de Estado y asumió el cargo de «regente del Imperio».
Pero el asunto duró apenas dos semanas y Puyi y su corte no fueron responsabilizados por lo ocurrido.
Prisionero cruel
En ese extraño entorno fue creciendo, aislado del mundo exterior, separado de su familia, sin más referente que su niñera Wang.
Pero siguió siendo tratado como una divinidad, a quien nadie podía contrariar incluso cuando se comportaba, según él mismo contaría luego, de una manera nefasta.
«Azotar a los eunucos era parte de mi rutina diaria. Mi crueldad y amor por ejercer el poder ya estaban demasiado firmes para que la persuasión tuviera algún efecto«.
En 1919, sin embargo, Reginald Johnston, un académico británico que entró al servicio de la corte Qing para ser tutor de Puyi, les lo describió así a las autoridades británicas:
«Un chico muy ‘humano’, con vivacidad, inteligencia y un entusiasta sentido del humor. Más aún, tiene excelentes modales y está totalmente libre de arrogancia […]».
El emperador, a los 11 años.
«Aunque el emperador no parece haber sido malcriado aún, por las tonterías y futilidades que lo rodean me temo que no hay esperanza de que resulte ileso de los peligros morales en los próximos años de su vida (años muy críticos necesariamente para un muchacho en su temprana adolescencia)», escribió.
«A menos de que pueda ser alejado de la influencia de las hordas de eunucos y otros funcionarios inútiles que actualmente son casi sus únicos acompañantes».
Así, Puyi fue convirtiéndose en un adolescente cuyos actos de rebeldía consistían en desafíos como dar paseos fuera de la Ciudad Prohibida, usar anteojos y cortarse su tradicional trenza manchú.
Sin embargo, seguía obligado a obedecer tradiciones como las «grandes nupciales» del emperador.
«Yo me casé con un total de cuatro esposas o, usando los términos empleados entonces, con una emperatriz, una consorte secundaria y dos consortes menores. Pero, de hecho, no eran esposas verdaderas y sólo estaban ahí de adorno«, escribió.
Procesión de regalos de boda de Puyi, emperador Xuantong de China (1906 Ð 1967), a su prometida Lady Gobulo, la emperatriz Xiaokemin (1906 Ð 1946).
Allá afuera, el país seguía buscando respuestas al trastorno del fin de milenios de sistema imperial.
En 1924 llegó al poder el señor de la guerra Feng Yuxiang y expulsó a Puyi y su séquito de la Ciudad Prohibida.
Nuevamente emperador
A los 19 años se refugió en los brazos de los japoneses, quienes, cuando tomaron el control de Manchuria en 1931, lo proclamaron Emperador de Manchukuo, un estado títere creado a partir de las tres provincias históricas de Manchuria (noreste de China).
En ese momento, la propaganda japonesa describía el nacimiento de Manchukuo como un triunfo panasiático, con la unión de las «cinco razas» de japoneses, chinos, coreanos, manchúes y mongoles.
Esto, según ellos, marcaba nada menos que el nacimiento de una nueva civilización y un punto de inflexión en la historia mundial, como explica Edward Behr, en su libro «El último emperador» (1987).
Así como el estado, Puyi también era una marioneta, pues Manchukuo estaba controlado rígidamente por Tokio, que lo utilizaban como base para la expansión en Asia.
Henry Pu-Yi, exemperador niño de Japón, sentado y rodeado de dignatarios tras la ceremonia en la que asumió como gobernante del recién formado Estado de Manchukuo.
Su vida se tornó en una pesadilla.
Obsesionado por el hecho de que la gran mayoría de sus súbditos lo detestaban, pues Manchukuo era «uno de los países más brutalmente gobernados del mundo», según Behr, vivía como un virtual prisionero en su palacio, sin mucho más que hacer que firmar decretos aprobados por los japoneses.
Su tendencia a la crueldad se exacerbó y atormentó a sus sirvientes, no sólo con los consabidos azotes sino reduciendo sus raciones de comida.
Además, se volvió budista, místico y vegetariano.
Durante la Segunda Guerra Mundial se mantuvo firme con sus amos. Como él mismo admitió, emitió tantas declaraciones projaponesas que ningún aliado lo aceptaría si escapaba de Manchukuo.
Y eso fue lo que se vio obligado a hacer el 11 de agosto de 1945 cuando, entendiendo al fin que Japón no estaba ganando la guerra, como había creído por tanto tiempo, abordó un tren con su corte y sus tesoros Qing.
El 16 de agosto abdicó como emperador de Manchukuo y declaró una vez más en su último decreto que este eraparte de China, tras haber escuchado el día anterior al Emperador Showa anunciando la rendición de Japón.
Cuando intentaba llegar en avión a Japón, fue apresado por el Ejército Rojo.
El emperador de Manchukuo Puyi (derecha) siendo interrogado por el general ruso Pritoul (izquierda) después de su arresto.
Los soviéticos, que inicialmente ni lo reconocieron, se lo llevaron a la ciudad siberiana de Chita.
Allí lo mantuvieron cautivo pero cómodo y con más privilegios que los otros prisioneros, algo que le agradecía a Joseph Stalin.
No obstante, como ellos, recibió educación sobre el comunismo.
A casa
Entre tanto, China seguía hambrienta de ideas y podría haber ido en muchas direcciones diferentes.
Después de décadas de caudillos, la invasión japonesa y la Guerra Civil, el Partido Comunista con su entonces estrecha afiliación con la Unión Soviética de Stalin, se impuso.
En la plaza de de Tiananmén o plaza de la Puerta de la Paz Celestial, cuyo nombre viene del de la puerta sur de la Ciudad Prohibida, la morada de los emperadores, aquella de donde surguían las procesiones imperiales cuando el emperador dejaba su trono para realizar sus rituales para congraciar a los dioses, Mao Zedong proclamó la Nueva República en 1949, y los comunistas colgaron retratos de sus héroes.
Tras casi 40 años de guerra e inestabilidad, China tenía paz.
Y a Puyi, quien había sido uno de esos emperadores cuya función era mantener relaciones diplomáticas entre los humanos y el mundo celestial, le había llegado la hora de regresar a casa… aunque no quisiera.
Temía el destino que le esperaría en el imperio del proletariado, pero Mao Zedong no hizo más que enviarlo a a un campo de reeducación.
Pasaría allí 10 años, donde por primera vez tuvo que hacer cosas como lavarse los dientes y vestirse solo, así como trabajar y aprender sobre el comunismo.
Puyi, en sus últimos años.
Durante siglos el estado chino había girado en torno al emperador, la encarnación del poder en el corazón del Estado, el ser semidivino que está destinado a proteger a la gente de las malas cosechas y las inundaciones devastadoras.
En 1960, Mao, una nueva versión de esos poderosos seres, le otorgó al último emperador de China un indulto especial: la ciudadanía y su liberación.
El hombre que una vez gobernó el país más poblado del mundo se dedicó a trabajar como asistente de jardinería en los jardines botánicos de Pekín y editor de la Conferencia Consultiva Política del Pueblo Chino desde 1964 en adelante.
Y también fue autor de una autobiografía, «De emperador a ciudadano», que fue apoyada por los principales funcionarios del partido Mao y Zhou Enlai.
Aprendió a conciencia las lecciones de la Educación Libre Socialista, a juzgar por las declaraciones de su libro y las que daba en ocasiones como su matrimonio con Li Shuxian, una enfermera de hospital, en 1962, cuando proclamó:
«Recordaremos este día y continuaremos aprendiendo de la clase trabajadora todos nuestros días futuros juntos.
«Odio la primera mitad de mi vida, porque fue una experiencia humillante de ser un explotador y un parásito».
Vista de algunos de los cuerpos colocados en nichos en los pasadizos de las catacumbas de los capuchinos de Palermo.
National Geographic(C.Mayans) — Palermo es una ciudad mediterránea, llena de monumentos que evocan su espléndido pasado y poseedora de un sutil encanto decadente que atrae a miles de visitantes cada año. Pero la capital de Sicilia oculta también un secreto un tanto macabro, un lugar único en el mundo.
En las catacumbas del convento de los capuchinos de Palermo existe un museo de la muerte no apto para los aprensivos o muy impresionables.
Cuando el visitante desciende la docena de peldaños que lo conducen hasta las seis cámaras subterráneas que se extienden bajo el convento, la sorpresa y el horror posiblemente le invadan a partes iguales: los muros de estas catacumbas subterráneas están recorridos por un sinfín de cadáveres (algunos dicen que cerca de 8.000, y de ellos, unos 850 son momias) allí dispuestos.
Los difuntos se dividen en distintas cámaras según su edad, sexo o actividad: niños, mujeres, varones, frailes, sacerdotes, profesionales… ¿Por qué se exponen los cadáveres de estas personas de este modo? ¿Quién decidió llevar a cabo esta insólita práctica y cuándo se inició?
Pasillos y corredores llenos de cuerpos
La historia de las catacumbas palermitanas se remonta a 1599, cuando los frailes capuchinos establecieron los subterráneos bajo el convento como lugar de reposo para los hermanos difuntos.
Cuando los frailes quisieron ampliar el recinto descubrieron allí, para su sorpresa, unos 40 cuerpos en un excelente estado de conservación.
Atribuyeron el fenómeno a las corrientes de aire que había, a la química del suelo y a la sequedad ambiental. Los frailes, a pesar de las buenas condiciones del subterráneo para la conservación de los cuerpos, pensaron preservarlos mejor usando técnicas de momificación artificiales.
Según fray Benedetto Sambenedetti, los capuchinos poseían un lavadero para los cadáveres y unas celdas donde los colocaban durante ocho meses para que se secaran.
Después, los bañaban en vinagre y exponían al aire libre varios días.
