Versalles, el gran palacio del rey Sol…

Una Historia Curiosa  —  El nombre de Versalles aparece por primera vez en un documento medieval que data del 1038 d. C. Versalles se convirtió en  la capital no oficial del reino de Francia a partir de mayo de 1682, cuando el rey Luis XIV trasladó la corte y el gobierno permanentemente a Versalles, hasta septiembre de 1715, con la muerte de Luis XIV y regencia, de Felipe de Orléans quien decidió a París, y luego otra vez a partir de junio de 1722,  Luis XV volvió a Versalles permanentemente, hasta octubre de 1789, cuando la gente de París forzó a Luis XVI volver a la capital.

Durante este periodo París siguió como la capital oficial de Francia, y el palacio real oficial fue el Palacio del Louvre, pero los asuntos prácticos del gobierno fueron conducidos desde Versalles y Versalles fue considerada como la verdadera capital.

Será  para el rey Luis XIII un palacete de caza y después se convertirá en el palacio del rey sol, Luis XIV gracias a las remodelaciones desde los años 1661- 1708. Permanecerá activo hasta el derrocamiento de la monarquía en el año 1789 con la Revolución Francesa.

Durante el año 1661 hasta el 1668 será el palacete de caza de Luis XIII al que se le añadió con posterioridad las dos alas laterales que, al cerrarse, conformación la plaza de armas o patio de mármol. Son fachadas de ladrillo y unifica la cubierta usando también la pizarra y las mansardas.

La no terminación de las obras del Louvre se debió a que Luis XIV decidió trasladar su residencia a Versalles. Para apoyar tal decisión se pueden señalar varias razones que estarían en la mente del monarca.

En primer lugar, desearía vivir fuera de París, temeroso de la posibilidad de una multitud embravecida por los motines como la recordaba desde su infancia en los días de las Frondas; junto a ello, el palacio del Louvre era incómodo y pequeño para una corte tan numerosa como la que deseaba tener con   él.

Además, pretendía que esa nobleza estuviera aislada del pueblo trabajador de París para no exasperarlo ante la holganza y constante vida de diversión a la que el propio rey la entregaba a fin de tenerla entretenida y sometida, evitando así la posibilidad de que también ella se levantara como ocurrió durante la Fronda de los Príncipes; es lo que Mourois expresó de forma elocuente diciendo que «Luis XIV cambió a la nobleza las armas por la etiqueta».

Por ello Versalles se presentaba como el lugar ideal, pues, situado a 21 km al suroeste de París, quedaba lo suficientemente cerca como para hacer pensar que el rey residía en la capital y al mismo tiempo, estaba alejado ante posibles desmanes.

Además Versalles se convertiría en un instrumento del poder real, una autentica jaula de oro en la cual aglutinar a toda la nobleza francesa y así poder constituirse como el mayor ejemplo de monarca absoluto de la edad moderna, ya que el rey mantenía allí viviendo a toda la alta nobleza francesa y asi este pudo imponer sus derechos en los dominios de los nobles «hospedados» en su palacio.

Pero aquel palacio no tuvo su origen en la persona de Luis XIV, sino que fue su padre Luis XIII quien le había dado nacimiento al encargar a Philibert le Roy la construcción de un palacete para que le sirviera de refugio de caza en una zona cinegéticamente muy rica donde podía desarrollar ésta que era su gran afición.

Retrato de Luís XIII (1601-1643), con Francia y Navarra, taller de Simon Vouet (1590-1649).

Pero aquel edificio en nada presagiaba lo que llegaría a ser, pues era una sencilla edificación dispuesta sobre una planta en U, con los pabellones de las esquinas resaltados, y con el lado oriental cerrado por una sencilla arquería, rodeaba el conjunto un foso y había un incipiente jardín.

Esta construcción resultaba incómoda; pues la distribución interior era en enfilade, en la que se disponía una sucesión de habitaciones a lo largo de las alas, lo que propiciaba las fuertes corrientes de aire que hacía que los acompañantes del rey acudieran al lugar a regañadientes y por obligación.

Sin embargo, a pesar de los inconvenientes, Luis XIV se encariñó con el lugar, decidiendo transformarlo a lo largo de tres etapas ligadas a hechos históricos y a personajes femeninos trascendentales en su vida.

El primero de estos períodos se situaría entre los años 1661 y 1668 y estuvo determinado por ese encariñamiento del rey.

Esta atracción estuvo relacionada por los amores con la primera amante oficial, Louise de la Vallière, con la que acudía al palacete de Versalles convertido entonces en refugio de sus amores.

Había ocurrido que Luis XIV y su cuñada Enriqueta de Inglaterra se habían sentido atraídos mutuamente; para evitar el escándalo y el problema diplomático que podía surgir con la Corona inglesa, ambos enamorados trataron de disimular, aparentando que a quien pretendía el rey era a Louise de la Vallière, dama de compañía de Enriqueta de Inglaterra.

Pero lo que fue una ficción acabó convirtiéndose en realidad, y Luis XIV se enamoró de ella, sintiendo desde entonces una predilección especial por aquel lugar al que ambos se dirigían en sus paseos a caballo.

Decidió, pues, convertir el palacete en un lugar de recreo para lo que encargó a Louis Le Vau una serie de reformas de pequeña entidad que acondicionaran el edificio para hacerlo más cómodo.

Se debía conservar toda la obra anterior, haciéndose añadidos decorativos en el patio, y solamente como obra constructiva nueva se edificaron dos alas prolongando las del patio, destinadas una a cocinas y otra a cuadras.

Pero éstas se hicieron independientes de la construcción anterior, ya que quedaron separadas por el foso que no se rellenó, cerrándose el nuevo ante – patio con una verja azul y dos pequeños cuerpos de guardia.

Pero, al hacer este añadido, quedó un alto escalón entre el nuevo patio y el terreno situado ante él. La solución para el acceso al palacio se logró mediante una plataforma circular e inclinada en la que se dispusieron tres caminos de entrada, uno directamente por el diámetro, para coches y peatones, y otros dos bordeando el círculo, exclusivamente para peatones.

A los lados de esta plataforma se levantaron seis pequeños pabellones de planta cuadrada construidos con piedra y ladrillo destinados a servir de alojamiento a invitados y artistas.

Tras esta etapa, Luis XIV decidió convertir el palacio en residencia de la Corte, con lo que se entra en la segunda etapa de la construcción de Versalles que se extiende entre los años 1668 y 1678.

La ocasión para tal determinación se le presentó con la celebración de las fiestas por la firma del Tratado de Aquisgrán (1668) que sellaba la paz tras la Guerra de la Devolución (1667-1668), y por el que Francia se anexionaba importantes plazas del Flandes español.

Fue también durante el transcurso de estas fiestas el momento en que se hizo oficial el cambio de favorita por parte de Luis XIV.

Louise de la Vallière, ya no entretenía al rey, y para intentarlo nuevamente recurrió a una amiga, Françoise Athénais Rochechouart, esposa del marqués de Montespán, mujer prepotente, sumamente ambiciosa y que, aprovechando la ocasión, pasó al primer plano en los favores del rey a quien dominó durante los años de este segundo período, haciéndose por otra parte odiosa a los ojos de toda la Corte, debido a su carácter.

Consciente el rey, especialmente a causa de la fiesta, de la incapacidad del palacio para alojar a los miembros de la Corte y de servir de residencia permanente para su persona, tomó la determinación de ampliarlo pese a la oposición de Colbert, su ministro de finanzas, que opinaba que el rey debía vivir en la capital del reino.

Se optó entonces entre dos soluciones; por un lado, estaba la que pretendía Colbert, tendente a conservar lo existente y envolver estas partes con la obra nueva, lo que sería menos costoso y tal vez menos bello, por lo que el rey podría revocar su decisión de vivir en Versalles; por otro lado, Luis XIV era partidario de derribar lo antiguo y hacer un nuevo palacio, aunque su opinión fue cambiante.

Palacio y Jardines de Versalles.

Finalmente, se escogió la solución de la envoltura encomendándose los trabajos a Louis Le Vau.

Pero cuando ya se llevaba hecha parte de la obra, Luis XIV cambia de idea y estima que se ha de hacer una nueva construcción; se da paso a ésta y de nuevo vuelve a detenerse porque el rey decide ahora volver a la envoltura.

Reanudada entonces la envoltura, se llevaron los trabajos tan rápidamente que se finalizaron en seis meses, lo que tal vez evitó un nuevo cambio de opinión. Así, el antiguo palacio quedó como núcleo del nuevo edificio, conservándose casi como una reliquia.

Por otra parte, aunque no llegaran a realizarse, hoy día resultan muy interesantes las soluciones que a las distintas intenciones proponía Le Vau y que estaban en la línea de sus actuaciones en otros palacios.

Pero, en 1670, al poco de comenzada la obra definitiva, falleció Le Vau, por lo que se hizo cargo de los trabajos su primer ayudante François d’Orbay, quien, como ha estudiado Albert Laprade, aunque siguió los planos de su predecesor, introdujo novedades, especialmente en la parte ornamental, que terminaron por enriquecer la obra y en definitiva dieron unidad al conjunto.

La fachada al Parque quedó resuelta con una gran originalidad. Distribuida en veinticinco crujías, presentaba un aspecto italianizante que ya en el cuerpo bajo venía determinado por el empleo de sillares en almohadillado.

Sumamente curioso resultó el primer piso, pues las once crujías centrales quedaron retranqueadas formando una terraza destinada a contemplar los jardines y observar las puestas de sol, aunque en realidad era el sustituto de los salones ovalados de los anteriores palacios de Le Vau con lo cual se daba un paso trascendental en la evolución de la fusión del edificio en los jardines, pues aquí el salón se ha disuelto en la naturaleza quedando al aire libre.

Por encima, y conservando el retranqueo de la terraza, se dispuso un ático con balaustrada rematada con trofeos y jarrones que ocultaban unos tejados bajos, lo que acrecentaba la semejanza con modelos italianos.

En aquel Versalles se celebró en 1679 la firma de otra paz, la de Nimega, que ponía fin a la Guerra de Holanda (1678-1679), con la que Francia obtenía el Franco Condado y algunas plazas en los Países Bajos.

Y nuevamente es la celebración de un tratado de paz el que señala un cambio para el palacio de Versalles, pues es en este momento cuando Luis XIV decide que pase a ser la sede del Gobierno, con lo que allí se concentraría toda la vida política y representativa de la nación, firmándose finalmente el decreto del traslado de la Corte y el Gobierno el día 6 de mayo de 1682.

Además, por estas fechas se producía un nuevo cambio en la vida sentimental del rey, pues la marquesa de Montespán fue cayendo paulatinamente en desgracia, ya que, a la par que se apagaron sus encantos físicos, arreciaron las amonestaciones de Bossuet al rey por su vida licenciosa.

Pero la caída terminó por consolidarse cuando, para evitar lo que ya parecía irremediable, la Montespán entró en contacto con cierta mujer llamada Voisin que le proporcionó filtros amorosos para administrar al rey y volverlo favorable; sin embargo, al poco, ésta fue acusada de envenenadora y la marquesa se vio salpicada por el asunto, con lo que definitivamente se apagó su estrella después de haber dominado la voluntad de toda Francia y de haber dado ocho hijos al rey.

El Palacio de Versalles representará el momento culminante de la arquitectura palaciega en Europa, tanto por sus dimensiones como la magnificencia de su estructura, escenificando de manera excepcional el poder del rey absoluto.

La  Reja de Honor o Grille d´Honneur es la puerta de entrada al Palacio de Versalles, mide nada menos de 80 metros de longitud.

Luis XIV se encariñó con el lugar y decidió transformarlo dado que necesitava una  ampliación de Versalles, motivada por el problema de dónde alojar a las más de 20.000 personas que formaban la Corte y el Gobierno de Francia.

Construyó dos inmensas alas que empalmó perpendicularmente con las alas laterales del patio, una hacia el norte y otra hacia el sur, retranqueadas y puestas en línea con el acceso al patio, ya que si lo hubieran estado con la fachada del parque hubiera resultado un frente de casi 500 metros.

Deseaba remodelar la fachada que daba al parque para disponer un salón central pero la negativa del rey le llevará a realizar en esta zona la Galería de los Espejos, salón más representativo del palacio versallesco.

La fachada del Jardín del Estanque pertenece al arquitecto Louis de Vau, realizada durante los años 1668- 1669 de modo simétrica, con salientes para aportar ritmo y 250 ventanas que aportan ligereza al conjunto. Se distinguen entre tres pisos siguiendo el modelo italiano articulados mediante pilastras y columnas jónicas.

Las estancias de Versalles.

André le Nôtre será el diseñador de los jardines. Los jardines franceses del siglo S. XVII pasaron a  ser el complemento esencial de todo palacio y en Francia el prototipo del siglo XVII lo da el de Versalles, que, como en tantos otros aspectos, también tuvo su ensayo en Vaux-le-Vicomte.

Sin embargo, ya antes Claude Mollet y su hijo André dieron las pautas de lo que sería el jardín francés al adoptar el principio de que se había de mejorar el aspecto de la naturaleza con la ayuda del arte.Pero quien llevó a la práctica este principio y determinó mejor que nadie lo que es el jardín francés fue André Le Nótre, que, discípulo de Mollet y de Simon Vouet, comenzó su actividad hacia 1649 en el Jardín de las Tullerías.

Fuente del palacio de Versalles

Posteriormente, trazó los de Vaux-le-Vicomte y Versalles, a los que dio una estructura cargada de gran simbolismo, en la que, a través de varios escalones, se va pasando progresivamente desde la naturaleza dominada por la mano del hombre hasta la que vive libremente.

Y en este sentido bueno es recordar lo dicho sobre la evolución de los palacios hacia una integración en los jardines, y cómo a través de ellos se pasaba del mundo artificial al natural, por lo que ahí se daban ya los primeros pasos en el escalonamiento hacia la plena naturaleza.

Si se analizan los jardines de Versalles tomados como prototipo, el primer escalón lo proporcionan los Parterres, donde la Naturaleza se mostraba absolutamente dominada por la mano del hombre, que la obligaba a constreñirse a unos lugares y a unas alturas determinadas.

Buscando además efectos estéticos, y hasta cierto punto escenográficos, situó justo al pie de la Galería de los Espejos dos estanques donde se reflejaba el palacio.      

El dormitorio del rey se encuentra decorado en oro y desde sus ventanales se observan los estanques principales del Palacio en forma simétrica.

Desde este lugar organizó una gran avenida, el Tapis Vert, que conducía hasta el Gran Canal y que estaba delimitada por dos grandes fuentes, la de Latona y la de Apolo, que tenían una fuerte carga de simbolismo.

La primera representaba la historia de Latona, que, habiendo dado a luz a Apolo y a Diana de sus amores con Júpiter, hubo de escapar de la ira de la esposa de éste, la diosa Hera.

