Historias de la historia(J.Sanz) — Los Juegos Olímpicos de la época clásica se disputaron en Olimpia desde el 776 a.C. hasta que el emperador Teodosio los abolió en 394. De hecho, se llamaba Olimpiada al período de cuatro años que transcurría entre cada edición de los Juegos.

Y aunque no eran los únicos juegos de Grecia -también se celebraban los Píticos en Delfos, los Ístmicos en el istmo de Corinto y los Nemeos en Nemea-, eran los más antiguos y, sobre todo, los que más prestigio aportaban al ganador y a la polis que representaba. Una vez promulgados los Juegos, se firmaba la paz olímpica y los hombres griegos y libres, en representación de diversas ciudades estado, competían en diferentes pruebas por la gloria.

En palabras del poeta Píndaro:

El vencedor, el resto de sus días, tendrá una dicha con sabor de mieles.

– Mujeres en los Juegos Olímpicos de la Antigüedad.

Uno de los atletas más famosos de la época clásica fue Diágoras de Rodas, que además de ser el gran triunfador en los Juegos celebrados en el 464 a.C. inició una saga de campeones olímpicos.

Sus hijos Diamageto, Acusilao y Dorieo, así como sus nietos Eucles y Pisírodo siguieron sus pasos.

Cuando la leyenda que, el día que Diamageto y Acusilao fueron coronados campeones, se acercaron hasta donde estaba su padre, lo subieron en hombros y dieron con él la vuelta triunfal. Fue demasiada emoción para su viejo corazón, y allí mismo falleció Diágoras.

Las mujeres tenían prohibido participar y asistir a los Juegos, pero Calipatira, hija de Diágoras y madre de Pisírodo, estaba tan segura del triunfo de su hijo que decidió jugársela y vivir en directo aquel día. Se vistió con las ropas de los entrenadores y consiguió colarse. Tal y como ella había soñado, su hijo consiguió hacerse con la victoria pero, llevada por su alegría, saltó la valla para felicitar a su hijo y la ropa se quedó enganchada…

Calipatira se quedó desnuda frente a todos. Según las reglas que regían los Juegos, el castigo para las mujeres que infringiesen la ley sería ser despeñadas por el monte Tipeo. En honor a su padre, hermanos e hijo, campeones olímpicos, los jueces le perdonaron la vida; y desde aquel momento se promulgó una nueva norma que obligaba a los entrenadores a ir desnudos, igual que los atletas, para que no volviese a ocurrir.

Algunas fuentes hablan de una mujer que consiguió vencer en los Juegos, concretamente en las pruebas ecuestres, pero sin estar presente. Y la explicación es que el ganador no era el jinete que, lógicamente, era un hombre, sino el propietario del caballo. Daba igual quién lo montase, así que digamos que el jinete era un complemento del caballo. 

Cinisca de Esparta, hija del rey Arquídamo II, era la propietaria de los caballos que en las carreras de carros obtuvieron la victoria en las Olimpiadas de 396 y 392 a.C.

Aún así, algunas mujeres decidieron no resignarse y, dado que no podían participar en los Juegos de los hombres, crearon los suyos propios. En honor de la diosa Hera, también cada cuatro años y sólo unos días antes de los masculinos, se celebraron también en Olimpia los Juegos Hereos.

Al frente de la organización de estos Juegos había un grupo seleccionado de 16 mujeres. Las participantes competían divididas en tres grupos según las edades, y lo hacían en una única prueba que consistía en una carrera a pie con un recorrido algo inferior al de los hombres.

Las mujeres no competían desnudas, llevaban una túnica corta, por encima de la rodilla, y tenía descubierto el hombro derecho hasta el pecho. Además, debían llevar el pelo suelto. Al igual que los hombres, las vencedoras en los Juegos Hereos, normalmente espartanas, eran coronadas con olivo. Sabiendo que las mujeres de Esparta ejercitaban sus cuerpos desde muy jóvenes, es normal que fueran las que acaparasen todos los honores.

– Cuando la literatura y la pintura eran disciplinas olímpicas.

A lo largo de los años las disciplinas que han formado parte de los Juegos Olímpicos han ido variando, una veces incorporándose nuevas y en otras desapareciendo, como el tirón el pichón, la pelota vasca, el ascenso en globo, el lacrosse, trepar la cuerda o… el arte (competiciones de arquitectura, escultura, literatura, pintura y música).

En los Juegos Olímpicos de Estocolmo 1912 el estadounidense Walter Winans consiguió una medalla de oro con 60 años; para él no era nada nuevo conseguir un metal olímpico, ya tenía una de plata de estos mismo juegos y otras dos (oro y plata) de Londres 1908, todas ellas en la disciplina de tiro; pero aquella tenía un sabor especial… era el oro olímpico en la competición de escultura que consiguió por la obra «An American Trotter«

Aunque en la idea primigenia que tenía Pierre de Coubertin para los Juegos Olímpicos también estaban incluidas las competiciones de arte, no sería hasta los Juegos de Estocolmo 1912 cuando tendrían cabida bajo las disciplinas de arquitectura, escultura, literatura, pintura y música.

El único requisito para poder competir era que las obras tuvieran su inspiración en el deporte. Hasta 33 artistas (principalmente europeos) presentaron sus obras y se otorgó una medalla de oro en cada una de las cinco categorías.

Además de Winans, también consiguieron su medalla de oro el italiano Giovanni Pellegrini en pintura, los suizos Alphonse Laverrière y Eugène-Edouard Monod en arquitectura, el italiano Ricardo Barthelemy en música y en literatura George Hohrod y Martin Eschbach -seudónimo con el que presentó «Ode au Sport» (Oda al Deporte) el propio barón de Coubertin-.

Aunque entre 1912 y 1948 los artistas de estas cinco disciplinas tomaron parte en los Juegos, la realidad es que estas competiciones eran un tanto caóticas: se necesitaban «espacios» diferentes a los puramente deportivos, en varias ocasiones las medallas (ya ampliadas a las típicas de oro, plata y bronce) quedaron desiertas por lo «relativo» del arte y la opinión de un jurado e incluso algunas competiciones se dividían en unos Juegos y agrupaban en otros (en Ámsterdam 1928 la literatura tenían tres subcategorías: líricas, dramáticas y épicas, en Los Ángeles 1932 se reagruparon y en Berlín 1936 se volvieron a dividir).

Pero lo que realmente hizo desaparecer el arte de los Juegos Olímpicos fue el amateurismo. Mejor dicho, habría que decir la defensa a ultranza del deporte amateur y la oposición al profesionalismo y a la comercialización de los Juegos Olímpicos del estadounidense Avery Brundage, nombrado presidente del COI en 1952.

Entendía que la mayoría de los participantes en las competiciones de arte eran profesionales en sus disciplinas y que se utilizaban los Juegos como un escaparate para que sus trabajos se conociesen internacionalmente y poder vender sus «productos».

Avery Brundage ganó la partida y las competiciones de arte desaparecieron de los Juegos. De hecho, en los medalleros históricos del COI dichas medallas no están contabilizadas.

El hecho de que los Juegos se convirtiesen en un espectáculo de masas, en el mayor escaparate mundial y en un negocio económico y hasta político, abrió las puertas al profesionalismo… y al dinero. Aún así, las competiciones de arte ya no se recuperaron y nunca más volvieron a ser disciplinas olímpicas… pero hubo un tiempo en que lo fueron.

– ¿Por qué la distancia de la prueba de maratón mide hoy en día 42 Km y 195 m?

El origen de esta prueba se basa en la historia de Filípides, quien en el 490 a.C murió de fatiga tras recorrer 40 km desde Maratón a Atenas para avisar de la victoria sobre los persas. La realidad es que la gesta de Filípides fue mucho mayor: antes de la batalla recorrió la distancia entre Maratón y Esparta, unos 120 Km, para solicitar ayuda y, además, regresó con la respuesta negativa.

En total 240 km. Fuera como fuese, en 1896 la maratón (40 km. aprox.) se incluyó como disciplina olímpica. Para llegar a los 42 Km y 195 m habría que esperar hasta la Olimpiada de Londres en 1908, donde se diseño un recorrido para esta prueba con salida en el castillo de Windsor -residencia de la Corona británica- y meta en el Estadio Olímpico de Londres con una longitud de algo menos de 40 kilómetros.