Luego los vestían y guardaban en cajas de madera dispuestas a lo largo de los corredores de las catacumbas.
Otros documentos dicen que los cuerpos se cubrían con arsénico y cal. Un caso especial es el de Rosalía Lombardo, una niña de dos años fallecida en 1920, a la que se inyectó algún líquido para embalsamarla.
La momia de la pequeña es el cadáver más famoso y mejor conservado del lugar.
En 1732, las catacumbas alcanzaron el tamaño que tienen en la actualidad, y pronto los seglares pidieron ser enterrados allí, aunque en principio sólo estaban previstas para acoger a miembros de la orden.
A partir de 1783, las salas y corredores empezaron a llenarse con los cuerpos de hombres, mujeres y niños, todos ellos deseosos de exponerse voluntariamente para siempre. Algunos, los que contaban con mayores recursos económicos, solicitaban ser momificados, lo cual conllevaba unos gastos considerables para sus familias.
La sección de los varones-Varios cuerpos de hombres, vestidos con sus mejores trajes, se suceden en los pasillos de las catacumbas.
Vestidos para la eternidad
En las catacumbas de los capuchinos, todos los muertos se disponen de pie, colgando de las paredes o tumbados en sus ataúdes sin tapa.
Muchas veces, estas personas –todas, con su correspondiente letrero para facilitar su identificación– dejaban escrito en su testamento la ropa con la que querían enterrarse, e incluso las veces que deseaban ser cambiadas de vestuario por los familiares que acudían a visitarlas.
En la imagen, dos visitantes recorren algunos de los pasadizos repletos de cadáveres de las catacumbas de los capuchinos de Palermo. Todos ellos portan el cartel identificativo correspondiente.
Las catacumbas se mantuvieron en uso hasta 1880, cuando las autoridades prohibieron nuevos entierros en el lugar. A pesar de ello, hubo dos excepciones: el cónsul de EE. UU. Giovanni Paterniti, fallecido en 1911, y la niña Rosalía Lombardo, mencionada anteriormente.
Ya en 1950, las catacumbas se abrieron al público como atracción turística. Desde entonces, las visitan cada año unas 40.000 personas. Unas tal vez se sientan atraídas por lo macabro, otras sientan curiosidad y algunas más tal vez se paren a reflexionar, en este lugar tan especial, sobre la vida y la muerte.
Cataluña es por su patrimonio natural y urbano, por su gastronomía y por sus atractivos culturales es una de las regiones más atractivas como destino vacacional. Además, su fácil acceso por carretera hace que resulte mucho más sencillo disfrutar de sus increíbles parajes y descubrir rincones que de otro modo pasarían desapercibidos. Por tanto basta con cargar el coche con lo necesario, ajustar todos los detalles de seguridad y planificar una ruta para perderse por algunos sus bellos pueblos.
Los hay en zonas de interior, en plena naturaleza, como los que salpican el Parque Natural de la Zona Volcánica de la Garrotxa, con Sant Pau y Castellfollit de la Roca a la cabeza, pero también junto al mar al que Serrat dedicó una de las canciones más bonitas de nuestra música, el Mediterráneo, que siempre aporta un atractivo especial a las vacaciones.
Son tantos que podrías pasarte horas decidiendo en cuáles hacer parada y cuáles ver solo desde la ventanilla de modo que hemos seleccionado cinco de cuyas visitas no te arrepentirás.
Besalú: se trata de uno de los pueblos más fotografiados de toda Cataluña y no es para menos teniendo en cuenta su belleza inconfundible. El acceso sobre el puente románico es la puerta a un casco urbano digno de una localización cinematográfica, donde se entremezclan los vestigios históricos de origen judío con los cristianos. Podéis optar por iniciar desde aquí una ruta por el Parque Natural de la Zona Volcánica de la Garrotxa si os gustan las experiencias en plena naturaleza u optar por viajar hacia la costa, camino del mar, que es el que vamos a tomar a continuación.
Cadaqués: seguramente es uno de los pueblos más famosos de Cataluña por su belleza indiscutible y porque fue residencia de intelectuales y artistas como Dalí. Actualmente, este bello enclave del Alto Ampurdán en la provincia de Gerona, es un lugar ideal para respirar alimentar a todos los sentidos gracias a su ubicación, en medio de macizos rocosos y junto al mar, donde podréis daros un chapuzón en algunas de las playas de la zona para tomarse un respiro entre visita turística y visita turística.
Peratallada: algo más allá de una hora de Cadaqués en dirección sur, en el Bajo Ampurdán, se encuentra nuestra próxima parada en este tour familiar por los pueblos más bonitos de Cataluña, Peratallada. Declarado conjunto histórico-artístico y Bien Cultural de Interés Nacional (BCIN), es uno de los núcleos de arquitectura medieval más importantes de Cataluña. La abrumadora belleza de sus calles y edificios históricos te conquistará.
Begur: Después de recorrer las calles empedradas de Peratallada, querréis daros un nuevo chapuzón en el mar y no hay mejor lugar para ello que Begur, un pueblo situado a tan solo quince minutos de este, junto al mar Mediterráneo, que es testigo de las bellas construcciones coloniales características de este municipio presidido por su famoso castillo medieval, un gran atractivo ya que sus vistas son privilegiadas.
Tossa de Mar: cerramos este mini road trip con la parada más al sur de las cinco que te recomendamos, Tossa de Mar. Es tan bonito que en verano es habitual que esté masificado, pero ni siquiera esto debe hacer que no lo visitéis. A medio camino entre un pueblo medieval costero y un pueblo de pescadores propio del Mediterráneo, es ideal para darse un paseo con calma, bañarse en el mar e incluso organizar alguna actividad marítima, como por ejemplo el buceo. Sus aguas cristalinas son inmejorables para esto último.
marcianosmx.com — En la antigüedad, los griegos convirtieron en fetiche el cuerpo masculino a través de esculturas que representan hombres poderosos y musculosos. Ocasionalmente estas obras de arte cubren las partes íntimas del cuerpo con paños, pero otras veces presentan figuras completamente desnudas.
Desde una perspectiva contemporánea, estos cuerpos cumplen con el ideal, con excepción de un minúsculo detalle: «presentan penes pequeños en comparación con el promedio de los humanos«, argumenta Andrew Lear, un historiador de arte que se ha especializado en la sexualidad presente en obras de los antiguos griegos. «Por lo general podemos apreciarlos flácidos».
El tamaño sí importa.
A lo largo de la historia, incontables amantes e historiadores del arte contemporáneo han notado la naturaleza humilde de las partes íntimas representadas en las esculturas clásicas de los emperadores, dioses y otros hombres de élite en estas obras griegas. Los pequeños miembros parecen no corresponder a los enormes cuerpos y personalidades míticas que estos personajes representan.
Pero hay una razón para que los antiguos griegos eligieran estas proporciones estéticas.
Regresando 2.4 mil años al pasado, en la Antigua Grecia, los grandes miembros erectos no se consideraban algo deseable, ni siquiera eran vistos como una señal de poderío o fuerza.
Un dramaturgo griego llamado Aristófanes, resumió en su obra Las nubes (c. 419-423 a.C.), los rasgos ideales de sus pares masculinos con un «pecho lustroso, la piel brillante, los hombros grandes, la lengua corta, el trasero grande, el cipote pequeño».
El historiador Paul Chrystal también llevó a cabo diversas investigaciones sobre estos antiguos ideales. «Un miembro pequeño era coincidente con los ideales griegos de la belleza masculina», explica en su obra In Bed with the Ancient Greeks. «Se trató de un emblema de la cultura superior y un modelo de la civilización».
En el arte de los antiguos griegos, muchas de las características de un hombre importante eran representadas de formas amplias, firmes y brillantes. Entonces, ¿por qué los mismos principios estéticos no fueron aplicados al pene?
Como lo sugiere Lear y otros historiadores, parte de la respuesta a esta pregunta se encuentra en la forma en que miembros de otros hombres nada admirables fueron retratados.
Laocoonte y sus hijos, obra de Agesandro, Atenodoro y Polidoro, siglo I a. C.
Entre más “modesto”, mejor.
Particularmente aquellos personajes sátiros, lujuriosos y depravados solían describirse con órganos genitales enormes y erectos, ocasionalmente tan grandes como sus torsos. Según la mitología, estos seres eran mitad hombre y mitad animal, una característica denigrante según la alta sociedad griega.
«Los miembros grandes se consideraban vulgares y fuera de la norma cultural, una exhibición muy propia de los bárbaros del mundo», explica Chrystal.
Pero estas cualidades no eran exclusivas de los sátiros, pues en la comedia griega los tontos también poseían órganos genitales enormes. De acuerdo con Chrystal era «una señal de estupidez, [de ser] más una bestia que un hombre». Esto se extrapolaba a las representaciones artísticas de los egipcios, antiquísimos enemigos de los griegos.
Así era que sátiros, tontos y enemigos eran vistos como extremos totalmente opuestos a los dioses y héroes masculinos, personajes que eran honrados por su autocontrol e inteligencia (aunado a otras cualidades que requieren de ciertas restricciones, como la prudencia y lealtad).
Si aquellos grandes falos representaban grandes defectos, entonces «se puede concluir que un pene pequeño y flácido era señal de autocontrol«, explica Lear.
Gladiador Borghese, una escultura de Agasio de Éfeso.
En nuestros días, estar bien dotado muchas veces se equipara al poder e incluso a un buen liderazgo, «el pene jamás fue un emblema de la virilidad o masculinidad en la Antigua Grecia, como lo ha sido en otras culturas», explica Chrystal.
«El poder provenía del intelecto necesario para hacer responsable al hombre de ser padre, prolongar el linaje y los oikos [unidad familiar] así como sustentar la polis [ciudad-estado]».