En la huida llegaron a un estanque donde se dispusieron a beber agua para saciar la sed, pero allí un grupo de campesinos se entretuvo en arrojar piedras al agua para enturbiarla y molestarles.

Sin embargo, no se hizo esperar el castigo de Júpiter, que velaba por su amante y sus hijos y convirtió a aquellos canallas en ranas.

La lección estaba clara a los ojos de los buenos entendedores, pues Luis XIV señalaba a través de este ejemplo a todos los miembros de la Corte que paseaban por los jardines, que él tampoco dudaría en castigar a los que trataran de hacer daño a la marquesa de Montespán y a los hijos naturales habidos con ella.

La fuente de Apolo hacía referencia directa a Luis XIV, pues mostraba al dios en el momento de salir del océano conduciendo su carro solar para iluminar la tierra.

Luis XIV era el Rey Sol que iluminaría a Francia e incluso a toda Europa con su gloria en la política, en las armas y en la cultura. A los lados de esta vía se desarrollaba el segundo escalón del jardín en el que se formaban diversos bosquecillos perfectamente urbanizados, pero donde los árboles crecían con mayor libertad.

Entre ellos se dispusieron pequeños estanques, estatuas aisladas y sencillas arquitecturas, de las que merecía una especial mención la Columnata, formada por una arquería circular en cuyo centro se situó la estatua del Rapto de Proserpina esculpida por Girardon.

En el siguiente escalón era el agua la que ejercía el papel más destacado gracias a un gran estanque en forma de cruz, del cual el brazo dispuesto en el eje del jardín era el Grand Canal y el transversal, el Petit Canal.

Por ellos navegaba apaciblemente Luis XIV en las góndolas que le había regalado el Dux de Venecia. A los lados había bosques en los que los árboles crecían en plena libertad, aunque con caminos que señalaban una última intervención de la mano humana, pues más allá del Gran Canal estaba el bosque libre como último escalón, aunque ya propiamente fuera del Parque.

Todo este conjunto llevó muchos años de trabajos en los que hubo que hacer obras de enorme magnitud como desecar pantanos, arrasar colinas, rellenar depresiones y muy especialmente llevar el agua que las plantas y las fuentes requerían en grandes proporciones.

Recámara de la reina

Una de ellas fue la Ménagerie o pequeño zoo, pieza que no solía faltar en ningún palacio real que se preciara, y que en este caso se construyó en 1633 no durando más de treinta años.

Situado cerca del camino hacia Saint Cyr, constaba de un edificio octogonal que estaba formado por dos pisos, de los cuales el superior servía de observatorio de los animales que se guardaban en recintos alrededor del edificio.

Por su parte, el piso inferior estaba decorado a modo de cueva artificial, en donde para lograr un aspecto más real existía la posibilidad de regar todo el conjunto mediante unas salidas de agua, que, según las tradiciones de Versalles, en ocasiones en que la estancia estaba llena de visitantes, el propio Luis XIV abría las llaves para divertirse regando con un agua helada a los allí congregados.

Sin duda una de las maravillas del Parque fue la Gruta de Tetis construida entre 1664 y 1676 y que se destruyó en 1684.

Esta pieza estaba situada en el extremo del Parterre du Nord, frente al lado septentrional del palacio, y para ella se aprovechó el espacio situado bajo un depósito de agua.

El lugar se cerró, y la fachada principal se compuso como si se tratara de un ninfeo, mostrando tres vanos en forma de arco de medio punto y una decoración alusiva al dios Apolo.

Vista del fondo de la Gruta de Tetis de Versalles con los grupos de mármol del “Sol en medio de las ninfas de Tetis” y sus “caballos vendados por Tritones”, Jean Le Pautre (1618-1682), 1676, Versalles, palacios de Versalles y Trianón

Por su parte, el interior estaba estructurado por medio de dos pilares que formaban seis crujías, dando una especie de edificio de dos tramos y tres naves, de las cuales la central se cubría con bóvedas de crucería y las laterales, con cúpulas. Pero lo más fantástico del lugar era la decoración del interior, donde se trataba de imitar la gruta submarina a la que se retiraba durante la noche Apolo para descansar del trabajo del día conduciendo el carro solar.

Para ello se contó con el precedente inmediato de la Ménagerie, aunque se hizo de una forma más sofisticada, cubriéndose las paredes con incrustaciones de piedras, caracolas o corales que formaban figuras fantásticas.

Pero además se buscaron efectos que hoy denominaríamos como de luz y sonido, entre los que, por ejemplo, ejercía un papel fundamental un órgano que imitaba el sonido del agua y el gorjeo de una multitud de pájaros.

Al fondo de la estancia se dispusieron tres nichos en los que se colocaron, en el central, el grupo escultórico de Girardon que representaba a Apolo servido por las ninfas, y en los laterales los dos grupos de los Tritones abrevando los caballos de Apolo, esculpidos por Guérin y los Marsy.

Con todos estos factores y contando además con que la iluminación de las antorchas no produce una luz fija, sino temblorosa que puede propiciar una sensación de misterio, y que el lugar podría regarse y además sería húmedo por el depósito situado sobre él, podría llegar a pensarse por parte de los allí presentes que realmente se habían trasladado a la cueva en que descansaba el dios.

Pero como en todo lo de Versalles, aquí también había una fuerte carga simbólica que Santiago Sebastián ha querido relacionar con el rito del lever y del coucher de Luis XIV, que era una especie de liturgia mítica en alusión a la salida y puesta de la luz en el mundo.

La Orangerie era el invernadero, especialmente construido para resguardar los naranjos de los rigores del invierno.

Estos árboles, muy del agrado de Luis XIV, se encontraban plantados en grandes macetas y mediante un ingenioso artificio, se trasladaban como objeto de adorno al interior del palacio o al Parque.

Pero junto a estos árboles, también acogía en su interior plantas exóticas y otras más corrientes destinadas a poder disponer de flores en todas las épocas con las que adornar caprichosamente ciertos lugares en determinados momentos.

Se construyó la Orangerie algo más allá del parterre sur, el llamado Parterre des Fleurs, aprovechando un desnivel del terreno, de forma que a un nivel inferior del parterre se construyó una arquería abierta hacia el sur y por tanto muy abrigada; tras ella y ya bajo tierra, había tres galerías abovedadas donde se guardaban los naranjos.

El acceso desde aquel Parterre des Fleurs se hizo primero mediante dos rampas que flanqueaban la arquería; pero en la tercera etapa de la construcción del palacio, la Orangerie fue enormemente agrandada y las rampas transformadas en los llamados Cien Escalones.

Junto a éstas hubo en el Parque de Versalles otra construcción de singular importancia, el palacete del Trianon, situado en el extremo norte del Petit Canal y cercano a la aldea de Trianon.

Allí Louis Le Vau y François d’Orbay construyeron en 1669 un primer edificio, el Trianon de Porcelana como refugio para cuando Luis XIV y la marquesa de Montespán deseaban escapar del bullicio de la Corte.

La obra acabó siendo una curiosa componenda, pues el rey, o mejor aún la marquesa, siguiendo las modas que se estaban imponiendo, deseaba un edificio chinesco, lo que no compaginaba con las ideas de Le Vau que pensaba en un palacete de corte tradicional.

la Orangerie

El resultado fue un llamativo conjunto en el que, por ejemplo, la entrada estaba formada por un frontón triangular sobre cuatro columnas cuyo aspecto clasicista contrastaba con las fachadas, que si bien presentaban una gran regularidad, estaban recubiertas con azulejos de rico colorido, que así trataban de aparentar un ambiente oriental y exótico.

El interior estaba dividido en dos apartamentos y los jardines de alrededor se cuidaron con esmero.

Pero con el paso del tiempo y la caída de la Montespán, aquel edificio dejó de agradar y se planteó su sustitución, cosa que se hizo en el año 1687 bajo la dirección de Jules-Hardouin Mansart ayudado por Robert de Cotte, construyéndose el luego llamado Grand Trianon.

El edificio se concibió como un palacete veraniego, por lo cual se hizo con poca altura, para así adaptarlo mejor al terreno y estar más en contacto con la naturaleza. Por otra parte; se edificó siguiendo la tradicional planta en U con un foso, un puente y una verja de hierro en el lado abierto, quedando estructuradas las fachadas mediante arquerías.

Pero, sin duda, lo más interesante del edificio es el corps de logis, pues aparte de que está articulado a base de columnas jónicas pareadas, que en la fachada al jardín soportan un dintel, en realidad llega a la culminación en la evolución del palacio barroco francés tendente a la integración del edificio en la naturaleza, pues se dejó abierto, con lo que desde el patio se pasaba al jardín casi sin interrupción, pudiendo así decirse que el edificio se ha disuelto y deja de ser una barrera entre el mundo artificial y el natural.

Ahora bien, como así el palacete resultaba insuficiente, se le añadieron dos alas de la misma forma que en Clagny y en Versalles, pero con la salvedad de que al ser un edificio más pequeño pudieron situarse como prolongación del corps de logis.

Y aún se edificó otro pequeño pabellón que arrancaba formando ángulo recto con el extremo del ala norte, con lo cual el jardín quedaba más protegido desde el punto de vista climatológico y ambiental.

Louis le Vau también realizara en el palacio el llamado Gran o Petit Trianon, realizado en el año 1670. Se trata de un palacete dentro del mismo para albergar o aposentar a las amantes del rey de Francia. Ello se puede observar en la composición que se realizó, como más feminista con esa piedra rosa y mármol blanco.

Su entrada se dispone a la manera de pórtico que conduce a un jardín posterior mientras que en los laterales tenemos las estancias o dependencias.

Uno de los edificios más reproducidos y comentados de la arquitectura francesa de mediados del siglo XVIII es, sin duda, el Petit Trianon, construido para Madame de Pompadour por Ange-Jacques Gabriel. La composición cúbica y la presencia del pórtico de columnas en la fachada posterior han hecho que se haya insistido en demasía sobre el carácter palladiano del edificio. Sin embargo, la ausencia del frontón y la balaustrada que lo corona no son paIladianos.

Heredero del tradicional pabellón francés, mezcla un ritmo aticista, muy representativo de esta época, con el recuerdo de Palladio visto a través de la óptica inglesa de un Campbell.

El Salón de los Espejos realizado durante los años 1678 al 1684 como un salón de baile y de audiencias privadas por parte de Mansart, en cual realiza la composición en el año 1675 y la decoración va a ser establecida en el salón en el año 1678 bajo la dirección de Chales le Brun.

Se trata del conjunto más representativo del estilo decorativo del reinado de Luis XIV. Se observa la integración de la naturaleza, decoración, arquitectura y luz, la cual entra por los grandes ventanales y se refleja junto al jardín en los espejos de en frente, formando unos efectos sorprendentes y de fantasía.

Galería de los espejos

Los materiales no son todos lujosos, pese a la sensación de riqueza decorativa y exuberancia. Además de mármoles. Son importantes los estucos y el cristal, material más barato, pero igualmente efectivo visualmente.

En el Salón de la Guerra, Mansart inicio la construcción del Salón de la Guerra a partir de 1678. La decoración, terminada por Le Brun en 1686, exalta las victorias militares que condujeron a la Paz de Nimega.

Las paredes están revestidas con paneles de mármol ornados de seis trofeos y de cascadas de armas de bronce dorado. La pared del lado del salón de Apolo muestra un bajorrelieve ovalado de estuco que representa a Luis XIV a caballo, pisoteando a sus enemigos.

Esta obra maestra de Coysevoz esta coronada por dos Famas doradas levantadas por dos prisioneros encadenados.

Por debajo, en el bajorrelive que disimula la abertura de una falsas chimenea, Clio escribe la historia del Rey para la posteridad. El techo pintado por Le Brun representa en su centro a Francia armada, sentada sobre una nube y rodeada de Victorias.

Un retrato de Luis XIV decora su escudo. En el dovelaje de distribuyen sus tres enemigas vencidas: Alemania de rodillas, con un águila, España amenazadora, con un león que ruge, y Holanda recostada sobre un león. La cuarta representa a Belona, diosa de la guerra, enfurecida entre la Rebelión y la Discordia.

El salón de Guerra

Y en el Salón de la Paz, presenta la misma decoración de paneles de mármol y de trofeos de armas de bronces dorados y tallados que el Salón de la Guerra, simétrico al primero. No obstante, Le Brun ornó la cúpula y los dovelajes con los beneficios de la paz que Francia otorgaba a Europa.

Desde el final del reinado de Luis XIV, este salón estuvo separado de la galería por un tabique móvil, y se consideraba parte del Gran Aposento de la Reina, del que por consiguiente constituyo la última estancia.

Bajo el reinado de Luis XV, allí fue donde María Leszczinska ofreció cada domingo conciertos de música profana o religiosa que desempeñaron un papel importante en la vida musical de Versalles, y donde, bajo el siguiente reinado, María Antonieta organizaba su juego.

La Cámara del Rey, del año 1701, será la estancia más importante del palacio de Versalles, donde Luis XIV traslada sus aposentos al salón, el cual está situado dentro del eje principal del palacio, este- oeste, mirando hacia la salida del sol. Al igual encontramos la Cámara de la Reina, (1689- 1672).

En 1701, Luis XIV traslada sus aposentos al salón situado en el eje este- oeste del Palacio, mirando hacia la salida del sol.

Se cegaron los tres ventanales del fondo, dirigidos a la galería de los Espejos, para dar forma a la alcoba; la balaustrada de madera dorada que separa la alcoba del resto de la estancia fue tallada y Nicolás Coustou realizo una alegoría en estuco de “Francia velando el sueño del Rey” justo encima de la cama.

En esta habitación, convertida en el santuario visible de la monarquía, Luis XIV tomaba sus “almuerzos privados” y tenían lugar las ceremonias del “despertar” y el “acostarse” del Rey.

Es también en esta habitación donde murió Luis XIV el 1 de septiembre de 1715, después de setenta y dos años de reinado.

La fastuosa decoración de la habitación, con brocado de oro y plata sobre fondo carmesí, se complementa con cuadros escogidos por Luis XIV: “Los cuatro evangelistas y el ultimo Cesar”, de Le Valentin y Giovanni Lanfranco; sobre la puerta, “San Juan Bautista”, de Giovanno Battista Caacciolo; “María Magdalena”, de Le Dominiquin; y dos retratos de Antoon Van Dyck. Sobre las dos chimeneas, de la época de Luis XV, se encuentran un busto de Luis XIV de Antoine Coysevox, un reloj –barómetro y cuatro candelabros que habían pertenecido al conde de Provenza, hermano de Luis XVI.

La Cámara de la reina es la estancia principal del aposento, aquella que más utilizaba la reina. Allí dormía, a menudo en compañía del rey. Y en ella recibía, por la mañana, durante y después de su aseo, que constituía un momento de Corte tan reglamentado por la etiqueta como el deber del Rey.

