El ‘misterio’ de las piedras esféricas gigantes repartidas por el mundo…

El confidencial(R.Badillo) — En abril de 2016, un arqueólogo bosnio llamado Semir Osmanagic encontró la que, supuestamente, era la esfera de roca más grande y antigua del mundo. Con un radio de entre 1,2 y 1,5 metros, su peso superaba con creces las 30 toneladas.

En declaraciones a la BBC, el conocido como el Indiana Jones de Bosnia contó que permaneció mucho tiempo oculta en un bosque cercano a la villa de Podubravlje y que era “la prueba de la existencia de civilizaciones avanzadas que vivieron en los Balcanes en un pasado lejano”, aunque de ellas “no queda registro alguno”.

Además, añadió que en la década de 1930 había en torno a 80 de estas rocas esféricas. Sin embargo, la mayoría de ellas se perdieron “arrastradas por el río Bosna, destruidas como consecuencia de los rumores de que albergaban oro en su interior o usadas como elementos decorativos en jardines por los pobladores locales”.

Una historia que, como contamos en El Confidencial, no estuvo exenta de polémica y que fue puesta en duda por arqueólogos y científicos de todo el mundo.

Ahora, Edit Szalai, que participó en las excavaciones arqueológicas encabezadas por Semir Osmanagic en 2016, ha concedida una entrevista al medio Index. En ella asegura que hay formaciones parecidas repartidas por todo el mundo.

De hecho, cita el caso de Costa Rica e, incluso, el de la Antártida: “algunas de las esferas de piedra se formaron mediante procesos geológicos y otras fueron creadas artificialmente”, indicó al respecto.

– Naturales o artificiales, pero sin misterio

En este sentido, asegura que la piedra de Bosnia es artificial, ya que las diferencias respecto a una esfera geométrica perfecta “es de solo uno o dos grados”. También habla de que la primera bola de piedra apareció en Costa Rica en la década de 1940 y que, en los siguientes años, salieron a la luz otras 400. También habla de que en México hay en torno a 250 estructuras similares.

“Bosnia, Serbia, Albania, Croacia, Rusia, Egipto… a principios de siglo también se encontraron bolas de piedra en la Antártida”, afirma el arqueólogo, para después hacer hincapié en que pudieron ser creadas “por una civilización de cien mil años de antigüedad o más que habitase la Antártida cuando no era un continente helado”. 

A pesar de sus aseveraciones, diversos estudios han determinado que las rocas esféricas artificiales apenas cuentan con 1.500 años de antigüedad, en el caso de aquellas que tienen orígenes más remotos. Es más, un profesor de geología de la Universidad de Manchester explicó que la mayoría de ellas podrían debido a un proceso llamado “concreción”.

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noviembre 18, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Canciones con historia: «I’m Not in Love»

JotDown(E.deGorgot) — 1975 fue un año muy loco en los estudios de grabación británicos. Las prestaciones de la tecnología fueron llevadas hacia sus límites a empujones. Las mesas de mezclas de veinticuatro pistas —lo más avanzado de la época— empezaron a echar humo por culpa de dos grupos de música para los que parecía no haber pistas suficientes. En un plazo de seis meses aparecieron dos canciones que llevaron al paroxismo el uso de las veinticuatro pistas de grabación analógicas. Una fue «Bohemian Rhapsody» de Queen, por supuesto. La otra fue «I’m Not in Love» de 10cc.

Las dos canciones cambiaron la noción de lo que podía hacerse en un estudio de grabación, pero tienen historias muy distintas. «Bohemian Rhapsody» fue una creación premeditada de Freddie Mercury, una obra que él ya tenía terminada en su cabeza cuando entró al estudio para grabarla junto a sus compañeros. «I’m Not in Love», en cambio, estuvo a punto de no existir.

Fue un parche que 10cc incluyeron en su álbum a última hora, después de que una primera grabación de la canción hubiese terminado en la papelera. Bueno, no exactamente en la papelera, sino aún peor: el grupo había usado la cinta para grabar otras cosas encima.

En cualquier caso, cuando 10cc decidieron rescatar «I’m Not in Love» debido a una peculiar carambola de circunstancias, la canción todavía era una bossa nova sencilla que podría haberse grabado en media hora. Ellos, sin embargo, decidieron incluir en ella sonidos que hasta entonces nadie había empleado porque no existía una tecnología concreta para generarlos; por culpa de ese afán de experimentación terminaron enfrascados en la grabación de «I’m Not in Love» durante semanas.

Y eso no fue todo. Aunque «Bohemian Rhapsody» era más compleja en lo puramente musical, no lo fue en el aspecto técnico de la grabación, porque «I’m Not in Love», increíblemente, requirió bastantes más fragmentos sonoros distintos. Parece mentira, pero así es. «Bohemian Rhapsody» era monumental, pero no dejaba de sonar a lo que Queen ya habían hecho en su tercer álbum.

Era el estilo ya conocido de Queen, pero llevado al paroxismo. «I’m Not in Love», en cambio, no sonaba a nada que se hubiese editado por entonces. De hecho, 10cc estaban creando un nuevo sonido que se anticipaba en varios años a lo que después se haría con instrumentos electrónicos.

La tecnología de grabación de 1975 puede parecer primitiva comparada con las actuales herramientas digitales, pero se había avanzado muchísimo. Las mesas que permitían mezclar veinticuatro pistas simultáneas hubiesen sido un sueño en 1955, cuando los grupos grababan discos con un único micrófono colgado del techo.

O, como mucho, con dos micrófonos, uno para los instrumentos y otro para las voces. Eso significaba solo podían grabarse dos pistas al mismo tiempo. En ocasiones se grababan unas pistas extra que se mezclaban de manera rudimentaria con las dos anteriores para tener más instrumentos o voces sonando al mismo tiempo, sin acentuar el «efecto habitación» que produce usar un mismo micrófono para varios instrumentos situados en diferentes puntos del espacio.

La técnica de mezclar nuevas pistas con las originales se llamaba overdubbing y permitía, por ejemplo, que dos personas pudiesen sonar como varias. El problema es que solía perderse calidad de sonido. Las técnicas y aparatos evolucionaron con rapidez: a finales de los cincuenta ya se podía grabar a la vez en tres pistas.

Al empezar los sesenta aparecieron las grabadoras de cuatro pistas (y algunas experimentales de cinco), y hacia el final de la década las de ocho y dieciséis. En los setenta empezaron a usarse las de veinticuatro.

Veinticuatro pistas eran muchas, teniendo en cuenta las limitaciones a las que la industria había hecho frente durante décadas. Los instrumentos de un grupo de rock podían grabarse a la vez sin que tuviesen que compartir una misma pista, lo que permitía equilibrar el volumen de cada uno de ellos a posteriori.

También facilitaba el overdubbing, incluyendo más instrumentos en un fragmento de alguna pista original durante aquellos momentos en que el instrumento principal estaba «callado». Así, una pista podía contener fragmentos de más de un instrumento diferente: cuando uno no estaba sonando, sonaba el otro.

Eso sí, había que hacer las cosas con cuidado. Hoy, con un ordenador, cualquiera puede mezclar veinticuatro pistas y muchas más, pero en 1975 solo se usaban cintas magnetofónicas y apenas existía una fracción minúscula de las herramientas con las que cuentan los actuales estudios.

La diferencia entre un disco de entonces y un disco actual es parecida a la que existe entre una película de 1975 y otra de 2019. En 1975 los efectos visuales estaban en desarrollo y para mostrar ciertas cosas en pantalla había que fabricar maquetas físicas, como en Tiburón o La guerra de las galaxias. Hoy, en cambio, se puede recrear cualquier cosa mediante efectos digitales.

Lo mismo pasaba en la música y existían muchos límites en lo que podía hacerse, tanto por motivos tecnológicos como presupuestarios. Ya no era 1955, de acuerdo, pero pretender grabar por encima de cierto número de instrumentos y voces implicaba enfrentarse a serias dificultades.

A 10cc no les importó esto. Como queriendo contradecir aquello de que el rock es una cosa sencilla de grabar, se metieron en un jardín y tardaron en terminar una sola canción el mismo tiempo que otras bandas dedicaban a grabar un doble álbum completo.

Queen, para grabar «Bohemian Rhapsody», emplearon la friolera de ciento ochenta fragmentos distintos de grabación entre instrumentos y voces, fragmentos apelotonados en las veinticuatro pistas disponibles. Pues bien, en «I’n Not in Love» terminaron haciendo falta ¡más de doscientos cincuenta!

Los experimentos de Queen y 10cc con las mesas de mezclas eran innecesarios, excepto para mentes inquietas.

Eso sí, el público los recibió con inesperado entusiasmo.

«Bohemian Rhapsody» y «I’n Not in Love» fueron grandes éxitos pese a que, a priori, habían parecido poco idóneas para ser promocionadas como sencillos.

Ambas duraban seis minutos, algo que incomodaba a las radios.

Lo habitual era que las canciones largas fuesen recortadas a tres o cuatro minutos para la promoción.

Por ejemplo, The Chambers Brothers habían triunfado en los sesenta interpretando una versión muy breve de su himno «Time Has Come Today», mientras que en el álbum, donde tenía un largo interludio psicodélico que las radios no emitían, la misma canción duraba ¡once minutos!

En el aspecto comercial, «I’m Not in Love» y «Bohemian Rhapsody» rompieron todos estos moldes.

Ambas terminarían llegando al número uno en el Reino Unido y colándose en el Top Ten estadounidense.

Eso sí, los grupos que crearon estas dos canciones han corrido distinta suerte de cara a la memoria colectiva. Queen nunca han dejado de estar de moda; son como los Beatles, una institución que trasciende generaciones y dudo que haya alguien en Occidente que no sea capaz de tararear varias de sus melodías.

El caso de 10cc es distinto: tuvieron mucho éxito en los setenta, pero el cambio de década los dejó fuera de juego y terminaron separándose, lo que favoreció que la gente dejase de pensar en ellos. Además de que, todo hay que decirlo, el repertorio de 10cc no es comparable al de Queen y nunca tuvieron al frente un líder tan carismático como Freddie Mercury, lo que siempre ayuda a generar imágenes icónicas de cara a la posteridad.

Aun así 10cc nunca caerán en el completo olvido porque «I’m Not in Love» sigue sonando sin parar en las radios de medio mundo. De hecho, creo que es instantáneamente reconocible incluso para gente que no sabe cómo se titula o quién demonios la interpreta.

10cc son recordados sobre todo gracias a una balada atmosférica y evocadora, así que supongo que mucha gente imagina que el grupo estaba especializado en el romanticismo melancólico. Y no es así, en absoluto. De hecho, «I’m Not in Love» es una absoluta rareza en la discografía de 10cc, que en su tiempo eran conocidos precisamente por todo lo contrario: canciones alegres con letras irreverentes repletas de ingenio y sentido del humor.

No puede decirse que fuesen un grupo punk, pero en parte anticipaban esa actitud. Llegaron a grabar una canción titulada «The Worst Band in the World», en la que decían: It’s one thing to know it but another to admit, we’re the worst band in the world, but we don’t give a… («Una cosa es saberlo y otra cosa es admitirlo: somos el peor grupo del mundo, pero no nos importa una…»)

En los puntos suspensivos venía la palabra fuck, claro, pero no la pronunciaban por aquello de la censura. Sin embargo, al aparecer tocándola en televisión hacían una vistosa peineta a la cámara: pueden verla antes de los veinte segundos de actuación. Es decir, 10cc estaban sacando el dedo medio en la pequeña pantalla años antes de que los Sex Pistols la liaran diciendo tacos durante una entrevista.

«I’m Not in Love» es una pieza elegante y sofisticada, pero 10cc nunca pretendieron proyectar una aureola sofisticada. En realidad no pretendían proyectar ninguna aureola en absoluto. Lo habitual es que los músicos se tomen a sí mismos demasiado en serio y que empiecen a hacerse los interesantes en cuanto alcanzan un mínimo de éxito.

Ni siquiera alguien con el talento de Bob Dylan dejó de recurrir a la pose desde el principio de su carrera. Pero 10cc no eran así. Quizá porque nunca habían pretendido llegar a nada.

Vayamos a principios de los setenta. Los cuatro miembros originales del grupo habían empezado a tocar juntos no con el sueño de convertirse en estrellas, sino ejerciendo como anónimos músicos de estudio que ponían música de fondo en grabaciones de todo tipo, ya fuesen discos crepusculares de figuras nostálgicas o anuncios.

Incluso compusieron cánticos para equipos de fútbol. Los cuatro podían cantar y tocar varios instrumentos, así que se adaptaban a cualquier cosa que les pidiesen. Aquel no era un trabajo muy glamuroso, pero les daba de comer y ellos eran tan poco ambiciosos que ni siquiera se les pasaba por la cabeza editar sus propias canciones.

Quien los convenció fue el cantante estadounidense Neil Sedaka. Por entonces era ya un cantante pasado de moda, pero su historial comercial era apabullante y en el pasado había tenido enormes éxitos que seguro ustedes reconocen al instante, como «Oh! Carol» o «Breaking Up Is Hard To Do».

Sedaka grabó un álbum en Inglaterra con aquellos cuatro músicos anónimos y quedó tan contento con el sonido que les aconsejó que se promocionasen con su propio nombre. Los cuatro tipos despertaron de su letargo y se dieron cuenta de que quizá podían aspirar a algo más que pasarse la vida ejerciendo como mercenarios.

Buscaron discográfica y el primer editor que se interesó por ellos fue Jonathan King, jefe de UK Records, quien además les sugirió el nombre. King les contó que en sueños había visto un cartel que decía «10cc: El mejor grupo del mundo» y que eso le había dado buena espina.

A los cuatro músicos les pareció un buen nombre y lo adoptaron como propio. Eso sí, la leyenda urbana siempre afirmó que ellos cuatro habían elegido llamarse 10cc («Diez centímetros cúbicos») porque la media de volumen de la eyaculación humana es de cinco centímetros cúbicos —no me pregunten, ¡nunca se me ha ocurrido calibrar eso!—, por lo que ponerse como nombre el doble de esa cantidad era una muestra de confianza en su propio poder.

Esa leyenda urbana es apócrifa, pero es normal que mucha gente la tomase como real porque 10cc se harían célebres por buscar nombres con dobles sentidos para casi todo. Basta con ojear sus álbumes para apreciar su afición por los títulos chorras: el álbum de debut se titulaba sencillamente 10cc, pero después vino una sucesión de ocurrencias dignas de Franz Zappa.

En su segundo disco consiguieron convertir en juego de palabras una expresión musical de lo más común: Sheet Music («Música de partitura»), expresión tan habitual que dudo que muchos angloparlantes viesen un chiste ahí hasta que 10cc sugirieron el doble sentido shit music («Música de mierda»).

Para confirmar que, en efecto, les gustaba bautizar a sus discos de manera adulta y solemne, publicaron discos titulados así: How Dare You! («¡Cómo os atrevéis!»), Bloody Tourists («Malditos turistas»), Ten Out of 10 («Diez sobre 10»), o The Original Soundtrack («La banda sonora original»; por supuesto, no había película alguna asociada a ese disco). Fue en The Original Soundtrack, precisamente, donde saldría publicada «I’n Not in Love».

Retomemos la cronología: 10cc se lanzaron en 1972 y obtuvieron su primer gran éxito casi de inmediato, una parodia del doo woop de los cincuenta titulada «Donna». Era una broma más que evidente en la que incluso hacían un cómico falsete más propio de los pitufos.

Es irónico que los dos responsables de la hilarante «Donna», los dos que la cantaron con voces deliberadamente estúpidas, fuesen precisamente los dos miembros del grupo más propensos a la música compleja e intelectualizada. Como veremos, en 10cc había dos equipos. 

Lol Creme y Kevin Godley eran el equipo experimental, mientras que Eric Stewart y Graham Gouldman eran el equipo más propenso al pop comercial. Pues bien, la tontísima «Donna» fue escrita y cantada por la mitad supuestamente vanguardista e intelectual del grupo, mientras que la otra mitad no lo veía nada claro, pensando que después de publicar algo semejante ya nadie los respetaría como músicos.

Fue la mitad «seria» de 10cc la responsable de una extravagancia cómico-nostálgica como «Donna». La misma mitad seria que después se opondría a grabar «I’m Not in Love». Nunca dejará de asombrarme el exótico funcionamiento interno de este grupo.

En cualquier caso, para sorpresa de ellos mismos, «Donna» se convirtió en un éxito nacional. Su siguiente éxito y su primer número uno en las listas británicas fue «Rubber Bullets», otra canción con una letra repleta de humor que musicalmente era glam rock festivo del que estaba de moda por entonces, no muy distinto del que hacían Wizzard o Slade.

En la misma línea estuvo «The Dean and I», su tercer éxito en las listas. El cuarto éxito, «The Wall Street Shuffle», era algo más evolucionado en cuanto a sonido, aunque la letra seguía la línea sarcástica de las anteriores («Apuesto a que venderías a tu madre, siempre puedes comprarte otra.»).

Estas eran las cuatro canciones con las que, en menos de tres años, 10cc se hicieron un nombre en el Reino Unido y, en menor medida, en algunos otros países como Holanda o Bélgica.

Bueno, había otras que merece mucho la pena recordar, pero no habían llegado tan alto en las listas (sabe Dios lo que hay en la cabeza del público, ¿Qué más se le puede pedir a una puñetera maravilla como «Silly Love»?). Después de editar dos álbumes, 10cc todavía eran desconocidos en los Estados Unidos, la gran meta para cualquier grupo británico. Sin embargo, en su país se habían labrado su fama y las ventas habían sido bastante buenas.

Los cuatro músicos, no obstante, tenían motivos para sentirse escépticos por el éxito. Su contrato discográfico con UK Records les garantizaba un exiguo porcentaje del 4% de las ventas, aún más exiguo si de él se descontaban, como era práctica habitual, los variopintos gastos que las compañías casi siempre cargaban en la cuenta de los artistas. Vamos, que, después de haber vendido miles y miles de discos, los cuatro miembros de 10cc continuaban bordeando la ruina.

Pese a no ser particularmente ambiciosos, sabían que así nunca saldrían de pobres y que había llegado el momento de cambiar de compañía. El haber obtenido cuatro canciones Top Ten en tres años debía bastar para que otras discográficas mostrasen interés, y así fue.

El que más trabajo se tomó para intentar ficharlos fue el joven Richard Branson, fundador de Virgin Records. Los cuatro músicos simpatizaban con el entusiasmo de Branson, pero Virgin todavía no era el coloso en el que se convertiría más tarde. Ya había obtenido un enorme éxito con el debut de Mike Oldfield, Tubular Bells, pero ese no era un referente con el que predecir el futuro comercial de 10cc en Virgin.

Para empezar, era insólito de por sí que un disco instrumental a base de campanitas hubiese tenido buenas ventas. Además, había ayudado el que uno de sus temas fuese usado casi por pura casualidad en la película El exorcista. El director de El exorcista, William Friedkin, había encargado la banda sonora al compositor argentino Lalo Schifrin, que estaba de moda después de haber escrito cosas tan magníficas como la banda sonora de Harry el Sucio.

Sin embargo, Friedkin quedó espantado cuando Schifrin le entregó un confuso conjunto de composiciones que, de manera absurda, eran bien demasiado terroríficas o bien demasiado poco terroríficas (había alguna pieza más propia de una película erótica en plan Emmanuelle).

Descontento, el cineasta descartó el trabajo de Schifrin y utilizó, entro otras cosas, una de las piezas del reciente Tubular Bells, lo cual ayudó a disparar todavía más las ventas del disco de Oldfield. Así pues, el único gran éxito de Virgin Records era un conjunto de circunstancias difícil de repetir; tan difícil que, como es notorio, Mike Oldfield jamás conseguiría repetirlo.

Además, siendo una compañía joven, no tenía aún potencia en el mercado americano. Así pues, pese a que Richard Branson ofrecía a 10cc unas muy buenas condiciones y mayores porcentajes sobre las ventas, ellos decidieron firmar por Mercury Records. Fue un error del que se lamentarían después, porque con lo que vendieron hubiesen ganado mucho, mucho más dinero con Virgin. Entonces no tenían forma de haberlo predicho.

10cc no eran de perder el tiempo y en 1974, mientras negociaban, ya entraron en el estudio para grabar su tercer álbum. Si iban a cambiar de compañía necesitaban canciones con vocación de éxito y la principal candidata para la promoción era la pegadiza «Life is a Minestrone», que compusieron con el propósito de entrar en la listas a ambos lados del Atlántico.

De hecho sería editada como primer sencillo, aunque conseguiría su objetivo a medias, funcionando muy bien en las Islas británicas, pero siendo, como de costumbre, ignorada en los Estados Unidos. Los 10cc habían pensado que la llave del mercado americano sería uno de sus temas desenfadados y humorísticos, pero estaban muy equivocados.

La verdadera llave del éxito mundial era una canción lenta y sutil que había estado a punto de quedarse fuera del álbum y que fue incluida en él por efecto de una carambola.

«I’m Not in Love» se le había ocurrido a Eric Stewart después de una conversación con su mujer. Llevaban varios años casados y un día ella le preguntó por qué no le decía «te quiero» con mayor frecuencia. Él se puso a reflexionar y dedujo que, si no lo decía más a menudo, era porque le parecía que repetir constantemente «te quiero» podía devaluar su significado.

Descolocado por la pregunta, le pareció que su propia actitud era infantil y escribió una letra cuyo título se puede traducir como «No estoy enamorado» o «No te quiero», pero cuyo contenido es una referencia irónica a su propia cerrazón:

No estoy enamorado, así que no lo olvides:
no es más que una fase tonta que estoy atravesando.
Y solo porque te llamo, no me malinterpretes,
ni creas que lo tienes todo hecho.
No estoy enamorado, no, no. Lo hago porque…

Me gusta verte, pero insisto,
eso no significa que signifiques gran cosa para mí,
así que, si te llamo, no armes un revuelo
y no le hables a tus amigos sobre nosotros dos.
No estoy enamorado, no, no. Lo hago porque…

Tengo tu foto en la pared
tapando una mancha muy fea que hay allí,
así que no me pidas que te la devuelva,
sé que sabes que no significa mucho para mí.
No estoy enamorado, no, no. Lo hago porque…

Oh, vas a esperarme mucho tiempo.
Oh, vas a esperar mucho.

Como verán, una canción de amor bastante original, en la que el protagonista pretende hacer creer a su novia de que no está enamorado, pero usando argumentos cada vez más pueriles para negar lo evidente. Después de escribir la letra, Stewart compuso una melodía básica tocando en una guitarra acordes a ritmo de bossa nova.

Después, en el estudio le mostró la canción al bajista Graham Gouldman, quien le ayudó a terminarla, proponiendo algunos cambios en la estructura de acordes. Stewart y Gouldman, recordemos, eran la mitad pop de 10cc, así que aún quedaba el paso de que los otros dos miembros diesen el visto bueno. La grabaron en una cinta con ese propósito.

Cuando Stewart y Gouldman pusieron la cinta con «I’m Not in Love» en las oficinas del estudio y aquella canción de tintes brasileños empezó a sonar por los altavoces, los otros dos miembros, Lol Creme y Kevin Godley, quedaron horrorizados. La rechazaron al instante.

El rechazo fue tan intenso, de hecho, que la cinta con la maqueta original fue borrada de inmediato para usarla en otros menesteres, así que nunca sabremos cómo sonaba aquella versión bossa nova original de «I’m Not in Love» Sí, existe alguna versión bossa posterior hecha por otros músicos, pero se basa en la «I’m Not in Love» que apareció en disco, no en la bossa original que se perdió para siempre.

El hombre que había escrito «I’m Not in Love», Eric Stewart, ya se había resignado a olvidarla como una idea que, por lo visto, había sido un fiasco. Esto era habitual en 10cc, cuyos miembros funcionaban de manera democrática; si no se producía consenso (o mayoría) para grabar un tema, no se grababa y punto. «I’m Not in Love» no había obtenido consenso e iba directa a la papelera de la historia.

Entonces sucedió. Cuando ya habían borrado la cinta y estaban a punto de dejar la canción en el más completo olvido, Stewart escuchó de pasada cómo algunos empleados del estudio seguían tarareando la melodía. Como saben bien los músicos, una melodía que se quede en la memoria después de una sola escucha es algo que no se puede planificar, simplemente sucede y nadie sabe muy bien por qué.

Los músicos no saben el efecto que tendrá una canción en el público hasta que ven al público reaccionar. Stewart empezó a sospechar que quizá la melodía de «I’n Not in Love» tenía algo especial. Para confirmarlo, se le acercó la secretaria del estudio, Kathy Redfern, que había sabido que iban a descartar aquella melodía que sus compañeros andaban canturreando mientras trabajaban.

La chica le dijo: «¿Por qué no termináis esa canción? Me encanta. Es lo mejor que habéis compuesto hasta ahora». Stewart, atónito, les contó a sus compañeros lo que acababa de suceder. Aunque la mitad formada por Creme y Godley seguía sin mostrar entusiasmo, estaba claro que la melodía parecía funcionar, así que aceptaron darle una segunda oportunidad a la canción. Eso sí, con la condición de que no fuese una bossa nova.

No querían más canciones de vocación comercial en el disco. Ya tenían su sencillo de lanzamiento preparado, «Life is a Minestrone», y algunos otros de reserva como «Flying Junk» o «The Second Sitting for the Last Supper», así que la faceta pop del disco estaba cubierta. Creme y Godley solo accedían a incluir «I’m Not in Love» si la usaban como materia de base para la experimentación sonora.

Aunque en principio no sabían qué hacer con ella porque, en realidad, la faceta experimental del disco también estaba cubierta. La pièce de résistance del álbum iba a ser «Une Nuit a Paris», una pequeña ópera rock de casi nueve minutos que mostraba paralelismos con «Marionette» de Mott de Hopple (que quizá influyó a 10cc, ya que fue editada antes de que grabasen «Une Nuit a Paris») y con «Bohemian Rhapsody».

Así pues, con todos los frentes ya cubiertos en el disco, «I’m Not in Love» era un parche de última hora para el que no tenían nada previsto. Habiendo descartado el ritmo brasileño original, solo tenían una melodía que a la gente parecía quedársele en la cabeza, pero sin arreglos, ni instrumentación, ni nada.