No queda duda que en todo arte de la Antigua Grecia, la representación del falo – y su diversidad de tamaño – era meramente simbólica. Como lo sugiere Lear, esto podría responder porque los artistas de esa época retrataban desnudos masculinos con tanta regularidad, aunque el personaje o la narrativa no lo exigieran. «Utilizaron el miembro como un índice del personaje», dice Lear.
esquire.com(M.Mullor)/Vogue — Para aquellos/as que no estén familiarizados con Roger Ailes, se podría pensar que su vida no dista tanto de la de un ejecutivo de éxito (de muchísimo éxito).
Artífice del ascenso de los presidentes Nixon y Bush, considerado uno de los mayores expertos en marketing político de Estados Unidos y fundador de la cadena de noticias más polémica y poderosa del país (Fox News). Ailes supo ver un nicho de audiencia en el conservadurismo más radical del continente y convertirlo en un negocio de dimensiones descomunales.
Esa era su parte pública: un tipo todopoderoso, con conexiones hasta en el infierno, del que era muy mala idea ser enemigo. Su yo privado, el que ejercía desde su despacho en los cuárteles generales de Fox en Manhattan, era bastante más terrorífico.
Ailes era un paranoico, un hombre obsesionado con las conspiraciones, que consideraba que su país estaba siendo invadido por la izquierda. Todo ello podría ser ya materia para una serie, una película o un documental, pero era tan gigantesca la dimensión del personaje que vamos a tener ocasión de ver su historia en los tres formatos.
Porque la auténtica cara de Roger Ailes, nacido en 1940 en Ohio, la que acabó con su carrera y le envió al exilio, no tuvo nada que ver con su talento para vislumbrar el futuro de la televisión sino con su condición de depredador sexual.
Roger Ailes tenía un ascensor privado. Estaba justo en frente de la puerta de su despacho, y conectaba directamente con la redacción de Fox News, de la que era el director.
Por ese ascensor pasaban incontables trabajadoras de la cadena televisiva, directas a una red arácnida en la que se les decía lo importante que es la lealtad, lo crucial que es para sus carreras esforzarse al máximo en estar en sintonía con sus jefes y lo valioso que es para una periodista el saber por iniciativa propia cómo hacer honor a los ideales de la casa.
Por supuesto, todo esto solo eran eufemismos estratégicamente elucubrados para que esas mujeres se sintieran en la necesidad de complacer, de servir, de callar.
El ascensor también era estratégico: una vía sin obstáculos del primer trabajo al segundo, del sueño profesional al precio que hay que pagar por ser alguien de valía en el telediario de las nueve.
Roger Ailes fue contratado en 1996 por Rupert Murdoch para dirigir Fox News .
El idilio de Roger Ailes con el Partido Republicano de los Estados Unidos empezó pronto en su carrera, y lo acompañaría hasta el fin de sus días, ya fuese como asesor político o como periodista.
Ese es uno de los aspectos que más le caracterizaron: ¿objetividad periodística de qué? Ailes prácticamente sentó las bases del periodismo ultraconservador norteamericano que permitió la propagación de odio y mentiras a través de bocas de oro como las de Sarah Palin o el mismo Donald J. Trump, ex-presidente del país.
Pero todo empezó con Richard Nixon, con el que tuvo una acalorada discusión en el programa The Mike Douglas Show en 1967 sobre política, y poco después el candidato a la presidencia le contrataría como asesor.
No hay duda de que le convencieron sus ideas, que básicamente se enfocaban en combatir lo que él consideraba la deriva izquierdista de las grandes cadenas informativas.
¿Cómo? Atacando fuerte al corazón de América, a ese inmenso electorado blanco y conservador que estaba hambriento de políticas racistas y neoliberales que reafirmasen sus creencias.
El magnate era tan bueno en su visión política que consiguió victorias no solo para Nixon, sino también para Ronald Reagan y George H.W. Bush (el padre).
Lo hizo perfeccionando la técnica del ataque contundente al adversario, siendo el cabecilla de algunos de los anuncios electorales estadounidenses más recordados, como aquel en el que se criticaba la permisividad con el crimen del candidato demócrata, Michael Dukakis, a través de la imagen de una puerta giratoria que dejaba escapar a los prisioneros de forma sistemática.
El magnate de los medios Rupert Murdoch quedó como presidente y director ejecutivo interino de Fox NEws y Fox Business News.
Un concepto visual apabullante que define a la perfección su estilo comunicativo (y propagandístico), responsable (junto a otras figuras influyentes de la ultraderecha como Steve Bannon) de que el debate político de hoy esté contaminado por el insulto, la ignorancia y lo irracional, donde faltan argumentos y sobra demagogia.
En 1992, Ailes se alejó de la política para centrarse en aquello con lo que empezó: el periodismo. Dirigió durante unos años la cadena CNBC, pero el gran proyecto de su vida profesional estaba a la vuelta de la esquina: Fox News. En 1996, el magnate de 20th Century Fox, Rupert Murdoch, le pidió que se encargase de crear desde cero una cadena de noticias de corte conservador, que se acabaría convirtiendo en el canal de televisión más visto e influyente del país.
También en el legitimador de temerarios movimientos republicanos como la invasión a Irak, en el propagador de numerosos bulos racistas sobre Barack Obama y en el trampolín de Trump a la presidencia. También el lugar donde desató sus dotes de dictador con un autoritarismo terrorífico y unas manos demasiado largas que le valieron su caída en picado en 2016. Desde luego, el talento para subir y caer con fuerza no puede negársele.
La caída de un depredador sexual
Si algo se le daba tan bien como la propaganda política a Roger Ailes era acosar a sus empleadas de Fox News. Lo hizo impunemente durante más de dos décadas sirviéndose de su poder como fundador y CEO de la empresa para extraer de ellas todo lo que quiso y cerrarles la boca a muchas con acuerdos de confidencialidad.
En la escena más dura de El escándalo (Bombshell), vemos cómo el personaje interpretado por Margot Robbie, Kayla (que no es una persona real, sino un conjunto de las experiencias que vivieron las más de veinte mujeres que han denunciado públicamente al empresario), acude al despacho de Ailes para proponerse como una válida presentadora delante de las cámaras. Él le dice que tiene potencial. Le pide que se levante. Que dé una vuelta para que pueda verla. Que se levante la falda. Más. Un poco más. Tiene que verle bien las piernas. Un poco más. Más, hasta que finalmente asoma la ropa interior.
Gretchen Carlson trabajó en Fox News 11 años. En 2013 fue retirada del programa Fox&Friends y su salario se redujo por el cambio a otro programa y otra franja horaria.
Esta escena concreta (vivida por la periodista Rudi Bakhtiar en 2005) no irá a más, pero la tensión y profunda humillación que nos hace sentir basta para entender que ni siquiera hace falta contacto físico (aunque con muchas otras sí lo hubo) para someter a una persona a una situación de acoso y abuso de poder.
El escándalo sexual de Fox News empezó con la denuncia de la expresentadora Gretchen Carlson, que acababa de ser despedida de la cadena.
Carlson, de 50 años, Miss América 1989, precisó en la demanda que Ailes de 76 años «se la comía con los ojos, hacía comentarios sobre sus piernas, le pedía que vistiera prendas que resaltaran su figura y le dijo que era sexy aunque requería mucho trabajo».
Según declaró, el motivo fue negar las proposiciones sexuales de su jefe («Si tu y yo hubiéramos tenido relaciones sexuales hace tiempo, a ti te habría ido mejor y a mí también», recordó que le dijo), así como haber envejecido demasiado para sus estándares estéticos televisivos.
Antigua Miss América, era el prototipo ideal de Fox, pero el tiempo no perdona para las mujeres en un entorno patriarcal.
Su acción provocó un efecto llamada, impulsada por el silencio de una de las figuras más influyentes del medio, Megyn Kelly, y finalmente su denuncia particular contra Ailes, que intentó forzarla en su despacho una década antes.
Algunas de las experiencias que se han explicado hasta ahora son aterradoras. «Sabes que, si quieres jugar con los grandes, tienes que acostarte con los grandes», le dijo a la reportera Kellie Boyle.
“Procedió a bajarse los pantalones y con mucho cuidado sacó sus genitales y me dijo: Bésalos”, recordaba una modelo que declaró anónimamente, y que sufrió este incidente cuando tenía tan solo 16 años. “Búscame putas”, le pidió a Lauria Luhn, que tras más de diez años usándola como juguete sexual y sadomasoquista, le encargó la tarea de contratar a otras mujeres de su gusto en Fox para incluirlas en su larga lista de víctimas.
Los comentarios sobre los cuerpos de sus periodistas eran habituales, como contaban otras denunciantes como Andrea Tantaros, criticando habitualmente su forma de vestir, preguntando constantemente sobre su vida sexual o sus expectativas de quedarse embarazadas y analizando centímetro a centímetro sus piernas (su gran obsesión, al parecer).
Este trato a las mujeres se trasladaba a la propia política interna de Fox News.
Su principal regla para contratar a una periodista estaba clara: ¿Se la tiraría? Contratada entonces. Ailes hizo de la cosificación a las mujeres uno de los secretos de su éxito mediático. Lo vemos en la película de Jay Roach, donde explican que los pantalones estaban terminantemente prohibidos en favor de las faldas, para enseñar bien las piernas, y el maquillaje era un elemento indispensable.
Megyn Kelly, de 45 años, es una de las grandes apuestas de Fox News para rejuvenecer su audiencia.
Del vestuario pasaban al tipo de imágenes y la disposición del mobiliario del plató, también alteradas alrededor de la hipersexualización: las mesas se eliminaron para no interponerse entre los espectadores y la figura de las presentadoras, que empezaron a utilizar sillas altas para marcar bien el cuerpo.