Sin embargo, por caprichos y comodidad de la realeza, se modificó el recorrido para que viesen la salida desde sus aposentos y la llegada se produjese justo frente al palco real del estadio.

Este ajuste resultó en una longitud exacta de 42 kilómetros y 195 metros que fue adoptada como la longitud oficial de la maratón en los Juegos Olímpicos siguientes. Finalmente, fue estandarizada por la Asociación Internacional de Federaciones de Atletismo (IAAF) para todas las competiciones en 1921.

– Juegos de los calzoncillos

El símbolo más venerado y reconocible de los Juegos Olímpicos es la llama olímpica. En la era moderna, la llama olímpica apareció por primera vez en los juegos de Ámsterdam 1928. La idea fue sugerida por Theodore Lewald, miembro del Comité Olímpico Internacional, que más tarde se convirtió en uno de los principales organizadores de los juegos de Berlín en 1936.

Desde estos Juegos se convirtió en tradición el relevo que lleva la antorcha desde Olimpia, encendida frente a las ruinas del templo de la diosa Hera, hasta la ciudad anfitriona, donde prenderá el pebetero de la llama olímpica.

Los Juegos de la XVI Olimpiada, celebrados en 1956 en Melbourne (Australia), tuvieron la particularidad de que las pruebas de equitación se tuvieron que trasladar a Estocolmo (Suecia) debido a la severidad de la normativa australiana en cuanto al ingreso al país de caballos extranjeros… y los calzoncillos olímpicos.

Un grupo de nueve estudiantes de la Universidad de Sidney, encabezados por Barry Larkin, quisieron protestar por el origen nazi de la tradición del relevo de la antorcha… echándole un poco de humor. La idea era hacerse pasar por el portador de la antorcha olímpica en el último tramo hasta que se entregase al alcalde Pat Hills.

Uno de los estudiantes, vestido con un pantalón corto y una camiseta blanca, portaría la antorcha y el resto harían de escolta. ¿Y la antorcha? Una casera: una pata de una silla, sobre ella una lata de pudin de ciruela y dentro de la lata unos calzoncillos ¿usados? empapados de queroseno.

Cuando la antorcha llegó a la ciudad, los estudiantes comenzaron su relevo a mitad de camino, pero al principio todos se dieron cuenta de que era una broma y, sobre todo, cuando debido al movimiento de la original antorcha los calzoncillos se caían de la lata. Barry Larkin se percató de que aquello se iba a quedar en una bufonada y decidió coger él mismo la antorcha.

Continuó la carrera y conforme iba avanzando, dejando atrás a los que habían visto que era una broma, la gente se apartaba a su paso —e incluso la policía le escoltó—, convirtiéndose en el relevo oficial. Hasta tal punto que llegó hasta el estrado donde estaba el alcalde y depositó la antorcha. Hills, que estaba más preocupado de su discurso, ni miró lo que portaba aquel hombre.

Comenzó su alocución… hasta que alguien se dio cuenta de que aquella no era la antorcha oficial. Barry Larkin se había escabullido entre la gente. Tras unos instantes de «¡Tierra, trágame!» y de no saber qué hacer, tuvieron la suerte de que en aquel momento llegó el portador oficial, Harry Dillon, que hizo la entrega y pudo continuar la ceremonia.

– Cuando la amistad está por encima de la competición.

Los Juegos Olímpicos de Berlín 1936 tuvieron dos grandes protagonistas: Hitler y el atleta estadounidense Jesse Owens, ganador de las pruebas de 100m, 200m, 4x100m y salto de longitud.

Pero en este artículo no voy a hablar de ninguno de ellos, los protagonistas de esta historia son dos atletas que no ocuparon los titulares de los medios pero que demostraron que la amistad está por encima de las marcas y los resultados… los saltadores de pértiga nipones Shuhei Nishida y Sueo Oe.

En la prueba de pértiga el estadounidense Earle Meadows consiguió superar 4,35 metros y los japoneses Shuhei Nishida y Sueo Oe consiguieron un mejor salto con 4,25 metros.

A las nueve de la noche y después de varias horas saltando sin poder superar los 4,25 metros ninguno de los dos, la organización decidió zanjar el tema y propuso a la delegación japonesa que fuesen ellos los que determinasen el reparto de la medalla de plata y bronce.

A efectos del medallero, Earle Meadows se llevó el oro, Nishida la plata -por haber conseguido el mejor salto en su primer intento- y Oe el bronce. Como aquella decisión no satisfizo a los pertiguistas japoneses, decidieron arreglarlo a su modo cuando regresaron a Japón.

Llevaron ambas medallas a un joyero local y le encargaron que las cortase por la mitad y luego las volviese a unir para que cada una de ellas tuviese una mitad de plata y la otra de bronce. A aquellas medallas se les llamó «las medallas de la amistad».

– Peter Norman, ¿héroe o villano?

El Black Power fue un movimiento en defensa de los derechos de la raza negra originado en EEUU en los años 60. El nombre de este movimiento se tomó del libro de Richard Wright, «Black Power«, de 1954.

Serí­a en los Juegos Olí­mpicos de México’68 donde se darí­a a conocer  mundialmente. Al principio, los deportistas americanos de raza negra pensaron boicotear los Juegos, pero decidieron participar y utilizar el evento para reivindicar sus derechos (era el mejor escaparate). El 16 de octubre se celebró la final de los 200 metros lisos.

Tras una de las mejores carreras de la historia de los Juegos, ganaba el americano Tommie Smith (19.83), segundo el australiano Peter Norman (20.06) y tercero el también americano John Carlos (20.10).

El momento esperado por el Black Power habí­a llegado, Tommie y John salieron a recoger las medallas descalzos, con calcetines negros  y alzaron su puño envuelto en un guante negro mientras comenzaba a sonar el himno estadounidense (John levantó el puño izquierdo porque se habí­a olvidado sus guantes y se puso el de la mano izquierda de Tommie, parece ser que la idea se la dio el australiano).

Peter Norman, como muestra de apoyo,  lució el emblema del Black Power en su chándal.

Las consecuencias no se hicieron esperar, el COI los expulsó de los Juegos por utilizar el deporte para reivindicaciones polí­ticas. En EEUU fueron criticados por la prensa y relegados al ostracismo.

¿Qué fue de Peter Norman? El blanco que durante un instante fue negro.

Incluso siendo poseedor, a fecha de hoy, del récord absoluto de Australia en los 200 metros lisos, le prohibieron volver a participar en unos Juegos Olí­mpicos. Poco tiempo después se retiraba del atletismo, sufrió depresiones, se divorció y tuvo problemas con el alcohol. Su medalla de plata durante estos años sirvió de tope para una puerta.

Ellos sacrificaron sus vidas por una causa pací­fica en la que creí­an. Y estar implicado en esa historia como yo estuve, aunque sea de una manera tan pequeña, te marca de por vida.

Pensó que los Juegos de su paí­s, Sidney’2000, servirí­an para reivindicar su gesto y recuperar su honor. Otro chasco, fue excluido para realizar la vuelta de honor con los atletas australianos… Pero sí­ lo hicieron los americanos, quienes lo consideraban como un hermano.

En el año 2004 su sobrino, Matt Norman, comenzó a trabajar en la pelí­cula «Salute» (Saludo) basada en los hechos ocurridos en la entrega de medallas. Consiguió reunir a los tres atletas por primera vez tras 36 años.

En 2006, cuando estaba preparando un gira para promocionar la película, Peter Norman fallecí­a de un infarto a los 64 años. Tommie Smith y John Carlos se trasladaron a Melbourne y cargaron el féretro de Norman en el funeral.

Peter no tení­a que haber tomado esa insignia, Peter no era estadounidense, Peter no era un hombre negro, Peter no tení­a que haber sentido lo que sintió, pero fue un hombre. –John Carlos-

Tras el estreno de la pelí­cula en 2008, Matt Norman puntualizó:

Si no hubiera estado en esa demostración ese dí­a, habrí­a sido apenas otra medalla de plata que Australia habrí­a conseguido y nadie habrí­a oí­do hablar de Peter Norman.

– El gimnasta que consiguió 6 medallas compitiendo con una pierna de madera.