El batería Kevin Godley fue quien propuso hacerla completamente a capella. Nunca habían hecho algo así. Sin embargo la idea iba mucho más allá de eso. Godley quería aprovechar las posibilidades que ofrecían las veinticuatro pistas de la mesa de mezclas. Quería algo que sonase como una gran agrupación coral, aunque ellos solo eran cuatro y tampoco tenían medios para contratar una agrupación coral.

Además hubiese sido inútil, puesto que planeaban rehacer la canción sobre la marcha. Contratar un coro hubiese significado entregarles una partitura, que la cantasen y, una vez grabadas las voces del coro, ya no podrían cambiarse. Lo que 10cc querían era poder improvisar mientras grababan, poder cambiar los arreglos sobre la marcha, siguiendo sus instintos.

Necesitaban pistas de voz que sonasen como un coro pero que fuesen flexibles, notas separadas que permitieran improvisar y componer sobre la marcha. Hoy eso no tiene complicación, porque cualquier sintetizador puede recrear, mejor o peor, el sonido de un coro; basta con configurar el sonido, tocar las teclas y el coro suena, pudiéndose regrabar una y otra vez, retocando todo lo que haga falta.

En 1975, aunque ya existían los teclados sintetizadores, no había ninguno capaz de lograr este efecto coral. En otras palabras: lo que 10cc estaban buscando no existía, nadie lo había hecho. Descubrieron que la única manera de conseguir algo parecido a un «teclado vocal» era usar el overdubbing. Esto es, fragmentos y fragmentos y más fragmentos de grabación.

Se les ocurrió grabar todas las posibles notas que puede cantar un coro cantándolas ellos mismos. Tres miembros del grupo, por turnos, empezaron a cantar una misma nota seis veces, haciendo «ahhhh». La nota do, por ejemplo. Eso daba como resultado dieciocho muestras de voz cantando do. Usando la mesa de mezclas, las combinaban en una sola pista, que sonaría como un coro de voces cantando la nota do. Ya tenían una nota.

Y así, una por una, seguirían con las doce notas de la escala en esa octava. Una vez terminada la octava, empezaban con las doce notas de la octava siguiente. Un laboriosísimo proceso cuyo objetivo era tener fragmentos de un coro haciendo «ahhhhh» en todas las notas diferentes que pudiesen necesitar.

Lo hicieron así, grabando, mezclando y regrabando en cintas durante horas y horas. Una demencial ocurrencia que terminó suponiendo tres semanas de trabajo agotador solo para tener disponibles los «ahhhhh» que les permitiese reconstruir la canción a capella.

Habían mezclado tantas voces en una sola muestra sonora que el resultado era un rasposo enjambre de armónicos que no se parecía a ningún instrumento o efecto conocido, pero que se convertiría, junto a la propia melodía, en la característica más sobresaliente del tema.

Una vez tenían las muestras, necesitaban recomponer los acordes haciendo corta y pega sobre una base instrumental que habían grabado como guía provisional.

Para ciertos arreglos, como no existía un teclado que pudiese manejar aquellas muestras de voz, tenían que ponerse tres o cuatro en la mesa de mezclas y manejar los controles de volumen de pistas diferentes, haciendo sonar ciertas notas de manera coordinada (por ese motivo los arreglos corales de la canción fueron sencillos; no había manera humana de complicarlos más con aquellos rudimentarios procedimientos).

Aquello era una locura que, en efecto, nadie había hecho jamás. Suponía tomarse demasiado trabajo. Otros grupos lo hubiesen sustituido con algún instrumento o una sección de cuerda, pero 10cc querían su coro de notas flexibles y se quemaron las pestañas para conseguirlo.

Ya solo faltaba registrar la voz principal.

10cc era un grupo de funcionamiento bastante democrático y entre sus curiosas costumbres estaba la de elegir quién ponía voz principal a cada tema mediante una audición.

Cada uno de ellos cantaba la melodía principal y al final decidían quién lo había hecho mejor, quién tenía la voz que se adaptaba mejor al tema. Lo mismo hicieron con «I’m Not in Love», aunque al final el indicado para cantarla fue el mismo que la había escrito en un principio, Eric Stewart.

El tema estaba casi finalizado pero Kevin Godley insistía en que faltaba algún detalle más.

El interludio medio psicodélico que habían añadido le parecía vacío. Empezaron a pensar en una voz que dijese algo. Lol Creme sugirió una frase que él mismo había pronunciado, aunque sin saber por qué, mientras grababa un solo de teclado: Big boys don’t cry («Los chicos grandes no lloran»).

La frase encajaba con la letra de la canción, solo que preferían una voz femenina que representase a la otra parte de la pareja. Justo en ese momento asomó la cabeza por la puerta Kathy Redfern, la secretaria que les había terminado de convencer para que grabasen «I’n Not in Love».

La chica solo quería comprobar que todo iba bien y no necesitaban nada, pero ellos la hicieron entrar y le pidieron que pusiera su voz en una parte del tema. Ella, horrorizada, protestó diciendo «¡No sé cantar!». Ellos la tranquilizaron, relativamente: «No tienes que cantar, solo has de susurrar una frase». Pasmada, Kathy Redfern repitió la frase varias veces ante el micrófono y de ese modo, sin pretenderlo, entró en la historia de la música.

Cuando por fin escucharon la canción finalizada ya habían abandonado la idea de publicarla a capella. Les gustaba la combinación entre el coro atmosférico hecho a base de interminables overdubbings y aquella base instrumental que, pese a haber sido grabada como guía provisional, sonaba tan bien que terminaría incluida en el disco.

Poco quedaba de la ignota bossa nova original, pero no importaba: 10cc acababan de grabar algo que sonaba diferente a cualquier cosa que se hubiese publicado por entonces:

Ellos mismos tardaron en entender el carácter revolucionario de lo que acababan de hacer. Ya antes de publicar el álbum le enseñaron la canción a algunos conocidos —entre ellos algunos que trabajaban para otras discográficas— que reaccionaban con entusiasta asombro, pero no estaban convencidos de que «I’m Not in Love» tuviese futuro comercial (y mucho menos convencidos estaban los de Mercury Records).

Además, aquel sonido era muy poco característico del estilo con el que 10cc habían labrado su carrera y se habían hecho conocidos. Temían que lanzar «I’m Not in Love» como sencillo pudiese descolocar a los fans. Cuando The Original Soundtrack apareció en las tiendas, se siguió el plan inicial y se lanzó la pegadiza «Life is a Minestrone» como primer sencillo; funcionó bien en Europa, pero no en los Estados Unidos, lo que había sido su objetivo último.

En uno de esos fenómenos comerciales que son dignos de estudio porque invalidan las reglas del marketing, cuando la gente se compraba The Original Soundtrack y se lo llevaba a casa, terminaba descubriendo «I’m Not in Love» y decidiendo que aquella era su canción preferida del disco. Para sorpresa de Mercury Records y de los propios 10cc, empezaron a llegarles cartas con peticiones para que «I’m Not in Love» fuese promocionada como segundo single.

Aún más significativo era que las peticiones no llegaban solo de oyentes anónimos. Roy Wood, el líder de Wizzard y miembro fundador de The Move y Electric Light Orchestra, había comprado el disco de 10cc, había escuchado «I’m Not in Love» y, completamente anodado, había enviado un telegrama urgente a Eric Stewart para decirle que debía promocionarla en la radio cuanto antes.

Roy Wood era toda una institución en la escena inglesa del momento; su opinión no era la de cualquiera. También llegaron mensajes de ejecutivos de otras compañías discográficas, que reaccionaron con el mismo histérico entusiasmo.

Uno de ellos llegó a decirles: «¡Esto es una obra maestra! ¿Cuánto dinero hace falta para que vengáis a mi sello?». Incluso la BBC se puso en contacto con ellos, interesada en radiar la canción aunque ni los propios 10cc hubiesen previsto promocionarla (eso sí, la BBC pedía un recorte en el interludio central).

En definitiva: la canción estaba alzando el vuelo por sí misma desde el momento en que la gente compraba el álbum esperando oír otras cosas y se la encontraban ahí, oculta. Tal fue la fuerza del boca a boca y de las avalanchas de mensajes que Mercury Records cambió de idea y decidió publicar «I’m Not in Love» como segundo sencillo de The Original Soundtrack. Entonces todo explotó.

Cuando el tema fue por fin promocionado, la reacción del público fue descomunal. 10cc obtuvieron su segundo número uno en su país, pero, lo más importante, rompieron la barrera atlántica por fin y llegaron al número dos en las listas estadounidenses. Y eso no fue todo.

Aunque la promoción se inició con una versión recortada por deseo de las radios, los oyentes de diversos países, que ya habían oído la canción completa en el álbum, empezaron a exigir que fuese emitida entera. Las radios también tuvieron que cambiar de opinión.

La arrolladora fuerza comercial de «I’m Not in Love» convirtió a 10cc en un fenómeno internacional, pero la banda iba en camino de desintegrarse. Los cuatro miembros originales aún grabaron juntos un cuarto álbum, How Dare You!, que de nuevo triunfó en las Islas británicas, pero no tuvo tanto impacto en los Estados Unidos.

Las dos facciones dentro del grupo tenían ya ideas tan diferentes sobre el tipo de música que debían grabar que Godley y Creme (la mitad «experimental») se marcharon para empezar proyectos por su cuenta. Stewart y Graham continuaron editando bajo el nombre de 10cc con músicos nuevos y una orientación muy comercial.

Los discos Deceptive Bends (1977) y Bloody Tourists (1978) vendieron muy bien en su país. También consiguieron su segundo éxito estadounidense con «The Things We Do For Love», pero ya no habría más. La llama se iba apagando: Look Hear? (1980) tuvo una carrera comercial modesta y Ten Out of 10 (1981) ni siquiera entró en las listas.

En 1983, Windows in the Jungle tampoco funcionó, aunque a aquellas alturas tanto Stewart como Gouldman habían perdido el interés en 10cc y estaban más implicados con otros trabajos. Paul McCartney había invitado a Eric Stewart a escribir canciones a medias con él; iniciaron una colaboración bastante continuada hasta el día en que, mitad de grabación, Stewart tuvo la ocurrencia de sugerir que McCartney grabase de nuevo unas voces.

Cuando McCartney vio que incluso el productor estaba de acuerdo con Stewart, se giró hacia este último y le espetó: «Y tú, ¿Cuándo escribiste tu último número uno?». Eric Stewart pensó que aquello era demasiado para él y se marchó del estudio.

En cualquier caso, 10cc nunca repitieron en la diana artística como lo hicieron con «I’m Not in Love», pero aquella fue una diana descomunal. Por sí sola inició un nuevo paradigma en el pop melódico y su influencia, sobre todo a partir de los ochenta, fue enorme. Pero enorme.

Cuando la tecnología electrónica posibilitó imitar las texturas sonoras de «I’m Not in Love» con solo darle a un botón, la sombra de 10cc empezó a estar presente en decenas de grabaciones. Ellos habían registrado aquellos sonidos mediante mecanismos analógicos más propios de un científico loco, pero el pop electrónico jamás hubiese sido el mismo sin ello.

Es llamativo que lo hiciesen precisamente 10cc, los tipos que habían grabado cosas como «Donna». Pero, como dice la letra, era «una fase tonta por la que estamos pasando».

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noviembre 17, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Menéndez Pelayo, el historiador contemporáneo clave de la cultura hispánica…

The Conversation(G.B.Ochoa) — En su celebrada History and historians in the nineteenth century, el historiador inglés George Peabody Gooch declaró que Marcelino Menéndez Pelayo (1856-1912) fue el más grande de los académicos (scholars) españoles de su tiempo, y que su ingente obra histórica había abordado “múltiples aspectos de la vida nacional” y arrojado “más luz que ningún otro autor, nacional o extranjero, sobre el desarrollo de la mentalidad española”.

Se refería en estos términos al primer gran historiador y crítico contemporáneo de la cultura hispánica, tanto de su pensamiento como de sus literaturas, las dos facetas principales que desarrolló.

– El pensamiento hispano

Componen la primera sus monumentales series de historia y crítica del pensamiento hispánico, escritas entre 1875 y 1892, para sacarlo del olvido de que era objeto en la historiografía europea. La ciencia española, con su anexo de Ensayos de crítica filosófica, no sólo demuestra que la cultura hispánica tiene una historia filosófica y científica digna de ser estudiada.

También registra un inventario de su patrimonio bibliográfico y aporta estudios memorables, por ejemplo, sobre el platonismo en España, los precursores españoles de Kant o el ensayo filosófico de Gómez Pereira Antoniana Margarita.

La juvenil Historia de los heterodoxos españoles descubre con amenidad y en toda su riqueza el pensamiento de los teólogos, filósofos y místicos españoles de todas las épocas, que se apartaron de la fe religiosa de la España católica. Un mundo desconocido en su tiempo y que sigue interesando en el nuestro.

En la monumental Historia de las ideas estéticas en España se exponen de manera comparatista las concepciones sobre el amor y la belleza de los filósofos, teóricos de las artes y artistas españoles, que iluminaron los gustos y la producción artística hispánica en sus distintas épocas. No sólo se recogen aquí teorías literarias, sino también pictóricas, arquitectónicas y musicales.

Pertenecen así mismo a esta faceta de Menéndez Pelayo sus escritos dedicados a la recuperación y estudio de las aportaciones de los filólogos españoles al conocimiento de la cultura clásica, como su libro Horacio en España o sus series Bibliografía hispano-latina clásica y Biblioteca de traductores españoles.

– Analista de la literatura hispánica

La segunda faceta de Menéndez Pelayo resulta de su investigación como historiador y crítico de las literaturas hispánicas, atendida especialmente desde los años 90 y hasta su muerte.

La componen estudios memorables, desde los que creció y se diversificó la investigación histórica en ese campo desde la España finisecular, como su Antología de poetas líricos castellanos, Estudios y discursos de crítica histórica y literaria, Historia de la poesía hispanoamericana, Estudios sobre el teatro de Lope de Vega y Orígenes de la novela. Tal vez sea esta su faceta más reconocida e influyente.

Dejó escrito la filósofa María Zambrano, en su obra Delirio y destino, que “la historia de Menéndez Pelayo es una visión poética de España, asistida naturalmente de la ciencia”. Ciertamente la concebía como una obra de arte, por lo que no sólo procuró dotar de perfección ideal a su relato, sino también de amenidad y elegancia a su prosa.

Partidario del saber jovial, su monumental obra ofrece multitud de miradores desde los que se puede disfrutar de incomparables vistas históricas de la cultura hispánica.

– Nuevas ediciones de Menéndez Pelayo

La publicación en 1999 del CD-ROM Menéndez Pelayo digital, que es una versión electrónica de la Edición Nacional de sus obras y su epistolario, no sólo revolucionó la investigación en su figura y su obra, sino que puso las bases de su posterior difusión en Internet.

Así ha ganado lectores y posiciones en el circuito del hispanismo.

La Edición Nacional estableció el texto de las obras de Menéndez Pelayo, pero las publicó sin recoger su evolución histórica, ocultando así que fueron revisadas a fondo por su autor y editadas varias veces durante su vida.

Por eso han surgido nuevas ediciones académicas de sus obras que muestran los cambios significativos en su evolución estructural y de texto, por ejemplo, de la Historia de las ideas estéticas en España y La ciencia española.

Es buena noticia que el hispanismo y la vida cultural española estén recuperando al historiador y crítico clave de la cultura hispánica en la Restauración.

Y lo es porque el centro de interés del hispanismo lo constituye precisamente ese sedimento cultural en el que se acumulan las creaciones más reveladoras de la manera de ser y actuar de los pueblos de lengua española, sus creencias e ideas, su sensibilidad y sus gustos.

Esas creaciones fueron obra de sus genios representativos, a los que Menéndez Pelayo denominó polígrafos. Además, este núcleo cultural hispánico es el único presente denso que vincula con su pasado nuestra fantasmagórica cultura contemporánea, confiriéndole así cierta actualidad y dimensión global.

Menéndez Pelayo desarrolló en su obra la articulación histórica que enraíza lo español en sus fuentes helenísticas grecolatinas, añade sus componentes medievales cristianos, árabes y judíos, y sitúa su periodo creador y de esplendor en el Renacimiento y el Barroco, cuando se proyectó además como civilización hispánica en América.

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noviembre 17, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

La verdad sobre la teoría de la conspiración de la misteriosa Esfera de Betz…

Esquire(C.Delbert) — La misteriosa Esfera de Betz es un extraño objeto que la familia Betz encontró cerca de su casa en Fort George Island, Florida en 1974. Es una esfera de metal de un tamaño algo menor al de una bola para jugar a los bolos (algo más de 20 centímetros), pero que pesa más de 3,5 kilos con respecto a las bolas más pesadas usadas por los jugadores más fuertes, que suelen pesar casi 10 kilos.

La familia Betz afirmó que la esfera actuaba con voluntad propia, moviéndose y haciendo ruidos. Seguro que te estás preguntando: ¿qué tiene que ver un hallazgo así con las teorías de conspiración? ¿Es una especie de bala de cañón autónoma? ¿Podría ser en realidad una pieza de tecnología alienígena?

– Los orígenes

Después de que un incendio destruyera su propiedad en marzo de 1974, la familia Betz encontró la extraña esfera de metal y creyó que era una antigua bala de cañón de los colonizadores españoles de la era del Renacimiento en Florida, según cuenta Skeptoid.

Pero la esfera estaba limpia y brillante, sin mostrar ningún tipo de corrosión.

De haber sido una pieza de armamento del período colonial español, algo que para empezar no usaban los misioneros de Florida, habría sido de hierro o piedra, no de acero inoxidable o plata.

Cuando la familia se llevó la esfera a casa, según comentaron, empezó a comportarse de forma extraña.

Según ellos, la esfera rodaba por sí misma, hacía ruidos y vibraba.

Según Wonderful Engineering:

Terry, el hijo de Antoine y Gerri Betz, estaba tocando la guitarra y descubrió que la esfera reaccionaba al sonido de la guitarra y hacía un ruido punzante que asustaba al perro de la familia. Las cosas dieron un giro aún más extraño cuando estaban sentados en el suelo y rodaban la esfera hacia el otro. Cuando la enviaban en una dirección, cambiaba de dirección a mitad de camino y volvía a la persona que la había hecho rodar.

En una entrevista de abril de 1974 para el St. Petersburg Times, Gerri Betz dijo que cuando el perro de la familia se acercó a la esfera, «empezó a lloriquear y a taparse los oídos con las patas, algo que nunca le había visto hacer antes».

La familia Betz sospechaba que las radiaciones solares afectaban a la esfera, lo que podría explicar por qué se movía «intensamente» cuando el sol brillaba con fuerza, según Wonderful Engineering. Con el tiempo, el ejército de los Estados Unidos quiso analizarla y obtener más respuestas.

Un experto de una empresa de investigación de Baton Rouge, Louisiana, examinó la esfera, y dictaminó que de ella «salían ondas de radio y existía un campo magnético a su alrededor», según le comentó Gerri Betz al St. Petersburg Times. 

La Armada estadounidese analizó la esfera en la Estación Aérea Naval de Jacksonville. Un portavoz comentó al St. Petersburg Times que los primeros intentos usando rayos X fallaron porque su «máquina no era lo suficientemente fuerte para penetrar el acero, pero dos pruebas posteriores mostraron el contenido del globo».

«No sé quién la fabricó», dijo el portavoz, «pero creo que proviene de la Tierra. Sabemos que no es un explosivo y no presenta ningún peligro».

La familia Betz envió la esfera al astrónomo y renombrado ufólogo J. Allen Hynek para que la examinara, que estuvo de acuerdo en que el objeto fue hecho por el hombre, según The Jaxson.

– Los creyentes

En el conocido podcast Mysterious Universe hablaron sobre la misteriosa esfera de los Betz bajo el título «Artefacto alienígena o dispositivo del Día del Juicio Final», dando a conocer las posibles explicaciones defendidas por los creyentes.

Un científico podría haber desengañado a la familia Betz de locas ideas como que estaba hecha de acero tipo 431 del siglo XVI, el chapado de plata, o un improbable satélite de metal sólido.

Aún así, sus relatos sobre los movimientos y ruidos de la esfera se convirtieron en noticia y siguen inspirando a los creyentes en conspiraciones.

– Los hechos

Las explicaciones sobre la misteriosa Esfera de Betz son tan ingeniosas que no han logrado persuadir a los creyentes. Después de que la Armada examinara la esfera e identificara la composición de acero, entre otros hechos, la bola fue comparada de manera concluyente con una bola de acero inoxidable mantenida en stock por una empresa de suministro de equipos de Jacksonville, según informó Skeptoid.

Al ver los informes sobre la esfera, el presidente de esa compañía, Robert Edwards, mostró a un reportero una bola de acero inoxidable de Bell & Howell que medía algo más de 20 centímetros y pesaba más de 9,5 kilos – casi exactamente el mismo tamaño de la esfera. Según Skeptoid:

«No digo que esta cosa no haya venido del espacio exterior porque nunca la he visto», dijo Edwards. «Todo lo que digo es que su descripción física coincide exactamente con el tipo de bola que tenemos en stock.»

En cuanto a los extraños comportamientos de la esfera, estos se han repetido y se han adornado con detalles adicionales durante los últimos 50 años. Según los expertos, lo que probablemente pasaba es que la esfera rodaba sobre un suelo irregular.

El portavoz de la Armada le comentó lo siguiente al St. Petersburg Times:

«Creo que la esfera se movía por el tipo de construcción de la casa. Es vieja y tiene pisos de piedra irregulares. La esfera está casi perfectamente equilibrada, y sólo se necesita una pequeña hendidura para que se mueva o cambie de dirección.»

– El caso

Es improbable que una avanzada tecnología alienígena utilice una aleación de acero de la Tierra -la 431, usada en aviones y cosas como sujetadores y pernos, según comenta Skeptoid– y que quedara intacta tras la larga y extremadamente caliente caída a la Tierra. Ni siquiera una bola de acero sólido.

Pero la investigación de la Armada y una serie de exámenes «no concluyentes» han llevado a los creyentes a pensar que la esfera es un objeto alienígena. En los Estados Unidos eso significa normalmente persuadir a alguien a cambio de una recompensa económica. Basándose en diversas informaciones, creen que hay diferentes secciones de diferentes materiales dentro de la esfera, lo que la convierten en un objeto desconocido para la ciencia terrestre a pesar de estar recubierta von una aleación de acero cuidadosamente desarrollada por el hombre.

– ¿El veredicto?

Es sencillo entender cómo una familia normal de Florida decide que un extraño objeto encontrado en su propiedad tiene algún tipo de propiedades extrañas. En ausencia de un claro aporte científico sobre ello, esa leyenda podría engordar muy rápidamente. Además, los años 70 supusieron un apogeo de las creencias en cosas como los OVNIs, así como «nuevos movimientos religiosos» y la meditación trascendental americanizada – una mezcla embriagadora para que la gente desarrolle ideas salvajes.

Es probable que la esfera sea una mezcla entre un objeto industrial y algo que no acabó de funcionar bien. Aunque después de un tiempo, la atención pública disminuyó, el misterio persistió. La familia Betz decidió mantener un perfil bajo, evitando en gran medida hablar sobre la esfera en los años posteriores a su descubrimiento. La esfera Betz sigue siendo un enigma no resuelto, un objeto que desafía las leyes conocidas de la física y que permanece en la memoria como uno de los misterios más intrigantes de la historia moderna.

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noviembre 17, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Sor Juana Inés de la Cruz: símbolo de un legado hispánico común…

The Conversation(M.P.Flores) — En el año 2019, el presidente mexicano Andrés Manuel López Obrador envió una carta al rey Felipe VI de España.

En ella indicaba que “durante la Colonia se vulneraron derechos individuales y colectivos que con una mirada contemporánea deben asumirse como atentados a los principios que rigen a ambas naciones”.

Por eso, indicó que “México desea que el Estado español admita su responsabilidad histórica por esas ofensas y ofrezca las disculpas o resarcimientos políticos que convengan”.

La carta no obtuvo respuesta y, como queja, la presidenta Claudia Sheinbaum, sucesora de López Obrador, no invitó a Felipe VI a su toma de posesión, a la que rechazó acudir también el presidente del Gobierno español, Pedro Sánchez.

Hechos como el anterior actualizan el debate sobre cómo evaluar la presencia española en América durante más de 300 años. Se trata de un tema extraordinariamente complejo.

No es fácil abordar la manera de interpretar, explicar y gestionar esta historia compartida, pues es un asunto que desborda el debate especializado.

Median también intereses políticos, ideológicos y económicos diversos, que a menudo entran en conflicto con los enfoques académicos.

Ahora bien, el conocimiento de esos años de historia compartida no es igual a ambos lados del Atlántico. En las universidades hispanoamericanas se estudian la historia y la literatura de la España peninsular a lo largo de los siglos XVI, XVII y XVIII. Por ejemplo, en la UNAM existe una materia dedicada al Quijote en exclusiva.

Sin embargo, en España hay pocas posibilidades de acceder a un conocimiento análogo de la América virreinal. Incluso en las universidades con mayor orientación hacia lo hispanoamericano, todo el periodo se concentra en una sola asignatura.

La figura de sor Juana Inés de la Cruz (1648 o 1651-1695) es representativa de esta situación. La escritora es reconocida como una de las personalidades más relevantes de la historia mexicana. Su posición es singular en la literatura del Siglo de Oro: mujer, monja, novohispana y criolla.

Y esta singularidad ha posibilitado diferentes lecturas de su obra que, en ocasiones, tienden hacia la apropiación, proyectando en sor Juana ideas ajenas a su época.

– Imagen de muchas causas

En muchos ámbitos, la escritora es hoy un icono LGTB. Sor Juana mantuvo una estrecha relación con la Condesa de Paredes, virreina de la Nueva España, dentro de las coordenadas del sistema cortesano, en el que supo encontrar un hueco para desarrollarse como escritora. Este vínculo se ha interpretado como una especie de cripto-lesbianismo. 

Los poemas dedicados a la virreina ocupan más del 15 % de toda su lírica personal. En uno de ellos, sor Juana le escribe:

“ser mujer ni estar ausente

no es de amarte impedimento,

pues sabes tú que las almas

distancia ignoran y sexo”.