Tras el escándalo sexual que azotó a la cadena, Roger Ailes fue despedido. Se fue con 40 millones de dólares bajo el brazo y un buen número de denuncias que estaban siendo procesadas por la justicia.
Sin embargo, nunca llegó a pagar por lo que hizo: tan solo un año después de estos acontecimientos, el 18 de mayo de 2017, falleció tras una caída en su casa de Palm Beach. Estaba a punto de cumplir los 77 años.
Quizás Ailes nos dejase hace ya tres años, pero su sombra es demasiado alargada como para hacerla desaparecer, especialmente en la cadena que él mismo fundó y llevó a lo más alto y que hoy día sigue esparciendo sus consignas políticas.
El cine y la televisión parecen estar ahora lidiando desde la ficción con su conflictiva figura (también empiezan a hacerlo con Weinstein), con la esperanza de que la próxima vez no se tarde tanto en bajarlo de su pedestal para hacer justicia.
También, otra importante figura de la cadena, el presentador Bill O’Reilly, también fue objeto de denuncias parecidas de varias personas que trabajaban para él, con millonarias compensaciones para cerrar estos casos.
Las presentadoras que denunciaron a los depredadores sexuales de Fox News, apartadas de la televisión
Julie Roginski
La presentadora de Fox News Gretchen Carlson fue uno de los rostros más populares de la televisión estadounidense. Hasta 2016, cuando denunció a la cadena y a su presidente, Roger Ailes, por acoso sexual. Pronto, más periodistas alzaron la voz contra el comportamiento del directivo.
Carlson salió de la cadena con un acuerdo extrajudicial secreto por el que fue indemnizada con casi 18 millones de euros. Aunque aparentemente se hizo justicia, Gretchen Carlson, que actualmente presenta documentales especiales para A+E Networks, y muchas de las periodistas que denunciaron el acoso sufrido en Fox News no han vuelto a trabajar en grandes cadenas, según denuncia un reportaje publicado por «The Hollywood Reporter».
Muchas denuncian que las cadenas que entonces las vieron como exitosas periodistas ahora las ven como «tóxicas». Es el caso de Julie Roginski, comentarista en Fox desde el año 2011 y asesora del Partido Demócrata.
En 2017 denunció las proposiciones sexuales que le hizo Roger Ailes y dejaron de contar con ella, después de tres renovaciones de contrato. «Los agentes tienen miedo de trabajar con nosotros porque temen que las cadenas tomen represalias contra sus clientes.
Y las cadenas no quieren trabajar con nosotros porque temen que denunciemos el mal comportamiento, como hicimos en Fox», afirma Roginski, que ha vuelto a la empresa de consultoría que ella misma fundó.
Rudi Bakhtiar en Fox
Un caso similar es el de Rudi Bakhtiarm, que se incorporó a Fox como corresponsal en 2006.
En 2007, denunció que había sido acosada por otro ejecutivo de la cadena y fue relegada de su puesto con una indemnización de poco más de 500.000 euros. Desde entonces solo encontró trabajo en cadenas locales.
Años después, su nombre fue publicado por «The New York Times» en una lista de mujeres que habían declarado ser víctimas de acoso sexual.
Entonces, algún compañero pidió no trabajar con ella y acabó perdiendo el contrato que tenía con Reuters. «A veces me pregunto dónde estaría en este momento si [el acoso sexual] no hubiera sucedido. Probablemente, ganando 800.000 dólares al año», lamenta Bakhtiar.
Tamara Holder
La historia se repite con Tamara Holder, analista legal en varios programas de la cadena y comentarista de un espacio de la web llamado «Sports court» centrado en el mundo deportivo. En 2015 denunció el acoso que sufrió por parte de un ejecutivo de Fox. En 2017 expiró su contrato y la cadena no volvió a contar con ella. Ahora se dedica plenamente al mundo legal.
«Difícil encaje»
Las periodistas entrevistadas aseguran que sus representantes dejaron de trabajar con ellas o que incluso les pidieron que no denunciaran los hechos. La propia Tamara Holder asegura que su agente le pidió que no desvelara lo ocurrido, y cuando lo hizo, dejó de trabajar para ella.
Un agente entrevistado por «The Hollywood Reporter» cree que el origen de esta marginación está también en la naturaleza de los fichajes que hizo Roger Ailes para Fox News. «Fichó a muchas personas que no habían trabajado en el área de noticias tradicionales, así que no necesariamente tienen habilidades que sean aplicables fuera de Fox».
Ante estas declaraciones, la revista recuerda otras mujeres que dejaron la cadena sí han encontrado trabajo en grandes canales como CNN o ABC, y que son específicamente las mujeres que denunciaron el acoso de Roger Alies las que no han vuelto a los grandes programas de noticias.
Heinrich Himmler junto a su mujer Margarete Himmler y su hija, Gudrun Himmler.
El Mundo(C.Felis) — Desde bien pequeños escucharon en casa palabras como «cremación» «raza» o «nacionalsocialismo», y la exclamación «¡Heil, mein Führer!» era en ocasiones su saludo de buenos días.
Los hijos de Heinrich Himmler, Hermann Göring o Hans Frank se educaron bajo la doctrina militar y los principios del Tercer Reich, aislados en todo momento de la realidad exterior.
Disciplina, orden y lealtad al Führer. Lujo y extravagancia. Todo era posible con «tío Adolf» (como llamaban las hijas de Himmler y Göring a Hitler) en la familia. También criar cachorros de león o disponer de 600 metros de trenes eléctricos en el granero de casa.
Estas son algunas de las excentricidades que Edda Göring (1938), hija de Hermann Göring, tuvo en Carinhall, una enorme construcción situada a 60 km de Berlín formada por hectáreas de bosques y una reserva natural repleta de búfalos y bisontes. Un cuento de hadas hecho a medida.
Edda Goering era prácticamente una princesa del Tercer Reich. Como hija única de Hermann Goering, líder de la mano derecha de Luftwaffe y Adolf Hitler y posible sucesor, la señora Goering fue una celebridad nacional desde el día en que nació.
Su infancia se parecía a un cuento de hadas. Creció en Carinhall, una finca en el campo repleta de obras de arte de valor incalculable y un palacio de juegos para niños. Hitler fue su padrino, y su cumpleaños inspiró las celebraciones nacionales.
Edda Goering en lso brazos de su madre, y con su padrino, Adolf Hitler, durante el bautismo
Falleció el 21 de diciembre de 2018.
Mientras unos vivieron entre las montañas o en antiguos castillos dentro de los dominios de Hitler, otros lo hicieron a escasos metros de los campos de exterminio. Es el caso de Brigitte Höss (1933), la tercera de los cinco hijos de Rudolf Höss (comandante de Auschwitz), que pasó su infancia a poca distancia del campo de exterminio.
Allí el olor de los cuerpos putrefactos y las cenizas lo impregnaban todo. Incluso las fresas que recogía en el jardín se teñían de gris. Era el polvo que a veces traía el viento. Restos de números anónimos.
El «paraíso» de Auschwitz
Brigitte definió Auschwitz como un «paraíso», pero los que allí habitaban sabían que aquello era el mismo infierno. Su visión se alejaba así de la auténtica realidad. Para ella, las estrellas amarillas o los pijamas a rayas blancas y negras que llevaban sus jardineros formaban parte del atrezzo.
Dentro de sus cánones estéticos todo estaba en orden y armonía. Incluso las hogueras que siempre se veían desde lejos eran parte del paisaje cotidiano. Nada desentonaba sobre el resto. «Unos hombres con trajes a rayas, los que son vigilados por papá, nos traen a menudo nuevos animales.
En el fondo del jardín tenemos una colmena y papá nos enseña a sacar los estantes sin molestar a las abejas. Nada es demasiado bello para nosotros. Muchas fotos muestran a la familia, muy sonriente, en ese magnífico jardín, en la maravillosa época de Auschwitz«.
Estas líneas distorsionadas de Brigitte son uno de los testimonios que conforman ‘Hijos de nazis’ (La Esfera de los Libros, 2017). Su autora, Tania Crasnianski, describe la vida de los descendientes de Himmler, Göring, Frank o Mengele tras el proceso de desnazificación que se llevó a cabo por los Aliados tras su victoria el 8 de mayo de 1945.
Brigitte Höss: «Unos hombres con trajes a rayas, los que son vigilados por papá, nos traen a menudo nuevos animales. En el fondo del jardín tenemos una colmena y papá nos enseña a sacar los estantes sin molestar a las abejas»
La vergüenza, el odio, la culpa o la negación son algunos de los estados emocionales que han vivido todos y cada uno de sus protagonistas, perseguidos por su pasado familiar. A pesar de que arrancaron ciertas páginas de sus libros familiares, el orden natural de su árbol genealógico hizo que su vida no fuera del todo sencilla.
Tampoco anónima, tal y como muchos querían. «Los apellidos de Göring y Himmler están irremediablemente manchados. Edda Göring y Gudrun Himmler, ambas neonazis, tienen una posición socialmente insostenible. La condena de los crímenes que impusieron a sus padres las separó de ellos y las rodeó de simpatizantes.
Sólo para estos últimos tienen cierto prestigio. Gudrun Himmler es la brillante princesa del nazismo«, explica la propia escritora sobre la hija de Heinrich Himmler.
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Tanto Püppi (así llamaba Heinrich Himmler a Gudrun) como Eddalein (el apodo cariñoso que Göring le puso a Edda) tienen perfiles similares. Ambas defendieron a ultranza la labor ejercida por sus padres y señalaron como principal culpable a Hitler.