El 4 de julio de 2012, el Comité Olímpico Sudafricano confirmó al atleta Oscar Pistorius para asistir a los Juegos Olímpicos de Londres, convirtiéndose en el primer atleta con doble amputación que ha competido en una cita olímpica -llegó a las semifinales de los 400 m-. 

Natalie du Toit participó en los Juegos Olímpicos de Pekín 2008 en la prueba de natación de 10 km en aguas abiertas, siendo el primer nadador amputado que competía en unas Olimpiadas.

Y si ya es un triunfo el hecho de poder participar en unos Juegos dadas sus limitaciones, qué decir del gimnasta estadounidense George Eyser que consiguió 6 medallas (3 de oro) en los Juegos de San Luis (EEUU) de 1904… compitiendo con una prótesis de madera en su pierna izquierda.

George Eyser nació el 21 de agosto de 1870 en Kiel (Alemania), época en la que Otto von Bismarck, el Canciller de Hierro, estaba enfrascado en la unificación alemana.

Años antes, y al calor de creciente fervor nacionalista e independentista, Friedrich Ludwig Jahn había creado el Turnverein, un movimiento deportivo, principalmente basado en la gimnasia, con el fin de mejorar las capacidades físicas de los jóvenes alemanes y de inculcar en ellos la disciplina y el esfuerzo (¿esa raza superior que tantas muertes ocasionó un siglo después?).

Tal fue el éxito de esta iniciativa, que se extendió rápidamente por toda Europa y allí donde los alemanes emigraron. A pesar de la unificación, no todo fueron parabienes y la familia de George tuvo que emigrar a los EEUU cuando apenas tenía 14 años. Después de pasar por Colorado, los Eyser decidieron establecerse en San Luis.

Además de conseguir trabajo como contable en una empresa de construcción, George tuvo la suerte de llegar a una ciudad donde los emigrantes alemanes habían fundado un club de gimnasia llamado Concordia, donde pudo seguir practicando la gimnasia igual que había hecho en su Alemania natal desde muy pequeño.

La vida le sonreía: tenía un trabajo, disfrutaba de su pasión por la gimnasia, consiguió la nacionalidad estadounidense… hasta que sufrió un accidente y un tren le amputó la pierna izquierda.

Lo que para otro habría supuesto el fin de sus aspiraciones deportivas, para George fue sólo otro obstáculo más de los muchos que había tenido que superar.

Tras colocarle una prótesis de madera, trabajó muy duro potenciando su tren superior para compensar la carencias de la extremidad perdida y se puso como objetivo poder participar en los Juegos Olímpicos que se iban a celebrar en su ciudad, San Luis. La elección de San Luis como sede olímpica también tiene su propia historia, porque inicialmente la sede elegida había sido Chicago.

Por aquellas fechas, en San Luis se estaba celebrando una Feria Internacional con motivo del centenario de la compra de Luisiana a Francia. Ante el peligro de que los Juegos pudiesen eclipsar la Feria, James E. Sullivan, uno de los organizadores, amenazó al propio Barón Pierre de Coubertin con boicotear los Juegos y crear competiciones deportivas paralelas en la Feria.

Por no querer que el movimiento deportivo se viese envuelto en aquella disputa, el Barón cedió y concedió a San Luis la celebración de los Juegos Olímpicos de 1904.

Y llegó el momento, con 33 años George iba a competir en las diferentes modalidades de gimnasia, tanto individuales como por equipos, divididas en dos jornadas. En la primera jornada, celebrada el 1 de julio, George no estuvo muy bien y sus resultados en las diferentes pruebas fueron discretos.

Todo cambió en la segunda jornada, celebrada el 29 de octubre –¡cuatro meses después!-, cuando nuestro protagonista consiguió 6 medallas: oro en las disciplinas de barras paralelas, salto de potro y subir la cuerda a pulso; plata en caballo con arcos y combinada; y bronce en barra horizontal.

Además, contribuyó a que el club Concordia finalizase en cuarto puesto en la competición por equipos (que no países). Finalizados los Juegos, George Eyser siguió compitiendo con su club, ganando un concurso internacional en Alemania en 1908 y otro nacional en Ohio en 1909… y desapareció. Desde aquel momento no existe ningún registro ni referencia de su vida… ni de su muerte.

– Las tres Olimpiadas de Barcelona.

Supongo que muchos pensaréis que el título de este artículo es erróneo o producto del llamado síndrome postvacacional pero no, el titular es correcto…. las Olimpiadas de Barcelona de 1936, 1952 y 1992. Dos de ellas deportivas (1936 y 1992) y la otra religiosa (1952). Dejaremos a un lado la celebrada en 1992 porque todo el mundo la conoce y nos centraremos en las otras dos:

• Olimpiada Popular (1936)

Los Juegos de la XI Olimpiada se se iban a celebrar en 1936 en Berlín (Alemania) y varios países se plantearon el boicot a los Juegos por las políticas racistas de los nazis, pero Hitler sabía que debía aprovechar aquel escaparate internacional para vender su nueva Alemania, así que suavizó las medidas (incluso permitió participara a algún deportista de origen judío) para evitar el boicot… pero España no cedió y boicoteó los Juegos.

Es más,  el gobierno de la Segunda República organizó su propia competición: la Olimpiada Popular. Para la organización de dicho evento se creó el Comité de la Olimpiada Popular bajo la presidencia de Josep Antoni Trabal que fijó como fechas del evento del 19 al 26 de julio. Para esta Olimpiada se utilizaría la infraestructura creada para la Exposición Internacional de 1929 y el Estadio de Montjuïc sería la sede de las competiciones deportivas.

Olimpiada Popular no se iba a quedar en una mera competición deportiva sino que también programaron otros actos culturales como un festival internacional de folclore. Además, la participación no quedaba delimitada únicamente a delegaciones nacionales sino que también podían participar territorios que no constituían un país, como Alsacia, Cataluña, Galicia, Protectorado francés de Marruecos o el español.

Se inscribieron unos 6.000 atletas, siendo las delegaciones de Estados Unidos, Francia y Países Bajos las más numerosas. Lógicamente, Alemania no envió ningún representante pero sí se permitió inscribirse a alemanes exiliados del régimen nazi, algunos de ellos judíos.

Barcelona se engalanó y sus calles se convirtieron en un hervidero de alegría, fiesta y, sobre todo, fraternidad. El 18 de julio, un día antes de la inauguración de la Olimpiada y mientras el maestro Pau Casals dirigía los ensayos de la Novena Sinfonía de Beethoven para la ceremonia de apertura, llegó un miembro de la organización…

Suspendan el ensayo. Tenemos noticias de que esta noche habrá un alzamiento militar en toda España. El concierto y la Olimpiada han sido suspendidos.

Los vítores a los campeones, la música, el sudor por el esfuerzo y las lágrimas del perdedor dejaron paso a los gritos de dolor, los bombardeos, la sangre de los heridos y las lágrimas por los muertos…. la Guerra Civil Española.

Algunos atletas nunca llegaron a Barcelona debido al cierre de la frontera francesa, la mayoría de los que ya estaban escaparon pero unos pocos, alrededor de 200 atletas, se unieron a las milicias populares para luchar por la República.

• Olimpiada de la Hostia (1952)

A Pío XII se le acusó de no hacer algo más contra la barbarie nazi sufrida por los judíos y, además, de ser tan anticomunista como los fascistas, lo que está claro es que su anticomunismo se vio acentuado cuando terminó la guerra y hubo posibilidades de que ganasen en las elecciones parlamentarias de Italia.

Pío XII declaró que cualquier italiano católico que apoyara a los candidatos comunistas en las elecciones generales italianas del 1948 sería excomulgado e instó a que se apoyase al Partido Demócrata Cristiano de Alcide de Gasperi que, a la postre, resultaría ganador. Además, al año siguiente autorizó a la Congregación para la Doctrina de la Fe a excomulgar a cualquier católico que militara o apoyara al Partido Comunista.

Su acercamiento a la otra potencia, EEUU, era evidente y para ello se sirvió de Francis J. Spellman, arzobispo de Nueva York y amigo personal del Papa. Así estaban las cosas…

En 1952, en plena Guerra Fría, se celebró el XXXV Congreso Eucarístico Internacional en Barcelona donde, según crónicas de la época, se congregaron casi un tercio del Sacro Colegio Cardenalicio, más de doscientos cincuenta obispos de todo el mundo, quince mil sacerdotes y dos millones de fieles. En este Congreso es donde el arzobispo Spellman soltó aquello de…

No hay en la hora mundial actual otra elección: o comunión, o comunismo.