Para algunos críticos, sor Juana es también una americanista, que ejerció una resistencia oblicua contra el poder colonial. No obstante, la lectura de sus obras en su contexto cultural obliga a ser cautos y a no caer en anacronismos.

Sí que parece claro que sor Juana defendió su derecho por acceder al conocimiento y al estudio a pesar de su condición de mujer y de religiosa. En uno de sus sonetos indica que:

“siempre me causa más contento

poner riquezas en mi entendimiento

que no mi entendimiento en las riquezas”.

Son famosas en este sentido la Carta Atenagórica, de 1690, y sobre todo la Respuesta a sor Filotea, de 1691.

Ahora bien, en sus últimos años la escritora hizo un nuevo noviciado, decidió deshacerse de su biblioteca y renunció a la vida pública. Parte de la crítica sostiene que sor Juana fue obligada a tomar estas decisiones, pero otra parte considera que esta decisión fue sincera.

– La gran poeta del Siglo de Oro

Más allá de los enigmas que rodean a la autora, atendiendo a su obra, sor Juana es por derecho propio una de las poetas más relevantes del siglo XVII.

Su poesía está muy influida por la obra de Góngora, pero la escritora fue capaz de crear un estilo propio, en el que encontramos huellas de Garcilaso, Calderón, Quevedo o Gracián.

Fue también una dramaturga notable: compuso varias loas (especie de prólogos de obras teatrales), autos sacramentales y comedias.

Su obra se publicó por primera vez en Madrid, bajo el título de Inundación castálida de la única poetisa, musa décima.

El hecho resulta excepcional porque los escritores criollos tenían muy difícil poder difundir sus obras en España.

Sor Juana se convirtió en uno de los primeros iconos literarios a uno y otro lado del Atlántico.

Poco antes de morir, unas monjas portuguesas que conformaban la academia literaria Casa do prazer solicitaron una contribución de la monja. Ella les envió veinte enigmas escritos en verso.

La décima musa es la única mujer y la única americana de entre todos los grandes poetas del Siglo de Oro. Pero su obra, salvo en reductos académicos, apenas es conocida en España. Hay algunas excepciones –por ejemplo, la autora fue la protagonista del Festival de Almagro en 2019– pero por desgracia siguen siendo eso, excepciones.

Estudiemos y leamos a sor Juana. Celebremos su literatura como parte de un legado común compartido. Es posible que, comprendiendo mejor este legado, podamos construir una nueva hispanidad.

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noviembre 16, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Serapeum: el enigma de la ‘tumba’ de los 24 gigantes del antiguo Egipto…

La Razón(J.Guijarro) — Si los semidioses egipcios existieron y no son un mito: ¿Dónde fueron enterrados? En la necrópolis de Saqqara hay un misterioso hipogeo que contiene gigantescos sarcófagos de granito, diorita y otros durísimos materiales que constituyen uno de los enigmas más fascinantes del antiguo Egipto.

En la necrópolis de Saqqara, muy cerca de la primera pirámide de Egipto, se ubica uno de los lugares más intrigantes del país de los faraones: El Serappeum. En su interior moran, desde hace más de 5.000 años 24 gigantescos sarcófagos de piedra introducidos en otras tantas cavidades o capillas cinceladas en la piedra. ¿Son las tumbas de los gignates, los semidioses que ayudaron a conformar la más célebre de las civilizaciones de la antigüedad?

La existencia misma del Serapeum incomoda a los egiptólogos porque el espacio del hipogeo es muy reducido para mover por su interior estas moles pétreas que, en algunos casos llegan a las 100 toneladas de peso y cuyas dimensiones abruman.

Su hallazgo fue anunciado por Auguste Mariette en febrero de 1851. El que a la sazón fue creador de la Dirección de Excavaciones en Egipto y del Museo de antigüedades del país había encontrado referencias a un templo a Serapis en la célebre «Geografía» de Estrabón.

«Hay además en Menfis un templo de Serapis en un lugar tan arenoso que los vientos acumulan montones de arena, en el que vimos esfinges enterradas, unas a medias, otras hasta la cabeza, de donde se puede deducir que el camino que lleva al templo no estaría exento de peligro si nos viéramos sorprendidos por un vendaval». Mariette anhelaba encontrar este templo y la suerte parecía acompañarle cuando, el 27 de octubre de 1850, observó una esfinge –compañera de otras 15- semienterrada en Saqqara.

Pero no encontró el templo referido por el geógrafo griego. En su lugar, a unos 12 metros por debajo de la superficie, accedió -el 12 de febrero de 1852- a unos misteriosos subterráneos excavados enteramente en la roca viva. El hipogeo estaba formado por varias galerías que se cruzan entre sí. En su mayor parte, presentaban a derecha e izquierda cámaras laterales en las que se hallaban depositadas unos enormes sarcófagos que Mariette creyó pertenecían a las momias de Apis, los bueyes sagrados.

La obsesión de los antiguos egipcios por la momificación y entierro de animales está fuera de toda lógica. En junio de 2015 fueron encontrados al norte de Saqqara ocho millones de perros momificados en una macro-catacumba que es parte de un complejo enorme que incluye otras grandes galerías subterráneas en las que fueron enterrados -momificados-babuinos, ibis y halcones, entre otros animales.

En Tuna el-Gebel, una necrópolis de cerca de 16.000 metros cuadrados, también fueron localizadas las momias de cuatro millones de ibis, aparte de halcones, flamencos y babuínos que yacían enterrados en vasijas de barro. Pero, a pesar de la documentada adoración al buey Bukhis y al toro Apis jamás se han encontrado momias de estos animales sagrados.

Si el Serapeum fue saqueado, ¿por qué razón dejaron allí los ladrones una gran cantidad de estelas, vasijas, valiosas estatuas y sólo se llevaron los bueyes?

No tiene lógica. Por eso el Serapeum abona el terreno a la especulación, sobre todo porque a no más de 500 metros de allí se sitúa la primera necrópolis egipcia con pirámides, donde Imhotep erigió la tumba del faraón Zoser, la primera pirámide escalonada para llegar a los dioses de las estrellas.

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noviembre 16, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Juguetes y adoctrinamientos…

Meer(R.Ulpiano) — El historiador de la infancia y medievalista francés Philippe Areiès sostenía que la infancia no fue comprendida como un estadio diferenciado de la vida hasta el siglo XV, ya que por entonces los niños eran vistos como pequeños adultos que compartían las mismas tradiciones, juegos y vestimentas.

Desde esta perspectiva y por sentido común se aceptó la evolución del juguete como un objeto que evolucionó del uso adulto al infantil, pero históricamente hablando, no ha habido una forma clara de distinguir entre los usos adultos de objetos miniaturizados y los juguetes para niños.

Es decir, desde siempre ha existido una gran dificultad para diferenciar en las excavaciones las miniaturas usadas por niños con aquellos objetos de un culto doméstico o funerario, así pues, posiblemente los niños compartían en la antigüedad las réplicas de uso funerario, ritual o de culto con los adultos.

De esto se desprende, entonces, que los juguetes adaptados en nuestra sociedad como parte de la cultura comercial de masas no son únicamente sinónimo de infancia. Existe una serie de implicaciones ocultas que esconden su original naturaleza de objeto, al margen de su actual ubicuidad, el juguete es una materialización de la historicidad contenida en los objetos.

El filósofo italiano Giorgio Agamben, señaló al respecto, que el juguete conserva la temporalidad humana que estaba contenida en ellos, su pura esencia histórica.

Como sabemos, los juguetes, tampoco son necesariamente alegres en sus implicaciones: Juguetes de guerra, miniaturas de casinos, juegos de magia, Monopoly o juguetes de finanzas hasta los actuales videojuegos online muchos repletos de violencia e incluso programados para manipular.

Tal como señalaba Urs Latus, conservador en el departamento de investigación del Museo del juguete de Núremberg:

Los juguetes son siempre una imagen en miniatura del entorno real, y responden directamente a los eventos actuales, a veces con una velocidad asombrosa.

El peligro no está tanto en si en el juego, que puede ser constructivo y didáctico, sino en la manipulación a través de él.

Como por ejemplo, aquellos juguetes pedagógicos y creativos realizados por artistas de Las Vanguardias o la Bauhaus, censurados durante el Tercer Reich.

Porque, aunque no le prestemos mucha atención, los juguetes forman parte de la cotidianidad y reflejan la sociedad y la forma en que pensamos.

Responden tanto a las dimensiones psicológicas como temporales de la existencia humana. Hasta los juguetes y juegos forman parte de la Historia del fascismo.

El régimen de Hitler manipuló a una generación a través de los juguetes. El adoctrinamiento nazi comenzó con un lavado de cerebro sistemático. La invasión de Hitler a la habitación de los niños, normalizó una serie de contravalores en la infancia, de comportamientos inmorales que hacía difícil percatarse del conflicto moral en que vivían.

Cabe preguntarse, cómo es posible que una sociedad entera se comporte de una manera. No hace falta más que entrar en su móvil y acceder algún programa o juego en línea para darse cuenta de cómo el adoctrinamiento continúa en los juegos. Por ejemplo “Héroes chinos”, desarrollado y asesorado por el ministro de propaganda chino.

Pero es algo generalizado en todo el mundo, y cómo pedirle a un hombre que se comporte de manera excepcional cuando, tanto las leyes de su país como el resto de ciudadanos, se comportan inmoralmente con la sola base de que debe seguir su conciencia. Esta fue y es la gran tragedia moral del mundo.

– Como Hitler invadió la habitación de los niños

En 1938, una campaña navideña frente a unos grandes almacenes de juguetes en Nueva York, se manifestaba bajo estas consignas: “No compréis juguetes hechos por los nazis” o “Los juguetes nazis están empapados de sangre inocente”. ¿Qué estaba sucediendo?¿Qué escondía un inocente juego infantil?

Se trataba de un Santa Claus, miembro de la liga anti-nazi en Estados Unidos que informaba a la población norteamericana de lo que estaba sucediendo en Alemania. Un boicot hacia todo lo alemán, ya que, por entonces, la liga anti-nazi ya era consciente de la manipulación del tercer Reich y conocía el horror de como los judíos eran tratados en Alemania desde que Adolf Hitler llegará al poder en 1933.

Hay que destacar que la industria del juguete en Alemania, había tenido una fuerte tradición histórica desde el siglo XIV, siendo la ciudad de Nuremberg uno de los principales focos industriales.

Este importante pilar dentro de la economía e industria alemana, fue líder mundial en la fabricación de juguetes hasta el principio de la I Guerra Mundial, exportándolos principalmente a Reino Unido y Estados Unidos. Tras la crisis del 29, la industria juguetera, en recesión, aprovechó la llegada al poder de Hitler cuyas ayudas a la industria pasaba por convertirlos en propaganda nazi.

Con el ascenso al poder de Hitler, los judíos, con un fuerte tejido industrial, fueron decomisados y expulsados del sistema productivo.

Éstos representaban a un importante grupo de creativos y empresarios, cuyos juguetes estaban enfocados en aspectos creativos o tecnológicos como vehículos y trenes eléctricos pasando a fabricar juegos bélicos o de propaganda.

Un ejemplo significativo fue la empresa judía JW Spear & Söhne, fundada en Nuremberg en 1879. Más conocida por comercializar el juego Scrabble a mediados del siglo XX, en su época fue la más importante a nivel internacional.

La empresa sufrió varios sabotajes en la fábrica y ataques antisemitas desde su fundación, -hay que señalar que los valores antisemitas habían sido impuestos culturalmente en Europa desde hacía siglos-.

En 1938, su propietario y heredero, Herman Spear, fue obligado a venderla por un precio irrisorio y en 1943 fue deportado al campo de Auschwitz, donde murió en julio de ese año.

Goebbels, ministro de propaganda nazi, había entendido la influencia de la industria juguetera en el núcleo familiar, y lo primero que hizo cuando accedió Hitler al poder fue eliminar las sociedades de paz y ligas de mujeres contra todos los juguetes militares.

Un primer paso que terminaría con el conflicto moral de la sociedad, dando carta blanca para inundar el mercado por los conocidos como “productos marrones” que incluían camisas de las milicias nazis, silbatos, bolas, flautas, lápices, sacapuntas y hasta un cortador de galletas con forma de esvástica, que nos da claves para entender las garras de un régimen totalitario que incluso tomó el control de productos horneados para niños. Ningún niño estaba ya a salvo.

Aunque muchos de los fabricantes, artesanos y diseñadores no compartían la ideología, la adoptaron por obligación o necesidad, ya que vieron, como comentábamos, el cambio político como una oportunidad comercial, tras una década de decadencia económica. Mientras otros, adeptos al régimen, ya habían empezado a fabricar juguetes desde 1920-1930, antes del ascenso de Hitler al poder.

La gran manipulación de los nazis a los niños ha sido una de las grandes historias desconocidas, una generación entera fue manipulada a través de los juguetes. Esto sería una forma de evitar que las generaciones futuras cuestionaran las políticas nazis, robando la inocencia a millones de niños.

Este tema es muy importante, porque nos aclara como el régimen condicionó a toda una generación que no podía reconocer que todos estos valores militares e inhumanos estaban mal, porque todos estos temas se habían normalizado en la vida cotidiana como correctos.

Crearon juguetes antisemitas, bajo el rótulo de educativo o diversión, para toda la familia como: Juden Raus! (¡Judíos fuera!) editado en 1938. Se trataba de expulsar a la población judía y enviarla a un sammellager (campamento de recolección). Los jugadores que asumían el rol de policías circulaban a través de una pequeña ciudad repleta de negocios judíos y un mercado.

Su misión era dar caza a los judíos y finalmente deportarlos a una zona fuera del tablero denominada *Auf nach Palästina! (Fuera, ¡a Palestina!). Quien primero recolectará seis judíos, vencía. De este macabro juego se vendieron más de un millón de ejemplares, actualmente solo se conservan dos ejemplares en la Wiener Library, en Londres.

El régimen nazi, hizo creer a toda una sociedad que todas sus acciones estaban subordinadas a un bien mayor que merecía cualquier sacrificio: Alemania y su misión histórica. Se realizaron juguetes infantiles para niños de dos a cuatro años como muñecos de cabello rubio y ojos azules para promover los ideales raciales del régimen o bloques de rompecabezas que glorificaban la guerra y la necesidad de morir, con imágenes diseñadas para moldear sus puntos de vista.

Mientras a los jóvenes y adolescentes se les iba preparando para la guerra, algunos se ofrecían voluntarios para el servicio militar a partir de los 15 años.

La propaganda nazi alentaba a los niños a morir por Hitler y el régimen. Los juegos de mesa como Verint-gegen den Feind (“Unidos contra el enemigo”) o Durch Kampf zum Sieg (“¡A través de la lucha hasta la victoria!”) eran juguetes habituales.

Tanto en los tableros como en las publicaciones infantiles el Hitler siempre aparecía como el héroe, como el fuerte Führer.

Incluso había juegos en los que la familia era educada a identificar, informar y destruir aviones enemigos, como el juego de defensa aérea Eagle, Adler Luftverteidigungs spiel, cuya portada muestra un bombardeo británico estrellándose.

De esta forma, durante la guerra, muchos habitantes de ciudades alemanas solían atrapar y eliminar a las tripulaciones aéreas aliadas que se estrellaban en Alemania.

Durante los años de guerra, los fabricantes de juguetes solo tuvieron acceso al papel en su producción, ya que las industrias alemanas estaban centradas en producir material bélico. En contraposición, el público también se había reducido, ya que los niños y las Juventudes Hitlerianas fueron enviados a luchar. Provocando el colapso moral de una sociedad entera.

– Manipulación social en la era del videojuego en línea

El videojuego online o el ocio videolúdico, se ha convertido en un importante manipulador dentro de las reinterpretaciones históricas, políticas y defensa de posicionamientos dentro de las estrategias de la geopolítica internacional.

Los Estados han encontrado en el videojuego el medio óptimo para transmitir sus ideales y mensajes, que se presentan ante el público con una aura de “imparcialidad”, pero que reconduce al participante hacia la construcción de la narrativa que al Estado o los poderes económicos les interesa, haciéndoles creer a los participantes que son ellos mismos los que crean su propia reflexión.

Con más de tres mil millones de jugadores en todo el mundo, el videojuego se ha convertido en un poderoso canal de comunicación útil tanto para la propaganda de los gobiernos, como por ser capaz de esquivar cualquier tipo de control.

Una industria que superó los 180.000 millones de euros en 2022, y con un gran poder de manipulación, que muchas veces deja importantes secuelas en la sociedad:

Adoctrinamiento de jóvenes por grupos terroristas, manipulaciones o propaganda política por parte de todos los estados y de organizaciones no gubernamentales que conlleva también adoctrinamientos, manipulación de nuestro comportamiento por las grandes multinacionales, medio de comunicación de las mafias, así como generadores de odio, violencia, además de las secuelas sicológicas que puede provocar en los más vulnerables.

Entre lo que destaca, el peligro de una población infantil que juega más de tres horas al día dejando de socializar con otros niños y corre el riesgo de enfrentarse a jugadores online, la gran mayoría con perfiles falsos. De igual modo, los niños a pesar del control parental, pueden encontrarse con lenguaje ofensivo, acoso o discriminación.

Aunque con un control familiar esto es cada vez más fácil de detectar. Es mucho más peligroso el empeño de los gobiernos en agilizar la cultura de la inmediatez y la desaparición de la cohesión social y del calmado espacio- tiempo que lleva a la reflexión y análisis.

Plataformas como Roblox encontramos de todo, desde marchas feministas hasta mensajes fascistas, totalitaristas y antidemocráticos. Roblox que recuerda los playmobil, se basa en un juego generativo mediante el uso de la inteligencia artificial con la que el usuario puede crear sus propios juegos, universos virtuales donde monetizar y socializar.

Un poderoso canal de comunicación capaz de influir en generaciones futuras, ya sea en temas de género, política, desigualdad o inmigración. De hecho, en algunos videojuegos encontramos hasta movimientos en contra o favor de los derechos humanos.

Los juguetes, como hemos visto, han sido un arma de manipulación, igual que son los videojuegos en línea. De hecho, el videojuego es una herramienta con enormes potencialidades políticas y geopolíticas.

La Historia no nos ha dejado indiferentes, y en una sociedad tan compleja es cada vez más difícil descifrar los límites existentes mediante el ocultamiento de noticias reales, el bulo, la difamación y desinformación.

Las distopías son viables, y un sistema en que empieza a prevalecer lo virtual, es clave entender la importancia de la privacidad.

Porque la protección de la democracia y de los derechos fundamentales, y uno de ellos es nuestra libertad de pensamiento pasa por mantener nuestra privacidad alejada de cualquier alineación de pensamiento; porque la libertad de expresión tiene que ir unida a la libertad de pensamiento, a la reflexión, a la creatividad y a la libertad para no volver a caer en el colapso moral de una sociedad entera.

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noviembre 16, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Los Nazarenos: características e historia de este movimiento artístico…

Psicología y Mente(S.R.Comas) — Roma, 1810. En el abandonado monasterio de San Isidoro se ha reunido un grupo de artistas conocido como Hermandad de San Lucas. Provienen del norte de Europa y lucen larguísimas barbas y vestidos un tanto desaliñados, que hacen que los paisanos les empiecen a llamar I nazareni (los nazarenos). Estos pintores se entregan a una vida humilde, dedicada por entero a la religión y al arte.

Los nazarenos fueron uno de los primeros movimientos cohesionados de protesta contra el arte academicista oficial. Enmarcados en la corriente general del Sturm und Drang germano y, por tanto, del Prerromanticismo, fueron el claro precedente de la Hermandad Prerrafaelita que, a mediados del siglo XIX, recuperó sus postulados artísticos.

En el artículo de hoy realizaremos un recorrido por el origen y la obra de este grupo de pintores, tristemente olvidado en la actualidad y que, sin embargo, tanto supuso para la historia del arte.

– Los nazarenos o la Hermandad de San Lucas: el origen de un nombre

Los habitantes de Roma los llamaban nazarenos, nombre con el que han pasado a la historia. Sin embargo, ellos se autodenominaron siempre Hermandad de San Lucas, en alusión al santo evangelista que, según la tradición, realizó un retrato de la Virgen, por lo que ha sido considerado siempre el patrón de los pintores.

ante todo, recuperar la religiosidad medieval que, según ellos, se había perdido con el auge de la pintura académica del siglo XVII y, sobre todo, del XVIII. Este espíritu religioso era, en realidad, de una modernidad asombrosa en la época, puesto que entrañaba una reacción contundente contra las normas artísticas y culturales imperantes.

Es por ello por lo que se ha venido considerando la Hermandad de San Lucas como una de las primeras contracorrientes artísticas; si los nazarenos hubieran vivido en el siglo XX, sin duda se habrían clasificado entre las primeras vanguardias.

. La búsqueda de la espiritualidad perdida

Como siempre, para entender un movimiento artístico debemos situarnos en el contexto social e histórico.

Nos encontramos a principios del siglo XIX. El academicismo triunfa en los países meridionales, especialmente en Francia, donde Napoleón utiliza el majestuoso Neoclasicismo como vehículo para la expresión de su poder y su grandeza.

Este lenguaje, que se inspira directamente en los modelos clásicos (especialmente, en los de la Antigua Roma) es ideal para plasmar el lenguaje marcial y austero de la nueva Francia.

Pero en el norte de Europa las cosas son diferentes.

Los países germanos nunca han tenido una romanización tan profunda, por lo que su identificación con el Neoclasicismo es escasa.

Por el contrario, ya desde el siglo XVIII empieza a eclosionar en los territorios de la actual Alemania un profundo sentimiento anti-academicista y profundamente nacionalista, que se traduce en el movimiento del Sturm und Drang.

Este movimiento, englobado en la genérica nomenclatura de prerromanticismo, es la semilla de donde florecerá la hermandad de los nazarenos. Con el Sturm und Drang, este grupo de artistas comparte los ideales de retorno a una supuesta “pureza” original, que sólo puede hallarse en el pasado medieval.

De cualquier manera, existen diferencias claras entre la estética de la Hermandad de San Lucas y los artistas prerrománticos alemanes. Mientras que estos últimos se ven influidos por una evidente corriente nacionalista, los nazarenos huyen de cualquier grandilocuencia y prefieren un retorno a la sencillez y humildad cristianas primitivas.

• La Edad Media como fuente constante de inspiración

Para ello, no sólo se fijan en modelos germanos del XV (como, por ejemplo, Alberto Durero). De hecho, su principal objetivo es el arte italiano anterior al Cinquecento: Fra Angelico, Il Perugino, el primer Rafael. La adoración al arte de antes de la aparición del academicismo es profunda y casi obsesiva. 

Los nazarenos ven en la Edad Media un mundo primitivo y verdadero, donde no primaba la forma de representación, sino el significado espiritual de lo creado. En parte, tenían razón, pero, como siempre, en su filosofía existe cierta dosis de idealización.

Es cierto e indiscutible que el arte medieval no busca perfecciones formales. Lo realmente importante es qué se representa; las creaciones artísticas buscan, pues, la expresión genuina y directa de un mensaje, generalmente religioso, y esto es lo que fascina a los nazarenos.

A principios del siglo XIX, el arte se ha “corrompido” y se ha vendido a la forma. En consecuencia, para estos artistas es menester recuperar el espíritu sencillo del artesano medieval que, a su juicio, no posee el ego ni la personalidad que caracteriza al artista moderno, y crea sólo en base a este impulso espiritual genuino.

Bien, está claro que la visión nazarena era a todas luces exagerada. Porque, a diferencia de lo que ellos creían, el artesano medieval no creaba mediante un impulso religioso, sino bajo las directrices de los comitentes que le encargaban la obra. Su trabajo era, en última instancia, un trabajo por encargo, como podía ser el trabajo de un zapatero o de un cestero.

Por tanto, a pesar de que, lógicamente, los artistas podían imbuir su obra de cierta originalidad, no debemos olvidar que el arte en la Edad Media era una simple tarea manual como cualquier otra.

Los miembros de la Hermandad de San Lucas, en cambio, ven a estos artesanos como “niños”, en el sentido más puro de la palabra. A sus ojos, el artista medieval representa un mundo en el que el sentir humano no está todavía corrompido, y por ello toman estos modelos para su inspiración.

En este sentido, están muy lejos de la idea de Giorgio Vasari, que sostenía que la infancia representaba la “torpeza” creativa, y la adultez, su sublimación.

• Los grandes protagonistas del movimiento artístico

El 10 de julio de 1809, dos jóvenes estudiantes de la Academia de Bellas Artes de Viena fundan la Hermandad de San Lucas, la Lukasbund.

Se trata de Friedrich Overbeck (1789-1869) y su compañero Franz Pförr (1788-1812), que se convertirán en los primeros líderes y en el alma del movimiento.

Los dos se sentían bastante hastiados del ambiente neoclásico que reinaba en la academia, y juraron recuperar el “arte verdadero” a través de una lucha constante contra los preceptos academicistas.

Fue Overbeck el que diseñó el que sería el emblema de la hermandad y que debería figurar en todos los cuadros que produjeran sus miembros, en la parte trasera del lienzo. 

En el emblema aparecían, entre otros elementos, las iniciales de los primeros componentes de la hermandad, que, además de los fundadores, comprendía también a los pintores Ludwig Vogel (1788-1879), Johann Konrad Hottinger (1788-1827), Joseph Wintergerst (1783-1867) y Joseph Sutter (1781-1866).

Un detalle que nos recuerda inevitablemente a los prerrafaelitas, sus herederos más directos, que firmaban todos sus cuadros con las iniciales PRB (Pre Raphaelite Brotherhood).

La obra de Overbeck es el resumen perfecto de los ideales que mueven a los nazarenos.

Algunas de sus obras son tan fieles al estilo del primer Rafael que bien podrían confundirse con una obra del maestro renacentista: por ejemplo, la extraordinaria María e Isabel con Jesús y Bautista niños, ejecutada en 1825 y que retrotrae irremediablemente a las madonnas rafaelitas.

