The Conversation(M.R.P.Otín) — A veces olvidamos lo extremadamente maravillosa que puede ser la vida y el fenómeno tan especial y único que representa.
Hasta donde sabemos, solo hay un planeta capaz de albergar vida, el nuestro.
Y parece que surgió una única vez en forma de algo parecido a los actuales organismos procariotas.
Sin embargo, no perdemos la esperanza de encontrar algo similar a LUCA (siglas de Last Universal Common Ancestor, la célula ancestral de la que descienden todos los seres vivos que conocemos) más allá de nuestras orillas planetarias.
– ¿Dónde los buscamos?
Desde que empezamos a soñar con marcianos, el panorama del conocimiento científico ha cambiado sensiblemente. Los rovers más recientes que han recorrido la superficie de este planeta, Perseverance y Curiosity, han identificado compuestos orgánicos y minerales que sugieren que pudo haber tenido condiciones habitables en el pasado, pero eso es todo.
Ahora mismo, Marte es un paraje desértico rojizo, atractivo pero muerto. Nada de seres verdes con grandes cabezas.
Mercurio es una roca abrasada próxima al Sol, Venus tiene una atmósfera tóxica y tórrida y los demás planetas del sistema solar o son gaseosos o están muy lejos del Sol. Así que, al margen de Marte, la búsqueda de otras formas de vida se centra en satélites, sobre todo de Júpiter y Saturno.
Europa, satélite de Júpiter, y Encelado, satélite de Saturno, parecen contar con grandes océanos de agua bajo una gruesa corteza de hielo que podrían albergar moléculas orgánicas, los pilares para el origen de la vida tal como la conocemos. Esos sí, no serían como E. T., sino más bien similares a los organismos unicelulares terrestres más sencillos.
Si miramos más allá, se han detectado más de 5 500 planetas girando en torno a otras estrellas diferentes al Sol. Solo unos pocos se consideran potencialmente habitables y están siendo objeto de investigación. Pero, como decía Carl Sagan en Contact: “El universo es un lugar bastante grande. Si solo estamos nosotros, sería una terrible pérdida de espacio”.
– Abrir la mente a lugares inhóspitos
Antes de la década de 1960, las condiciones que albergan los prometedores satélites del sistema solar nos habrían parecido imposibles para la vida.
La idea predominante hasta entonces era que la vida solo podría darse en los rangos de habitabilidad en los que veíamos sobrevivir organismos pluricelulares: agua, temperaturas suaves por encima de 0⁰ C y por debajo de 40⁰ C, pH en rangos neutros, salinidad baja, luz solar o energía equivalente. Estas condiciones se consideraban imprescindibles para la vida.
Sin embargo, a mediados del siglo XX, el microbiólogo Thomas D. Brock descubrió bacterias que vivían en las aguas termales del Parque Nacional de Yellowstone, donde las temperaturas superan los 70⁰ C. Sin que entonces se encontrara relación directa, aquel descubrimiento amplió el sueño científico de encontrar vida extraterrestre.
Desde entonces, se han descubierto en la Tierra organismos extremófilos que sobreviven en una variedad de condiciones extremas: desde el frío de las fisuras de los hielos polares a las altas presiones de las profundidades oceánicas.
Se han encontrado bacterias adheridas a pequeñas partículas en suspensión en las nubes, en ambientes salinos extremos, como el Mar Muerto, o extremadamente ácidos, como en Río Tinto. Algunas extremófilas sobreviven a altas presiones, e incluso las hay resistentes a altos niveles de radiación.
Lo impactante fue también encontrarlas dentro de nosotros.
– Marcianos en nuestro estómago
En los años 80, dos médicos australianos, Barry Marshall y Robin Warren, comenzaron a estudiar las úlceras gastroduodenales. Hasta ese momento, la dolencia se atribuía al estrés o el exceso de secreción de ácido gástrico, algo que ayudaba muy poco a solventar el problema al paciente.
Warren, como patólogo, tras haber identificado bacterias en las muestras de biopsias gástricas de los enfermos, tenía claro que debían considerarse agentes causales de la enfermedad. Sin embargo, debía luchar contra el dogma de que los microorganismos no podían crecer en las condiciones extremas del medio ácido del estómago.
Hasta 1981, Warren había investigado en solitario. Pero ese año se encontró con Barry Marshall, que seguía el programa de especialización clínica del Real Colegio de Médicos de Australia, al que le propusieron colaborar con “el chalado de Warren, que está intentando convertir las gastritis en una enfermedad infecciosa”.
En 2005, Barry Marshall y Robin Warren recibieron el Premio Nobel de Fisiología o Medicina por su descubrimiento de Helicobacter pylori y su papel en las enfermedades gástricas, revolucionando el campo de la gastroenterología.
H. pylori dispone de una asombrosa batería de factores que la ayudan a sobrevivir en la hostilidad. Por ejemplo, flagelos que la permiten surfear en lo líquidos estomacales para acercarse a la pared del estómago, rompiendo la capa de moco protectora y adhiriéndose a ella.
Con la enzima ureasa, H. pylori degrada la urea del estómago en amoníaco y CO₂, creando un microclima de pH más elevado que le permite reproducirse. En cuanto su número aumenta, libera exotoxinas que inflaman y destruyen el tejido gástrico del estómago. Y así es como las úlceras acaban apareciendo, al quedar el tejido conectivo subyacente expuesto a la acidez del estómago.
Hemos aprendido que, incluso agazapada dentro de nuestras entrañas, en las paredes del interior sonrosado de nuestro estómago, sujeta a unos pHs similares al vinagre, sin luz, azotada por violentos movimientos peristálticos y expuesta a enzimas degradativas y al arrastre de las mareas generadas por el amasijo de alimentos, la vida es capaz de resistir y proliferar.
El estudio de microorganismos extremófilos ofrece la esperanza de que también en otros cuerpos del sistema solar, o en alguno de esos 5 500 exoplanetas descubiertos, aún en condiciones extremas, ese fenómeno tan extraordinario que es la vida esté presente.
Los marcianos con los que hoy soñamos podrían parecerse a H. pylori, por qué no.
Infobae(M.S.Viñas) — Hace una semana que saltaron todas las alarmas. Un diablo negro, un tipo de pez abisal que vive en el fondo marino, se mostraba en la superficie y a plena luz del día en una playa de la isla de Tenerife. Los expertos no daban crédito, ya que se trata de “un pez legendario que pocas personas habrán tenido el privilegio de observar con vida”.
La principal hipótesis que barajaban era que esta especie de las profundidades marinas podría tener algún tipo de enfermedad que le hubiera llevado hasta la superficie. Y así se ha confirmado: murió horas después de su avistamiento, conforme detalla la Agencia EFE.
El cuerpo de este ejemplar de ‘Melanocetus Johnsonii’, de apenas unos centímetros -para sorpresa de muchos en las redes sociales- fue trasladado al Museo de Naturaleza y Arqueología de Santa Cruz de Tenerife. Tras comprobar que el pez había muerto, explica la bióloga, lo cogieron como si fuese una muestra en una balsa con agua y lo trasladaron.
Ahora, empezará un proceso de análisis y estudio que ayudará a conocer más sobre esta especie abisal tan desconocida. No obstante, los expertos apuntan a que su muerte puede deberse a factores como cambios súbitos en las corrientes oceánicas, unas condiciones ambientales adversas o enfermedades que lo debilitaron y lo llevaron a abandonar el fondo del mar.
Pez Diablo negro
El avistamiento se produjo el pasado 26 de enero cerca de la costa de playa San Juan, en el municipio tinerfeño de Guía de Isora. Dieron con él un grupo de biólogos marinos durante una campaña de investigación sobre tiburones pelágicos de la ONG Condrik-Tenerife, cuyos miembros no daban crédito de lo que tenían frente a sus ojos.
“Lo vimos cuando ya volvíamos a puerto. Pasamos a su lado y vi algo negro que no parecía plástico ni nada, me pareció extraño. Tras verlo, pasamos un par de horas con él. Estaba dañado y no en buen estado, solo duró vivo unas horas”, detalla la bióloga marina Laia Valor, en una entrevista de EFE. “No tenemos nada claro, pero no es normal.
Es un avistamiento muy puntual y esporádico. No podemos decir que no pasa nunca, aunque si pasase a mayor escala estos avistamientos ocurrirían más veces, pero sí podemos decir que podría ser la primera vez que se le graba así”, añade en sus declaraciones.
El también conocido como rape abisal es un depredador marino acostumbrado a nadar en las profundidades del océano. Suele encontrarse entre los 200 y los 2.000 metros de profundidad, lo que hace de este acontecimiento algo totalmente inédito. Algunos motivos probables que apuntan los expertos son que estuviese huyendo de un depredador, que se viese arrastrado por corrientes o que sufriese alguna enfermedad.
Se caracteriza por su color oscuro y por una pronunciada dentadura con afilados colmillos que le dan un aspecto singular. También cuenta con capacidad de bioluminiscencia, a partir de su apéndice situado en la parte frontal. Esto se produce gracias a las bacterias simbióticas bioluminiscentes, lo que sirve de cebo o engaño para captar a sus víctimas.
Psicología y Mente(J.Soriano) — La afantasía profunda es una condición neurológica que se manifiesta en la incapacidad total para generar imágenes mentales. A diferencia de la mayoría de las personas que pueden visualizar recuerdos, sueños y conceptos abstractos, quienes padecen afantasía profunda no pueden evocar ninguna imagen.
Esto no solo plantea dudas sobre cómo se forma y procesa la información, sino que también tiene implicaciones significativas para la memoria, la creatividad y el procesamiento emocional.
Aunque el estudio de la afantasía profunda es relativamente reciente, su impacto en la vida cotidiana de quienes la sufren es profundo y multifacético. Explorar cómo afecta la percepción, la cognición y la interacción social puede ofrecer valiosas perspectivas sobre la diversidad de experiencias mentales humanas.
En este artículo, abordaremos los aspectos clave de la afantasía profunda y cómo se manifiesta en la vida diaria de quienes la experimentan.
– ¿Qué es la afantasía?
La afantasía es una condición neurológica que afecta la capacidad de una persona para visualizar imágenes mentales. En su forma más básica, se refiere a la ausencia de imágenes visuales internas durante el proceso de pensamiento. Es decir, quienes la padecen no pueden «ver» cosas en su mente de la misma manera que la mayoría de las personas lo hace.
Esta capacidad de visualizar imágenes mentales es común en la mayoría de las personas y es esencial para procesos como la imaginación, la planificación y la memoria.
La afantasía se clasifica en diferentes grados de severidad. En su forma más leve, conocida como afantasía moderada, las personas pueden tener dificultad para formar imágenes mentales, pero aún mantienen una capacidad parcial para hacerlo.
Sin embargo, en la afantasía profunda, la falta de imágenes mentales es total, y las personas afectadas no pueden evocar ninguna forma de visualización interna, incluso con estímulos emocionales o recuerdos vívidos.
Esta condición no debe confundirse con la ceguera mental completa, ya que la afantasía no implica una pérdida de otras formas de pensamiento o de procesamiento cognitivo.
Las personas con afantasía profunda a menudo dependen de otros métodos para procesar la información y resolver problemas, utilizando habilidades como el razonamiento lógico o el pensamiento verbal en lugar de la visualización mental.
Aunque la afantasía ha sido reconocida solo recientemente en la investigación científica, se estima que afecta a un porcentaje significativo de la población, y su estudio puede ofrecer valiosas perspectivas sobre cómo funciona la mente humana en términos de imaginación y percepción.
– Características de la afantasía profunda
La afantasía profunda se distingue por la total incapacidad de visualizar imágenes mentales, lo que significa que las personas afectadas no pueden evocar imágenes internas de ningún tipo, ya sean visualizaciones de recuerdos, fantasías o incluso conceptos abstractos.
Esta forma extrema de afantasía impacta significativamente la manera en que los individuos experimentan y procesan el mundo.
1. Ausencia de imágenes mentales
Una característica central de la afantasía profunda es la ausencia completa de imágenes mentales, lo que afecta diversos aspectos de la vida diaria. Las personas con esta condición encuentran particularmente desafiante recordar rostros, paisajes, o incluso detalles específicos de experiencias pasadas que la mayoría de las personas pueden revivir mentalmente.