En una de las multitudinarias misas que allí se celebraron se llegó a dar la comunión a 500.000 fieles… y de aquí nació llamarle la Olimpiada de la Hostia.

nuestras charlas nocturnas.

Historias de la historia(J.Sanz) — Antes de nada habría que precisar que son idiomas basados en el español o castellano, o bien idiomas híbridos, como casi todos  por otra parte, en los que la lengua de Cervantes forma parte de la mezcla. Además, seguro que alguien en España habla alguno de ellos o más de uno, pero la inmensa mayoría de los hablantes de estos cuatro idiomas se encuentran allende los mares. Hechas las precisiones, vamos a ello:

– Chamorro 

El chamorro es la lengua de la población originaria de las islas Marianas,  situadas en el Pacífico norte, al este de Filipinas y al sur de Japón.

Se habla por alrededor de unas 50.000 personas en los dos territorios en los que se divide el archipiélago de las Marianas: la isla de Guam (Islas Marianas del Sur), que es una posesión estadounidense, y la Mancomunidad de las Islas Marianas del Norte, con un estatus político similar al de Puerto Rico, siendo cooficial en ambos con el inglés.

¿Y qué pinta nuestra querida «ñ» en un archipiélago del Pacífico? Antes de nada, ya os digo que no sufráis por la soledad y el posible desamparo de la «ene con virgulilla» por esos mundos de Dios, porque no está sola. De hecho, en torno al 50% del vocabulario chamorro (que así se llamó a los nativos) es de origen español, además de numerosos elementos y construcciones gramaticales.

En 1521, Fernando de Magallanes y Juan Sebastián de Elcano llegaron a la isla de Guam (Guaján para los españoles) en el transcurso de su expedición para circunnavegar el globo, y aunque el primer contacto fue un intercambio amistosos de productos, la realidad es que un problema de interpretación en lo referente al uso de los posesivos (mío, tuyo, nuestro…) dio lugar a un enfrentamiento entre europeos y chamorros. Por este motivo, las llamaron Las Islas de los Ladrones.

En 1668, el padre Diego Luis de San Vitores rebautizó las islas como Las Marianas en honor a la regente española Mariana de Austria, viuda de Felipe IV.

Y Guam iba a funcionar como un punto estratégico relevante cuando en 1565 se estableció la ruta conocida como Galeón de Manila, Galeón de Acapulco o Nao de China, que durante 250 años, hasta 1815, cruzó el océano Pacífico una o dos veces por año entre Manila (Filipinas) y los puertos de Nueva España en América, principalmente Acapulco.

Este galeón protagonizaba la travesía Filipinas-México de una ruta comercial que se extendía desde Europa hasta América y a la región de Asia-Pacífico, convirtiéndose en la primera ruta de comercio mundial de la historia, además de la más larga de su época.

¿Y cuándo dejamos de compartir ñ con los chamorros? El Tratado de París de 1898, firmado el 10 de diciembre, ponía fin a la Guerra hispano-estadounidense –Desastre el 98– y daba la puntilla al Imperio ultramarino español. Mediante dicho tratado, España abandonó sus demandas sobre Cuba y declaraba su independencia, y Filipinas, Guam y Puerto Rico eran oficialmente cedidas a los Estados Unidos por 20 millones de dólares.

La verdad es que, en la práctica, los estadounidenses ya se habían apoderado de Guam al más puro estilo berlanguiano.

Guam, Guaján para los españoles, era a finales del siglo XIX una posesión olvidada con un reducido destacamento de hombres protegiéndola. El último mensaje que las autoridades españolas de Guam recibieron de España era del 14 de abril de 1898, un mes antes del conflicto con los EEUU, en el cual se manifestaba la posibilidad de un acercamiento diplomático que evitara un conflicto armado. Henry Glass, capitán del crucero USS Charleston, se dirigía a Manila cuando recibió órdenes de tomar Guam.

El 20 de junio llegó a la isla y ordenó disparar tres de sus cañones, cuando se disipó el humo una pequeña embarcación con bandera española se acercó al Charleston. La delegación española solicitó subir a bordo para entrevistarse con el capitán. Ante el asombro de éste, le saludaron efusivamente y se excusaron de no poder devolver el saludo, porque ¡¡¡no tenía pólvora para las salvas de cañón!!! Glass le informó que se había declarado la guerra y que venía a tomar la isla.

Debido a la inferioridad numérica de la guarnición española, la escasez de pólvora y de cañones – con el único que no se corría peligro al dispararlo era el dedicado a ceremonias-, sin fortificaciones en la isla y sin posibilidad de ayuda, el general Juan Marina rendía la isla haciendo constar lo siguiente:

Sin defensas de ninguna clase, ni elementos que oponer con probabilidad de éxito a los que usted trae, me veo en la triste decisión de rendirme, bien que protestando por el acto de fuerza que conmigo se verifica y la forma en que se ha hecho, pues no tengo noticia de mi Gobierno de haberse declarado la guerra entre nuestras dos naciones.

Siguiendo las órdenes recibidas, los estadounidenses ondearon la bandera en la isla y continuaron hasta Manila. Siendo Guam las isla más grande de las Islas Marianas, y la «más protegida», nada habría costado a Glass tomar el resto, pero en sus órdenes nada se decía al respecto.

Así que, ante el interés de Alemania, en 1899 sacamos tajada de aquel olvido estadounidense y les vendimos el resto de las Marianas por 25 millones de pesetas (17 millones de marcos), poniendo fin a 378 años de presencia española en el océano Pacífico.

– Chabacano 

La primera acepción de la RAE define chabacano como (adjetivo) «grosero o de mal gusto». Entonces, ¿qué es el idioma chabacano? Pues para eso nos vamos a la tercera acepción de la RAE que dice así: «lengua criolla de base española y con estructura gramatical de lenguas nativas, que se habla en Mindanao y otras islas filipinas».

Islas que, a pesar de que los EEUU nos echaran de allí a patadas, han conservado el nombre que se les puso en 1543 en honor al entonces futuro rey de España Felipe II. Se supone que las élites culturales españolas de las islas veían aquella lengua derivada del castellano con simplificaciones y giros locales, propia de los nativos en su esfuerzo por asimilar el vocabulario de los españoles, como una corrupción vulgar y barriobajera de la lengua cervantina, por lo que la consideraron «chabacana».

Aunque está disminuyendo el número de sus hablantes (en la actualidad alrededor de unas 400.000 personas), el chabacano es uno de los principales idiomas de Filipinas. En un país complejo y disperso de más de 7.000 islas, que cuenta con unos 120 idiomas, y sometido a múltiples presiones desde el inglés y el tagalo, el chabacano ocupa el número 12 de los 19 que el Gobierno incluye en el sistema público de enseñanza.

A diferencia de otras lenguas minoritarias filipinas, el chabacano cuenta hoy con el apoyo de un nutrido grupo de académicos empeñados en dignificarlo, prueba de ello es que hace unos años se elaboró el primer alfabeto del idioma (también incluye la ñ).

Este hijo (cultural) de España y Filipinas es un legado lingüístico que viene a confirmar la fusión racial y lingüística de más de 300 años de  cohabitación entre españoles y autóctonos.

– Ladino 

Desde los tiempos de los godos, en la península ibérica los judí­os han sido perseguidos con mayor o menor intensidad dependiendo del momento y el lugar.

Fueron acusados de ser los portadores de la peste, de crucificar niños el dí­a de Viernes Santo para rememorar la pasión de Cristo, se les prohibió practicar determinados oficios, fueron recluidos en guetos y, para rematar la faena, eran marcados con señales distintivas (no fue un invento nazi), culminando con el decreto de expulsión de los judí­os, firmado el 31 de marzo de 1492 por los Reyes Católicos en base a un texto de Tomás de Torquemada, Inquisidor General.

Según este decreto, los que no se convirtieron debí­an abandonar Sefarad (así­ es como los judí­os llamaban a España). Unos 100.000 judí­os abandonaron sus casas y su paí­s, obligados a malvender sus pertenencias y a costearse el flete de los barcos. Se exiliaron a Navarra, reino en teorí­a todaví­a independiente, a los Balcanes, el Norte de África y el Imperio Otomano.