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noviembre 15, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Etana: el rey que voló hasta los cielos…

Esfinge(F.G.Santiago) — En el Ashmolean Museum de Oxford hay una curiosa pieza de 4000 años de antigüedad conocida como el «prisma de Weld-Blundell».

Fue descubierta en un yacimiento de la antigua ciudad de Nippur por el investigador germano-americano Hermann Hilprecht y, desde la publicación de su contenido en 1906 es, posiblemente, uno de los descubrimientos que más ha dado que hablar a los estudiosos, ya que contiene, escrita en lengua sumeria y caracteres cuneiformes, una detallada lista de los reyes sumerios desde los tiempos anteriores al diluvio hasta los reyes de la dinastía Isin, la última a la que hace referencia, fechada en el siglo XVIII a. C.

Esta no es la única lista de reyes sumerios que existe, pero sí la más competa de todas las que se han descubierto hasta la fecha.

Según esta lista, antes del diluvio hubo ocho grandes reyes, algunos de los cuales han pasado a la historia como parte de los relatos míticos sumerios, protagonizando las epopeyas que conforman el rico imaginario sumerio.

Uno de esos reyes fue Etana.

• El rey, el mito

Para conocer la historia de Etana, rey de Kish, hay que recurrir a fuentes ajenas a las listas reales sumerias.

Hasta el momento se han encontrado varias versiones de este mito a través de distintas tablillas encontradas en Susa y Tell Harmal (versión paleobabilónica), Assur (versión de Asiria) y Nínive (versión neoasiria). Se sabe que la historia de este rey es bastante anterior a las tablillas que se han encontrado.

De hecho, existen sellos cilíndricos, el más antiguo fechado en el 2300 a. C., donde se representa gráficamente la historia de Etana. La narración como tal de la vida de Etana se atribuye a Lu-Nanna, un personaje que se pierde, como el mismo rey, en la mitología y simbología sumeria.

Según algunas fuentes, Lu-Nanna era un Apkallu o Abgal, que se traduce como «gran hombre pez» o «barquero». Los Apkallu eran, según las tradiciones, espíritus sabios creados por el dios Ea en persona, que actuaban como asesores de los grandes reyes desde los tiempos anteriores al diluvio.

El primero de ellos fue Oannes y el último, posiblemente, Lu-Nanna. Después de que el último Apkallu redactara la historia del mítico rey de Kish, el relato se difundió ampliamente por casi toda Mesopotamia.

Lu-Nanna habría vivido después de la inundación bajo el reinado del Shulgi, perteneciente a la tercera dinastía sumeria de Ur (2094-2047 a. C.). Sobre el rey Shulgi hay textos que narran cómo, un día, decidió ir corriendo desde la ciudad de Nippur a la de Ur, separadas por 160 km.

Al llegar a Ur se bañó, comió algo, se echó a dormir y, al día siguiente, hizo el mismo trayecto pero en sentido inverso. En total, 320 km. Aunque la fama de Shulgi como gran rey no tiene tanto que ver con aquella carrera como con algunas de las construcciones que mandó edificar.

Curiosamente, existen representaciones del rey portando sobre su cabeza materiales de construcción, participando en la edificación como un obrero más.

Volviendo a la lista real sumeria, se sitúa el reinado de Etana sobre los siglos XXIX o XXVII a. C., y se menciona que su reinado duró más de 1500 años. Otras versiones se muestran algo más «realistas» en cuanto a la duración de su mandato, dándole solo 635 años. Etana habría sido uno de los reyes del periodo protodinástico II.

La lista sitúa ese periodo y lo describe así: «Después de que el diluvio hubiera terminado, y la realeza hubiera descendido del cielo, la realeza pasó a Kish». De Etana, como rey, se lee en la lista: «Etana de Kish, el pastor, quien ascendió al cielo y consolidó todos los reinos extranjeros».

Y es que, aparte de por el mito, Etana sería reconocido como un gran rey, justamente por haber dado estabilidad a las tierras del sur de Mesopotamia, aunándolas bajo la cultura sumeria, sometiendo a vasallaje a las ciudades de Súmer y Elam entre otros.

• El águila y la serpiente

Una de las características de los mitos es que recurren a los símbolos para transmitir ideas y realidades de carácter psicológico. De esa manera, aunque el tiempo y la introducción en otras culturas modifiquen la historia, los elementos simbólicos permanecen, aunque se pierdan las claves para interpretarlos en toda su amplitud.

Podemos decir que el mito de Etana se divide en dos partes: la primera, en la que se habla de un conflicto entre una serpiente y un águila, y la segunda, en la que a raíz de lo acaecido anteriormente, el águila ayuda a Etana a encontrar la planta del nacimiento.

En la primera parte, se presenta la historia del águila y la serpiente. Ambas viven en un árbol crecido en el santuario de Adad: el águila en las ramas y la serpiente entre las raíces. Dado que son dos animales tradicionalmente enemistados, el águila propone a la serpiente un pacto de amistad y de ayuda mutua ante Shamash, el dios del Sol.

Al inicio, la serpiente se niega, desconfiando del águila, a quien la serpiente advierte: «Un malvado es el que rompe la amistad ante Shamash. Si te comportas de forma malvada, afligirás su corazón, serás una abominación para los dioses y habrías cometido un sacrilegio», tras los cual, ambas sellan el pacto sobre la montaña donde se halla el santuario.

Durante un tiempo, ambas conviven sin problemas y comparten las presas con las que alimentan a sus respectivas crías. Sin embargo, un día el águila decide devorar a las crías de la serpiente, rompiendo así el pacto sellado ante Shamash. Cuando la serpiente descubre la muerte de sus crías, exige venganza por el sacrilegio.

El dios Shamash escucha la súplica de la serpiente y le cuenta qué hacer para obtener su venganza. Le dice que ha dejado para ella un toro salvaje en el prado: «Abre su interior, rasga su panza, planta tu morada en su vientre. Toda clase de pájaros del cielo descenderán a comer su carne. El águila bajará con ellos.

Él no advertirá su desdicha, buscará ansiosamente la parte blanda de la carne, irá de acá para allá, se acercará a la grasa que cubre los intestinos. Cuando penetre en el interior, atrápala tú por sus alas, corta sus alas, sus garras, desplúmala y arrójala a una insondable fosa para que muera con una muerte de hambre y de sed».

Todo sucede como anunció Shamash, y el águila acaba desplumada, sin garras y sin alas en el fondo de un profundo foso. El águila, al verse ante una muerte tan terrible, suplica a Shamash, quien le recrimina el sacrilegio cometido. Sin embargo, aunque el dios se niega a acercarse a ella, le vaticina que le enviará a un hombre, y que será él quien le preste ayuda.

• La eterna lucha

Como decíamos antes, los símbolos que se usan en los mitos requieren una clave para interpretarlos adecuadamente, ya que la narración simple de los «hechos» míticos no basta para alcanzar a comprender la profundidad de la enseñanza encierran.

El águila representa la altura, lo celeste, el espíritu identificado con el Sol. Se asocia también a los dioses del poder y de la guerra en relación con el rayo, el fuego, la luz y el aire. Es también, en ocasiones, un mensajero de los dioses o de lo divino.

Por su parte, la serpiente representa la energía y la fuerza pura, por lo que una de las características más interesantes de este símbolo es que es ambivalente, ya que la fuerza y la energía no son malas ni buenas en sí, sino según el uso que se haga de ellas.

Por eso es fácil encontrar a veces a la serpiente representando la maldad y la destrucción, pero también la sabiduría y la curación, como ocurre en el simbolismo asociado a Esculapio o Seraphis, capaz al mismo tiempo de curar y de matar. Es, asimismo, símbolo de las aguas, de la resurrección, del eterno retorno y del tiempo (como espiral sobre el cuerpo del Zurván iranio).

Serpiente y águila están asociados al árbol, ya que el águila necesita de sus ramas para posarse en este mundo, y la serpiente lo precisa para elevarse recorriendo verticalmente su tronco. El árbol es, por tanto, el símbolo que conecta el cielo con la tierra.

Simbólicamente, la enemistad entre el águila y la serpiente representa la lucha entre dos fuerzas opuestas: la materia y el espíritu; lo terrestre y lo celeste. No es raro encontrar imágenes en las que se muestra al águila dominando o devorando a la serpiente.

Así, aunque ambos animales disponen de una simbología propia, juntos representan el necesario dominio del espíritu uno sobre la multiplicidad de la materia; un dominio imposible de conseguir sin lucha y sin el sacrificio de uno mismo.

Así, encontramos al águila que devora una serpiente sobre el nopal, en la antigua Tenochtitlán; al ave Garuda de la India como enemigo encarnizado de las serpientes o la visión que tienen los griegos en la Ilíada del águila devorando una serpiente, interpretado por Calcante como una señal de la victoria griega.

La representación de esta lucha es versátil, y no siempre vemos los mismos símbolos, pero sí los mismos elementos simbólicos. En Egipto no es un águila, sino Horus, el dios halcón, el que a veces aparece lanceando a la serpiente Apophis.

Sin embargo, la representación más frecuente es la de Ra, el dios Sol, transformado en el «gran gato de Heliópolis» Miuty, el que hiere a Apophis, representante de las fuerzas maléficas del inframundo. Igualmente, encontramos a Apolo y a Heracles, ambas divinidades solares, que en el inicio de sus «aventuras» deben enfrentarse a una serpiente y matarla.

En Mesoamérica, los nahuatl adoraron a la serpiente emplumada Quetzalcoatl, simbolizando la capacidad de lo celeste de sublimar lo terrestre, o de lo espiritual para elevar lo material.

• La planta del nacimiento

Volvemos al mito.

Mientras el águila se consumía de hambre y sed en lo más profundo del foso, Etana, rey de Kish, suplicaba a Shamash ayuda con un problema no menos grave que el del águila: no conseguía tener descendencia; esencial para dar continuidad al trono y cumplir adecuadamente con sus deberes como soberano.

Etana reza para que el dios del Sol le muestre dónde encontrar la planta de los nacimientos, que le permitirá finalmente engendrar un hijo.

En esta ocasión Shamash tampoco interviene directamente, sino que le dice al rey que encontrará un águila en un foso, y que ella será la que le conduzca hasta la planta de los nacimientos. Etana se lanza a recorrer los caminos hasta que encuentra al águila, totalmente deshecha y a punto de morir de hambre y sed.

El rey comienza a alimentarla. Poco a poco le va devolviendo las fuerzas. Incansablemente le lleva alimentos y la ayuda a moverse y ejercitarse en el foso. Las alas vuelven a crecerle, al igual que las plumas y las garras. Etana enseña al águila de nuevo a volar y así, al octavo mes, el águila logra salir de su castigo y ofrece a Etana ayudarle en lo que necesite.

El rey solo quiere una cosa: la planta de los nacimientos, así que el águila sube al rey sobre su lomo y se dirige con él a lo más alto del cielo, en busca de Ishtar, la señora del amor, la vida y los nacimientos.

Después de una serie de vicisitudes, y a través de una serie de sueños proféticos en los que Etana y su esposa se ven rindiendo homenaje a los dioses, el águila interpreta que, para conseguir un hijo, Etana debe ir hasta el cielo del dios Anu (justamente, dios del cielo y rey de los dioses).

De nuevo, montado sobre el lomo del águila, el rey emprende vuelo hacia los cielos, llega a la puerta de los dioses Anu, Enlil, Ea, Sin, Shamash, Adad e Ishtar, abren la puerta y pasan a través de ella.

Aquí termina la historia. En realidad, no es que termine así. Los textos que hablan del mito están escritos fundamentalmente en tablillas de arcilla que han sufrido el paso del tiempo. Generalmente, están incompletas debido a que, físicamente, les faltan fragmentos o hay líneas dañadas.

Conforme los investigadores van encontrando y traduciendo tablillas han ido completando las partes de la historia que falta en otras. Sin embargo, el final no está.

No se sabe si finalmente el mito resuelve el problema sucesorio de Etana, aunque hay que presumir que sí, que una vez que águila y rey atravesaron las puertas del cielo, los dioses aceptaron la redención del águila y el valor de Etana, y le concedieron el don que tanto ansiaba.

Y debió de ser así, ya que la lista real sumeria afirma que Etana fue sucedido en el trono por Balih, su hijo.

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noviembre 15, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Quién fue Jean Piaget, el psicólogo que creía que un niño no es un adulto en miniatura y planteó las 4 etapas del desarrollo cognitivo infantil…

BBC News Mundo(F.D.Ruiz/The Conversation) — ¿Qué tienen en común la observación de moluscos y una teoría revolucionaria sobre la mente infantil?

La vida y obra de Jean Piaget ofrecen una respuesta fascinante a esta pregunta. Desde su formación como biólogo hasta convertirse en uno de los psicólogos más influyentes del siglo XX, Piaget transformó nuestra comprensión de cómo los niños piensan y aprenden.

Su «Psicología del niño», escrito con su colaboradora Bärbel Inhelder, sigue siendo un pilar importante en la educación moderna y en la psicología del desarrollo. En este artículo, comprenderemos cómo un biólogo suizo llegó a cambiar el panorama educativo para siempre.

– Un investigador precoz

Jean Piaget nació el 9 de agosto de 1896 en Neuchâtel, Suiza.

A los 11 años, Piaget ya había publicado su primer artículo científico sobre un gorrión albino que observó en un parque cercano.

La historia es más que una anécdota curiosa; refleja el temprano interés de Piaget por la observación detallada de la naturaleza, algo que marcaría su enfoque en la investigación a lo largo de su vida.

En la adolescencia, continuó publicando trabajos sobre moluscos, lo que lo llevó a obtener un doctorado en Ciencias Naturales a la edad de 21 años.

Sin embargo, a medida que profundizaba en la biología, Piaget comenzó a interesarse por preguntas más amplias sobre el conocimiento y la mente humana.

Este interés le llevó a cambiar de rumbo, orientándose hacia la psicología y la epistemología, disciplinas en las que se convertiría en una de las figuras más influyentes.

– De la biología a la psicología infantil

En París, Piaget trabajó con Théodore Simon, colaborador de Alfred Binet, el creador de las pruebas de inteligencia.

Durante este tiempo, Piaget realizó un importante descubrimiento: las respuestas incorrectas de los niños en las pruebas de inteligencia eran más reveladoras que las correctas.

A partir de estos errores, Piaget comenzó a formular la idea de que los niños no piensan de la misma manera que los adultos, sino que pasan por una serie de etapas cualitativamente distintas a lo largo de su desarrollo.

Para Piaget, el niño no es simplemente un adulto en miniatura: piensa de una manera completamente distinta. Su convicción lo llevó a abrir la puerta a la creación de su influyente teoría del desarrollo cognitivo.

– Las 4 etapas del desarrollo cognitivo

Piaget describió el desarrollo cognitivo de los niños a través de cuatro etapas principales:

• Etapa sensoriomotora (0-2 años). Los niños experimentan el mundo principalmente a través de sus sentidos y acciones físicas. En esta fase desarrollan la “permanencia del objeto”, es decir, la comprensión de que los objetos siguen existiendo aunque no se vean.

• Etapa preoperacional (2-7 años). Durante esta etapa, los niños comienzan a utilizar el lenguaje y los símbolos, pero su pensamiento sigue siendo egocéntrico. Un ejemplo curioso que ilustra este egocentrismo es la famosa anécdota en la que Piaget observó a su hija pequeña hablando por teléfono y asumiendo que su interlocutor podía ver lo que ella veía, mostrando cómo el niño en esta fase aún no comprende completamente las perspectivas ajenas.

• Etapa de las operaciones concretas (7-11 años). Los niños comienzan a pensar de manera lógica sobre situaciones concretas. Aquí, Piaget realizó unos de sus experimentos más conocidos, donde los niños tenían que juzgar si la cantidad de líquido que contenían dos vasos de formas diferentes era la misma. Descubrió que, en esta etapa, los niños entienden que, aunque la forma cambie, la cantidad de líquido sigue siendo la misma.

• Etapa de las operaciones formales (12 años en adelante). En esta última etapa, los adolescentes desarrollan la capacidad de pensar de manera abstracta y lógica, un paso fundamental para el razonamiento científico y matemático.

– El método clínico y la observación directa

Una de las grandes innnovaciones de Piaget fue su uso del método clínico, que consistía en observar y cuestionar a los niños de manera abierta, sin imponerles respuestas o direcciones.

Este enfoque le permitió descubrir cómo los niños construyen activamente su conocimiento a través de la interacción con el mundo que les rodea.

Para Piaget, el conocimiento no es simplemente una acumulación pasiva de hechos, sino que es el resultado de la interacción constante entre el niño y su entorno.

Esta construcción del conocimiento tiene lugar a través de dos procesos clave: la asimilación, a través de la que el niño incorpora nueva información a sus esquemas existentes, y la acomodación, que le permite ajustar estos esquemas para adaptarse a nuevas experiencias.

– Impacto en la educación

El trabajo de Piaget ha tenido un impacto profundo en la pedagogía. Sus teorías sugieren que el aprendizaje no es lineal ni homogéneo para todos los niños, sino que debe adaptarse a las etapas del desarrollo cognitivo de cada uno.

Piaget defendía que la enseñanza debería centrarse en proporcionar experiencias ricas y variadas que permitieran a los estudiantes explorar y descubrir por sí mismos.

Para Piaget, los educadores tienen un papel esencial como guías que ayudan a los niños a construir su propio conocimiento. Destacó la importancia de la libertad en el aprendizaje. Y consideraba que el principal objetivo de la educación es formar personas que sean capaces de hacer cosas nuevas, no simplemente repetir lo que otras generaciones han hecho.

En otras palabras, el aprendizaje debe ser un proceso activo que fomente la creatividad y el pensamiento crítico, en lugar de una mera memorización de hechos. Como él mismo resumió: «Todo lo que se le enseña a un niño, se le impide inventarlo o descubrirlo».

– Legado y relevancia actual

Aunque algunas partes de su teoría han sido revisadas con los avances en la neurociencia y la psicología moderna, el legado de Piaget se mantiene pertinente.

Sus ideas sobre el desarrollo infantil y la importancia de adaptar la enseñanza a las necesidades cognitivas del niño continúan influyendo en las prácticas pedagógicas en todo el mundo.

Su enfoque desde la experimentación y la observación detallada le permitió observar de cerca cómo los niños construyen activamente su conocimiento.

Demostró que, al igual que en el caso de los moluscos que estudió en sus primeras observaciones biológicas, el desarrollo intelectual de los niños es un proceso orgánico y progresivo.

Cada etapa es un paso en la construcción de un conocimiento más profundo y más complejo, un proceso que define quiénes somos y cómo entendemos el mundo que nos rodea.

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Ida Laura Pfeiffer: la primera mujer mochilera…

La primera impresión es siempre única. El primer amor, la primera aurora, el primer contacto con una isla de los mares del Sur, son recuerdos aparte en nuestra vida y despiertan una especie de virginidad de los sentidos…

(Robert Luis Stevenson. En los mares del sur, 1896)

Meer(U.A.Gutierrez) — La única niña en una casa con un montón de niños no quiere jugar con sus muñecas, prefiere correr, saltar, trepar árboles y morirse de risa jugando a la guerra con sus hermanos. ¡Esto es totalmente inapropiado!, se queja su madre ante su padre pidiendo su intervención, ¡nuestra hija tiene que aprender a comportarse como una dama y a vestirse como tal!, insiste en vano.

El hombre concede a su hija el derecho de una infancia libre y feliz, es tan sólo una niña, déjala tranquila, mujer, responde, aunque el siglo diecinueve recién está naciendo.

Las guerras napoleónicas espantan a Europa. La niña cumple nueve años, su padre enferma y muere. Con la llegada de la muerte a casa, la libertad de la pequeña termina. Su madre encarga vestidos para ella, le prohíbe participar en “juegos de hombres” y empieza a educarla para ser una dama, ¡como corresponde! Napoleón invade Austria y la familia es forzada a hospedar a funcionarios franceses.

La pequeña los odia y sueña con ser un soldado para expulsarlos de su casa y de su tierra. A los doce años, asiste obligada al desfile triunfal de Bonaparte en Viena. No quiere mirar, su madre la abofetea, pero la niña cierra los ojos y nadie puede abrírselos a la fuerza.

Llegó hasta a quemar con cera las yemas de sus dedos para liberarse de los ejercicios de costura, bordado y piano, que tanto la aburrían. Ella sólo quería releer los libros de viaje de la biblioteca de casa, aunque ya se los sabía de memoria. Algún día viajaré por todo el mundo, soñaba y parecía un delirio, porque en su tiempo, las mujeres como ella sólo cosían, bordaban o tocaban el piano.

Su madre contrató un nuevo tutor para que su educación le permitiera conseguir un marido adecuado, aunque le advirtió que ante los hombres debía mostrarse un poquito tonta. A los caballeros no les gustan las sabihondas, mujer que sabe latín, no tiene marido ni tiene buen fin, recuérdalo, hija. Las nuevas lecciones incluyeron francés, italiano, dibujo y más piano.

Esta hija mía por fin parece haber sentado cabeza, se dijo la madre cuando notó la docilidad con que la joven comenzó a aceptar las sesiones de clase y el esmero que por fin empezó a poner en su arreglo personal.

Pero la cabeza de la joven estaba más en las nubes que nunca, porque se había enamorado del nuevo tutor y él se había enamorado de ella.

Él no esperaba que ella aparentara ser un poquito tonta, le gustaba tal como era y no hubo sesiones de clase más felices que aquellas.

Tutor y pupila hablaban de tierras remotas, paisajes de fuego y hielo, selvas tropicales, tribus caníbales y veleros trasatlánticos. 

Nos casaremos y viajaremos por el mundo, se juraron y lo creyeron posible, hasta que la mano de la joven fue negada al tutor por tratarse de un Don Nadie.

Él perdió el empleo y el amor y ella el amor, el mundo y casi la razón.

A su madre le tomó más o menos cinco años vencer la resistencia de la joven a un casamiento conveniente.

Cuando cumplió veintidós y era casi una solterona para sus tiempos, su madre logró casarla con un viudo veinticinco años mayor que ella. Era un abogado, funcionario del Gobierno y no amaba a la joven.

El matrimonio se instaló en un pueblo a casi doscientos kilómetros de Viena. Entre bostezo y bostezo, ella parió con dolor los dos niños que concibió sin amor.

El dinero no era una preocupación. El sueldo del abogado cubría lo necesario y lo superfluo. Hasta el día en que el hombre se dio cuenta de que el gobierno de la provincia estaba lleno de corruptos y los denunció.

Los acusados fueron detenidos y enjuiciados pero la carrera del acusador terminó porque sus compañeros lo consideraron un espía y lo tildaron de traidor. Fue despedido, el dinero dejó de llegar y el hombre no pudo levantar la cabeza.

Entonces su mujer tuvo que dictar clases de piano y de dibujo para mantener a la familia. ¿Y éste era el matrimonio que aseguraría mi bienestar económico? ¿Me habré convertido en una Doña Nadie ahora que trabajo de tutora?, se hubiera preguntado de haber tenido tiempo para hacerlo, pero no lo tenía.

Preparaba las lecciones para sus alumnos, limpiaba la casa, atendía a sus hijos y a su marido, cocinaba, lavaba y planchaba la ropa y estiraba los centavos. Su marido enfermó y no quiso pesar sobre ella. Se separaron civilizada y discretamente y ella regresó a casa de su madre en Viena con sus dos niños, para evitar el gasto de un alquiler.

Siguió dictando clases. Sólo Dios sabe lo que sufrí durante esos años, dijo mucho tiempo después.

Cumple cuarenta y cinco años, y según la opinión de su tiempo, es una vieja, casi-casi una anciana. Sus hijos han crecido y los dos trabajan, pueden valerse por sí mismos, se dice satisfecha. Su madre acaba de morir y le ha dejado un poquito de dinero. Cuenta los billetes de su herencia y piensa.

El recuerdo de un sueño le da una idea que le acelera el corazón.

Toma su sombrero, sale de casa, visita a un abogado y le pide que redacte un documento.

Luego hace una compra y su corazón le salta en el pecho. 

Visitaré a una amiga en Estambul, dice a sus hijos y miente porque hará mucho más que ir a Estambul.

Recorrerá el mundo y grabará su nombre en la historia como la primera viajera mochilera, aunque no llevará una mochila.

Es el año mil ochocientos cuarenta y dos.

Uno de los peligros de los viajes de entonces era morir por culpa de alguna epidemia.

Alrededor del año de nacimiento de la viajera, un científico británico había descubierto la vacuna contra la viruela, pero la viruela no era la única aliada de la muerte.

El cólera y la peste bubónica remodelaban las ciudades obligando a sus autoridades a apartar los cementerios, y cada poco tiempo un rebrote aterraba a la humanidad.

A la vacuna contra la rabia le faltaban más de cuarenta años para nacer y hasta hacía no más de tres décadas, el remedio para los humanos atacados por ella había sido asesinarlos.

Por ello, el documento que encargó a un abogado antes de viajar fue su testamento.

El otro peligro para las viajeras de entonces era el mismo que para las viajeras de hoy. Una mujer sola, sin nadie que la cuide, siempre ha sido un blanco caminante. Pero el dinero que su madre le había dejado, con el que ella cumpliría su sueño, no era mucho y no podía permitirse el lujo de contratar a un sirviente que la protegiera.

Su edad jugó a su favor, porque, aunque los años suelen fungir de enemigos de las mujeres arrancándoles los encantos visibles, también les hacen un favor porque un blanco invisible es un blanco menos vulnerable. De haberse tratado de una joven, su deseo habría sido considerado absolutamente inapropiado, porque una viajera menor sólo era bien vista del brazo de un marido, funcionario, explorador, científico o pastor, pero marido.

Navegó por el Danubio en un barco a vapor que la dejó en el Mar Negro. Cruzó del lado europeo al asiático en una canoa parecida a un kajak. Constantinopla, como seguía llamándose a Estambul, le pareció una mezcolanza fascinante de idiomas, tradiciones y culturas. Iré a Tierra Santa, decidió allí, porque quería ver la tierra de Cristo y recorrer sus caminos.

Notó que los ceños fruncidos de los extraños, sobre todo europeos, ante su falta de acompañante, se distendían en sonrisas comprensivas cuando comentaba que estaba en camino a la tierra de Jesús. Qué mujer tan piadosa, querer conocer Tierra Santa es comprensible, ¡completamente comprensible!