Gudrun se mostraba esquiva cuando se le consultaba por su padre, por razones obvias usa solo su apellido de casada. En las pocas entrevistas concedidas casi siempre por teléfono, ella negó que su padre se suicidara y afirma que ha trabajado por mejorar la imagen de su difunto padre.
Su cruzada en pro del nacionalsocialismo le valió el calificativo de «Madre Teresa de los nazis». Falleció en Munich el 24 de mayo de 2018.
«Mi padre no era un fanático. Podía leerse la paz en sus ojos. Lo amé mucho y se veía que él me amaba», matizó Edda Göring.
Tampoco ninguna ellas escondió su apellido, a pesar de las dificultades que éste les acarreaba para rehacer su vida. Para Edda Göring todo eran ventajas. O así lo creía. «Cuando se enteran de que soy la hija de Göring, los camareros no me permiten pagar la cuenta, el taxista no me cobra el viaje».
Sin embargo, Gudrun Himmler (1929) confesó que pronunciar su apellido tenía castigo. En 1947 intentó acceder a una escuela de artes aplicadas pero el director rechazó automáticamente su inscripción. También como inquilina tuvo problemas para alquilar una vivienda, y como costurera tanto los clientes como los compañeros de trabajo intentaban evitarla.
Gudrun Himmler: «Hoy hemos estado paseando por el campo de concentración de Dachau y papá me ha enseñado la huerta donde crecen las lechugas y los cereales. Después hemos visto los cuadros que han pintado los prisioneros»
«El periodo de posguerra para estos niños era muy difícil. Por un lado, su padre ya no era un héroe, sino un verdugo. Por otra parte, tuvieron que abandonar la vida de pompa que llevaron durante la guerra, y algunos de ellos vivieron en una gran pobreza . Se convirtieron así en parias para la sociedad», apunta la escritora Crasnianski.
La perfecta niña aria cumplió desde que nació con el modelo ideal del Tercer Reich: Rubia de trenzas largas que siempre vestía con ropa bávara y jamás se separaba de su padre. Con él estuvo en todos los actos del partido e incluso en las inspecciones de los campos de concentración.
A los 11 años visitó Dachau, que le sorprendió enormemente. Así lo reconoció ella misma: «Hoy hemos estado paseando por el campo de concentración de Dachau y papá me ha enseñado la huerta donde crecen las lechugas y los cereales. Después hemos visto los cuadros que han pintado los prisioneros.
Eran todos muy bonitos. Al final hemos almorzado muy bien«. Una visión bucólica del horror nazi.
Tras el suicidio de Heinrich Himmler, el 23 de mayo de 1945, Gudrun, que se enteró de su muerte tres meses más tarde, mantuvo su apellido para así honrar la memoria de su padre. «Basta de nombres falsos, basta de mascaradas», dijo en la prisión de Núremberg.
Fue en noviembre de 1946 cuando ella y su madre, Margarete Himmler, salieron en libertad del campo 77 para mujeres de Ludwigsburg.
En el nombre del padre
Aún así, la muñequita (Püppi) de Himmler defendió los principios más conservadores del Partido Nacionaldemócrata de Alemania (NPD), donde militó, y desde 1951 también fue un miembro muy activo de la asociación Stille Hilfe.
A través de esta red de escape nazi (terminología de los Aliados), líderes de las SS como Adolf Eichmann o Josef Mengele pudieron huir del país para no ser condenados por el Tribunal Militar Internacional en los Juicios de Núremberg (1945-1946).
En ellos declaró Gudrun en 1946, quien afirmó que desconocía las actividades a las que se dedicaba su padre. «Con mi padre nunca hablé de la guerra o de esa clase de cosas». Actualmente figura con el apellido de su marido, Burwitz. Una decisión que tomó para intentar pasar desapercibida.
Heinrich Himmler, jefe de las de las SS, inspecciona a un prIsionero de guerra
A Katrin Himmler, nieta de Ernst Himmler, (hermano a su vez de Heinrich), también le costó. En su libro ‘Los hermanos Himmler: Historia de una familia alemana’ (Libros del Silencio, 2011) anotó: «Es difícil confrontar al propio padre con los resultados de una investigación que amenaza con sacar a la luz lo que ha estado mucho tiempo arrinconado. Es difícil mirar con él fotos de familia en las que durante mucho tiempo sólo se vieron vivencias intactas de la infancia o una pareja de novios felices, pero no las insignias del Partido o los brazaletes de la esvástica o los emblemas de la hoja de roble y la calavera de la SS».
Las alas rotas del «Ángel de la Muerte»
Josef Mengele, «el Ángel de la Muerte», llegó hasta São Paulo (Brasil) después de abandonar Auschwitz el 17 de enero de 1945 y cambiar varias veces de identidad (Fritz Hollman o Helmut Gregor fueron algunos de los nombres falsos que usó).
Allí vivió hasta sus últimos días sin levantar sospecha. Fue su hijo, Rolf Mengele (1944), quien lo encontró después de 21 años desaparecido. Aunque sólo lo hubiera visto dos veces en su vida, y su propia madre le intentara convencer de que aquel hombre que vivía en Latinoamérica era su tío Frintz, sus investigaciones confirmaron que era su padre.
«Enterarme de la realidad tuvo un fuerte impacto sobre mí. No era muy bueno ser el hijo de Josef Mengele«, reconoció una vez ató todos los cabos.
En este reencuentro ambos se reafirmaron en sus propias convicciones. Mengele se mostró frío y distante, sin un ápice de arrepentimiento por las torturas y experimentos que probó con los presos de Auschwitz, sus «cobayas humanas», para crear una raza superior.
Josef Mengele: «Yo no inventé Auschwitz y no soy personalmente responsable de los incidentes que ocurrieron allí. Auschwitz existía antes de mí. Quería ayudar»
Cada manipulación sanguínea, cada inoculación de genes infecciosos o la ablación de órganos que hizo mientras Puccini o Wagner sonaban de fondo, eran según él, operaciones destinadas a «ayudar».
Con su hijo como acusación particular, el ya anciano padre eludió cualquier tipo de responsabilidad y centró su defensa en el cumplimiento de las órdenes que allí se dictaban. «Yo no inventé Auschwitz y no soy personalmente responsable de los incidentes que ocurrieron allí. Auschwitz existía antes de mí. Yo quería ayudar pero estaba muy limitado».
En cambio, Rolf seguía preguntándose si aquel hombre tenía algún tipo de remordimiento o conciencia. Si sentía algo o era de verdad un monstruo como muchos lo concebían.
«Nunca entenderé cómo seres humanos pudieron comportarse de ese modo. El hecho de que se trate de mi padre no cambia nada. Lo que pasó es para mí contrario a toda ética, a toda moral, e impide toda comprensión de la naturaleza humana», confesó él mismo tras las explicaciones que le dio su padre.
Dos años después de este cara a cara, Josef Mengele murió. Fue entonces cuando su hijo sustituyó su apellido por el de su esposa. Quería romper con su pasado y enfrentarse al futuro. Libre de cargas. De culpas. De explicaciones diarias. En los años 80 se trasladó Múnich para trabajar como abogado.
Odio y negación
Quien también condenó los actos de su padre de manera crítica fue Niklas Frank (1939), hijo de Hans Frank, «el Carnicero de Cracovia», responsable de la muerte de millones de judíos y polacos.
Obsesionado con la muerte de su padre, ejecutado en la horca el 16 de octubre de 1946 tras el veredicto del Tribunal Militar Internacional que le acusó de Crímenes de Guerra y Crímenes contra la Humanidad, Niklas ha intentado unificar todas las piezas del puzzle familiar.
De sus cuatro hermanos sólo él ha intentado buscar respuestas a aquellas conversaciones que escuchaba de pequeño, cuya respuesta fue el rechazo absoluto de todo cuanto conoció: «Odio a ese bastardo que arde en el infierno y me obsesiona. No pasa un día en el que no piense con él con la horrible impresión de ser una marioneta cuyos hilos maneja él todavía. Incluso siendo niño tenía la convicción de pertenecer a una familia criminal«.
El gobernador Hans Frank en Cracovia durante un desfile.
La violencia de las palabras con las que se ha referido siempre a él y las polémicas declaraciones que hizo en su libro ‘Mi padre. Un ajuste de cuentas’, hicieron que su hermano Michael lo atacara públicamente a través de una carta que publicó en el semanario Stern.
Tampoco salió mejor parada su madre, a quien llegó a calificar como una «cínica y cobarde. Le encantaban las pieles y se dirigía en su Mercedes al gueto, acompañada por una escolta SS, para comprar por una miseria esos camisones».
Este pasado histórico sólo fue asumido por Niklas y su hermano Norman. Los otros tres negaron toda nueva información. Sigrid, la hija mayor, se trasladó con su segundo marido a Sudáfrica en 1966 y defendió a ultranza el apartheid. Briggitte, la segunda de los hermanos, se suicidó en 1981. Michael, el tercer hijo de Frank, tampoco corrió mejor suerte.
Su obesidad, producida entre otros factores por beber 13 litros diarios de leche, provocó que muriera a los 53 años. Juguetes que rompió la culpa y la conciencia. Herederos que intentan salir del destierro.
Mantiene su imagen de caballero elegante y su piel siempre bronceada
Infobae(S.Ceballos) — El galán de Hollywood cumple 82 años en los que sus romances y su adicción por el bronceado se recuerdan más que sus logros como actor. Símbolo de una época, retrato de un hombre que hizo de la seducción su modo de vida
George Hamilton es uno de esos seres humanos que nació bendecido o tal vez maldecido con la belleza, esa que parece una mutación de la especie humana. Como sus compañeros de época, el inolvidable Paul Newman y el genial Robert Redford, tenía todo para convertirse en algo más que una cara bonita.