Hay dos detalles que nos demuestran el apego que tení­an por esta tierra, que también era la suya: primero,  conservaron las llaves de sus casas y, a fecha de hoy, hay muchas familias que todavía las guardan y son las mujeres las encargadas de transmitirlas de generación en generación; y segundo, mantuvieron el sefardí­, juedoespañol, judezmo o ladino (el castellano que se hablaba en el siglo XV en la península) allá donde fueron, incluso en Auschwitz.

Salónica fue una de las ciudades del Imperio otomano que más judíos acogió, llegando a suponer más del 50% de la población en el siglo XVI. Según lo estipulado en el Tratado de Bucarest (1913), Salónica pasó a formar parte de Grecia. En 1941 los nazis tomaron Grecia y comenzaron la persecución y el exterminio de los judíos.

Está claro que Salónica era una especie de capital de lo sefardí: el grupo era rico; el Gobierno turco, tolerante; los rabinistas, inteligentes y tradicionalistas. En los presentes días, sin embargo, Salónica, como núcleo importante de la diáspora, ya no existe; los judíos de Salónica, que hablaban ladino, fueron asesinados por la Gestapo durante la ocupación de Grecia por los ejércitos alemanes. El hecho ha sido un golpe mortal a la vieja lengua que los judíos se llevaron de nuestro país a consecuencia del decreto de expulsión del siglo XV. – Josep Pla, autor del libro «Israel, 1957»-

En noviembre de 2010, con 97 años, falleció Jacques Stroumsa, el llamado violinista de Auschwitz. De origen sefardí y natural de Salónica, era la voz «viva» del ladino en el horror del campo de exterminio. Amaba a España y se reconocía como «hijo de España».

En sus lugares de exilio, los judíos sefardíes mantuvieron aquel castellano medieval, con las particularidades léxicas del hebreo por cuestiones religiosas, porque era un signo de pertenencia a la comunidad judía, y como todo idioma vital, el ladino evolucionó (de forma independiente con respecto al español peninsular y americano) al entrar en contacto con las lenguas propias de los países donde se establecieron los sefardíes expulsados, especialmente la cuenca del Mediterráneo y los Balcanes, enriqueciéndolo y, en cierta medida, modernizándolo.

En la actualidad, se calcula que quedan entre 200.000 y 300.000 descendientes de aquellos judíos españoles en Israel, de los que la mitad conocen el ladino pero no todos lo hablan correctamente. Y aunque no hay un censo sefardí, se estima que puede haber otros 200.000 más repartidos por otros países, quienes en mayor o menor medida podrían tener conocimientos del ladino.

En 1997, se creó en Israel la Autoridad Nacional del Ladino, un organismo encargado del estudio, conservación y protección de una lengua que en la actualidad es hablada sobre todo por personas de avanzada edad y que está perdiendo pujanza entre sus hijos y nietos. 

En 2019 se dio un paso al frente en la lucha por evitar su desaparición cuando el pleno de la Real Academia Española (RAE) acordó por unanimidad aprobar la constitución de la Academia Nacional del Judeoespañol (Akademia Nasionala del Ladino) en Israel como correspondiente de la RAE.

Y para los que habéis buscado en la RAE ladino, en su primera acepción lo define como (adjetivo) «astuto, sagaz, taimado», porque así es como los habitantes de la piel de toro durante el Medievo veían a los judíos. Por cierto, de judío tenemos judiada.

Akeyos polvos trujeron estos lodos
i estas nuves trujeron estas luvias
i estas luvias trujeron estos friyos
i estos friyos trujeron estos yelos
i estos yelos trujeron hazinura
i akeyos polvos son lo ke fueron ke son estos biervos ke mas no serán

– Spanglish 

Nuestra querida Real Academia Española incorporó el término spanglish (o espanglish) a su diccionario en 2014, definiéndolo como una “modalidad del habla de algunos grupos hispanos de los Estados Unidos en la que se mezclan elementos léxicos y gramaticales del español y del inglés”.

Una forma de hablar que nació en el siglo XIX en la frontera de Estados Unidos con México hoy día es un fenómeno global. La primera versión del spanglish se gestó durante la guerra entre Estados Unidos y México de 1846-1848, cuando ocurrieron los primeros encuentros lingüísticos entre hispanohablantes y anglohablantes en el conflicto.

Continuó su expansión mediante otra guerra: la hispano-estadounidense de 1898, cuando Estados Unidos llegó al Caribe. A partir de ese momento,  comenzó una gran migración y en la ida y vuelta se mezclaron ambos idiomas.

Así es como, a lo largo del siglo XX, el spanglish crece en su alcance y pasa de ser solo una forma de hablar fronteriza y se convierte también en una variedad lingüística migratoria, con la llegada de miles de migrantes latinoamericanos a suelo estadounidense.

Según Francisco Marcos Marín, lingüista y profesor emérito en la Universidad de Texas en San Antonio, «quien habla spanglish lo que quiere es hablar inglés, se ha decidido ya por una evolución hacia el inglés y trata de abandonar el español para expresarse en una nueva lengua que todavía no domina.

No intenta conservar las estructuras lingüísticas del español, sino ir sustituyéndolas por las inglesas, empezando por la más simple, el inventario léxico. Lo que caracteriza a esta lingua franca es su inequívoca condición de transición hacia el inglés». Por tanto, sería un idioma transitorio.

Nada que ver con la opinión de Ilian Stavans, titular de la primera cátedra mundial de spanglish en el Amherst College de Massachussets, que deja claro que ha venido para quedarse: «la aceptación se debe “al ejército mediático” con el que cuenta esta forma de hablar.

Obras de teatro, la música que se escucha en todo el mundo, películas, novelas, libros infantiles y todo tipo de manifestaciones artísticas. Artistas latinos —sobre todo del reguetón y del género urbano en general— han llevado el spanglish a la cima de las listas musicales, con letras que a su vez han propulsado su uso en todos los rincones del mundo.

También están las redes sociales, aplicaciones y webs que promueven su utilización y consumo y muchas corporaciones y negocios que también lo han adoptado. […] el spanglish ha logrado superar las fronteras y las rutas migratorias para convertirse en un fenómeno global exportado a otros países.

Si juntamos la población de Estados Unidos con la población de América Latina que lo usa, habrá unos 50 millones de personas que hablan esta lengua de una forma u otra».

¿Estás ready? Parquea la troca y vamos a janguear.

El chamorro, el chabacano, el ladino y el spanglish son cuatro variaciones del español o castellano y forman parte del arco iris lingüístico de la historia de España.

nuestras charlas nocturnas.

Infobae(J.Angulo) — Cuando eltelón se alzó, en medio de un silencio respetuoso de la audiencia, Rosa Merino comenzó a entonar las primeras palabras del himno.

La cantante es reconocida en nuestra historia por ser la primera mujer en interpretar la “Marcha Nacional del Perú”, gracias a una convocatoria realizada por el general San Martín. Su fama se remonta al año 1812, mucho antes de interpretar por primera vez el Himno Nacional, cuando formó parte de la compañía lírica liderada por Andrés Bolognesi.

Ella deslumbraba al público con su talento, actuando y cantando en el Teatro Principal, conocido actualmente como Teatro Manuel Ascencio Segura. Este histórico lugar se encuentra ubicado en la cuadra dos del jirón Huancavelica, en el Centro Histórico de Lima, y es considerado uno de los teatros más antiguos de Sudamérica.

Si bien Merino es reconocida como una mujer patriota por entonar las sagradas notas y unirse a la causa de la emancipación a través del arte, existen otros aspectos relevantes en su biografía que merecen atención.

– ¿Cuándo se entonó por primera vez el himno nacional?

Las sagradas notas del Perú fueron entonadas por primera vez el día 23 de septiembre de 1821 en el antiguo Teatro Principal de Lima. Los invitados de honor fueron el general Don José de San Martín y los próceres de la independencia. Cuando se empezó las música, los asistentes se pusieron de pie en señal de respeto.

El episodio histórico de Merino se encuentra documentado en la Gaceta del Gobierno, una publicación en la que se menciona el 7 de enero de 1822. En ese momento, el periódico oficial del gobierno de San Martín informó sobre las contribuciones económicas voluntarias de los habitantes de Lima para financiar la construcción de un buque de guerra.