Rumbo a su destino, casi se murió de calor en Beirut y cuando caminó sobre las huellas de Jesucristo, creyó que se moriría de emoción.

Después, pasó por Siria; conoció el gran misterio de Líbano: las ruinas de Baalbeck, un conjunto de templos fenicios con bloques de más de mil toneladas en los que las piedras más pequeñas sirven de base a las piedras más grandes; paseó por las pirámides de Egipto; tomó un vapor a Italia, paró en Sicilia y en Nápoles.

Volvió a Viena diez meses después de haber salido y su llegada fue más triunfal que la de Napoleón Bonaparte, había recuperado el sueño que un día perdió, había visto el mundo, volvería a hacerlo y nada la detendría.

Traía un diario lleno de anotaciones y en el corazón una revelación: una mujer nunca se siente más libre que cuando camina sola en un lugar por primera vez.

Cuando su viaje llegó a oídos de un editor amigo de la familia, el editor la visitó y le propuso publicar sus anotaciones.

 ¡Pero son sólo mis impresiones!, respondió asustada porque no tenía inquietudes literarias.

 ¡Precisamente por eso!, insistió él y le dio una razón estupenda: podrías ganar dinero para seguir viajando.

Viaje de una vienesa a Tierra Santa, firmado sólo con las iniciales del nombre de la viajera, se publicó en mil ochocientos cuarenta y tres.

Comenzó a planear su próximo viaje y como en el primero se había muerto de calor, decidió que tocaba morirse de frío.

Eligió uno de los destinos más impresionantes del planeta, la tierra del hielo y del fuego, la de los glaciares y los volcanes, la de mares congelados y arroyos hirvientes, la que nació sobre una herida de la tierra y tan atarantada, que no pudo decidir si pertenecer a un continente o a otro y se sentó sobre dos a la vez: Islandia.

Llegó en barco desde Dinamarca y recorrió la isla en un carro tirado por caballos. Acampó entre cráteres, cerca de fumarolas y escaló el volcán más activo de Islandia, el Hekla o “La Puerta del Infierno”, como se le conoce en la mitología escandinava. Tiene menos de mil quinientos metros de altura, el volcán, y antes de erupcionar, avisa con temblores de tierra.

Y como no avisó, ella subió hasta el cráter de la cima, desde allí contempló el paisaje más alucinante y se supo la mujer más libre del mundo.

Hacía poco que Islandia había logrado tener su propia Constitución y hasta un gobierno autónomo con limitaciones, pero las condiciones de vida forzaban a muchos de sus ciudadanos a emigrar. A ella no le gustaron los islandeses, le parecieron rudos, sucios y su comida, aburrida. Antes de volver a casa, viajó por Noruega y parte de Suecia.

Cuando hizo su entrada triunfal a Viena, además de las anotaciones en su diario, llevaba muestras de plantas, rocas y daguerrotipos, que había aprendido a tomar. Vendió las muestras y los daguerrotipos a los museos y su editor publicó Viaje al norte escandinavo y la isla de Islandia.

Entre el primero y el último de sus viajes pasaron dieciséis años. Sola y libre, dio la vuelta al mundo dos veces y sólo contrató guías locales cuando recorrió zonas inexploradas. Conoció costumbres distintas, civilizadas, salvajes y hasta delirantes. Visitó el harén de un Pachá, las mujeres en él la sorprendieron por su ignorancia y por su aspecto, eran analfabetas, no hablaban más que un idioma y le parecieron gordas.

Cruzó desiertos en caravanas de camellos y unos bandidos que trataron de asaltarla una vez, terminaron ayudándola a montar la carpa en la que acampó. Se escandalizó de la libertad sexual de las mujeres de Tahití, que gozaban sin culpa. Admiró el ascetismo hindú.

En lo que ahora es Indonesia, desestimó los consejos de los occidentales y quiso conocer a una tribu de caníbales cuyo plato favorito eran los misioneros.

Los caníbales agradecieron su curiosidad con una danza de bienvenida, aunque un poco más tarde le indicaron con gestos que se la iban a comer.

Casi muerta del susto, se las arregló para decirles en su idioma que una mujer tan vieja no podía ser sabrosa.

Les hizo gracia, la dejaron partir, y así se convirtió en uno de los pocos europeos que pudieron contar una historia semejante.

No sabía nadar ni flotar, pero cruzó un río agarrándose a las ramas que lo rodeaban porque lo encontró en su camino.

Volvió a desobedecer a los europeos que solía encontrar y quiso conocer a una tribu que cortaba las cabezas de sus enemigos y las dejaba clavadas frente a sus poblados.

Los encontró honestos, afables y modestos, y lamentó no poder pasar más tiempo entre ellos… “me estremeció, pero no pude dejar de preguntarme si, después de todo, nosotros, los europeos, no somos realmente igual de malos o peores… ¿no está cada página de nuestra historia llena de horribles actos de traición y asesinato?”, escribió.

Aprendió que, si compartía su comida con las ratas de los barcos, ellas la dejaban dormir en paz.

Cruzó el Cabo de Hornos como los valientes más listos y la realidad desaforada del continente mágico la dejó turulata. Describió a sus indios como primitivos e inferiores, presenció incendios pavorosos en el Brasil, se defendió de un asaltante a puro paraguazo y supo que las hormigas de la selva amazónica son mucho más temibles que una tribu de caníbales.

Cuando pasaba demasiado tiempo entre infieles, extrañaba un poco la comodidad de la cristiandad compartida, pero una vez que llegó a Rusia muerta de aquella nostalgia, los rusos la encerraron porque la creyeron espía. “¡Oh, buenas gentes árabes, turcas, persas, indias! Con qué seguridad atravesé vuestras tierras paganas e infieles y aquí, en la cristiana Rusia, cuánto he tenido que sufrir…”, escribió cuando la liberaron y volvió a casa.

La siguiente vez que alguien encerró a la viajera, fue nada menos que La Calígula de Madagascar, como apodan los historiadores a la Reina Ranavalona. 

La Bloody Mary de Madagascar, como también se le llama, ordenó matanzas sistemáticas de cristianos para mantener a su país fuera de la influencia extranjera, aunque los estudiosos afirman que no sólo mató cristianos, sino que diezmó a su población a punta de guerras, trabajos forzados y un sistema de justicia delirante.

Ranavalona sospechó de la viajera y la acusó de conspirar para derrocarla, y aunque logró escapar con vida, contrajo la enfermedad que la mató poco después, en Viena.

La viajera libre murió en octubre del año mil ochocientos cincuenta y ocho, a los sesenta y un años. A partir de su tercer libro, había comenzado a firmar con su nombre completo, Ida Pfeiffer. Sus crónicas se tradujeron a varios idiomas y se vendieron por montones. Fue elegida miembro de las Sociedades Geográficas de Berlín y París, la de Gran Bretaña se negó a admitirla porque era sólo una mujer.

Caminante, son tus huellas
el camino y nada más;
Caminante, no hay camino,
se hace camino al andar…

(Antonio Machado)

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noviembre 14, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

¿Cómo era ser niño en la prehistoria?…

The conversation(C.J.Ortín) — Aunque podemos identificar la infancia con un periodo de dependencia, inocencia o necesidad, también es una etapa de exploración, aprendizaje y juegos. Hoy en día… y en la prehistoria.

Ello queda patente en las numerosas huellas de sus pequeñas manos y pies que, desde el Paleolítico, los niños dejaron en diferentes entornos. En La Garma, en Cantabria, se han identificado hasta catorce huellas de niños de entre 6 y 7 años, de hace 16 500 años. Pertenecen a talones, codos, dedos metidos en el barro y tierra movida.

¿Quizás restos de un juego?Investigadores del Instituto Internacional de Investigaciones Prehistóricas de Cantabria (IIIPC) cuentan cómo descubrieron en la cueva cántabra de La Garma catorce huellas de niños datadas en el Paleolítico superior.

Del Mesolítico, encontramos 856 huellas en el estuario del Severn, en Gran Bretaña. El 29 % de ellas se atribuyen a pequeños que se dirigían por un “camino” hacia una zona de pesca. Se cree que podían haber tenido cuatro años o menos, lo que sugiere que jugaban en ese sendero “yendo y viniendo”.

Por otro lado, tenemos sus huellas a modo de improntas en positivo o negativo con pigmentos. Es el caso de las manos de la Cueva de Monte Castillo (Puente Viesgo, Cantabria), fechadas entre 17 000 y 10 000 a. e. c.

Y, por otra parte, en Rouffignac (Francia), hallamos surcos hechos por dedos de niños de entre 2 y 5 años que, para hacerlos, seguramente fueron “aupados” por adultos, como defiende la investigadora Leslie Van Gelder, de la Universidad Walden en Estados Unidos.

– Retratos de los más pequeños

Otro de los recursos de los que disponemos para estudiar la infancia en la prehistoria son sus representaciones. Se han considerado niños las figuras de pequeño tamaño y formato simplificado, que generalmente aparecen con la cabeza abultada (macrocefalia), en posición curvada y con la determinación sexual poco desarrollada.

Es el caso de la plaqueta de La Marche (Francia), del Paleolítico, que tiene grabadas cinco cabezas infantiles. Se ha interpretado como una posible escena de danza, prueba de que los pequeños formaban parte de las actividades sociales de la comunidad.

Más adelante, en el Neolítico, podemos identificar mujeres gestantes y bebés con cordón umbilical (Centelles, Castellón) o escenas de parto (Higuera de Estecuel, Teruel).

También encontramos pinturas de niños transportados o en marcha junto a adultos en los conjuntos de Centelles, La Saltadora y Val del Charco (Castellón) o en la Roca Benedí (Jaraba,Zaragoza).

Aunque en las escenas de maternidad el infante parece tener un papel secundario, no es así en las de transporte o marcha, que nos hablan de su cuidado, siempre asociado a mujeres. Cuando van en el fardo, se distinguen por su cabeza erguida y los brazos extendidos, expresión de su vitalidad.

Pueden hablarnos también de presentaciones sociales o ritos de iniciación, cuando forman parte de conjuntos. En todos los casos, son un un actor social más, al poder ser identificados como tal en las representaciones.

– Jugar hace decenas de miles de años

Los niños de todos los tiempos, además de explorar y jugar con animales, suelen conseguir de algún modo juguetes, que no deben ser considerados solo motores de esparcimiento, sino como herramientas pedagógicas.

Por ejemplo, en la cueva de Isturitz (Francia), se han hallado dos figuras de pequeño tamaño, la cabeza de un oso o bisonte realizado sobre hueso y la talla de un león de las cavernas sobre asta de reno. Ambos, animales que no les eran ajenos a los cazadores que habitaban aquellas cuevas hace más de 12 000 años.

También se han interpretado como juguetes los rodetes, discos en hueso decorados con animales o signos y con una perforación central que pudieron formar parte de sistros o sonajas. Al introducir un cordón por la perforación y hacerlo girar, permitían al niño ver animales en movimiento, si era el mismo animal en ambos lados, o la rápida alternancia de figuras, si estas son diferentes.

Algunos ejemplos de rodetes son los de las cuevas del Linar y Las Aguas (Alfoz de Lloredo, Cantabria).

Ya en el Neolítico, con la introducción de la cerámica y los poblados, encontramos otros juguetes. Para Juan José Negro, investigador del Consejo Superior de Investigaciones Científicas en la Estación Biológica de Doñana, esta es la función que tienen los ídolos oculados del Calcolítico.

Estas pequeñas pizarras podían ser interpretaciones de búhos realizadas por menores. Pues, si podemos entenderlos con un posible valor ritual, también, podemos hacerlo como objetos de aprendizaje, ya que no son excluyentes ambas interpretaciones.

Asimismo es posible que hubiera muñecas hechas de madera, arcilla o trapo como las usadas por niñas en las tribus del sur de África, pero que no se hayan conservado.

– Objetos para acompañarles al más allá

Ante una muerte temprana, las criaturas recibían el mismo destino que los adultos. Eran lavadas y vestidas, y se colocaban sobre la tierra. De ello tenemos testimonios tan antiguos como el de la Sima de los Huesos (Atapuerca, Burgos, de hace 350 000 años, donde yacían un niño de cinco años y otros nueve de entre once y quince años.

Se considera un enterramiento intencional por el tipo de depósito. Además, los acompañaba Excalibur, un bifaz de sílex rojizo que fue interpretado como ofrenda.

Otro ejemplo es el yacimiento de la Grotta de Arene Candide (Finale Ligure, Italia) con varios niños, uno de ellos de 15 años con un rico ajuar, un casquete recamado de conchas perforadas y cuatro colgantes de marfil de mamut. Yacía junto a cuatro bastones de mando, una asta de alce y una lámina de sílex de 25 centímetros.

Otro niño con un rico ajuar es del Majoonsuo, yacimiento situado en el municipio de Outokumpu, en el este de Finlandia.

El niño tenía entre 3 y 10 años, vestía con una parka hecha de plumas de aves acuáticas decoradas en rojo y le acompañaban flechas de cuarzo y una pluma de halcón.

Posiblemente, a sus pies descansara un perro o un lobo.

Todo ello apareció cubierto de ocre, un colorante natural con valor simbólico, pero también con función antiséptica.

Cuando el infante destaca sobre el grupo por las pertenencias que lo acompañan en su tumba, nos informa además de que perteneció a un linaje importante.

Por otro lado, cuando el número de niños es relevante, da lugar a muchas preguntas a las que, gracias a los estudios de genética, empezamos a dar respuesta.

Podemos resolver si pertenecieron a la misma familia o cuál fue la causa de su muerte.

Con el tiempo, sus enterramientos fueron cambiando, como cambiaron las sociedades a las que pertenecían.

En la Edad del Cobre, los infantes yacen con otros individuos adultos.

Y, junto a objetos en piedra o de adorno personal en hueso y concha, aparecen vasos cerámicos.

Estos restos nos hablan de una vida rica y diversa en la que los animales, los adornos, los juguetes y toda clase de útiles los acompañaban al más allá.

Los niños prehistóricos no eran individuos invisibles dentro del grupo. Contaban con momentos de socialización, de exploración y de juegos. Y cuando su adiós se precipitaba, el dolor del grupo quedaba inmortalizado en el cuidado y complejidad de sus enterramientos y ajuares. Algo que, hoy en día, es una fuente de inestimable valor científico.

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noviembre 13, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Enrique Finochietto: la vida ejemplar del genial cirujano y maestro que hasta mereció un tango…

Infobae(A.Pignatelli) — Cuando Eduardo de Windsor, Príncipe de Gales, visitó el país en agosto de 1925, se maravilló con la orquesta de Julio de Caro, y especialmente con uno de los tangos que interpretaba. Se titulaba Buen Amigo, y el británico quedó tan entusiasmado que se aprendió el nombre y lo pedía en cuanta cena de gala en su honor se hizo.

Lo que no quedó claro si al futuro rey inglés le explicaron el origen de esa pieza.

Su origen había sido reciente. La escena transcurrió en uno de los ambientes donde el reconocido cirujano Enrique Finochietto sería habitué. El Chantecler, de Paraná 440, recientemente inaugurado, rápidamente se había puesto de moda. Una noche, mientras cenaba escuchando el sexteto de Julio de Caro, el propio director de orquesta se acercó a su mesa.

Le señaló a un atribulado violinista que se deshacía en lágrimas en una mesa cercana. De Caro le contó que estaba así porque los médicos no encontraban cómo tratar a su esposa, que se quejaba de fuertes dolores abdominales. Finochietto pidió que lo llevasen a verla. “Debe ser un susto, nomás”, intentó tranquilizar. A la madrugada la operó de urgencia en el Sanatorio Podestá, y le salvó la vida.

– De Caro, como agradecimiento, compuso en su honor el tango “Buen amigo”.

Sus padres eran genoveses. Enrique nació en Buenos Aires el 13 de marzo de 1881 y él y sus hermanos fueron criados por su madre Ana, ya que el padre Tomás había muerto.

Hizo la primaria en la escuela Nicolás Avellaneda y en el bachillerato en el Colegio del Salvador descubrió su facilidad para las ciencias y el dibujo.

Tenía 16 años cuando ingresó en la Facultad de Medicina de la UBA. Fue Disector de Anatomía en los primeros años, y luego practicante del Hospital de Clínicas, donde ya se perfilaba como cirujano. Allí estudió dos años con Alejandro Posadas, aquel cirujano, docente e investigador que filmó la primera operación de la historia en el Clínicas y que se enorgullecía de los tremendos bigotes que lucía.

Se recibió de médico a los 23 años. Ilustró con sus propios dibujos su tesis “El pie bot varo-equino congénito”.

Con el diploma bajo el brazo ingresó como médico interno ad honorem en el Rawson, un hospital que había surgido por la necesidad de atender a los heridos de la guerra de la Triple Alianza.

Luego de un intenso trabajo de dos años, donde no existieron ni fines de semana ni feriados, viajó a Europa a perfeccionarse. “Solo cumple con su deber quien va más allá de sus obligaciones”, explicaba.

A su regreso, volvió al Hospital Rawson como Jefe de Clínica, y a los 33 años, fue nombrado a cargo de Cirugía en la Sala 8. Allí lo acompañó su hermano Ricardo, que se había recibido hacía poco.

Juntos harían historia en la medicina. Describían las operaciones que hacían juntos como las de un solo cirujano con cuatro manos.

Tenía la costumbre de convocar a médicos menores de 30 años, a quienes formaba, tanto al pie de la cama del paciente como en la mesa de operaciones. Con el tiempo estableció los días de docencia en lo que se llamó “los viernes de Finochietto”.

Hacia el fin de la Primera Guerra Mundial ofreció sus servicios a Francia para atender a los heridos. Llegó a París a principios de 1918 y se le confió la jefatura de cirugía del Hospital Argentino Auxiliar 108, cuyo funcionamiento era costeado por la comunidad argentina en París. Su fama de cirujano había trascendido las fronteras, así que su llegada fue muy celebrada.

Muchas veces permanecía más de un día en el quirófano, operando sin pausa, aún en condiciones dramáticas, como cuando debió hacerlo en medio de un bombardeo. El quirófano, que estaba ubicado en el último piso, con techo vidriado, lo hizo mudar por precaución al tercer piso.

Su actuación fue brillante, tanto que el gobierno francés le solicitó que permaneciera casi un año más, luego de finalizada la guerra. Por sus méritos recibió la Medalla de la Guerra, y la Legión de Honor -creada por Napoleón Bonaparte en 1804- en grado de gran oficial.

También fueron reconocidos otros colegas argentinos, como Rafael Cisneros, Enrique Beretervide y Horacio Martínez Leanes.

Ayudado por su talento en el dibujo, diseñó cerca de 70 instrumentos quirúrgicos, empezando por la característica luz en la frente.

También el «empuja ligaduras», para detener las hemorragias; el aspirador quirúrgico para limpiar la sangre del campo operatorio, las «valvas de Finochietto», para separar órganos; el porta agujas; la pinza doble utilidad; la cánula para transfusiones, la mesa quirúrgica móvil que permite colocar al paciente en cualquier posición; el banco para que cirujanos puedan operar sentados y el separador intercostal a cremallera para operaciones de tórax, que su hermano Ricardo llamaba “el embajador”.

Finochietto transmitía tranquilidad. Prefería convencer antes de imponer sus ideas a la fuerza. No era de brindar grandes elogios, por eso los que trabajaban con él se sentían más que satisfechos cuando aprobaba alguna acción con breves palabras.

Tranquilo y de buenos modales, era de estatura mediana, delgado, con brazos que denotaban que no había hecho ningún deporte.

En el quirófano, los que operaron con él dicen que era famosa la habilidad de su mano izquierda.

Tanto él como su hermano eran conocidos en el mundo futbolístico como “los carpinteros”. Cuando un futbolista se lesionaba, la indicación siempre era la misma: “Que lo lleven a lo de Finochietto”. Gracias al arreglo de meniscos y quebraduras en el Rawson se ganaron el apodo de “carpinteros”.

La única vez que Enrique pisó una cancha de fútbol fue cuando se hizo un partido a beneficio de su querido hospital Rawson. En cambio su hermano, en su juventud, había sido un temperamental y discutidor wing derecho.

En 1922 presidió la Sociedad de Cirugía de Buenos Aires, y el Quinto Congreso Argentino de Cirugía.

La Academia Nacional de Medicina lo designó en 1934 Miembro Honorario. Con su hermano y sus discípulos publicó once tomos de la Técnica Quirúrgica, obra que quedó inconclusa.

El 19 de marzo de 1947, sufrió un episodio cerebral del que no se recuperó. Falleció el 17 de febrero de 1948. Le faltaba menos de un mes para cumplir los 67 años.

“Aquí operó y enseñó Enrique Finochietto”, indica una placa de bronce en la entrada de la mítica sala IX de cirugía del Rawson.

Los hermanos, con su talento y dedicación, habían convertido el apellido en una suerte de marca registrada.

Cuando alguien intentaba exagerar un logro o aparentaba saber de todo, la reprobación era instantánea: “¿Quién te creés que sos? ¿Finochietto?”

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noviembre 12, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Sancha de Aragón: una gran gestora recordada en un memorable sepulcro…

The Conversation(F.A.G.Garcia) — La condesa doña Sancha (siglo XI) no solo comparte nombre de pila con otras mujeres de la realeza hispana de los siglos XI y XII.

Como ellas, su recuerdo ha quedado asociado a importantes obras de arte y, al igual que sus semejantes, destacó por una activa participación en la política y en los asuntos eclesiásticos de su tiempo.

Sancha fue hija, hermana y tía de los primeros reyes de Aragón en una época crucial de crecimiento territorial y apertura internacional para este reino.

Había nacido en los años cuarenta del siglo XI del matrimonio entre Ramiro, primer rey de Aragón, y Ermesinda de Bigorra, miembro de una familia condal del sudoeste de Francia.

Como su madre, desempeñó un papel clave en las alianzas pirenaicas al desposar al conde Ermengol III de Urgell en una fecha imprecisa.

En 1064, su hermano Sancho Ramírez ascendió al trono aragonés. Sancha enviudó al año siguiente y no tardó en regresar a su tierra natal, donde se convirtió en una leal colaboradora del monarca.

En estos años, los horizontes del reino se proyectaron mucho más allá de los límites montañosos de sus comienzos. Sancho Ramírez viajó a Roma en 1068 y se declaró vasallo de la Santa Sede.

Esta relación con el papado marcó la política aragonesa en las siguientes décadas y tuvo en Sancha a una firme valedora. No en vano, el papa Urbano II se acordó de ella en una bula de 1089 como cooperante del rey al servicio de la Iglesia.

En sus últimos años de vida, Sancha presenció acontecimientos tan relevantes como la consagración de la iglesia de San Juan de la Peña –el monasterio que albergaba el panteón real– y la dotación de la catedral de Huesca. En ambos casos acompañó al nuevo rey, su sobrino Pedro, según consta en los diplomas que registran estos actos.

– Un personaje esencial en el espacio público

Aunque las mujeres de las élites estén mejor documentadas en las fuentes, la información que tenemos sobre ellas para esta época se basa, sobre todo, en noticias de carácter administrativo y jurídico que dificultan una aproximación más personal a sus inquietudes y vivencias.

En el caso de Sancha, la documentación revela una notable actuación en el espacio público, sobre todo como supervisora de instituciones religiosas. Al frente de Santa María de Santa Cruz de la Serós compró e intercambió propiedades con otros monasterios. También presidió la comunidad masculina de San Pedro de Siresa y, durante unos años, se le encomendó el obispado de Pamplona.

En estos lugares Sancha no actuó como abadesa, priora o figura episcopal, sino como gestora al servicio de la política regia. Este hecho puede resultar extraño en tiempos en los que la Iglesia perseguía la autonomía respecto al poder laico. Sin embargo, la eficaz labor de Sancha resultaba beneficiosa para asentar las reformas religiosas sin que la monarquía perdiera el control de las instituciones.

Probablemente por ello cobró un protagonismo eclesiástico inusual para una mujer. El sostén material de Sancha fue el gran patrimonio que concentró, tanto el adquirido en su dote como el obtenido de manos de familiares, en particular los bienes donados por su hermano el rey y por su abuela paterna.

Buena parte de estas posesiones, entre las que había varias villas, casas, iglesias y tierras con sus rentas, se le confiaron para su disfrute con la condición o expectativa de donarlas a una institución religiosa.

– El monasterio de Santa María de Santa Cruz de la Serós

Sin duda, el mayor beneficiario del legado de Sancha, conforme a lo previsto en su testamento de 1095, fue el monasterio de Santa María de Santa Cruz de la Serós.

Esta abadía fue muy especial para las mujeres de la familia real. En ella residieron su hermana Teresa y su hermanastra Urraca, encomendadas al monasterio, mientras que su cuñada, la reina Felicia, le donó un precioso díptico de marfil y orfebrería conservado en Nueva York.

Seguramente Sancha contribuyó a la edificación de la iglesia monástica de Santa María, pues no obvió este tipo de actuaciones. Participó quizás en la fortificación del castro de Pilzán, impulsó una alberguería en Canfranc y su testamento indica que estaba construyendo un local para el pisado de la uva en Monzón, localidad en la que también donó un solar a San Pedro de Siresa para edificar oficinas.

Sus donaciones debieron proporcionar fondos para llevar a término un templo tan monumental como el de Santa María. De hecho, en su testamento ordenó que los bienes que se hallaran tras su muerte se destinasen a esta obra.

– El sarcófago de Sancha

Con todo, la principal creación artística vinculada directamente con Sancha, procedente de Santa María, es el espléndido sarcófago conservado desde 1622 por las benedictinas de Jaca, magníficamente estudiado por David Simon.

Es un buen ejemplo de cómo a finales del siglo XI, al igual que las portadas e interiores de los templos se poblaban de imágenes, también los sarcófagos comenzaban a dotarse de escenas.

Las escogidas para la urna de Sancha nos hablan de la preocupación por la salvación y la memoria. Si nos detenemos en su frente principal, observamos que el alma de la difunta, representada como una figura desnuda, es elevada por ángeles.

A su lado, un grupo compuesto por tres clérigos nos permite imaginar la liturgia funeraria que rodearía el enterramiento, rememorado por las monjas a las que tanta atención prestó Sancha y a las que en un documento llamó compañeras.