Aquí también se llevaban a calo los alumbramientos en público: diecinueve “Hijos de Francia” nacieron en ella. La decoración conserva el recuerdo de las tres reinas que ocuparon la estancia: el compartimentado del techo se remonta a la Reina María Teresa, pero las pinturas en grisalla de Boucher se realizaron para María Leszczinska, al igual que las carpinterías.

Todos estos elementos se conservan de la época de María Antonieta para la que solo se renovó el mobiliario y la chimenea.

                                       (Caballerizas)

Durante la invasión del Palacio por los agitadores, el 6 de octubre de 1789, María Antonieta consiguió huir de ellos por la pequeña puerta izquierda de la alcoba que da a un corredor que a su vez desemboca en los gabinetes interiores de la Reina, una docena de pequeñas estancias reservadas a su vida privada y a su servicio.

En la Revolución, el Palacio no fue víctima del pillaje, pero sus muebles se dispersaron durante las subastas que duraron un año entero. Algunos pudieron recuperarse, como un joyero que se encuentra a la izquierda de la cama, o la pantalla de chimenea.

Otros se sustituyeron por piezas equivalentes: este es el caso de los asientos entregados en parte para la Condesa de Provenza, la cuñada de la Reina, y en parte para la visita del Rey de Suecia, Gustavo III.

En cuanto a las telas que cuelgan de la cama y de las paredes, se volvieron a tejer en Lyon, a partir de los patrones originales conservados. La cama y la balaustrada se re esculpieron a partir de documentos antiguos.

Otras de las dependencias más importantes serán las Caballerizas, realizadas desde los años 1685 hasta 1689.

Y la Capilla Real, del año 1710 realizada por Mansart en el ala norte del Palacio, a doble altura, estando la tribuna real en el piso principal, desde donde el rey y su familia atendían a misa.

En las últimas décadas del siglo XVII se hicieron importantes obras que completaron el palacio de Versalles, mereciendo entre ellas una especial mención la Capilla.

(Capilla real)

Anteriormente hubo varias capillas, todas ellas con un carácter más o menos provisional, hasta que en 1689 Jules- Hardouin Mansart recibió el encargo de construir una que había de ser la definitiva.

Emprendidas las obras, sufrieron varios parones a consecuencia de las guerras, hasta que se concluyeron en 1703, finalizando la labor decorativa en 1710.

Su ubicación fue en la nueva ala norte como una edificación hasta cierto punto independiente.

Exteriormente, presenta un esquema diferente al del resto del palacio, acercándose en buena medida a la estética gótica, lo cual está en relación con su condición de capilla palatina que la aferraba a la tradición; anteriormente ya había ocurrido lo mismo en palacios como los de Chenonceau o Saint-Germain-en-Laye.

Al contrario, en el interior la decoración se acerca al gusto versallesco, pero la estructura está ligada también a la condición de etiqueta de la Corte, de forma que se compone de dos plantas en torno a un espacio central único con lo que se forman tres naves, quedando dispuesto el trono real a los pies del piso alto y directamente frente al altar, correspondiendo la ubicación de los distintos miembros de la Corte de acuerdo a un estricto protocolo.

En el aspecto de los elementos estructurales, la planta baja se divide en naves mediante arquerías que cargan sobre fuertes pilares cuadrados, y el piso alto asoma al espacio central con columnas corintias que sostienen un dintel en el que carga la bóveda de lunetos que cierra la capilla.

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septiembre 29, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Ovnis: La Marina de Estados Unidos tiene más videos, pero no los hará públicos porque “dañarían la seguridad nacional”…

Fayer Wayer(K.Perozo)  —  La Marina de Estados Unidos tiene más videos de ovnis que los mostrados en años anteriores, pero no los hará públicos porque “dañarían la seguridad nacional”, reconoció un portavoz. El portal The Black Vault había solicitado mayores detalles sobre los objetos voladores no identificados, pero se encontró con esa respuesta de las autoridades.

La petición de The Black Vault se realizó hace dos años, recibiendo respuesta apenas a principios de septiembre.

En mayo pasado, el Pentágono reportó ante el Congreso que más de 400 ovnis fueron vistos por las fuerzas militares norteamericanas desde 2014, mostrando varios videos. Fue la segunda confirmación de este tipo, luego de una ocurrida en 2020 respecto a videos filtrados por la prensa en 2017.

A partir de la audiencia de mayo de 2022, la NASA estableció una comisión para estudiar los denominados Unidentified Aerial Phenomena, o Fenómenos Aéreos No Identificados, desde el punto de vista científico. Aún no se han dado a conocer mayores resultados.

El reporte de mayo realizado ante el Congreso estuvo a cargo de Scott Bray, subdirector de Inteligencia Naval, que reconoció que los avistamientos “son frecuentes y continuos”.

La confirmación de que existen más videos de ovnis en poder de la Marina

The Black Vault, un sitio que trabaja con la transparencia gubernamental, solicitó ver más videos y documentos, amparado por la Ley de Libertad de Información (FOIA, por sus siglas en inglés). La respuesta de un portavoz de la Marina dejó más dudas que certezas.

Firma el documento Gregory Cason, subdirector de la oficina FOIA para la Marina.

“El grupo de trabajo UAP ha respondido a DNS-36 y ha declarado que los videos solicitados contienen información confidencial relacionada con fenómenos aéreos no identificados (UAP) y están clasificados y están exentos de divulgación en su totalidad bajo la exención 5 USC § 552 (b) (1) de acuerdo con la Orden Ejecutiva 13526 y la Guía de Clasificación de Seguridad UAP.

La divulgación de esta información dañará la seguridad nacional, ya que puede proporcionar a los adversarios información valiosa sobre las operaciones, vulnerabilidades y / o capacidades del Departamento de Defensa / Marina. Ninguna parte de los videos se puede segregar para su publicación”.

Cason agregó, de acuerdo con The Black Vault, que la Marina desclasificó los videos publicados en abril de 2020 solo porque se habían filtrado previamente a los medios, y ya habían sido “discutidos ampliamente en el dominio público”. El portavoz señaló que es imposible publicar oficialmente más imágenes “sin generar más daño a la seguridad nacional”.

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septiembre 24, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Las 10 ermitas más bonitas de Navarra…

DN  —  Según la RAE, una ermita es una “capilla o santuario, generalmente pequeños, situados por lo común en despoblado y que no suelen tener culto permanente”. La definición no termina de ser exacta y, en muchos casos, estos lugares de culto son denominados por los lugareños con otros títulos.

El atractivo de estos espacios de espiritualidad radica, en muchos casos, en la belleza del paraje que les guarda y en la soledad que en ellos se encuentra. No hay que olvidar que tanto ermita como eremita son voces derivadas del griego “eremos”, que significa desierto, aislado, solitario.

Precisamente, esa ubicación alejada de los núcleos urbanos ha hecho que muchos de estos templos hayan ido desapareciendo con el paso del tiempo. En la actualidad, se desconoce la cifra exacta de las que ha podido haber en Navarra.

Según la Enciclopedia de Navarra: “No parece excesivo aventurar que, cuando tengamos estudiados pueblo a pueblo los libros parroquiales, la nómina de las ermitas que han sido alcance las 2.000”.

Sí se sabe, que de todas las Merindades la que mayor número de ermitas ha tenido es Sangüesa. Pero los ejemplos se reparten por toda la geografía foral. La selección que hemos preparado será, para muchos, incompleta. Son tantos los bellos ejemplos que tenemos en Navarra que resulta complejo decantarse únicamente por diez y es necesario dejar en el tintero algunas ermitas de indudable relevancia.

Esta lista de las 10 ermitas más bonitas de Navarra ha querido abarcar diferentes riquezas: ermitas valiosas por su valor simbólico, otras por su indudable valía artística, otras por ser menos conocidas pero igualmente bellas… Estas son las diez que hemos seleccionado.

1. Ermita de San Bartolomé (Aguilar de Codés)

Según los entendidos, en esta preciosa ermita del siglo XII encontraremos el mejor crismón de Navarra. Un templo ubicado en un rincón natural de gran belleza.

2. Nuestra Señora del Yugo (Arguedas)

Fachada de la ermita de Nuestra Señora del Yugo, un lugar muy querido por los arguedanos

Observar un atardecer hacia las Bardenas desde la ermita del Yugo es una experiencia inigualable. Se trata de un monumental templo del s. XVII de estilo gótico-renacentista.

3. Santa Catalina de Alejandría (Azcona)

Uno de los más bellos ejemplos del románico rural navarro. Construida en el s.XII permite disfrutar de una rica decoración tanto en canecillos como en capiteles.

4. San Zoilo (Cáseda)

septiembre 16, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Tesoros de la Biblioteca Pública de Nueva York…

Letra Urbana(C.Spitz)  —  El origen de la Biblioteca Pública de Nueva York, NYPL por sus siglas en inglés, está ligado a la historia de la ciudad misma cuando, hacia la segunda mitad del siglo XIX, comenzaba a vislumbrarse como uno de los grandes centros de cultura urbana del mundo y sus ciudadanos comprendieron que la floreciente metrópoli merecía una biblioteca. Y no cualquier biblioteca.

En aquella época, Nueva York había superado a París en número de habitantes y estaba por alcanzar a Londres, la ciudad más populosa del mundo.

Crisol de culturas, ciudad de inmigrantes, sus residentes comprendieron que una biblioteca les permitiría conocer la literatura y la historia de su nuevo país, así como preservar y divulgar el patrimonio que trajeron consigo.

Por fortuna entre sus ciudadanos había hombres aventureros y visionarios dispuestos a hacer realidad esta empresa.

Una serie de eventos se sumaron en lo que llegaría a ser un ejemplo sin precedentes de filantropía privada para el bien público.

Al morir, Samuel J. Tilden, exgobernador del Estado de Nueva York, (1814-1886) legó gran parte de su fortuna, alrededor de $ 2,4 millones, para «establecer y mantener una biblioteca y una sala de lectura gratuitas en la ciudad de Nueva York.»

La ciudad contaba en ese momento con dos bibliotecas importantes, las Biblioteca Astor y Lenox. Pero éstas no eran propiamente instituciones públicas y ambas enfrentaban en ese momento serias dificultades financieras.

Entonces, gracias a la intervención de John Bigelow, abogado y albacea de Tilden, surgió un plan que combinó los recursos de las bibliotecas Astor y Lenox con el Tilden Trust para formar una nueva entidad – The New York Public Library.

El plan de Bigelow se firmó el 23 de mayo de 1895.

Técnicamente hablando, NYPL es el sistema de bibliotecas públicas que abarca los distritos del Bronx, Manhattan y Staten Island.

Es la segunda biblioteca pública más grande de los Estados Unidos, superada sólo por la del Congreso, y la cuarta más grande del mundo.

Con 92 ubicaciones, incluyendo cuatro centros de investigación, entre ellos la Andrew Heiskell Braille and Talking Book Library, para usuarios con discapacidad visual, con libros y revistas que hablan y en braille.

En realidad, cuando se habla de la New York Public Library se habla de una de las edificaciones más emblemáticas de la ciudad, el majestuoso Edificio Stephen A. Schwarzman, del estilo arquitectónico Beaux-Arts, ubicado en la Quinta Avenida entre las calles 40 y 42 de Manhattan.

Inaugurada el 23 de mayo de 1911, se calcula que el día que abrió al público, recibió entre 30.000 y 50.000 visitantes.

Ha sido declarada Monumento Histórico Nacional (1965), incluida en el Registro Nacional de Lugares Históricos (1966), y designada como Monumento Histórico de la Ciudad de Nueva York (1967).

Una famosa pareja de leones de mármol, Patience and Fortitude, Paciencia y Fortaleza, dan la bienvenida a ambos lados de la escalinata de la entrada principal.

Han recibido varios nombres a lo largo de las décadas entre ellos Leo Astor y Leo Lenox, en honor a sus benefactores.

Fue el alcalde Fiorello LaGuardia quien, durante la depresión de la década de 1930, los llamó Paciencia y Fortaleza, cualidades que creía ayudarían a los neoyorquinos a sobrevivir la crisis.

Esos nombres y su significado siguen vigentes en la actualidad. Como tributo a su popularidad, la Biblioteca los adoptó como mascotas y emblema.

En el sitio elegido para la nueva biblioteca se encontraba originalmente un cementerio para indigentes; años más tarde, durante la Revolución Americana, tuvo lugar ahí una importante batalla dirigida por George Washington y, a mediados del siglo XIX, se encontraba el embalse Croton, también conocido como el embalse Murray Hill, un lago artificial de 4 hectáreas (40,000 m²) que suministró el agua potable a la ciudad durante el siglo XIX.

El diseño del edificio se eligió en una competencia abierta donde participaron los arquitectos más destacados de la ciudad.

Pero el equipo ganador, una firma relativamente desconocida, estaba conformado por John Carrère y Thomas Hastings, los concursantes más jóvenes y menos experimentados con su propuesta de la estructura de mármol más grande jamás intentada en los Estados Unidos.

Seguramente ni en sus más ambiciosos sueños pudieron vislumbrar el alcance de su iniciativa. Hoy en día, la NYPL es parte vital del tejido intelectual de la vida de la ciudad y brinda mucho más que libros y materiales gratuitos.

Anualmente ofrece exposiciones y programas de entrada libre para usuarios de todas las edades, juega un papel clave en el cierre de la brecha digital, especialmente para quienes no tienen acceso a Internet en casa y también apoya a inmigrantes con clases de alfabetización e idioma inglés.

Usuarios de todo el mundo pueden explorar en línea las colecciones de la biblioteca, descargar libros electrónicos y artículos digitales. Su sitio web recibe alrededor de 32 millones de visitas anuales de más de 200 países.

La biblioteca se ha usado, también, como escenario recurrente en el cine. Aparece en los Cazafantasmas (Ghostbusters), El Día de Mañana (The Day After Tomorrow) y Desayuno con Diamantes (Breakfast at Tiffany’s), así como en series como Sexo en Nueva York o Seinfield.

Tesoros de la NYPL

En el abanico de los lugares y espacios culturales que me encanta visitar, junto a los museos, las exposiciones y las galerías de arte, están las bibliotecas.

Pocas veces, un solo sitio reúne estas categorías, como la NYPL con la Exhibición Polonsky de los Tesoros de la Biblioteca Pública de Nueva York (Polonsky Exhibition of The NYPL’s Treasures) que tuve la fortuna de visitar.

A lo largo de sus 127 años de vida la Biblioteca ha visto crecer una colección de más de 56 millones de los más variados objetos que se presentan por primera el público.

Acostumbrada a hallar en una biblioteca libros, textos y documentos de distintas clases y en diversos soportes, confieso que sorprende mucho la variedad y significado de los objetos y los temas que abarca la exhibición.