El objetivo era incorporar a la armada peruana y, de esta manera, fortalecer la lucha independentista mediante un mayor control del Pacífico.

Merino no fue la única mujer que aparece en el listado de la nómina de aportes residentes en el Barrio Tercero de Lima, son otras representantes que dieron voluntariamente 60 pesos: Narcisa Barra, Petronila Figueroa, Josefa Godoy, Catalina Ramírez, Nicolasa Ochoa y Francisca Solano.

– ¿Con quién se casó Rosa Merino?

Se cree que Rosa Merino contrajo matrimonio antes de su fama, a la edad de 16 o 17 años. En el libro Presidentes y Gobernantes del Perú Republicano de Diego Lévano, cuenta que la cantante se casó con el médico cirujano español Francisco Agustín Arenas, con quien tuvo un hijo a quien llamó Manuel Antonio Arenas Merino, quien alcanzó los altos argos en la política peruana: estuvo en el Poder Judicial, Legislativo y Ejecutivo.

– ¿Cuándo falleció Rosa Merino?¿ Dónde está su cuerpo?

Rosa Merino falleció en 1868 y sus restos descansan en el cementerio Presbítero Maestro. En un nicho ubicado en el cuartel Santa Ana, confundidos y olvidados entre una multitud de urnas, lo que no me parece justo. A pesar de ser una de las mujeres más destacadas de la historia, sus restos no descansan en el Panteón de los Próceres, donde yacen José Bernardo Alcedo y José de la Torre Ugarte, a quienes unió en vida el Himno Nacional.

Los historiadores no tienen una fecha exacta sobre su nacimiento, pero se cree que fue alrededor de 1790, por lo que en el año que entonó el Himno Nacional ya tenía aproximadamente 31 años.

nuestras charlas nocturnas.

JotDown(E.de Gorgot) — La música, como bien sabemos, se presta particularmente a la aparición de «niños prodigio». Al contrario que otras disciplinas y artes, la música es completamente abstracta y puede ser aprendida rápidamente por un flexible cerebro infantil.

Eso no significa que los niños sean tan buenos músicos como los profesionales adultos; nunca lo son, y no se conoce un niño que haya compuesto una obra maestra, por ejemplo. Incluso los más brillantes niños prodigio ven cómo su trabajo palidece cuando se lo compara con lo que hacen los mayores.

Eso sí, a veces alcanzan cotas de efectividad tremendas que asombran a quienes ni siquiera en la edad adulta poseen ese mismo talento para la interpretación de la música.

Vamos a repasar imágenes o grabaciones de algunos artistas populares que comenzaron como niños prodigio; es una lista incompleta, pero al contrario de lo que podría pensarse la cantidad de pequeños músicos con talento es considerable, así que sirvan estos como ejemplos paradigmáticos.

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– Michael Jackson

El ejemplo paradigmático, porque seguramente es el artista precoz con cuyos inicios la gente está más familiarizada.

Todos conocemos la historia: los cinco hermanos que formaban The Jackson 5 fueron respaldados por un gran equipo de compositores —The Corporation, formado a propósito por la discográfica Motown para intentar que llegasen a lo más alto— y se transformaron en un fenómeno comercial: sus cuatro primeros singles fueron número uno en los Estados Unidos.

Los cinco chavales tenían talento artístico, pero uno destacaba de entre todos ellos: Michael, que era con mucho el más dotado. Ya en los comienzos la gente tenía claro que el pequeño Michael era la verdadera fuerza expresiva de los Jackson.

Él mismo se encargó de confirmarlo durante su carrera en solitario, particularmente gracias a aquel extraordinario Thriller que lo encumbró en el negocio.

Con todos los aspectos oscuros, reales o inventados, que hubo en su vida, resulta innegable que Michael Jackson llevaba el espectáculo en la sangre de nacimiento, algo que resulta fácil comprobar escuchando sus viejas canciones o contemplan sus viejas actuaciones. Véanlo aquí, con once años, cuando ya parecía hecho de otra pasta:

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– Frankie Lymon

Mucha gente asocia a Michael Jackson con el estereotipo de niño prodigio que se convierte en juguete roto y termina teniendo una biografía difícil, pero la historia no es nueva.

Frankie Lymon obtuvo su primer gran éxito en 1956, a los trece años de edad, gracias a la canción «Why do fools fall in love», que interpretaba junto al grupo vocal The Teenagers.

Natural del barrio de Harlem, Lymon se convirtió en una estrella gracias a la claridad y expresividad de su voz.

Pero el temprano éxito tuvo serias consecuencias.

Dos años más tarde ya era adicto a la heroína y su vida se había transformado en un caos.

Para colmo, su carrera se empezó a ir a pique cuando le cambió la voz y perdió el característico timbre adolescente que tanto había gustado al público. Eso no hizo más que empeorar su estilo de vida kamikaze.

No tuvo la oportunidad de volver a gozar el éxito; su carrera nunca remontó y a los veinticinco años de edad —apenas una década después de su ascenso al Olimpo— su abuela lo encontró muerto en el cuarto de baño: había fallecido de una sobredosis de heroína.

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– Stevie Wonder

La carrera musical adulta de Stevie es de sobra conocida por todos, al menos en sus rasgos más superficiales.

Curiosamente, lo que no tanta gente recuerda es que fue un niño prodigio que debutó como profesional a los once años de edad.

El pequeño Stevie comenzó a cantar en la iglesia; más tarde aprendió a tocar la armónica —su primer instrumento— y luego se aficionó al piano y la batería, revelándose como un precoz multi-instrumentista antes de haber cumplido los diez.

Fue descubierto por un miembro de The Miracles, que tras escucharlo cantar y sabiendo que había encontrado un gran talento, decidió llevar al niño a Motown.

En la legendaria discográfica supieron de inmediato que tenían un diamante entre manos y decidieron preparar cuidadosamente su lanzamiento, incluyendo tutorías personales para compensar la pérdida de horas escolares.

Cuando Steven tenía once años se dio a conocer con un par de álbumes, incluyendo un tributo a Ray Charles donde demostró que podía hacerse cargo de semejante repertorio sin demasiados problemas. Al año siguiente dio su primer gran pelotazo comercial con el disco Recorded live: The 12 year old genius, que se convirtió en número 1 en los Estados Unidos.

No volvería a obtener un éxito similar hasta publicar el famoso álbum Talking Book, diez años más tarde y ya pasada la adolescencia.

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– Billy Preston

Dolorosamente infravalorado —al menos en España— mucha gente lo conoce únicamente por haber sido el «quinto Beatle», el hombre que tocó los teclados en varias canciones legendarias del quinteto de Liverpool y que casi se convirtió en un miembro oficial de la banda, o por lo menos esa era la intención de John Lennon.

Pero además de poseer una impresionante discografía en solitario en la que hay unos cuantos temas con vocación de clásico (veánse, por ejemplo: «Nothing from nothing», «I wrote a simple song», «You are so beautiful», «Will it go in circles», «Outa-Space»… en fin, la lista es larga), para cuando los Beatles se hicieron con sus servicios Preston tenía solamente veintitrés años pero una apabullante carrera como músico a sus espaldas, prestando sus servicios a gente como Little Richard, Sam Cooke, Ray Charles… a una edad en la que muchos otros músicos siguen estudiando todavía sus instrumentos.

Su precocidad fue tremenda: a los diez años ejerció como organista para figuras del góspelcomo Mahalia Jackson, para que nos hagamos una idea.

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– Brenda Lee

Otro nombre no particularmente famoso en España pero que fue una de las artistas más exitosas durante los años cincuenta y sesenta, colando decenas de canciones en las listas estadounidenses y vendiendo cantidades ingentes de discos.

Aunque no obtuvo su primer gran éxito hasta los quince años de edad, la pequeña Brenda llevaba grabando, actuando y apareciendo en televisión desde los doce, caracterizándose por interpretar sus canciones con una apabullante contundencia y seguridad, incluyendo temas de rhythm & blues y otros estilos.

Naturalmente, la voz es lo que más se presta a que haya niños que alcancen el estrellato a una edad muy, muy temprana: cantar resulta bastante más fácil que dominar un instrumento a nivel profesional, lo cual —incluso en casos precoces— no empieza a suceder hasta la adolescencia.