Sin embargo y aunque filmó más de 50 películas, sus logros como seductor son más recordados que sus trabajos como actor. Es que no cualquier mortal sedujo a la hija de un presidente de los Estados Unidos, mantuvo relaciones con su madrastra, amaneció con Liz Taylor, consoló a Marilyn Monroe y mientras estaba de “trampa” se topó con JFK en la misma situación.
Hamilton no protagonizó grandes películas pero su vida es de película. Nació en 1939 en un pueblito de Arkanas. Su papá era el líder de una banda eternamente de gira y su mamá Ann era “una auténtica seductora, la máxima belleza sureña e irresistible para los hombres”.
La banda no terminaba de despegar y Ann le recomendó a su marido encontrar una cantante, pero “el remedio fue peor que la enfermedad”. Hamilton padre contrató a June, una mujer a la que seducir le resultaba tan sencillo como respirar.
El matrimonio se rompió y June pasó a ser la madrastra de George que para ese tiempo era un adolescente con las hormonas alborotadas.
Lo que sigue hoy sería delito, pero en ese momento ni siquiera parecía moralmente cuestionable. La mujer de 20 años abusó de su hijastro de 12. Perder la virginidad de esa manera no generó resentimientos en George: “No sentía ningún vínculo familiar con ella.
No me sentí culpable, incluso hacia mi padre. Un psiquiatra infantil quizá diría que me estaba vengando de él por lo que le hizo a mi madre. Pero, gracias a Dios, nunca me llevaron a un psiquiatra infantil”.
El adolescente se convirtió en un joven viril, que a su atractivo físico, su altura de 1,85 le sumaba un talento natural para convertirse en objeto de deseo. Entregaba la frase apropiada, la réplica oportuna y el silencio exacto, algo que lo hacía simpático para los hombres e irresistible para las damas.
Con semejantes talentos o encantos no le resultó difícil encontrar un lugar en el Hollywood de fines de la década del 50.
A fines de la década del 50 se instaló en Los Ángeles
Mientras daba clases en un club de tenis conoció a Betty Benson que le presentó a su marido, Sam Spiegel, uno de los productores más poderosos de Los Ángeles. Antes de presentárselo, Betty comprobó que su profesor era un maravilloso amante.
Hamilton consiguió un contrato con Metro Goldwyn Mayer y en 1959 filmó su primera película Crimen y castigo. La película no fue un exitazo, pero él logro un Globo de Oro en la categoría “Principiante más prometedor”.
Fue parte de Con él llegó el escándalo, protagonizada por Robert Mitchum, estuvo en Dos semanas en otra ciudad con Kirk Douglas y en Viva María acompañó a Brigitte Bardot y Jeanne Moreau. Luego de ver esas divinidades humanas en pantalla cabe preguntarse si junto con la entrada no tendrían que haber entregado pastillas para levantar la autoestima.
Como estrella de cine, Hamilton comenzó a sentir que la vida era un lugar de puertas automáticas donde ni siquiera debía preocuparse por mover un poquito el picaporte. Compró un Rolls–Royce, contrató un chofer y comenzó a ser invitado de todas las fiestas.
Una noche conoció a Christine Keeler y Mandy Rice-Davies. Eran jóvenes, se dedicaban al oficio más viejo del mundo y le pidieron usar su auto con chofer, Hamilton ignoraba o dijo ignorar que iban a sus trabajos. Uno de los clientes de Keeler era John Profumo, el poderoso ministro británico y otro era, Eugene Ivanov, agregado de la embajada soviética en Londres y potencial espía.
Cuando el escándalo estalló, Keeler se ocultó y Mandy intentó suicidarse. Hamilton se portó como un verdadero caballero y logró que saliera del hospital despistando a la prensa.
Para esa misma época su objetivo no era ver cuántas películas protagonizaba sino con cuántas mujeres salía. En una misma jornada desayunaba con una actriz, al mediodía paseaba con una modelo, merendaba con una millonaria y cenaba con una desconocida. No es necesario aclarar que a todas seducía, con todas hacía el amor y eso que no se había inventado la pastillita azul.
Fue nominado como «Mejor actor extranjero» por la Academia Británica de Cine
En Acapulco conoció a Alana Collins, una modelo. El primer encuentro hoy sería acoso: le pellizcó el trasero. Ella no solo no lo rechazó sino que terminó en su casa y en su cama. Se fueron a Europa. Alana compartía la misma pasión que Hamilton no piense el lector que era la literatura, el amor por los animales ni el entusiasmo por el cine, ambos amaban broncearse.
Su adicción por el bronceado se convirtió en leyenda. Su piel eternamente oscurecida se transformó en su marca personal hasta lograr que nadie recuerde su verdadero color.
El hábito comenzó en un verano de Palm Beach cuando comprobó que así atraía más a las chicas. “Broncearse iba a ser para mí lo que la cabina telefónica, el divertido traje azul y la capa eran para Superman. Sin un bronceado, yo era solo otro rostro pálido entre la multitud. Con uno, podría hacer cosas increíbles”.
Con el tiempo también sería un lucrativo negocio ya que protagonizó varias campañas de productos para el sol. Contrariando a todos los dermatólogos se enorgullece porque “no sufro de cáncer de piel y lo único que hasta ahora me han diagnosticado es un pequeño daño a la piel, pero que no es maligno.”
Alana entraba y salía de la vida de Hamilton, pero cuando le anunció que se casaría con Lord Lichfield, el fotógrafo y primo hermano de la Reina Isabel, Hamilton se desesperó.
Se casaron en Las Vegas, llegaron en el avión de Elvis Presley y la boda la celebró un predicador alcoholizado al que le pagaron 30 dólares con un camarero por testigo. Tuvieron un hijo, Ashley, y se divorciaron en 1975. Alana se casó con Rod Stewart.
Lejos de sentirse celoso del músico declaró “Compartímos un gusto aparentemente idéntico por las mujeres. Ambos estuvimos con Britt Ekland y ambos salimos con Liz Treadwell, mi novia intermitente durante más de una década”.
En pantalla mostraba una imagen de agradable seductor, fuera de pantalla, también
Su carrera como actor quedó estancada en los papeles de “gentleman”.
Su mayor éxito lo cosechó en 1979 con la comedia Love at First Bite, en la que daba vida a un empobrecido vampiro que de repente tenía que arreglárselas en la moderna Nueva York.
En el cine conseguía roles olvidables, pero en su vida protagonizaba momentos inolvidables.
En 1986 compartió suite en Marbella con Elizabeth Taylor. Ambos se pusieron a tomar sol.
Ella lucía una tanga y un gorro de flores. No se dieron cuenta que los fotografiaban.
Al saber que saldrían sus fotos en topless, Liz se desesperó. Hamilton pasó toda la noche en el teléfono tratando de encontrar al dueño de las imágenes.
Lo consiguió y lo convocó al hotel con los negativos.
“Estaba a punto de quemarlos cuando Liz dijo: ‘Déjame ver’.
Mientras estudiaba las fotos, me preparé para escuchar sus insultos. Pero luego vi una sonrisa maliciosa en ese hermoso rostro. ‘Me gustan. Mis pechos se ven bastante bien, ¿no te parece?
Me pasó el rollo. ‘Te ves espectacular’, admití. ‘De todas formas, detesto censurar a la prensa. No es mi estilo.’ Entonces salieron las fotos y Elizabeth vendió mucho de su nuevo perfume”.
En sus comienzos, la MGM le organizó una cita con Marilyn Monroe. Cenaron juntos. Por primera vez, Hamilton se sintió intimidado por una mujer, la rubia acababa de romper con Arthur Miller y se la pasó hablando de filosofía. “¿Rubia tonta? Olvídalo. Cómo desearía haberla atrapado después de que se separó de la estrella del béisbol Joe Di Maggio”.
Una noche de pasión estaba con una de sus tantas novias completamente desnudo sobre la arena de Palm Beach cuando divisó a otra pareja en la misma situación. Se trataba del entonces senador John Kennedy acompañado por una bella modelo que además era la esposa del embajador de los Estados Unidos en Cuba.
Los hombres se miraron y sin mediar palabra hicieron un típico pacto de caballeros: “no vimos nada y seguimos como si nada”.
No fue su único contacto con las “altas esferas”. En 1966, los paparazzi siguieron cada uno de sus pasos. Es que durante varios meses novió con Lynda Johnson, la hija del entonces presidente estadounidense Lyndon Johnson. Hamilton fue invitado a una cena en la Casa Blanca cuando se flecharon.
Le pareció “inteligente y estudiosa”, la invitó a Acapulco y ella lo sorprendió al aceptar. Pensó que le enseñaría un par de cosas, obviamente que no de política internacional sino sobre su especialidad: el arte del bronceado, pero ella “me dejó boquiabierto al pasar más tiempo al sol que yo”.
La relación no prosperó pero Lynda recuerda que “fue un momento interesante para estar viva”.
Con Elizabeth Taylor
Más polémica fue su polémica “amistad” con Imelda Marcos, la primera dama más corrupta y poderosa de Filipinas con su colección de joyas por 20 millones de dólares, sus 1060 pares de zapatos, 888 carteras y 71 lentes de sol en un país que se hundía en la pobreza.
Solían compartir galas y fiestas. Hamilton más de una vez la acompañó a ver exposiciones de Nueva York donde Imelda compraba cuadros con fondos robados sin que Hamilton modificara su bronceado por rojo vergüenza ajena.
En los últimos años, el actor fue presentador en algunos concursos de belleza, participó en series como Grace and Frankie y hasta fue parte de un reality británico grabado en plena selva.
Sigue protagonizando comerciales de bronceador y es dueño de una cadena de salones de bronceado.