Algunos representan triunfo, otros, tragedia. Protesta y celebración. Los hay de una extraordinaria belleza, y otros de apariencia mundana.

Fue la promesa de encontrar al verdadero Winnie the Pooh, el oso de peluche que Christopher Robin recibió en su primer cumpleaños junto a sus amigos, personajes creados por su padre A.A. Milne, la que me llevó a ver esta exposición.

Entre los tesoros de la infancia se encuentran también el paraguas en que se inspiró P.L. Travers para su personaje Mary Poppins, Ilustraciones originales de William Wallace Denslow para El mago de Oz, de John Tenniel para Alicia en el País de las Maravillas y el famoso óleo de Robin Hood por N.C. Wyeth

Hay, por supuesto, libros asombrosos, como “Birds of America” de John James Audubon, el libro más grande de la colección y uno de los más grandes jamás impresos: su gran formato corresponde a su alcance, pues su autor buscó representar todas las aves de América del Norte de tamaño natural, y 12 miniaturas con ilustraciones coloreadas a mano dentro de un raro tesoro, El Cofre de la Muñeca, (The Doll’s Casket, John Marshall Londres:, ca. 1810).

De Jerome Robbins, famoso coreógrafo estadounidense, su Diario, Vol 5 -1973 del proyecto “los diarios”, una serie de 24 cuadernos japoneses desplegables en acordeón con collages, diarios de viaje, bocetos, poemas, sueños, flores prensadas y más, reflejo de su estilo visual, sentido del humor, preocupaciones y actividades.

Entre los documentos únicos, como la copia manuscrita de la Declaración de Independencia de Thomas Jefferson, la Declaración de la Independencia de México, el guión para la producción pre – Broadway de “A streetcar named Desire”, “Un tranvía llamado Deseo” de Tennessee Williams (1911-1983), el manuscrito de la Sinfonía n.° 32 en sol mayor, K. 318 de Wolfgang Amadeus Mozart (1779), el boceto para el “Trío del Archiduque” para piano en si bemol mayor, Op. 97 de Ludwig van Beethoven (ca. 1770–1827) y una factura de venta expedida a Adam, un hombre negro liberado, por la compra de su hija Jenny – 1778, un pequeño trozo de papel de enorme significado… la bajeza de la institución de la esclavitud… el amor de un padre a su hija a través del regalo más preciado: la libertad.

En la extensa sección dedicada a la Representación – el mundo de las artes, la música, el teatro, el cine, el vestuario – encontramos carteles de la diva francesa Sarah Bernhardt, una especie de primera superestrella mundial (S XIX – XX ) en sus papeles de Hamlet y Lorenzaccio, por el artista checo Alphonse Mucha, conocido como el padre del Art Nouveau; a su lado, un Collage de Ken Burgess, artista de la contracultura, para “The Madness of Lady Bright” de Lanford Wilson, una de las primeras obras con un hombre gay como personaje real y no como caricatura o figura ridícula que se presentó́ en Cino, lugar de nacimiento del teatro Off-Off-Broadway.

Los diseños del vestuario de Tevye y sus hijas para la producción de Broadway de El Violinista en el Tejado (Fiddler on the Roof), de la diseñadora Patricia Zipprodt, que capturan la alegría de las bodas y los nacimientos y la tragedia de vivir en una cultura opresiva y antisemita; un mechón de cabello de Beethoven al momento de su muerte, costumbre de la época de cortar y guardar hebras de cabello de seres queridos y celebridades como recuerdo y el vestido usado por Loie Fuller, quien inspiró a artistas como el escultor Auguste Rodin, el poeta W.B. Yeats y a Isadora Duncan, creadora de la danza moderna, en un baile de 1925 al ritmo de La Mer (El mar) de Claude Debussy en una interpretación que involucraba una escalera y metros de seda, haciendo que todo el escenario entero se moviera como las olas del océano.

El Gramophone de Emile Berliner, inventado y patentado en 1887, en la época en que Thomas Edison había acaparado el mercado de la grabación y reproducción de sonido con sus cilindros y reproductores de cilindros y

Pero ¿qué tienen en común estos objetos, un oso de peluche, un rizo de Beethoven, y un vestido de teatro para hacer parte de esta exhibición? Cada uno tiene algo que contar y juntos narran del transitar de gentes, lugares y momentos a lo largo de más de 4,000 años de la historia de la humanidad.

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septiembre 6, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Así es vivir a 5.000 metros en La Rinconada, la ciudad más alta del mundo…

Al sudeste de Perú, en plena cordillera de los Andes, se encuentra La Rinconada, la ciudad poblada más alta del mundo. Se sitúa a 5.100 metros sobre el nivel del mar en un lugar de difícil acceso junto a un glaciar llamado Bella Durmiente.

Aquí las temperaturas máximas en verano apenas alcanzan los 10 grados y las noches siempre son bajo cero, superando habitualmente los -15. Sin embargo, pese a estas duras condiciones, aquí residen cerca de 70.000 personas.

El motivo por el que tanta gente vive en un lugar tan remoto es que se encuentra junto a unas minas de oro. Estas han provocado que la población de La Rinconada se haya triplicado desde finales del siglo XX, pero, aunque todos los que llegan aquí lo hacen con el sueño de alcanzar un futuro mejor gracias al tesoro dorado, la realidad que se encuentran es bien diferente.

En La Rinconada no hay servicios sanitarios básicos, alcantarillado o sistema de tratamiento de residuos. El lugar se ha convertido en un enorme vertedero de basura en el que sus habitantes tratan de ganarse la vida como buenamente pueden. Para su población, el sueño dorado se ha transformado en pesadilla.

Durante el verano las temperaturas máximas apenas alcanzan los 10 grados y las mínimas se mantienen bajo cero todo el año, llegando fácilmente hasta los -15 en los meses de junio o julio.

La localidad se encuentra junto a un glaciar llamado Bella Durmiente que dificulta enormemente su acceso. Se llega desde el pueblo de Ananea, situado a unos 15 kilómetros, a través de un camino de tierra que serpentea por la montaña.

Pese a las duras condiciones de La Rinconada, aquí residen alrededor de 70.000 personas y la población se ha triplicado desde finales del siglo XX. El motivo es que la ciudad se encuentra junto a unas minas de oro.

Miles de personas comenzaron a asentarse en La Rinconada atraídas por el sueño dorado, pero para la mayoría de ellas se ha convertido en una pesadilla. Y es que, más que por sus minas de oro, la ciudad ha acabado siendo conocida por sus montañas de basura.

No hay red de agua potable, ni alcantarillado, ni calefacción ni tratamiento de residuos. El lugar se ha convertido en un enorme vertedero de basura en el que sus habitantes tratan de ganarse la vida como buenamente pueden.

La gente se las ingenia para recoger agua de la lluvia o de la nieve que se deshiela, pero esta se encuentra muy contaminada por el mercurio que se utiliza para extraer el oro de las minas y que recorre toda la ciudad.

La pobreza ha provocado también el aumento de la violencia en La Rinconada. No hay agentes de policía y los asesinatos, las desapariciones o las violaciones están a la orden del día.

Apenas hay servicios ni comercios. Los únicos negocios que funcionan son los prostíbulos, a los que acuden habitualmente los mineros a gastarse su dinero.

Los mineros trabajan en condiciones extremas en galerías de más de un kilómetro sin apenas oxígeno. Se utiliza un sistema de pago llamado cachorreo, por el cual trabajan 25 días gratis para el contratista y solo cinco para beneficio propio, por lo que nunca saben lo que ganarán a final de mes, aunque no suele ser más de 250 euros.

Mientras que los hombres trabajan en la mina, la mayoría de las mujeres se encargan de buscar oro entre las rocas desechadas que después venden en el mercado negro. Se las conoce como pallaqueras.

Pocos turistas se atreven a subir a La Rinconada pese a que es posible visitar algunos de los socavones de los que los mineros extraen piedra en busca de oro. También hay lugares para practicar trekking y se encuentra cerca la cumbre del Nevado de Ananea, el pico más alto de la cordillera de Apolobamba.

El oro de La Rinconada, que era la esperanza para muchos peruanos que se asentaron aquí, ha terminado siendo una pesadilla. Este lugar ya no es solo la ciudad más alta del mundo, sino también uno de los mayores vertederos de basura y miseria del planeta.

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agosto 22, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Estancias extrañas y maravillosas del mundo…

Tu Otro Diario(A.Merodio)  —  Elegir un lugar original en el que pasar una noche es cada vez más complicado. No porque no existan ofertas, sino por todo contrario, cada día existen más.

La plataforma de alojamientos de Airbnb ha creado un filtro llamado OMG!, o lo que es lo mismo ¡Oh! Dios mío, en el que ha recopilado algunos de los “refugios” más extraños y maravillosos del mundo.

Desde un hotel de bambú ‘muy romántico’ en Bali hasta una cabaña con forma de hongo en Tailandia, pasando por una casa con forma de guitarra en Corea del Sur hasta un silo de misiles convertido en posada en Nuevo México o una residencia con tejados imposibles en España.

– La villa de bambú (Indonesia)

Este lugar es el escenario perfecto para una luna de miel o para un viaje en pareja. Situado en la orilla oeste del río Ayung, en Indonesia, tiene dos habitaciones “muy románticas”, una cocina, sala de estar y una piscina privada.

Es un lugar ideal para ese tipo de personas que buscan desconectarse de la ajetreada vida de la ciudad, cambiando el ruido del tráfico y el sonido del despertador por el de la corriente del río y el canto de los pájaros.

– Una casa con mucho ritmo (Corea del Sur)

Esta casa con forma de guitarra se encuentra en Corea del Sur y es ideal para los amantes de la música. Cuenta con un apartamento de un dormitorio, que tiene acceso exclusivo a la terraza de la azotea desde donde se pueden disfrutar de unas bonitas vistas debido a la carencia de edificios altos.

En la planta baja se ofrecen lecciones de ukelele a los invitados.

– La cúpula (Indonesia)

Conocida bajo el nombre de Eclipse Dome Villa, este exclusivo alojamiento está situado en la península indonesia de Bukit.

Tiene capacidad para tres personas y cuenta con una piscina personalizada de borde infinito con forma de trébol de tres hojas que mira directamente al océano y un jardín con un diván para disfrutar de las vistas al volcán.

– El chalet del acantilado inspirado en Gaudí (España)

En la costa granadina, concretamente en uno de los acantilados de la localidad de Salobreña se encuentra esta maravilla de la arquitectura que cuenta con unas impresionantes vistas del mar y una estética extraordinaria.

La casa de dos plantas, cuenta con tres dormitorios, tres baños, sala de estar y cocina, aunque lo más destacado de la residencia es su zona exterior, con piscina (que se puede convertir en climatizada), jardín, barbacoa y ducha.

– Un silo de misiles reconvertido en alojamiento

Descrito como una “verdadera reliquia de la Guerra Fría”, este centro de control de lanzamiento de misiles, que cuenta con un túnel que conduce al lugar donde se almacenaba la munición a 56 metros de profundidad, es actualmente un apartamento para turistas con gran parte de sus pisos originales aún intactos.

– El hongo-house (Tailandia)

Con un jardín orgánico, barbacoa al aire libre y aire acondicionado, esta original casa en forma de hongo es conocida como ‘Leafy Greens’ (verduras de hoja verde) y se construyó inicialmente para formar parte de un centro de meditación.

Con capacidad para tres personas, cada morada de aproximadamente 35 metros cuadrados cuenta con dos dormitorios y tiene capacidad para alojar a tres personas.

– Un mini establo de vacas (Inglaterra)

Descrito como un “lugar único para alojarse”, este pequeño establo es una mezcla entre acampar, hacer ‘glamping’ o quedarse en una caravana.

El alojamiento en forma de vaca situado en el campo de Suffolk tiene una cama doble en la planta baja desde la que se accede a una cama individual situada en la parte de arriba.

Se encuentra dentro de una granja con todo tipo de animales domésticos, incluidos ponis y alpacas.

– Un barco en el desierto (Texas)

No se preocupe si sufre mareos, ya que este yate está estacionado en el desierto de Texas ni tampoco tenga miedo de ser observado ya que está lo suficiente lejos de la civilización.

Ideal para parejas que busquen algo diferente, este alojamiento cuenta con un dormitorio, una sala de estar, una cocina con hornillo y agua corriente, e incluso cuenta con el timón original.

En el exterior los huéspedes encontrarán una hoguera, una parrilla de carbón y una ducha con baño de compostaje.

– Torre sobre el mar (Panamá)

Según su anfitrión este alojamiento está solo indicado para aventureros, y quizás deberíamos añadir para amantes del mar.

Construida sobre el agua esta torre de cuatro pisos no cuenta con aire acondicionado, sino con la brisa marina y tampoco tiene televisión, pero si muy buenas vistas. La planta baja (sobre el mar) contiene un espacio para cocinar y ducharse.

La segunda planta incluye una cocina completa. El tercer piso es para la sala de estar y un dormitorio con baño propio mientras que el último piso se sitúa el cuarto principal.

– La más cool (Costa Rica)

Esta podría ser, sin duda, la residencia más cool de San José, en Panamá. La exclusiva casa, con capacidad para cuatro personas, se describe como “ideal para amantes de la arquitectura, citas románticas o pasar un buen rato”.

En el exterior, cuenta con una terraza cubierta, bañera de hidromasaje, una hoguera, cancha de baloncesto, barbacoa y un jardín privado con conejos. En el interior, dos habitaciones con aire acondicionado cuentan con camas de lujo y vistas a la montaña.

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agosto 11, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

La tienda de Prada que no vende nada…

Esta tienda conceptual de Prada fue creada en 2005 por Michael Elmgreen e Ingar Dragset y se encuentra en el desierto de Texas en EE.UU.

agosto 10, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Las 32 aldeas más hermosas de España…

Stars Insider  —  España está repleta de paraísos tan costeros como soleados. Sin embargo, también posee numerosas aldeas y pueblos históricos de mucho encanto y belleza.

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agosto 9, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Shaka Fumu Kabaka (Corazón del reciclaje)…

Shaka Fumu Kabaka recibe ayuda para vestir una de sus creaciones más significativas: Seis días de lágrimas.

Meer(L.F.Quirós-Valverde)  —  Shaka Fumu Kabaka es un artista visual y músico de la ciudad de Kinshasa, República Democrática del Congo (RDC), África, y lo que para muchos en el arte actual representa el material: la tela, pigmento, metal, barro, madera, piedra, concreto, materias duras que a su vez se vuelven hormas que nos hacen en un impresionante interaccionismo simbólico, otros, como este artista congoleño —sensible, investigador y dedicado a probar todo lo posible en el arte—, encuentran lo necesario en su mismo «entorno», como los basureros de desechos globales con que los centros del poder hegemónico mundial atiborran a la periferia.