Precisamente el grupo del lado contrario, con una mujer destacada entre otras dos, encarna una escena de autoridad femenina, ya sea de las monjas de Santa María o de la propia Sancha y sus hermanas. Incluso sería posible una lectura ambigua que solapara ambas identidades, como propone Verónica Abenza.

Para realizar el sarcófago, resituado en fechas próximas a la muerte de Sancha según los últimos estudios, se contó con escultores cuya impronta se advierte en Jaca y en Huesca, además de en otras obras del monasterio.

De allí procede también otra urna funeraria, recuperada más recientemente para el Museo de Huesca y decorada con un friso de grifos como los que aparecen en un lateral del sarcófago de Sancha. Muy posiblemente corresponda a otra infanta aragonesa –por qué no una de las hermanas de Sancha– cuya efigie, quizá, nos ha transmitido el sarcófago de Jaca.

Desconocemos quién promovió una obra tan singular como el sepulcro de Sancha: ¿su destinataria aún en vida, como se tiende a pensar últimamente? ¿Un miembro de su familia o la comunidad de Santa María?

Más allá de estos interrogantes, si la vida de Sancha dejó huella en un puñado de documentos, su sepultura le procuró un sólido recuerdo para la posteridad y un lugar propio también en la historia del arte medieval.

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noviembre 11, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El misterio del Ourang Medan sigue intacto…

ArgenPorts — Las historias de barcos fantasmas y embarcaciones malditas han causado fascinación e intriga a lo largo de los siglos.

   Una de las más recientes pertenece a la del SS Ourang Medan, un barco holandés que estaba cruzando por el Estrecho de Malaca cuando, al parecer, protagonizó una terrible tragedia.

   Los hechos tuvieron lugar en la década del 40, más precisamente el 27 de junio de 1947, cuando buques cercanos informaron con una angustiante llamada de socorro:

   “S.O.S. de Ourang Medan. A flote. Todos los oficiales, incluido el capitán, muertos, tirados en la sala de navegación y en el puente, probablemente toda la tripulación muerta”

   Luego, el alerta en código morse incluía signos sin sentido hasta que finalizaba diciendo: “Yo Muero”.

   Uno de los primeros buques que llegó, al día siguiente, fue el Silver Star, y sus tripulantes vieron que el carguero holandés tenía las máquinas detenidas.

   Se dice que los rescatistas que abordaron el barco encontraron al buque siniestrado tal como se describe. La tripulación estaba efectivamente muerta, sus cuerpos esparcidos por las cubiertas.

   Los más aterrador fue que, según se dijo, los 20 tripulantes fueron encontrados «con los dientes al descubierto, con los rostros vueltos hacia el sol, mirando fijamente, como si tuvieran miedo…», incluso hay quienes los describieron en extrañas posturas, como si hubiesen querido defenderse de un extraño y letal enemigo que acabó con ellos sin violencia

   Hasta el perro del barco fue hallado muerto, congelado en ese estado de espanto.

   Pero en realidad el enigma recién estaba por comenzar, ya que cuando los marineros del Silver Star prepaban las maniobras de remolque, antes de completarlas estalla un incendio en la bodega número 4 y causa una serie de explosiones en cadena que, en cuestión de segundos, envían al Ourang Medan al fondo del mar.

   Estos hechos dejaron al menos dos misterios por resolver. El primero es qué causó la desaparición masiva de la tripulación del Ourang Medan y, el segundo, qué provocó la explosión posterior.

– ¿Realmente existió?

   Pero ahí no se acaba el misterio, ya que es posible que, al menos oficialmente, el buque nunca haya existido, ya que no se consigna al SS Ourang Medan en los registros de Lloyd’s Shipping , ni existe ninguna grabación oficial del extraño «incidente» a bordo.

   Además, hasta la fecha del evento ha sido difícil de precisar porque los diarios ofrecen varias versiones, cada una con algún matiz diferente que la embellece o aumenta su misterio. De todas formas, no fueron pocos lo que juraron que el hecho efectivamente se había producido.

   A los largo de los años se afirmó que no fue encontrado el registro del barco porque en realidad estaba registrado en Sumatra.

Sitio del problable hundimiento. Fuente: Google Maps.

   Incluso se señaló que el nombre de la embarcación se traduce como «Hombre de Medan»: Medan es una isla de Sumatra.

Más que eso, el profesor Theodor Siersdorfer , un investigador alemán que ha estado estudiando detenidamente el fascinante caso durante medio siglo, descubrió una antigua publicación alemana de 1953, titulada Das Totenschiffin der Südsee, o El barco de la muerte en los mares del sur .

   Algunos creen que este pequeño folleto , cortesía del erudito ya fallecido Otto Mielke, ofrece  evidencia de que el barco era real, al igual que su trágico destino. Ofrece una posibilidad intrigante sobre la causa de la explosión que envió al Ourang Medan a las profundidades. 

   Das Totenschiffin der Südsee sugiere que el cianuro de potasio y nitroglicerinase almacenaron en la bodega del barco.

– La visión de un historiador naval

   Pero dejemos que el prestigioso historiador naval Roy Bainton nos de su veredicto sobre este extraño episodio:

   “Escuché por primera vez la historia de Orang Medan en 1961, 15 años después de su origen.

Si aceptamos, debido a la naturaleza de las muertes de su tripulación, que transportaba gases o productos químicos letales y si, de hecho, era un barco holandés, si se hubiera dado a conocer esta noticia, habría sido una gran vergüenza para cualquier gobierno involucrado, especialmente a la luz de la Convención de Ginebra.

De ahí los callejones sin salida a los que se enfrenta cualquier investigador. La historia existe porque, como los gases, se escapó.

   “Pero aquí hay otro misterio; si una fuga de gas mató a la tripulación, ¿fue la explosión final otro accidente o un hundimiento ordenado oficialmente?

   “La tripulación del Silver Star habría contado la historia a partir de ese día en todos los comedores de todos los barcos en los que navegaron.

Finalmente, en un comedor del vapor británico Port Halifax, me llegó. Los aficionados de The XFiles han tenido un día de campo con esta tragedia culpando a los ovnis, monstruos marinos, etc., pero la posible realidad no es menos siniestra”.

   Bainton señala que el campo de lo inexplicable está plagado de pistas falsas, engaños y pura falsedad, pero si la historia de este barco de la muerte es un invento, ¿quién fue el responsable?

   “¿Por qué era moneda común en los comedores de los viejos vapores que navegaba en los años 60 y por qué otros barcos eran barcos reales involucrados en el hilo?

   “Cualquier investigador marino –agrega–, le dirá que incluso los poderosos tomos de Lloyd’s Shipping Registers pueden arrojar más preguntas que respuestas, especialmente cuando los barcos cambian de nombre con frecuencia.

   El historiador señala que recientemente recibió una carta de la Royal Navy holandesa donde le requería información sobre el Caso Orange Medan

   “¿Por qué? En el Reino Unido, el Ministerio de Defensa ha destruido irresponsablemente todos los registros de vertederos de gas venenoso que tienen más de 25 años. Más de 100.000 toneladas de ‘Tabun’ y ‘Sarin’ mortales se cargaron deliberadamente en barcos al final de la Segunda Guerra Mundial y se hundieron en el Mar del Norte y el Atlántico.

   “En 1998, un barco pesquero sueco desembarcó una captura inusual con una red llena de botes de gas mostaza; la tripulación pasó mucho tiempo en el hospital con quemaduras graves.

   Expresó que es un pensamiento forteano (por el investigador Charles Fort) agradable y espeluznante que los desventurados marineros del Orang Medan fueron visitados por un OVNI que aterrador a tal punto que que literalmente «los asustó hasta la muerte».

   “Ese puede haber sido un buen pronóstico en los locos años 50 de ciencia ficción. Sin embargo, la humanidad es capaz de un comportamiento mucho más siniestro que cualquier visitante intergaláctico de Roswell”.

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noviembre 11, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El brutal y misterioso asesinato de Pier Paolo Pasolini: el montaje de un “crimen pasional” y el enigma de la conspiración política…

Infobae(D.Cecchini) — “Yo bajo al infierno y sé cosas que no perturban la paz de los otros. Pero hay que tener cuidado. El infierno está subiendo y las ganas y necesidad de dar un garrotazo, de agredir y de matar es fuerte y es general”, le dijo como si fuera una premonición a un periodista de La Stampa el día anterior a su muerte.

La noche del 2 de noviembre de 1975, el cadáver de Pier Paolo Pasolini apareció en un descampado cerca del puerto de Ostia. Lo habían asesinado de manera brutal: su rostro estaba desfigurado, tenía múltiples fracturas y los testículos destrozados a los golpes; el cuerpo estaba parcialmente quemado porque lo rociaron con nafta y lo prendieron fuego después de matarlo.

El crimen causó conmoción y no solo por su brutalidad. Escritor, director de cine, ensayista y filósofo, a los 53 años Pasolini era considerado -y con razón- una de las figuras más importantes de la cultura y la intelectualidad italianas de la segunda mitad del siglo XX.

Y no solo eso, porque su doble condición de católico y marxista, su homosexualidad abierta y sus posiciones provocadoras lo habían convertido también en un emblema de las luchas contra el sistema. Era a la vez un ícono cultural y la encarnación del escándalo.

El caso pareció resuelto en pocas horas. Giuseppe “Pino” Pelosi, un joven taxi boy de 17 años, fue detenido por los carabineros cuando manejaba el Alfa Romeo de Pasolini. Primero dijo que lo había robado, pero dos horas más tarde, cuando fue descubierto el cuerpo, confesó también en crimen.

Aseguró que había sido en defensa propia, que Pasolini había querido obligarlo a tener sexo y que se resistió, que el director de Teorema lo atacó y él respondió, que lo golpeó y luego, al escapar, lo atropelló con el auto pasándole por encima. En la jerga periodística de esos tiempos, se trató de un “crimen pasional”.

Pelosi fue condenado como autor del homicidio, pero muchas cosas no cerraban: nadie podía explicarse cómo ese joven debilucho había podido matar al atlético Pasolini, era difícil creer que hubiera actuado solo; además, Pino no tenía casi manchas de sangre en su ropa, lo que no era consistente con la brutalidad del asesinato, y tampoco se pudo identificar al dueño de un pulóver -que no era de la víctima ni del criminal confeso- que se encontró en el auto; por último, Pasolini estaba a punto de publicar un nuevo libro donde, prometía, revelaría una escandalosa trama de negocios y muerte en lo más alto del poder económico y político del país, por lo que era probable que hubiera muchos poderosos a quienes les convenía silenciarlo.

Una de las primeras en desconfiar fue la periodista Oriana Fallaci -la misma que unos años más tarde entrevistó y puso contra las cuerdas al dictador argentino Leopoldo Galtieri-, para quien el relato oficial y el proceso judicial encubrían una trama mucho más oscura. En una columna del diario L’Europeo escribió que luego de investigarlo a fondo había llegado a la conclusión de que el asesinato estaba planificado y que era obra de tres o más personas.

El director de películas de culto como El Evangelio de San Mateo, El Decamerón, Edipo, hijo de la fortuna y Saló o los 120 días de la ciudad de Sodoma, entre otras, y de novelas como Chicos del arroyo y Una vida violenta, dejaba un legado cultural inapreciable, pero también un enigma, el de su muerte, que durante décadas buscó respuestas y solo las ha encontrado parcialmente.

– La primera versión

Era sabido que Pasolini tenía la costumbre de hacer citas o recoger directamente de la calle a hombres muy jóvenes que se prostituían. Por eso no extrañó que en su confesión Pino relatara que había arreglado con el cineasta para cenar juntos en el restaurante Biondo Tevere, cerca de la Basílica de San Pablo Extramuros.

Contó que habían comido espaguetti, que Pasolini acompañó con cerveza, y que salieron del local alrededor de las 23:30 para ir a un lugar aislado cerca del puerto de Ostia para “toquetearse un poco”, servicio por el que Pino recibiría veinte mil liras.

Según la confesión, todo había marchado sobre rieles hasta que llegaron a un lugar cerca del mar, donde Pasolini detuvo su Alfa Romeo y le propuso a Pelosi tener sexo allí mismo.

Eso era lo pactado, pero -siempre de acuerdo con ese primer relato- la situación se desmadró porque Pasolini quería utilizar un palo de madera en el acto, no quedaba claro si para que Pino lo sodomizara o al revés. Pelosi se negó y se bajó del auto.

Entonces el director salió detrás de él y lo persiguió esgrimiendo el palo con el que comenzó a golpearlo. Pino le dijo a la policía que en ese momento pudo tomar un garrote para defenderse y terminó derribando a su atacante “en defensa propia”, que corrió al auto para escapar y que al hacerlo atropelló involuntariamente a Pasolini y le pasó por arriba con las ruedas.

Nunca pudo dar cuenta de dónde había sacado el garrote, ni relatar coherentemente la pelea y mucho menos explicar por qué el cuerpo de Pasolini estaba parcialmente quemado.

Sin embargo, a base de esa confesión y sin ninguna otra prueba, el Tribunal superior condenó a Pelosi por “homicidio en colaboración” –sin especificar en colaboración con quién- a nueve años y medio de prisión. Una pena relativamente corta que se debió a que el acusado era menor de edad en el momento de cometer el crimen.

– Tres décadas después

Giuseppe Pelosi cumplió su condena y al salir en libertad no volvió a hablar de la muerte de Pasolini hasta 2005, treinta años después del crimen, cuando le dio una entrevista a RAI 3. Allí dijo que había mentido por temor a represalias contra su familia y cambió radicalmente su versión sobre los hechos de la noche del 2 de noviembre de 1975.

Relató que después de haber tenido sexo oral con Pasolini salió del auto y se alejó unos metros para orinar. Según esta nueva versión, en ese preciso momento aparecieron tres hombres desconocidos, “de 45 o 46 años, con acento calabrés o siciliano”, que comenzaron a insultarlos y molieron a golpes al cineasta mientras le gritaban “maricón, sucio comunista”.

Pelosi explicó que los matones habían amenazado de muerte a él y a su familia si se atrevía a revelar lo ocurrido, y que entonces había mentido en su confesión inicial. Reconoció, en cambio, que había pasado por encima del cuerpo de Pasolini cuando, asustado, huyó en el auto.

Después de escucharlo, la familia del cineasta reclamó la reapertura del sumario, que fue engrosado con el testimonio de su amigo Sergio Citti, quien afirmó que Pasolini acudió a la cita con Pino porque era víctima de un chantaje por el robo de unos rollos de su película Salo.

En una nueva declaración judicial, Pelosi fue mucho más preciso: “Pasolini fue asesinado por tres personas. Lo golpearon a sangre fría delante de mis propios ojos. Eran romanos. Dos eran los hermanos Borsellino (Franco y Giuseppe). Fue víctima de una emboscada estudiada al detalle.

Lo convencieron para ir a Ostia con la excusa de negociar la venta de las cintas de la película Saló, robadas tiempo atrás. Él tenía consigo el dinero, era una excusa para tenderle una emboscada”, dijo ante el fiscal.

La policía científica italiana pasó varios años llevando a cabo interrogatorios, pero no pudo atribuir a nadie los restos de ADN encontrados en el auto, lo que llevó a que el caso volviera a cerrarse en 2015. Pelosi murió poco tiempo después, a los 59 años, llevándose parte, sino toda, la verdad a la tumba.

– Una conspiración política

Cuando Pino murió, la hipótesis de la existencia de una conspiración política para asesinar a Pasolini circulaba desde hacía tiempo, desde que se supo que tenía la intención de revelar en el libro que estaba escribiendo, Petróleo, el nombre del culpable del presunto homicidio -disfrazado de accidente- del industrial Enrico Mattei, presidente de la petrolera italiana Eni.

Quienes abonan esa teoría sospechan que el asesinato de Pasolini fue un crimen político que se buscó encubrir al hacerlo pasar como una pelea entre homosexuales.

Uno de los defensores de esta hipótesis fue siempre el cineasta Federico Bruno, que investigó a fondo la vida de su colega asesinado para hacer una película sobre su vida y su obra. “Hoy, en Italia se sigue diciendo que fue un homicidio casual, pero en el proceso no se hizo ninguna investigación. 

Fue todo un complot entre los servicios secretos, la Iglesia y los políticos. Se había creado un ambiente de que Pasolini era un hombre peligroso que hacía daño a la sociedad italiana y a la democracia.

Es absolutamente injusto cómo una figura como Pasolini ha sido borrada de la memoria de Italia. Fue un testigo de su época que se dedicó a denunciar la pobreza, la corrupción y las miserias. Con su cine rompió de manera rotunda los esquemas estéticos de la época”, sostuvo.

En octubre 2023, la Comisión Parlamentaria Antimafia italiana produjo un informe en el que se calificó la muerte de Pasolini como un “crimen sin resolver” y reclamó, una vez más, la reapertura de la investigación, pero un año más tarde la Fiscalía de Toma sigue sin pronunciarse sobre el pedido.

Casi medio siglo después de aquella trágica noche del 2 de noviembre de 1975, el misterio que rodea el asesinato de Pier Paolo Pasolini está lejos de ser desvelado por completo. Tampoco se ha cumplido la esperanza que expresó en su última entrevista:

“Se entiende que añoro la revolución pura y directa de la gente oprimida cuyo único objetivo es ser libre y dueña de sí misma. Imagino que aún puede llegar un momento así en la vida de Italia y del mundo”, le dijo al periodista de La Stampa.

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La fascinante historia de un héroe olvidado de la Segunda Guerra Mundial…

Infobae(A.Prina) — El 5 de septiembre de 1942, el buque de transporte rápido USS Gregory (APD-3) surcaba las peligrosas aguas del Pacífico junto a su gemelo, el USS Little, en plena Segunda Guerra Mundial, tras haber desembarcado a un batallón de marines en la isla de Savo.

A bordo del Gregory, se encontraba Charles Jackson French, asistente de comedor de primera clase. French se había enlistado en la Marina de los Estados Unidos en 1938, en una época profundamente marcada por la segregación racial, siendo asignado a labores en la cocina.

Durante la guerra, los soldados negros y filipinos no tenían acceso a las mismas oportunidades que los blancos, salvo que formaran parte de unidades segregadas. En el Gregory, French era uno de los seis cocineros negros a bordo.

– La noche que lo cambió todo

En una noche cerrada sin luna, los buques patrullaban aguas japonesas en estado de alerta. Tres destructores japoneses se acercaron sin ser detectados. Justo antes de la 1 de la madrugada, las tripulaciones de ambos barcos vieron destellos de disparos.

Mientras debatían si atacar o retirarse, un avión de la Marina estadounidense que también patrullaba los cielos vio los destellos y, pensando que se trataba de submarinos japoneses, lanzó bengalas para iluminar la zona. Las luces incandescentes cayeron lentamente, dibujando las siluetas del Gregory y del Little. Delatadas sus posiciones, los japoneses se apuraron en disparar primero.

En apenas tres minutos, el Gregory fue golpeado por la artillería nipona; sus calderas estallaron y el barco, envuelto en llamas, comenzó a hundirse.

Gravemente herido, Harry F. Bauer, capitán del Gregory, ordenó a los 141 tripulantes abandonar el buque. Minutos más tarde, el USS Little padecería el mismo destino, y ambas tripulaciones terminaron en el agua.

– El héroe olvidado que salvó a sus camaradas del peor final

Era la 1:23 y, en apenas 40 minutos, el Gregory, envuelto en llamas, se fue a pique. Los japoneses continuaban disparando hacia los marinos que ahora flotaban a la deriva sujetándose de todo lo que flotara. Solo algunos pocos tuvieron la suerte de hacerse de botes salvavidas. En medio de la confusión, French, que había resultado ileso, comenzó a asistir a los heridos que veía flotando, poniéndolos a resguardo uno a uno en la balsa.

Charles Jackson French había nacido en Arkansas en 1919; tras la muerte de sus padres, se fue a vivir a Omaha, Nebraska junto a su hermana. Con 18 años recién cumplidos, ingresó a la Marina y sirvió durante cuatro años a bordo del crucero USS Houston, para luego regresar a su hogar en 1941.

Cuatro días después del bombardeo de Pearl Harbor, French volvió a enlistarse en la Marina y fue asignado al Gregory en marzo de 1942. A pocos días de su cumpleaños, se encontraba a punto de convertirse en héroe.

– A merced de los tiburones

Esa madrugada del 5 de septiembre y completamente a la deriva, los náufragos sabían que había una gran posibilidad de que fueran capturados por los japoneses.

French, sin pensarlo dos veces, ató un cabo a la balsa y a su cintura, y se lanzó al agua. Sus compañeros comenzaron a gritarle que volviese a la balsa, ya que las aguas se encontraban repletas de tiburones, a lo que French respondió: “Les tengo más miedo a los japoneses que a los tiburones, solo indíquenme si nado en la dirección correcta” y comenzó a remolcar la balsa con los 15 marineros a bordo. Nadando hasta el amanecer durante casi ocho horas, fueron avistados por un avión de reconocimiento. El piloto envió una lancha para que fuesen rescatados.

French relataría luego que sentía los roces de los tiburones mientras nadaba, situación que no lo detuvo.

– La Medalla de Honor que no fue

Por sus acciones, fue recomendado para recibir la Cruz de la Marina. Sin embargo, probablemente debido a su color de piel, el cocinero solo recibió una carta de recomendación del almirante William “Bull” Halsey, comandante de la Flota del Pacífico Sur.

En la carta, Halsey acreditó erróneamente a French por haber nadado ininterrumpidamente durante solo dos horas.

La historia de French fue ampliamente difundida en los periódicos afroamericanos de EE. UU, en dramas radiales, en cómics y hasta en una caja de chicles, convirtiéndose en el “héroe del año”. Fue apodado “El Remolcador Humano”.

Varios de los náufragos que rescató expresaron su indignación por el limitado reconocimiento a su heroísmo, afirmando que merecía recibir la Medalla de Honor, la más alta condecoración.

Después de la guerra, la historia de French fue en gran parte olvidada. Murió en 1956 con apenas 37 años a causa del alcoholismo, una condición que, según los historiadores, probablemente fue provocada por un trastorno de estrés postraumático no diagnosticado.

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noviembre 10, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

La Tabla SUMERIA de hace 5000 MIL AÑOS resulta ser un Mapa Estelar…

Libre Diario Digital(LA TABLA SUMERIA de hace 5000 MIL AÑOS resulta ser un Mapa Estelar de la Antigua Nínive, 3300 AC Tableta Circular de piedra de fundición, de 140 mm de diámetro (aproximadamente 5.5 pulgadas), pálido ocre terracota, con el negro de madera soporte de exhibición del museo y la descripción de pergamino.

Reproducción de una arcaica mapa estelar o ” planisferio ” sumeria recuperado del 650 aC de la biblioteca subterránea del rey Asurbanipal en Nínive, Iraq en el siglo 19. Inicialmente se pensaba que era una tableta asiria, pero un análisis informático ha emparejado con el cielo por encima de Mesopotamia en el año 3300 aC y demuestra que es de origen sumerio mucho más antiguo.

La tableta es un ” Astrolabio “, el instrumento astronómico más antiguo conocido . Se trata de un mapa de las estrellas segmentado, en forma de disco con las unidades marcadas de medida del ángulo inscrito sobre la llanta. 

Desafortunadamente partes considerables del planisferio de este tablet faltan (aproximadamente 40 % ), el daño que data del saqueo de Nínive. El reverso de la tableta no está inscrito . Aún está en estudio por los eruditos modernos, el planisferio proporciona pruebas extraordinarias para la existencia de la astronomía sumeria … y un muy sofisticado astronomía en eso. 

• ANTECEDENTES

La tableta representa un círculo dividido por líneas radiales en ocho sectores iguales. Las líneas que irradian desde el centro definen ocho sectores estelares de 45 grados cada uno.

Figuras de Star se encuentran en seis de estos sectores. “Los nombres de Dios ” se utilizan para indicar Orión y la Vía Láctea, además de los nombres de las estrellas / constelaciones sumerios conocidos. Los ocho sectores incluyen constelaciones representadas además de ser escrito, junto con los nombres de estrella y sus símbolos concomitantes.

Las secciones intactas muestran texto cuneiforme de nombres particulares las estrellas y constelaciones, así como los puntos y diagramas, como flechas, triángulos, líneas de intersección y de una elipse, que comprenden dibujos esquemáticos de seis estrellas y constelaciones.

Las constelaciones representadas en cada sector se dibujan como puntos que representan estrellas, conectados por líneas. Figuras de las constelaciones son identificables en los seis sectores en buen estado.

Las estrellas y las constelaciones que se muestran son identificados como : ( 1 ) Piscis ( 2 ) no se identifica ( 3 ) Sirius ( Flecha ) ( 4 ) Pegaso y Andrómeda ( Campo y Plough ) ( 5 ) no se identifica ( 6 ) Pleiades ( 7 ) Géminis ( 8 ) Hydra, Corvus y Virgo.

Así, el mapa de las estrellas circular divide el cielo nocturno en ocho sectores e ilustra las constelaciones más prominentes y su dirección de movimiento.

En 2008 dos autores, Alan Bond y Mark Hempsell publicó un libro sobre la tableta llamada ” Un Observación Sumeria del evento de impacto los Köfels . ”

El aumento de una tormenta en los círculos arqueológicos, volvieron a traducir el texto cuneiforme y afirman la tableta registra un impacto de asteroide antiguo, Impacto de los KFELS ‘, que golpeó Austria algún momento alrededor de 3100 aC.

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noviembre 10, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El caso Menéndez: explorando el vínculo entre el abuso familiar y el crimen…

La mente es maravillosa(L.B.Sosa) — ¿Puede el trauma del abuso justificar un parricidio? El suceso que involucra a los hermanos Menéndez invita a reflexionar sobre la culpabilidad de las víctimas que se convierten en perpetradoras.

El caso de los hermanos Menéndez ha «fascinado» y horrorizado a la sociedad desde el brutal asesinato de sus padres en 1989. A más de 25 años de ser condenados a prisión perpetua, su historia recobró interés debido a la serie Monstruos y al documental Los hermanos Menéndez, de Netflix.