Podríamos citar muchísimos ejemplos de cantantes infantiles, pero lo cierto es que pocos han cantado con tanta efectividad a tan corta edad como lo hizo Brenda:

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– Gladys Knight

Una de las grandes damas del soul, que triunfó en los años sesenta y setenta con canciones como «I heard it through the grapevine» o «Midnight train to Georgia», y que junto a The Pips llegó a eclipsar sobre los escenarios a artistas de mayor fama.

Pues bien, Gladys se dio a conocer a la tierna edad de siete años, cuando dejó atónitos a los oyentes de un concurso radiofónico destinado a descubrir talentos por la profundidad y dominio de su forma de cantar.

Es cierto que después de aquello tardó un tiempo en alcanzar la gran fama; como en otros casos citados aquí, no fue hasta que Motown se hizo cargo de su carrera.

Pero para entonces ya se había curtido actuando en multitud de escenarios, así que la Gladys Knight que todos conocemos saltó a la fama siendo joven pero con una considerable experiencia acumulada. Aquí, el programa radiofónico al que hacíamos referencia:

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– Sly Stone

 

El padre de la fusión soul-rock de los sesenta —el hombre de quien Bootsy Collins dijo «es el músico con más talento que he visto jamás»— grabó su primer disco a los nueve años, acompañado por algunos de sus hermanos, también músicos precoces.

Juntos formaban un grupo de góspel que actuaba con bastante éxito en oficios religiosos de la región. Los feligreses estaban encantados de contemplar a una banda formada por niños.

Sly, que pronto empezó a destacar por sus aptitudes para la comprensión musical, empezó a estudiar piano y composición pero terminó abandonando sus estudios a medias, siendo aún un adolescente, decidido a convertirse en una estrella.

Tras pasar media década de los sesenta publicando singles y ejerciendo como uno de los productores más jóvenes del negocio, formó la banda Sly & The Family Stone (en la que militaban dos de sus hermanos), revolucionando la música negra y vendiendo unos cuantos millones de discos. Desgraciadamente, la adicción a la cocaína terminó arruinando su carrera y su vida.

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– Steve Winwood

Conocido por su participación en bandas como Traffic o Blind Faith y por su colaboración con gente como Jimi Hendrix (quien al parecer intentó sin éxito ficharlo para su banda), Winwood se dio a conocer en la escena musical cuando aún estaba en el colegio y ejerció como teclista de sesión para un sinnúmero de artistas estadounidenses que visitaban el Reino Unido.

A la edad de catorce, Winwood se unió a Spencer Davis Group como teclista, cantante y ocasional guitarrista, convirtiéndose pese a su juventud en la voz reconocible de la banda.

Un par de años después obtendría junto a ellos su primer gran éxito, «Keep on running».

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– Derek Trucks

De casta le venía al galgo.

Proviene de una de las sagas más importantes de la música rock: sobrino de uno de los fundadores de The Allman Brothers Band, el batería Butch Trucks, Derek Trucks comenzó a tocar la guitarra slide a muy corta edad, inspirado por el estilo del guitarrista original de los Allman, Duane Allman.

No puede decirse que el camino no estuviese marcado: sus padres le llamaron Derek en honor a Derek and the Dominos, el grupo en el que Duane Allman grabó junto a Eric Clapton canciones tan famosas como «Layla».

Para sorpresa de todos, el pequeño Derek se destapó como un prodigio hasta el punto de que los Allman Brothers Band comenzaron a invitarlo ocasionalmente al escenario a la temprana edad de once años.

Con el tiempo Derek ha llegado a formar parte de la banda de su tío, ocupando el puesto de su ídolo Duane, que había muerto varios años antes de nacer él. Además, como buen sureño y siguiendo con la tónica familiar, ha montado otra banda junto a su mujer, la guitarrista de blues Susan Tedeschi. Todo queda en casa.

En este vídeo podemos ver a Derek con trece añitos, tocando el slide en «Layla» como hiciera muchos años antes Duane Allman (cuya imagen lleva estampada en la camiseta, si nos fijamos).

Era solamente un anticipo de lo que Derek Trucks llegaría a hacer con el tiempo: ya como adulto es uno de los mayores virtuosos del slide que hay en el mundo y verdaderamente uno de los pocos individuos —si no el único— que se puede calzar las botas del legendario Duane, tanto en Allman Brothers Band como tocando junto a Eric Clapton las canciones de la banda que le valió su nombre, Derek and the Dominos. Lo dicho: todo queda en casa.

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– Joe Bonamassa

Ya mencionamos su caso en el artículo sobre Danny Gatton: el pequeño Bonamassa comenzó a asombrar al público con solamente doce años y una solidez insólita para su edad en un instrumento que penaliza mucho la inmadurez.

Las valiosas lecciones de Gatton le ayudaron a progresar rápidamente y hoy es un guitarrista virtuoso consagrado en el negocio.

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– Jonny Lang

A finales de los noventa irrumpió en la escena blues-rock un adolescente de dieciséis años que sorprendió a todos por su fogosidad como guitarrista y sobre todo por una voz rasgada que parecía pertenecer a alguien de mucha más edad.

Mucha gente lo descubrió en un insólito concierto emitido por Disney Channel, y previeron que se trataba de una superestrella en ciernes, porque además de talento poseía imagen y eso podía convertirlo fácilmente en objeto de consumo masivo e ídolo de adolescentes. 

Mick Jagger lo invitaba a tocar en su fiesta de cumpleaños, recibía elogios de aquí y allá, todo parecía ir viento en popa.

Aunque finalmente no fue él sino John Mayer quien terminó ocupando el lugar de guitarrista guaperas para las masas. Mayer conquistó ese nicho de mercado girando hacia el pop más comercial, mientras que Lang se quedó pegado a sus raíces y su efímera fama adolescente se resintió por ello.

No obstante, aún resulta sorprendente escuchar el primer disco de su carrera, grabado cuando el chaval tenía trece añitos y ya tocaba mejor que muchos adultos.

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– Ricky Skaggs

Probablemente no muy conocido en España, Skaggs es un músico de country que ha tenido una larga y fructífera carrera —catorce premios Grammy le contemplan— como cantante y guitarrista, pero que destaca particularmente por su virtuosismo con la mandolina, con la que se reveló como niño prodigio a principios de los sesenta: a los dieciséis años ya era lo bastante bueno como para que el legendario Ralph Stanley aceptara llevarlo como telonero.

Ricky empezó a tocar bluegrass con la mandolina a los cinco años de edad, y, solamente dos años después, ¡ya estaba actuando en televisión junto a algunos grandes nombres del género!

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– Alicia Witt

Un caso curioso porque la mayor parte del público la asocia con su trabajo como actriz.

Los varones, particularmente, recordarán quizá su despliegue de morbosa belleza en series como The Sopranos o películas, no en vano es una de las mujeres más guapas del negocio audiovisual.

No obstante, la de actriz no parecía ser su carrera predestinada.

De niña fue una superdotada de grado alto —su impresionante precocidad intelectual era prácticamente de manual— y considerada una niña prodigio en música, comenzó a estudiar piano con visos a convertirse en profesional.

Finalmente, siendo aún muy jovencita, abandonó las teclas y decidió explotar su belleza posando como modelo para poder más tarde convertirse en actriz.

Eso sí, paralelamente a las cámaras, actúa como pianista y cantante. Su faceta musical es poco conocida y en mi opinión el estilo melódico-pop que practica no es muy interesante.

Eso sí, cuando en una película ha interpretado a un personaje que toca el piano… no ha necesitado una doble que mueva las manos en su lugar.

Es más: resulta fácil imaginar el asombro del equipo de filmación cuando Alicia se sentaba ante las teclas y hacía cosas como esta mientras decía frases de su guion:

nuestras charlas nocturnas.

The Objective(L.Reyes) — Icaro quiso volar hasta el Sol y lo consiguió, pero el calor derritió la cera que sujetaba las plumas de sus alas, cayó al mar y las aguas se lo tragaron. Los dioses son implacables con aquellos héroes que quieren apoderarse de los atributos divinos, como es volar.

La semana pasada relatamos el triunfo de Amelia Earhert, la primera mujer que atravesó volando el Atlántico, ahora vamos a llorar su tragedia. Hay héroes que se emborrachan con su gloria, se vuelven adictos a esa droga del espíritu, siempre quieren más. Amelia era de esta raza.