Shaka Fumu Kabaka transforma estos materiales descartados con creatividad, astucia y el rigor de la práctica artística la cual enciende su acción, e impele a reutilizar lo encontrado destinándolo a crear verdaderas obras de arte: trajes-esculturas para sus performances que acrecientan el enigma de estos tiempos, la contradicción e incertidumbre.

Shaka Fumu Kabaka; Seis días de lágrimas.

Crear arte es un ritual

Reciclar —para este artista—, concede el rito, se trata en principio de salvar al planeta de todos esos desperdicios industriales y del comercio que embadurna la visual de las ciudades y comunidades rurales no solo en la RDC, sino en todo el mundo y en particular el sur global.

El ritual se entabla al limpiar, salvar, descontaminar o sacar a flote una idea genuina propia del talento artístico para elaborar una materia por la cual antes nadie apostaba un céntimo, y que los centros globales quieren ver lejos de sus espacios y territorialidad.

A pesar de que en esos países del sur global drenen incluso los recursos naturales por nocivos procesos extractivos, destruyendo el remanente como es el caso de extraer el caucho de los árboles para la fabricación de neumáticos de rodaje en la industria automovilística, eso agrede la sensibilidad de quien ama y respeta al planeta, a la madre tierra y diosa de las aguas, con todos sus beneficios que llamamos recursos naturales hoy tan amenazados.

Shaka Fumu Kabaka crea «trajes» a partir de esos desechos y con ello toma posición en su protesta ante la difícil situación de su país y el mundo, en el cual su trabajo es apreciado, pero que no tiene todas las respuestas a las interrogantes que a diario se plantea.

El artista hoy no es insensible en tanto sabe que todos somos el medio para convivir en armonía y equilibrio, todos sumamos y transformamos para bien o para mal, y donde uno solo que falte el mundo entero lo resiente.

Shaka Fumu Kabaka; El robot coronavirus, 2020

La antropóloga, artista, curadora y crítica de arte Maica Gugolati, interesada en la producción artística en el sur global, afirma, que no todos los países de este ámbito tienen las mismas realidades, por ejemplo en RDC a diferencia de Costa Rica no hay Internet disponible en todos los lugares y tampoco Wifi, ahí lo tienen en sus aparatos celulares y la cobertura es cara y no extensiva.

Maica comenta:

Shaka Fumu presenta video performances de callejeros andantes, y esta manera, denuncia constructivamente las adversidades de su país y su población.

Sus mensajes artísticos y musicales surgen de su experiencia personal de niño y son vivencias de la situación sociopolítica contemporánea en su nación, como la guerra en el este de su país, la corrupción, la explotación neocolonial de los minerales.

Conocedora importante del trabajo de este africano artista, la antropóloga y curadora Maica Gugolati, refiriendo a la exposición «Mediante un mosaico fluido» (2020) nos refiere a una de las piezas más emblemáticas de Shaka, que lo marcó en tanto fue su experiencia de infancia y crecimiento: la «Guerra de los seis días».

Esta guerra fue un conflicto armado ocurrido en el año 2000, entre los ejércitos de Uganda y Ruanda y el de los rebeldes congoleños, tras el fin oficial del genocidio étnico en Ruanda.

Shaka Fumu Kabaka; El robot de tapas, 2018

Debido a esta guerra, muchos niños perdieron la oportunidad de vivir su vida infantil durante ese tiempo, incluido el propio artista. Ella comenta:

Como testigo directo de este conflicto, Shaka transformó sus recuerdos impresos en inspiración para el diseño de disfraces de cuerpo completo y máscaras faciales hechos con materiales reciclados.

Describe los trajes completos como cuerpos «muertos vivos» de los soldados de la guerra, a los que llamó «robots». Los trajes, hechos con un ensamblaje de piezas de desecho encontradas en los basureros de Kinshasa, son una representación de la descomposición que sufrieron los soldados.

Para él, los soldados se convirtieron en almas contaminadas que, como basura en un vertedero, se estancan y ponen en peligro la vida cotidiana de los niños.

Sin embargo, a través de su práctica de reciclar materiales, está reciclando esas almas y reutilizándolas en contraejemplos que reviven eventos y acciones, para que no se repitan.

Sus robots siguen el poder de las máscaras tradicionales de África Occidental de mediación entre el mundo espiritual y el humano.

En el caso del artista, sirven para establecer nuevas comunicaciones que atraviesan el tiempo, desde los recuerdos del conflicto hasta la época actual de las generaciones más jóvenes.

Bajo su representación, cada robot se convierte en una especie de «autómata» que atrae y asusta a los niños que caminan por las calles; los hace reír y desafía su valentía.

Este juego renueva el sentimiento de asombro en estos niños, haciéndoles asumir su infancia. «Quiero decirles a los niños que no deben perder la esperanza, porque el futuro nos pertenece», comentó Shaka (M. G. «Through a Fluid Mosaic», exposición, 2020).

Shaka Fumu Kabaka; Hombre navaja

A través del acto de recolectar y volver a ensamblar objetos «rechazados» por la sociedad de consumo, nos da ejemplos de formas de volver a donar nuevos valores. Al hacerlo, da un mensaje de esperanza de un futuro sostenible y solidario para la gente de su país, especialmente para las generaciones más jóvenes que seguirán creándolo.

Precisamente, juntos con Maica Gugolati compartimos que Shaka crea esculturas móviles que se hacen para estar vivas y deambular por las calles de la capital.

Las galerías o museos están en las últimas destinaciones de sus creaciones; cada robot contiene historias sociales de la vida real, de la gente de la ciudad que se narran de manera performativa a través del acto de caminar por las calles.

Shaka narra a través del acto performático historias del país que podrían ser desconocidas para la mayoría de la gente inculta de las calles. La intención del artista es educar, sensibilizar y denunciar los problemas a través sus performances urbanos.

Shaka imparte talleres artísticos con los niños donde aprenden la práctica del reciclaje artístico. Ahí él expande su crítica social como músico de Afrotrapp Slam y Rap en el grupo musical y artístico: Astropotes Kollectif.

Shaka Fumu Kabaka; El robot de CD, 2018

Discursos del sur global

Ese es precisamente el sur global, el cual tanto nos interesa observar en nuestros estudios contemporáneos y ante la emergencia que reinicia el mundo después de la pandemia que del todo no desaparece, en tanto existan artistas que levanten la mano para ser sentidos y valorados apreciando sus propuestas, que son un universo disiente, pues los artistas congoleses no están conformes con solo lo que natura brinda, y trabajan por más.

En este caso particular, el trabajo del arte contemporáneo resulta un fundamental aliado de todos estos procesos culturales, sociales y de descolonización que enmarcan la periferia más periférica del mundo.

Hacer trajes donde se reviste el cuerpo es una práctica compleja, en la cual se debe lidiar con la diversidad material, que implica la colecta, limpieza y ajustes, pero también está la temperatura, el clima, la estrechez económica, y sacarle el mejor provecho creativo a unas tapas de botellas plásticas para crear un vestido, el cual a su vez es un escenario donde demostrar que no hace falta tener materiales costosos ni estar en Berlín, Nueva York, Tokio, Venecia o París, para alcanzar la calidad y la hechura convincente de la obra de arte en estos tiempos tan difíciles.

El artista obedece a su intuición, la más cara sustancia del entendimiento que le dicta hacia dónde ir, o cómo llegar, cuándo detenerse.

Esa experiencia se perfila y acrecienta con la experimentación, en el trabajo del taller, al tratar de resolver problemas ingentes que de pronto desestabilizan la indumentaria creativa, pero si se tiene el rigor y visión de hacer las cosas de la mejor manera posible, eso calará tarde o temprano, ahí en el taller, o en el campo; no importa dónde se esté, la creatividad fluirá marcando un territorio creado por el arte.

No se trata de la antigua idea romántica del poeta, el músico o el pintor encerrado en su torre de marfil, sino de un individuo que busca, ensancha su taller para dar cabida a esa energía creativa que afecta beneficiosamente y que transforma todas las cosas a su alrededor.

Esta reflexión entablada a partir de los trabajos críticos de Shaka Fumu Kabaka, en este 2022 tan paradigmático, nos muestra las armas creativas, que, si no se saben sostener y sacarles provecho, se pueden devolver y golpearnos.

Shaka Fumu Kabaka; Boga, 2020

Se corre el peligro de que estos trajes matéricos, colectados en basureros y remanentes de lo que viene de los países centrales en forma de subproductos, se nos peguen a la piel y sean difíciles de remover, aquellos espejismos de una vida prestada que solo sabe sacar réditos a todo lo que hagan ellos mismos, de sus mismos productos y discursos centrales ya cansados por el ajetreo de la vida moderna, y pueden comportarse, como viejos «gangoches» que, en vez de servirnos y hacernos la vida más cómoda, se aprovechan de nuestra fragilidad, y, tal como un día dijo acá en Costa Rica nuestro poeta turrialbeño Jorge Debravo: «terminan siendo nuestros carceleros».

A veces —aconseja el poeta—, «hay que rasgarlos y deshilacharlos y quedarnos al frío desnudos en medio al viento, pues así buscaremos un traje nuevo que nos quede a la medida de nuestras necesidades y no ese fantoche deshumano que además es ajeno» (Debravo. Nosotros los Hombres. 1970. p. 36).

Estas prácticas culturales de la periferia, aunque ya son bastante conocidas, siempre traen un nuevo matiz, un rasgo de identidad que es único, pero que no está aislado, pues se conectan en ese reservorio del talento y entendimiento crítico de un ser humano que llamamos artista, plástico o visual, y de pensamiento crítico.

No conozco en persona a Shaka Fumu Kabaka, tan solo comparto con él algunos mensajes en inglés por Messenger o WhatsApp, pues su lengua materna es la Lingala, swahili y el francés, recuérdese que su país fue colonizado por Bélgica, pero lo intuyo, lo adivino, lo advierto, sé cómo actúa al doblar algunos elementos de sus trajes, al pegar esas tapas o atisbar a un horizonte creativo que se proyecta en la gran pantalla de la imaginación, más allá de su paisaje propio, ese con que cada uno de nosotros tenemos sintonía, y en tanto creemos en ello, somos fieles a nuestro talento creativo que nos ofrece soluciones aunque estén totalmente escondidas, llega el momento en que todo clarea, todo se descubre, y de pronto nos percatamos que eso era precisamente lo que andábamos buscando.

En sus propuestas —y con esto concluyo este acercamiento—, y sus colegas hombres y mujeres congoleses, están presentes soldados, figuras amorfas o morfológicamente correctas, con partes de radios u otros recuperaciones de la electrónica que asemejan al mito del «robocop» o del «transformer» que nos trajo el cine y TV de estos tiempos, amplio imaginario que constituyen esos trajes que, además de representar el disenso de un individuo y de una comunidad respecto a su entorno, y lo que les rodea, perfila un discurso honesto que exige equilibrio, simetría, consonancia o disonancia que se propongan aportar y que no se hagan solo de oídos sordos, por el verdadero desarrollo de estos pueblos del mundo, hoy tan ninguneados bajo la bota del poder, del mercado, y las nuevas hegemonías globalizadas.

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agosto 8, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

17 fotos de paisajes urbanos que son impresionantes y aterradores…

El futuro es hoy  y el cyberpunk, la modernidad futurista está llegando y tomando las calles. La densidad de población, la comodidad del espacio e incluso las mismas tendencias afectan en el diseño de la arquitectura de todo un barrio. 

Por esto mismo y para que te impresiones como nosotros te traemos una serie de fotografías que muestran diversos lugares reales del planeta. 

1-. El bloque 23 en el Barrio Belgrado, Serbia.  

 

 

 

2-. Las calles sobrepobladas de Hong Kong. 

 

 

3-. Dubái en el área de Nad Al Sheba.  

 

 

 

4-.  La zona de Caracas, Venezuela. 

 

 

5-. El gran contraste que hay en las zonas de Macao, China.  Podemos ver el rascacielos Grand Lisboa que mide 258 metros. 

 

 

6-. Una arquitectura eficiente de Hong Kong.

 

 

7-. Una casa acogedora en Nápoles, Italia. 

 

 

8-. La increíble calle Espiral en Chongqing, China. 

 

9-. Te presentamos la ciudad de El Cairo en Egipto. 

 

10-. 4 Casas privadas en el techo de un centro comercial de 8 pisos en la zona de Zhuzhou, China. 

 

11-. Una calle que parece salida de la zona de anuncios del periódico en Hyderabad, India.  

 

12-. Manila, Filipinas.

 

13-. Otra vez en China, ahora la famosa estación de tren de Liziba. Y sí, las vías del tren atraviesan el complejo de apartamentos. 

 

14-. El cementerio infinito de Hong Kong. 

 

15-. Hotel Ryugyong en Pyongyang en construcción

 

16-. La altura de la Torre Bliska Wola en Varsovia, Polonia. 

 

17-. La jungla urbana de Hong Kong. 

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agosto 3, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

El pueblo con un Museo de las Momias que es único en España..

Una de las momias que se exhiben en este museo en Quinto (Zaragoza).

20Minutos/Viajes(S.G.Volgers)  —  Ubicado en un cerro del municipio de Quinto del Ebro (Zaragoza), se encuentra el impactante Museo de las Momias. Este lugar no te dejará indiferente, ya que está cargado de secretos e historias muy sorprendentes.

El Museo de las Momias

Este Museo de las Momias, localizado a tan solo 50 km del centro de Zaragoza, es el único de esta tipología en España. Aunque algunos museos arqueológicos y antropológicos de la Península exhiben momias, solo este museo español está especializado en este tipo de piezas.

Además, otra de las curiosidades de este lugar es el espacio en el que se localiza, ya que se trata de un museo dentro de una antigua iglesia mudéjar del siglo XV que, al mismo tiempo, se construyó sobre el castillo árabe del siglo XI denominado “El Piquete”. 

Esta Iglesia de la Asunción en la que está el Museo de las Momias se desacralizó en 1982 y, durante su restauración en el año 2011 se encontraron momias de los siglos XVIII y XIX. Asimismo, uno de los rasgos que caracterizan estos cuerpos humanos a través de los cuales es posible viajar en el tiempo, es su increíble estado de conservación. Todo ello ha sido posible gracias a las condiciones de sequedad y temperatura estable dentro de la antigua iglesia.

¿Qué se puede ver en el museo?

Momias

Momia del bebé en Quinto del Ebro

Durante el recorrido por el museo, en el que se pueden hacer visitas guiadas, se observan restos humanos momificados de quince personas. Estas momias reflejan la vida pasada de personas de distintas edades, géneros y condiciones. Actualmente se exponen momias de siete adultos (mujeres y varones), además de ocho niños y niñas.