Interpretados en la serie por Nicholas Chavez y Cooper Koch, respectivamente, la historia de Lyle y Erik plantea preguntas inquietantes sobre la psicología del crimen. Durante sus juicios, mencionaron que cometieron parricidio en defensa propia, porque sufrían de abuso físico y sexual por parte de sus padres. Sin embargo, para el jurado no existió tal abuso y el motivo del asesinato fue económico.

Si bien a ambos los sentenciaron, en la actualidad, la fiscalía de Los Ángeles busca revisar la condena para darle prioridad al maltrato que sufrieron desde pequeños. Pero, ¿existe una relación entre el abuso y el crimen?

– La dinámica familiar: el maltrato y el silencio

Lyle y Erik crecieron en un hogar que, a primera vista, parecía privilegiado. Su padre, José Menéndez, era un empresario exitoso de la industria del entretenimiento. Mientras que su madre, Mary Louise «Kitty», gestionaba la millonaria mansión que tenían en Beverly Hills.

De las puertas hacia adentro, la realidad parecía ser otra. Según lo cuentan en el documental y la serie de Netflix, desde temprana edad, los hermanos Menéndez vivían en un ambiente familiar tóxico. Ambos mencionaron que sufrieron abuso sexual y físico perpetrado por sus padres desde pequeños. Sobre todo, de su papá.

No obstante, no fueron conscientes del sufrimiento del otro hasta días antes del crimen. De hecho, es común que estos casos se silencien por el miedo a no ser creídos, por vergüenza o porque existan consecuencias negativas, como amenazas hasta de muerte.

Erik ha mencionado que cuando trató de discutir con un amigo que su padre lo tocaba, se sintió obligado a pedirle que guardara el secreto. De igual manera, su progenitor lo amenazó para que no le contara a nadie. Kitty, por su parte, le restaba importancia a los «castigos» (golpes y agresión sexual) de su marido. Incluso, ella también se sumó a los excesos, contribuyendo al ciclo de maltrato y silencio.

– El impacto del trauma en el comportamiento criminal

De acuerdo con su versión, este secreto compartido los llevó a confrontar a sus progenitores. Entonces, tal como atestiguan, resultó en un clima de terror y desesperación. El 20 de agosto de 1989, los hermanos les dispararon a sus padres con unas escopetas. Como coartada, compraron entradas para ver una película.

En los testimonios, Lyle y Erik dijeron que creyeron que morirían por confrontar a sus victimarios, entonces los asesinaron en defensa propia. De ser así, este parricidio podría interpretarse no solo como una respuesta al maltrato, sino también como un intento de poner fin a los años de abuso.

Aunque existen otros factores que pueden influir en un crimen de esta naturaleza, como padecer esquizofrenia o tendencias antisociales, el trauma del abuso sexual infantil es uno de los más importantes. Se relaciona con un desajuste psicológico que puede continuar hasta la adultez. En consecuencia, existe una posible relación entre esta clase de padecimientos y un hecho como el que cometieron.

Experimentar falta de afecto, brutalidad y distintas formas de violencia puede hacer que se viva bajo una sensación de peligro y miedo constante, e influir en conductas desenfrenadas.

Alguien maltratado llega a sufrir distintos trastornos, como estrés postraumático, depresión y comportamientos agresivos. Si la víctima demora la revelación, es posible que exista mayor angustia. Por lo tanto, a pesar de tener desenlaces aberrantes, el trauma genera efectos tan graves en las personas como querer quitar la vida a sus abusadores para liberarse del malestar.

– ¿Se tuvo en cuenta el abuso en la condena?

Después de los asesinatos, los hermanos comenzaron a actuar como si nada hubiese acontecido, hasta que Erik lo confesó a su terapeuta, quien acudió a la policía. Si bien ninguno negó su participación en el crimen, declararon que fue en defensa personal después de recibir amenazas y tras una vida de abuso psicológico y sexual.

El primer juicio (1993) terminó en un punto muerto, a pesar de los testimonios de maltrato. En 1995, se realizó otro juicio. Sin embargo, la fiscalía excluyó los testimonios que apoyaban la versión sobre el abuso y el acoso familiar. Con la falta de pruebas, el jurado consideró que esos hechos eran falsos y que José Menéndez «no era esa clase de hombre». Por lo tanto, los sentenciaron a cadena perpetua sin la posibilidad de libertad condicional.

«Si creen que el abuso sexual ocurrió, eso no significa que los acusados no sean culpables de asesinato, porque son dos cosas separadas», indicó la fiscal Pamela Bozanich durante el primer juicio.

.Otra visión de los hechos

A pesar de que los argumentos de los hermanos se basan en los abusos que habrían cometido sus padres, la serie Monstruos muestra otra cara de la historia. Esta es, en efecto, la que los jueces consideraron como cierta: el cobro de la herencia familiar. Esta posibilidad se relaciona con que, después del asesinato, los jóvenes empezaron a derrochar el dinero de sus padres.

Sin embargo, la falta de contemplación de los testimonios ante el juzgado sobre los traumas vividos, hace que la verdad sea una incógnita. Que no los hayan tenido en cuenta refleja un entendimiento limitado sobre cómo pueden influir en el comportamiento criminal.

– Nuevas revelaciones y el futuro del caso de los hermanos Menéndez

Tras tantos años en prisión, se han presentado nuevas pruebas que sugieren la veracidad de los abusos que sufrieron Lyle y Erik. En una carta que este último escribió a su primo, Andy Cano, se mencionan estos traumas. A la vez, uno de los cantantes del grupo Menudo, Roy Roselló, reveló en 2023 que José Menéndez abusó sexualmente de él cuando trabajaba en la industria musical.

El interés renovado en el suceso ha llevado a la fiscalía de Los Ángeles a considerar la posibilidad de revisar la condena. Si se les concede una nueva audiencia, Lyle, de 56 años, y Erik, de 53, enfrentarían la oportunidad de quedar en libertad condicional.

Si bien sus acciones no pueden ser justificadas, es fundamental entender que, si el abuso emocional y físico ocurrió, este puede impactar de manera profunda en la psique de una persona, llevándola a tomar decisiones extremas. Proveer tratamiento y apoyo psicológico a quienes han sufrido este tipo de traumas podría abrir un camino para reintegrarse en la sociedad y sanar.

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noviembre 10, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El viaje de la sonda espacial «Rosetta»…

National Geographic(A.Forssman)/BBC News Mundo — Día 30 de septiembre. La misión Rosetta ha finalizado con éxito y ya forma parte de la historia de la exploración espacial.

La misión Rosetta, dirigida por la Agencia Espacial Europea y con el apoyo de la NASA, «es una magnífica demostración de lo que puede llegar a conseguir una misión internacional excelentemente planificada y ejecutada», expresa Geoff Yoder, de la NASA.

La sonda espacial, lanzada en marzo de 2004 con el módulo de aterrizaje Philae, ha analizado minuciosamente el cometa 67P/Churyumov-Gerasimenko y toda la información será asimilada en las próximas décadas.

El objetivo principal de la misión: tratar de comprender el origen y la evolución del Sistema Solar. Y los cometas son un depósito de material primitivo del Sistema Solar.

La cámara de alta resolución OSIRIS, desarrollada en parte por el Instituto de Astrofísica de Andalucía, captó ayer una imagen espectacular del cometa 67P/Churyumov–Gerasimenko, cuando se encontraba a unos 23 kilómetros de altitud del mismo.

El dramático descenso de Rosetta, después de doce años de actividad, se ha efectuado como estaba previsto y a las 13:19 (hora peninsular española) se ha perdido la señal del orbitador, confirmando así el éxito de la misión, la más ambiciosa de la Agencia Espacial Europea.

Rosetta se ha estrellado de forma controlada en la región Ma’at, situada en el lóbulo menor del cometa y donde hay pozos activos de más de cien metros de diámetro y de entre cincuenta y sesenta metros de profundidad. Las imágenes obtenidas de estos pozos tienen un gran potencial científico. Los científicos examinarán detenidamente todo el material fotográfico.

Rosetta ha ido orbitando el cometa cada vez más lejos del Sol y sus instrumentos científicos, alimentados con energía solar, ya no podían seguir operando por mucho tiempo. La sonda espacial se hubiera acabado apagando si hubiera continuado en órbita.

Rosetta, a diferencia de Philae, no estaba concebida para aterrizar y sus restos metálicos permanecerán en la superficie del cometa, a menos de un kilómetro de distancia de Philae.

«Será duro recibir la última transmisión de Rosetta, pero por mucha melancolía que experimentemos nos sentiremos alegres de haber formado parte de una misión histórica«, expresó con gratitud Art Chmielewski, director del proyecto Rosetta en Estados Unidos.

El fin de una de las misiones espaciales más audaces de la historia.

Así es como se describió la última maniobra de la sonda Rosetta, que acaba de realizar un aterrizaje forzado contra un cometa de 4 km de ancho, después de estudiarlo durante más de dos años.

Durante su descenso y acercamiento al cometa 67P, la sonda envió imágenes cada vez más detalladas.

Los científicos de la Agencia Espacial Europea (ESA), a cargo de la misión, dijeron que el aparato había llegado al fin de su vida útil y querían tomar unas últimas medidas de la superficie del 67P a extrema proximidad.

Rosetta fue programada para descender forzosamente en el cometa. Aunque no fue un impacto fulminante y algunos de sus sistemas hubieran podido seguir en funcionamiento, el software de abordo se aseguró de apagar todo en el momento del contacto.

Pero, ¿por qué acabar de manera tan definitiva una misión que ha sido tan exitosa?

– Exploración histórica

Rosetta llegó al cometa 67P/Churyumov-Gerasimenko (su nombre completo) en agosto de 2014, después de un viaje de más de 10 años desde la Tierra.

Durante más de dos años, la sonda estuvo rondando el objeto montañoso, acumulando más de 100.000 imágenes y lecturas de instrumentos.

Estos han permitido un mirada sin precedentes al comportamiento del cometa, su estructura y su composición química.

La sonda inclusive lanzó un pequeño módulo que descendió en la superficie del cometa en noviembre de 2014 para recoger información adicional, un hecho histórico en la exploración espacial.

Los científicos creen que los cometas son restos intactos de la formación del Sistema Solar, y los datos acumulados del 67P ofrecerán información extraordinaria sobre las condiciones que existían hace 4.500 millones de años.

– «Increíble aventura»

Los científicos resaltaron el entusiasmo que la misión ha generado a nivel mundial.

«Hemos llevado al mundo en una emocionante travesía científica al corazón de un comenta y, a su vez, hemos visto al mundo llevar en su corazón la increíble aventura de Rosetta y Philae», expresó a la BBC Mark McCaughrean, principal científico de asesoría de ESA.

Aunque es el final de la misión, no será el final de la investigación.

«Los datos de Rosetta serán explotados durante décadas futuras», afirmó el director de vuelo Andrea Accomazzo.

Con el cometa 67P a 573 millones de kilómetros del Sol, y alejándose constantemente, había poca energía solar para operar los sistemas de la sonda.

Además, la velocidad a la que llegaban los datos desde esa distancia era desesperantemente lenta: 40 kbps, muy parecido a la velocidad de internet cuando se conecta por teléfono rotativo.

En lugar de poner la sonda a hibernar o dejarla apagarse lentamente, el equipo de la misión decidió terminar la aventura dramáticamente, a pesar de lo agridulce que pudiera resultar.

Los controladores del centro de operaciones de ESA, en Darmstadt, Alemania, ordenaron a Rosetta a cambiar de rumbo en la tarde del jueves.

La maniobra alteró su amplia órbita alrededor de helado cometa con forma de pato y la puso en una trayectoria de impacto directo.

La velocidad del impacto fue lenta, a menos de un metro por segundo (la velocidad a la que camina una persona), pero Rosetta nunca fue diseñada para descender en la superficie, así que varios de sus componentes hubieran quedado inútiles de todas formas, imposibilitando la comunicación.

COMETA 67P – «EL PATO ESPACIAL» EN CIFRAS

• Una rotación completa del cuerpo celeste toma un poco más de 12 horas
• El eje de rotación pasa por la región del «cuello»
• El lóbulo más grande («cuerpo») mide 4 x 3 x 2 km
• El lóbulo más pequeño («cabeza») mide 2,5 x 2 x 2 km
• Medidas gravitacionales dan una masa de 10.000 millones de toneladas
• El volumen estimado es de un poco más de 21 kilómetros cúbicos

El científico de proyectos de ESA Matt Taylor explicó que se había discutido la idea de poner a Rosetta a dormir durante unos años para despertarla otra vez cuando el 67P estuviera cerca del interior del Sistema Solar.

Pero no había seguridad de que la sonda continuaría funcionando.

«Es como con esas bandas de rock de los 60; no queremos hacer una chorrada de gira de conciertos de retorno. Queremos, en cambio, retirarnos ahora con verdadero estilo roquero», declaró.

Y eso implicó estar en funcionamiento hasta el último instante, antes del fin.

Debido a la distancia, todavía tomará un tiempo antes de que se pueda saber cuántas imágenes pudo tomar Rosetta en su descenso pero se espera que pueda haber tomado algunas a 15 o 20 metros de la superficie.

Toda esa información será pasada a través de las grandes parabólicas de radio que opera la Agencia Espacial de EE.UU., NASA, que se está asociada el proyecto.

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noviembre 9, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Por qué se descansa los sábados y domingos: la curiosa historia del fin de semana

Infobae(P.Álvarez) — A lo largo del siglo XIX, la vida laboral en Gran Bretaña estaba marcada por jornadas agotadoras, seis días a la semana. Sin embargo, la idea de descansar el sábado y el domingo, lo que hoy se conoce como el fin de semana, era una noción aún lejana.

Fue un proceso gradual y complejo que involucró tradiciones no oficiales, campañas sociales y el crecimiento de la industria del ocio. El origen de los días de descanso está profundamente influenciado por la interacción de diversos actores: movimientos obreros, grupos religiosos, empresas y sindicatos.

– Origen del fin de semana

El descanso durante el sábado y el domingo no fue el resultado de una sola ley o decreto, sino fruto de una larga evolución. A mediados del siglo XIX, los trabajadores empezaron a resistir las agotadoras semanas de seis días y buscaron momentos para recuperarse de la fatiga física y mental.

La Revolución Industrial había extendido las jornadas laborales a más de doce horas diarias, lo que obligó a los obreros a luchas por obtener más tiempo libre.

– La práctica del “Lunes Santo”

Uno de los primeros ejemplos de resistencia a la jornada laboral de seis días fue el “Lunes Santo”, una costumbre que imitaba las fiestas religiosas, pero tenía un trasfondo totalmente secular. Los artesanos calificados de la época adoptaron esta práctica para alargar su descanso después del domingo.

Tras jornadas intensas que solían terminar los sábados por la noche, los trabajadores tomaban los lunes para recuperarse.

Aunque esta costumbre afectaba la productividad, las fábricas la aceptaron durante un tiempo, especialmente porque las salas de música y los teatros aprovechaban este día para organizar eventos. Sin embargo, con el tiempo, los empleadores comenzaron a rechazar la idea debido al impacto negativo que tenía en el rendimiento.

A medida que el “Lunes Santo” se popularizaba, tanto los sindicatos como los grupos religiosos vieron la oportunidad de formalizar un nuevo modelo de descanso semanal. En ese sentido, con el objetivo de mejorar las condiciones laborales, presionaron por un descanso que no dependiera de costumbres informales.

Al mismo tiempo, las autoridades religiosas defendían la idea de un descanso el sábado, argumentando que esto ayudaría a mejorar la moral y la cultura de los trabajadores. En 1862, el padre George Heaviside señaló que un fin de semana formalizado permitiría a los obreros llegar más descansados al domingo, lo que también aumentaría la asistencia a la iglesia.

– La Asociación de Cierre Temprano

El cambio hacia una semana laboral más corta cobró impulso con la creación de la Asociación de Cierre Temprano en 1842, un grupo de campaña que abogaba por liberar la tarde del sábado a cambio de un día completo de trabajo los lunes. El grupo, formado por empresarios, líderes religiosos y miembros de las élites locales, logró establecer sucursales en diversas ciudades industriales.

Su propuesta no solo se basaba en mejorar las condiciones laborales, sino en fomentar una fuerza laboral más sobria y respetable. Al reducir el tiempo libre asociado con los excesos del lunes, la asociación promovía un modelo de ocio más ordenado y racional para la clase trabajadora.

A medida que más empleadores adoptaban los sábados de medio día, la industria del ocio vio una oportunidad de negocio. Los operadores de trenes comenzaron a ofrecer tarifas reducidas para las excursiones durante ese día, y los teatros y salas de música trasladaron sus espectáculos principales de los lunes a las tardes del sábado.

Sin embargo, uno de los cambios más influyentes fue la creciente popularidad del fútbol. Durante la década de 1890, los partidos del sábado por la tarde se convirtieron en un fenómeno de masas, reforzando la idea de que el fin de semana debía incluir tiempo libre para actividades recreativas.

– Adopción gradual del fin de semana de 48 horas

A pesar del crecimiento de las campañas, la adopción de un fin de semana de 48 horas no fue ni rápida ni uniforme. La decisión de liberar la tarde del sábado dependía de cada empleador, lo que hizo que la práctica se consolidara lentamente.

Fue solo hacia finales del siglo XIX cuando el concepto comenzó a afianzarse. Para entonces, la combinación de los esfuerzos de los sindicatos, el comercio de ocio y los argumentos religiosos había creado las bases para el fin de semana moderno.

No obstante, no fue hasta la década de 1930 cuando el descanso completo de sábado y domingo se volvió una norma generalizada, impulsada en parte por los empleadores, que descubrieron que un descanso más prolongado mejoraba la eficiencia y reducía el ausentismo en las fábricas.

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noviembre 9, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Nunca tantos debieron tanto a tan pocos…

JotDown(D.S.Sáenz) — En febrero de 1941 Gran Bretaña vivía en plena zozobra. Aunque continuaba en pie gracias a la defensa natural del Canal de la Mancha y la bravura de su fuerza aérea, la Luftwaffe ponía a prueba cada noche su determinación de no doblegarse ante el poder alemán. Los bombardeos estaban reduciendo a escombros las principales ciudades del país y los muertos se contaban por decenas de miles.

Incluso las poblaciones como Oxford, que quedaban al margen de estos ataques, sufrían los nefastos efectos de la guerra. Escasez de suministros, continuos cortes de luz, llegada de refugiados procedentes de las zonas más afectadas, por no hablar del temor a una posible invasión nazi, circunstancia que los habitantes de la isla tenían bien presente.

Howard Florey no suponía una excepción, si bien podía considerarse un hombre afortunado al haber encontrado la forma de salvaguardar lo que le era más preciado. El pasado julio había acompañado a sus dos hijos, Paquita de diez años, Charles de cinco, hasta Liverpool para que embarcasen rumbo a la seguridad que ofrecía Estados Unidos.

Unos días después, él y varios miembros de su equipo del Departamento de Patología habían rociado los forros de sus chaquetas con esporas del hongo con el que trabajaban. En caso de ocupación alemana, todos los científicos del país habían recibido la orden de destruir sus investigaciones antes de que acabasen en manos enemigas.

Pero ellos no conocían otro moho que segregase penicilina y, si los peores presagios se confirmaban, esas indetectables esporas mantendrían viva la posibilidad de reiniciar un estudio que prometía abrir una nueva era en la lucha contra las enfermedades infecciosas.

Las pruebas con animales no podían haber resultado mejor. En dos experimentos distintos, el grupo de Florey había infectado ratones con estreptococos y observado su evolución según se les suministrase penicilina o no, encontrando que solo aquellos que habían sido tratados con este asombroso fármaco sobrevivían.

Nunca antes se había descubierto una sustancia con unas propiedades antibacterianas semejantes. ¿Mantendría la misma efectividad con nuestra especie?

Para averiguarlo, Florey se había trasladado junto a parte de su equipo al cercano Radcliffe Infirmary. Allí, como en todos los hospitales que conocían, multitud de desahuciados se amontonaban debido a infecciones que sus médicos no tenían forma de combatir.

De orígenes de lo más variado —cualquier pequeña herida, hemorragia postparto o contagio de enfermedades como la neumonía podían motivarlas— demasiado a menudo evolucionaban hacia un desenlace común: la diseminación de las bacterias patógenas por el torrente sanguíneo y la consiguiente muerte del paciente.

Por ello no habían sido pocos los voluntarios dispuestos a someterse a la incierta suerte que entrañaba su revolucionario tratamiento experimental.

Antes de comenzar, sin embargo, habían tenido que comprobar la inocuidad de la penicilina en seres humanos. Para ello habían contado con la inestimable ayuda de Elva Akers, una paciente de cáncer terminal que se había prestado a ejercer como conejillo de indias a pesar de saber que su penosa condición en ningún caso mejoraría. Hermosa manera de despedirse, dejando tras de sí un valioso legado.

Gracias a su gesto no solamente habían podido confirmar la no toxicidad del fármaco sino también revelar en él la presencia de varias impurezas que causaban fiebre. Un contratiempo que les había llevado de vuelta a su laboratorio en la universidad pero que, una vez superado mediante la mejora del proceso de purificación, les había preparado definitivamente para dar el gran paso.

El primer paciente seleccionado se llamaba Albert Alexander y llevaba cuatro meses luchando contra una infección causada por un simple rasguño en la cara. Ni podar los rosales del jardín resultaba seguro en la era preantibióticos, cualquier pequeño accidente podía terminar en tragedia.

Este era el caso, el de una batalla casi perdida a pesar de las buenas condiciones físicas propias de un policía de cuarenta y tres años. Con múltiples abscesos deformando su rostro, los pulmones afectados y un ojo perdido, el estado de Alexander había llegado a un punto de aparente no retorno.

Florey inició el tratamiento inyectándole doscientos miligramos de penicilina para luego reducir esa cantidad a la mitad en sucesivas dosis administradas a intervalos de entre dos y cuatro horas. En realidad se trataba de un tiro casi a ciegas teniendo en cuenta que su principal fuente de conocimientos sobre el fármaco provenía de un par de experimentos con roedores tres mil veces menos pesados que el ser humano.

Pero funcionó, vaya si funcionó. En tan solo cinco días Alexander parecía otro. Sin fiebre, con el apetito recuperado y buena parte de las heridas del rostro curadas, la rapidez de su mejora rebasó todas las expectativas. El potencial del antibiótico resultaba evidente. Y hubiese salvado la vida del policía de haberse contado con suficiente medicación.

No la había, por desgracia. Cinco días bastaron para agotar las reservas disponibles de penicilina. En ese tiempo Florey había utilizado 4,4 gramos, una cantidad de producto que su grupo había necesitado meses en obtener. Ni siquiera procesar la orina del propio paciente para recuperar parte del antibiótico empleado consiguió alargar el tratamiento.

Alexander quedó a su suerte, con la única esperanza de que la infección estuviese suficientemente debilitada. No fue así y tras diez días en situación estable volvió a recaer para acabar muriendo.

Durante los dos años que Florey y su equipo de la Universidad de Oxford habían dedicado al estudio de la penicilina, ese había sido siempre su gran caballo de batalla, obtenerla en gran cantidad. Nunca habían logrado superar por completo esta dificultad, a pesar de haber convertido su instituto en una especie de fábrica de producción del fármaco.

Gran parte del quehacer diario de su grupo se reducía a cultivar todo el hongo Penicillium notatum que les era posible y extraer de él el preciado antibiótico. La inestabilidad de este, además, complicaba enormemente el proceso, un inconveniente que ya había derrotado al pionero de esta línea de trabajo, Alexander Fleming.

El médico escocés había descubierto en 1928 que el jugo de este moho inhibía el crecimiento de diversas bacterias, entre las que se encontraban las responsables de la gonorrea, la meningitis y la difteria, pero no había sido capaz de ir más allá. Claro que él no contaba con colaboradores de la talla de Ernst Chain o Norman Heatley, quienes durante meses habían exprimido su notable ingenio para idear distintas metodologías con las que aumentar la cantidad de hongo generado y aislar su elusivo principio activo.

Y, aun así, no era suficiente. Su ritmo de producción había bastado para llevar a cabo las pruebas con animales pero de ningún modo les iba a permitir completar los ensayos con humanos. Y así ni podrían ayudar a los pacientes que requerían penicilina ni determinar cuánta ni durante qué periodo debían suministrarla.

La realidad es que habían llegado al límite de sus posibilidades. Florey, consciente de ello, había tratado de involucrar a varias compañías farmacéuticas en su empeño, pero todos sus intentos habían fracasado. La obligación de contribuir al esfuerzo bélico elaborando productos de primera necesidad restringía sobremanera la capacidad de estas para afrontar nuevos proyectos.

La guerra les estaba abocando a un callejón sin salida. No les quedaba más remedio que buscar ayuda en otro lado, por tanto, si pretendían escapar de él.

Florey decidió probar suerte en Estados Unidos, donde conservaba buenos amigos desde el año que había pasado allí al inicio de su carrera.

Ellos le podrían facilitar sus contactos en la industria química del país, con mayor margen de maniobra que la británica a pesar de que se barruntaba una eventual entrada estadounidense en la contienda.

Las oportunidades de cruzar el océano Atlántico no abundaban, sin embargo, por lo que intentó acelerar los trámites presentando su plan a uno de sus principales financiadores, la Fundación Rockefeller.

Para su suerte, los responsables de esta poderosa institución respaldaron la idea, prestándole un apoyo fundamental para que a finales de junio tomase un avión junto a su ayudante Norman Heatley.

En su equipaje transportaban todo cuanto necesitaban para reproducir su trabajo: cuadernos de laboratorio, una publicación reciente que resumía sus avances con la penicilina, una pequeña cantidad del fármaco y muestras de hongo Penicillium.

Los tres meses siguientes serían verdaderamente intensos.

Sus contactos le habían preparado una agenda de lo más apretada que apenas le permitió disfrutar de sus hijos. A su llegada a Nueva York, se reunió con ellos por primera vez tras un año pero en seguida tuvo que partir hacia la ronda de encuentros previamente concertada.

El primero le llevó a Peoria, en pleno centro de la región del maíz de Illinois, donde el Departamento de Agricultura estadounidense contaba con un enorme laboratorio especializado en fermentaciones. Allí dejó a Heatley, que emplearía las siguientes semanas en buscar junto a los experimentados investigadores del instituto formas de mejorar el proceso de cultivo del hongo.