No le bastó su histórica travesía del Atlántico de 1928 en compañía de otros dos aviadores, tuvo que repetirla en 1932 en solitario, como Lindbergh, convirtiéndose así en el primer ser humano, hombre o mujer, que había sobrevolado dos veces el Océano Atlántico.

Pero tampoco esto colmó su necesidad de aventura y peligro, así que decidió ser la primera mujer que diese la vuelta alrededor de la Tierra volando. El 1 de junio de 1937 comenzó su periplo partiendo de Miami acompañada por el navegante Fred Noonan. Bordeó Sudamérica, cruzó el Atlántico y sobrevoló el Sahara de lado a lado.

Pasó sobre el Mar Rojo y el sur de Arabia, la India y el Sudeste Asiático hasta la isla de Java, donde Amelia enfermó de disentería. Pese a ello el 27 de junio reemprendió el viaje hasta Australia y Nueva Guinea.

Había recorrido más de 35.000 kilómetros en un mes cuando el 29 de junio despegó de Nueva Guinea para lo que sería su último viaje. Su destino era la isla de Howland, un minúsculo atolón junto al Ecuador dependiente de Estados Unidos, donde debía repostar.

Un buque norteamericano junto a Howland recibió sus últimos mensajes diciendo que debían estar sobre ellos pero que no los veían, y que se estaba quedando sin gasolina. Y a partir de las 20:14, silencio radio. Nunca se encontró a Amelia Earhart ni su avión.

Pero la venganza de los dioses no solamente cayó sobre ella, muchos de los pioneros de la aviación que citamos la semana pasada también la padecieron. El capitán de la RAF John W. Alcock, el piloto que, acompañando del navegante Arthur Brown, llevó los mandos del primer avión que atravesó el Atlántico en 1919, pagó con la vida por su gloria antes de que transcurriesen seis meses de su hazaña. 

Alcock volaba desde los 17 años, solamente seis años después del primer vuelo de la Historia, el de los hermanos Wright; había combatido en la Primera Guerra Mundial, sobreviviendo al derribo de su aparato y al cautiverio en manos de los turcos; había sido el primero en enfrentarse a un vuelo sin escalas de más de 3.600 kilómetros sobre el océano, sin embargo en un viaje banal, cuando llevaba un avión de Inglaterra a París para una feria aeronáutica, la niebla sobre Normandía le hizo tocar un árbol con el ala y se estrelló.

Sobrevivió al accidente, pero no recibió atención médica hasta que fue demasiado tarde y murió con 27 años.

Si Alcock pagó por ser el primero en atravesar el Atlántico por su parte estrecha, por el Norte, también lo haría el portugués Artur de Sacadura Cabral por ser el primero en atravesar el Atlántico Sur en un viaje de más del doble de distancia. Sacadura Cabral pilotó un hidroavión desde Lisboa a Río de Janeiro -con numerosas escalas- acompañado por el viejo general Gago Coutinho como navegante.

No tenían más instrumento de vuelo que un sextante inventado por el general, sufrieron varios accidentes, destrozaron dos aviones, estuvieron perdidos en el mar como náufragos, pero con un tercer hidroavión culminaron su hazaña en junio de 1922. Dos años después, cuando volaba sobre el Mar del Norte, el avión de Sacadura Cabral desapareció. Su cuerpo nunca sería encontrado.

– Los del Plus Ultra

La respuesta española a la hazaña portuguesa sería el vuelo del Plus Ultra. Atravesaría igualmente ese Atlántico Sur que había sido Mare Nostrum de españoles y lusitanos en nuestros siglos de gloria, pero en un vuelo 2.000 kilómetros más largo, hasta Buenos Aires.

A diferencia del accidentado viaje portugués, es español fue un éxito técnico, y sus cuatro tripulantes, el comandante Ramón Franco -hermano del general Francisco Franco- el capitán  Ruiz de Alda, el teniente de navío Juan Manuel Durán y el sargento mecánico Pablo Rada, provocaron la locura en Buenos Aires, hasta el punto de que Carlos Gardel le cantaba en un tango: «Franco y Durán, Ruiz de Alda, los geniales,Los tres con Rada; son inmortales».

Pero no lo eran. Tres meses después de haber alcanzado la gloria el más joven de ellos, el marino Durán, que tenía 26 años, participó en Barcelona en unas maniobras conjuntas aeronavales. Finalizadas con éxito, realizaron un desfile aéreo, y el avión que pilotaba Durán chocó con otro y cayó al mar.

Otro marino saltó al agua desde un dirigible para salvar a Durán, y logró sacar su cuerpo de los restos del aparato, pero ya estaba muerto cuando lo subieron a bordo de un destructor que acudió al rescate.

Una década después de la tragedia de Durán le tocaría pagar su deuda a los dioses al jefe del Plus Ultra, Ramón Franco.

Había tenido una vida agitada en ese periodo: intentado atravesar el Atlántico Norte se había perdido en el mar tras un amerizaje forzoso, siendo rescatado por un buque inglés; se había convertido en un revolucionario republicano, lo que le llevó varias veces a la cárcel; había sobrevolado el Palacio Real de Madrid con la intención de bombardear al rey Alfonso XIII -que lo había nombrado «gentilhombre de cámara» tras el Plus Ultra- aunque abortó el golpe de estado porque había niños jugando en las inmediaciones; en 1931 fue elegido diputado por Barcelona como independiente en la lista de Esquerra Republicana, pero resulto un desastre como político y, para quitarlo de en medio, Lerroux lo envió a un exilio dorado como agregado aéreo en la embajada de España en Washington.

En esa cómoda posición se hallaba cuando estalló la Guerra Civil y, sorprendiendo una vez más al público, cambió de bando por las razones que explicaré más adelante. Su hermano le nombró jefe de la aviación nacional en Baleares, y aunque por su cargo no debía participar en misiones de guerra, su espíritu aventurero le empujaba a hacerlo.

El 28 de octubre de 1938 despegó con un hidroavión cargado con una tonelada de bombas, dispuesto a arrojarlas sobre su antigua circunscripción electoral, Barcelona, o sobre Valencia, según otras versiones. Nunca llegaría a su destino, encontró mal tiempo y su avión sobrecargado cayó en barrena en el mar, de donde se rescató su cadáver.

Ya hubiera querido morir a los mandos de un avión el tercer aviador del Plus Ultra, Julio Ruiz de Alda, pero el castigo divino fue especialmente cruel con él. En la España convulsa de los años 30, Ruiz de Alda había elegido una opción política opuesta a la de Ramón Franco, el fascismo.

De hecho fue uno de los fundadores de Falange Española junto a José Antonio Primo de Rivera. Cuando estalló la Guerra Civil se encontraba encarcelado por el gobierno del Frente Popular, y el 22 de agosto de 1936 fue uno de los 30 asesinados por milicianos anarquistas en la «Matanza de la Cárcel Modelo». Ese hecho horrorizó a su viejo camarada de aventuras, Ramón Franco, y le hizo cambiar del bando republicano al nacional.

Otro gran aviador, el más famoso del mundo, quizá hubiera querido como Ruiz de Alda morir volando, y no sufrir la maldición que cayó sobre él. Me refiero al norteamericano Lindbergh, el primero que cruzó en solitario el Atlántico. La fama que ganó en su gesta le trajo la fortuna económica, pero también la desgracia personal.

El 1 de marzo de 1932, cinco años después del histórico vuelo de Lindbergh, su hijo de 20 meses fue secuestrado de su habitación. El o los raptores dejaron una tosca nota exigiendo 50.000 dólares por su rescate, y aunque el dinero se pagó, el niño no fue devuelto. Su cadáver apareció dos meses después no lejos de su casa.

Tras la brutal desgracia familiar, vendría la pérdida de la buena fama del «gran héroe americano», pues lo cierto es que fuera de lo que hizo a los mandos de un avión, Lindbergh fue un personaje deleznable, un antisemita, amigo de los nazis, admirador de Hitler, partidario de la selección racial… Cuando tras Pearl Harbor Lindbergh solicitó incorporarse a la Fuerza Aérea de Estados Unidos, el presidente Roosevelt lo rechazó. Más le valdría estrellado con su avión después de su famosa travesía, cuando aparecía como un héroe inmaculado y era feliz.

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