Vestimenta funeraria

Además de las momias, también se exponen elementos asociados a ellas, como trajes infantiles, zapatos, etc. También llama la atención que se hayan conservado los restos de hábitos franciscanos, ya que algunas de las personas momificadas pertenecían al ámbito eclesiástico.

Ataúdes

En el museo también hay ataúdes policromados, en los que se aprecian los colores que se utilizaban en el pasado, así como distintos motivos decorativos.

Objetos y complementos

Muchas de estas momias iban acompañadas de objetos como rosarios y crucifijos, lo que muestra la importancia del mundo religioso en los siglos XVIII y XIX. Asimismo, se han encontrado junto a estos restos humanos, joyas, pulseras, monedas e incluso objetos cerámicos. De esta forma, la visita resulta mucho más intrigante porque nos permite conocer el estatus social de cada una de estas personas. Al fin y al cabo, se trata no solo de un museo sobre momias, sino también sobre la vida y el más allá.

Otros lugares interesantes

Vista de Quinto del Ebro (Zaragoza)

Además del Museo de las Momias, la población de Quinto (que tiene cerca de 2.000 habitantes) destaca por ser un lugar de paso del Camino Jacobeo del Ebro. Muy cerca del museo y a pocos kilómetros de éste, se pueden visitar numerosos lugares de gran interés.

Portales medievales

Portal de San Antón de Quinto del Ebro

Alrededor del Museo de las Momias hay tres puertas de origen medieval, transformadas en el siglo XVII y XVIII, que merecen una visita por su carácter pintoresco. Estos lugares tenían como objetivo proteger las entradas de la localidad, cuyas casas se encontraban en el interior de un perímetro protegido por el muro que formaban las tapias altas y fuertes de los corrales que daban al camino exterior que rodeaba el recinto murado. Sin duda, los portales de San Miguel, San Antón y San Roque conforman una hermosa ruta a lo largo de este paisaje aragonés.

Quinto del Ebro (Zaragoza)

Un castillo en ruinas… con mucha historia e intrigas

Abandonado en el siglo XV, las ruinas del Castillo de Matamala se ubican en un promontorio, sobre la ermita medieval de Nuestra Señora de Matamala. Cargado de historia e intrigas, esta fortaleza fue propiedad del condado de Luna y, más adelante, de los Funes. Era un recinto rectangular con un torreón cuadrangular, situado en uno de sus extremos. Está a tan solo 4 km del Museo de las Momias de Quinto del Ebro.

Ermita de Matamala 

Antes mezquita, la ermita medieval de Nuestra Señora de Matamala se construyó en época medieval, durante el siglo XIII. Sin embargo, debido al aumento del tráfico, tanto en la carretera como en el ferrocarril, en el año 2001 el monumento se convirtió en una nueva ermita funcional.

Ermita de Bonastre

A unos 7,5 km del Museo de las Momias de Quinto del Ebro se encuentra la ermita barroca de Nuestra Señora de Bonastre, que se reconstruyó tras la Guerra Civil, y hoy en día destaca por sus espléndidas vistas del Valle del Ebro. El conjunto está formado por una iglesia principal y la antigua, convertida en nave de acceso a la actual, además de un edificio con dependencias auxiliares, que en parte ha desaparecido en la actualidad. El exterior de la ermita destaca por el pórtico central cuadrangular y, en el lateral de la fachada se sitúa el cuerpo correspondiente a la iglesia primitiva.

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agosto 3, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Historia de Irlanda…

Curiosfera  —  La República de Irlanda es una nación con una historia muy antigua e intensa. Un país que cuenta con costumbres y una cultura que se remontan a miles de años en el tiempo. Un territorio testigo de mil batallas y hogar de un pueblo luchador en todas sus etapas históricas.

Para conocer el origen de Irlanda (Eire), primero es necesario saber la situación geográfica del país. Irlanda es un estado insular europeo situado en el océano Atlántico y que ocupa el 83,3 % de la Isla que lleva el mismo nombre (Irlanda) en el archipiélago británico.

Es el único país de Europa que la mitad de sus habitantes viven fuera de sus fronteras. Históricamente es una tierra de emigración, sus verdes paisajes, sus pastos y sus suelos no han sido jamás capaces de alimentar a sus gentes.

Esta isla, convulsionada siempre por problemas religiosos, donde el catolicismo ha permanecido siempre vinculado a las tradiciones de raíz gaélica, se halla ahora dividida, pues su región norte, el Ulster, que pertenece a Gran Bretaña.

Irlanda es una de las repúblicas más jóvenes del Viejo Continente, pues se libró del yugo británico en 1949. Sin embargo, a pesar de la ancestral enemistad con sus vecinos británicos, algunos de los literatos irlandeses son la gloria de la lengua inglesa: poe­tas como Yeats, o bien dramaturgos como George Bernard Shaw y Samuel Beckett, o ambas cosas, como el gran Oscar Wilde.

En la capital de Irlanda, Dublín, nació James Joyce, tan amante de la tierra que puso el nombre de su ciudad natal a una de sus obras maestras, Dublineses.

• Continente: Europa.

• Superficie: 70.280 km².

• Capital: Dublín.

• Población: 4.832.415 habitantes.

• Moneda: euro.

• Lenguas oficiales: inglés e irlandés.

Prehistoria y Antigüedad

Los primeros restos humanos encontrados en Irlanda pertenecen al mesolílico. Durante el neolítico, de corta duración, y la Edad del Bronce se introdujeron nuevas culturas, entre las que adquirió especial arraigo la cultura megalítica.

Paralelamente, se intensificaron las relaciones comerciales con el continente. Más tarde (500 a. C.) los celtas, conocedores ya de la metalur­gia del hierro, invadieron el país.

Aunque eran poco numero­sos, impusieron su lengua y revolucionaron los modos de vida vigentes hasta entonces (dioses, organización política, artes y costumbres). Al advenimiento de la era cristiana el clan, como unidad política, había sido superado con la formación de varios reinos.

Nación gaélica

La religión de la mayoría de los irlandeses era aún el drui­dismo a principios del siglo V. Entonces fue enviado San Patricio (año 432), quien en treinta años convirtió casi todo el pueblo irlandés al cristianismo y organizó una Iglesia nacio­nal, que pronto se distinguió por la importancia del monarquismo y la erudición de sus monjes.

San Patricio, patrón de Irlanda

La actividad evangeli­zadora de la Iglesia irlandesa trascendió al exterior de la isla y se extendió a Escocia. Inglaterra e incluso el continente. No obstante el florecimiento espiritual irlandés en esta época, y el de Irlanda en general, la anarquía existente permitió las incursiones y saqueos de los noruegos, que desde fines del siglo VIII visitaron las costas irlandesas y se instalaron en diversas poblaciones (Dublín, Cork, Limerick).

Aunque no lograron conquistar el país; Brian Boru, al vencerles en la batalla de Clontarf (1014), acabó con el peligro que representaban sus incur­siones. Esta victoria no terminó con el desorden interno, lo que dio ocasión de intervenir a los normandos, ya instalados en Inglaterra.

Soberanía inglesa

Llamados por Dermot MacMurrough, rey de Leinster, tomaron Dublín y consiguieron para su jefe, Pembroke, dicho reino (1171). Ello suscitó los recelos de Enrique II de Inglate­rra, el cual obtuvo por concesión papal (1172) la soberanía sobre la Iglesia y el pueblo de Irlanda.

Desde 1175 (tratado de Windsor) ésta quedó sometida a la corona inglesa, que repartió extensos territorios entre los nobles ingleses.

A partir de la dinastía Tudor el fortalecimiento de la corona inglesa trajo consigo también la consolidación de su dominio sobre la isla y la represión de todos los intentos de independencia (rebeliones de O’Neill y O’Donnell), que buscaban su apoyo en las poten­cias extranjeras.

A ello se añadió, con la introducción de la Reforma en Inglaterra, el enfrentamiento religioso, pues Irlan­da permaneció fiel al credo católico. Estallaron sublevaciones en Munster y Ulster, cuyo fracaso provocó la confiscación de tierras y su entrega a colonos escoceses e ingleses (1541), lo que hizo estallar revueltas campesinas.

Las luchas entre la corona y el Parlamento dieron ocasión a una nueva subleva­ción, a la que la Confederación de Kilkenny (1642) dio cierto orden y legitimidad; pero su derrota (Drogheda, Wexford, 1649) acarreó la confiscación de tres cuartas partes de las tie­rras.

La política represiva alcanzó su máxima dureza con el establecimiento de las leyes penales (1702-05), que impusieron la más absoluta sumisión a los católicos irlandeses. Posterior­mente, la disminución de la intransigencia religiosa y la nece­sidad de conseguir las simpatías de Irlanda, para hacer frente a la rebelión de las colonias americanas, condujeron a la relaja­ción de las medidas opresivas.

Acta de Unión (1800)

La difusión de las ideas revolucionarias francesas, propaga­das por Wolf Tone, provocaron la revolución de 1798 y condujeron a Pitt proclamar el Acta de Unión (Union Act, 1800), por lo que todo el archipiélago pasaba a formar parte del Reino Unido.

A partir del siglo XIX Irlanda, país de recursos básicamente agrícolas, quedó en desventaja frente a una Inglaterra que se industrializaba rápidamente.

El aumento de población, que se duplicó en medio siglo, produjo una crisis de subsistencia, agravada por la enfermedad de la patata, cuyo resultado fue una emigración masiva, con la consiguiente disminución de la producción y la superficie cultivada y la concentración de la propiedad.

Estas catástrofes provocaron la radicalización de la conciencia nacionalista. Al movimiento pacifista de O’Connell (quien consiguió en 1829 la emancipación de los católicos) sucedieron el de la Joven Irlanda y el de los Fenians, de tipo republicano.

Fracasadas las protestas independentistas, éstas se canalizaron luego por la vía parlamentaria en la petición de autonomía (Home Rule), dirigida por Parnell, mientras una minoría se constituía en sociedades secretas (Sinn Féin), exi­giendo la independencia. Pero la minoría protestante, centrada en el Ulster, se opuso (1914) a cualquier proyecto de autono­mía.

Guerra civil e independencia de Irlanda

Los nacionalistas se sublevaron en 1916, y a pesar de que fueron derrotados, su espíritu prendió en el país, cuya autono­mía tuvo que ser reconocida por el Gobierno británico en 1921.

El Acta del Estado Libre de Irlanda (Sciórstcit Eireann) conce­dió a la isla un estatuto de Dominio (gobierno y parlamento propios, pero con un gobernador general que representaba al soberano británico), excepto a los condados del norte (Ulster), que permanecieron dentro del Reino Unido. Este acuerdo fue rechazado por los republicanos irlandeses, los cuales, guiados por Eamon de Valera, reanudaron la guerra civil.

En 1932 el partido moderado (Fine Gael) fue derrotado por el radical-nacionalista de De Valera (Fianna Fáil). Durante cuyo mandato (1932-48) se aprobó una nueva Constitución en 1937, que daba al Estado irlandés, con el nombre de Eire, una independencia casi completa.

En abril de 1949 se proclamó legalmente la República independiente de Irlanda (Eire), que se retiró de la Commonwealth. Sean O’Kelly fue nombrado presidente de la República, cargo para el que fue reelegido en 1952.

Le sucedió en 1959 De Valera, reelegido a su vez en 1966. En este mismo año, las protestas en tomo a la política agraria motivaron la sustitución del primer ministro Sean Lemass por John Lynch, reelegido en 1969.

Época actual

En la década de 1960 se inició un acercamiento a Gran Bretaña, dificultado por el recrudecimiento del conflicto polí­tico en el Ulster. Tras un referéndum en 1972 Irlanda ingresó en la Comunidad Económica Europa (CEE).

El retroceso del Fianna Fáil en las elecciones de 1973 propició un gobierno de coalición Fine Gael-laboristas, con Liam Cosgrave como pri­mer ministro. En el mismo año De Valera fue sucedido en la presidencia por Erskine Childers, reemplazado a su muerte por Cearbhall O’Dálaigh (1974).

En 1976 arreció el terroris­mo del IRA en el país y el Gobierno irlandés endureció su política. Tras las elecciones legislativas de 1977, J. Lynch, de Fianna Fáil, reemplazó a Cosgrave como primer ministro, pero su política de conciliación con Gran Bretaña le forzó a dimitir.

Desde las elecciones de 1981 se alternaron los Gobier­nos de Fine Gael-laboristas, encabezados por Garret Fitzgerald (1981-82 y 1982-87), y de Fianna Fáil, presididos por Haughey (1982 y 1987-92). Durante su mandato, éste impulsó la aprobación en referéndum de la adhesión irlandesa al Acta Única Europea (26 mayo 1987). En las presidenciales de noviembre de 1990 venció la independiente Mary Robinson.

En 1992 se formó un Gobierno de coalición entre el Fianna Fáil y los laboristas presidido por Albert Reynolds, quien fir­mó el tratado de Maastricht (por el cual en 2002 entró en vigor el euro) y negoció un alto el fuego del IRA que abrió una perspectiva de paz para el Ulster.

Después de que Rey­nolds perdiera el apoyo de los laboristas se sucedieron un Gobierno del Fíne Gael presidido por John Bruton (1994- 1997) y más tarde otro del Fianna Fáil encabezado por Berti Ahem (a partir de 1997).

A esta formación también pertenecía Mary McAleese, elegida presidenta ese mismo año. Ahern dio apoyo a la firma del acuerdo de paz del Ulster (1998). Tras haberlo rechazado en un referéndum en junio de 2001, Irlanda ratificó en octubre de 2002 el tratado de Niza, que prevé la ampliación de la Unión Europea.

En un nuevo plebiscito, los electores se mostraron contrarios a un proyecto que pretendía endurecer la legislación contra el aborto. El 1 de enero de 2002 entró en vigor el euro.

Historia de la bandera de Irlanda

El origen de la bandera de Irlanda proviene de la gran hambruna irlandesa entre 1846 y 1850, causada por la enfermedad de la patata, que sumió a la isla en una profunda miseria. Un tercio de la población murió de hambre, y la mitad de los supervivientes se embarcó hacia el Nuevo Mundo (Canadá y Estados Unidos), lo que convirtió esta isla en una tierra casi despoblada.

Sin embargo, fue en Francia donde Thomas Francis Meagher, uno de los jefes del Young Ireland Movement (movimiento “Irlanda Joven”), encontró el modelo de la futura bandera nacional que reconciliaría al pueblo irlandés inspirándose en la tricolor francesa.

Por lo tanto, el creador de la bandera irlandesa es Thomas Francis Meagher.

El significado de los colores de la bandera de Irlanda es:

• El color verde, representa a los católicos y a las viejas tradiciones gaélicas

• El color naranja, en alusión a Guillermo III de Orange (1650-1702), líder carismático de los protestantes.