“Soy como una reliquia de otra época”, sostiene y asegura que la clave para seducir a las mujeres es “escucharlas y mirarlas profundamente a los ojos”.
A los 82 años no pierde su color ni esa actitud entre elegante, pícara y arrogante.
“Sobreviví a las mejores épocas y peores épocas porque nunca me tomé realmente en serio. Tampoco tomé la vida en serio porque ya es terriblemente grave”.
Hamilton podría haber sido un Redford o un Newman pero eligió ser este alegre seductor, ese tipo de personas con las que jamás compartiríamos la última noche en el Titanic, pero sí las otras, esas cuando el naufragio está muy lejos y la vida solo parece un eterno baile donde lo importante es pasarla bien sin importar si uno o muchos la pasan mal.
marcianosmx.com — A través de la Santa Inquisición, Tomás de Torquemada fue responsable por miles de muertes, todas bajo la justificación de mantener la cristiandad viva en España.
Este personaje vivió en territorio español durante el siglo XV y aunque a menudo su nombre pasa inadvertido en los registros históricos, mientras estuvo vivo este hombre tenía injerencias en prácticamente cualquier evento mayor que ocurría en España.
Si no fuera por Torquemada Cristóbal Colón jamás habría descubierto América, la Santa Inquisición jamás habría existido y, mucho más importante, 2,000 ciudadanos españoles jamás habrían muerto.
A mediados del 1400, o estabas de acuerdo con la Iglesia Católica o mejor te hacías a un lado, literalmente. Durante la época de la Inquisición Española, miles de judíos y musulmanes fueron sacados del país con nada más que la ropa que llevaban puesta, todo esto tras haber sido acusados de herejía por sus tardías conversiones al catolicismo.
Con el fin de que los herejes fueran debidamente expulsados de sus hogares, el papa encomendó a los inquisidores investigar cada caso. Aunque estos inquisidores habían recibido reglas más o menos claras sobre lo que podían y no hacer, uno en particular se tomó las cosas muy en serio.
Anneken Hendriks Es condenada a la hoguera por herejia en el siglo XVI.
Tomás de Torquemada tenía una fuerza digna de reconocimiento. Durante el tiempo que fungió como inquisidor, antes de convertirse en Gran Inquisidor, este hombre fue responsable por la brutal muerte de dos mil condenados.
El destino de un católico.
Nacido en Valladolid en 1420 en el seno de una familia humilde, Torquemada estuvo predestinado a la vida religiosa. Su tío había figurado como un célebre cardenal y teólogo, cuya madre había sido convertida del judaísmo al catolicismo antes de que naciera. Desde muy temprana edad, Torquemada fue inculcado con la religión y creció para convertirse en un celoso fiel de la misma.
En la juventud, Tomás de Torquemada se convirtió en un fraile dominicano en el monasterio de Santa Cruz, en Segovia. En este lugar conoció a la entonces princesa Isabel, que en el futuro se convertiría en la regente de la nación.
Ambos descubrieron que tenían bastantes cosas en común, y a partir de entonces se convirtieron en aliados y confidentes. De hecho, sería por petición de Torquemada que Isabel se casaría con el rey Fernando de Aragón con el objetivo de unificar sus reinos. Si este hombre no hubiera unido al matrimonio, el mundo sería completamente distinto.
Inquisición (F.Goya)
Cuando se estableció la Inquisición Española, Isabel confío en su tutor para que la ayudara. Evidentemente, Torquemada estaba totalmente dispuesto a ofrecerle su apoyo, pues su postura religiosa era firmemente en pro del catolicismo.
Así, cuando el papa buscaba a aquellos que se mantuvieran firmes a sus creencias, lucharan por la causa religiosa y lideraran a los inquisidores en su tarea de purgar a los herejes de España, la propuesta natural de Isabel fue Torquemada.
Este fue uno de sus más grandes errores.
Tomás de Torquemada y la Santa Inquisición.
Extasiado por su nuevo poder, Tomás de Torquemada se convirtió en un líder implacable y furioso, forzando a aquellos que se habían convertido al catolicismo por motivos que él consideraba inadecuados – como el temor a las represalias – a vestir prendas que los señalaban como condenados.
En estas vestimentas había representaciones de llamas del infierno, demonios, dragones y serpientes, funcionando como una alternativa a la prisión.
Además, los herejes eran sometidos a algo que se conocía como “tormento del agua” o “cura del agua”, parecido al método de tortura que implica sumergir la cabeza de una persona en agua. Las víctimas de esta cura del agua a menudo eran mujeres, pues eran vistas como más débiles y mayormente predispuestas a confesar sus pecados.
Otras víctimas serían quemadas vivas en ceremonias auto de fe (auto-da-fé) donde se les ofrecía la oportunidad de confesar para evitar que las quemaran vivas – aunque esto implicaba que les quitarían la vida en el garrote vil antes de incinerarlas.
Expulsión de los Judíos de España
Torquemada también supervisó la expulsión de 40,000 judíos en España, mismos que se llevaron únicamente aquello que podían cargar.
Los que no fueron forzados a dejar el país fueron convertidos de manera forzosa al cristianismo, recibiendo bautizos no autorizados a cambio de permanecer en sus propiedades. Cualquier convertido que era descubierto practicando las tradiciones judías rápidamente era presentado ante los inquisidores.
El Gran Inquisidor.
Sin embargo, aunque la mayoría de los inquisidores trazó límites en las expulsiones o conversiones forzadas, Torquemada fue mucho más allá. Bajo el pretexto de librar a España de los herejes fanáticos que estaban manchando su nombre, Torquemada supervisó la ejecución de 2,000 personas.
Los reportes sobre estos crímenes de Torquemada fueron asentados por el secretario particular de la Reina Isabel, Hernando del Pulgar.
Instrucciones de oficio de la Santa Inquisición de Torquemada
Aunque la Inquisición se extendió más allá de la muerte de Torquemada, la mayor parte del sufrimiento se concentró bajo su mando. Eventualmente, casi al final de su vida, quejas sobre el comportamiento de Torquemada fueron filtradas al papa.
Torquemada aseguró que su retiro al monasterio de Santo Tomás de Aquino en Ávila se debió a su estado de salud, pero los historiadores creen que pudo atender a las quejas sobres su reinado de terror.
Tras 15 años como Gran Inquisidor de España, Tomás de Torquemada terminó muriendo en el monasterio de Ávila. Como la mayoría de los frailes en ese lugar, fue sepultado entre sus paredes.
En el año de 1832 su tumba fue saqueada, precisamente dos años antes del fin oficial de la Inquisición. Sus huesos fueron extraídos e incinerados en un ritual, como si le hubieran aplicado un auto de fe.
Inoculación de pus de vaca en el Hospital de Niños Pobres de Barcelona, hacia 1890.
Sinc(M.I.P.Gallo/R.Campos) — La pandemia de la covid-19 ha puesto de nuevo sobre el tapete el debate sobre la importancia de las vacunas como estrategia de salud pública. Desde el principio de la pandemia ha habido una clara tendencia política y científica a fiar al descubrimiento de la vacuna la solución del problema.
Entretanto se han tomado una serie de medidas sanitarias con el fin de frenar el contagio y, por ende, la presión sobre los sistemas sanitarios y los fallecimientos.
Las medidas de prevención se han dirigido principalmente a la restricción de movimientos (confinamientos de la población, toques de queda) control de las personas enfermas o con probabilidad de estarlo (cuarentenas), limitación de los contactos sociales (establecimiento de cupos de individuos no convivientes que podían reunirse) y uso obligatorio de mascarillas en espacios públicos y puestos de trabajo.
Asimismo, se establecieron con desigual fortuna medidas preventivas como el rastreo de contagios y la realización de pruebas diagnósticas como las PCR o las pruebas de antígenos.
Con todo, la gran apuesta ha sido la investigación relacionada con la vacuna, a la que se ha destinado y sigue destinándose una cantidad ingente de recursos económicos públicos y privados, que ha permitido poner en marcha 200 proyectos de vacunas experimentales y disponer de, al menos, siete vacunas desde comienzos de 2021, según datos de la Organización Mundial de la Salud (OMS).
Aunque el ritmo actual de vacunación en el planeta es desigual, los efectos se hacen notar. La gravedad de la enfermedad y la presión sobre los sistemas sanitarios disminuyen donde se avanza sustancialmente en la vacunación de la población.
Posiblemente en los próximos meses, donde se alcancen altos niveles de inmunización se notará una notable caída de los efectos de la enfermedad con el consiguiente beneficio para la salud y, por tanto, para la actividad económica y social.
Una enfermera administra la vacuna Moderna a una joven en el estadio Enrique Roca de Murcia.
El inicio de la vacunación: la viruela y la polio
Desde poco después de la Revolución francesa, la vacunación de la población ha sido un aspecto fundamental de las estrategias de salud pública. Los ejemplos históricos de los beneficios de la vacunación son numerosos y sin duda pesan en la actual estrategia dirigida contra la covid-19.
Dos ejemplos de éxito –no son los únicos– lo constituyen la vacuna contra la viruela y la polio. La vacuna contra la viruela es la primera de la historia.
Descubierta en 1796 por el médico rural Edward Jenner, la vacuna contra la viruela tuvo en líneas generales una buena acogida y recibió los parabienes de las autoridades políticas y científicas. Además de ser la pionera, su importancia residió en que tuvo resultados positivos ante la extensión de una enfermedad, responsable de buena parte de la mortalidad infantil y de invalideces graves.
A comienzos del siglo XX, la incidencia de la viruela había disminuido notablemente pese a los problemas importantes con los que tropezó: reticencias de sectores de la población a vacunarse, problemas de producción, conservación y distribución de la linfa vacunal, desigual impulso de las campañas de vacunación, y la constatación de algunos efectos adversos que generaron intensos debates científicos.