Esto puede llevar a dificultades en la memoria visual, como la incapacidad para recordar la apariencia de objetos o personas sin referencias externas.
2. Procesamiento emocional reducido
En contraste con la afantasía moderada, donde puede haber una reducción parcial en la capacidad de formar imágenes mentales, la afantasía profunda elimina completamente esta habilidad.
Esto significa que incluso durante procesos creativos o emocionales, como soñar despierto o imaginar situaciones futuras, la ausencia de imágenes mentales puede hacer que el procesamiento emocional sea menos vívido y más abstracto.
3. Modos de pensamiento alternativos
Además, los individuos con afantasía profunda a menudo dependen de otros modos de pensamiento, como el verbal o el lógico, para resolver problemas y comprender el mundo que los rodea. Aunque esto puede implicar una adaptación en la forma de experimentar y resolver problemas, no implica una disminución en la capacidad cognitiva general.
Sin embargo, el impacto en la percepción y en la memoria visual puede ser considerable, afectando la forma en que las personas se relacionan con su entorno.
– Impacto en la vida cotidiana
La afantasía profunda tiene un impacto notable en diversos aspectos de la vida cotidiana, afectando tanto la cognición como las emociones.
Vamos a revisar algunos de los principales retos a los que se enfrentan día a día las personas que experimentan la afantasía profunda.
1. Dificultad de imaginación visual
Uno de los principales desafíos que enfrentan quienes padecen esta condición es la dificultad para utilizar la imaginación visual en la vida diaria. Por ejemplo, al intentar recordar un lugar visitado o planificar una actividad futura, la incapacidad para visualizar mentalmente puede hacer que estas tareas sean más complicadas.
Esto puede influir en la capacidad para crear estrategias o recordar detalles específicos que otras personas podrían hacer de manera intuitiva.
2. Vivencia y expresión emocional
Desde una perspectiva emocional, la ausencia de imágenes mentales puede afectar la forma en que los individuos experimentan y procesan sus sentimientos. Las visualizaciones internas suelen jugar un papel importante en la gestión de emociones y en la evocación de recuerdos consoladores.
Para aquellos con afantasía profunda, las emociones pueden ser menos vívidas o más difíciles de procesar sin el apoyo de imágenes mentales, lo que puede llevar a una experiencia emocional más abstracta o distante.
3. Comunicación e interacción interpersonal
En el ámbito social y profesional, la afantasía profunda puede influir en la comunicación y en las interacciones. Por ejemplo, al intentar describir una idea o compartir una experiencia personal, la falta de imágenes mentales puede hacer que la comunicación sea menos clara o menos rica en detalles.
Esto puede afectar la forma en que otros perciben y entienden las contribuciones de la persona, lo que podría tener implicaciones en el trabajo en equipo o en presentaciones creativas.
– Causas y mecanismos subyacentes
Las causas exactas de la afantasía profunda aún no están completamente claras, pero la investigación actual sugiere que puede estar relacionada con diferencias en la estructura y función del cerebro.
1. Disfunción en áreas cerebrales
Los estudios han identificado que la afantasía profunda podría estar vinculada a una disfunción en las áreas cerebrales responsables de la generación y manipulación de imágenes mentales. En particular, se ha observado que las regiones del cerebro asociadas con la percepción visual y la memoria visual, como el lóbulo occipital y el lóbulo parietal, pueden no funcionar de manera óptima en personas con esta condición.
2. Desconexión entre áreas cerebrales
Una de las teorías predominantes sugiere que la afantasía profunda puede ser el resultado de una desconexión entre las áreas del cerebro que generan imágenes mentales y aquellas que las procesan. Esto podría implicar una reducción en la actividad de redes neuronales específicas que son esenciales para la visualización, afectando la capacidad de crear imágenes mentales.
Además, estudios neuropsicológicos han sugerido que la afantasía puede estar relacionada con diferencias en la conectividad funcional del cerebro, lo que podría explicar por qué algunas personas tienen dificultades extremas para formar imágenes internas.
3. Factores genéticos
Factores genéticos también podrían jugar un papel en el desarrollo de la afantasía profunda. Aunque la investigación genética sobre esta condición aún está en las etapas iniciales, se ha propuesto que podría haber una predisposición hereditaria que influye en la aparición de la afantasía.
– Estrategias de adaptación y manejo
Las personas con afantasía profunda pueden emplear diversas estrategias para adaptarse y manejar su condición en la vida cotidiana. Vamos a repasar algunas técnicas y estrategias que las personas con afantasía profunda desarrollan para adaptar su día a día.
1. Descripciones detalladas
Una técnica útil es el uso de descripciones detalladas y explícitas en lugar de imágenes mentales para recordar información o resolver problemas. Por ejemplo, en lugar de intentar visualizar un objeto, se puede recurrir a descripciones verbales precisas que ayuden a estructurar el pensamiento.
2. Métodos basados en datos
Otra estrategia es la implementación de métodos basados en datos concretos, como el uso de notas escritas, diagramas o listas. Estos métodos externos proporcionan una representación tangible de la información que puede compensar la falta de imágenes mentales internas. Además, el apoyo tecnológico, como aplicaciones de organización o herramientas visuales en línea, puede ser especialmente beneficioso para gestionar tareas y proyectos.
3. Experiencias sensoriales alternativas
En términos de manejo emocional, los individuos con afantasía profunda pueden encontrar útil el enfoque en experiencias sensoriales alternativas, como el uso de sonidos, texturas o olores, para evocar recuerdos o emociones. La práctica de técnicas de atención plena y el desarrollo de habilidades de regulación emocional también pueden ayudar a manejar las dificultades emocionales asociadas con la falta de visualización mental.
4. Intervención psicosocial
El apoyo profesional, como la terapia cognitivo-conductual, puede ofrecer herramientas adicionales para enfrentar y adaptar las estrategias de pensamiento a la condición específica de cada persona.
JotDown(D.Cuevas) — La música como acompañante de las historias de celuloide es un concepto que nació incluso antes de que existiera el propio cine sonoro.
Porque cuando las imágenes en movimiento aún eran mudas, las proyecciones solían amenizarse con música en directo, una banda sonora tejida a medida que podía mutar entre una sesión y otra.
De hecho, un pianista amenizó la primera exhibición de un film de los hermanos Lumière allá por 1895.
Lo curioso es que nadie tiene del todo claro por qué se optó por vestir a las películas con melodías en aquellos tiempos prehistóricos.
Las teorías de algunos historiadores señalan que quizás lo de añadir instrumentos en directo fue para tratar de ocultar el ruido producido al hacer rodar fotogramas en los vetustos proyectores, trastos aparatosos para una época en la que la palabra «insonorización» sonaba a magia negra.
Otros suponen que la música durante las películas eran un formalismo para cumplir expectativas: las proyecciones se llevaban a cabo en lugares donde se representaban vodeviles, y quizás los dueños de aquellos locales introdujeron músicos como acompañamiento porque las cantinelas marchosas era lo que demandaba habitualmente el público de dichos antros.
Con el paso de los años y la llegada del cine sonoro, los realizadores comenzaron a coser orquestaciones personalizadas a los largometrajes. Actualmente, la banda sonora de un film es un elemento importantísimo a la hora de redondear la obra.
Y muchas de dichas composiciones han calado fuerte en la memoria colectiva y en el legado cultural en general.
La presente encuesta llega agitando batutas al ritmo de fantasías épicas, dentelladas submarinas, duelos en Almería, odiseas espaciales y dramas de lágrima gorda. Porque la pregunta que planteamos hoy es un repaso a los pentagramas cinéfilos: ¿cuál es la banda sonora más icónica de la historia del cine?
Ofrecemos una colección de posibles candidatas, recordamos a los despistados que la caja de votaciones se encuentra al final del texto, y animamos a todo el mundo a que mencione a las ausentes en la sección de comentarios cuestionando el oído o la memoria del redactor.
Y sí, hay mucho John Williams en esta recopilación, pero, joder, es que poca gente ha parido tantas sintonías que se convirtieron en clásicos instantáneos.
Tiburón, de John Williams
Cuando John Williams se sentó en un piano frente a Steven Spielberg y comenzó a tocar su propuesta de melodía para Tiburón, el legendario director de cine comenzó a descojonarse al creer que aquel tipo le estaba gastando una broma.
Al músico se le había ocurrido un soniquete repetitivo, donde dos notas se alternaban como acompañamiento de la presencia del escualo en pantalla, una idea en apariencia tan sencilla como para que el papá de E. T. pensara que era una coña. Pero en realidad, aquella era la composición perfecta para los terrores submarinos, una pieza brillante que anunciaba peligro inminente y cuya sencillez le confería naturaleza primitiva y animal.
O la que probablemente sea la mejor melodía de suspense jamás creada para una película. Para alumbrar la música de Tiburón, el compositor se inspiró en obras como La valse de Maurice Ravel, en La consagración de la primavera de Ígor Stravinski o en La mer de Claude Debussy, y a la hora de grabar le encargó a la tuba de Tommy Johnson la responsabilidad de interpretar la ultrafamosa tonadilla que avisaba de aleta de tiburón a la vista.
Tiburón se llevó el Óscar a la mejor banda sonora, el segundo para Williams después de El violinista en el tejado. Spielberg, el mismo que soltó una carcajada la primera vez que escuchó aquellas dos notas chapoteando, declararía que su cinta no hubiera tenido ni la mitad de éxito si no hubiese nadado acompañada de aquella partitura.
Y Williams confesó que el trabajo supuso el verdadero despegue de su carrera. A partir de entonces comenzó a encadenar trabajos en superproducciones potentes con una facilidad pasmosa.
El bueno, el feo y el malo, de Ennio Morricone
Sergio Leone y Ennio Morricone son dos bestias pardas en sus respectivos campos que siempre lo bordaban al colaborar juntos. Y El bueno, el feo y el malo es un gran ejemplo de cómo ambos entendían la importancia de la música en el celuloide: Leone y Morricone trabajaron juntos desarrollando aquella banda sonora antes de que se iniciará el rodaje de la cinta, para que la música inspirara las imágenes y no, como era habitual, al revés.
Cuando la producción arrancó, el director se dedicó a reproducir las piezas del compositor en el set, algo que le permitía acomodar la cámara a las partituras. Morricone, por su parte, elaboró un trabajo extraordinario, salpicado de sus genialidades: incluyó en la orquestación silbidos, disparos, y esos grititos cantarines de vaqueros conocidos como yodeling.
Pero además elaboró una espléndida melodía principal, que se asemejaba a los aullidos de un coyote, como acompañamiento en pantalla de los tres personajes principales y con la brillante ocurrencia de utilizar instrumentos diferentes para cada uno de ellos: una flauta para el bueno (Clint Eastwood), un coro para el feo (Eli Wallach) y una ocarina para el malo (Lee Van Cleef).
El trabajo de Morricone para El bueno, el feo y el malo es historia del noveno arte e historia así en general. Los cortes «The Good, the Bad and the Ugly (Main Title)» y «The Ecstasy of Gold» (que incluía una parte vocal a cargo de Edda Dell’Orso) son dos creaciones inmortales y perfectas, que reconoce cualquier persona de este planeta.
Y además, son wéstern puro. También son algo que caló fuerte en el panorama musical: el álbum con la banda sonora se convirtió en un éxito que permaneció en los tops de ventas durante años; artistas cómo Jay-Z o Gorillaz (en su evidente «Clint Eastwood») samplearon la obra de Morricone con reverencia; y bandas como los Ramones, Metallica o Motörhead incluyeron alguno de los dos temas mentados en sus directos durante las giras.
El padrino, de Nino Rota
La mítica música producida por Nino Rota para engalanar El padrino de Francis Ford Coppola protagonizó una anécdota curiosa sobre la alfombra roja de las estatuillas doradas del mundo del cine.
Inicialmente, la partitura de El padrino fue seleccionada como nominada para competir en la cuadragésimo quinta ceremonia de los Óscar por el premio a mejor banda sonora original.
Pero cuando alguien descubrió que en el ultrapopular corte «Love Theme» Rota había reutilizado fragmentos de una obra anterior, una melodía propia para la película italiana Fortunella de 1958, se le retiró la nominación al considerar que no se ajustaba del todo a la idea de «original» que anunciaba la categoría.
Lo raro ocurrió un par de años más tarde, cuando Rota se llevó el Óscar a la estantería de su casa por vestir con sus notas El padrino: parte II, una película que en su score reutilizaba brevemente aquella «Love Theme».
En busca del arca perdida, de John Williams
Durante una gala del American Film Institute, Harrison Ford se personó sobre el escenario para honrar a John Williams mientras sonaba de fondo la famosa cantinela de Indiana Jones que aquel había compuesto. «Esa maldita música me persigue allá donde vaya.
La ponen cada vez que subo al escenario y cada vez que me bajo de él. Es la música que tenían puesta cuando fui a hacerme una colonoscopia», bromeaba el actor.
«Hace un par de meses, caminaba por una calle abarrotada de Nueva York cuando me crucé con un camión de bomberos. El chico de la cabina me vio y pegó un bocinazo, para cuando yo me aproximaba al final del camión ya tenían esa música atronando por los altavoces del vehículo».
Pese a la coña, Ford reconocía que era afortunado de vivir amarrado a esa melodía: «Interpretar a un personaje bendecido con la música de John es un auténtico regalo», sentenciaba. Porque Indiana Jones es el héroe definitivo, aquel que vivirá siempre acompañado de la fanfarria de aventuras definitiva.
Braveheart, de James Horner
Mel Gibson, tras colaborar con el tristemente desaparecido James Horner en el film El hombre sin rostro, decidió volver a tirar de agenda y pegarle un telefonazo al caballero para engalanar la ambiciosa Braveheart que estaba ensamblando en torno a la figura de William Wallace.
Horner se marcó una composición repleta de influencias celtas, escocesas, irlandesas, coros e incluso flautas andinas. Curiosamente, pese a la épica implícita del film, de entre todas las fanfarrias de dicho trabajo las más celebradas fueron las secciones románticas.
Melodías que hacen acto de presencia en los cortes «A Gift of Thistles», «The Secret Wedding» y «For the Love of a Princess», siendo estas dos últimas las más quemadas en las playlists peliculeras.
Lo cierto es que la banda sonora de Braveheart interpretada por la London Symphony Orchestra es decente, pero no tan rotunda como otras de esta misma lista, algo que posiblemente se deba a que Horner iba con prisas durante esa temporada: en 1995, año del estreno de la cinta de Gibson, el tío además se encargó de orquestar Casper, Jumanji, Balto y Apolo XIII.
También es verdad que Horner gustaba de tomar prestadas tonadillas de otros músicos y reciclar trabajos propios (Braveheart tiene ciertas trazas de Casper, por ejemplo) lo que a ojos de muchos resultaba bastante poco profesional.
Pero el taquillazo y la fama de Braveheart en cines convirtió este trabajo en un disco habitual de los reproductores de cedés. Tanto como para generar un álbum secuela un par de años más tarde: More Music From Braveheart.
Batman, de Danny Elfman
Es cierto que el Batman de Tim Burton no era la adaptación más fiel de los tebeos del Caballero oscuro y, de hecho, ni siquiera respetaba la regla inquebrantable de «No bat-matarás».
También es verdad que la banda sonora de Danny Elfman componía el cincuenta por ciento de las charangas oficiales del film, porque a Prince se le encomendó crear su propia, y marchosa, banda sonora pop para la película, aquella con la que el Joker, en un ejercicio de metavoltereta musical, se presentaba bailando en el museo gracias a un loro (aka boombox) ochentero.
Pero es que lo que hizo Elfman, en su primer trabajo para una gran superproducción, con «The Batman Theme» fue la hostia. Una pieza espectacular, grandilocuente y (super)heroica.
Tanto como para haberse convertido en parte de la leyenda del vigilante de Gotham, e incluso para exportarse a otras producciones posteriores en las que aleteó el murciélago: Batman: The Animated Series, La Liga de la Justicia de Zack Snyder, Batman: la Lego película, el episodio Crisis on InfiniteEarths del Arrowverso, o el videojuego Batman: Arkham Knight la colaron en sus pistas de sonido.
Carros de fuego, de Vangelis
El director Hugh Hudson ya era un gran fan de las melodías electrónicas del músico griego Vangelis antes de ficharle para pilotar Carros de fuego: ambos habían trabajado juntos en asuntos publicitarios durante los años setenta, y al realizador le fascinaba tanto el álbum de estudio China, como la banda sonora para el documental Opera Sauvage, dos trabajos que el compositor alumbró en 1979.
Pero convertirle en sastre del ropaje musical de una película era una jugada arriesgada. Porque las bandas sonoras por entonces estaban acostumbradas a ser más clásicas, viviendo alejadas de sintetizadores y otras moderneces.
El presupuesto para producir el score era escaso, pero Vangelis se las apañó de sobra: agarró un Yamaha CS-80, un puñado de instrumentos, esperó a que la película estuviese montada, se la vio tres veces seguidas y se sentó a currar en la música: «Traté de componer una partitura que fuese contemporánea y a la vez compatible con la época del film.
Y procuré no caer en un estilo completamente electrónico», explicaría. El resultado se llevó el Óscar a la mejor banda sonora, y la pista «Titles» se instauró para siempre en el imaginario colectivo como sintonía de las heroicidades olímpicas: ahí tenéis los Juegos de Londres 2012 tirando de carros en llamas durante su apertura y con Mr. Bean liándola al teclado.
En la actualidad, no hay un solo runner en el globo que no se haya imaginado corriendo en cámara lenta con Vangelis de fondo.
El album con la BSO de Carros de fuego fue una jugada curiosa porque en él compositor griego, en lugar de planchar la partitura original, decidió incluir regrabaciones de los temas con nuevos arreglos, descartar piezas que sí aparecían en el film y añadir cortes inéditos. «Un disco es algo diferente a una película. Tiene que haber cambios», explicaba el hombre.
Parque Jurásico, de John Williams
A principios de 1993, John Williams se encerró en el popular Rancho Skywalker de George Lucas para modelar la BSO de la tremenda Parque Jurásico. En sus propias palabras, aquello sería «un esfuerzo rudo y ruidoso, un trabajo tremendo de caricaturas sinfónicas. Al intentar igualar los giros rítmicos de los dinosaurios el resultado fue una serie de ballets divertidos».
Sonaba simpático y desenfadado, pero su empresa fue una tarea seria donde el plan era crear «piezas que transmitieran una sensación de asombro y fascinación, que captasen la felicidad y la abrumadora emoción de contemplar dinosaurios vivos».
Y Williams lo logró, porque la música de Parque Jurásico, y en particular esa fanfarria que daba la bienvenida al único parque donde las atracciones se comen a los visitantes, encapsula con maestría lo que llamamos el sense of wonder.
En la cultura popular, la banda sonora caló rápidamente y no tardó en convertirse en una obra de renombre amarrada al mundo del entretenimiento.
Una con la que todo el mundo gustaba de juguetear: ojo a las estupendas Ginebras deslizándola en el tramo final del videoclip de «La típica canción», a esta interpretación conducida por la batuta de un dinosaurio, o a este descacharrante gag sonoro basado en destrozar con una armónica horrenda el recuerdo generalizado de la sintonía.
Amélie, de Yann Tiersen
Jean-Pierre Jeunet descubrió al músico Yann Tiersen de casualidad, por recomendación de su asistente de producción. Y quedó tan maravillado con sus discos como para comprar los derechos de toda su obra musical y ficharlo en el puesto de director de la banda sonora de Amélie.
El score del film acabó siendo un recopilatorio de algunos temas de los primeros álbumes de Tiersen junto a creaciones nuevas. Piezas que incluían en su composición una colección de instrumentos de lo más interesante: acordeón, piano, clavecín, banjo, vibráfono e incluso una rueda de bicicleta.
Canciones con tanta personalidad como para convertir a la música en coprotagonista de la historia. El éxito de la cinta, un bombazo a nivel mundial, instauró a Amélie Poulain como icono cinematográfico y a Tiersen como superestrella musical.
Psicosis, de Bernard Hermann
Alfred Hitchcock tuvo que darle bastante la paliza a Bernard Hermann para que este se hiciera cargo de la música de Psicosis, porque al músico no le apetecía rebajar sus honorarios para acomodarse al ajustado presupuesto de aquella cinta sobre los hobbies de Norman Bates. Al final, Hermann aceptó el curro y todo el mundo salió ganando.
Hitchcock había demandado en un principio una banda sonora de jazz, pero el compositor se pasó las sugerencias por el forro y optó por escribir una para una orquesta de cuerdas, que salía más barata que fichar a una sinfónica al completo.
La contención trabajó a su favor, Herman jugueteó con las cuerdas para darle al conjunto un equivalente parco y contrastado, que emulase el blanco y negro del celuloide, y les enchufó una sordina para mantenerlas contenidas durante casi todo el metraje.
La excepción a dicha contención sería, evidentemente, la famosísima escena de la ducha, donde el músico dejó vibrar los instrumentos hasta convertirlos en cuchilladas sonoras.
Hitchcock reconoció que Psicosis le debía bastante a la música de Hermann «por la tensión y la sensación de fatalidad omnipresente», y también que «el treinta y tres por ciento de la efectividad de la película era culpa de la música». Y probablemente se quedaba corto.
Los siete magníficos, de Elmer Bernstein
En 1960, John Sturges estrenó en cines el wéstern Los siete magníficos, remake confeso de Los siete samurais de Akira Kurosawa, y The Hollywood Reporter publicó una reseña donde se decía que la película psé-psá, ni chicha, ni limoná, pero que, eso sí, poseía un temazo a modo de sintonía oficial, una de esas canciones pegadizas destinadas a convertirse en inmortales.
En The Hollywood Reporter patinaron con la crítica, porque Los siete magníficos mola lo suyo, pero al menos tenían buen oído: el corte «Main Title and Calvera» que abre la partitura de Elmer Bernstein es una melodía incombustible, una canción que conocen incluso aquellos que no saben que existe la película.
Y lo que es más importante, ese «Main Title» es un tema que provoca en el oyente la imperiosa necesidad de calzarse un sombrero de cowboy hasta las cejas, ensillar un jamelgo y salir a cabalgar a toda leche por el desierto pegando tiros al cielo.
La verdad es que toda la banda sonora que Bernstein elaboró para el film es estupenda, no solo acompaña la acción y la trama, sino que también esconde guiños elegantes a otras piezas clásicas como la melodía del Concierto para orquesta de Béla Bartók insinuada en la calma previa a un tiroteo.
Pero el mayor logro de la música de Los siete magníficos fue conquistar la cultura popular por completo: la sintonía del film ha aparecido en anuncios de Marlboro; en episodios de Los Simpson; en películas como Fahrenheit 9/11, Moonraker, El impostor o Hardcore Henry; ha sido versionada por músicos como Arthur Conley, The KLF, Kon Kan, Big Audio Dynamite o el grupo de J-pop AKB48; la E Street Band de Bruce Springsteen la interpretaba para calentar el ambiente al arrancar los conciertos; se convirtió en tonadilla de celebración cada vez que Henrik Larsson marcaba un gol; y en un episodio de Cheers los habituales del bar acababan canturreándola a capela.
Cinema Paradiso, de Ennio Morricone
Morricone nos tenía acostumbrados a un tipo de trabajo que tonteaba con las ocurrencias experimentales (instrumentación exótica y hecha a medida de cada personaje) llevadas a buen puerto.
Pero en el caso de Cinema Paradiso, el italiano optó por una aproximación clásica y, para no variar, el resultado fue maravilloso. La película de Giuseppe Tornatore también, y quizás para saber más sobre ella lo mejor sería redirigirse al homenaje que le dedicamos en esta santa casa.
Regreso al futuro, de Alan Silvestri
La carrera profesional de Alan Silvestri en Hollywood no arrancó de manera especialmente glamurosa. El hombre llegó a Los Ángeles arruinado, sin interés en el cine, sin idea alguna de bandas sonoras y trabajando como guitarrista mercenario.
Cuando un director le ofreció encargarse de la música para una producción de bajo presupuesto, Silvestri se compró un libro sobre cómo componer, improvisó sobre la marcha y utilizó un montón de latas de cerveza a modo de instrumentos de percusión, porque una batería se le escapaba del presupuesto.
Desde entonces, el músico ha ido enlazando encargos en el celuloide hasta convertirse en una institución en la industria, alguien que ha firmado las partituras de cosas como Los Vengadores, Abyss, El retorno de la momia, Forrest Gump, Contact, Volcano, Depredador, ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Memoria letal, Ready Player One o El guardaespaldas.
Pero entre todo su trabajo siempre hubo algo que destacó especialmente: su idilio con el realizador Robert Zemeckis. Porque desde que colaboraron juntos por primera vez en Tras el corazón verde, Silvestri se ha ocupado de musicalizar todos los largometrajes del realizador.
Regreso al futuro fue uno de sus primeros encargos y aun así se ha convertido en uno de los más famosos y reconocibles de la historia del cine.
En aquel trabajo, la única orden que Silvestri recibió por parte del director fue un: «Esto tiene que ser grande».
Y lo fue: la melodía de Regreso al futuro posee tanta personalidad como para que no solo su tema principal sea enorme, sino también para que unas pocas notas a modo de jingle musical, aquellas que en pantalla indicaban cambios en las líneas temporales, sean capaces de evocar grandes aventuras de manera instantánea.
Star Wars, de John Williams
Lo de George Lucas no tiene nombre, el tío tan pronto se pone a retitular películas para hacernos creer que tenía en mente una saga de seis entregas desde el principio, como escribe los peores diálogos románticos imaginables en una precuela que nadie ha pedido, se inventa a Jar Jar Binks pensando que lo va a petar, tunea la trilogía clásica de Star Wars con complementos CGI absurdos, o casi nos deja sin una de las bandas sonoras más rotundas del cine.
La cosa ocurrió así: Lucas contrató a Williams para ayudarle con sus aventuras galácticas, pero el papel que le otorgó al caballero fue el de mero consultor de edición musical y eventual compositor de una pequeña porción del asunto.
Porque a Lucas se había ocurrido que en lugar de crear nuevas partituras sería una gran idea recopilar los mejores soniquetes orquestales populares y engarzarlos como Banda Sonora No Tan Original.
Aquella era una idea de chichinabo, y cuando Williams escuchó el Awesome Mix que se había montado el cineasta, le insistió tanto sobre las ventajas de crear la música desde cero como para hacerlo recular.
George Lucas dice, por supuesto, que no recuerda nada de esto y que la historia que cuenta Williams es mentira, que cómo se le iba a ocurrir esa tontería.
Y menos mal que no se le ocurrió (y que Williams se puso serio cuando no se le ocurrió), porque nos hubiera dejado sin el que podría ser el score más celebrado del celuloide.
Aquel que sus dos posteriores secuelas expandirían hasta convertir en leyenda. Una creación épica de proporciones cósmicas, el fabuloso estruendo que acompaña a unas letras amarillas flotando por el espacio, la sintonía que al ser escuchada provoca que millones de fanáticos perciban una perturbación en la Fuerza, el modo en el que suena una galaxia muy muy lejana.
Piratas del Caribe, de Klaus Badelt (y Hans Zimmer en modo ninja)
La música de Piratas del Caribe navegó por aguas tempestuosas durante su preproducción. Alan Silvestri fue alistado inicialmente para elaborar la partitura, pero acabó abandonando el barco tras discutir con el productor Jerry Bruckheimer.
El director Gore Verbinski acudió entonces al reputado Hans Zimmer, pero aquel estaba muy liado con la BSO de El último samurai y le rebotó el encargo a un desconocido Klaus Badelt.
Extraoficialmente, lo que se comenta es que Zimmer metió bastante mano pero evitó poner su rúbrica por razones contractuales.
Oficialmente, Badelt facturó a la carrera unas cancioncillas con Zimmer ejerciendo de productor y ambos comandando a una tropa de otros siete compositores.
Pese a las prisas, el resultado quedó para enmarcar, con una sintonía piratesca, juguetona y tremendamente popular ejerciendo como bandera, muy reconocible a distancia, de las aventuras de Jack Sparrow: el divertidísimo corte «He’s a Pirate».
Lawrence de Arabia, de Maurice Jarre
El film británico Lawrence de Arabia, basado en la autobiografía Los siete pilares de la sabiduría de Thomas Edward Lawrence, es uno de esos clasicazos incontestables del séptimo arte.
Una épica de tres horas y media plagada de estrellas, dirigida por David Lean, mentada por los cinéfilos con frecuencia y coleccionista de una ristra de estatuillas de la Academia entre las que se encontraba el galardón a mejor banda sonora.
Lo cierto es que la grandeza de la música de Lawrence de Arabia fue algo inesperado. Porque su creación recayó inesperadamente sobre un muy poco conocido Maurice Jarre cuando los otros compositores deseados (William Walton y Malcolm Arnold) no andaban disponibles.
Y también porque al pobre Jarre le hicieron sudar lo suyo demandándole parir dos horazas de música en el escasísimo plazo de seis semanas.
El tío se las arregló mucho mejor de lo imaginado, y su colosal retoño hizo historia: en la lista de mejores BSO de todos los tiempos elaborada por el American Film Institute, las aventuras de Lawrence están coronadas con el bronce.
El Señor de los Anillos, de Howard Shore
Cuando se anunció que el canadiense Howard Shore se haría cargo de la orquestación de El Señor de los Anillos, la noticia se recibió con bastante escepticismo y muchas cejas arqueadas en ángulos raros.
El hombre no era para nada un novato en el terreno de las músicas peliculeras, pero sus trabajos siempre habían estado asociados a cintas más oscuras, alejadas de la épica fantástica que requería la mitología tolkeniana.
Pero, a ver, quizás su fichaje no era más raro que poner al frente de esa descomunal trilogía a Peter Jackson, un tío que había firmado Mal gusto y Braindead, tu madre se ha comido a mi perro.
En ambos casos, las sospechas erraron por completo. La saga de El Señor de los Anillos se convirtió en un evento cinematográfico enorme y Shore recibió ovaciones, alabanzas, premios de la academia y Grammys diversos.
Gladiator, de Hans Zimmer y Lisa Gerrard
En el año 2000, Ridley Scott revivió el cine de espada y sandalia con la odisea de Máximo Décimo Meridio. Fue un revival breve, una desgracia para los fans de las pelis de gladiadores, pero exitoso teniendo en cuenta el tremendo taquillazo que supuso Gladiator.
Antes del estreno, los críticos musicólogos reseñaron la banda sonora creada por Zimmer para la cinta con un «bueno, vale» generalizado y sin grandes aplausos.
Pero, tras el bombazo que supuso el largometraje, los espectadores que se fliparon demasiado con la aventura dieron tanto la brasa con sus tonadillas (el tema enlazado aquí arriba acumula ciento noventa y dos millones de reproducciones en YouTube, cuidado ahí) como para acabar incrustándolas en el imaginario colectivo y elevando su importancia más de lo que probablemente se merezca.
A día de hoy, muchos mitómanos encuentran este trabajo más curioso que excelente (una especie de «placer culpable», aunque esa definición ya da bastante rabia de por sí) porque en él posible encontrar ciertos dejes de Zimmer e incluso la manía del hombre de confundir inspiración con plagiarismo.
¿La mejor parte del score? los veinte minutos de Lisa Gerrard.
La lista de Schindler, de John Williams
A Williams le tembló un poco la batuta cuando Spielberg se le acercó para encargarle la música de La lista de Schindler.
Al artista le parecía que un drama basado en el Holocausto le venía demasiado grande, y por eso mismo replicó al realizador con un «para este trabajo necesitas a un compositor mejor que yo», algo a lo que Spielberg contestó con un «lo sé, pero es que están todos muertos».
Williams aceptó el reto, se sirvió del buen oficio del reconocido violinista Itzhak Perlman y facturó una obra que, por lo visto, sí que estaba a la altura, porque, además de volverse muy popular, fue premiada con un Óscar de la Academia.
La misión, de Ennio Morricone
Morricone también firmó junto a su colega Leone producciones estupendas como la banda sonora del colosal wéstern Hasta que llegó su hora.
Pero muchos opinan que su mejor creación fue la colaboración con el cineasta Roland Joffé en la película británica La misión de 1986, protagonizada por Robert de Niro y Jeremy Irons.
Para dicho encargo, Morricone ensambló cuarenta y nueve minutos de música donde habitaban tanto guitarras españolas como instrumentos nativos y corales litúrgicas con la idea de representar la diversidad cultural mostrada en la historia.
Toda la BSO es fabulosa, pero la pista «Falls» destacaba por ser capaz de, en menos de dos minutos, poner los vellos de punta hasta a un troll de piedra.
Algo completamente diferente
Inevitablemente, muchas de las grandes se nos han quedado en el banquillo a la hora de construir esta lista. Sirva este apartado para señalar las que el lector considere oportuno haciendo uso de la sección de comentarios al final del texto.
Porque hay decenas de piezas que posiblemente también merecían un hueco aquí: Superman, E.T. el extraterrestre, Salvar al soldado Ryan o Harry Potter y la piedra filosofal de John Williams; Bailando con lobos o Memorias de África de John Barry; Doctor Zhivago de Maurice Jarre; Vértigo de Bernard Herrmann; Escuadrón 633 de John Goodwin; Chinatown o Alien de Jerry Goldsmith; Lo que el viento de llevó, King Kong o Casablanca de Max Steiner; American Beauty de Thomas Newman; Apolo 13, Titanic o Avatar de James Horner; El último mohicano de Trevor Jones; Origen o Interestelar de Hans Zimmer; o Blade runner de Vangelis.
Sir Eric M. Gairy, Primer Ministro y Ministro de Asuntos Exteriores de Granada, dirigiéndose a la Asamblea General el 12 de octubre de 1978.
Ancient Origins(U.N.) — Estamos familiarizados con funcionarios gubernamentales, científicos, ex oficiales de inteligencia, personal de la fuerza aérea y la marina, periodistas, políticos y otros que han estado presionando para que se divulgue la información sobre los ovnis, particularmente desde 2017.
Sin embargo, el impulso para sus acciones actuales se construyó a lo largo de décadas, cuando individuos de alto rango y personalidades influyentes hicieron llamados similares para obtener información sobre inteligencia no humana , a menudo frente al ridículo.
Una de esas voces prominentes fue la de Sir Eric Gairy, el difunto Primer Ministro de Granada , quien a través de sus incansables y enérgicos esfuerzos en la década de 1970 acercó a la humanidad al conocimiento de la verdad sobre la existencia de vida extraterrestre.
– Coalición mundial para la divulgación
Sir Eric M. Gairy fue Primer Ministro de Granada, un país insular de las Indias Occidentales conocido como la “Isla de las Especias”, desde mediados hasta fines de la década de 1970. Ocupó una serie de carteras, entre ellas la de Ministro de Asuntos Exteriores y de Defensa.
El 27 de noviembre de 1978, Sir Eric realizó una acción sin precedentes para un jefe de Estado, en aquel entonces o en la actualidad, cuando encabezó un grupo que incluía a científicos y un astronauta para dirigirse a la Asamblea General de las Naciones Unidas en Nueva York sobre el tema de los objetos voladores no identificados.
Había traído consigo un cortometraje que consistía en imágenes fijas y en movimiento que mostraban avistamientos reales de ovnis.
El salón de actos de la Asamblea General de las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York.
Un hito importante en la historia de la ufología, la Audiencia OVNI oficial celebrada en el Comité Político Especial de las Naciones Unidas contó con la participación de notables instituciones internacionales, científicos y personal militar.
Antes de pronunciar su discurso en la ONU, durante una reunión bilateral con el presidente Jimmy Carter en Washington el 9 de septiembre de 1977, Eric Gairy había mencionado el tema de los ovnis. Carter no era ajeno a los ovnis, ya que es uno de los pocos presidentes que tuvo un avistamiento personal de una nave extraña.
En 1969, había observado un objeto aéreo inusual en Leary, Georgia, y luego procedió a presentar un informe oficial ante la Oficina Internacional de Ovnis en 1973, aunque no afirmó que se tratara de una nave extraterrestre.
Además, durante su campaña electoral de 1976, Carter dijo a los periodistas que haría públicos todos los informes sobre avistamientos de ovnis . Pero, una vez en el cargo, alegó la seguridad nacional para distanciarse de la divulgación.
Volviendo a Sir Eric, Gairy aludió a una resolución que había presentado en la agenda de la Asamblea General de las Naciones Unidas, en la que proponía un estudio internacional de los ovnis, así como un estudio de los fenómenos psíquicos y otros fenómenos relacionados.
Le preguntó al presidente Carter si podía apoyarla. Añadió que no tenía ninguna duda de que «… el planeta Tierra no es el único que Dios creó».
Jimmy Carter, presidente de los Estados Unidos, se reúne con Sir Eric Gairy, primer ministro de Granada, en septiembre de 1977.
Durante su discurso ante la Asamblea General de las Naciones Unidas, el primer ministro granadino dijo que había llegado ante el augusto órgano debido a una «profunda convicción personal» de que los ovnis tenían «importancia y significado mundial».
Eric Gairy destacó que la ONU debe «asumir sus responsabilidades y examinar seriamente el fenómeno OVNI al que el planeta Tierra ha estado expuesto de forma notoria desde 1947». El primer ministro presentó luego una resolución que establecería un grupo de expertos para formular directrices para un estudio dirigido por la ONU sobre objetos voladores no identificados.
Entre otros participantes de peso pesado, el panel de estudio OVNI incluyó al astronauta Gordon Cooper; el astrónomo J. Allen Hynek; el astrónomo y ufólogo Jacques Vallée; el físico nuclear Stanton Friedman; el astrónomo y astrofísico Claude Poher; y el teniente coronel Larry Coyne del Ejército de los EE. UU., quien apareció en su carácter privado.
Más tarde, tras obtener la aprobación de los panelistas, el Dr. Hynek presentó una declaración en su nombre sobre la necesidad de iniciar una autoridad centralizada de las Naciones Unidas sobre objetos voladores no identificados.
Curiosamente, los gráficos de la presentación que hizo el productor de radio de la NBC e investigador de ovnis, Lee Speigel, que contaba con el patrocinio de Granada para guiar la iniciativa en las Naciones Unidas, fueron preparados por Steven Spielberg, que en ese momento estaba dando los toques finales a su innovadora película Encuentros cercanos del tercer tipo.
Dr. J. Allen Hynek y Dr. Jacques Vallée.
Cabe destacar que este importante reconocimiento del tema OVNI por parte de las Naciones Unidas fue, en muchos sentidos, no sólo la culminación de los decididos esfuerzos de Sir Eric, sino también un reconocimiento de los sentimientos que había expresado un año antes ante la Asamblea General de la ONU. En octubre de 1977, Eric Gairy sorprendió a la audiencia cuando reveló: «… Yo mismo he visto un objeto volador no identificado y me he sentido abrumado por lo que he visto».
Sir Eric también señaló: «…De la misma manera que este planeta es la herencia aceptada de toda la humanidad, el conocimiento también debe compartirse para el beneficio de toda la humanidad… uno se pregunta por qué la existencia de los ovnis continúa siendo un secreto».
– Un Secretario General de la ONU se involucra
No fue tarea fácil para Sir Eric Gairy reunir un equipo de expertos de alto nivel de distintos campos para convencer a las Naciones Unidas de que le otorgaran al fenómeno OVNI la importancia que merecía.
Sin embargo, hay que recordar que antes de que Sir Eric solicitara la divulgación de información, U. Thant, el tercer Secretario General de la ONU entre 1961 y 1971, también había hecho esfuerzos similares. Según informes de prensa, habría confiado a sus colegas que consideraba que los ovnis eran el problema más importante al que se enfrentaba la ONU después de la guerra de Vietnam.
U Thant, diplomático birmano y tercer secretario general de las Naciones Unidas.
Para abordar el asunto, Thant invitó al físico de la Universidad de Arizona, James E. McDonald, a informar al grupo de Asuntos del Espacio Exterior de la ONU en Nueva York en 1967. Y así, McDonald intentó persuadir a la ONU para que emprendiera un estudio global sobre el fenómeno OVNI, instando a cualquier nación miembro a patrocinar la investigación. Ese llamado fue respondido por Sir Eric Gairy, casi una década después.
– Un encuentro extraterrestre escalofriante
Aunque Sir Eric supuestamente tuvo una extraña experiencia con un extraterrestre en su país natal, Granada, un giro repentino e inesperado de los acontecimientos impidió que el difunto primer ministro garantizara una divulgación completa sobre la vida extraterrestre. Así es como sucedieron estos acontecimientos:
La actitud de silencio absoluto sobre el tema de la vida extraterrestre que han adoptado los gobiernos de todo el mundo, principalmente en Estados Unidos, es algo que ha desconcertado a cualquiera que haya reflexionado alguna vez sobre la necesidad de tal confidencialidad en un tema tan vital para la humanidad.
Vale la pena investigar más a fondo para comprender qué motivó la determinación de Sir Eric de saber «…por qué la existencia de los ovnis sigue siendo un secreto».
Estas palabras adquieren gran importancia cuando nos enteramos de que no son simplemente declaraciones exageradas hechas por un líder mundial que también era un entusiasta de los OVNIS.
Por extraño que suene, mucho antes de su discurso en las Naciones Unidas y de la ferviente presión para que se divulgaran los OVNIS, Sir Eric afirmó haber tenido su propio encuentro personal con un ser de otro mundo, aunque uno muerto.
magen de un clásico «platillo volador» metálico procedente de la Administración Nacional de Archivos y Registros de Estados Unidos.
La noche del incidente, Eric Gairy, que estaba pasando sus horas de ocio en un popular club nocturno de Granada, el «Evening Palace», se sorprendió al ver a un pescador local entrar y decir emocionado que se había topado con un humanoide de aspecto extraño que había aparecido en la playa.
Eric, que estaba muy interesado en los fenómenos paranormales, organizó rápidamente una pequeña unidad militar y un fotógrafo. Luego le pidió al hombre que lo guiara al lugar donde se encontró la entidad.
Eric afirmó más tarde que cuando el equipo de investigación llegó al lugar poco antes del amanecer, vieron a una pareja de pescadores en el lugar haciendo guardia junto a algo cubierto por una lona.
Cuando los hombres retiraron la lona, Sir Eric y su grupo retrocedieron momentáneamente horrorizados, pues sus ojos contemplaron una visión inexplicable. Una enorme criatura humanoide de casi dos metros y medio de altura, de piel blanca pálida y cabello blanco trenzado, yacía empapada e inmóvil.
Con los rasgos faciales de un hombre adulto, las manos del extraño ser tenían seis dedos cada una. Esta entidad extraterrestre estaba vestida con un traje azul oscuro, ceñido al cuerpo, de una sola pieza, con calzado incorporado.
Cuando salió el sol, Sir Eric y la tripulación allí reunida se dieron cuenta de que toda la playa estaba llena de extraños restos metálicos. Se identificaron ocho cajas, de las cuales solo dos se pudieron abrir con considerable dificultad. Estas cajas contenían flora y fauna acuáticas, como si la criatura muerta hubiera tenido la misión de recolectar especímenes para su estudio.
Dos camiones, uno para las cajas y otro para el gigante, aparecieron en escena y el peculiar cargamento fue trasladado a un lugar no revelado.
Aunque Sir Eric habló sobre el incidente en una entrevista, nunca reveló a dónde se había llevado el cuerpo ni qué había pasado con los contenedores que se habían recuperado junto con él. Y, por supuesto, no fue sincero sobre las fotografías que habían tomado en el lugar.
Bandera nacional de Granada
– Derrota ante la victoria
El primer ministro Eric Gairy obtuvo una gran victoria el 18 de diciembre de 1978, cuando la Asamblea General de las Naciones Unidas adoptó la resolución de Granada para estudiar el tema tabú de los ovnis .
Pero, antes de que la comunidad ufológica pudiera obtener algún beneficio de la resolución de la ONU de noviembre de 1978, Eric Gairy fue derrocado del poder en un golpe de estado incruento en marzo de 1979, irónicamente, mientras estaba en la ONU para seguir discutiendo con el Secretario General, Kurt Waldheim, sobre la resolución OVNI recientemente adoptada.
La reunión fue cancelada y, posteriormente, dado el momento del golpe, los teóricos de la conspiración culparon al Reino Unido de sabotear el intento de Sir Eric de obtener transparencia sobre los objetos voladores no identificados (Sir Eric había sido el primer ministro de Granada cuando la isla obtuvo su independencia del Reino Unido en 1974).
En la ONU, Gran Bretaña había planteado objeciones al plan de Granada, afirmando: «La delegación británica no cree que el establecimiento de una agencia para la investigación de objetos voladores no identificados sea apropiado para las funciones de las Naciones Unidas». En general, Estados Unidos se mantuvo neutral.
Sir Eric Gairy falleció en 1997 a la edad de 75 años, y sus esfuerzos por promover la divulgación de la existencia de ovnis a través de las Naciones Unidas son ampliamente reconocidos como uno de sus logros más memorables como líder político.
Por ahora, todo lo que nos queda es la especulación y un gran aprecio por los inquebrantables intentos de Sir Eric de buscar la verdad.
O tal vez hemos tenido revelaciones desde el principio, ya que, como observó el destacado investigador de ovnis Grant Cameron, «Cada filtración del gobierno, cada película de Hollywood que tiene un tema extraterrestre y cada broma sobre ovnis del presidente es un tipo de revelación».
Psicología y Mente(S.R.Comas) — Es indudable que, actualmente, nos encontramos en un periodo de calentamiento global que ha aumentado la temperatura del planeta de forma considerable.
Sin embargo, y a pesar de que es evidente que la acción humana está acelerando el proceso, es importante resaltar que la tierra siempre ha sufrido cambios climáticos, algunos muy radicales y repentinos, como el que sucedió durante la llamada Pequeña Edad de Hielo o glaciación medieval.
¿En qué consistió este fenómeno, que introdujo un clima inusitadamente gélido en Europa durante casi cinco siglos? En el siguiente artículo intentamos explicar sus características y las teorías existentes acerca de su origen y sus consecuencias.
– ¿Qué fue la Pequeña Edad de Hielo?
La conocida como “Pequeña Edad de Hielo” es un periodo de temperaturas muy bajas que se concentró especialmente en el norte de Europa y que tuvo consecuencias no sólo climáticas, sino también sociales, políticas y económicas. Esta glaciación siguió al llamado periodo “óptimo climático medieval”, que fue, exactamente, todo lo contrario, pues aproximadamente desde el siglo VII al XIII la temperatura aumentó de forma considerable.
Desde una perspectiva geológica, es habitual que, tras una etapa de calor excesivo venga un periodo gélido. Nuestro planeta tiene su propio sistema de regulación climática, aunque, claro está, a veces pueden producirse fenómenos humanos y naturales que pueden acelerar o ralentizar el proceso. Veamos a continuación qué originó, según las teorías más aceptadas, esta glaciación súbita del planeta y cuáles fueron sus consecuencias.
– El “óptimo climático medieval”
Alrededor del año 700, las temperaturas empiezan a ascender. Se produce por tanto un masivo deshielo que hace subir el nivel del mar y abre puertos y rutas marítimas que, hasta ese momento, permanecían más o menos bloqueados. Según algunos historiadores, esa es una de las causas por las que, durante el siglo VIII, proliferaron las invasiones vikingas por toda Europa.
Recordemos que los hombres del norte llegaron hasta la mismísima Constantinopla, y no olvidemos, además, que cada vez está más aceptado que los primeros europeos en llegar a América fueron los vikingos, y esto sólo pudo ser posible por el avanzado deshielo del mar. Por otro lado, el cultivo de vid y cereales proliferó en lugares tan poco apropiados para ello como Inglaterra o Islandia, lo que, una vez más, nos da una idea bastante clara del aumento notable de las temperaturas globales.
El “óptimo climático medieval” tuvo su máximo apogeo, según los últimos estudios, a finales del siglo XIV. Tal y como ha probado una investigación de la Universidad de Massachusetts Amherst (publicada en la revista Science Advances, ver bibliografía), durante esas décadas finales de la Edad Media el AMOC (es decir, la Circulación de Vuelco Meridional del Atlántico) vivió un movimiento inusitado hasta entonces.
Pero ¿qué es el AMOC? Es como los científicos llaman a la transferencia de las aguas templadas provenientes del trópico al norte del globo, un fenómeno constante que, durante esos años, vio incrementada su actividad. Este mayor vuelco de agua cálida tropical provocó, por supuesto, un enorme deshielo en la zona ártica, y esto, a su vez, conllevó un colapso climático que generó la aparición de una glaciación intensa apenas veinte años más tarde, la Pequeña Edad de Hielo.
– La Pequeña Edad de Hielo duró cinco siglos
La datación de esta glaciación medieval es confusa. Los expertos no se ponen de acuerdo en cuándo y cómo arribó a Europa, aunque lo que sí está claro es que tuvo su máxima expresión en los siglos XVII y XVIII, cuando se dieron las temperaturas más bajas (en lo que se denomina Mínimo de Maunder, y que coincide con una menor radiación solar).
Algunos historiadores adelantan los primeros indicios de glaciación a las primeras décadas del siglo XIV, lo que explicaría el desastre agrícola que provocó hambrunas sin precedentes y que dejó a los europeos sin resistencia para afrontar a la temida Peste Negra, que se cebó con la población. A pesar de ello, la “glaciación medieval” que empezó en el siglo XIV no se “consolidó”, como ya hemos dicho, hasta bien entrada la época moderna.
Existen documentos que atestiguan hechos asombrosos, como mercados celebrados sobre las aguas heladas del Támesis, en Londres, o la congelación de parte de las aguas del puerto de Marsella. Por otro lado, tenemos multitud de pinturas que muestran a gente patinando sobre canales de los Países Bajos, e incluso se sabe que el Ebro, en España, tuvo episodios de congelación que duraron hasta quince días.
Como vemos, algo absolutamente inusual que contrasta no sólo con nuestro clima actual, sino también con el inmediatamente precedente.
La Pequeña Edad de Hielo no empezó a desvanecerse hasta mediados del siglo XIX, cuando la tierra entró en un nuevo periodo de calentamiento que, actualmente, no hace sino acelerarse, en parte gracias a la actuación humana. Un dato curioso es que los deshielos actuales de zonas como los Pirineos no provienen, como se creía hasta ahora, de los glaciares de la gran glaciación prehistórica, sino, precisamente, de esta Pequeña Edad de Hielo.
– ¿Qué consecuencias tuvo la Pequeña Edad de Hielo?
Todos los historiadores coinciden en que esta glaciación originada en la Edad Media tuvo consecuencias a muchos niveles, no sólo climáticos. El clima es el arropamiento general de una población y, como tal, todas las culturas se han adaptado en menor o mayor grado a la situación climática envolvente. Por tanto, y como afirma el historiador Philipp Blom, si el clima cambia, todo cambia. Pero ¿cuáles fueron las consecuencias de la pequeña glaciación?
En primer lugar, y como consecuencia directa, tenemos las malas cosechas y, por tanto, las hambrunas. Está comprobado que la glaciación hizo avanzar los glaciares de montaña, lo que destruyó pueblos enteros y dejó sin cultivo a numerosas áreas. El descenso del cultivo produjo, obviamente, una menor capacidad para alimentar a la población, lo que se tradujo en epidemias de hambre y enfermedad que, a la postre, sirve para entender también los virulentos episodios de peste que se adueñaron del siglo XVII.
El caso concreto de la Península Ibérica ha sido analizado por el geógrafo de la Universidad de Barcelona Marc Oliva, que lideró un equipo de investigación que se dedicó a estudiar la Pequeña Edad de Hielo en el territorio. En el caso de la Península Ibérica, las consecuencias de la glaciación se materializaron en inundaciones y sequías alternadas que, evidentemente, también afectaron a las cosechas.
En general, Oliva y su equipo calcularon que la temperatura había descendido unos 2 grados centígrados, y que, en consecuencia, los inviernos eran muy largos, y los veranos, cortos y fríos.
En segundo lugar, encontramos consecuencias sociales. Algunos historiadores han relacionado el auge de las malas cosechas, el hambre y las muertes que provocó la glaciación con el aumento de actos de penitencia y contrición y el endurecimiento de la idea de pecado.
Por otro lado, también se ha llegado a relacionar la famosa “caza de brujas” europea con la histeria y la paranoia colectiva que se desencadenaron ante la persistencia de las inundaciones, las malas cosechas y la destrucción generalizada de aldeas a causa del hielo.
Finalmente, existen consecuencias económicas. Ante la mala situación del campo, y especialmente en el siglo XVIII con la Ilustración, se empezaron a diseñar nuevas ideas para explotar el campo debidamente y conseguir que diera la máxima respuesta. Todo ello transformó el concepto de la economía para siempre; el siglo siguiente es el siglo del despegue del capitalismo y del auge de la burguesía.
Meer(E.Osoriolugo) — A pesar de que no queremos ni mencionarla, nos da curiosidad la muerte y nos decidimos a curiosear en ella cuando aceptamos su fatalidad: no hay que evitarla, la muerte es la única verdad indiscutible de la vida, parece que dijésemos.
Una fuente de información para asomarnos a todo color a cómo es (y a cómo es que es), la tenemos en el cine, que ha sabido cumplir bien la misión con una gama de momentos finales de la vida.
Por su buena realización volvemos una y otra vez sobre la misma escena de la muerte según el cine, en una especie de sufrimiento autoinfligido.
– La vida es bella
Un deceso de esos que no queríamos que sucediera tiene lugar con el fusilamiento de Guido en La vida es bella, la cinta que nos hace ver al holocausto entre risas: un innovador enfoque.
Parafraseando a mi tocayo Héctor del sitio Alucine, diría que camino al paredón, a Guido todavía le queda alma para arrancar risas a su hijo, lo que nos hace alentar la idea de que se va a salvar.
Pero he aquí que no, y tiene lugar un deceso de los que no vemos en la pantalla: tan solo oímos el horrendo tableteo de la metralla.
Escena final de La vida es bella
. Su director y protagonista, Roberto Benigni
Roberto Benigni es un actor y director italiano que ha sabido encontrar el lado humorístico de las cosas y llevarlo a la escena, en este caso al cine, con aquella fórmula de los maestros en esa línea: humor más inteligencia.
Con poca experiencia en la dirección de películas, pues se trata de alguien que se desempeñaba como magnífico actor, ganó el Óscar precisamente por actuación y mejor película, dando el campanazo para el cine italiano en muchos años.
Siendo objeto de muchos reconocimientos, goza del mayor de todos, el corazón de su público.
– Vivir
La película que se adueñó en su título del importante concepto este de “vivir” es una buena tesis de lo que es, puede ser y debe ser la vida humana, ese hálito que todos tenemos y que ninguno ha alcanzado a descifrar bien jamás.
En primer término, Vivir trata de una exposición de los grisáceos días de una persona sola y desmotivada. En la parte complementaria, el protagonista se entera de que sus días están contados por enfermedad y se decide a un radical cambio de vida (para bien) en vez de abatirse.
La película es del bloque en blanco y negro de su realizador y me parece que no ha sido restaurada, cosa que debe hacerse y honrar así el cine de un director que nos dio excelente calidad de imágenes.
Trailer de Vivir (Ikiru), de Akira Kurosawa, 1952
. Su director, Akira Kurosawa
Maestro indiscutible del cine de todos los tiempos, no solo del de su lejana tierra sino también del mundo occidental, el director japonés Akira Kurosawa se distinguió por un sincero humanismo en su obra.
En parte de su trabajo adaptó para el cine literatura de Shakespeare. Como él, se empeñó en mostrar lo mejor del ser humano en su contraste con lo peor.
A la par de tantos espíritus sensibles, su fecunda vida tuvo sus hoyos negros, lo que quedó de manifiesto en un intento de suicidio.
– El padrino y Apocalipsis
Marlon Brando, bajo las órdenes de un mismo director, encarnó dos inolvidables muertes: las de El padrino y Apocalipsis. Sin embargo, “bajo las órdenes” es un decir, ya que en los dos casos él mismo fue el creador de las escenas. Sí, se sabe que decidió por su cuenta la manera de morir del padrino y la del coronel Kurtz, respectivamente).
La palabra (el director de las cintas es amante de la literatura) juega un importante papel: para el padrino Vito Corleone, es el medio de bien fijar sus normas. Para el coronel Kurtz, es el medio de recitar Los hombres huecos, del autor angloestadounidense T. S. Elliot.
La caída de Vito Corleone (caída física y caída postrera) es apacible, un gran contraste con la violenta vida del que la experimenta, enmarcada por un transcurrir magistral en sus imágenes fílmicas.
La caída del coronel violentado en Apocalipsis es también de un ritmo cinematográfico extraordinario, más cuando su adiós a este mundo es repitiendo: “¡Cuánto horror!, ¡cuánto horror!” (que es lo que se leía en el subtítulo cuando vi por primera vez la película y así lo he llevado conmigo. De ahí en fuera ha prevalecido tan solo “¡Horror!, ¡horror!”)
Trailer de El Padrino, de Francis Ford Coppola, 1972
. Su director, Francis Ford Coppola
Francis Ford Coppola, estadounidense, es otro director histórico del cine.
En los dos casos vistos aquí, supo crear las condiciones para darnos una nueva faceta de un superdotado actor que se hallaba estancado, el controvertido Marlon Brando.
En cuanto a El padrino y sus secuelas, dio al mundo una especie de ética de los negocios y sus códigos de conducta.
Recientemente (a fines de 2024) vino a México, donde el cine hizo reconocimiento de lo mucho que le debe.
. Para terminar
¿Cuál de esas muertes le ha llamado más la atención a usted? ¿Cuál le pareció mejor abordada por estos (pacientes y tenaces) directores? ¿Usted también ha vuelto a ellas para recuperar sus detalles?
. Obituario: David Lynch
David Lynch murió este enero de 2025 en un Los Ángeles de pesadilla por las llamas, como pesadillesco llega a ser el cine de este director estadounidense.
Si bien su obra no es para conservadores ni mexicanos de edad, salvo El hombre elefante, hay que reconocer el gran trabajo que realizó además de su cine con su manera misma de enfrentar la vida.
Fue un artista en diversas disciplinas, sin duda un renacentista, aunque practicó el surrealismo.
A pesar de que su cine es un muestrario (otra vez) de lo mejor y de lo peor, él fue un disciplinado practicante de la meditación.
Conferencia de David Lynch en la Escuela Universitaria de Artes TAI, en Madrid, en 2013
La aplicación de la Ley de Enemigos Extranjeros podría facilitar al gobierno de Trump la captura, detención y deportación rápida de inmigrantes.
BBC News Mundo(C.J.Orgaz) — La operación de deportación masiva más grande de la historia de Estados Unidos.
Eso es lo que prometió Donald Trump durante su campaña y en el discurso de inauguración de su segundo mandato.
Quedó claro que sus duras políticas migratorias no solo están dirigidas contra los migrantes que llegan a la frontera sur, a veces en caravanas, sino también contra los inmigrantes sin estatus migratorio legal que ya viven en suelo estadounidense.
Y para ayudar a que su expulsión de EE.UU. sea amplia, su administración ha puesto los ojos en una ley del siglo XVIII creada en tiempos de guerra: la Ley de Enemigos Extranjeros (Alien Enemies Act).
«Nuestro gobierno no protege a nuestros ciudadanos estadounidenses respetuosos de la ley, pero sí brinda refugio y protección a criminales peligrosos que han ingresado ilegalmente a nuestro país desde todas partes del mundo», dijo Trump en su discurso inaugural.
«Se detendrá toda entrada irregular a EE. UU. Enviaré tropas a la frontera sur para repeler la desastrosa invasión de nuestro país», añadió al tiempo que mencionaba la Ley de Enemigos Extranjeros de 1798.
Esta norma de 227 años de antigüedad otorga a los presidentes la autoridad para detener yexpulsar a ciudadanos extranjeros de países con los que su nación está en guerra. Es decir, naciones con las que EE.UU. mantenga hostilidades reales.
Apenas asumió las riendas de la Casa Blanca, Trump declaró «emergencia nacional» en la frontera con México y el despliegue de fuerzas militares para custodiarla.
La ley es conocida por su papel en el encarcelamiento de alemanes, italianos y japoneses que vivían en EE.UU.
Más de 30.000 de estos ciudadanos extranjeros pasaron la guerra presos en campos de internamiento, porque el gobierno los consideraba potencialmente peligrosos.
Pero aunque Trump lleve meses planeando con sus asesores como cumplir con sus promesa de llevar a cabo esta ofensiva sin precedentes contra la inmigración legal e ilegal, de momento no ha invocado la norma formalmente, por más que la nombre en discursos y entrevistas.
– Consecuencias
Si decide a utilizarla en lugar de la ley de inmigración existente, «la Alien Enemies Act daría al gobierno de Trump un poder ejecutivo muy amplio y sin restricciones para detener y expulsar a los inmigrantes indocumentados a voluntad», le explica a BBC Mundo Dan Tichenor, profesor de Ciencias Políticas de la Universidad de Oregón.
El vicepresidente JD Vance declaró que las deportaciones podrían comenzar con un millón de personas.
«La norma autoriza a los presidentes a agilizar el proceso de deportación, dejando a los no ciudadanos sin posibilidad de recurrir a los tribunales de inmigración», dice Tichenor.
Al eliminar el proceso legal y las apelaciones a las que pueden acudir los inmigrantes, se reducirían los tiempos y permitiría deportaciones más rápidas y a gran escala, tal y como prometió Trump.
Trump canceló los vuelos a miles de refugiados que tenían aprobada la entrada a EE.UU.
«Esta ley permite al presidente discriminar a los inmigrantes en función de su país de ciudadanía o de su lugar de nacimiento, es decir, de su ascendencia.
Y, como ha reconocido la Corte Suprema de EE.UU., la discriminación basada en la ascendencia implica las mismas graves preocupaciones que la discriminación basada en la raza», recuerda Katherine Yon Ebright, del Centro Brennan para la Justicia.
La abogada cree que los venezolanos en EE.UU. podrían ser el grupo más vulnerable.
«Hay algunos indicios de que podría usarla para ordenar la detención y deportación de todos los venezolanos mayores de 14 años, incluidos los residentes permanentes, que no sean ciudadanos estadounidenses», asegura la investigadora.
– Venezolanos, salvadoreños y mexicanos
Pero Yon Ebright admite que es más probable que Trump apunte a los venezolanos «considerados peligrosos» o «considerados miembros del Tren de Aragua», una sangrienta banda de Venezuela que se ha expandido por América Latina y tiene presencia en EE.UU.
Como la Ley de Enemigos Extranjeros no necesita pruebas que determinen si se pertenece o no a la pandilla, «cualquier venezolano podría ser considerado una amenaza y ser objeto de persecución, incluso si no hay una base real para esa acusación», añade la investigadora.
Según las estimaciones más recientes del Instituto de Política Migratoria, con sede en Washington, hay aproximadamente unos 11 millones de inmigrantes indocumentados viviendo en EE.UU.
Solamente México ya representa más de la mitad de esa cifra, mientras que Centroamérica supone el 15%. Los expertos creen que esto coloca a esas poblaciones en el punto de mira de la ley.
Hasta 22 estados demandaron a la administración Trump por la orden ejecutiva que quiere eliminar el derecho a la ciudadanía por nacimiento.
«Trump planea decir que EE.UU. está en guerra con los cárteles de la droga que controlan ciertos países latinoamericanos como pretexto para invocar la ley.
Tal intento seguramente será juzgado por los tribunales federales», estima el profesor Tichenor.
Y es que tanto el texto como la historia de la Ley de Enemigos Extranjeros presentan enormes obstáculos legales para la administración Trump.
En primer lugar porque EE.UU. no está en una guerra abierta y en segundo todo apunta a que será difícil para el equipo de Trumpdemostrar que la inmigración es una «invasión» extranjera hostil.
Detrás de su argumento yace la idea de Trump -repetida en innumerables discursos- de que hay gobiernos extranjeros que envían intencionalmente legiones de inmigrantes indocumentados no deseados y violentos a EE.UU.
En varias ocasiones,el presidente citó expresamente a México y a Venezuela. Por eso los analistas creen que existe el riesgo de que la administración republicana etiquete a algunos países latinoamericanos como narcoestados rebeldes en guerra con EE.UU.
«La ley de 1798 es clara en que una ‘invasión o incursión depredadora’ debe ser realizada por una ‘nación o gobierno extranjero’ para que pueda invocarse».
Chicago tiene una gran comunidad de mexicanos.
«Sin embargo,el Congreso no ha declarado la guerra a ningún país en más de 80 años, ni ningún otro gobierno ha lanzado una invasión contra territorio estadounidense», recuerda Tichenor.
Los presidentes que han invocado la ley en el pasado lo hicieron durante conflictos bélicos, como James Madison en la Guerra de 1812 o Woodrow Wilson en la Primera Guerra Mundial y Franklin Roosevelt en la Segunda Guerra Mundial, cuando se usó para internar a 31.000 extranjeros de ascendencia japonesa, alemana e italiana.
«Una ley de tiempos de guerra no tiene cabida para aplicarse en tiempos de paz. Si Trump sigue adelante de todos modos, seguramente se enfrentará a impugnaciones legales por los afectados, los grupos de defensa y por los estados», afirma Yon Ebright.
– Criminalización de los inmigrantes
«La pregunta que van a tener que resolver los tribunales es si la ‘invasión’ que contempla la ley de 1798 es una invasión tradicional, al estilo militar, de cuerpos armados, o si su interpretación puede abarcar a las personas que vienen a EE.UU. buscando trabajo o huyendo de persecuciones», plantea el académico César Cuauhtémoc García Hernández, especialista en estudios migratorios y catedrático de Derechos y Libertades Civiles en la Facultad de Derecho Moritz de la Universidad Estatal de Ohio.
«Lo que vemos hoy es que Trump equipara a los inmigrantes que llegan de Honduras huyendo de la pobreza o de Venezuela huyendo del régimen político de Maduro, con un soldado alemán capturado después de una batalla de la Segunda Guerra Mundial».
«El miedo a los inmigrantes ha aumentado durante las recientes décadas. Es casi imposible oír a políticos hablar de inmigración sin ligarla al crimen», añade.
«Hace un siglo se hablaba de los inmigrantes como una fuerza laboral que fortalecía la economía de un país, ahora vivimos tiempos se trata a los inmigrantes como criminales. Y esa retórica, se ha ampliado bajo la influencia de Donald Trump en el Partido Republicano y, obviamente, en la oficina presidencial», explica el profesor.
Otra parte del problema, apunta, es que vivir en EE.UU. sin documentación no es un delito penal de ningún tipo. Es una violación de la ley civil administrativa del gobierno federal, pero no es un delito penal.
Los carteles mexicanos del narcotráfico y el «Tren de Aragua» son ahora «organizaciones terroristas extranjeras» para EE.UU.
– Título 42
No es la primera vez que Trump desentierra una antigua ley para deportar migrantes.
Durante la pandemia, su primera administración alegóriesgos para la salud pública como justificación para cerrar las fronteras del país y deportar rápidamente a los migrantes que intentaban cruzar al ilegalmente.
Lo hizo sacando a relucir el Título 42, una antigua ley de salud pública que permitió bloquear el paso de los migrantes antes de que pudieran poner un pie en el país e incluso se limitó la oportunidad de solicitar asilo.
«El sueño americano pronto volverá», dijo Trump en el discurso inaugural. Pero seguramente para muchos en América Latina ese sueño se vuelve ahora más lejano. Es probable que la última palabra la tenga la Corte Suprema.
Psicología y mente(J.Soriano) — La demencia es una de las principales preocupaciones de la salud pública en el siglo XXI, afectando a millones de personas en todo el mundo y representando una carga emocional y económica significativa.
A pesar de los avances en la investigación, los tratamientos actuales solo logran aliviar algunos síntomas, sin ofrecer una verdadera cura o prevención efectiva. Sin embargo, estudios recientes han revelado un posible enfoque innovador: el uso de antibióticos para reducir el riesgo de desarrollar demencia.
Investigaciones que analizaron datos de millones de personas han encontrado una relación entre el consumo de antibióticos y un menor riesgo de deterioro cognitivo. Estos hallazgos respaldan la hipótesis de que las infecciones y los procesos inflamatorios podrían desempeñar un papel clave en la aparición de enfermedades como el Alzheimer.
Además, la modulación del microbioma intestinal por parte de estos fármacos podría ser un factor determinante en la salud cerebral.
Pero, ¿cómo pueden los antibióticos influir en la prevención de la demencia?
– ¿Por qué es un desafío entender las demencias?
La demencia es un síndrome caracterizado por el deterioro progresivo de las funciones cognitivas, afectando la memoria, el pensamiento, el lenguaje y la capacidad para realizar actividades diarias.
No se trata de una enfermedad única, sino de un conjunto de trastornos, siendo el Alzheimer el más común, seguido de la demencia vascular, la demencia con cuerpos de Lewy y la demencia frontotemporal.
Este síndrome representa un desafío global debido a su alta prevalencia y el impacto en la calidad de vida de los pacientes y sus familias. Según la Organización Mundial de la Salud (OMS), más de 55 millones de personas en el mundo padecen demencia, y se estima que esta cifra se triplicará para 2050.
Su cuidado implica costes económicos y emocionales significativos, tanto para los sistemas de salud como para los cuidadores.
Uno de los mayores retos en el tratamiento de la demencia es la ausencia de una cura. Los fármacos disponibles, como los inhibidores de la colinesterasa, y los moduladores de glutamato, solo alivian algunos síntomas y ralentizan la progresión de la enfermedad en ciertos casos, pero no detienen el daño neuronal.
Recientemente, algunos tratamientos dirigidos a eliminar placas de amiloide en el cerebro han mostrado resultados prometedores, pero aún son objeto de debate en cuanto a su eficacia real y accesibilidad.
Dado este panorama, los científicos están explorando nuevas estrategias para abordar la enfermedad, incluyendo el posible papel de infecciones e inflamación en su desarrollo. En este contexto, el reciente hallazgo sobre la posible relación entre antibióticos y menor riesgo de demencia abre una nueva vía de investigación para encontrar tratamientos más accesibles y eficaces.
– La relación entre infecciones, inflamación y demencia
En los últimos años, la comunidad científica ha comenzado a considerar que las infecciones y la inflamación crónica pueden desempeñar un papel clave en el desarrollo de la demencia. Esta hipótesis surge de diversas investigaciones que han encontrado una relación entre enfermedades infecciosas y el deterioro cognitivo.
Algunas infecciones virales y bacterianas, como el herpes simple tipo 1 (HSV-1), la bacteria Porphyromanas gingivalis (asociada a la periodontitis) y ciertos patógenos respiratorios, han sido vinculadas con un mayor riesgo de padecer enfermedades neurodegenerativas.
Se ha observado que estos microorganismos pueden invadir el sistema nervioso central y desencadenar una respuesta inflamatoria prolongada en el cerebro, lo que, a su vez, contribuye a la acumulación de placas de amiloide y neurofibrillas características del Alzheimer.
La inflamación crónica es otro factor que ha cobrado importancia en la investigación de la demencia. Cuando el sistema inmunológico reacciona de manera constante a infecciones o lesiones, puede generar un estado de neuroinflamación persistente.
En el cerebro, esto se traduce en la activación continua de células inmunitarias como la microglía, que, en lugar de proteger las neuronas, puede dañarlas y favorecer su degeneración.
El descubrimiento de que ciertos antibióticos, antivirales y antiinflamatorios podrían reducir el riesgo de demencia refuerza esta teoría. Si algunos tipos de demencia tienen un componente infeccioso o inflamatorio, entonces combatir estas afecciones con fármacos ya existentes podría ser una estrategia prometedora.
Esto ha llevado a los investigadores a explorar la posibilidad de reutilizar medicamentos como la doxiciclina o ciertos antivirales para evaluar su impacto en la progresión del deterioro cognitivo y en la prevención de la demencia.
– ¿Cómo pueden los antibióticos ayudar a combatir las demencias?
El hallazgo de que ciertos antibióticos están relacionados con un menor riesgo de demencia ha despertado un gran interés en la comunidad científica. Aunque tradicionalmente estos fármacos se han utilizado para tratar infecciones bacterianas, su potencial impacto en la prevención de enfermedades neurodegenerativas podría deberse a varios mecanismos.
Uno de los principales efectos de los antibióticos es la reducción de infecciones sistémicas y crónicas, que han sido vinculadas con el desarrollo de demencia. Al combatir bacterias como Porphyromonas gingivalis, asociadas con la periodontitis y la inflamación cerebral, los antibióticos podrían disminuir la respuesta inmune excesiva que contribuye al deterioro cognitivo.
Además, estudios han encontrado que algunos antibióticos tienen propiedades antiinflamatorios que podrían proteger el cerebro de la neurodegeneración.
Otro posible mecanismo es la influencia de los antibióticos en el microbioma intestinal. Se sabe que el eje intestino-cerebro juega un papel clave en la salud neurológica, y que desequilibrios en la microbiota pueden favorecer procesos inflamatorios sistémicos.
Algunos antibióticos podrían modificar la composición de las bacterias intestinales, reduciendo la inflamación y, en consecuencia, el riesgo de daño neuronal.
Sin embargo, el uso de antibióticos en la prevención de la demencia todavía es un campo en exploración. No todos los antibióticos tienen los mismos efectos y su uso indiscriminado podría generar resistencia bacteriana, además de alterar la microbiota de manera perjudicial.
Por ello, los científicos enfatizan realizar ensayos clínicos controlados que permitan determinar qué tipos de antibióticos son más efectivos, en qué dosis y en qué poblaciones podrían ser más beneficiosos.
El potencial de los antibióticos para prevenir o retrasar la demencia abre una vía prometedora en la lucha contra esta enfermedad. Si se confirma su eficacia, podrían convertirse en herramientas accesibles y económicas para reducir la incidencia de los trastornos neurodegenerativos, mejorando la calidad de vida de millones de personas en el mundo.
. ¿Son los antibióticos una solución realista a esta enfermedad?
A pesar de los hallazgos prometedores sobre el papel de los antibióticos en la prevención de la demencia, aún existen varios desafíos que deben abordarse antes de considerar su uso clínico. Uno de los principales retos es la necesidad de estudios más amplios y rigurosos que confirmen la relación entre el uso de estos fármacos y la reducción del riesgo de enfermedades neurodegenerativas.
Hasta ahora, muchas de las investigaciones han sido observaciones, lo que significa que muestran una correlación, pero no establecen una relación de causas y efecto. Es posible que las personas que toman antibióticos con más frecuencia tengan otros factores que influyen en su menor riesgo de demencia, como un mejor acceso a la atención médica o un estilo de vida más saludable.
Para determinar si estos fármacos realmente tienen un efecto protector, se necesitan ensayos clínicos controlados que comparen a pacientes tratados con antibióticos frente a un grupo placebo a lo largo del tiempo.
Otro obstáculo es la preocupación por el abuso de antibióticos y la resistencia bacteriana. El uso indiscriminado de estos medicamentos podría generar más problemas de salud pública, haciendo que las bacterias sean más resistentes y difíciles de tratar. Por ello, cualquier estrategia basada en antibióticos para combatir la demencia deberá ser cuidadosamente regulada y utilizada únicamente en casos específicos.
A medida que avanza la investigación, los científicos también están explorando el papel de otros fármacos, como antivirales y antiinflamatorios, en la prevención del deterioro cognitivo. Si se logra identificar tratamientos efectivos y seguros, el impacto en la salud global podría ser significativo, ofreciendo una nueva esperanza en la lucha contra la demencia.
Historias de la historia(J.Sanz) — «Seis Triple Ocho«, que se estrenó a finales de diciembre en Netflix, rinde homenaje al 6888º Batallón del Directorio Postal Central, el único batallón de mujeres negras que sirvió en el extranjero durante la Segunda Guerra Mundial.
Esta es su historia… El 14 de mayo de 1942 el Congreso de los Estados Unidos aprobó la creación del Cuerpo Auxiliar del Ejército de Mujeres (WAAC, por sus siglas en inglés):
Con el propósito de poner a disposición de la defensa nacional el conocimiento, la habilidad y la formación especial de las mujeres de la nación.
Aquel gran paso adelante quedó en un intento, porque el WACC se creó como un cuerpo auxiliar del ejército, pero no integrado en el ejército ni, por tanto, sometido a la legislación militar (para bien o para mal). Eso implicaba que, por ejemplo, no podían ejercer fuera de las fronteras nacionales o no tenían derecho al seguro de vida del gobierno que cubría a todos los militares.
Estas desigualdades con los hombres y la actitud del ejército hacia ellas, propia de una institución rancia e históricamente masculina, por no decir machista, hizo que aquel entusiasmo inicial por alistarse se viniese abajo. ¿Y quién puso el grito en el cielo para desfacer aquel entuerto?
Pues Edith Rogers, la primera mujer elegida para el Congreso como representante del estado de Massachusetts que ya había intervenido en la creación del WAAC y en 1943 elaboró el proyecto de ley que creaba el Cuerpo del Ejército de Mujeres (WAC, por sus siglas en inglés, aunque suene repetitivo).
Por cierto, esta veterana política (estuvo 35 años en el cargo) fue la primera en darse cuenta de las dificultades que tenían los veteranos de guerra para integrarse en la sociedad cuando regresaban a casa, así que se puso manos a la obra y participó en la elaboración de la legislación que les brindaba ayuda educativa y laboral, además de beneficios fiscales y financieros.
El 1 de julio de 1943 el presidente Franklin D. Roosevelt firmó la ley por la que el WAAC cambiaba su nombre a WAC y, lo más importante, pasaba a formar parte del Ejército de los Estados Unidos, equiparando a hombres y mujeres en rango, privilegios o beneficios, y permitiendo «liberar a un hombre para luchar».
Ya tenemos a las mujeres integradas en el ejército, ¿a todas? Pues sí y no.
En teoría sí, porque a comienzos de 1940 se habían eliminado los cupos raciales en el ejército, y en la práctica no, porque las desigualdades persistían y la segregación se mantenía con negros y blancos sirviendo en unidades separadas o, por ejemplo, con los oficiales afroamericanos (los pocos que había) que no podían mandar sobre un blanco, aunque fuera un simple recluta.
Es curioso, o directamente hipócrita, que… EE.UU. luchó una guerra contra los peores regímenes racistas con unas fuerzas armadas en las que el racismo era rampante, y, cuando vencieron, los victoriosos soldados negros que habían devuelto a medio mundo la libertad, regresaron a un país donde seguían siendo ciudadanos de segunda.
Y fueron ellos, los veteranos negros de la Segunda Guerra Mundial, los que en buena parte levantaron el movimiento por los derechos civiles que puso fin a la segregación un par de décadas más tarde. (Carlos Hernández—Echevarría, especialista en estudios norteamericanos y profesor de la Universidad Europea de Madrid).
Y si esto ocurría con los hombres, con las mujeres todavía era más sangrante.
De hecho, tendría que intervenir Mary McLeod Bethune, la llamada Primera Dama de la América Negra, luchadora humanitaria y activista por los derechos de los afroamericanos en general, y de las mujeres en particular, fundadora del Consejo Nacional de Mujeres Negras y, gracias a su amistad con la Primera Dama Eleanor Roosevelt, asesora nacional del presidente Roosevelt.
Aunque como en el resto del Ejército prevaleció la segregación, gracias a Bethune las mujeres de color pudieron alistarse y servir en el teatro europeo, tal y como ya estaban haciendo varias unidades de mujeres blancas.
En noviembre de 1944, el Departamento de Guerra creó el batallón 6888 del Directorio Postal Central compuesto íntegramente por mujeres afroamericanas alistadas en el WAC y al frente la mayor Charity Adams (la oficial afroamericana de más alto rango).
Charity Adams pasando revista
El 3 de febrero de 1945, tras el correspondiente periodo de instrucción en los campamentos, las mujeres del 6888 embarcaron rumbo a Gran Bretaña. Su destino, Birmingham. ¿Y qué había en Birmingham que requería el envío prioritario de este batallón? Pues un problema que afectaba a la moral de las tropas: no se estaba repartiendo el correo por falta de personal y de una organización adecuada.
Y esa fue la labor que se encargó al 6888, entregar miles de cartas y paquetes destinados a los combatientes en el frente que se habían ido acumulando desde antes de Navidad y que, lógicamente, seguían llegando un día tras otro.
Se enfrentaron a montones de correspondencia apilada en almacenes apenas iluminados y carentes de calefacción, donde la palabra organización era una quimera y los roedores hacían de las suyas con los paquetes en los que había comida, y para rematar la faena con escasez de personal (comparable a la falta de servicios básicos en la España vaciada).
Y el problema no solo era el volumen, que también, sino que se enfrentaban a señas insuficientes (en ocasiones solo ponían el nombre) o incorrectas (porque, por ejemplo, el destinatario ya no estuviese donde se dirigía la carta al ser enviado a otro frente), y aun en esos casos, que lo sencillo habría sido dejarlas por imposibles o por no perder el tiempo, investigaron, indagaron y preguntaron aquí y allá para poder hacerles llegar a los soldados aquella conexión con la familia que ayudaba a sobrellevar los terribles y penosos días en el frente.
Y por si no fuera poco, también se encargaban de devolver la correspondencia de los fallecidos.
Harían falta muchos meses, algunos decían que incluso años, para poner remedio a aquella enfermedad que minaba la moral de las tropas. Repitiéndose la máxima «sin correo, moral baja», se pusieron manos a la obra. Implementaron un nuevo sistema de seguimiento y organización por fichas, y trabajando en tres turnos de 8 horas al día durante 7 días a la semana consiguieron procesar unas 65.000 unidades de correspondencia por turno.
En apenas tres meses el batallón de mujeres afroamericanas había conseguido terminar aquel arduo trabajo. Y eso que, además de trabajar con escaso medios y en condiciones nada favorables, tampoco ayudó el ambiente con el resto de militares estadounidenses, porque no fueron bienvenidas ni por los hombres (en general), ni por las mujeres blancas de la WAC.
La verdad es que fueron tratadas con cierta hostilidad por los soldados varones (negros y blancos), e incluso se llegaron a difundir rumores (más falsos que «Enhorabuena eres el visitante 1.000.000 y has ganado un Iphone») que aludían a su carácter y a su honorabilidad.
Estas mujeres lucharon en tres guerras a la vez: la de la discriminación racial, la de la discriminación de género y la propia guerra. Así que, como la comandante Adams era partidaria del donde no me quieren no voy, se crearon sus propias instalaciones con comedor, peluquería, cafetería y otras zonas recreativas.
Por el contrario, quedaron sorprendidas de la educación y la amabilidad con la que eran tratadas por parte de la comunidad local, hasta el punto de que algunas de ellas hicieron amistad con las paisanas del lugar (y también paisanos) y, a veces, eran invitadas a tomar el té en sus casas.
Hecho el trabajo en Birmingham, en junio de 1945 (el 9 de mayo se había producido la capitulación alemana) el batallón 6888 fue enviado a Francia para repetir la misma operación en la localidad de Rouen. Es verdad que el trabajo fue el mismo y con el mismo volumen de cartas y paquetes acumulados, pero las condiciones laborales (incluso tenían ayuda de civiles) y el alojamiento distaban mucho de parecerse en algo a su odisea inglesa.
De hecho, tenían tiempo para descansar, pasear y participar en actividades deportivas. Después de limpiar los almacenes de Rouen, les ordenaron viajar hasta París, donde ya fueron alojadas en hoteles… con desayuno incluido.
Como era de esperar, ya que la alegría dura poco en la casa del pobre, la paulatina disminución de la carga de trabajo redujo las mujeres necesarias para ello, por lo que su número fue disminuyendo progresivamente, así como sus condiciones de trabajo.
De hecho, debían registrar a los civiles que trabajaban con ellas cuando abandonaban las instalaciones por el robo de paquetes, sobre todo los que llevaban comida o algún objeto de valor.
Y lo hacían con mucho dolor de su corazón, porque entendían la situación de las gentes de aquella Francia de posguerra con escasez y privaciones… pero era su trabajo.
En febrero de 1946, el resto del batallón regresó a los Estados Unidos sin ningún tipo de recibimiento y se disolvió sin más ceremonias, ni públicas ni privadas, ni oficiales ni oficiosas.
Con la excepción de unidades más pequeñas de enfermeras afroamericanas que sirvieron en África, Australia e Inglaterra, el Batallón del Directorio Postal Central 6888 fue la única unidad de mujeres afroamericanas que sirvió en el extranjero.
Y aunque más vale tarde que nunca, el 28 de febrero de 2022, la Cámara de Representantes de los Estados Unidos votó una resolución, con 422 votos a favor y 0 en contra, para otorgar la Medalla de Oro del Congreso a las mujeres del Batallón del Directorio Postal Central 6888.
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