• El color blanco, a modo de guión, simboliza la anhelada paz entre ambas confesiones religiosas. Pues esta isla, situada a la altura de Inglaterra, acoge un país de turberas salpicadas de lagos que ha conocido constantes enfrentamientos entre católicos y protestantes en su camino hacia la independencia.

Este estandarte fue enarbolado en 1848, en un contexto de odio hacia lo inglés y en plena “Primavera de los Pueblos”. Así como también en 1916, durante el Alzamiento de Pascua. Hubo que esperar a 1919 para que la bandera fuera adoptada oficialmente por este estado insular de Europa occidental.

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junio 30, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Cuáles son las mejores ciudades del mundo para alcanzar un equilibrio entre el trabajo y la vida personal…

Infobae  —  La calidad de vida y las oportunidades laborales son dos factores fundamentales para toda persona a la hora de elegir una ciudad en la que fijar su residencia. En esta ocasión la compañía de software Kisi, realizó un estudio en el que analizó cuál es la mejor ciudad del mundo para vivir y trabajar en base a diferentes criterios.

Según esta empresa, la ciudad del mundo con el mejor equilibrio entre el trabajo y la vida personal es Oslo (Noruega). Su industria marítima, así como su gastronomía y patrimonio histórico, son algunos de los puntos más destacables de la capital noruega.

El resultado del estudio se fundamenta en tres categorías, como la intensidad de trabajo (vacaciones, desempleo, inflación, tasa de empleabilidad), sociedad e instituciones, donde se evalua el acceso al sistema de salud y habitabilidad de la ciudad (ocio, seguridad, bienestar, calidad del aire).

Cierran el podio de mejores ciudades Berna (Suiza), en segunda posición, y Helsinki (Finlandia) en tercera. Por otro lado, el resto de las diez primeras posiciones las ocupan Zúrich (Suiza), Copenhague (Dinamarca), Ginebra (Suiza), Ottawa (Canadá), Sidney (Australia), Stuttgart (Alemania) y Múnich (Alemania).

De este modo, Suiza cuenta con tres ciudades entre las diez mejores para vivir y trabajar, y Alemania con dos.

El estudio también destacó varias ciudades donde menos del 10% de la población tiene que afrontar exceso de trabajo, como Ámsterdam (Los Países Bajos) o Sídney (Australia)

Por otro lado, las ciudades con peor valoración del ranking para conciliar el trabajo con la vida personal son Dubai, considerada por esta clasificación como la ciudad más sobrecargada de trabajo, entre un 17 y un 24%. A la ciudad de los Emiratos Árabes Unidos le siguen otras como Hong Kong, Kuala Lumpur (Malasia), Singapur y Montevideo (Uruguay).

En cuanto a Estados Unidos, la ciudad mejor situada en el ranking es Seattle (puesto 32). Otras urbes estadounidenses que figuran son: Portland, Minneapolis y Salt Lake City. París, por ejemplo, se ubica en el puesto número 28, justo por detrás de Londres.

El estudio también destacó varias ciudades donde menos del 10% de la población tiene que afrontar exceso de trabajo, como Ámsterdam (Los Países Bajos), Buenos Aires (que cayó al puesto 48° al 95°) o Sídney (Australia).

Aquellos que aprecian su viaje de cinco minutos por la mañana de la cama a la sala de estar pueden querer considerar Singapur, Washington D.C. o Austin, donde el mayor porcentaje de puestos de trabajo se puede realizar de forma remota en alrededor del 50% de los empleos.

El síndrome de burnout, fue reconocido en 2019 como un trastorno mental en la Clasificación Internacional de Enfermedades (CIE) elaborada por la Organización Mundial de la Salud (OMS).

El organismo lo asocia a la sección “problemas asociados al empleo y desempleo” y lo describe como “un síndrome resultante de un estrés crónico en el trabajo que no fue gestionado con éxito”.

De acuerdo con un reciente estudio realizado por el portal de empleos, Bumeran, la ocurrencia del síndrome de burnout en Argentina es del 80,2%, al igual que en Chile. En Perú es del 72,9% y en Panamá el 53,6%.

A nivel regional, los usuarios han experimentado en su mayoría estrés, falta de motivación y un agotamiento fuera de lo normal a causa de la carga excesiva de trabajo.

La pandemia de COVID-19 ha tenido grandes efectos en el estrés laboral, ya sea al trabajar desde los hogares o al asistir al trabajo. Luego de un año y medio de pandemia, el 86% de usuarios de la región asegura que se encuentra más “quemado” que el año pasado.

Además, para aquellos que trabajan de manera remota, un 45% asegura que le genera ansiedad la vuelta a la oficina. En el caso de Argentina, la cifra de usuarios que admiten estar más agotados que el año pasado alcanza el 90%.

A su vez, un 53% de los usuarios argentinos admite que trabaja más horas de lo que dura la jornada laboral. La pandemia pone sobre la mesa la organización de los horarios de trabajo, puesto que con ella se han acelerado fenómenos que podrían alimentar esta tendencia que aumenta los períodos de empleo.

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junio 27, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Cuáles son y dónde están los hoteles más sostenibles del mundo

Uno de los elegidos, escondido en el desierto de Egipto.

Voy de Viaje  —  Con el tiempo, cada vez se hace más común que los hoteles (y emprendimientos en general) incorporen un diseño verde. Algunos cambios simples como evitar los plásticos de un sólo uso y reciclar el agua pueden sumar mucho al cuidado de la naturaleza.

Acá los cuatro hoteles más sostenibles del mundo, según la página especializada The Hotel Journal:

Bambu Indah, Bali

Bambu Indah es “un retiro de jungla con mentalidad sostenible”. Está inmerso en un paisaje tropical, y sus construcciones se camuflan entre la vegetación.

Se trata de varias estancias independientes elevadas sobre arrozales y jardines orgánicos, todas están construidas con estructuras de bambú obtenido de forma ecológica.

The Hideout, Tailandia

Este hotel se encuentra en en Koh Yao Noi, en una antigua plantación de anacardo (un fruto similar a la nuez). Como en el sueño de cualquier niño, se compone de casas de árbol, que se abren paso entre las copas. No trabaja con plásticos, no tiene electricidad y la pileta es de agua salada.

Adrère Amellal, Egipto

Casi no se distingue dónde termina el desierto y dónde comienza el hotel. Su diseño imita el paisaje milenario que lo rodea. Las puertas y los muebles están hechos de madera de olivo y tampoco cuenta con luz eléctrica “por la noche, la única fuente de luz son las numerosas velas de cera de abeja, los faroles y el cielo del desierto”.

Kip, Sri Lanka

Se encuentra en un pueblo pequeño y tradicional, rodeado de selva y playa. Tiene un patios con plátanos, cocoteros y paltas “para disfrutar de su práctica de yoga, abrazar su pulgar verde y, lo más importante, descansar y relajarse”. The Kip utiliza recursos sostenibles, apoya a las comunidades locales y traslada toda su basura a un centro de reciclaje.

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junio 26, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

¿Sobrevivir al toro? Qué son y cómo nacieron las fiestas de San Fermín en España…

Milenio(D.Rodríguez)  —  Las 08:00 horas del 7 de julio. Para muchos, el inicio de una jornada laboral cruzando la ciudad para llegar a tiempo del tráfico, con o sin desayuno en tu trayecto, y preparado para un día más de rutina… pero en Pamplona es otra historia, una tradición que viene desde los tiempos medievales y que es una de las principales fechas patronímicas de España, aunque fueron suspendidas por la pandemia de covid-19

Esa misma mañana, miles de personas se preparan para participar en el encierro más famoso de España —y quizás del mundo—, el de los toros en San Fermín, donde no saben si saldrán ilesos, con heridas de una cornada o incluso, el último día de sus vidas aún pidiendo al santo patrono que los guíe en el evento con su bendición.

Siempre igualado, jamás imitado; el Festival de San Fermín no sólo ha sido retratado entre las páginas de Ernest Hemingway, sino también se ha replicado ese encierro con los toros en algunas otras partes del mundo —como en México—, pero ¿Cómo nació esta fiesta patronal? ¿Qué lo ha mantenido durante siglos? ¿Qué ha tenido que cambiar por los tiempos modernos?

La tradición, al pie de la letra, Las actividades de San Fermín son plenamente planificadas para que se realicen durante los siete días casi de forma idéntica del 7 al 14 de julio, donde las calles se vuelven completamente una fiesta.

El Chupinazo y el «Pobre de mí»

El inicio formal de las fiesta de San Fermín comienzan el 6 de de julio a las 12:00 del mediodía con el tradicional lanzamiento del ‘Chupinazo’, que consiste lanzar un cohete desde el balcón del Ayuntamiento de Pamplona —en la Plaza Consistorial, al centro de la ciudad— mientras miles de personas se reúnen ahí y en otros puntos de la ciudad.

Quien es el encargado de lanzar el cohete son tanto el alcalde de la ciudad como los concejales del ayuntamiento.

En los últimos años han tenido el honor de lanzarlo gente de la comunidad y quienes participan activamente en los festejos de San Fermín.

Las personas suelen usar el tradicional pañuelo rojo durante las fiestas, ya que es típico de la festividad y se inicia al grito de «Pamploneses, Pamplonesas, ¡Viva san Fermín! Gora san Fermin!».

Y para finalizar los festejos de San Fermín, miles de personas se vuelven a reunir en la Plaza del Ayuntamiento en la noche del 14 de julio, donde el alcalde se acerca al balcón y todos los asistentes, con velas y pañuelos, empiezan a cantar al filo de la medianoche «Pobre de mí…», la melodía de despedida de los festejos.

«¡Viva San Fermín! Gora San Fermín!… ¡Pobre de mí, pobre de mí, que se han acabado las fiestas de San Fermín!»

Lo cohetes ya existían, pero no el ‘Chupinazo’

Antes del ‘Chupinazo’, a inicios del siglo XX se sonaban las campanas al mediodía para representar el inicio de las fiestas patronales, en que durante la tarde se lanzaban diversos cohetes en la Plaza del Castillo para representar la llegada de la fiesta.

Pero fue hasta 1940 —cuando apenas acababa la Guerra Civil Española— que el teniente (y posterior alcalde), Joaquín Ilundáin, junto al periodista José María Pérez Salazar (ambos falangistas) deciden dar más solemnidad al evento lanzando el cohete desde el balcón del ayuntamiento, estableciendo que los concejales son quienes también deben iniciar las fiestas.

El Riau-Riau

Llegada la tarde, a las 16:30 horas, se «inicia» un evento que estaba en la historia de la tradición, pero que se ha ido «eliminando» de forma oficial en programa debido a que es un conato de enfrentamientos violentos con la policía: el Riau-Riau.

Originalmente consistía en que en que los concejales hacen un desfile desde el Ayuntamiento de Pamplona hasta la Iglesia de San Lorenzo, cuya ermita está dedicada a San Fermín mientras ciudadanos, turistas, músicos de la banda La Pamplonesa y la comparsa de Gigantes y Cabezudos cantan y bailan el Vals de Astráin —compuesta en 1890 por Miguel Astaráin y originalmente llamada «La Alegría por San Fermín» e implantada en 1914— por el camino.

Sin embargo, era tal la masa de gente que hasta los concejales tardaban hasta cinco horas en llegar en un trayecto que es de sólo 6 minutos caminando (500 metros).

Fue a partir de 1991 que quedó plenamente cancelado debido a los enfrentamientos violentos, donde varias personas quisieron asaltar el ayuntamiento.

Pese a que se ha intentado recuperar de forma oficial, ha fracasado tanto en 1996 como en 2012 ante el riesgo de enfrentamientos violentos con la policía y por motivos de seguridad de las personas ante el tumulto de gente que se aglutina.

El encierro

Al día siguiente, el 7 de julio, se inicia el evento principal de San Fermín: el encierro.

Cualquiera persona mayor de 18 años puede participar en ella, según uno de los portales turísticos del evento, pero se exige no estar alcoholizado, llevar el vestuario adecuado, no traer objetos y respetar las vallas impuestas por la policía, ya que es un evento que puede generar lesiones, incluso, la muerte.

Los seis toros de lidia —provenientes de varias ganaderías regionales—, junto a otros 8-9 cabestros y los propios pastores —que son quienes guían su ganado dentro del tramo oficial— deben estar listos para el inicio del encierro llegando a las 18:00 del día anterior en el aparcamiento de Corralillos, al extremo norte de la «ciudad vieja» de Pamplona, y comprende la cuesta de Santo Domingo que va en dirección al Ayuntamiento.

La gente que participa directamente en el encierro debe ingresar entre las 6:30 y las 7:30 de la mañana desde Corralillos. Los espectadores deben estar en con dos vallas de seguridad y no pueden saltar a la calle durante el encierro.

En esa cuesta está una hornacina —un hueco donde se coloca un adorno— a San Fermín. A las 7:55 de la mañana, quienes van a participar activamente en el encierro deben vitorear a San Fermín tres veces —la segunda a las 7:57, y la última, a las 7:59 de la mañana— con el fin de guiarlos en el encierro con un cántico tanto en español como en euzkera mientras agitan rollos de papel, generalmente de periódico.

«A San Fermín pedimos por ser nuestro patrón, nos guíe en el encierro dándonos su bendición / Entzun, arren, San Fermin zu zaitugu patroi, zuzendu gure oinak entzierro hontan otoi. ¡Viva! ¡Gora!»

A las 8:00 de la mañana, en punto, se lanza un primer cohete, indicando que se da inicio al encierro y que los toros salgan del corral. Todos corren desde la cuesta de Santo Domingo hacia la Plaza de Toros de Pamplona.

El tramo es de 825 metros y no dura más allá de los cinco minutos. Tanto los toros como los participantes del encierro caminan desde la cuesta hacia el Ayuntamiento, donde deberán dar vuelta en un pequeño tramo en la calle de Mercedes, y después doblar en la calle de Estafeta —donde están los balcones y es el tramo más recto— y seguir su camino hasta la plaza de Toros en la esquina del edificio de Telefónica.

Se lanzan dos cohetes más, el segundo cuando todos los toros han dejado el corral y un tercero cuando llegan los animales a la plaza de toros. Los pastores generalmente están vestidos de verde y cuentan con palos para guiar a los animales en el trayecto.

Las personas que participan tienen prohibido hacer maltrato a los toros, como jalarles del rabo o darles patadas. En pleno encierro, algunas personas terminan siendo presas de los toros y terminan cornados. Al final, los servicios de emergencia trabajan de forma inmediata con los potenciales heridos.

La ciudad de Pamplona cubre todos los gastos de los heridos y la muerte de los participantes.

El cántico a San Fermín, desde hace 60 años

El cántico fue instaurado en 1962. Es un fragmento del himno de la peña La Única, con letra de Joaquín Zabalza, miembro de Los Iruña’ko, un grupo musical de cánticos populares, con música de Manuel Turrillas.

Desde 2009 se hacen los cánticos tanto en español como en euzkera.

Ligeros cambios en el encierro de San Fermín

Antes de 1924, el encierro comenzaba plenamente al amanecer, a las 6:00 de la mañana. Lo que hizo ajustar el horario fue la crisis del petróleo de1973, que derivó a la implementación del horario de verano. Por ello, el encierro cambió de su inició a las 7:00 de la mañana.

Posteriormente se fue adaptando a que fuese a las 8:00 de la mañana. La ruta sólo tuvo una pequeña variación con los siglos.

Originalmente culminaba en la Plaza del Castillo, pero se cambió en 1856, cuando se encaminaba a la primera plaza de toros que tenía la ciudad. La actual fue construida sobre la anterior e inaugurada en 1920.

La comparsa y otras actividades

Entre las 9:30 y las 10:00 de la mañana comienza el desfile de los «gigantes y cabezudos», una comparsa que consta de 25 figuras, que destacan cuatro parejas de reyes y reinas gigantes de cuatro razas y lugares diferentes del mundo —Europa, Asia, América y África—, así como los cabezudos (kilikis), las cabezas que son diseñadas de forma caricaturesca. La mayoría de las figuras de los reyes llevan en su mano un elemento distintivo.

El rey europeo un cetro y una espada, la reina un abanico cerrado, el rey asiático una espada sarracena, su pareja una copa, el rey africano otra espada sarracena, la africana no lleva nada, el rey negro porta en sus espaldas un cilindro con flechas y un arco, y la reina negra llevaba en tiempos un abanico abierto de plumas, pero desde hace casi un siglo está desprovista de él.

Mientras que los kilikis, que su único cometido es el de pasear y preceder a los gigantes, son los pequeños cabezones —nombrados como Concejal, Japonés, Alcalde, Abuela, Japonesa, Patata, Barbas, Coletas, Caravinagre, Napoleón y Berrugón— y que suelen llevar varillas para «golpear» a los niños, además de ir acompañados con seis caballitos (zaldikos) de escenografía.

Una comparsa antigua, pero no tanto

Existe constancia de su existencia desde el siglo XVI aunque en el XVIII cayeran en el olvido, principalmente por los motivos religioso.

La corte de reyes actual de 1862 y las figuras son obra del escultor Tadeo Amorena, a quien el Ayuntamiento de Pamplona encargó dos años antes crear ocho gigantes que representan los entonces cuatro continentes o razas.

Algunos de los kilikis fueron creados después, en 1921 y 1941.

En las tardes, se realizan corridas de todos para sacrificar a los seis animales que participaron en la mañana en el encierro —que siempre están llenas de asistentes—, mientras que en las calles aledañas, los restaurantes y bares están repletos de turistas.

En la noche, todos los días a las 23:00 horas hay fuegos artificiales, debido a que también hay un concurso para la mejor pirotecnia, que se pueden ver desde el parque de la Ciudadela de Pamplona.

Una fiesta patronal del medievo que se mantuvo por siglos

La fiesta de San Fermín es producto de la evangelización tardía del pueblo vasco —que adoptó el cristianismo en los siglos IX y X— y la evolución de una fiesta medieval que se ha mantenido por siglos, pero que ya tuvo sus registros formales hasta el año 1592.

Los vascones —los ancestros de los actuales vascos— habitaron la región que hoy comprende Navarra, la Rioja y el oeste de Aragón y fue controlada tanto por los romanos como los visigodos en las guerras germánicas y los árabes en la conquista de la península Ibérica entre el siglo I de nuestra era hasta el IX.

Los romanos —el general Cneo Pompeyo— fundarían la ciudad de Pamplona, debido a las guerras de Quinto Sertorio en el año 74 a.n.e (antes de nuestra era), pero terminaría siendo habitada por los vascones que tuvieron que resistir guerras y embates durante gran parte de la alta Edad Media.

Con los visigodos sería la evangelización forzada de los vascones en el año 589, de ahí que se empezaran a adoptar figuras religiosas que presuntamente nacieron en la zona, entre ellas, el obispo de Amiens y de Pamplona, Fermín.

Pero fue hasta 1592 que el ayuntamiento de Pamplona, decidió juntar las fiestas de San Juan con las de San Fermín, y que estas se realizaran en julio, que era el momento de mejor clima y se podrían realizar con mayor probabilidad las corridas de toros.

Es ahí cuando nace el concepto formal de la fiesta patronal de Pamplona. Para los años de entre 1600 y 1800, la fiesta ya era famosa en España, y por algunos extranjeros, donde ya estaban documentadas las corridas de toros, y las afectaciones que dejaba la fiesta con personas alcoholizadas y conflictos callejeros.

La fama mundial de la fiesta de San Fermín nace hasta la visita del escritor estadunidense Ernest Hemingway, quedó fascinado cuando lo visitó por primera vez en 1923 y que fue inspiración para su novela Fiesta (The Sun Also Rises) publicada tres años después, donde retrata a expatriados estadunidenses y británicos que viajan desde París al Festival de San Fermín en Pamplona para ver los encierros y las corridas de toros.

Tal importancia fue la aportación de Hemingway que una estatua de su persona está en la entrada de la plaza de toros de Pamplona, que está fechada en 1968. Las fiestas han ido evolucionando a partir de la década de 1940, que es cuando se añadieron los cánticos, el Chupinazo y los fuegos arteriales.

San Fermín de Amiens, el «santo patrono»

De acuerdo con las leyendas católicas, Fermín habría nacido en el año 272 d.n.e en Pamplona, hijo del senador romano pagano Firmo, que lo terminaron convirtiendo al cristianismo por Honesto de Nimes —discípulo de Saturnino, uno de los principales impulsores del cristianismo en la época romana— y murió degollado como sacerdote de Amiens (Francia) en el año 303 durante la «Persecución de Diocleciano», la mayor captura de cristianos en el imperio romano.

Además de ser el patrono tanto de la ciudad de Amiens como de Pamplona (por ser su primer obispo), es el santo de los boteros, vinateros y panaderos.

Pero investigaciones ponen en duda la creación de la historia de San Fermín, ya que sería producto de la futura evangelización de los vascones. La leyenda dice que cuando fue asesinado en la persecución, San Fermín fue arrastrado por las calles con toros bravos corriendo tras él, de ahí la tradición.

El nombre de Pamplona, un sincretismo

Pamplona había sido fundado como una fortaleza de Cneo Pompeyo, mismo que le dio el nombre de la ciudad como Pompaelo.

Sin embargo, los vascos, quienes habitaron la ciudad, decidieron acuñarla como Iruñea—que en euskadi (vasco) significa «ciudad», de acuerdo con la Enciclopedia Auñamendi—, pero los musulmanes fueron los autores de darle el moderno de Pamplona, cuando la llamaron en ese entonces «Bambilona».

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junio 25, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Siete ciudades estupendas para recorrer en bicicleta…

Excursión por un puente en la isla Saint-Louis en París. Un circuito de 35 kilómetros incluye muchas de las atracciones importantes de la ciudad y aprovecha la nueva infraestructura para el ciclismo.

The New York Times  —  Tener una bicicleta cuando se explora una ciudad nueva lo cambia todo: es barato, rápido y una forma divertida de hacer ejercicio durante las vacaciones.

Desde una cuesta de 400 metros en Bogotá, Colombia, hasta un circuito de 35 kilómetros para ver lo mejor de París (no te preocupes, al final habrá vino y helado), siete escritores nos ofrecen sus recorridos favoritos en ciudades conocidas por sus pistas urbanas.

Copenhague, Dinamarca

¿Arquitectura entrañable? Sí. ¿Base militar activa? También. Un paseo por Kastellet es el inicio de este recorrido alrededor de Copenhague

(L.Abend)  —  Dirígete al sur por el litoral desde la estatua de la Sirenita de Hans Christian Andersen y pronto pasarás por Kastellet, cuyos bonitos barracones rojos disimulan su condición de base militar activa, antes de cruzar la plaza adoquinada que alberga el palacio real de Amalienborg. (Estate atento al príncipe Federico, que a menudo se acerca a las puertas en su bicicleta de carga).

Deja atrás las casas de color caramelo del antiguo puerto, Nyhavn, y vuelve a bajar hasta la orilla del agua, donde el centro histórico da paso a los afilados ángulos de la Biblioteca Real y a la arquitectura maciza del Blox, lugar que alberga el Centro de Diseño Danés.

Desde aquí, puedes girar inmediatamente a la izquierda para navegar por Lille Langebro, el puente para bicicletas más nuevo de la ciudad, o pedalear hasta el serpenteante Cykelslangen.

En cualquier caso, desembocarás en el barrio portuario de Islands Brygge, cuya zona para nadar es uno de los lugares favoritos para zambullirse en invierno y broncearse en verano.

Pedaleando por el Cykelslangen.

Una breve excursión hacia el norte te llevará a los altos mástiles del Cirkelbroen, o Puente del Círculo, del artista Olafur Eliasson. Desde allí, avanza en zigzag hacia la Ópera, pero haz una parada en la panadería Hart para comprar panes de mantequilla.

Si sigues hacia el norte, llegarás al espectacular CopenHill —la central eléctrica y pista de esquí urbana diseñada por Bjarke Ingels— y, desde allí, solo hay que seguir un poco más hasta la zona de Refshaleoen, donde puedes encontrar vino natural y más lugares para nadar en el restaurante La Banchina, situado junto al muelle, o sabrosos sándwiches de pollo frito en el jardín del restaurante Amass.

Algún día podrás volver al punto de partida desde otro puente, pero, por ahora, un ferri que sale del muelle a las afueras de Amass hace la conexión. Y sí, admite bicicletas.

Las casas coloridas de Nyhavn, la bahía vieja

junio 24, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Los 10 castillos mejor conservados de España…

Viajes  —  La historia de España permanece viva a través de monumentos y construcciones como sus imponentes castillos, fortificaciones que nos permiten teletransportarnos a tiempos pasados y adentrarnos de lleno en la Edad Media.

En este sentido, desde Civitatis han elaborado un listado con los 10 castillos mejor conservados del territorio nacional donde sentirnos como un verdadero habitante del medievo.

Alcázar de Segovia

El primer castillo del listado es el Alcázar de Segovia, uno de los monumentos más visitados en toda España, pero también una de las fortificaciones medievales más famosas del mundo. A lo largo de sus más de 900 años de historia, este lugar ha sido el escenario de numerosos momentos claves de la historia del país.

Castillo de los Mendoza (Madrid)

A los pies de la sierra de Guadarrama, en la localidad de Manzanares el Real, se alza el castillo de los Mendoza, mandado a construir en 1475 por Diego Hurtado de Mendoza. Aún podemos contemplar en muy buen estado sus muebles de la época, sus pinturas y sus tapices flamencos.

Castillo de Peñafiel (Valladolid)

Fue en el siglo X cuando empezó a construirse el castillo de Peñafiel sobre una colina entre los valles del Duero y del Duratón. Actualmente acoge el Museo Provincial del Vino, donde aprender sobre la cultura enológica de la zona.

Castillo de Belmonte (Cuenca)

El castillo de Belmonte fue levantado bajo un estilo gótico mudéjar, y fue el hogar de personalidades como Juan Pacheco, el primer marqués de Villena, o la emperatriz Eugenia de Montijo.

Castillo de Olite (Navarra)

Durante los siglos XIII y XIV, se construyó el castillo de Olite, residencia de los reyes de Navarra. Sus instalaciones incluyen murallas de estilo gótico francés, los aposentos de los monarcas y la capilla de San Jorge.

Castillo de los Templarios (León)

En la ciudad de Ponferrada encontramos el castillo de los Templarios, que acogió a los miembros de esta orden en 1178. La estructura amurallada que ha llegado hasta nuestros días es fruto de las muchas ampliaciones que fue sufriendo a lo largo de los siglos.

Castillo de Loarre (Huesca)

A más de 1.000 metros de altura, se alza el castillo de Loarre, de estilo románico. Esta fortaleza data del siglo XI, pero sus murallas y torreones se encuentran en perfecto estado de conservación.

Castillo de Butrón (Vizcaya)

El castillo de Butrón se encuentra en el municipio de Gatika y, aunque empezó a levantarse en el siglo XI, no fue hasta el siglo XIV cuando fue convertido en castillo. Su fama ha llegado a todas partes del mundo al convertirse en uno de los escenarios de la serie Juego de Tronos.

Castillo de la Mota (Valladolid)

En el pueblo de Medina del Campo, nos topamos con el castillo de la Mota, construido a mediados del siglo XV, pero culminado por los Reyes Católicos con un foso y una galería subterránea de tiro. Es conocido por haber sido el lugar en el que Juana la Loca fue encerrada.

Castillo de Bellver (Mallorca)

Jaume II ordenó edificar este imponente castillo que hoy vigila la ciudad de Palma desde las alturas. Sus funciones han sido muy variadas a lo largo de la historia: desde residencia real hasta fábrica de la moneda, pasando por prisión militar.

nuestras charlas nocturnas.

junio 23, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

La iglesia de Jesús de Roma(Los 500 años de la conversión de San Ignacio)…

Tumba de San Ignacio

junio 18, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario

Los museos más espeluznantes del mundo…

Muy Interesante(S.Romero)  —  Incluso para los que no les gustan los museos, existen una serie de salas de exhibición bastante insólitas, alejadas del arte, la ciencia o la historia, que harán las delicias de los amigos del miedo.

En el mundo de los museos abundan las leyendas de espíritus artísticos como el de la artista Frida Kahlo deambulando por Casa Azul y una dama espectral vestida de blanco que asusta a los empleados del MoMA… muchos museos tienen leyendas populares de espíritus de otro mundo. Algunas de las historias misteriosas de la mayoría de los museos encantados del mundo son bastante horribles.

Aunque los museos generalmente tratan de impartir conocimientos y descubrirnos algo que nos es desconocido, estos más bien nos harán perder el sueño al menos por una noche. No solo es escalofriante su historia, sino que lo que albergan es algo que no imaginarías ni en tus peores pesadillas. ¿O sí?

A pesar de su extraña naturaleza, la cantidad de visitantes que tienen estos espeluznantes museos es asombrosa. A muchos les atrae el miedo. ¿Encontrarás el coraje para visitar estos museos? ¿Has estado en alguno anteriormente?

Algunos de nuestros peores miedos se exploran en estos extraños museos. Te darán escalofríos para Halloween… o en cualquier otra época del año.

Si está leyendo por la noche, es posible que desee guardar este artículo para la luz brillante del día. No podemos ser responsables si tiene pesadillas.

Museo delle anime del Purgatorio, Italia

junio 15, 2022 | Categories: Actualidad, opinión, Lugares históricos, sitios, ciudades, Pueblos ... | Deja un comentario