El éxito total vendría en la segunda mitad del siglo XX. La OMS inició una intensa campaña de vacunación gracias a las resoluciones WНA11.54 de 1958 y WНA20.15 de 1967. El resultado fue el anuncio de la erradicación de la viruela en la 33ª Asamblea Mundial de la Salud de la Organización Mundial de la Salud (OMS), celebrada el 8 de mayo de 1980. Este hecho reforzó la importancia de la vacunación como estrategia de salud pública.
El otro ejemplo histórico es el de la vacuna de la polio. Las epidemias de esta enfermedad impactaban socialmente por las graves secuelas de su forma paralítica, presentes en sus víctimas, mayoritariamente población infantil. Las imágenes más trágicas y conmovedoras de los efectos de la polio fueron las salas de pulmones de acero llenas de niños.
El desarrollo de dos vacunas efectivas, la inyectable de Salk en 1955 y la oral de Sabin en 1961, supuso un avance sustancial en la prevención de esta enfermedad. La decisión de la OMS de asumir en 1988 como objetivo la erradicación de la polio y la creación de la asociación Iniciativa Global de Erradicación de la Polio (GPEI, por sus siglas en inglés) impulsó la vacunación de la población infantil a nivel mundial.
Esta estrategia no exenta de dificultades ha permitido que la polio haya sido declarada erradicada en distintas regiones del mundo. La última, en agosto de 2020, ha sido la Región de África de la OMS. En 2021, la transmisión de la poliomielitis existe únicamente en Afganistán y Pakistán.
Nuevos avances en vacunación
Entre los descubrimientos de las vacunas de la viruela y la polio tuvieron lugar otros muchos de gran importancia como, por ejemplo, la antirrábica, anticolérica, antidiftérica, antituberculosa, etc. Posteriormente, desde la década de 1960 el arsenal vacunal aumentó con la del sarampión, las paperas, la rubeola, la hepatitis B, la Hib, así como vacunas combinadas (DPT, triple vírica…).
Ahora bien, la historia muestra que una cuestión fundamental es el acceso a las vacunas y las estrategias elegidas para ello, como la implantación de los calendarios vacunales infantiles, su administración gratuita e insertada dentro del sistema sanitario público, que han tenido un papel clave en la prevención de enfermedades infectocontagiosas.
Una buena organización de la sanidad pública incide notablemente en la efectividad de la vacunación. Un ejemplo de ello es el contraste entre las dificultades para controlar la poliomielitis en España durante el franquismo o la ausencia de programas de vacunación contra la gripe en ese período, y el éxito logrado a partir de la Transición y, sobre todo, desde los años 80 con un Sistema Nacional de Salud, que permitió conseguir unas coberturas vacunales anuales frente a la gripe de más del 60 % e incluso del 70,1 % en 2005.
No obstante, no conviene reducir a la vacunación las estrategias de salud pública. La historia también muestra que la combinación de la vacunación con otras medidas mejora notablemente el estado saludable de la población.
El desarrollo de políticas sociales y sanitarias tendentes a mejorar infraestructuras como el alcantarillado y el suministro de agua potable, a garantizar el acceso a viviendas dignas, a la regulación de las condiciones de trabajo con el fin de proteger la salud laboral, así como la extensión de la asistencia sanitaria pública al conjunto de la población son factores fundamentales para mejorar la salud pública.
La intervención social por medio de políticas sanitarias es clave para reducir las desigualdades sociales y favorecer la salud de la ciudadanía.
descubrir.com(D.Rubio) — La novena maravilla canaria, una isla que aparece y desaparece oculta tras la espesa niebla másallá de El Hierro y que se ha convertido en una de las leyendas más sugestivas de la historia de las islas Canarias.
Aparecida por primera vez en un texto del siglo IX que narra los viajes del monje irlandés San Brandán —al que debe el nombre— todavía en el siglo XVIII se organizó una expedición para localizar la ‘Atlántida canaria’. Nosotros lo volvemos a intentar en el XXI: acompáñanos en este viaje para encontrar San Borondón, la isla perdida de las Canarias.
San Borondón, el paraíso perdido de las Canarias
“San Borondón… ¡Oh, mito fantástico de bruma, / tierra intacta y fugaz, divina y deslumbrante! / Yo te amo, extraña isla que surges entre espuma / y entre espuma te hundes y borras al instante”.
El poeta y periodista tinerfeño Luis Álvarez Cruz se refería de esta manera a una de las leyendas más queridas de la mitología canaria. Porque islas fabulosas asociadas a las Canarias ha habido unas cuantas —desde los Bienaventurados hasta las propias Afortunadas pasando por la mismísima Atlántida— pero ninguna tan real como San Borondón que apareció en el Tratado de Alcazobas que repartía el Atlántico entre Portugal y Castilla y todavía fue fotografiada a finales de los 50…
O así se tituló un artículo del diario ABC acompañado de una foto que dibujaba la silueta mítica de San Borondón en el horizonte.
Pero la leyenda de la isla misteriosa canaria aparece mucho tiempo antes, allá por el siglo VI y de la mano del abad San Brandán el Navegante que dedicó su vida a evangelizar en tierras ignotas en el océano Atlántico, llegando a las islas Feroe o a Groenlandia tal y como señalan varios textos medievales como el Navigatio Sancti Brendani.
La leyenda de la Isla Pez y San Borondón.
En uno de sus viajes más al sur se dice que San Brandán halló una isla que aparecía y desaparecía, pero no por la acción de la bruma marina, sino porque se trataba de un pez gigante que fue el que, en última instancia, guió al abad irlandés a un paraíso terrenal isleño: la novena isla de las Canarias.
Hasta aquí todo suena a literatura fantástica, pero para los inquietos navegantes de la edad de oro de los descubrimientos marítimos, cualquier relato, por fabuloso que fuese, era una buena excusa para levar anclas buscando paraísos. ¿O acaso Colón no se había tropezado con un inmenso continente en su viaje a las Indias?
El mar siempre fue el lugar de los soñadores.
Y así se iniciaron una serie de expediciones para encontrar de una vez la novena isla canaria a poniente de El Hierro. Una de las primeras expediciones arranca a finales del XV y tiene a Fernando de Viseu, sobrino de Enrique el Navegante de Portugal, como protagonista.
En tiempos de Felipe II, el ingeniero Leonardo Torriani afirmó que había recorrido esta isla salpicada de colinas mientras que Alonso de Espinosa, gobernador de El Hierro, no tuvo tan suerte a pesar de ser vecino.
Por esa misma época, un navegante portugués agrandaría la leyenda de San Borondón con uno de los mejores relatos. Pedro Vello arribó en una misteriosa isla al oeste de La Palma y El Hierro al tener que cambiar de rumbo para refugiarse de un temporal.
Cuenta Vello que una vez en tierra, el viento volvió a arreciar de tal modo que se precipitó al barco… dejando a dos marineros ‘olvidados’ en tierra.
San Borondón en la reconstrucción del mapa de Toscanelli.
Todos estos relatos, más o menos fantásticos, siguieron alimentando el mito de San Borondón.
Que en una época en la que ya se estaban conquistando hasta los últimos confines del océano todavía perviviese el mito de una isla que aparecía y desaparecía muestra que, al menos, un gran equívoco geográfico debía existir en torno a San Borondón, equívoco que trató de alumbrar de forma oficial Hernán Pérez de Grado, primer regente de la Real Audiencia de las Canarias que ordenó abrir una investigación oficial sobre la isla misteriosa tras numerosos avistamientos en los meses previos.
Y así siguió creciendo la leyenda de San Borondón hasta que Gaspar Domínguez organizó la última expedición oficial para descubrir la novena isla canaria en 1721. No hubo éxito: San Borondón permaneció oculta y las expediciones cesaron.
San Borondón existe: cartografía de una isla fantasma
San Borondón en un mapa antiguo.
San Borondón existe… al menos según diversos mapas medievales y de época moderna. Los relatos acerca de la existencia de esta isla al oeste del archipiélago canario animaron a muchos cartógrafos a incluir San Borondón en sus mapas.
El planisferio de Hereford fechado en 1290 es el primer mapa en el que aparece referencia a San Borondón en una inscripción en latín que reza: “las seis Islas Afortunadas son las Islas de San Brandán”. Por su parte, Ebstorf es más prudente en su planisferio del XIII al afirmar que “San Brandán la descubrió, pero nadie la ha encontrado desde entonces”.
Durante el siglo siguiente, Pizzigano la dibujó a poca distancia de El Hierro. Por entonces se decía que la isla debía estar a unos 550 kilómetros en dirección oeste-noroeste de El Hierro, aunque otros afirmaban que estaba mucho más cerca.
Así mismo su presunto tamaño estaría en torno a los 500 kilómetros de largo (de norte a sur) y a las 150 de ancho (de este a oeste), contando con dos montañas bastante elevadas en cada extremo.
San Borondón al oeste de las Canarias en el mapa de Delisle de 1707.
Tras aparecer en numerosos mapas del siglo XV, incluyendo el mapamundi del italiano Fra Mauro, considerado el mejor memorial de la cartografía medieval, una de cuyas copias se encuentra en la Biblioteca Nazionale de Venecia, el último mapa que respetó la leyenda de isla fantasma canaria fue la Carta Geográfica de Gautier de 1755, poco después de aquella última expedición de Gaspar Domínguez.
250 años después ya no se hacen expediciones oficiales para descubrir esta isla que se oculta entre la niebla atlántica, pero todavía, de vez en cuando, se producen avistamientos y proyectos artísticos que siguen nutriendo una de las leyendas más hermosas de la mitología canaria.
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Nuestras Charlas Nocturnas 