Él, mientras tanto, continuó la ruta prevista y visitó varias ciudades con el fin de entrevistarse con distintos directivos de la industria farmacéutica. Todos ellos se mostraron impresionados por las propiedades de la penicilina, si bien también renuentes a acometer su producción a gran escala.

Les preocupaba especialmente que no se hubiera determinado su estructura, lo que haría peligrar su inversión en caso de que luego resultase más barato obtenerla por síntesis química. Evidentemente ese riesgo existía y Florey poco podía hacer al respecto, Ernst Chain llevaba meses tratando de resolver el enigma sin acertar a dar con la clave precisa.

Pero no era menos cierto que se encontraban ante una sustancia de características únicas y él estaba dispuesto a entregársela por muy poco. A cambio de su entera colaboración solo pedía un kilogramo del fármaco, la cantidad que estimaba necesaria para completar los ensayos clínicos en pacientes.

A mediados de septiembre Florey regresaba a Reino Unido con la satisfacción del deber cumplido. Su estancia había servido para sentar las bases de un proyecto de grandes dimensiones encaminado a la producción industrial del antibiótico. Varias de las principales compañías estadounidenses participarían en él y podrían intercambiar información libremente gracias al apoyo de la administración federal, que no aplicaría las leyes antimonopolio.

El gigante norteamericano sabía que tarde o temprano se vería envuelto en el conflicto europeo y este plan le abría la posibilidad de contar con una ventaja adicional sobre sus enemigos. No había más que recordar los datos de la última gran guerra: la mitad de los diez millones de soldados muertos durante la Primera Guerra Mundial había fallecido debido a infecciones originadas en heridas de poca consideración.

El periplo de Florey por Estados Unidos significó un auténtico punto de inflexión en el desarrollo de la penicilina, pero también en su contribución al mismo. Limitado por su sempiterna escasez de fármaco, siguió tratando los pocos pacientes que fue capaz mientras esperaba el kilogramo prometido por sus socios norteamericanos. Nunca llegaría.

El ataque japonés a Pearl Harbor en diciembre de 1941 precipitó los acontecimientos, adelantando la entrada estadounidense en la contienda. Con ello, el país entró en economía de guerra y toda su producción se orientó hacia el esfuerzo bélico. Este cambio convirtió el antibiótico en una prioridad nacional y cada gramo de él en un asunto de Estado, puesto que se requería para sus propios propósitos.

Cientos de investigadores se volcaron en su estudio, lo que a su vez aceleró la consecución de nuevos avances. Dos de los más importantes procederían del laboratorio de Peoria, que primero logró aumentar exponencialmente la cantidad de hongo cultivado aplicando un método de fermentación en profundidad utilizado para elaborar cerveza y luego encontró un moho aún más productivo.

Este aparecería en un melón en mal estado que una operaria contratada a tal fin compró en un mercado de la zona y que se mostró superior a las centenares de muestras enviadas por el ejército desde medio mundo. Posteriormente, esta nueva cepa se irradió con rayos X, provocando la creación de un hongo Penicillium mutante capaz de multiplicar por varios miles de veces los rendimientos del grupo de Oxford.

Estos progresos, unidos a muchos otros, obrarían el milagro.

En marzo de 1944, menos de tres años después del viaje de Florey, la compañía farmacéutica Pfizer inauguró en el neoyorkino barrio de Brooklyn la primera planta de producción de penicilina a escala industrial.

De ella salieron las decenas de miles de dosis del fármaco que portaron los soldados participantes en el desembarco de Normandía y que se mostraron vitales a la hora de atender a los ciento cincuenta mil combatientes heridos durante la operación.

A partir de ahí, el antibiótico se convirtió en pieza fundamental de la estrategia aliada y estuvo presente en cada frente de batalla, si bien su uso quedó restringido al ámbito militar.

Una limitación que se eliminaría al término de la guerra, dando vía libre a su comercialización, que comenzó en Estados Unidos en 1945 y al año siguiente en Reino Unido.

Al fin, los médicos tenían a su disposición un arma capaz de frenar las enfermedades infecciosas, iniciando así nuestra sociedad una feliz etapa en la que estas han dejado de ser la primera causa de muerte.

La contribución de Howard Florey en el desarrollo de la penicilina se vio recompensada con el Premio Nobel de Medicina de 1945.

Compartió el galardón con su colaborador Ernst Chain y el pionero en su estudio Alexander Fleming, que pronto se convertiría en una celebridad mundial al acaparar de cara a la opinión pública el mérito del descubrimiento. Azares de la gloria y de los medios de comunicación, el médico escocés se mostró más solícito con la prensa y esta vio en él al héroe que toda gran historia necesita.

Es posible que el carácter huraño de Florey agradeciese este guiño del destino que le permitió conservar un relativo anonimato fuera del entorno académico. Así pudo mantener su actividad en una pugna que entonces ya se sabía no del todo ganada. Distintos investigadores habían encontrado cepas de bacterias que habían adquirido resistencias al fármaco.

Eran los albores de una guerra que no había hecho más que comenzar. Seres humanos desarrollando nuevos antibióticos contra microorganismos patógenos que evolucionan hasta ser inmunes a su acción, una lucha sin cuartel en la que no tenemos más remedio que perseverar.

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noviembre 8, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El mundo de los libros escritos desde la Ouija…

Psicología y Mente(S.R.Comas)/El Correo(C.Benito)/V.Selles/National Geographic — En 1917 estuvo a punto de ser publicado un libro inédito del escritor estadounidense Mark Twain. Lo realmente curioso es que el autor había fallecido en 1910, y no, no se trataba de una novela póstuma. Según decían dos extrañas mujeres, el mismísimo escritor les había dictado la obra desde el más allá, a través del tablero de la ouija.

La novela en cuestión, Jap Herron, no fue en realidad el primero libro que había venido “del otro mundo”.  Durante todo el siglo XIX, una época profundamente interesada en todo lo que tuviera que ver con el espiritismo, proliferó la denominada “literatura espiritista”, supuestamente dictada por fantasmas.

– La literatura espiritista o los libros escritos desde la ouija

Ya desde principios del siglo XIX, con el Romanticismo en todo su esplendor, se apreció una clara rebeldía hacia una sociedad demasiado enfocada en el empirismo y la ciencia. El interés por las cosas que no tenían explicación lógica empezó a aumentar; especialmente desde la puesta en escena de las hermanas Fox (que se autodenominaban médiums), la fascinación por el mundo de los muertos y el más allá se convirtió en una obsesión para la burguesía y la aristocracia decimonónica.

De hecho, estaban muy de moda las reuniones espiritistas, en las que se reunía la gente pudiente (bien fuera por creencia sincera, bien por pura curiosidad) y se entretenía invocando a los espíritus y luego bromear o reflexionar sobre lo que habían revelado.

A finales del XIX empezó a cobrar mucha fama el tablero de la ouija, elemento indispensable para una reunión de este cariz, que era, supuestamente, el vehículo a través del cual el espíritu en cuestión se manifestaba a los allí reunidos. Veamos un poco la historia de la ouija antes de hablar de la literatura “fantasmal” que desencadenó.

– Los orígenes de la ouija o la “buena suerte”

Robert Murch, especialista en la historia de la ouija, sitúa los Estados Unidos como lugar de nacimiento de este singular objeto.

Y es que, a pesar de que el interés por el espiritismo se había disparado en todo el mundo occidental, fue en América del Norte donde adquirió un innegable empuje, quizá debido a la influencia de las tradiciones chamánicas de los antiguos esclavos de África.

Las clases humildes también participaban, aunque el espiritismo estaba principalmente de moda entre el estrato social más elevado.

La mismísima esposa de Abraham Lincoln, por ejemplo, realizó una sesión de espiritismo en la Casa Blanca para contactar con su hijo recién fallecido.

Así, mientras la actividad esotérica era vista por unos como un mero entretenimiento, para otros significaba el único medio de establecer contacto con los seres queridos desaparecidos.

Y, como siempre, de la necesidad y el dolor se hizo un negocio provechoso. El individuo en cuestión fue Charles Kennard, un avispado empresario que pronto se dio cuenta de la rentabilidad de un objeto que “permitiera” a las personas contactar con el más allá. Así nació la ouija, inspirada en antiguos tableros espiritistas. Al parecer, el nombre fue dictado por el mismo tablero a una médium, familiar de uno de los inversores, y significa “buena suerte” en un idioma desconocido.

– Los fantasmas hablan… y también escriben

La patente del tablero oficial de la ouija en la década de 1880 inició un consumo extraordinario de este elemento.

Fue entonces cuando empezaron a aparecer los relatos, cuentos y novelas supuestamente dictados por los fallecidos a los médiums que contactaban con ellos.

En 1882 apareció uno de los primeros escritos de la “literatura espiritista”.

Se trataba de unas supuestas memorias, dictadas a la médium neoyorkina Cora Scott por Ouina, una joven nativa americana fallecida trágicamente en su adolescencia. 

El relato, que vio la luz como Ouina’s canoe and Christmas Offering: Filled with Flowers for the Darlings of Earth, era un canto a la paz y el amor (muy oportuno para vender en Navidad) y, al mismo tiempo, un terrible testimonio de la desgraciada vida de la muchacha muerta.

Cuatro años más tarde apareció un curioso relato que llevaba por título el larguísimo nombre de Revelación histórica de la relación existente entre el cristianismo y el paganismo desde la desintegración del Imperio romano.

El médium que había transcrito las palabras del fantasma era un tal Thomas Cushman Buddington, y el espíritu autor, nada menos que ¡el emperador romano Juliano!

– El sonado caso de la novela postmortem de Mark Twain

Tras estos primeros ejemplos, la literatura espiritista no hizo sino crecer, cultivada especialmente por los círculos espiritistas estadounidenses y, en concreto, por la comunidad de médiums afincada en Saint Louis, Missouri.

Precisamente a esta comunidad pertenecían Emily Grant Hutchings y Lola Hays, que afirmaban que desde 1915 estaban comunicándose con el escritor Mark Twain, fallecido cinco años antes.

Según su testimonio, el fallecido autor les había estado dictando a través del tablero de la ouija una nueva novela, titulada Jap Herron, que las dos mujeres pretendían publicar como un testimonio de Twain desde el más allá.

El caso fue sonado, puesto que se trataba de la primera obra de literatura espiritista “escrita” por un autor de renombre y de fama internacional. La hija de Twain, Clara Clemens, puso en marcha el engranaje para detener la publicación de la obra, que consideraba una burla a la memoria de su padre.

Sin embargo, las dos médiums de Saint Louis alegaron que Twain se entristecía por ello y que “sufría” desde la ultratumba al no ver publicada su obra.

Al final, Clara Clemens ganó el pleito, y Emily y Lola se vieron obligadas a ceder la publicación y a destruir todas las copias de la obra que tuvieran en su poder. Por ello, Jap Herron está prácticamente perdida y es francamente difícil encontrar ejemplares de esta singular novela.

El libro fue examinado para determinar si el lenguaje y el estilo eran de Twain. El veredicto fue bastante sorprendente: la narrativa es asombrosamente parecida a la de Tom Sawyer y Huckleberry Finn (las obras más famosas del autor), aunque de menor calidad. El tema sigue haciendo correr ríos de tinta aún en la actualidad.

– Después de la fiebre espiritista decimonónica: el siglo XX

Tras la fiebre espiritista que sacudió el siglo XIX, la literatura espiritista pareció decaer, quizá porque la gente ya no creía en ello y ya no suponía un éxito de ventas asegurado. De cualquier forma, el “género” siguió su recorrido.

En 1944, el médium brasileño Chico Xavier (1910-2002) publicó una serie de historias supuestamente dictadas por el fantasma de André Luiz, en la que destacaba el relato Nuestro hogar. Todo ello es testimonio del interés que siempre ha despertado (y sigue despertando) el más allá entre los vivos.

– Al lado de Mr. Potato y My Little Pony

Más allá de supuestos mensajes del más allá y presencias espectrales, una de las cosas más chocantes de la güija (esa es la grafía admitida por la RAE) es que sea una marca registrada de la compañía Hasbro: ahí está, codeándose con My Little Pony, Mr. Potato y el Monopoly en los catálogos de la multinacional juguetera.

En realidad, los inventores de este artilugio siempre persiguieron la finalidad poco sobrenatural de ganar el máximo de dinero posible.

Hay que remontarse al final del siglo XIX, en pleno auge del movimiento espiritualista y su obsesión por comunicarse con los muertos: en 1890, en la ciudad estadounidense de Baltimore, el negociante Elijah Bond patentó la ‘ouija’, una coqueta versión de los tableros utilizados por algunos médiums, que gracias a ellos se ahorraban la tarea de ir recitando el abecedario en espera de que algún golpe oportuno les fuese deletreando el mensaje.

Acerca del nombre, se suele dar por hecho que resulta de juntar ‘oui’ y ‘ja’, es decir, los términos francés y alemán para ‘sí’, pero los promotores del producto aseguraban que obtuvieron la palabrita en una sesión de ‘ouija’ y que significaba ‘buena suerte’. Sabían vender.

– Los difuntos de la pandemia y la guerra

El gran impulsor de la güija fue William Fuld, un empleado de Bond y compañía que pronto se emancipó de la empresa madre y triunfó a lo grande.

Llegó a abrir tres fábricas: la tercera, un edificio de tres pisos, fue un ambicioso proyecto cuya idea, según él, también había sido propuesta por algún espíritu a través del tablero.

Fue en aquellas instalaciones donde encontró la muerte, y algunos quieren ver en su final las funestas consecuencias de frivolizar con lo ultraterreno: en 1927, Fuld se cayó del tejado de la factoría y se rompió varias costillas.

Cuando lo trasladaban al hospital, un bache en la carretera hizo que uno de los huesos fracturados se le clavase en el corazón.

Para entonces, la güija ya había superado el auge que trajeron la Primera Guerra Mundial y la pandemia de ‘gripe española’, con la angustia de los supervivientes por contactar como fuese con sus allegados difuntos, aunque la Segunda Guerra Mundial traería su propio resurgir: «En junio de 1944, las ventas de tablas de la güija, prácticamente nulas en 1943, ascendieron a 50.000 unidades tan solo en unos grandes almacenes de Nueva York», escribe Roger Clarke en el libro ‘La historia de los fantasmas’.

– El misterioso John Gale Forbes

La güija ha desempeñado un papel central en incontables películas de terror, pero también en unos cuantos crímenes reales.

Uno de los más conocidos ocurrió en 1930 en Buffalo: una mujer eliminó a la esposa de su amante utilizando como mano ejecutora a una cómplice analfabeta, a la que convenció de que el tablero había señalado a la víctima como bruja. 

También ha habido, por extraordinario que pueda parecer, al menos un jurado popular que invocó al espíritu de un asesinado para que les orientase en su decisión: ¿acaso había alguien mejor que el propio muerto para desvelar quién le había matado?

Y, en 1958, la respetable señora Helen Dow Peck legó más de 150.000 dólares a un tan John Gale Forbes, que resultó ser un (supuesto) espectro con el que (también supuestamente, claro) había mantenido apasionantes conversaciones a través del tablero.

«Maneja la güija con respeto y no te defraudará», dice la publicidad de Hasbro. A menos, claro, que pretendas hacer una transferencia al otro mundo.

– Cómo escribir una novela mediante la ouija

La ouija es una herramienta bastante sencilla. Consiste en un tablero (generalmente de madera, aunque puede ser de cualquier material), sobre el que se han pintado las veintiséis letras del alfabeto, los números del 0 al 9, y las palabras “sí”, “no”, “hola” y “adiós”.

A través del tablero podemos contactar con cualquier espíritu del otro lado, el cual guiará nuestro dedo letra a letra. Por desgracia, no incluye tildes, caracteres especiales ni la letra eñe, por lo que después de cada sesión será necesaria una labor de revisión concienzuda.

Aun teniendo en cuenta este defecto, lo cierto es que la ouija es una alternativa interesante que resultará del agrado de aquellos escritores que no gustan de planificar demasiado sus manuscritos.

¿Historias de éxito? A patadas.

Por ejemplo, Jap Erron, una novela de Emily Grant Hutchings, fue escrita por completo a través de un tablero de ouija, dictada nada menos que por el espíritu del afamado novelista Mark Twain. Y Sandover, un poema épico-apocalíptico de más de quinientas páginas elaborado con el mismo método ganó el National Book Critics Circle Award en 1983; una parte del mismo se había hecho unos años antes con el Pulitzer de poesía.

El propio Yeats usó las comunicaciones que obtenía a través de este instrumento como inspiración para buena parte de su obra poética más tardía.

Para los escépticos de la ouija, o para aquellos que busquen un sistema algo menos denostado en la cultura popular, existe un método que no requiere de ningún instrumento adicional, aparte del consabido papel y bolígrafo. Hablamos, como no podría ser de otra forma, de la escritura automática.

El método consiste en escribir sin utilizar pensamientos de forma consciente, y de este modo tratar de eliminar cualquier censura o represión que nos estemos imponiendo sin percatarnos. Los mayores defensores de la escritura automática fueron los escritores surrealistas de la primera mitad del pasado, gente como André Bretón, Apollinaire, Lorca o Cortázar. Pesos pesados de la literatura.

No obstante, la escritura automática también puede utilizarse de un modo menos prosaico, para intentar contactar con todo tipo de entidades sobrenaturales. Por ejemplo, el famoso mago Aleister Crowley escribió el Libro de la Ley usando la escritura automática, y su experiencia demostró con creces su efectividad: Terminó la obra en tres sesiones de una hora de duración, limitándose a transcribir las palabras de una entidad llamada Aiwass, que se las iba dictando por encima de su hombro izquierdo.

El caso más famoso de todos, sin embargo, es el de Take Over, la novela póstuma de James Bond escrita por Ian Fleming desde el Más Allá.

Pongámonos primero en situación. Es Octubre, año 1970. Ian Fleming lleva seis años muerto tras sufrir un ataque al corazón. Su hermano Peter, que también era novelista y que administraba el legado literario de Ian, recibe la visita de un banquero jubilado que le asegura que trae magníficas noticias. Aparentemente su hija, llamada Vera, tiene entre sus manos el manuscrito de sesenta mil palabras de una novela inédita de James Bond escrita por el propio Ian. El nombre de la novela es Take Over.

¿Cómo es posible?, se pregunta Peter. La respuesta es muy simple: Vera es capaz de sumirse en una especie de trance y, a través de la escritura automática, puede comunicarse con los espíritus de los muertos. De hecho, dice con una sonrisa, Peter Fleming no es el único que ha contactado con ella para dictarle una novela.

Intrigado, Peter pide el manuscrito para hacer una valoración.

Tras leer las primeras páginas descubre que, al perder la vida, su hermano también debió de perder el talento, así que rechaza la publicación de la obra.

Poco tiempo después, Vera empieza a transcribir una antología de treinta mil palabras bajo el nombre de Tales of Mystery and Imagination, donde todos los cadáveres de renombre tienen un espacio para desarrollar su prosa.

Parece que la hija del banquero también ha entrado en tratos con juntaletras tan insignes como Sir Arthur Conan Doyle, H. G. Wells, Edgar Wallace o W. Somerset Maugham, y cada uno de ellos ha querido colaborar con algún relato para tan curiosa antología.

Al año siguiente, Vera transcribe una novela entera de Maugham, que queda inconclusa cuando su propio marido fallece de forma inesperada, quizá porque a partir de aquel momento todos sus esfuerzos espiritistas se dirigen a la comunicación con su difunto esposo.

El periodista Jon Speer comentó que la muerte del marido de Vera era una circunstancia «bastante afortunada desde un punto de vista literario».

Técnicamente, las obras producidas mediante uno de estos dos sistemas no pertenecen al médium, sino que serían del espíritu que ha dictado las palabras.

Sin embargo, en España los derechos de autor subsisten setenta años después de la muerte física del escritor (ochenta años para los autores fallecidos antes de 1987 de países miembros de la Unión Europea), y aquí está la clave: con independencia del año en el que sean producidas.

Después pasarían a formar parte del dominio público, y por lo tanto quedarían libres de derechos de explotación o patrimoniales.

Esto quiere decir que la Ley de Propiedad Intelectual vigente nos permite, por ejemplo, publicar una nueva novela dictada por Arthur Conan Doyle, que falleció hace ochenta y cinco años, pero no una de Ian Fleming, que murió hace solo cincuenta y uno.

Para entidades preternaturales y conciencias alienígenas, recomiendo consultar con un abogado que sea especialista en derechos de autor y que pueda asesorarnos convenientemente.

– Ouija: de curioso juego de salón a ser el tablero de espíritus más temido de la historia

Para muchos, la ouija evoca historias de encuentros fantasmales y espeluznantes advertencias. Sin embargo, hace más de un siglo no era más que un juego de salón que ofrecía entretenimiento desenfadado en los hogares victorianos.

Presentado por primera vez en 1890 por la Kennard Novelty Company como un “maravilloso tablero parlante”, el sencillo trozo de cartón está marcado con letras, números y las palabras “sí”, “no” y “adiós”. Los jugadores colocan sus dedos sobre un puntero triangular, que parece moverse por sí solo para deletrear mensajes en respuesta a sus preguntas.

Por inocente que pueda parecer su diseño, el papel de la ouija en la sociedad ha tomado un cariz más oscuro. En los últimos 130 años, ha pasado de ser un pasatiempo estrafalario a un símbolo de misterio sobrenatural, convirtiéndose en un icono cultural y una fuente de fascinación.

– El nacimiento de la ouija

Las raíces del tablero de espíritus se remontan a la década de 1840, cuando el movimiento espiritista moderno se afianzó y se convirtió en una moda cultural.

En esa época, se puso de moda celebrar reuniones espirituales con médiums psíquicos, sesiones de espiritismo, lecturas de cartas del tarot y, por supuesto, tableros parlantes, explica Stephanie McGuire, conservadora del Molly Brown House Museum, un museo de la época victoriana en Denver (Colorado, Estados Unidos) y antiguo hogar de Margaret “Molly” Brown, superviviente del Titanic.

“Ahora tienen una connotación 180 grados distinta de la que Margaret tenía de la ouija en su época”, afirma McGuire. “Incluso más que conectar con seres queridos muertos, era también el misterio de: ¿puedo conectar con algo desconocido, y puedo saber lo que me depara el futuro?”, añade.

Más allá del entretenimiento, las tablas parlantes ofrecían consuelo en tiempos de pérdida e incertidumbre. En la América posterior a la Guerra Civil, cuando la mayoría de las familias sufrían con frecuencia la pérdida repentina de seres queridos, comunicarse con los muertos era una forma normal, incluso necesaria, de sobrellevar el dolor.

“Hoy en día, estamos muy alejados de la muerte”, afirma Robert Murch, historiador y coleccionista de la ouija. “Vivimos mucho más, estamos más sanos, ni siquiera queremos parecer viejos. Hacemos todo lo que podemos para alejar a la muerte. Y cuando haces eso, empiezas a sentirte [in]cómodo con ella”, dice.

En la década de 1890, los tableros espirituales proporcionaban refugio emocional a la gente, dice Murch. “Se convirtieron en respuestas para cosas que no tenían respuesta… te permiten hablar de algo y experimentar algo que no se puede experimentar”.

Sin embargo, este contexto histórico puede ser difícil de apreciar desde una perspectiva moderna, dice John Kozik, propietario del Museo del Tablero de Brujas de Salem, Massachusetts, y miembro fundador de la Sociedad Histórica del Tablero Parlante. “La gente de hoy intenta ver la historia con los ojos de hoy. Como la gente ve la muerte de otra manera, ve la ouija de otra manera”, dice.

A principios del siglo XX, la ouija mantuvo un idilio absoluto con el público. El espiritismo experimentó un resurgimiento masivo tras la Primera Guerra Mundial y la devastadora endemia de gripe de 1918.

En la década de 1920 abundaron las canciones de amor dedicadas al tablero místico y se convirtió en un juego muy apreciado para las citas, ya que ofrecía a las parejas una forma romántica de sentarse cerca el uno del otro y plantearse preguntas coquetas.

Norman Rockwell, famoso por sus pinturas de la idealista vida americana, incluso representó a una joven pareja en una portada de 1920 del Saturday Evening Post sentados rodilla con rodilla, con un tablero de ouija en el regazo y las puntas de los dedos tocándose.

– ¿Un portal para fuerzas demoníacas?

A lo largo de las décadas, las representaciones de la ouija pasaron de ser desenfadadas y románticas a centrarse cada vez más en fantasmas y crímenes reales. A finales de los 60, la imagen del tablero dio un giro dramático, influida por sucesos como los asesinatos de Manson y el auge de la Iglesia de Satán. El momento crucial llegó en 1973 con el estreno de El exorcista.

La película, que se basaba vagamente en una historia real, incluye una breve escena en la que se ve a una niña jugando sola con una ouija, a través de la cual más tarde queda poseída. Kozik afirma que era la primera vez que una película sugería que el mal podía llegar a través del tablero de esta forma.

“Cuando ves una película de terror basada en una historia real es cuando empiezas a pensar que cosas así podrían pasarte a ti”, dice.

En 1967, la ouija vendió más que el Monopoly (el único juego anterior o posterior que ha logrado semejante gesta).

Sólo ese año se vendieron más de dos millones de tableros, preparando el terreno para el miedo y la fascinación que siguieron a El exorcista.

Las películas de terror posteriores, como Whiteboard (Juego diabólico), contribuyeron a cimentar muchos de los infames mitos de las tablas parlantes que siguen vigentes hoy en día.

A pesar de su espeluznante reputación, los estudios demuestran que la ouija no es más que un producto del fenómeno ideomotor, un efecto psicológico por el que las personas mueven objetos inconscientemente. No obstante, la ouija sigue siendo una actividad popular en las fiestas de pijamas de adolescentes de todo el mundo, lo que refleja su atractivo.

Irónicamente, aunque a muchos les parezca un juego inofensivo, Kozik recibe con frecuencia tableros de personas que, a pesar de entender la ciencia, siguen temiendo su poder y desean deshacerse de ellos.

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noviembre 7, 2024 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario