La trágica historia detrás de la canción: “La noche que murió Chicago”…
Infobae(A.Dominguez) — Con su contagioso ritmo y su aire festivo, “La noche en que murió Chicago” de la Banda Toro se ha convertido en uno de esos himnos infaltables en las fiestas tradicionales mexicanas. Sin embargo, detrás de su melodía alegre y bailable se oculta una historia mucho más sombría, vinculada a una de las masacres más impactantes de la historia de Estados Unidos.
Contrario a lo que muchos pueden pensar, esta famosa canción no es de creación original de la banda, sino un cover que, sorprendentemente, ha superado a su versión original en popularidad.
La melodía que conocemos hoy en día como “La noche en que murió Chicago” y que fue lanzada en 1994, tiene sus raíces en la canción “The Night Chicago Died”, interpretada por la banda Paper Lace y lanzada en 1974.
Si bien, la versión original contaba con una temática interesante y un ritmo pegajoso, no tuvo el mismo impacto popular que la versión de la Banda Toro.
Aunque la canción de Paper Lace fue bien recibida, no logró mantenerse en la memoria colectiva de las masas y no se convirtió en un tema común en las celebraciones y fiestas.
– Historia de la canción
Aunque muchos disfrutan de la canción sin conocer su contexto, su letra relata hechos reales ocurridos en la noche del 14 de febrero de 1929, en Chicago, Estados Unidos. Aquél día, un grupo de sicarios disfrazados de policías llevó a cabo una masacre en una bodega, que acabó con la vida de siete personas, todas asociadas al crimen organizado de la época.
Fue un ataque dirigido entre las facciones rivales de Al Capone y Bugs Moran, dos de los hombres más poderosos y temidos en la órbita estadounidense de aquellas décadas. El tiroteo que tuvo lugar en esa bodega, conocido como la Masacre de San Valentín, dejó una huella imborrable en la ciudad.
La población, aterrorizada por lo sucedido, vivió horas de desesperación, mientras que varios tiroteos espontáneos se desataron a lo largo de la noche, reflejando el caos que se apoderó de Chicago en ese momento.
La masacre se convirtió en un símbolo del violento conflicto entre las facciones mafiosas de la ciudad y se inscribió como uno de los episodios más sangrientos de la historia del crimen en Estados Unidos.
De esta manera, el cover mexicano no solo mejoró la melodía y adaptó el tema a los ritmos tradicionales, sino que también logró conectar emocionalmente con su audiencia al retratar una historia cruda de violencia y traición.
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Guerras comerciales: lecciones del pasado para un presente incierto…
The Conversation(D.C.Hidalgo/S.S.Ferri) — El retorno de Donald Trump a la Casa Blanca ha reavivado el fantasma de los nacionalismos económicos y las guerras comerciales a escala global.
Las políticas comerciales proteccionistas pueden servir, teóricamente, para impulsar la industria nacional y preservar el empleo, pero siempre a cambio de limitar el estímulo de la competencia internacional y perjudicar a los consumidores nacionales.
Al final, se trata siempre de una transferencia del consumidor al productor.
Sin embargo, dichas políticas han resultado ser una tentación permanente para muchos gobiernos a lo largo de la historia.
En este artículo vamos a ofrecer algunos ejemplos relacionados con determinados contextos que favorecieron el incremento de la hostilidad comercial entre Estados.
– Empobrecer al vecino no beneficia a nadie
En la etapa moderna, tras la expansión ultramarina europea y la formación de imperios coloniales, se consolidaron doctrinas económicas fundamentadas en la protección de sectores productivos estratégicos.
El sistema de flotas, el control estricto de la actividad manufacturera, los monopolios comerciales, la exclusividad colonial y el objetivo de acumulación de metales preciosos para la financiación de la guerra formaban parte del engranaje económico en dicha era.
Al considerar la actividad comercial como un juego de suma cero –lo que un país gana otro debe perderlo– la realidad es que nadie dudaba de que esa fuera la forma correcta de actuar.
Los teóricos del emergente liberalismo económico, encabezados por Adam Smith, criticaron fuertemente este planteamiento. Según las nuevas ideas, la liberación de los factores productivos (recursos, mano de obra, capital, organización empresarial) y las ventajas naturales de la especialización (ventaja comparativa) impulsarían la productividad y las ganancias serían generales para todos los agentes comerciales.
El desarrollo de una actividad comercial sin restricciones impulsaría, por tanto, el crecimiento armonioso de las economías nacionales, la generación de riqueza y las relaciones de amistad entre los pueblos.
– La primera globalización y el triunfo del librecambio
En un mundo en transformación –impulsado por los avances científicos de la incipiente era industrial y el final de las guerras napoleónicas–, la nueva doctrina liberal pudo expandirse gracias al paraguas de la Pax Britannica.
El siglo XIX fundó sus bases sobre la consolidación del liberalismo económico, el uso del patrón oro para organizar el sistema monetario global, la estandarización de los procesos productivos y la difusión del conocimiento científico, apoyado todo sobre la progresiva extensión del Estado liberal.
La tasa de crecimiento económico anual mundial se multiplicó por diez, mientras que el comercio internacional, en plena era del vapor, el telégrafo y el ferrocarril, se situó en un ritmo anual del 5 %. La economía crecía a un ritmo nunca visto pero la tasa de ganancia y los procesos de acumulación de la riqueza generaban sociedades profundamente desiguales.
Más aún, en el último tercio del siglo XIX las grandes naciones industriales se lanzaron a la aventura imperial colonizando amplias regiones del mundo.
La idea del progreso se alineaba con el crecimiento impulsado por el movimiento comercial y los acuerdos multilaterales entre los países que lideraban la expansión imperial. Pese a las crecientes desigualdades a nivel nacional e internacional, la integración económica internacional parecía empujar a dichas naciones hacia un estadio superior de bienestar material.
El fulgurante ascenso alemán y estadounidense en sectores emergentes relacionados con la industria química, la electricidad y la automoción provocaron que Gran Bretaña, protagonista solitario de la primera revolución industrial, se encontrara con nuevos y poderosos competidores amenazando su hegemonía.
Dichos competidores comenzaban a defender planteamientos comerciales distintos a los del líder, abogando por establecer políticas proteccionistas que permitiesen desarrollar sectores económicos estratégicos bajo el argumento de la defensa de las industrias nacientes.
Alemania y Estados Unidos comenzaron a defender la opción estratégica de utilizar el proteccionismo para alcanzar un cierto grado de competitividad que les permitiera optar luego por el librecambio. Pero las tensiones proteccionistas se fueron incrementando en la medida en que se establecían nuevos aranceles.
El nacionalismo imperialista y la competencia industrial impulsaron las rivalidades entre países que, finalmente, entraron en guerra en el verano de 1914.
– Sálvese quien pueda
La Primera Guerra Mundial supuso el fin de un mundo ideal de equilibrios e intereses compartidos. Las relaciones comerciales y de producción quedaron radicalmente alteradas, se perdieron mercados y se finiquitó el sistema monetario internacional con base en el patrón oro.
La recuperación de posguerra se sustentó sobre un repliegue nacionalista fundamentado en los Acuerdos de Paz de Versalles (1919). Volver al liberalismo tradicional era una quimera en la Europa de posguerra pues cada nación miraba exclusivamente por lo suyo y hacía frente a sus dificultades sin tomar en consideración una realidad común.
Se había producido una revolución socialista, seguida de una guerra civil en Rusia, con un bloqueo y aislamiento completo. En Italia había triunfado una revolución ultranacionalista que establecería un modelo de desarrollo autárquico.
Tras el colapso financiero de Wall Street y el comienzo de la Gran Depresión, en los inicios de la década de 1930, se alcanzaron los mayores niveles de hostilidad comercial internacional.
La protección de las economías nacionales era la prioridad, independientemente de los efectos que provocase la subida de aranceles o la devaluación competitiva de divisas con el objeto de mejorar la competitividad en los mercados internacionales. Todo ello provocaba poderosos efectos inflacionarios que afectaban a una población empobrecida y desmoralizada.
En Estados Unidos, la administración de Franklin D. Roosevelt tampoco dudó en activar un programa de intervención masiva para dar apoyo a la industria y la agricultura nacionales, blindando el país frente a la competencia extranjera mediante subsidios a la producción.
En Alemania, el ascenso del nazismo, en 1933, impulsó medidas que establecían una fuerte protección y concentración de los conglomerados industriales.
La creciente rivalidad entre Estados, caracterizada por políticas de nacionalismo económico, daría paso a la carrera de armamentos, como actividad económica generadora de alto valor añadido, llevando a un nuevo enfrentamiento militar en septiembre de 1939.
– Bretton Woods: ¿el final de las guerras comerciales?
En julio de 1944, en la conferencia de Bretton Woods –apenas un mes después del Día D que dio inicio a la liberación de la Europa ocupada–, las potencias trataban de colocar los cimientos del nuevo orden mundial.
Uno de sus propósitos más decididos era no repetir los errores cometidos tras el final de la Primera Guerra Mundial. La clave era una recuperación rápida y equilibrada, basada en una necesaria cooperación entre Estados.
En las sesiones, que dieron origen a instituciones como las Naciones Unidas, el FMI o el Banco Mundial, también se encontraba la Unión Soviética, quien se retiraría posteriormente para crear su propio sistema económico y su espacio de influencia política (COMECON).
Los representantes de los países aliados eran conscientes de la necesidad de restablecer la confianza usando fórmulas ya conocidas: la estabilidad de los tipos de cambio y el multilateralimo.
Con un cambio importante, si el patrón oro y el orden económico internacional del XIX habían sido tutelados por Reino Unido, el nuevo orden político y económico consolidaría el papel como potencia de Estados Unidos.
Así, aparecieron nuevos tratados y reglas de juego. El acuerdo general sobre aranceles y comercio (GATT) –consolidado desde 1994 como Organización Mundial del Comercio (OMC)– o la constitución de la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económico (OCDE) como elemento de cooperación política multilateral habían sido diseñados para potenciar el libre comercio como elemento teórico de promoción de paz y amistad entre pueblos.
Los primeros acuerdos sobre la producción e intercambio de carbón y acero, que dieron origen a la UE, son representativos de esta filosofía política.
– La globalización neoliberal y sus límites
Las crisis del petróleo de 1973 y 1979, y el agotamiento del modelo de producción en cadena marcaron un nuevo cambio en las políticas macroeconómicas y el ascenso del neoliberalismo.
En las últimas décadas del siglo XX, con la revolución tecnológica en las telecomunicaciones, el colapso de las economías de planificación centralizada y la desregulación progresiva de los mercados de capitales el mundo se vio empujado hacia una integración económica acelerada. Una segunda era de globalización.
La liberalización económica impulsada por las grandes potencias y las instituciones económicas globales provocaron inmediatas distorsiones en el sur global, cuyo desarrollo económico reclamaba políticas básicas de protección, especialmente en el ámbito agrario, pilar de su estructura económica.
En esta coyuntura, las economías emergentes de mayor crecimiento (Brasil, Rusia, India, China y Sudáfrica) crearon en 2010 la alianza BRICS para convertirse en una alternativa al poder hegemónico que sobrevivió a la Guerra Fría. La mayor competencia internacional en sectores estratégicos como la alta tecnología o la automoción han puesto en evidencia su empuje.
– El mundo perdido
La principal causa de la guerra comercial que acaba de inaugurar Estados Unidos con la elevación de aranceles en sectores sensibles de su economía es la sensación de pérdida de los beneficios alcanzados en esa segunda era de la globalización.
Como ha ocurrido siempre, ya ha habido réplicas de las contrapartes. Las guerras comerciales impulsadas por potencias hegemónicas, presuntamente en defensa del empleo y la producción nacional, vienen acompañadas de respuestas en un sentido recíproco que siempre actúan en perjuicio del consumidor.
La consecuente inflación afectará de forma particular a las rentas más bajas. El otro acompañante habitual de las guerras comerciales parece mucho más sombrío.
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Lelo Burti…
Historia Hoy(M.A.Hernández) — Una mezcla de juego, evento, tradición, deporte y ritual se lleva a cabo desde hace siglos en Guria, una región de Georgia. Este “juego feroz”, que se ha transmitido a lo largo de muchas generaciones, se llama Lelo Burti.
Lelo Burti, un símbolo de la cultura georgiana, se traduce como “pelota de campo”, a pesar de que “lelo” es una antigua palabra georgiana que significa “hacer algo por la fuerza”.
El origen del juego no está del todo claro: algunas versiones afirman que proviene de un antiguo juego georgiano llamado “Burtaoba” que ya era mencionado en un poema del siglo XII mientras que otras versiones sostienen que su origen es más cercano y remite a 1854, cuando un grupo de tropas gurianas (Guria está en el sudoeste de Georgia) derrotó a un ejército del Imperio Otomano empujando a los turcos con todas sus fuerzas hacia atrás en las colinas; esta versión dice que cada partido de Lelo Burti es a la vez un homenaje y una recreación de esa histórica batalla.
El juego en su modo tradicional se juega el domingo de Pascua en la región de Guria, en Shukhuti, un pueblo que abarca dos aldeas: Zemo Shukhuti (la zona norte del pueblo, “Alto Shukhuti”) y Kvemo Shukhuti (la zona sur, “Bajo Shukhuti”). Las dos comunidades se enfrentan ese día, y el habitualmente tranquilo pueblo se transforma en un caos ingobernable.
Después de la sovietización y aún hoy en día Lelo Burti ha superado las fronteras de la región de Guria, existiendo campeonatos entre las distintas regiones.
Se establecieron ciertas reglas que estandarizaron el juego a lo largo de todo el país transformándolo en una especie de “deporte nacional” más organizado, con torneos y calendarios establecidos, que se juega en estadios, en una cancha bien delimitada, de las mismas medidas que una cancha de rugby, con dos equipos con atuendo deportivo y cuya estética se asemeja a la de un “rugby desordenado”, si bien la pelota puede pasarse tanto hacia atrás como hacia adelante y no existe el offside ni posiciones fijas de los jugadores.
Pero la forma original, caótica y tradicional del juego sólo se mantiene en la pequeña aldea guriana de Shukhuti; así que vayamos al día del juego, que se desarrolla el domingo de Pascua.
La mañana comienza cosiendo una gran bola de cuero negro llena de arena, tierra y aserrín, simbólicamente empapada con una copa de vino tinto Aladasturi. La pelota en realidad no es redonda sino que tiene la forma de una enorme calabaza, de mayor diámetro horizontal que vertical, que pesa entre 15 y 18 kg.
Luego se escribe en el balón la palabra “Lelo” y el año en curso con pintura blanca. Cada año se utiliza una pelota nueva, que es llevada a la iglesia del pueblo (St. George) para ser bendecida y guardada por un buen rato hasta que comience el juego.
Esa mañana se organizan también algunos otros juegos deportivos, eventos musicales con bandas locales y una feria en la que se venden comidas típicas de la región.
El área de disputa del juego es un amplio terreno entre dos arroyos; dicho terreno incluye jardines, parques, charcos, descampados, huertos, terreno irregular, en resumen: lo que haya. La carretera que pasa por el pueblo se cierra hasta que termine el partido.
El juego consiste en llevar la pelota hasta uno de los dos arroyos en los extremos del terreno; cada equipo debe trasladar la pelota “empujando” o “arriando” (como en un enorme o multirudinario scrum) al equipo rival hasta llevar la pelota hasta el destino final, esto es: llevar el balón a su propio lado del pueblo.
Por eso, los equipos inician el juego en el lado opuesto al propio: Zemo Shukhuti del lado de Kvemo Shukhuti y viceversa.
En el Lelo Burti tradicional, la regla principal es que no hay reglas; en realidad, la única regla establecida es la que dice que los participantes no pueden jugar bajo los efectos del alcohol (aunque ni siquiera esa regla se cumple a rajatabla).
La cantidad de jugadores participantes en Lelo Burti tampoco está reglamentada, pero cuanta más gente participe de cada lado de la aldea, mayores serán sus posibilidades de ganar.
Pueden jugar todos los que quieran (ha habido enfrentamientos en los que había trescientos participantes de cada lado) y cualquiera puede participar en el juego: georgianos, extranjeros, niños y mujeres, aunque éstas rara vez lo hacen; todavía es principalmente un juego de hombres.
La duración del evento tampoco tiene límite, ya que se juega hasta que un equipo gane; esto puede llevar desde media hora hasta varias horas.
El partido-evento comienza a las 17hs en el centro del pueblo, a pocos metros de la iglesia. Mientras un hombre vestido con una camisa tradicional guriana y un Kabalakhi (un pañuelo masculino en la cabeza) dispara un tiro de escopeta, el sacerdote del pueblo lanza la pelota a los participantes (en el pasado, era el residente más viejo del pueblo quien daba inicio al juego lanzando la pelota).
Cuando comienza el juego se desata una locura salvaje en la que vale absolutamente todo: golpes, patadas, tackles, insultos, artes marciales, lo que sea. No hay reglas que limiten lo que alguien puede hacer para conseguir la pelota, y se permite cualquier maniobra o forma de empujarse unos a otros.
Es la locura en su forma más desatada: dos enormes hordas indistinguibles que se enfrentan en un cuerpo a cuerpo colectivo y caótico. Como es de esperar, son frecuentes las lesiones; cuando ocurren, los participantes levantan la mano para indicar una pausa y darle tiempo a la persona para salir del enorme scrum.
Sólo se detiene el partido cuando hay fracturados o desmayados, y en la historia del Lelo Burti las personas fallecidas por problemas del corazón sobrepasan las doscientas.
El juego termina una vez que la pelota es llevada al otro lado del arroyo, y el único premio en el juego es la pelota, aunque el orgullo y el honor de ganar es lo más importante.
No se puede lanzar ni pasar la pelota, que siempre se mantiene en los brazos de alguien; el juego es tan caótico y tan intenso que la pelota sólo la ven quienes están inmediatamente cerca de la misma, mientras el resto forma parte de la enorme marea humana que empuja y golpea, por eso es casi imposible ver la pelota durante el partido y la mayoría de los jugadores, que ni siquiera llegan a tocar la pelota, tienen como tarea principal empujar el scrum gigante para mover la masa hacia el arroyo de llegada.
Cuando los jugadores necesitan aire, descansar o tomar agua, salen del amontonamiento, descansan y luego vuelven.
Después del “partido” el equipo ganador no se lleva el balón a casa, sino que lo lleva al cementerio y lo coloca en la tumba de algún vecino fallecido el año anterior.
Para eso, antes del partido, cada equipo elige a qué fallecido de su comunidad le llevará el balón como homenaje y, camino al cementerio, los ganadores pasan previamente por la casa de la familia del fallecido para rendirle honores.
En la casa del fallecido, su familia prepara una gran mesa con comida y vino (“el vino nunca es suficiente”, dicen los georgianos), y todos son bienvenidos a brindar, felicitar a los ganadores y rendir homenaje a los muertos. Después de brindar, el equipo ganador y todos quienes quieran acompañar se dirigen hacia el cementerio.
Una vez allí, el enorme balón se coloca frente a la lápida, se encienden velas y todos muestran su respeto con un par de minutos de silencio. Luego hay una fiesta más grande (a la que llaman “supra”) en la que cualquiera puede participar y que comienza luego de la bendición del sacerdote, una oración y un nuevo brindis.
La intensidad y la violencia física del Lelo Burti es intimidante; Lelo Burti es anacrónico, anarquista, sin leyes, sin disciplina, sin táctica, sin entrenamiento previo, sin profesionalización: “el deporte más salvaje del mundo”, dicen orgullosos los georgianos.
En 2019 Lelo Burti obtuvo el status de Patrimonio Cultural de Georgia, y el seleccionado de rugby de Georgia es conocido en el mundo del rugby como “Los Lelos” en clara referencia a este juego que forma parte de la idiosincrasia georgiana.
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Marion Zioncheck, la bipolaridad hecha persona…
Marcianosmz — El caso de Marion Zioncheck resaltó la importancia de abordar las enfermedades mentales en el estado de Washington. El fantasma de la enfermedad mental acecha a la humanidad desde el instante mismo en que esta surgió. Y aunque nuestra especie ha subsistido durante miles de años, no es sino hasta los últimos siglos que abordamos este tema tan complejo.
Otorgando el tiempo y estudio necesario para impulsar avances en el campo y producir un impacto significativo en la vida de aquellos individuos que la padecen, así como en sus seres queridos.
Era un día bastante cálido en Seattle, exactamente el 7 de agosto de 1936. Un suave viento soplaba entre las calles empedradas de la ciudad mientras las gaviotas, indiferentes a la actividad humana, entonaban su canción. En la intersección de la tercera avenida y la calle Cherry, erguía majestuoso el hotel “Arctic Club”.
Una edificación con esquinas bellamente adornadas con intrincados grabados de morsas, un auténtico tributo al arte y la arquitectura.
Sin embargo, en el quinto piso del icónico edificio se desarrollaba una tragedia personal, mientras un hombre llamado Marion Zioncheck miraba al vacío.
– ¿Quién era Marion Zioncheck?
Marion Zioncheck era un inmigrante polaco que nació el 5 de diciembre de 1901 en Kety, Austria/Hungría. Llegó a los Estados Unidos en 1905 acompañado de sus padres, quienes se establecieron en Seattle. Estudió derecho en la prestigiosa Universidad de Washington, y rápidamente destacó como figura política de la “Ciudad Esmeralda”.
La ciudadanía lo eligió para ocupar un puesto en el Congreso, derrocando al entonces titular republicano Ralph A. Horr.
Esto en el marco del descontento público hacia Herbert Hoover y sus colegas republicanos. Cuyo desastroso manejo del mercado de valores condujo a la Gran Depresión. El trabajo de Zioncheck en el Congreso resultó crucial para impulsar las políticas del “New Deal” de Franklin D. Roosevelt.
Sin embargo, sus excentricidades e impredecible comportamiento eclipsaron su trabajo. Entre sus atrevidos actos destacaban el conducir un automóvil por el césped de la Casa Blanca o bailar ebrio en las fuentes de agua de Washington D.C.
. Político con un futuro prometedor.
A grandes rasgos, era un hombre con una vida política vibrante y llena de contrastes. Se sabía que experimentaba dramáticos cambios de humor y que podía pasar de la felicidad plena a una depresión paralizante. Durante su segundo mandato en el Congreso, el matrimonio con su esposa Rubye terminó prematuramente tras apenas dos meses de casados. Esta mujer fue su cómplice en algunas de sus extravagantes andanzas.
– Marion Zioncheck, el congresista bipolar.
Un día después del divorcio, el 1 de junio de 1936, inmerso en un torbellino emocional, Zioncheck emprendió una serie de actos descontrolados para dar con el paradero de Rubye y terminó arrestado. Tras diagnosticarlo con trastorno bipolar, lo ingresaron a la Unidad Psicopática del Hospital Municipal Gallinger en Washinton.
Allí, los expertos le informaron que su estilo de vida y el estrés generado por el trabajo le provocaron el episodio mental.
Posteriormente, se le trasladó a una instalación más pequeña en Maryland.
Sin embargo, escapó saltando una pared y regresó a su hogar en Washington junto a Rubye, que regresó con él. Pese a la decepción pública por su errático comportamiento y la declaración de que no buscaría una reelección, se sintió traicionado por su amigo Warren G. Magnuson cuando este anunció su candidatura para llenar el vacío en el Congreso.
Esta traición, como algunos lo interpretaron, afectó profundamente a Zioncheck. Aquel fatídico 7 de agosto de 1936 en el quinto piso del Hotel Arctic Club, el estado mental de Zioncheck alcanzó un punto crítico. Se lanzó por la ventana e instantes después cayó frente a su esposa Rubye, quien lo esperaba en la salida del hotel.
El destacado político dejó atrás una nota que decía: “Mi única esperanza en vida era mejorar las condiciones de un sistema económico injusto que no ofrecía promesas ni siquiera de sobrevivir, y mucho menos de vivir”.
– Enfermedades mentales.
La pérdida de Marion Zioncheck se lamentó por todo el estado de Washington, que le dedicó un emotivo homenaje. A pesar de que su memoria ha quedado eclipsada por otras figuras más tenebrosas en la historia, su legado nos recuerda la importancia de comprender y apoyar a aquellos que enfrentan enfermedades mentales.
Es vital recordar que, más allá de la tragedia personal, su historia encierra un mensaje importante sobre la fragilidad de la mente humana y la relevancia de abordar de manera compasiva y profesional las enfermedades mentales.
A raíz de su trágico suceso, se llevaron a cabo esfuerzos para mejorar la atención y el tratamiento de las personas que enfrentaban trastornos mentales. Se establecieron más recursos y clínicas especializadas en salud mental para brindar apoyo a aquellos que lo necesitaban.
Además, se crearon campañas de concientización y educación para desterrar el estigma en torno a las enfermedades mentales y promover una comprensión más profunda sobre el tema. Se alentó a las personas a hablar abiertamente sobre sus experiencias y buscar ayuda sin temor a ser juzgados.
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La ciencia detrás de “Frankenstein”: estas son las teorías científicas que inspiraron la novela de Mary Shelley…
Muy Interesante(E.Couto) — Publicada en 1818, Frankenstein o el moderno Prometeo es una de las obras más influyentes tanto de la literatura gótica como de la ciencia-ficción. La novela narra la historia de Victor Frankenstein, un joven científico que, obsesionado con el misterio de la vida, da origen a una criatura construida artificialmente a partir de partes cadavéricas.
Llevada al cine y la televisión en innumerables ocasiones (una de la más recientes, de la mano de Guillermo del Toro), Frankenstein funciona como un compendio de los principales avances y teorías científicas de su época.
. La autora de «Frankenstein«
Hija de la filósofa feminista Mary Wollstonecraft y el político William Godwin, Mary Shelley nació en 1797 en Londres. Su infancia estuvo marcada por la influencia de las ideas ilustradas y progresistas de su familia. En 1816, se casó con el poeta Percy Bysshe Shelley.
Mary Shelley también escribió otras novelas como El último hombre (1826), una obra que exploraba la idea de un mundo postapocalíptico, así como la novela histórica Valperga (1823). Sin embargo, fue Frankenstein la que consolidó su legado literario y la situó como pionera de la ciencia-ficción.
. La génesis de la novela
Sucedió en el ya legendario verano de 1816. Fue durante la estancia que pasó con Lord Byron, John Polidori y su marido en Villa Diodati, que la autora concibió la idea de Frankenstein. Entre tormentas y lecturas de cuentos de fantasmas, Byron propuso un reto al grupo: cada uno de ellos intentaría escribir la mejor historia de terror de todos los tiempos.
Mary Shelley concibió Frankenstein inspirada por una pesadilla, a la que se unieron los debates sobre los avances científicos de la época. Entre ellos, se incluía la electricidad y la posibilidad de reanimar los tejidos muertos.
La discusión sobre la probabilidad de crear vida mediante la ciencia fue el catalizador de la idea central de la novela que acabaría encumbrándola como una de las figuras más importantes de la literatura universal.
– El papel de la ciencia en Frankenstein
La novela refleja una preocupación por los avances científicos y sus implicaciones éticas. Victor Frankenstein representa la figura del científico que desafía los límites de la naturaleza sin tener en cuenta las consecuencias futuras de sus acciones.
Frankenstein combina ideas de la Revolución científica con la creciente fascinación por la biología y la electricidad que surgió en el siglo XIX. La crítica de la arrogancia científica, así como la responsabilidad de los investigadores en sus experimentos y creaciones son elementos clave de la obra.
– Experimentos con la electricidad
. El trabajo pionero de Luigi Galvani
Uno de los principales referentes científicos de Frankenstein fue el trabajo de Luigi Galvani y su teoría de la electricidad animal. En el siglo XVIII, Galvani descubrió que las patas de una rana muerta se contraían al ser estimuladas con electricidad, lo que llevó a la hipótesis de que la electricidad podía reanimar la materia muerta.
En Londres, su sobrino, Giovanni Aldini, también realizó experimentos con cadáveres humanos: usó la electricidad para inducir movimientos en los cuerpos sin vida. Todos estos estudios influyeron en Shelley y en su descripción del método utilizado por Victor Frankenstein para dar vida a su criatura.
. Humphry Davy y la electroquímica
Además de los experimentos de Galvani y Aldini, la obra también se nutrió de las ideas de Humphry Davy, quien realizó investigaciones sobre la electroquímica y la descomposición de sustancias mediante electricidad. Davy defendía la idea de que la electricidad era una fuerza fundamental para la vida, lo que también pudo haber inspirado a Shelley.
– Medicina y técnicas de resurrección
. Anatomía y fisiología
A finales del siglo XVIII y principios del XIX, la medicina experimentó avances significativos en los campos de la anatomía y la fisiología. Se realizaron experimentos con transfusiones de sangre, y se procedió a la resucitación mediante el masaje cardíaco y la ventilación artificial.
. La electricidad y la revivificación de cadáveres
El cirujano escocés Andrew Ure intentó revivir cadáveres mediante electricidad, lo que reforzó la idea de que la muerte podía ser un proceso reversible. Estas prácticas influyeron en la narrativa de Shelley y en la concepción de la resurrección artificial.
El trabajo de Erasmus Darwin también jugó un papel importante en la génesis de la novela. Sus experimentos con materia orgánica y su teoría de la evolución fueron cruciales para el contexto científico en el que Shelley escribió Frankenstein.
– La exploración polar
Otro elemento científico presente en la novela concierne la exploración polar. Frankenstein comienza y termina con las cartas de Robert Walton, un explorador que se ha propuesto alcanzar el Polo Norte. En la época de Shelley, las expediciones polares constituían un símbolo del afán humano por el descubrimiento, similar al impulso científico de Frankenstein por cruzar los límites impuestos por la naturaleza.
– El legado de Frankenstein
La obra de Mary Shelley ha dejado una profunda huella en la cultura y la ciencia. Frankenstein se considera la novela fundacional de la ciencia-ficción, pero, más allá de esto, se reconoce como un trabajo clave que ha fomentado debates más amplios sobre cuestiones como la bioética, la inteligencia artificial y la manipulación genética.
La novela sigue siendo un referente en la discusión sobre los límites del conocimiento y la responsabilidad moral de los científicos. La historia refleja el deseo de conquistar lo desconocido, pero también advierte de los peligros de la ambición desmedida. Plantea cuestiones sobre los límites de la ciencia, la ética de la experimentación y las consecuencias de traspasar los límites del conocimiento.
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Cómo una colilla de cigarrillo ayudó a resolver un asesinato 30 años después de que sucediera…
BBC News mundo(P.O´Hare) — Una colilla de cigarrillo encontrada en el apartamento de Mary McLaughlin fue la primera pista sobre la identidad de su asesino, más de 30 años después de que fuera estrangulada.
Posteriormente, se descubrió un perfil de ADN que coincidía con esa identidad en el nudo del cordón de la bata con el que fue asesinada la madre de 11 hijos residente en Escocia.
El descubrimiento desconcertó en un principio a los detectives de casos sin resolver, ya que el principal sospechoso estaba preso en Edimburgo cuando Mary, de 58 años, fue hallada muerta en el oeste de Glasgow.
Pero un libro de registros del alcaide de la prisión confirmó que Graham McGill, un agresor sexual en serie, estaba en libertad condicional cuando la mujer fue asesinada.
Y reveló que regresó a su celda pocas horas después de abandonar la casa de Mary en la madrugada del 27 de septiembre de 1984.
– El asesinato de Mary
Un nuevo documental de la BBC, Murder Case: The Hunt for Mary McLaughlin’s Killer, cuenta la historia de la investigación de este caso abierto, así como el devastador impacto que el asesinato tuvo en la familia de Mary.
La científica forense Joanne Cochrane dijo: «Hay algunos asesinatos que se te quedan grabados».
«El asesinato de Mary es uno de los casos sin resolver más inquietantes de los que me he encargado».
Mary pasó su última noche bebiendo y jugando al dominó en un pub.
Salió sola del bar, entre las 22:15 y las 22:30 para caminar menos de 2 kilómetros hasta su apartamento.
Por el camino entró en una tienda de papas fritas, donde bromeó con el personal mientras compraba frituras y cigarrillos.
Un taxista contó tiempo después que vio a un hombre solo que la seguía mientras caminaba descalza por la calle con los zapatos en la mano.
La secuencia de acontecimientos que llevaron a McGill a acabar en el apartamento de Mary es desconocida, pero no había indicios de que la puerta hubiera sido forzada.
Una vez dentro, el asesino atacó salvajemente a la mujer, que le doblaba la edad.
Era una época en la que aún no existían los teléfonos móviles, y Mary no estaba en contacto frecuente con su numerosa familia.
Una vez a la semana, uno de sus hijos, Martin Cullen, la visitaba.
Pero cuando el joven de 24 años llegó al apartamento el 2 de octubre de 1984, no obtuvo respuesta y, al abrir el buzón del correo, percibió un «olor horrible».
Mary fue hallada muerta dentro, tendida de espaldas sobre un colchón sin sábanas.
Su dentadura postiza estaba en el suelo y le habían puesto el vestido verde que llevaba para ir al pub al revés.
El exinvestigador Iain Wishart describió la escena del crimen como «particularmente cruel».
Y añadió: «Lo trágico es que ella habría estado mirándolo a los ojos cuando él cometió el asesinato».
La autopsia concluyó que Mary había muerto tras ser estrangulada al menos cinco días antes.
Los detectives recopilaron más de 1.000 declaraciones en los meses siguientes, pero la búsqueda del asesino de Mary desembocó en una serie de callejones sin salida.
Al año siguiente se comunicó a la familia que la investigación se había cerrado, pero un agente del Departamento de Investigación Criminal exhortó a la hija de Mary Gina McGavin a que no perdiera la esperanza.
– Las sospechas y el hallazgo
Mary tuvo 11 hijos con dos hombres y era muy conocida en el barrio.
Su hija Gina contó en el documental que hubo tensiones cuando dejó a sus seis primeros hijos y a los cinco que tuvo con una segunda pareja.
Dijo: «Pensé que había un asesino oculto en la familia».
Gina, que escribió un libro sobre el asesinato de su madre, contó que comunicó sus sospechas a la policía.
Y añadió: «Mis hermanos pensaban lo mismo que yo en 1984».
«Que era uno de sus propios hijos el que había estado implicado o sabía algo más, pero no pudimos demostrar nada».
Para 2008, cuatro investigaciones distintas no habían logrado establecer el perfil del sospechoso.
La quinta investigación empezó en 2014 y el descubrimiento final fue posible gracias a un nuevo centro de análisis de ADN en el Scottish Crime Campus (SCC) de Gartcosh, Escocia.
Hasta entonces, los expertos podían analizar 11 marcadores individuales de ADN, pero la tecnología más reciente era capaz de identificar 24.
Eso aumentaba drásticamente las probabilidades de que los científicos obtuvieran un resultado a partir de muestras más pequeñas o de menor calidad.
Tom Nelson, director forense de la Autoridad Policial de Escocia, afirmó en 2015 que la tecnología permitiría «retroceder en el tiempo, con el potencial de hacer justicia para quienes casi habían perdido la esperanza».
– La colilla que dio la respuesta
Las muestras recogidas en 1984 incluían mechones de pelo de Mary, raspaduras de uñas y colillas de cigarrillos.
A Joanne Cochrane, la científica forense que trabaja en el SCC, le pidieron que revisara las pruebas de la escena del crimen que se habían conservado en bolsas de papel durante 30 años.
«En esa época no se conocían los perfiles de ADN».
Quienes se dieron a la tarea de guardar estas pruebas «no sabían el potencial de estos objetos. Era imposible saber el valor que podían tener».
El equipo de investigación original tuvo una «previsión asombrosa» para preservar las pruebas, afirmó Cochrane.
El descubrimiento finalmente se logró gracias a una colilla de cigarrillo Embassy que había quedado en un cenicero de la mesa de centro de la sala.
Resultó de especial interés para el equipo encargado de los casos sin resolver, ya que la marca preferida de Mary era Woodbine.
Cochrane dijo que confiaba en que los avances tecnológicos le permitieran obtener rastros de ADN.
«Entonces llegamos a ese momento Eureka en el que la colilla, que antes no nos daba un perfil de ADN, ahora nos ofrecía uno masculino completo.
«Era la primera pieza de ciencia forense de importancia probatoria significativa en el caso».
La información se envió a la base de datos escocesa de ADN y se comparó con miles de perfiles de delincuentes condenados.
El resultado le llegó a Cochrane en un formulario, por correo electrónico.
Rápidamente se desplazó hasta el final y vio una equis junto a la casilla: «Coincidencia directa».
«Fue un momento que me puso la piel de gallina», dijo la experta.
«El formulario identificaba a una persona llamada Graham McGill, que tenía condenas graves por delitos sexuales.
«Después de más de 30 años, teníamos un individuo que coincidía con ese perfil de ADN».
– Un nuevo enigma
Pero el tan esperado avance supuso un enigma cuando se supo que McGill —que había sido condenado por violación e intento de violación— estaba preso cuando Mary fue asesinada.
Los registros indicaban que no fue puesto en libertad hasta el 5 de octubre de 1984, nueve días después de que la mujer fuera vista con vida por última vez.
Al exsargento Kenny McCubbin se le encomendó la tarea de resolver ese misterio.
Y a Cochrane se le dijo que se necesitaban más pruebas forenses para poder construir un caso convincente.
Esa búsqueda condujo a otra prueba: el cordón de la bata utilizado para estrangular a Mary.
Cochrane creía que era muy probable que la persona que apretó el nudo hubiera tocado el pedazo material que se ocultaba dentro del mismo.
Bajo el resplandor de las luces fluorescentes de su laboratorio, lo desató lentamente, poco a poco, para dejar al descubierto el tejido por primera vez en más de tres décadas.
«Encontramos la prueba clave, el ADN de Graham McGill», afirmó Cochrane.
«Él había atado esa ligadura alrededor del cuello de Mary y había hecho esos nudos para estrangular a Mary».
– Las últimas respuestas
Por otra parte, también se encontraron restos de semen de McGill en el vestido verde de la mujer.
Pero el exsargento McCubbin, que ya está retirado, dijo en el documental que las pruebas forenses por sí solas no bastaban para garantizar una condena.
«No importaba el ADN que tuviéramos», señaló.
«Tiene la coartada perfecta. ¿Cómo pudo cometer el asesinato si estaba en la cárcel?».
Los registros eran difíciles de encontrar, ya que la prisión de Edimburgo estaba siendo reconstruida en el momento del asesinato y mucho papeleo se había perdido.
Pero la búsqueda de McCubbin lo llevó al Archivo Nacional de Escocia, en el corazón de Edimburgo, donde encontró los diarios del alcaide.
Una sola anotación lo cambió todo.
Junto a un número de prisión aparecía el nombre «G McGill» y las siglas «TFF».
El exsargento dijo: «Eso era Training For Freedom (es decir, entrenamiento para la libertad), lo que significaba un permiso de fin de semana en casa».
El equipo de investigación descubrió que McGill disfrutó de dos días de permiso de fin de semana, a los que se añadieron tres días de permiso previo a la libertad condicional, y regresó a la prisión el 27 de septiembre de 1984.
En palabras de Mark Henderson, exinvestigador: «Esa era la pepita de oro que estábamos buscando».
McGill fue finalmente arrestado el 4 de diciembre de 2019.
En ese momento, todavía estaba siendo controlado como delincuente sexual y trabajaba como fabricante para una empresa.
Gina dijo que la noticia fue un alivio y agregó: «Nunca pensé que iba a ver esto en mi vida».
Finalmente, McGill fue declarado culpable tras un juicio de cuatro días en abril de 2021 y condenado a un mínimo de 14 años de cárcel.
El juez, Lord Burns, declaró ante el Tribunal Superior de Glasgow que McGill tenía 22 años cuando estranguló a Mary, pero se sentó en el estrado con 59 años.
Y añadió: «Su familia ha tenido que esperar todo ese tiempo para descubrir al responsable de ese acto sabiendo que quien lo hizo probablemente andaba suelto».
«Nunca perdieron la esperanza de que algún día descubrirían lo que le había ocurrido a ella»
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Trece años del hundimiento de ‘El Vaporcito’, el cadáver marino a orillas del Guadalete…
La Voz de Cádiz(J.Zaldívar) — El 30 de agosto en El Puerto y Cádiz es la efeméride de una muerte, del fallecimiento de parte del alma de la Bahía de Cádiz. Ese mismo día, a las 17:00 partiría desde El Puerto de Santa María la motonave Adriano III, más conocida por todos como ‘El Vaporcito‘, por última vez.
La mar estaba en calma, se gozaba de una tarde de verano de las de siempre, buena temperatura, sol y una tímida brisa que hacía que uno disfrutara del breve trayecto por mar, nada auguraba el desastre. Lo que no sabía la embarcación es que no volvería hasta el 28 de noviembre, 90 días después.
El origen de la embarcación, más concretamente del Adriano I, hermano mayor del actual, se localiza en la ría de Ferrol en 1927. Ahí operó durante tres años ofreciendo rutas turísticas. Llegó a la provincia un par de años después y se quedó hasta morir. Del primero explotó una caldera y pasó al olvido, el segundo fue jubilado por no cumplir la normativa de seguridad.
Tal importancia tenían estas tres naves que en 2001, la Junta de Andalucía lo declaró Bien de Interés Cultural (BIC) porque «su recorrido posee no sólo una dimensión material, de puesta en contacto, mediante el trasvase de población entre dos localidades, sino una dimensión simbólica, de reafirmación cotidiana de los límites simbólicos de la Bahía».
Alrededor de las 17:50 horas del 30 de agosto de 2011, ‘El Vaporcito’ colisionó con una escollera de Punta Soto, consiguió llegar al muelle a tres nudos un recorrido de casi 1,5 km hasta el muelle Reina Victoria de la dársena de Cádiz, desalojó a la tripulación y acabó por hundirse. Fue causado por un error humano.
El 27 de septiembre, tras 28 días hundido, fue reflotado por la empresa armadora y trasladado al Dique Nº3 de los astilleros de Navantia en San Fernando. Al poco tiempo fue trasladado al varadero del Guadalete, como se ha dicho antes, 90 días después de que saliera por última vez.
Desde entonces, el barco ha sido un sinvivir de falsas promesas, de ilusiones perdidas y de brindis al sol. Poco después de la vuelta de la embarcación al varadero, el portavoz de los nuevos socios de la propiedad compareció en rueda de prensa junto al alcalde para comunicar que la embarcación sería sometida a las primeras pruebas de navegación en febrero de 2012, y que el 12 de marzo, coincidiendo con el Bicentenario de la Pepa, haría su primer viaje de El Puerto a Cádiz volviendo a la normalidad, sin embargo, a la vista está no se pudo llevar a cabo.
En el primer aniversario del hundimiento, el nuevo propietario anunció que el Vaporcito volvería a navegar en la primavera del año 2013. La segunda promesa incumplida.
En el año 2014, la instalaciones del Varadero Guadalete, en el número 7 de la Avenida de la Bajamar, fueron derribadas desapareciendo los edificios que albergaban la empresa, quedando tan solo el cerramiento de las instalaciones. Quedando dentro del recinto los decrépitos restos de la embarcación.
En 2020 el insigne Adriano III pasó a pertenecer a la Asociación Cultural El Vaporcito, tras el anterior propietario desechar toda empresa de volverlo a surcar las aguas. Esta asociación sin ánimo de lucro se propuso la tarea deseada por muchos de restaurarlo. El nuevo capítulo de la nave venía anunciado en mayo de 2020, en plena pandemia, como un pellizco de fe que acabó siendo una nonada de esperanza.
Esta iniciativa anhelaba convertir la motonave en un museo en dique seco en ese varadero, todo mediante una financiación de colaboración público-privada. Cosa que no llegó a buen puerto, la entidad acabó por claudicar ante la incapacidad de poder llevarlo a cabo.
– En la actualidad
En la actualidad el barco se encuentra donde se dejó en su momento, 13 años al aire libre a merced de las asperezas del tiempo, en las que el sol, sin pudor alguno, ha ido encarroñando paulatinamente la embarcación; la lluvia ha ido hinchando, agrietando y corrompiendo la madera; y el viento ha ido lentamente agitando al Adriano III hasta que que temblaran todas sus tablas.
Los grafitis marcan heridas de muerte, al igual que marcan los bocados de los buitres en los torsos de los cadáveres tiesos que se encuentran en su camino. Una de esas pintadas asoma en uno de los cristales de la proa, una cara triste muy nimia, una bagatela que adorna los escombros como una flecha entre ceja y ceja adorna el cuerpo de un guerrero ensartado en una quincena de ellas.
La última parte en colapsar fue la popa, se vino abajo dejando tablas, astillas y tornillos pútridos sobre el fango del antiguo varadero. Las mareas en sus días de subida va arrastrando los restos que puede. Ni las gaviotas se acercan ya a rebañar basura.
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«Da asco verlo, para tenerlo así mejor tirarlo, esto hace más daño que honor», comenta un anciano que paseaba por los renovados puentes del nuevo paseo fluvial.
«Si lo rozas se derrumba, está para tirar, es una pena porque es nuestra historia pero esto ya está muy feo», comenta un hombre que estaba pescando deportivamente por la zona.
Este barco, o más bien montaña de cascotes de gran valor sentimental, se encuentra en un desagradable contraste con la gran obra de este mandato municipal de Germán Beardo, el nuevo Paseo Fluvial.
Este proyecto pretende devolver la identidad a la Ribera del Guadalete, utilizando las claves del proyecto de paisaje contemporáneo para convertirlo en dinamizador de la actividad cultural y económica de El Puerto.
Una obra que mezcla los valores históricos, la memoria del agua en la ciudad y su actualidad, poniendo en valor su pasado y su futuro. Entre toda esa obra, queda el último resquicio de esa memoria marina siendo carcomido por la mugre y el tiempo.
A principios de año, Germán Beardo, anunció que el Adriano III, propiedad por entonces de la Asociación Cultural El Vaporcito, iba a ser cedida a la empresa municipal Impulsa El Puerto para que se encargara de la retirada.
Una vez a buen recaudo en otro emplazamiento la empresa abordaría con carpinteros de ribera la manera de salvar lo que queda de la nave, de modo que con lo que se pueda recuperar se pueda crear una recreación tridimensional que aloje un centro de interpretación del Vapor.
Desde enero no hay cambios en la situación y la nave sigue a orillas del Guadalete siendo carcomida por el tiempo.
– Un barco gafado
En 2022, se inauguró en la Avenida de la Bajamar un busto a su emblemático patrón, José Fernández Sanjuán, conocido popularmente como ‘Pepe el del Vapor‘.
A los seis meses de la inauguración de la escultura, fue robada con fuerza usando un soplete. Afortunadamente, al poco tiempo apareció cerca de una acequia en el parque acuático Aqualand. A la vista está que el barco y lo que le rodea no dan para disgustos.
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Una solución a los problemas matrimoniales en la Edad Moderna: el secuestro de mujeres…
The Conversation(M.F.Peñarrocha) — En la Edad Moderna europea (del siglo XVI al XVIII) se consolidó la familia patriarcal, en la que todas las decisiones estaban subordinadas a la autoridad de los varones.
En ese contexto, la concertación de los matrimonios de las mujeres constituía una estrategia social y patrimonial muy importante –para el grupo familiar, para el linaje, para la comunidad–. La última palabra sobre el tema la tenían, en general, los hombres.
¿Y qué sucedía cuando surgían discrepancias en torno al matrimonio? Existía entonces una práctica mediante la cual se intentaba buscar una solución: el secuestro de la mujer.
Este consistía en depositarla y encerrarla durante un tiempo en un determinado lugar –un convento de monjas, la residencia de una viuda de buen nombre y fama, o incluso un hospicio o casa de misericordia–. Las distinciones entre lugares estaban determinadas por la clase social.
– El secuestro de las mujeres
El secuestro de las mujeres es solo una práctica más –aunque muy llamativa– de las que desarrollaban las familias para lograr sus objetivos. Estos objetivos podían incluir conseguir una alianza matrimonial deseada o afianzar una relación en crisis.
Los secuestros podían afectar tanto a las doncellas o solteras como a las casadas. Para las primeras, los padres –o en su defecto los tutores– decidían un secuestro si alguien pretendía a la joven contra la voluntad de la familia o si era ella misma quien disentía del parecer de sus mayores.
En el caso de las segundas, o bien ellas o bien el esposo, cada uno de su lado, acordaban un secuestro que interrumpía temporalmente la convivencia para recomponer la relación o bien iniciar una causa de divorcio –que en el mundo católico se entendía como mera separación de cuerpos–.
La intervención de la Iglesia era crucial. Tenía el monopolio jurisdiccional del matrimonio y las familias solicitaban el apoyo o el asentimiento del vicario de la diócesis para proceder legalmente al secuestro. De oficio, el tribunal eclesiástico podía dictar también el secuestro cuando ya se había iniciado un proceso de divorcio.
Y este instrumento mientras tanto convivía con otras respuestas, como las redes vecinales que servían de auxilio a las esposas envueltas en crisis matrimoniales peligrosas o violentas.
– Las bases culturales
Secuestrar a una mujer significaba confiscar su cuerpo, alejarlo de su vida cotidiana, reordenarlo, normativizarlo. Entraba dentro de la lógica de las bases culturales que existían sobre el matrimonio y el modelo de mujer.
Esta debía considerarse hogareña, nada dada a callejear, ni resuelta ni atrevida –todo lo contrario–, amante del retiro y entregada a las labores domésticas como esposa y como madre. Así lo habían dictado la mayor parte de teólogos, catequistas y humanistas, en especial desde finales de la Edad Media y durante toda la Edad Moderna.
Ahí encontramos a Juan Luis Vives o fray Luis de León, quienes escribieron La instrucción de la mujer cristiana y La perfecta casada respectivamente.
Secuestrar a una mujer era un acto consecuente con la vieja práctica del rapto. Este, a pesar de encontrarse penalizado, hundía sus raíces en los rituales de formación del matrimonio. Y se usaba no pocas veces como mecanismo consentido por la comunidad y la Iglesia para atemperar la voluntad de los parientes.
Así, la doncella quedaba aislada y alejada de estas presiones para poder decidir libremente el casarse o no casarse.
Las tensiones entre linajes feudales crearon el caldo de cultivo, en la Edad Media y más allá, para hacer que los cuerpos de sus mujeres estuviesen en el centro de la competitividad masculina y sus relaciones de poder. Paralelamente, también el derecho canónico matrimonial entendió que las desviaciones como el adulterio femenino merecían el castigo del confinamiento, el ocultamiento del cuerpo de la mujer.
Y cuando fueron posibles las anulaciones de matrimonios, se llegó a aconsejar que, tras el repudio del marido, la mujer debía entrar en un convento. Los monasterios femeninos se irían extendiendo siendo testigos en muchos casos de la presencia de mujeres repudiadas que sanaban allí su alma y –metafóricamente– también su cuerpo.
El secuestro tenía también un sentido doctrinal y teológico. El matrimonio era un solo cuerpo, rememoraba la unión de Cristo y su Iglesia, y la mujer era solo una de sus partes. Llevarla lejos o fuera se suponía que no tenía otra intención que recuperar la salud del todo. Además, como ella debía ser ejemplar, mientras estaba oculta mediante el instrumento del depósito esto diluía la amenaza que su mal ejemplo provocaba en la sociedad.
– El secuestro como liberación y como represión
Aunque se entiende el secuestro femenino en los asuntos concernientes al matrimonio como un instrumento de represión, se ha podido demostrar que las mujeres lo utilizaron también para liberarse. Hay que tener en cuenta que, cuando las secuestradas eran casadas, en la mayor parte de los casos habían sido precisamente ellas quienes habían interpuesto las acciones legales.
Dejar de convivir con un marido maltratador, rodeadas de quienes asumían ante la Iglesia la obligación de protegerlas, era un éxito sin paliativos.
Cuando la Iglesia ratificó la necesidad del libre consentimiento para la validez del matrimonio, bajo el Concilio de Trento en 1563, no faltaron tampoco muchachas casaderas que se dirigieron directamente al vicario de su diócesis para solicitar su propio secuestro.
Buscaban así alejarse de las presiones recibidas por sus padres o familiares, mostrando públicamente la relevancia de disponer de un espacio y un tiempo propio para reflexionar y tomar la decisión más conveniente.
De algún modo, utilizaron el secuestro no sólo para protestar sino también para ayudar a que se reconfigurase un modelo de matrimonio que, pese a la doctrina y norma católica, se encontraba controlado por los intereses familiares y en el que la voz de las mujeres tenía escaso peso.
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Los antiguos nativos norteamericanos…
Esfinge(M.D.Sanahuja) — Durante décadas, Hollywood dedicó muchas de sus producciones a los conflictos entre nativos norteamericanos y colonos venidos de Europa. Aprendimos, a través de esas películas, cómo eran los nativos de esas tierras y por qué perdieron sus territorios.
Desde hace unos años, una serie de investigaciones arrojan una nueva visión de aquellos acontecimientos, de la cual podemos extraer conclusiones diferentes. Aunque son muchos los temas que podríamos tratar en estas líneas, nos limitaremos a señalar algunos aspectos considerados más importantes por aquellas personas.
Previamente, necesitamos puntualizar o aclarar algunos conceptos que tenemos integrados a través del cine.
- Piel roja
Los términos «piel roja» e «indio» han sido utilizados desde la colonización de América del Norte para referirse a los pueblos indígenas. El término es ahora ampliamente considerado como peyorativo, y rara vez se utiliza en público. Es mejor denominarles «indígenas», «nativos» o «primeros americanos».
Algunas hipótesis quieren explicar el origen de ese término. Una hipótesis afirma que fue utilizado por primera vez por los nativos americanos para diferenciarse de la creciente población colona blanca. Otros autores afirman que se les denomina así por la pintura con la que se maquillaban para entrar en combate, que era de subido color rojo.
No debemos olvidar que la practicidad ha existido en todas las sociedades. Una manera de proteger la piel de los rayos solares y de las picaduras de los insectos era tintarse la piel con una mezcla de jugo de raíces, bayas y cortezas de árboles que en muchas ocasiones daban un color rojizo.
- La lucha con el hombre blanco
Al principio, las relaciones entre indígenas y colonos fueron pacíficas y, básicamente, de índole comercial.
Pero la diferente mentalidad de cómo se hacen las cosas y el poco interés de los blancos por conocer el concepto que los nativos tenían de la belleza, de la forma en que cuidaban la tierra o de la necesidad de vivir en la naturaleza llevó al hombre blanco a la destrucción de su cultura sin pensar en la posibilidad de convivir con los nativos.
Los esfuerzos de los nuevos pobladores europeos se centraban en reconvertir a los pueblos autóctonos a su imagen y semejanza, sin comprender que las culturas que viven de un modo diferente también viajan por la senda del progreso y de la mejora de la vida.
Prácticamente se exterminaron los búfalos (elemento básico de la alimentación, vestidos y tipis de muchas tribus) y se talaron los bosques para tender vías de tren. Los nativos no entendieron esa brutalidad, y los blancos no entendieron su «falta de ambición de civilización».
Los conflictos entre las dos maneras de entender las cosas se resolvían por tratados escritos, que los blancos no cumplían. Al final, los jefes y grandes guerreros de las tribus lucharon en defensa de sus tierras, de sus modos de vida y de su libertad. Pero, como ya sabemos, los indígenas que no murieron acabaron en sucias y estrechas «reservas». Un pueblo que había vivido en completa interacción con la naturaleza se sintió prisionero en su propia tierra.
La misma desesperación, el hambre, sus vidas controladas por extraños, su economía desintegrada y la cultura tribal anulada llevaron a los nativos (sobre todo a los guerreros) a la autodestrucción con el alcohol, que además era suministrado por los vigilantes de las reservas para mantenerlos «tranquilitos».
- Diferencias
Generalmente, al hablar de estas tribus tendemos a imaginarlas todas muy parecidas. Sin embargo, debemos saber que América del Norte (donde se sitúan estas culturas) es muy grande. Para ubicarnos, en el actual Estados Unidos caben 19,5 Españas; si además contamos Canadá, donde también había nativos norteamericanos, la cifra llega a 39 Españas.
Podemos pensar las diferencias existentes entre las diferentes tribus simplemente por la distancia geográfica y climática que las separaba.
En cuanto a la población, actualmente en España (enero de 2024) somos 48,59… millones de habitantes.
Se estima que, cuando los ingleses comenzaron la conquista, había en Norteamérica unos 12 millones de nativos.
Se ha comprobado que existían doce ramas lingüísticas, cada una tan diferente de las demás como pueden serlo hoy el alemán y el persa, el ruso y el castellano.
Además de esas doce ramas se hablaban dialectos varios, de tal manera que, al llegar el hombre blanco, había alrededor de dos mil lenguas habladas.
Como curiosidad, podemos comentar que la mayoría de los nombres de Estados y ciudades en Estados Unidos conservan o derivan de palabras de sus idiomas: Oklahoma, «el pueblo rojo»; Iowa, «los dormidos»; Kansas, «una brisa cerca del suelo»; Kentucky, «el suelo oscuro y sangriento»; Illinois, «la tribu de los hombres perfectos»; Texas, «amigos»; Mississippi, «padre de las aguas»…
- ¿Qué sabemos de ellos realmente?
Los pueblos originarios norteamericanos no conocían la escritura, pues sus tradiciones eran orales. Contaban sus orígenes y su pasado en forma de leyendas y cuentos. El hecho de no conservar su historia escrita provoca que tengamos la realidad de aquellos pueblos muy distorsionada, ya que el cine y la televisión han difundido la versión de quienes ganaron la guerra, es decir, los blancos.
Los han descrito como hombres salvajes, muy simples o carentes de «luces», crueles, alcohólicos, holgazanes, y de mujeres sumisas y tontas. Nada más lejos de la realidad. Seguramente, todos estos calificativos que les dio el hombre blanco fueron para «tapar» su mala conciencia por haber destruido una forma de vida tan pura y natural, por haber «contaminado» a unos seres humanos que no tenían vicios ni falsedades.
Es muy poco lo que conoce el público en general sobre la historia de estos pueblos, aunque existen muchos estudios rigurosos sobre los indígenas norteamericanos. Estos estudios se han basado en el testimonio de nativos que pasaron su infancia (o parte de ella) viviendo como sus antepasados y luego fueron al colegio de los europeos, y en algunos casos a las reservas.
Los testimonios nativos entrevistados cuentan que les enviaban a colegios de monjas y estas les pegaban si les oían hablar en voz alta su idioma. Los represaliaron tanto que llegaron a avergonzarse de su cultura y de sus antepasados. Afortunadamente algunos antropólogos y escritores se interesaron por estos temas y, poco a poco, se ha rescatado el valor de su cultura. En este trabajo hay testimonios de los jefes sioux Toro Sentado, Luther Oso Erguido y de la maestra blood Beverly Lobo Hambriento, quien se ha dedicado a recopilar historias y tradiciones de sus antepasados.
Es cierto que en todos los momentos históricos y en todas las culturas o civilizaciones ha habido personas de todo tipo, con más o menos integridad moral. Sin embargo, hay unas características grupales que nos pueden indicar a qué tipo de cuestiones o costumbres se le da importancia en una época u otra. En estas líneas nos vamos a ceñir a aquellas cuestiones, anécdotas y costumbres que nos den una idea de cuáles eran sus valores como personas y como conjunto humano.
Aunque tenían diferentes idiomas, formas de vestir y de decorar su cuerpo, la mayoría de las tribus eran nómadas. Vivían principalmente de la caza y la pesca, aunque también cultivaban un poco en sus campamentos de primavera y verano.
Esto nos da una pista a la hora de ver similitudes entre costumbres y valores humanos de las tribus: el aguante ante la adversidad, el valor, la camaradería, el poco apego a los bienes materiales, el amor a los animales, etc. Lo vamos a comentar con un poco más de detalle.
- Religiosidad de los nativos norteamericanos
Muchos europeos desestimaron los rituales y creencias de los nativos norteamericanos porque no tenían un sacerdote o un libro sagrado. No veían sus creencias como una religión propiamente dicha. Para nosotros, «hombres blancos», la religión está llena de implicaciones abstractas, pues se refiere a un culto a algo que está fuera del plano material o terreno.
En cambio, ellos tienen una concepción mucho más tangible, ya que identifican el mundo que conocen (tierra, nubes, lagos, plantas, animales) con lo sagrado. Por ello, por ejemplo, en algunas tribus el dios principal es descendiente de un búfalo, es decir, del animal que durante siglos les ha proporcionado sustento. Y también porque este animal vende cara su muerte, es valiente.
También nos han hecho creer que carecen por completo de ideas filosóficas, y que no pueden albergar el más mínimo pensamiento acerca de la vida y de las complejidades de la vida. Sin embargo, esto son apreciaciones del hombre blanco, quien ha escrito mucho sobre los aspectos externos de la vida de los nativos, sin conocer cuáles son sus motivaciones internas.
La contemplación de la naturaleza les invitaba a recogerse en meditación y plegaria: ello los movía a elevar su corazón a Dios. El nativo norteamericano nunca olvidaba su insignificancia ante el Misterio. Pero era humilde sin servilismo, se dirigía a los Poderes por medio de la oración, y nunca se humillaba sobre el suelo.
Todos los días se empezaba la jornada con un saludo al sol, al que consideraban el hacedor de la luz, durante unos instantes en silencio y en pie, para agradecer. Antes, se lavaban bien, como ritual y como medida higiénica, incluso haciendo un agujero en el hielo para acceder al agua.
Hay unas palabras del jefe Seattle: «Hombre blanco: no tejemos la vida; somos tan solo uno de sus hilos. Si deshaces el tejido te deshaces a ti mismo». Con esta frase tenemos una visión muy exacta del concepto principal de las religiones nativas de Norteamérica: la espiritualidad sencilla y en armonía con la naturaleza.
- Las personas sagradas y sus visiones
Aunque la religión de las tribus norteamericanas no disponía de alguien que se dedicara exclusivamente a los actos religiosos, como un sacerdote, tenían líderes religiosos: eran conocidos como el chamán u hombre/mujer medicina.
Desempeñaban una parte importante en los rituales y ceremonias por su capacidad de comunicarse e interceder ante los dioses para ganar batallas, curar enfermedades o hacer que lloviera, entre otras cosas.
También, el o la chamán ayudaba a las personas de la tribu a buscar una visión que le orientara en su vida.
En este tipo de sociedades, las prácticas de iniciación a etapas de la vida también las organizaban y preparaban los chamanes.
En realidad, eran procesos de iniciación místicos.
Determinadas prácticas sagradas otorgan mucho poder y sería peligroso que cualquiera accediera a ellos, por lo que solo unos pocos elegidos (los y las chamanes) podían iniciarse en el uso de la magia y el contacto con los espíritus.
- Relación con la naturaleza
El ser humano es parte de la naturaleza. La tierra no podía ser explotada ni poseída. Nadie se quejaba nunca de lo que la tierra le daba, así que las variaciones del clima no eran un tema de conversación, ya que quejarse hubiese sido una ofensa a las cosas que nos otorga el Gran Misterio.
El sol no era adorado, pero sí se le tenía mucho agradecimiento porque sus rayos dan vida a todos los seres vivos. Nunca se guarecían de la tormenta o el granizo, pues eran una manifestación más de la naturaleza. Al contrario, se hacían concursos a ver quién aguantaba más el temporal.
Amaban al viento porque era una fuerza de la naturaleza, un amigo que lleva mensajes a familiares lejanos.
Respetaban a los animales, pues de ellos se aprende la lealtad, las diferentes habilidades y otros muchos conocimientos. El caballo no era considerado un animal de carga, sino el mejor amigo del jinete. Nunca se mataba por diversión porque todos los seres vivos tiene el mismo derecho a la vida. Y cuando se abatía una pieza, se aprovechaba cada parte del animal.
Tan cuidadosos eran con la vida (y la muerte) de los animales que, desde la mitad de la flecha hasta el extremo de la punta se abrían una estrías para que la sangre del animal herido manara más deprisa, lo que sin duda aceleraría su muerte; por lo tanto, le evitaban una muerte lenta y un dolor innecesario.
Según las creencias de estas tribus, el ser humano no ocupa un lugar especial a ojos de Dios, solo somos una parte del mundo y sus seres vivos.
- La muerte
Vivir en contacto estrecho con la naturaleza es percibir la muerte y la vida en cada momento, por lo que consideraban la muerte como un paso a otra forma de vida. Muchas veces escogían ellos mismos el momento de morir, retirándose a las montañas o esperando su momento dentro de sus tiendas de campaña y esperando tranquilamente a que se produjera su gran viaje.
También, el hecho de que en sus visiones o sueños podían comunicarse con sus antepasados corroboraba que la muerte y la vida son dos dimensiones de una misma realidad.
La educación
El aprendizaje de los niños era vivir y aprender de la naturaleza. Una parte importante de esa educación la constituía la formación del carácter, que empezaba en el momento del nacimiento y terminaba cuando se acababa la vida.
Las mujeres, sobre todo las abuelas, eran las encargadas de la educación de los niños y niñas. Les enseñaban a ambos géneros a ser honestos, valientes, resistentes, trabajadores y fieles. También les enseñaban normas de cortesía: hablar gritando y comportarse de modo fanfarrón no se consideraba una actitud digna de un hombre o de una mujer.
Si algún enemigo estaba cerca, la discreción y el silencio podían salvar a toda una tribu, por lo que desde el primer día se enseñaba a los bebés a no llorar ni gritar.
Los huérfanos no existían. Cuando un niño o niña quedaba sin padres, era adoptado por toda la tribu: todos eran responsables de su cuidado y su educación.
Lo más difícil de la paternidad no era vigilar la conducta de los niños, sino vigilar la propia de los padres, ya que el método de enseñanza que usaban era que los niños debían observar detenidamente la conducta de los adultos, por lo que estos siempre estaban sometidos a examen.
Las puertas de los tipis nunca se cerraban porque no habían robos, y tampoco había nada que ocultar.
La fortaleza se demuestra no solo en la acción, sino también en la resistencia: tenían tanta fuerza muscular como fuerza de voluntad, y eso se manifestaba cuando se distribuía la comida: primero comían niños y ancianos; luego, mujeres; y al final, los cazadores y guerreros (los más fuertes). No se permitía la glotonería ni la gula porque esto era señal de debilidad.
La generosidad y la caridad estaban consideradas las mejores virtudes. El mejor guerrero era aquel que se desprendía de sus posesiones más queridas y era capaz al mismo tiempo de cantar canciones de alegría. El bien de la comunidad era lo más importante en tiempos de penuria. Desde niños se les enseñaba a dar a los demás y a hacerlo con generosidad.
Si alguien hacía un regalo que no valía la pena, no podía considerarse una persona generosa.
Los prisioneros de guerra no se convertían en esclavos, se les dejaba ir con su tribu después de un tiempo de convivencia; así, en una nueva confrontación, esos guerreros no los verían como enemigos, sino como antiguos amigos con los que no había que luchar.
- La organización de la tribu
La vida de los guerreros está rodeada de un halo de admiración.
Sin embargo, los ancianos eran escuchados por su sabiduría, los chamanes cuidaban el cuerpo y el alma de la tribu, las mujeres organizaban el poblado y educaban a los niños, pero una de las funciones más importantes dentro de estas sociedades eran los exploradores: toda la tribu dependía de ellos para obtener alimento y escapar del peligro a tiempo. Su entrenamiento era muy arduo y su palabra inapelable.
Nadie de la tribu tenía pereza, su estilo de vida les obligaba a ser trabajadores, ya que la naturaleza no admite holgazanes. La vida de cada habitante dependía del trabajo, la caza y la defensa del poblado.
Cada miembro del poblado tenía sus tareas específicas que realizar. La edad, el sexo o las habilidades marcaban las diferencias. Como todas las funciones eran necesarias, nadie se consideraba superior a otro, sino complementario. Y si un hombre no quería ser un guerrero, no se le despreciaba, ocupaba otro lugar en la tribu haciendo tareas de mujer.
O si una mujer quería ser guerrera también lo podía ser. Por ejemplo, Lozen fue una guerrera y profeta de los apaches chiricahua. Era la hermana de Victorio, un importante jefe. Según dicen, era capaz de utilizar sus poderes en batalla para conocer los movimientos del enemigo. Victorio aseguraba: «Lozen es mi mano derecha…
Fuerte como hombre, más valiente que la mayoría, y astuta en la estrategia. Lozen es un escudo para su gente».
Esto tenía como grata consecuencia que nadie quedaba excluido ni desatendido, porque la tribu funcionaba como una comunidad, cada cual con sus características y capacidades.
La tribu era gobernada por un jefe que, no obstante, no tenía autoridad absoluta. Los ancianos de la tribu, reunidos en torno al fuego del Consejo, expresaban su sabiduría, que siempre era tenida en cuenta, junto a la del chamán, que podía ser hombre o mujer. También la experiencia de las ancianas era tenida en cuenta en muchas de las decisiones que debían tomarse.
El jefe de la tribu mantenía su cargo mientras la edad se lo permitía. Luego, él mismo designaba a su sucesor, que podía ser su hijo o su hija. Este nombramiento debía ser aceptado por toda la tribu. Si se indicaba como jefe sucesor a otro guerrero que había demostrado ser más valeroso que el heredero legítimo, este debía, sin más, cederle el título.
La conciencia tribal no tenía leyes escritas; sin embargo, es un error creer que un pueblo que no tiene leyes escritas es un pueblo anárquico. Nadie dominaba a otro, la única dominación que existía era la del individuo sobre sí mismo.
- Personas veraces y valientes
El silencio era muy apreciado, pues mostraba respeto y autodominio. Quien sabe estar en silencio muestra un poder incluso más grande que el que sabe emplear bien las palabras, pues sabe someter sus emociones a un control estricto: el ser humano silencioso siempre es digno de confianza, el parlanchín jamás puede ser tomado en serio.
El halago y la adulación no formaban parte de sus costumbres, pues eran considerados falsedades.
Los sioux tenían un proverbio que repetían con frecuencia a los jóvenes: «Un lakota puede mentir una vez, pero después ya nadie volverá a creer lo que dice». Sus discursos eran cortos y se hacían sin retórica. Sus palabras siempre eran «de verdad». De hecho, los mentirosos recibían el menosprecio de la tribu en general.
Pero el valor, la valentía, era la cualidad personal más apreciada. Eran muy valientes tanto hombres como mujeres. El valor en el combate, en la caza, en la doma de los caballos, no era nada comparado con el valor del autodominio y la capacidad de tener generosidad y compasión por todos los seres vivos. En todas las fotos que nos han llegado, transmiten e irradian dignidad, serenidad y autodominio.
Pensemos en las condiciones en las que vivían estas personas cuando se hicieron las fotos: les habían destruido su hábitat natural, se les había relegado a reservas, se les usaba como atracción de feria o circo, y aun así, su mirada es de sereno orgullo. Esto no puede ser una pose, es algo que se irradia.
Para finalizar, una anécdota del jefe más famoso, Toro Sentado, perteneciente a los hunkpapas (una de las tribus de lakotas o sioux).
Había gran rivalidad entre las tribus hole y los hunkpapas, continuamente había enfrentamientos entre ellos. En cierta ocasión, hubo un asalto a un campamento hole. Toro Sentado era el cabecilla de los guerreros hunkpapa.
Como los pillaron por sorpresa, hubo algunos guerreros muertos y otros escaparon. Solo un niño de once años les hizo frente para proteger a los más pequeños y a las mujeres. Solo tenía un arquito para cazar pájaros, y aun así les disparó. Los guerreros hunkpapa le rodearon, pero el niño no gritó ni lloró. Miró a Toro Sentado y pidió merced para su tribu.
Dicen que la compasión, entre muchos valores, era el más notable de Toro Sentado. Se apiadó del niño y lo protegió de sus compañeros, quizá porque acababa de perder a su mujer y a su hijo. Y también por su sentido de justicia, porque su argumento definitivo para que no le quitasen la vida fue que «alguien tan valiente como ese niño no debía morir». No solo le salvó, sino que lo adoptó como hermano. Y este nunca le abandonó, fue su «hermano» más fiel.
- Conclusión
Cuanto más profundizamos en la vida y costumbres de los antiguos pobladores de Norteamérica, un horizonte humano más ancho se presenta ante nuestra conciencia. Tal vez, inconscientemente, tengamos sed de su autenticidad y sus valores.
Seguramente, este anhelo nos impulsa a regalar atrapasueños, a utilizar una imagen de un gran jefe o guerrero como punto de lectura o, las personas más entusiastas, se tatúen una representación relacionada con estas gentes.
El uso de estas imágenes no nos convertirá en las personas íntegras que fueron y que admiramos, pero, quizá, su permanente presencia nos impulse a investigar sobre sus valores y ponerlos en práctica.
nuestras charlas nocturnas.
El Carnaval de Brasil pudo tener su origen en unas fiestas indígenas hace dos mil años…
National Geographic(J.M.Sadurni) — Según un estudio elaborado por un equipo internacional de investigadores, el actual Carnaval de Brasil tendría sus orígenes en unas celebraciones llevadas a cabo por comunidades pre-coloniales en las que se consumían grandes cantidades de pescado de temporada y bebidas alcohólicas.
En poco más de dos semanas, Río de Janeiro se llenará de miles de personas de todo el mundo que tomarán las calles y abarrotarán los locales de ocio para disfrutar de una de las semanas más locas y festivas del año, en la que las pasiones se darán cita primero en las calles y luego en el mítico Sambódromo para celebrar el Carnaval más famoso del mundo.
Hasta ahora existía la creencia de que la fiesta llegó a Brasil de la mano de los europeos, fusionándose con la cultura de los esclavos africanos.
Aunque acaba de surgir una nueva teoría que plantea que el carnaval tiene su origen en una celebración que se llevaba a cabo hace dos mil años con la celebración de un festín en el que se compartía pescado (básicamente peces migratorios) regado con grandes dosis de alcohol.
Ahora, un estudio llevado a cabo por investigadores del Instituto de Ciencia y Tecnología Ambientales de la Universitat Autònoma de Barcelona (ICTA-UAB), la Universidad de York (Reino Unido) y la Universidad Federal de Pelotas (Brasil), publicado en la revista PLOS One, ha documentado estas celebraciones.
En un comunicado de prensa, los investigadores se preguntan si estaríamos realmente ante los orígenes del famoso Carnaval de Brasil.
– Celebración milenaria
A orillas de la Laguna de los Patos, situada en el estado de Río Grande del Sur, se levantan unos montículos de tierra conocidos como «cerritos» que fueron construidos por los antepasados precoloniales de los grupos indígenas pampeanos, incluidos los charrúas y los minuanos, en lugares elevados para protegerlos de las inundaciones.
Estos «cerritos» podrían ser enterramientos, marcadores territoriales o monumentos en torno a los cuales se reunían estas personas para llevar a cabo sus celebraciones.
Gracias al hallazgo de diversos fragmentos de cerámica de hace entre 2.300 y 1.200 años, los investigadores han podido identificar diversas recetas para la elaboración de pescado así como rastros de bebidas alcohólicas elaboradas con tubérculos, maíz dulce y palma y que, en opinión de los investigadores, serían las primeras evidencias de la producción de bebidas espirituosas en aquella región.
«Vemos ejemplos de estas prácticas en todo el mundo, a menudo relacionadas con la abundancia estacional de ciertas especies migratorias. Estos acontecimientos brindan una excelente oportunidad para llevar a cabo actividades sociales, como funerales y matrimonios, y tienen un gran significado cultural.
Estos hallazgos aportan pruebas convincentes de que estas antiguas comunidades consumían bebidas fermentadas y demuestran que la cerámica desempeñaba un papel crucial en los festines y las actividades sociales», afirma la autora principal del estudio, Marjolein Admiraal.
Los resultados de los análisis químicos han permitido a los investigadores determinar qué tipo de productos estaban presentes en las vasijas de cerámica y cómo se cocinaban los alimentos para estas celebraciones.
«Primero los calentaban, luego los almacenaban y, en ocasiones, al final los fermentaban. Esto nos acerca un poco más a comprender el papel culinario de los distintos alimentos de las sociedades del pasado», explica Oliver Craig, del laboratorio de Bioarqueología de la Universidad de York (BioArCh).
«Preservar los ‘cerritos’ como patrimonio cultural pampeano único debe ser una prioridad si queremos aprender de las sociedades del pasado a vivir de forma sostenible en un entorno tan dinámico», finaliza André Colonese, investigador del ICTA-UAB, coautor del estudio e investigador principal del proyecto TRADITION del Consejo Europeo de Investigación (ERC).
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El día que Elvis Presley le quiso regalar una pistola a Richard Nixon, el presidente de Estados Unidos…
BBC News Mundo — Una mañana de diciembre, en 1970, un inesperado visitante llegó hasta la Casa Blanca, cuando quien la ocupaba era el presidente conservador Richard M. Nixon.
Se trataba nada más y nada menos que el rey del rock and roll, Elvis Presley, que dejó una nota con los funcionarios de seguridad solicitando una reunión con el presidente.
La resultante reunión entre Elvis y Nixon fue registrada primero en una fotografía -el documento más solicitado de los Archivos Nacionales de EE.UU.- y, en 2016 en la película, «Elvis & Nixon».
En la Oficina Oval se encontraba un tercer hombre, el funcionario gubernamental Bud Krogh, que luego fue encarcelado por su papel en el escándalo de Watergate.
Krogh ahora se encuentra en la Escuela de Ética Global y Liderazgo, en Washington, y habló con la BBC sobre la inusitada visita del roquero a la Casa Blanca.
«Cuando recibí la carta escrita a mano por Elvis en un avión con destino a Washington DC, sonaba muy sincera pero tenía que verificar esa sinceridad reuniéndome con dos de los acompañantes de Elvis para confirmar que se trataba de una solicitud seria», expresó Krogh.
La solicitud resultó ser en serio y la reunión se llevó a cabo.
– Momento coyuntural
Para entender cómo dos hombres aparentemente tan diferentes sostuvieron una reunión tan disparatada hay que conocer un poco del contexto.
En ese entonces, eran dos de los individuos más famosos del mundo. Nixon, el presidente del país más poderoso, Elvis un cantante con una popularidad que atraía a millones.
Ambos, sin embargo, estaban pasando por un momento difícil en sus carreras. El presidente lidiaba con la guerra de Vietnam, descontento ciudadano, protestas violentas y un grave problema de consumo de drogas en las calles de las grandes ciudades.
Elvis Presley, por su parte, llevaba unos cuantos años sin un éxito de cartelera y su imagen de ídolo rebelde había sido rebasada por una juventud atraída por las corrientes del hipismo, el amor libre, el pacifismo y las drogas.
Pero Presley también tenía un motivo muy puntual para entrevistarse con Richard Nixon, un deseo que estaba alimentado por una fantasía íntima.
Según Jerry Schilling, uno de los amigos más cercanos del cantante, a Elvis le encantaba la ley y el orden. Estaba fascinado con la policía y tenía una gran colección de armas e insignias de la policía.
– Agente antidrogas encubierto
Pero quería una más, una insignia auténtica que le permitiera ser un agente encubierto de la Oficina Antinarcóticos para combatir las drogas que, según él, estaban acabando con Estados Unidos.
Presley convocó a Schilling y a otro de su círculo, Sonny West, para ir en un viaje secreto a Washington DC y solicitar la reunión con Nixon.
En el avión y con papelería de la aerolínea, Presley detalló a mano sus razones y deseos de ayudar al presidente.
«Él quería usar su influencia como figura del entretenimiento para exhortar a los jóvenes a no consumir drogas», explico Bud Krogh.
Algo un tanto irónico pues, como se supo posteriormente, Elvis mismo abusaba de fármacos de receta médica que fue lo que finalmente le costó la vida a los 40 años.
Pero Schilling dice que Elvis no consideraba ese consumo igual al abuso de estupefacientes.
«A Elvis no le gustaba la música que promovía las drogas. Sintió responsabilidad cuando la música de rock se volvió un vehículo para las drogas. Pero no se daba cuenta de que los fármacos de receta también son igualmente peligrosos«, expresó Schilling.
Nixon también consideraba el flagelo de las drogas como uno de los más graves problemas de la juventud estadounidense y su gobierno formuló una iniciativa para combatirlas.
– Una pistola automática Colt 45
Bud Krogh le recomendó al presidente que sería importante que el público lo viera con una figura tan popular que podría tener una conexión con los jóvenes.
Le reunión fue aprobada y la estrella del rock and roll llegó a la Casa Blanca escoltado por sus dos amigos.
Sin embargo, Elvis le llevaba de regalo a Nixon una pistola automática Colt 45, en un estuche de presentación, incluyendo las balas.
«Tuve que decirle a Elvis que no podía llevar consigo a la Oficina Oval la pistola que llevaba», explicó Krogh.
Al principio, Nixon no estaba muy deslumbrado por la estrella de rock. Le tomó algún tiempo tratar de descifrar por qué el individuo que tenía frente a él era tan popular, contó Krogh.
Después de hablar un poco con él, se dio cuenta de que Elvis había llegado donde estaba por un duro camino y reconoció su determinación y ambición para llegar a la cima de su profesión, lo mismo que él con la política.
También entendieron mutuamente la soledad de esa cima y que, a pesar de su poder y popularidad, los dos ya no estaban en la cúspide.
Nixon tenía unos temas de conversación preparados por sus asistentes, pero Elvis fue directo en decirle que había realizado un estudio profundo sobre técnicas comunistas para el lavado del cerebro.
«Ese fue uno de los temas que me tomó por sorpresa», reveló Krogh. «El presidente le dijo algo así como: ‘Continúa con eso, no podemos permitir que mucha gente caiga en el lavado de cerebro comunista'».
Pero lo que Elvis realmente quería era la insignia de la Oficina Antinarcóticos y se la pidió directamente.
– Rompiendo el protocolo
Nixon le preguntó a Krogh si le podían dar una. «Señor presidente si usted quiere le podemos conseguir una», dijo el asistente. «Quiero que tenga una», fue la respuesta de Nixon.
Elvis quedó tan sobrecogido por esas palabras que rompió el protocolo y le dio un abrazo.
Elvis estaba feliz. Tenía su insignia que, en su mente, le permitía fungir como un agente federal antidrogas.
La tuvo consigno el resto de su vida y ahora está expuesta con todos sus trofeos en su mansión Graceland, convertida en un museo.
Es la historia del joven que surgió de la pobreza para convertirse en un ídolo mundial, un millonario al que le faltaba una cosa que no podía comprar y su sueño se acababa de realizar.
Nixon se sintió tan satisfecho e identificado que hasta permitió que los dos acompañantes de Elvis, Jerry Scherring y Sonny West, también entraran a la Oficina Oval a saludarlo.
«Mi momento preferido de ese día fue cuando Elvis me abrió la puerta de la Oficina Oval», relató Scherring. «Me empujó adentro con una risa y me dijo: ‘No tengas miedo, Jerry, no es más que el presidente'».
nuestras charlas nocturnas.
A 80 años del infierno de Dresde…
Política Exterior(M.S.Sipmann) — Se cumplieron 80 años del bombardeo de Dresde.
La noche del 13 de febrero de 1945, martes de carnaval, aviones ingleses dejaron caer, en sucesivas oleadas que se prolongarían hasta el día 15 con apoyo de fuerzas estadounidenses, cerca de 4.000 toneladas de bombas explosivas y dispositivos incendiarios. Muchos de los aviadores participantes vivieron traumatizados al descubrir la magnitud de su acción.
La apocalíptica tormenta de fuego mató a más de 25.000 personas. En su mayoría civiles: mujeres, niños y ancianos. También a refugiados que huían del avance soviético. Es tan solo la estimación que pudo hacerse a partir de los montones de cadáveres calcinados y miembros mutilados.
Más de 10.000 fueron enterrados en fosas comunes y otros tantos incinerados en improvisadas piras humanas en los días posteriores. La mayoría jamás pudo ser identificada. Otras víctimas se transformaron en ceniza.
A comienzos de 1945 los habitantes de la capital de Sajonia se sentían relativamente seguros. Sufrían el racionamiento, la marcha de los hombres al frente y la reorientación de su producción industrial a la guerra. Pero los bombardeos nunca habían llegado tan al este. Dresde está a 150 kilómetros de Praga y cerca de la frontera polaca.
Solo había padecido dos pequeñas incursiones sobre sus reducidos suburbios industriales. Y el fin de la guerra parecía inminente. Pensaron que se respetaría su ciudad, joya de la cultura europea, y no construyeron refugios.
La conocida como Elbflorenz (Florencia del Elba) por su riqueza patrimonial y una de las grandes urbes germanas, había sido hasta principios del siglo XX abierta y cosmopolita, centro receptor de múltiples influencias en todos los campos, como la arquitectura y música.
Un ambiente que llevó, por ejemplo, al escritor Stefan Zweig a ir a vivir allí desde Viena para trabajar con Richard Strauss en la famosa ópera de la ciudad. Todo cambió con la llegada al poder de Hitler en los años 30. Los nazis sabían que tenían que controlar la cultura y lo hicieron de forma eficaz.
Se aplicó la censura y una opresiva vigilancia con detenciones arbitrarias. A los judíos, más que nadie: de los 6.000 que vivían en Dresde, en 1933 solo quedaban 170. El resto o consiguió emigrar a tiempo o había sido exterminado.
Los aliados sabían que era una base manufacturera y un nudo ferroviario clave para el ejército alemán. Al parecer los soviéticos les habían pedido en la Conferencia de Yalta concluida dos días antes que atacaran la ciudad. Sin embargo, cientos de bombarderos cargados de material incendiario no buscaban destruir líneas férreas o fábricas de armamento, sino causar el mayor daño posible.
Machacar calles, plazas, mercados, el casco antiguo…
– Dresde, objetivo prioritario
Dresde fue incluida en la lista de objetivos prioritarios. La ofensiva recibió el nombre de Operación Trueno. Las condiciones para atacar la histórica ciudad eran muy favorables para los fines anglosajones: buenas condiciones meteorológicas, escasez de refugios adecuados, un gran número de habitantes…
Y la ausencia casi total de defensas, las armas antiaéreas, que debían manipular muchachos de 15 años, se habían trasladado al Frente Oriental.
La noche del bombardeo la ciudad estaba llena de refugiados huyendo del Ejército Rojo. Caballos, carretas, convoyes militares en las calles… Cuando sonaron las sirenas a las 21:39 horas, las bengalas llamadas ‘árboles de Navidad’, señalaron los blancos del bombardeo, que comenzó a las 22:13.
Las bombas explosivas taladraron los edificios haciéndolos reventar desde el tejado hasta las plantas bajas. En el segundo ataque, a la 1:05 de la madrugada, las bombas incendiarias los cubrieron de sustancia inflamable y convirtieron la ciudad en una tea ardiente. Al mediodía siguiente y el 15, aparatos norteamericanos arrasaron lo que quedaba en pie.
Solo había barricadas de protección en los sótanos. Una trampa mortal donde la muerte se produjo por asfixia. En el exterior la acumulación de edificios ardiendo a lo largo de manzanas enteras, provocó un fenómeno consistente en la formación de fuertes corrientes de aire que atraen hacia las llamas todo lo que se encuentra a su alrededor.
Un horno alimentado con un torbellino ígneo catapultado por el viento causado por el mismo bombardeo. Soplaba a más de 150 kilómetros por hora. Levantaba y sacudía los restos de los inmuebles. Tornados de fuego empujaban a las personas hacia los restos de las edificaciones convertidas en calderas.
Mujeres y niños huyendo en las calles se convirtieron en antorchas humanas cuando sus ropas empezaban a arder o caían desplomados cuando los adoquines ardientes derretían las suelas de sus zapatos. Quienes creyeron estar a salvo refugiándose en tanques de agua, acabaron cocidos.
Todo fue devorado por las llamas. El comandante británico al mando informó: “Dresde, ese lugar, ya no existe”.
El libro del británico Sinclair McKay, Dresde 1945, fuego y oscuridad, describe el desarrollo del horror.
Recoge de forma rigurosa decenas de testimonios directos rescatados de los archivos entre otras fuentes.
Relata asimismo cómo la vida siempre encuentra el camino para salir adelante.
“La gente comenzó a moverse por impulsos, buscando a sus parientes y amigos entre los cuerpos… desorientada porque con todo destruido no había puntos de referencia”.
Los relatos de los voluntarios demuestran una valentía heroica.
El instinto de la gente fue en un primer momento ayudar, hacerse cargo de los menores abandonados y después restaurar cierto orden en el caos.
De forma increíble y pese a todo, empezaron a organizarse de nuevo. “Esa noche pudo verse lo peor y lo mejor de la condición humana”.
De lo que apenas hay testimonios es del trauma que se produjo en los años posteriores, porque en aquel entonces la gente no hablaba de ese tipo de cosas. Los que lo presenciaron ¿se vieron acosados por pesadillas? El escritor americano de origen alemán Kurt Vonnegut fue preguntado sobre esto en los años 80.
Respondió: “nunca, ni siquiera una vez, he tenido una pesadilla así. Quizá hay cosas tan horribles que ni siquiera entran en los sueños”. Vonnegut fue uno de los siete prisioneros de guerra estadounidenses que sobrevivieron a la destrucción de Dresde. Fue en el sótano de un matadero lo que inspiró su famosa novela antibelicista de 1969 Matadero Cinco.
La obra fue de lectura obligada en las universidades norteamericanas durante la debacle de Vietnam.
La pavorosa operación, y en general los ataques aéreos contra ciudades alemanas – Dresde no fue el peor –, en el contexto del final de la guerra intentaron justificarse. Los ingleses planificaron el “bombardeo estratégico”, que llevaría a cabo su Fuerza Aérea (RAF): destrozar con bombarderos de largo alcance y gran capacidad de bombas la retaguardia enemiga.
No solo sus fábricas y redes de transporte, sino sobre todo la moral de la población civil.
La justificación es cuando menos polémica.
En todo caso es claro que el desánimo y el hartazgo de la guerra ya era patente entre la población, cada vez más consciente de que la capitulación era inevitable.
Y tras el fracaso que supuso la Ofensiva de las Ardenas (16 de diciembre, 1944 – 7 de enero, 1945), la sensación de derrota tambien se había generalizado entre los militares.
Los esfuerzos de los jerarcas nazis para levantar la moral de los soldados fueron vanos.
Valgan como muestra las numerosas ejecuciones sumarias de combatientes acusados de derrotismo.
El economista John Kenneth Galbraith, investigó los efectos de los ‘bombardeos estratégicos’ al final de la contienda. Su análisis: “no ganaron la guerra, ni siquiera está claro que contribuyeran a acortarla”. Se ratificó en ello 50 años más tarde.
Los nazis no dudaron en bombardear ciudades desde el principio. A partir de 1943, cuando Hitler ya había perdido la supremacía aérea, las acometidas aéreas aliadas se multiplicaron. La primera en experimentar los denominados “bombardeos de terror” fue Hamburg con 45.000 muertos.
Hacia el final de la contienda prácticamente todas las poblaciones germanas importantes se habían visto afectadas por estas ofensivas. Tan solo durante los meses que duró la guerra europea en 1945, los aliados lanzaron sobre el III Reich más del doble de explosivos (471.000 toneladas) que durante todo 1943.
Para hombres como el mariscal Arthur ‘Bomber’ Harris (a cargo de los ataques aéreos de la RAF en territorio alemán desde 1942 y conocido por sus hombres como “El Carnicero” el objetivo era provocar la devastación absoluta para terminar con el conflicto en pocos meses. Desmoralizar a los civiles y a los restos de las tropas alemanas.
Además, tanto el primer ministro Winston Churchill como Harris querían realizar una demostración de poderío. Era un mensaje no solo a Hitler sino a Stalin, cuyas tropas avanzaban imparables hacia el oeste.
Según varias fuentes, al finalizar la contienda global la Unión Soviética trató de incluir los bombardeos contra civiles dentro de la lista de crímenes de guerra juzgados en Nürnberg. Gran Bretaña se opuso de forma categórica. Hubiera significado sentar en el banquillo a altos cargos de la RAF, entre ellos ‘El Carnicero’.
La prensa británica defendió en un primer momento el ataque basándose en los informes militares que señalaban Dresde como un objetivo bélico, mas la magnitud de la masacre consternó al propio Churchill.
Llegó a enviar una carta a Harris, responsable de la operación, acusándole de haber participado en un acto terrorista.
Preguntaba: “¿Acaso somos bestias?” y se cuestionaba “la forma que tienen los aliados de llevar a cabo sus bombardeos”.
Quizá fuera sincero aunque asoma la hipocresía.
El ‘premier’ estaba perfectamente informado de la planificación y resultado de los bombardeos. En sus memorias dedicó dos líneas a la destrucción de Dresde.
– El ‘holocausto de las bombas’
Al terminar la guerra el régimen estalinista de la República Democrática Alemana (estado en el que quedó Dresde) convirtió el bombardeo en instrumento de propaganda antiimperialista y lo redujo a un eslogan: “El terrorismo de los bombardeos angloamericanos”.
En la actualidad los neonazis aprovechan para hablar de “holocausto de las bombas”, en un intento de equipararlo con el verdadero Holocausto.
Y cada año con el aniversario se reabren falsos debates como el de si fue o no un cimen de guerra son juicios retrospectivos que no proceden. Tampoco se puede confundir la causa con la consecuencia.
Lo peor son las manipulaciones. Por mucho que se empeñe la extrema derecha alemana nunca podemos olvidar que la Alemania nazi provocó la guerra con sus millones de muertos y fue responsable del Holocausto. No pueden equipararse barbaries como la de Dresde con el genocidio. Ni compararse a los aliados con la tiranía criminal de los nazis.
El Gobierno alemán y las autoridades de Dresde rechazan – siempre lo han hecho – todo intento de apropiación de sus víctimas por el nacionalismo y la extrema derecha.
Lo ocurrido en Dresde marcó – más que los límites – la radical indecencia de la “guerra total”. Un concepto utilizado con anterioridad por Goebbels, ministro nazi de Propaganda.
La reconstrucción fue muy lenta.
El régimen comunista de la RDA tenía poco dinero.
Poco a poco se edificaron casas porque Dresde perdió el 75% de las viviendas. Monumentos como el Palacio Zwinger y la Ópera siguieron en ruinas.
Hoy se han reconstruido.
Así como la Frauenkirche (Iglesia de Nuestra Señora), emblema de la ciudad.
La compañía británica “Dresde Trust” contribuyó con más de un millón de euros de donativos.
En décadas anteriores donativos alemanes habían llegado para Coventry.
La ciudad, hermanada con Dresde desde 1959, había sufrido bombardeos masivos de los alemanes en 1940.
Dresde ha quedado en el subconsciente como paradigma de destrucción.
Fue una atrocidad que escapa a lo racional. Sed de venganza, destrucción y masacre inútiles. Ha de permanecer como recuerdo del espanto que nunca debe volver a repetirse.
Y, sobre todo, como símbolo de reconciliación y esperanza.
nuestras charlas nocturnas.
Nacer para la música…
JotDown(E.Rodríguez) — Nacer. Venir al mundo. En inglés te nacen, en español nacemos. Qué sea la última vez que naces solo. Como si no hubiera ya gente suficiente, todo abarrotado. Después nos empeñamos en vivir, nos sale sin pensar, respirar es un acto involuntario. Y hacemos planes: la vida es eso que pasa mientras estás ocupado haciendo planes.
Hasta que la muerte llega a reclamarnos. Y luego el olvido, apenas seremos un recuerdo que se desvanecerá en las memorias frágiles de los decennials, unos bits en el marasmo de información basura que nadie consultará jamás. O algo peor: quedaremos inmortalizados en un meme.
Toda esta materia ha preocupado siempre mucho a los filósofos, que se pasan la vida hablando de los porqués y los significados, como cuando estás frente a un buen plato y te pones a disertar acerca de los ingredientes y su maridaje. Venga, filósofos, que se os enfría la vida.
También es un asunto que quita el sueño a músicos de todo pelo. Quiénes somos, de dónde venimos, adónde vamos: a una terracita. Una ardilla podría cruzar España de terraza en terraza sin pisar el suelo. Todos nacimos por algo. Y nacimos para algo. Y nacimos en algún lugar. Y nacimos en un momento preciso.
Mi primo fue el primer bebé dado a luz en España en el año 1981, apareció en las noticias en brazos de mi tía y al lado de mi tío, mi tío los abandonó poco después. Muchas son las canciones que tratan el asunto, a fondo o de refilón, y lo reflejan en el título que normalmente luego es el eje del estribillo.
Hay canciones míticas, arrolladoras, emocionantes, evocadoras, vitales, bailonas, blandengues, olvidables, intragables, extrañas, inventadas. Acercaos, jóvenes, sentaos a mi alrededor.
Springsteen nació para correr, pero no para hacer footing, esto no es un himno runner; nació para pisarle, para huir de ciudades herrumbrosas llenas de perdedores por carreteras secundarias. «Tramps like us, baby we were born to run», vagabundos como nosotros, nena, nacimos para correr. En esta canción todo parece encajar, la temática y la poética de letra, el muro de sonido, la batería que corre y el solo grave que también nos mete prisa…
Hasta el saxofón suena a gloria, y lo hace porque simboliza el viento que nos da en la cara en el descapotable de cuarta mano. Nunca después Springsteen lo hizo mejor que con esta canción y el disco homónimo. Aplausos, gracias, siéntense.
Los de Steppenwolf, sin embargo, nacieron para ser salvajes (no chupiguay, como solíais cantar vosotros). «Born to Be Wild» rivalizaría con «Born to Run» (es unos años anterior) si no fuera porque se considera el comienzo del hard rock y por tanto del heavy metal (palabras que aparecen en su letra), y eso es harina de otro costal.
Pero la temática en el fondo es la misma, «Looking for adventure and whatever comes away», buscando aventuras y lo que surja; pero no hablamos de la bio de una red social de ligoteo, hablamos de la huida, la juventud que se acaba, el viento en la cara, velocidad y ciertas sustancias.
Easy Rider. Éramos invencibles, todos alguna vez nos sentimos inmortales cuando fuimos jóvenes, todos menos Ian Curtis, siempre tan delicado de lo suyo. Canción guitarrera pero donde sobre todo destaca el teclado demoníaco que nos mantiene en tensión todo el tiempo. Ábranse una cerveza y también ovación cerrada.
Lemmy Kilmister aseguraba que había nacido para levantar el infierno igual que otros levantan templos de fe, arquitecto del thrash metal y trasegador de Jack Danniels y otras cosas. «Born to Raise Hell» y la voz de Lemmy son capaces de encrespar el cabello más sedoso y acondicionado. Lemmy siempre dijo que Motörhead era una banda de rocanrol, aunque después lo matizara con las canciones, le añadiera un cachi de tabasco a la ensalada de canónigos.
Con este tema todo parece encajar, uno sabe que está escuchado rocanrol, pero tan potente que sabe que es hard rock, pero tan salvaje que comprende que pisa el heavy. Lemmy no llegó al mundo a hacer travesuras, a jugar al pádel con los compañeros de oficina para tomar una cervecita o dos después.
Solo un pacto con el diablo explicaría que aguantara hasta los setenta años de edad, fiel a su mito hasta el final. Ahora por fin ocupa su lugar a la diestra de Lucifer padre, fuman y beben, Lemmy le muestra al diablo las estancias que él mismo diseñó.
«Born to Lose». Johnny Thunders sabía que el diablo está en los detalles, y uno se sabe perdedor no por no llegar a alcanzar los grandes sueños, sino por quedase encallado en las minucias, lo sabes desde el principio y lo asumes. Johnny era un maldito del rock que se hizo su propio himno y contribuyó de manera decisiva a cumplir con su profecía: «That’s the way it goes / The city is so cold / And I’m, I’m so sold / That’s why I know / I was born to lose».
Así es como va, la ciudad es fría y yo estoy vendido, por eso lo sé, nací para perder. Johnny tenía la flora intestinal muy descuidada y también estaba enganchado a la heroína. Cumplió a duras penas con el tricálogo: vivió rápido, murió viejoven y dejó un cuerpo reguleras. Para los perdedores, Johnny es la guía, la muerte fue su victoria final. Minuto de silencio.
Motörhead también tiene su «Born to Lose», el sol no se ponía en el imperio de la maldición de Lemmy. En posteriores relanzamientos, «Born to Lose» pasó a ser «Born to Loose», o sea, nacido para desatarse, una forma de quitarle hierro al asunto: no cuela.
«Born 2 Die». Aunque parezca mentira, Prince se llamaba Prince (menos la temporada en que pidió que dejaran de llamarlo así por problemas con el sello discográfico y representó su identidad con un símbolo impronunciable y entonces se le llamaba «el artista antes llamado Prince» que en el fondo era seguir llamándolo Prince y era un lío y después dio permiso para que lo volvieran a llamar Prince y finalmente falleció por un tema de automedicación y cuando el albacea de su testamento al leerlo en presencia de los herederos dijo que Prince Rogers Nelson dejaba mil dólares a la beneficencia hubo uno que pensó que quién era ese).
En esta canción, nacida para morir, Prince habla de una mujer que «She left the church a long time ago/ Said they couldn’t teach what they did not know/ That’s when she lost her virginity», o en cristiano, que ella dejó la iglesia arguyendo que no decían más que gilipolleces, y que acto seguido perdió la virginidad. Vaya, Príncipe.
Esto es un fantástico funky-RnB marca de la casa que nos anima a darlo todo antes de criar malvas. Prince nos dejó ya maduro pero demasiado pronto, y, este sí, nos obsequió un bonito cuerpo.
Cada vez que escucho «Lana del Rey» pienso en el rey emérito sentado en un sofá tejiendo un jersey de lana, paciente, feliz a su modo, nunca se le ha visto de esa guisa, y tampoco vestido a rayas, y no creemos que eso ya suceda. Lana también tiene su «Born to Die».
Es obvio, naces, una cosa lleva a la otra, y mueres, lo del medio es relleno para los más espirituales o la chicha para los más carnales. Lana parece combinar ambas cosas aquí y dice que «The road is long/ We carry on/ Try to have fun in the meantime». El camino es largo y lo sobrellevamos, intentemos pasarlo bien mientras tanto. Esta canción es evocadora y sensual e invita, como la de Prince, al carpe diem.
«(I was) Born to Love You». Es el mayor éxito en solitario del aclamado y llorado Freddie Mercury, aunque después fuera grabada por Queen en un tono más roquero. En cualquier caso, Freddie nació para quererte no solo a ti, ese «you» es una metáfora de la vida toda. Un tema de pop-rock optimista y pegadizo de letra escrita en un descanso de película de Antena 3.
A Freddie le iba mucho la fiestuqui y no se exprimía demasiado el limón, hacía apología de la ligereza con tal estilo que lo elevaba a categoría de arte. Luego todo tiene un precio o no, pero que nos quiten lo bailao, y a veces me pregunto cómo hubiera encajado en una fiesta del gran Gatsby.
Otro que también entró en el club de los viejóvenes fallecidos antes de tiempo. A mí de Freddie lo que más me gustaba era ese pie de micro cercenado que llevaba de aquí para allá o cuando tocaba el piano de pie.
«Born to Be Alive». Nacer para estar vivo puede sonar a perogrullada, pero después de tanta muerte y autodestrucción y solemnidad está bien hacer hincapié. Lo de haber nacido para algo no es patrimonio único de los grandes artistas, también los menos conocidos como Patrick Hernandez sienten la llamada.
Aquí hablamos de intensidad, no de longevidad, hay que ser disfrutón y bailongo y hacer un poco el payasete, como cuando pinchaban este one hit wonder de ritmo dance y con ese riff arabesco y vientos acuciantes.
Viajar, ver mundo, gastarte el ingreso mínimo vital en cervezas. La letra no hace más que repetir el mantra, Patrick dice que no sentará la cabeza por mucho que insistamos. Con esta canción dio sus primeros pasos de baile Miquel Iceta.
«Born to Be My Baby». Aquí los Bon Jovi te están diciendo, nena, que naciste para ser su chica, que todas las fuerzas del universo se confabularon para que tú, mujer que apenas se roza los labios con las yemas de los dedos mientras lee distraída en la biblioteca pública bajo un haz de luz primaveral, fueras la piba de Jon Bombón.
Justo para después aclarar que él también fue hecho para ti, esa melenaza y esos ojazos son tuyos. Todo cuadra, el pescado está vendido.
Estoy seguro de que esta es la canción preferida de alguna prima segunda de Isabel Díaz Ayuso. Bon Jovi fueron producto de su época, una mezcla, si se me permite el análisis grueso, de Guns N’ Roses y Bruce Springsteen que les dio muchas alegrías comerciales.
Te pasabas sus canciones esperando a que llegara el estribillo pensando en párrafos del B.O.E., eso es buena señal. Ahora Jon va de estrella consagrada y hace temas de rock blandengue, el león se cortó la melena.
«Born to Make You Happy». Britney Spears hace toda una declaración de intenciones, altruismo en estado puro, dar sin esperar nada a cambio: «I’d do anything/ I’d give you my world», haría lo que fuera, te daría mi mundo: sexo variado y sin cortapisas, libertad de horarios con los colegas, comprensión con tus cinco años en paro porque todavía estás pillando el tono a tu novela.
Haces todo eso y luego llega el futuro impenitente y te lo paga de aquella manera, te lo arrebata todo, hasta tu personalidad jurídica: eso no se hace, futuro. Parece que la muchacha no puede ni ir al Mercadona sin que se lo autorice su padre. Sin ninguna duda, Free Britney.
«Born to Be Blue». Chet Baker se levanta con resaca en una habitación extraña, desconoce el nombre del hotel, de la calle, de la ciudad y hasta del país donde está. Se mira al espejo, nunca olvidará su paso por la cárcel. La trompeta descansa en su funda y ahí debe permanecer de momento.
Entonces suena un piano que juega al blues y una guitarra que insiste en el jazz, y Chet se lanza a cantar con su voz dulce y penetrante.
Es la típica historia de chico y chica que beben los vientos el uno por el otro, el cielo brilla, la vida es hermosa, pero entonces chica deja a chico por razones que no vienen al caso, todo se nubla y nada ya tiene sentido, chico había dado por hecho que el amor era irrompible, chico entonces se agarra a su trompeta y a la noche como clavo ardiendo, chico se hace un poco cabroncete y golfo, chico ya nunca querrá a nadie más que a él mismo, a veces ni eso, y a su instrumento, todo aderezado de heroína, chico se mete en muchos líos, ahostian al chico y lo dejan sin dientes y tiene que replantear su forma de tocar, chico no levanta cabeza y acaba despanzurrado en una calle de Ámsterdam tras caer en extrañas circunstancias por la ventana. Descansa en paz, Chet.
«Born to Cry». Verdadero himno a la ruptura sentimental de Pulp. Es melancólico, irónico, épico. Sencillo. La voz como desafinada y moqueante de Jarvis Cocker da el tono perfecto a una magnífica letra que comienza diciendo que «That coat that I gave you/ All shiny and black/ I’m sorry my darling/ But I’m taking it back», ese abrigo que te di (regalé), todo negro y brillante, lo siento cariño, pero devuélvemelo. Bravo.
Y después, «Some were born to change de world/ Some never even try/ But darling you and I/ We were born to cry», algunos nacieron para cambiar el mundo, otros ni siquiera lo intentan, pero tú y yo, cariño, nacimos para llorar. Britpop del bueno.
«Born on the Bayou». Algunos no se sienten los elegidos ni creen estar predestinados para nada, lo que piensan que te marca es algo más terrenal, el lugar donde naciste y te criaste.
En todo caso: ¿quién dijo que para escribir sobre algo hay que conocerlo a fondo? Un buen ejemplo es este artículo. John Fogerty no había pisado todavía los terrenos pantanosos de Luisiana cuando, sentadito en California y echándole imaginación, escribió este tema denso, atmosférico, primordial.
Todo gira en torno a un acorde, el fuzz de las guitarras y el eco que nos llevan directamente al sur, a las shallow waters (las aguas poco profundas), la niebla que se alza con los primeros rayos de sol de la mañana como los espíritus de los muertos (o hoodoos), los sortilegios y las maldiciones, el contrabando y la barca entre los caimanes.
Mezcla de rock sureño mestizo y prog-rock, cuando escuchas esta canción empiezas a sudar como Camacho en el teórico del carné de conducir. «Mi padre me dijo «no dejes que el hombre te coja y te haga lo que me hizo a mí. Porque te cogerá»». Escalofríos.
La Credence fue una máquina de éxitos que pisó terrenos country, soul, rock y blues, nada podía salir mal. Después pasó su momento, pero dejaron grandes e imperecederas canciones, también joyas escondidas, como otro «Born to Move» que tienen bailongo.
«Born in the U.S.A.». Diez años después, Springsteen se dio cuenta de que correr no valía para nada si lo hacías dando vueltas en círculo: en realidad no había lugar donde esconderse en los U.S.A. Él solo pretendía matizar el sueño americano, despertarlos con cariño para decirles que la realidad era otra, que estaba bien soñar, pero que había mucha gente teniendo pesadillas.
Algunos no entendieron la metáfora de «Born down in a dead men’s town/ The first kick I took it when I hit to the ground», nací en una ciudad de mala muerte, la primera hostia la recibí en cuanto puse un pie en el mundo, y aprovecharon la canción para poner la banda sonora al sueño reaganiano.
Eran los ochenta y el sol no se ponía en el imperio U.S.A., el cine, la música, la ropa, la alimentación. Bruce pareció caer en un duermevela americano, se dejó acunar, llegaron muchos números uno, el dinero, la fama, la figura que sigue siendo ahora.
La bandera de la portada no ayudó, sus aclaraciones no fueron suficientes. Una canción simplona que basa su fuerza en la batería brusca y la voz desgañitada, dos acordes y producción ochentera. Bruce nos enseñó a llevar correctamente los Levi’s 501.
«Born in the 50’s». Decir en los años 70 que habías nacido en los 50 quedaba cojonudo, decirlo ahora solo significa que estás ante un funcionario de la seguridad social para calcular la pensión o algo peor.
Aun así, The Police sentían a finales de los 70 que se iban haciendo mayores y recordaban que de adolescentes no concebían el mundo sin televisión, igual que los centennials de ahora no lo conciben sin la hiperconectividad: «Oh, we hated our aunts/ And we messed in our pants/ And we lost our faith and prayed to the TV».
Odiábamos a nuestras tías, y ensuciábamos nuestros pantalones, y perdimos nuestra fe y le rezábamos a la TV. La vida es un círculo.
«Born this Way». Lady Gaga no lo puede decir más alto, porque menudo chorro de voz, pero quizá sí un poco más claro porque lo dice en inglés: así hemos nacido, esto es lo que hay, lo del pecado original es la mayor fake news de la historia.
Desde que una preciosa aminoácida se esnifó una fumarola por ver qué pasaba y se desarrolló la primera forma de vida, o algo así, todos somos de nuestro padre y nuestra madre o de cualquier otra combinación, no hay nada escrito en ningún sitio que diga que tenemos que ser así o asao. «I’m beautiful in my way/ ‘Cause God makes no mistakes».
Soy bella a mi manera, porque Dios no comete errores (o Dios no juega a los dados, como diría Einstein). De todos modos, lo de ir con filetes a los saraos no era necesario, Lady, ya te habíamos entendido. El mejor disco de Gaga está por llegar.
«Born Under Punches». Aunque el título, nacido bajo una somanta, puede insinuar que un grupo de matones están esperando en el paritorio para empezar a darte tu merecido antes de tu primer berrido, la canción de Talking Heads luego parece ir por derroteros más surrealistas: «Keep a step ahead of yourself», mantente un paso por delante de ti mismo, algo que nos lleva a pensar que nosotros somos a veces nuestros peores enemigos, o quizá que hemos de alejarnos de nosotros para innovar, para no estancarnos, pero vaya usted a saber.
El que habla es un delgado gobernador. David Byrne y Brian Eno firman esta pieza funk-punk monocorde y rítmica, y se tomaron siempre en serio lo ir un paso por delante de ellos mismos y de los demás.
«Born of a Broken Man». Suave que me estás matando-caña al mono-suave que me estás matando-caña al mono. Esquema compositivo de los Rage Against the Machine que tantas alegrías nos dio, con los riffs acerados y los efectos de la guitarra de Morello que levantan a los más alicaídos, a los que sujetan el cubata con la inclinación precisa para que no se vierta ni una gota, un ojo cerrado y el otro abierto para no perder detalle y a la vez echar una cabezadita, dos hemisferios cerebrales independientes como algunas aves, un hombre caucásico de Zamora de mediana edad y heterosexual por los cuatro costados pero que tuvo una experiencia con un travesti un fin de semana que fue la cuadrilla a Madrid apoyado en la pared de gotelé del bar del pueblo que de noche es también pub.
Que tu viejo estuviera jodido no significa que tú lo vayas a estar. Rabia y rebelión frente a tu destino. Los Rage tienen otro tema en el mismo disco, el mítico The Battle of Los Angeles, «Born as Ghosts», nacidos (como) fantasmas.
«Born in Chains». Bonito espiritual susurrado-recitado a media voz gravosa y afónica desde las entrañas del octogenario Leonard Cohen. Nacido encadenado, la huida y la búsqueda, la fe y la duda que anida en todos nosotros, en cada uno de nuestros actos; la ancestral historia de un perseguido que huye que se repite hasta nuestros días, o una alegoría del camino tortuoso hasta llegar a dios. La lírica de lo espiritual siempre le sentó bien a las canciones, algunos pactan con el diablo, otros buscan a dios.
«Born on a Different Cloud». Esta canción fue escrita por John Lennon en el más allá y se la estaba dictando en un sueño a Liam Gallagher cuando de pronto Noel se coló como un elefante en una cacharrería y trató de llevársela, hubo tiras y aflojas, pero al final ganó Liam, que se despertó legañoso y la escribió del tirón y dijo que se le había ocurrido a él.
Ya el ínclito Manuel de Lorenzo mencionaba en su artículo la tendencia de Oasis y sobre todo de Noel a tomar prestadas ideas y material del resto, como tu excuñado que se construyó la casa del pueblo mangando en obras de toda la provincia.
A pesar de todo, los resultados de las riñas de los Gallagher fueron la banda sonora de parte de una generación. «Born on a different cloud/ From the ones that have burst ‘round town/ It’s no surprise to me/ That you’re classless, clever and free».
Nacido en un mundo aparte, de aquellos que se han reventado por la ciudad, no me sorprende que seas descastado, inteligente y libre. Algunos dicen que está dedicada a su hijo que, sorpresa, se llama Lennon.
«Born Under a Bad Sign». Albert King, que era Tauro y por lo tanto práctico, ordenado, trabajador, ambicioso, serio y pragmático, deja claro en este blues que las estrellas no estaban alineadas cuando él nació.
«(New) Born». Todos conocemos a Muse y la maestría de Bellamy a la voz y la guitarra. «The bitterness inside/ Is growing like a new born/ When you’ve seen too much too young/ Soulless is everywhere». Aquí Bellamy dice que ha tenido un bebé sano de tres quilos cuatrocientos gramos llenos de amargura, un bebé desalmado y descreído.
«Born in Time». Había que terminar con el nobelizado Bob Dylan, padre de toda la lírica pop. Solo los audios de Villarejo tienen más chicha que las letras de Dylan.
Esto es un desapercibido descarte de Oh Mercy reeditado después en Under the Red Sky. Aun así, Bob siempre deja versos marca de la casa: «In the hills of mystery/ In the foggy web of destiny/ You can have what’s left of me/ Where we were born in time». En las colinas del misterio, en la telaraña neblinosa del destino, puedes tener lo que queda de mí, allí donde nacimos en el tiempo.
Bob nació a lomos del tiempo y eso significa que ve las cosas desde otra perspectiva, un observador privilegiado del mundo externo a él, el gato de Shrödinger en su regazo; por eso él seguirá de gira cuando los demás ya estemos criando malvas. Forever Young.
Este artículo se acerca a su fin, las negras nubes del tema no da para más y el aburrimiento se ciernen sobre él. En realidad, pocos o ninguno habéis llegado hasta aquí. Decenas de Borns quedaron fuera, algunos graciosos como «Born on a Horse» (nacido en un caballo) o «Born Tired» (nacidA cansadA), otros evocadores como «Born Too Late» (nacida demasiado tarde) o «Born to Dream» (nacidos para soñar), otros espeluznantes como «Born in a Mourning Hall» (nacido en un velatorio) o «Born in War» (nacido en plena guerra). Y me despido con una cita casi literal de mi abuelo, algo que a veces decía cuando vivía con nosotros en casa de mis padres y se enfadaba por cualquier nadería:
«¡Para qué cojones habré nacido!».
Y tú, ¿para qué naciste?
nuestras charlas nocturnas.
Teatro Romano…
Sobre historia — Para los romanos, la cultura era un pilar esencial de su desarrollo. De ahí que nos hayan dejado joyas artísticas y arquectónicas tan maravillosas. En este post, queremos explicarte todo acerca de un espacio de relevancia para ellos como lo era el Teatro romano, su historia, características y actividades que desarrollaban en él.
Las pinturas y las esculturas fueron una de las representaciones más grandes e importantes que había en el antiguo Imperio Romano, pero no las únicas, ya que también existieron los teatros romanos, en los cuales los actores hacían muchas veces representaciones mitológicas.
Por suerte para nosotros, aún se conservan muchos de ellos en buen estado y nos han permitido conocer más sobre sus características y sobre lo que se podía ver en ellos.
– ¿Cuál fue el origen del Teatro Romano?
Si buscamos el origen del Teatro Romano, debemos de fijarnos en Grecia. Fue cerca del Siglo III a.C cuando en Roma se empiezan a formar las primeras obras de teatro con sus estructuras. Del mismo modo que ocurrió con los griegos, los primeros usos y obras que se pudieron ver en Roma tenían una fuerte relación con la religión y con los dioses, sin embargo, esto fue evolucionado y finalmente este cambio.
Los romanos eran un pueblo que tenían muchas fiestas y les gustaba celebrarlas por todo lo alto, ese es el motivo de la evolución dentro de las obras de teatro, el cual evoluciono como un medio para poder entretener y divertir a la gente durante un periodo de tiempo para hacerles olvidar su vida y a su vez, controlarlos mejor y que no se revolucionasen.
– Estas son las características del Teatro Romano
Cómo os hemos mencionado anteriormente, el teatro romano tiene inspiración en el teatro de Grecia y es que muchas de sus características son similares e incluso iguales.
Las primeras construcciones de teatros en Roma se hicieron con materiales endebles, como eran el adobe y la madera, y es que los teatros se demolían una vez que se habían realizado las obras o los eventos previstos; esto se debía a una ley que les impedía hacer teatros fijos.
Pero fue cerca del año 55 a.C se construye el viejo Teatro de Pompeya, en el cual se incluye un templo, de tal manera que esquivo la ley y se siguió conservando en pie.
Según fue pasando los años y el tiempo, los romanos acabaron concretando ciertas características muy concretas, lo que les permitió diferenciarse de las antiguas obras inspiradas en Grecia.
Si nos fijamos en sus modelos, la gran mayoría tiene un estilo similar al que propuso Vitruvio, que tenía las siguientes partes:
- Scaenae frons (frente escénico): por norma general, se componía con una serie de columnas.
- Orchestra: era un semicírculo frente a al scaenae frons, en el cual se sentaban los poderosos, donde estaba el coro que acompañaba la obra y en el que había un altar a Dioniso.
- Aditus: eran los pasillos que se encontraban en los laterales y que daban el acceso a la Orchestra.
- Cavea: una estructura con forma semicircular donde se sentaban la gente que iba a ver la obra. Tenía una serie de divisiones, la primera de ellas en círculos, que se denominaba cunei. Por otro lado, tenía otra división hecha por pasillos y se les llamaba ima cavea, media cavea y summa cavea.
- Vomitoria: similar a los vomitorios de los estadios actuales, eran unas entradas con bóveda por los que accedían a la cavea.
- Proscaenium (proscenio): es el espacio que estaba delante de donde se desarrollaba la obra.
- Porticus post scaenam (Pórtico detrás de la escena): como su nombre indica, era un patio porticado que se encontraba detrás de la escena y que tenía una serie de columnas.
Los teatros podían tener ciertas diferencias entre ellos, mientras que algunos arquitectos montaban la cavea sobre unas galerías abovedadas, otros preferían usar las laderas donde se construían para situar en ellas la cavea.
Algunos teatros eran tan modernos, que disponían de una tecnología con toldos que les permitía protegerse de la luz o de la lluvia.
Se ha observado en algunos teatros que había una zona dedicada a los dioses y había ciertos templos para rezarles.
Las clases sociales tenían su sitio y no se podían mezclar entre ellos como si nada, cada uno tenía sus zonas:
- Proedria: la zona mas importante, estaba destinado para los senadores.
- Ima Cavea: los asientos de los caballeros.
- Media Cavea: en ella estaban las personas libres.
- Summa Cavea: aquí podían sentarse los esclavos y los libertos.
- Matroneo: era el espacio destinado para que acudiesen las mujeres.
– ¿Qué clase de actividades se hacían en el Teatro Romano?
Dentro del Teatro Romano, se pudieron ver obras de teatro de diferentes géneros, aunque al principio eran de temas religiosos. En su época mas gloriosa las obras se inspiraban en el carácter del pueblo, aunque en ciertas obras añadían elementos educativos para las personas menos cultas, además de acompañar con música a la obra.
Muchos de los actores no solo se vestían diferentes según las obras o los personajes que interpretaban, sino que usaban un calzado como el que usaban los griegos en el teatro; además de usar algunas máscaras, hechas a mano, para ocultar el rostro de los actores, sobre todo cuando interpretaban personajes malos u odiosos.
Cuándo en Roma se representaba una obra dramática se llama fábula, pero según su tema o los personajes, podría ser una tragedia o una comedia.
Fábula Tragedia
- Fábula crepidata o coturnata: se diferenciaba por ser una tragedia de tópicos griegos, donde los actores usaban una bota alta, de origen griego, llamada cornuto.
- Fábula praetexta: inspiradas en las leyendas o historias romanas, tenía el mismo nombre de la toga orlada que usaban los ilustres en la Antigua Roma.
Fábula Comedia
- Fábula palliata: se trataba de una obra que en el teatro romano hablaban sobre asuntos griegos, en el cual los comediantes se cubrían con un tradicional manto griego conocido como pallium.
- Fábula togata: se hacía de modo versado y trataba temas romanos, los actores usaban una toga.
Esto es todo lo que podemos contaros acerca del Teatro Romano, uno de los emblemas del Imperio Romano que podemos apreciar en buen estado en nuestros días. En algunos de ellos, como en el teatro romano de Mérida, aún se hacen ciertas representaciones y espectáculos algunas veces al año.
nuestras charlas nocturnas.
La sangre de San Valentín…
Historia Hoy(O.L.Mato) — La mañana del 14 de febrero de 1929, el día que las parejas se aprestaban a tener una cena romántica honrando al Santo que hasta la misma Iglesia católica sospecha que no existió, dos agentes de policía y dos civiles entraron al garaje ubicado en 2122 North Clark Street, cerca del Lincoln Park en Chicago.
Minutos después de las 10 de la mañana se escuchó un estrépito de balas al descargar sus ametralladoras Thompson contra 7 miembros de la banda de “Bugs” Moran.
El crimen nunca fue resuelto, ni nadie condenado por la masacre, aunque era un secreto a voces que los autores, llamados “Egan’s Rats”, respondían a Al Capone. Era solo un capítulo más de la cruenta guerra entre pandillas que asolaba la ciudad de Chicago.
Desde 1924, esta ciudad había ganado el dudoso prestigio de ser una ciudad sin ley, dominada por la violencia. La reciente prohibición de venta e ingesta de bebidas alcohólicas conocida como “Ley Seca” había hecho florecer el negocio del contrabando de alcohol y la proliferación de bares ilícitos donde se lo vendía.
A estos lugares se los conocía como speakeasies (algo así como “habla con facilidad”), bares clandestinos donde solo podían acceder algunos “habitués” para evitar las desagradables intervenciones de la policía.
La Ley Seca agregaba un nuevo y floreciente negocio a los ya existentes en manos de bandas delictivas: la prostitución y el juego clandestino. En pocos meses las ganancias de esas bandas en manos de irlandeses e italianos se disparó a niveles insospechados que justificaban los medios más violentos para adueñarse del negocio.
Algunos especialistas calculaban que, solo la zona de Chicago, se movían 60 millones de dólares de entonces (una cifra cercana a los 300 millones de hoy día). En solo 5 años llegó a los cien millones.
Durante la Ley Seca aumentó el número de muertes por encefalitis alcohólica y cirrosis, todo lo contrario a las intenciones iniciales de los abstencionistas, un fenómeno muy particular para tener en cuenta sobre las conductas humanas.
“La prohibición no ha traído más que problemas”, decía el mismo Capone.
“Cara Cortada” Capone era el sucesor de Johnny Torrio, el capomafia herido durante un intento de asesinato en 1924 en Brooklyn, Nueva York. El ambicioso Al se hizo cargo del negocio en un momento de bonanza y se dedicó a expandir su imperio a expensas del territorio de los irlandeses encabezado por “Bugs” Moran.
Las bandas se trenzaban en tiroteos que dejaban docenas de víctimas. En ese fatídico 1929 murieron 64 personas en enfrentamientos mafiosos.
Moran puso precio a la cabeza de Capone, u$s50.000. El italoamericano (Alphonse Gabriel Capone había nacido en Nueva York) no podía tolerar esta afrenta (“No confundas mi amabilidad con debilidad… la debilidad no es lo que recordarás de mi”, solía advertirles a sus enemigos) y decidió darle a Moran su merecido el día de San Valentín.
Según algunos informantes, Al Capone estaba al tanto que el mismo Moran habría de estar presente en el garaje de la calle North Clark Street y dispuso el operativo para la mañana del día de San Valentín. Llegó tarde por un problema de tránsito y por eso salvó su vida.
Los atacantes, vestidos de policía, dispararon más de mil balas contra los hombres de Moran, para cuando llegó la policía (la real, aunque algunas versiones decían que eran los mismos agentes del orden los que habían actuado tomando la justicia en sus manos) uno solo estaba vivo, pero con 15 balas en el cuerpo.
Frank Gusenberg fue conducido al hospital más cercano donde trataron de salvarlo por todos los medios. Su declaración era clave para descubrir quienes habían sido los asesinos. En los pocos momentos que estuvo lúcido se negó a decir quiénes habían disparado.Un código de lealtad que muchos se llevan a la tumba.
Inmediatamente Moran hizo declaraciones apuntando a su enemigo. “Esta masacre tienela impronta de Capone”, a lo que éste, que estaba en Florida durante los asesinatos, acusó a Moran, señalando que esa forma de actuar era típica del irlandés.
La Matanza de San Valentín continúa siendo el mayor asesinato colectivo de la historia sin resolver, porque si bien todo señalaba a la banda de Capone, nunca se pudieron juntar las pruebas para incriminarlo ni por este, ni por los cientos de asesinatos que ordenó realizar para mantenerse en la cumbre del crimen organizado. “He sido acusado de todas las muertes excepto de las bajas de la Guerra Mundial”, se quejaba Al.
Esta masacre marcó el apogeo de su carrera. Capone se convirtió en el dueño indiscutido del hampa de Chicago, pero su poder incomodaba a las autoridades que lo empezaron a perseguirlo por todas las vías posibles.
“Parece que soy responsable de cada crimen que ocurre en este país”, repetía una y otra vez a los medios entre los que repartía generosas remuneraciones para impedir que su nombre estuviese en todas las tapas de los periódicos.
En marzo del 29 fue apresado por no haberse presentado ante una citación judicial. Capone pagó la multa, pero en mayo fue condenado en Filadelfia por portación de armas. Permaneció siete meses en prisión y fue liberado “por buena conducta” (un eufemismo para señalar que sus abogados pagaron una buena cifra por su libertad).
Mientras tanto el Departamento del Tesoro, bajo el auspicio de un contador y agente especial Frank Wilson (miembro del famoso grupo de tareas llamado “Los intocables”, liderados por Elliot Ness) juntaba las pruebas para arrestarlo por evasión impositiva.
Al fue condenado a 11 años de prisión que pasó primero en la cárcel de Atlanta y luego en la mítica prisión de Alcatraz.
Capone fue liberado en 1939 cuando la sífilis adquirida de joven cuando regenteaba un prostíbulo, había hecho estragos en su cerebro. “Solo soy un hombre de negocios dándole a la gente lo que quiere”, solía definirse a sí mismo Al Capone.
Murió en 1947, a los 48 años y fue sepultado en Mount Carmel, Illinois. Su epitafio solo dice su nombre, año de nacimiento y muerte y un lacónico “Jesús ten piedad”.
nuestras charlas nocturnas.
Ideas estúpidas de los EEUU para derrotar a Japón (Segunda Guerra Mundial)…
Historias de la historia(J.Sanz) — En 1944, científicos norteamericanos idearon lo que hoy bien podría ser el guion de una película de Hollywood de dudoso éxito: bombardear los volcanes de Japón para desencadenar su erupción. El argumento esgrimido era doble: por un lado, la mitología japonesa diviniza los volcanes, y el miedo a una erupción -como manifestación de sus dioses- está muy arraigado en la mentalidad nipona, por lo que bombardearlos causaría un «terror catastrófico.»
Por otro lado, además de utilizarlos en la guerra psicológica, la inducción de las erupciones también convertiría a los volcanes en poderosas y destructivas armas de guerra.
La idea consistía en lanzar desde el aire “superbombas” en las gargantas o chimeneas de los volcanes activos. La explosión de estas “superbombas” produciría la erupción de los volcanes y la expulsión de grandes cantidades de magma, gases y cenizas que, sin ninguna duda para este grupo de científicos, por los efectos psicológicos y daños personales y materiales que conllevaría, acelerarían la rendición incondicional de Japón.
De paso también sugerían que muy probablemente las explosiones volcánicas podrían desencadenar devastadores terremotos que sembrarían, aún más, el caos en la nación nipona. La propuesta nunca fue considerada seriamente, y tal vez fue una buena decisión porque, en el hipotético caso de haberse llevado a cabo, los trágicos y lamentables acontecimientos de Hiroshima y Nagasaki podrían no haber sido los únicos.
En 1942, la War Relocation Authority, el organismo responsable de la detención y el traslado de los japoneses residentes en EEUU, había construido diez campos de reasentamiento y transferido a ellos más de 100.000 personas. Paralelamente a la ley de internamiento, el Departamento de Guerra emitió una orden para que se licenciase a todos los soldados de ascendencia japonesa del servicio activo.
Como en Hawai los ciudadanos de origen japonés suponían más de un tercio de la población total, la medida de internamiento no tuvo la misma rigurosidad que en el continente y unos cientos quedaron en la Guardia Nacional de Hawai. Este pequeño grupo fue trasladado a un campamento del continente y allí tuvo que superar cientos de pruebas, demostrar su valía y jurar morir por los EEUU. Veinticinco de ellos fueron traslados a Cat Island (Isla del Gato), en el Golfo de México, para cumplir una misión secreta.
En noviembre de 1942 se instaló en Cat Island un campo de entrenamiento para los perros del Corps K-9 (Cuerpo de perros de las Fuerzas Armadas estadounidenses). A diferencia de otros campos de entrenamiento donde se adiestraba a los perros para ser utilizados en labores de vigilancia, rastreo o como mensajeros, en Cat Island se entrenaron para ser perros de ataque contra los japoneses.
Esta “brillante” idea la tuvo un refugiado suizo llamado William A. Prestre que aseguraba que podía adiestrar a los perros para que atacasen sólo a los japoneses -según el adiestrador los japoneses tenían un olor distinto que los perros podían reconocer- y parece ser que el Ejército le creyó. Además, la elección de Cat Island para establecer el campo de entrenamiento no fue una casualidad, en ella se recreaban las condiciones climatológicas y de vegetación de los cientos de islas japonesas del Pacífico.
El descabellado plan –la versión canina de Normandía– consistía en un desembarco en las playas japonesas en el que primero se lanzaría a los galgos que, por su rapidez, deberían acabar con los nidos de ametralladoras y morteros; después con perros tipo pastor alemán que provocarían el caos entre las filas niponas y, por último, una remesa de perros grandes como el gran danés o el alano que provocarían gran mortandad. Más tarde, los marines sólo tendrían que rematar la faena.
Según William Preste, necesitaría entre 30.000 y 40.000 perros para poder completar su plan. Cuando se preparó el campo y se envió la primera remesa de perros, Preste, ayudado por varios soldados, comenzó la primera etapa de su plan: aumentar su agresividad. Completada la primera etapa, comenzaba el reto más difícil: que distinguiesen a los japoneses y sólo les atacasen a ellos.
Y aquí es donde toman protagonismo los 25 japoneses que habíamos dejado olvidados. Como se hacían pocos prisioneros de guerra nipones, se decidió tirar de los que tenían en sus propias filas. Así que, vistieron a estos 25 soldados/cobayas con el uniforme de Ejército japonés y durante tres meses fueron la carnaza para los perros.
Ray Nosaka, uno de los 25 “voluntarios”, cuenta que aunque llevaban protecciones muchas veces eran mordidos por los perros; en otras ocasiones, se escondían y los perros debían encontrarlos.
Tras varios meses de entrenamiento, los oficiales le pidieron a Preste que preparase una demostración para ver los avances de su proyecto. Lógicamente, los perros se mostraron incapaces de distinguir a los solados de origen japonés del resto.
Le dieron una segunda oportunidad y, tras otro estrepitoso fracaso, el 2 de febrero de 1943 despidieron a aquel farsante y cancelaron el proyecto de invasión canina.
La 828 th Signal Pigeon Replacement Company (de palomas mensajeras) se trasladó a la isla y los 400 perros que habían sufrido aquel brutal entrenamiento fueron reeducados para servir como perros portadores de arneses en los que transportar a las palomas.
Si tenemos en la memoria las imágenes del 11 de marzo de 2011, cuando un terremoto de magnitud 9,1 y el posterior tsunami con olas de hasta 10 metros arrasaron la costa norte de Japón, en ninguna cabeza con dos dedos de frente cabría la posibilidad de “utilizar” los tsunamis contra sus enemigos… pues a EEUU se le ocurrió hacerlo con una bomba que provocaría un tsunami y arrasaría las ciudades costeras.
Este macabro plan fue desarrollado conjuntamente por los ejércitos de los EEUU y Nueva Zelanda bajo el nombre de Project Seal. La idea se le ocurrió a E.A. Gibson, Oficial de Marina de los EEUU, cuando observaba las olas que creaban las explosiones controladas que se utilizaban para limpiar los arrecifes de coral.
En 1944 se llevaron a cabo los primeros ensayos en Auckland y Nueva Caledonia (Nueva Zelanda), bajo la supervisión del profesor de Ingeniería de la Universidad de Auckland Thomas Leech. Durante un período de siete meses hicieron explosión más de 3.700 bombas a pequeña escala, no llegando nunca a provocar la intensidad ni la altura del oleaje previsto para arrasar las ciudades costeras japonesas.
Se concluyó que el proyecto sería viable y que una explosión en cadena de 10 artefactos subacuáticos a una distancia de 8 km. de la costa de generaría una ola de 10 metros de altura. Gracias al “éxito” de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki, se desechó este peligroso proyecto.
Y puestos a idear estupideces, aunque no tenga que ver con la tierra del sol naciente, una más de regalo: el Proyect Popeye, llevado a cabo por el ejército estadounidense durante la guerra de Vietnam para controlar las fuerzas de la naturaleza.
Los estudios de la modificación del clima para paliar la sequía o evitar el granizo, por ejemplo, comenzaron a tenerse en cuenta en la primera mitad del siglo pasado, siendo China e Israel los países en los que dicha actividad ha tenido más éxito en la producción de lluvia artificial (durante los Juegos Olímpicos de Pekín la lluvia artificial supuso el 11% de las precipitaciones).
El método más utilizado es bombardear las nubes con yoduro de plata desde tierra o bien directamente desde aviones. En condiciones atmosféricas determinadas, el yoduro de plata penetra en la nube y al cristalizar forma pequeños núcleos de condensación a los que se adhieren las gotitas hasta formar otras gotas más gruesas capaces de precipitarse en forma de lluvia.
En base a este método, el 1 de septiembre de 1966 el Departamento de Estado y el Departamento de Defensa de los EEUU aprobaban el Proyecto Popeye supervisado directamente por Donald F. Hornig, asesor del Presidente de los Estados Unidos en materia de Ciencia y Tecnología.
Con esta nueva arma meteorológica el ejército de los EEUU pretendía prolongar la estación del monzón sobre los territorios por los que discurría la ruta Ho Chi Minh (Vietnam, Laos y Camboya) y que era utilizada por el gobierno de Vietnam del Norte para enviar suministros a sus fuerzas de sur y a la guerrilla del Viet Cong (Frente Nacional de Liberación).
De esta forma, el aumento de días de lluvia y la cantidad de precipitaciones dejarían impracticables las rutas y, por tanto, el envío de suministros se paralizaría. Además, también dificultarían la habitabilidad de las redes de túneles que utilizaban los Viet Cong.
Después de las correspondientes pruebas y ante el éxito de los ensayos, en 1967 se iniciaron los bombardeos de yoduro de plata. Durante cinco años los aviones acudieron puntuales a su cita en la época de los monzones (mayo a octubre). Para estos menesteres se utilizaron tres Hércules C-130 y dos Phantom F-4C que en misiones de reconocimiento, supuestamente, partían de una base en Tailandia.
Aunque el aumento de lluvia fue notable, sólo se consiguió que los envíos tardasen más en llegar pero no detenerlos; al igual que hicieron cuando se utilizaban bombardeos convencionales que destrozaron las vías de comunicación.
Además, en 1972 alguien filtró al New York Times el proyecto y el Senado pidió informes de aquella actividad de modificación ambiental, pero los militares dilataron su entrega esgrimiendo en su defensa que no tenía ningún tipo de consecuencias medioambientales peligrosas y que sus bombardeos sólo habían sido responsables de un incremento de lluvias del 5% en todo este período.
Aún así, el Senado emitió una resolución el 11 de julio de 1973 con la “prohibición del uso militar de cualquier técnica de modificación ambiental o geofísica”. En estos mismos términos se manifestó la ONU en el 1977 en el Convenio de Modificación Ambiental (ENMOD) que entró en vigor el 5 de octubre de 1978.
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Día del Amor: cómo surgió la leyenda de San Valentín, el santo que se celebra el 14 de febrero y probablemente nunca existió…
BBC News Mundo(E.Vega) — Cuando era emperador romano, Marco Aurelio Claudio (214-270) decidió prohibir que los soldados se casaran: entendió que un guerrero sin lazos familiares era más valiente, porque tenía menos miedo de arriesgar su vida.
Se dice que un obispo llamado Valentín, que creía en el amor, siguió celebrando los lazos matrimoniales entre militares, no respetando el decreto imperial.
También hay informes de un religioso llamado Valentín que repartía rosas en las calles. Y narraciones que dicen que hubo un Valentín que cortó corazones de pergamino y se los dio a los soldados, para que miraran esas tarjetas y recordaran a sus seres queridos.
O incluso la historia de que un sacerdote Valentín contradijo los planes de familiares influyentes y, reconociendo que había un sentimiento genuino, aceptó formalizar la unión entre un joven cristiano y su novia pagana.
En los registros de los santos católicos, hay once llamados Valentín. Y al menos tres de ellos —como apunta el estudioso de la hagiografía Thiago Maerki, investigador de la Universidad Federal de São Paulo (Unifesp) y asociado de la Hagiography Society, en Estados Unidos— son los protagonistas de reportajes con mensajes de amor.
«Estos tres personajes muchas veces se confunden, se mezclan», subraya.
«El San Valentín que celebra la Iglesia, el San Valentín de Roma, tiene más que ver con la historia de un médico que se hizo sacerdote y, en contra de la ley del emperador, siguió celebrando bodas entre soldados».
«Pero se discute su propia existencia», señala.
Si es difícil distinguir a un San Valentín de otro, más difícil aún es probar qué sucedió realmente y qué no es más que una leyenda construida a lo largo de los siglos.
Y, como la figura celebrada por el catolicismo el 14 de febrero es tan rica en controversias, ante la imposibilidad de confirmar qué es realidad y qué es mito, la propia Iglesia católica tuvo a bien sacarlo del calendario litúrgico tradicional en la década de 1960, después del Concilio Vaticano II.
Las misas en su honor terminaron celebrándose solo en comunidades donde la tradición es fuerte.
– Creación del mito
En los documentos oficiales de la Iglesia, la información es sucinta y no permite diferenciar a un Valentín de otro.
El martirologio romano, donde se encuentran las biografías de los santos, es breve. El 14 de febrero se menciona a San Valentín, seguido de la breve explicación de que fue martirizado «en Roma, en Vila Flaminia, junto al puente Milvio». Nada más.
«El misal ante el Concilio Vaticano II tampoco da detalles, pero indica que Valentín fue sacerdote y mártir, y que su martirio se produjo hacia el año 270», dice el investigador y estudioso de la vida de los santos José Luís Lira, profesor de la Universidad Estatal del Valle de Acaraú, en Brasil.
Explica que lo que definió el imaginario sobre San Valentín terminó siendo «la literatura oral y escrita».
«En torno a ellos se están creando leyendas, como era costumbre de estos primeros cristianos.
La voz del pueblo era la que celebraba a sus santos.
Y estos cultos, tradiciones populares, cobran fuerza en la Edad Media.
Hasta que se acaba lo que no era oficial, hasta ser reconocido por la Iglesia, que no tiene más remedio que asumir la tradición como oficial», comenta Maerki.
– Detrás de las fuentes
En medio de tantas contradicciones, el hilo conductor de lo que pudo haber sido el verdadero San Valentín es la información que termina siendo confirmada por distintas fuentes.
Así, es posible ubicar al santo del amor como alguien que vivió en Roma en el siglo III de la era actual y chocó con el gobierno del emperador Claudio. También es coherente con la existencia del puente Milvio, sobre el río Tíber, mencionado en el martirologio.
«Es del año 207 aproximadamente», enfatiza Lira. «Se cita en el transcurso de la Segunda Guerra Púnica, con motivo del regreso de la Batalla de Metauro».
También tiene sentido creer que fue martirizado, ya que este destino era común para los cristianos prominentes de su época, cuando Roma vio a ese grupo como una amenaza para el orden.
La fecha del 14 de febrero como fecha de su muerte es posiblemente una invención tardía.
Un invento conveniente, por cierto, en un proceso impuesto por la Iglesia, cuando se convirtió en religión oficial, a partir del siglo IV, con el objetivo de absorber y resignificar sistemáticamente las prácticas paganas.
«Incluso con el cristianismo ya oficial, en un principio convivieron con el cristianismo los rituales hoy llamados paganos, de los romanos», dice el vaticanista Filipe Domingues, doctor por laPontificia Universidad Gregoriana de Roma y subdirector del Centro Laico de Roma.
«La Iglesia de esa época fue creando paulatinamente fiestas, memorias y prácticas para suprimir incluso las prácticas paganas. Los templos se convirtieron en iglesias, y los rituales comenzaron a resignificarse», agrega.
Por eso, en el año 496, el Papa Gelasio I (410-196) estableció que San Valentín debía celebrarse el 14 de febrero. La idea no fue casual.
– El festival pagano
Durante este período, aproximadamente un mes antes del inicio de la primavera en el hemisferio norte, la antigua Roma tenía un festival llamado Lupercalia, un ritual para la fertilidad.
«Era una época en que la gente se juntaba íntimamente, sexualmente, como un ritual religioso. El período también indicaba el inicio de la siembra y pedían la bendición de los dioses para que fuera un año fértil, con mucha producción», contextualiza Domingues.
El Papa quería enmarcar lo que ya existía dentro de la moral cristiana.
«Él quería acabar con eso y entonces necesitaba crear una identidad cristiana para el ritual. Puso a San Valentín como patrón de los enamorados, de las parejas», apunta el vaticanista.
«La Iglesia no abandonó por completo las prácticas existentes sino que las alineó, trató de poner una justificación cristiana a los ritos y relaciones sociales que eran típicamente paganas».
En este sentido, Domingues comenta que la elección de Valentín pudo haber sido aleatoria.
«No hay razón hasta donde sabemos», dice. Y es posible que más tarde se hayan creado leyendas llenas de historias de amor.
«Fue en ese momento que se empezó a asociar el recuerdo de San Valentín con la idea de un santo del amor, de un santo patrón de los enamorados», dice Maerki.
«La Iglesia instituyó a San Valentín fomentando una respuesta cristiana a una antigua tradición», resume la historiadora Denise Wanderley Paes de Barros, profesora de la Universidad Presbiteriana Mackenzie.
– La fecha popular
La fecha es vista así en gran parte del mundo y explotada por comerciantes y dueños de restaurantes.
«Curiosamente, lo que nació como una fiesta pagana y fue luego absorbida por el cristianismo, hoy ha vuelto a ser una celebración laica», analiza Domingues. «Se usa el nombre del santo, pero ya no es una fiesta cristiana».
Lo que pasó es que muy probablemente toda la construcción biográfica de Valentín —o el conjunto de valentines— estaba lleno de ficción.
Y a partir del Concilio Vaticano II, hubo un esfuerzo de la Iglesia «por eliminar la memoria de santos que tendrían un origen posiblemente legendario; es decir, que no eran más que una construcción mitológica», explica Maerki.
«Durante el Concilio se discutió la necesidad de confirmar la existencia de ciertos santos», subraya Lira.
«Como resultado, algunos convirtieron la celebración obligatoria en opcional.
San Pablo VI (1897-1978), Papa, en 1969, reformó el calendario para la celebración de los santos y la memoria de San Valentín pasó a ser opcional».
«Esto se debió principalmente a la existencia de más de un Valentín en el martirologio y sin muchos detalles respecto a su existencia. El acta del martirio estuvo a cargo de cada Iglesia, por lo que no fue posible dar plena veracidad a los datos», agrega el hagiólogo.
Mucho después, hubo una preocupación por tener mayor criterio para declararse santo cristiano.
Maerki comenta que es «muy difícil decir que San Valentín no existió» simplemente porque «como recuerdo, al menos, existió y existe, ya que hasta el día de hoy es celebrado por muchos grupos dentro de la Iglesia».
Paes de Barros añade que, en ese momento, «la Iglesia católica se dio cuenta de que todos ellos [los Valentín] carecían de valor histórico».
Al analizar la documentación e informes disponibles, se notaron discrepancias y coincidencias históricas en figuras enterradas en diferentes lugares, por ejemplo.
– Los sitios de peregrinación
Pero si las tumbas de los santos terminan siendo puntos de peregrinación religiosa, hay al menos tres lugares importantes en Italia cuando piensas en San Valentín.
En Roma, la basílica de Santa Maria in Cosmedin guarda en un relicario una calavera atribuida a San Valentín.
Los restos correspondientes se encuentran en la basílica de San Valentín en la ciudad de Terni; una de las figuras históricas que se convertiría en San Valentín fue obispo de Interamna, ahora Terni, en Umbría.
También en Italia, la Iglesia de San Jorge, en Monselice, en la provincia de Padua, tiene un sepulcro con restos mortales atribuidos a otro de los Valentín.
Especialista en la reconstrucción facial de santos y otras personalidades antiguas, el diseñador brasileño Cícero Moraes recreó a ambos Valentín en 3D, a partir de imágenes de sus bien conservados cráneos.
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Luz, color y devoción: el entierro del señor de Orgaz, el abuelo de los impresionistas…
National Geographic(A.Sala) — En 1586, el párroco de la iglesia de Santo Tomé de Toledo encargó a un pintor de la vecindad una obra que recordase el milagroso entierro del señor de Orgaz, dos siglos antes.
La leyenda explicaba que dos santos bajaron del cielo para enterrarlo personalmente como premio divino a la humildad, caridad y devoción que demostró en vida.
El pintor era Doménikos Theotokópoulos, a quien todos llamaban El Greco, y la obra es mundialmente conocida como El entierro del conde de Orgaz, aunque el verdadero título es el de señor.
Así, El entierro del Señor de Orgaz trascendió al encargo del párroco toledano y se convirtió en un alegato teológico que exalta la importancia de una existencia piadosa, la superioridad de la vida celestial y la preeminencia de la doctrina católica romana por encima de la herejía protestante que se abría paso por entonces en el norte de Europa.
El entierro del señor de Orgaz, también es un ejemplo nítido del particular manierismo de El Greco, que tomaba elementos de Miguel Ángel, Tiziano o Tintoretto con un estilo muy singular, de contrastes cromáticos y lumínicos, y figuras etéreas que tres siglos después fueron recuperados por los grandes pintores impresionistas como Monet, Cézanne o Van Gogh.
El entierro del señor de Orgaz es una pintura monumental. Mide 4’80 × 3’60 m y representa el milagro que, según la leyenda, ocurrió durante el entierro de Gonzalo Ruiz de Toledo en 1323, cuando los santos Esteban y Agustín bajaron del cielo para darle sepultura con sus propias manos.
Entre las muchas obras piadosas que merecieron tal honor al señor de Orgaz destaca su patronazgo sobre la iglesia de Santo Tomé de Toledo. Casi tres siglos después, el sacerdote de Santo Tomé encargó esta obra a El Greco para situarla sobre la tumba del noble toledano en el interior del templo, junto a una inscripción que relataba el prodigio.
Todavía hoy se mantiene en su emplazamiento original, una ubicación que contribuye a potenciar la majestuosidad del episodio y de su protagonista y la lectura teológica que trasciende de la obra: para contemplarlo, el espectador debe elevar la mirada, lo que intensifica la gloria celestial en la que son acogidos los justos.
– ¿Señor o conde?
Gonzalo Ruiz, al igual que el resto de asistentes a su funeral, no está representado como un noble toledano del siglo XIII, cuando ocurrió el fenomenal suceso. El Greco no caracterizó su cadáver como el de un caballero medieval, sino que su armadura, su peinado y su rostro pertenecen más bien al aspecto que tendría un aristócrata del Toledo de la época del artista.
Esta fusión de épocas ha dado lugar al mayor malentendido de la pintura, el que ha hecho que el título por la que es conocido incluya la palabra conde. En realidad, el condado de Orgaz fue creado en 1520, doscientos años después de la muerte de Gonzalo Ruiz.
Este título sustituyó al señorío instaurado en el siglo XIII y, por tanto, el protagonista fue el cuarto Señor de Orgaz. El paso del tiempo fue diluyendo el recuerdo del señorío para afianzar el concepto del condado que todavía hoy perdura.
– La muerte terrenal
La obra se divide en dos partes claramente diferenciadas: la gloria celestial, con Jesucristo, su madre, la virgen, y los santos y almas de los justos, arriba, y el austero entierro terrenal del cuerpo del señor de Orgaz, en la mitad inferior.
Esta composición ya se estableció en el encargo hecho a El Greco, pero el pintor, además, la aprovechó para presentar algo que nunca antes se había hecho en la península ibérica: un retrato colectivo.
Los asistentes al funeral del noble señor componen un friso de los más ilustres toledanos coetáneos de El greco y era la parte que más fascinaba a quienes contemplaban la obra en vida del pintor.
– Elegantes nobles toledanos
A inicios del siglo XVII, Francisco de Pisa escribiría sobre El entierro del señor de Orgaz: «Viénenla a ver con particular admiración los forasteros, y los de la ciudad nunca se cansan […] por estar allí retratados al vivo muchos insignes varones de nuestros tiempos».
El Greco se hizo muy popular en Toledo, donde los más nobles personajes de la ciudad lo contrataban para que les realizara un retrato. No conocemos con seguridad la identidad de casi ninguno de los prohombres retratados por El Greco en la pintura de Santo Tomé.
Todos ellos, pero, mantienen esa aura austera y de ademanes sutiles, en el estilo elegante a la vez que sencillo que hizo popular al pintor. Todos estos personajes no parecen asustados por el descenso de tan ilustres difuntos, presentando como algo asumido la intercesión de los santos en favor de sus feligreses más ilustres.
– Los hermanos Covarrubias
Tal vez los únicos personajes de los que conocemos su nombre con seguridad son estos dos hombres de barba blanca, situados cada uno en un extremo de la comitiva fúnebre. Son los hermanos Covarrubias, Antonio (derecha) y Diego. Antonio de Covarrubias, catedrático de Derecho Romano por la Universidad de Salamanca, fue miembro del Consejo de Castilla.
Ordenado sacerdote en Toledo al final de su vida, era un gran amigo de El Greco. Diego de Covarrubias había sido un reconocido jurista y eclesiástico nombrado obispo de Ciudad Rodrigo y hacía una década que había fallecido.
Ambos participaron activamente en el Concilio de Trento, en el que el papado fijó los cauces de la Contrarreforma que debía luchar contra las desviaciones protestantes que se extendían por toda Europa. Su inclusión en la obra es un detalle más del carácter dogmático de la obra, muy alineada con el catolicismo romano.
– ¿Un autorretrato?
Muy cerca de Diego Covarrubias se encuentra este personaje que mira directamente al espectador. No se sabe con absoluta certeza, pero tradicionalmente se ha interpretado como un autorretrato de El greco.
Desde finales de la Edad Media, los pintores, orgullosos de sus creaciones, solían incluirse en ellas en una posición secundaria, pero que fuera evidente para el espectador, y una manera de hacerlo era cruzar la mirada con este.
– Asunto de familia
El niño que aparece en primer término sí se tiene la seguridad que era un personaje real, el hijo del propio pintor, Jorge Manuel, que por entonces contaba con 10 años.
Al igual que su padre, mira al espectador y con su dedo señala la escena culminante de la obra: el milagroso entierro del señor de Orgaz.
El pañuelo blanco que contrasta con su enlutada ropa contiene la firma de su padre, con su nombre real en alfabeto griego: Doménikos Theotokópoulos.
– Premio a una vida
La escena que señala el infante era el motivo del encargo de la obra. Las posturas de sus protagonistas son una clara referencia a su maestro Tiziano y a El entierro de Cristo que había pintado en 1520. El joven san Esteban coge por los pies al difunto, mientras que san Agustín hace lo propio por los hombros.
Este segundo santo está representado con el rostro del cardenal Quiroga. Arzobispo de Toledo, inquisidor general y cardenal de la Iglesia Católica, Quiroga era un símbolo más de la rectitud católica y la obediencia que los fieles debían a la jerarquía romana.
Quiroga era un ferviente devoto de las reliquias santas, anatema entre los reformadores protestantes, e hizo trasladar a Toledo los restos de santa Leocadia y San Ildefonso, una medida totalmente alineada con la ideología de la Contrarreforma.
– Maestro de la luz
La suntuosa armadura que porta el difunto señor de Orgaz remite directamente a la época de esplendor de la monarquía hispana en el siglo XVI. Tiziano retrató con una pieza muy similar a Carlos V y a su hijo Felipe II, reforzando su papel guerrero en la defensa de la fe católica.
La armadura también permitió a El Greco desplegar todo su talento en el manejo de la luz: en ella se ve el reflejo de san Esteban y la mano de uno de los atónitos observadores del milagro de su entierro.
En el hombro, los reflejos coloridos de la vestimenta de san Agustín avanzan en tres siglos una de las máximas del impresionismo, que las formas no existen y que todo depende de la luz que las ilumina.
– Admiración celestial
En el extremo derecho de la pintura aparecen dos religiosos. El sacerdote que parece leer el responso por el difunto, se ha identificado con Andrés Núñez de Madrid, el párroco de Santo Tomé que encargó la obra a El Greco.
En su ropa lleva motivos alusivos a la muerte (calaveras) y al patrón de su iglesia, Santo Tomás, patrón de los arquitectos, cuyo símbolo es una escuadra.
Por su parte, el religioso con los brazos abiertos que porta una sobrepelliz blanca parece ajeno a la escena terrenal y fija su mirada en el espectáculo celestial, un poco al modo en el que El greco debió concebir cómo debía ser contemplada su obra por los feligreses.
– Gloria celestial
La escena que deja atónito al religioso en la tierra es la Gloria celestial acogiendo el alma del santo varón enterrado debajo.
En esta mitad, El Greco parece dar rienda suelta a su estilo, que abajo está más contenido, de figuras etéreas, contraste de colores y cuya luz ilumina la vida eterna al lado de Jesucristo.
La escena está repleta de santos y referencias religiosas que la Contrarreforma ponía en valor frente a la censura del protestantismo.
– La virgen y los santos
La ascensión del alma de Gonzalo Ruiz de Toledo es una imagen alineada con uno de los dogmas que fijó el Concilio de Trento y que los reformistas criticaban: la intercesión de los santos y la virgen en favor de los seres humanos. Así el alma del señor de Orgaz parece un feto que asciende por un útero espiritual a la nueva vida.
Los protestantes negaban la facultad de los santos y de la virgen para interceder por los difuntos ante Dios, consideraban que fomentaba la idolatría.
El Greco representa a la madre de Jesús y a San Juan (al que se reconoce por vestir con pieles de ermitaño) intercediendo en favor del difunto y logrando su acceso al reino de los Cielos.
– El rey santo
Detrás de san Juan se agolpan diversos santos y personajes que El Greco consideraba dignos de veneración. Aparece san Antonio, de nuevo, con su escuadra, el apóstol Pablo (de violeta) y un personaje todavía vivo en la época, Felipe II. El greco sitúa al monarca, con la mano en el pecho y su característica mandíbula prognada, junto a los justos.
El Greco había acudido a España en busca de la protección del católico rey Ausburgo, pero los trabajos que le presentó no acabaron de gustar al soberano y por ello marchó a buscarse la vida a Toledo, donde su arte fue realmente apreciado.
Su inclusión aquí se ha interpretado como un homenaje al monarca, al que el pintor realmente admiraba, y una declaración de que no le guardaba ningún rencor.
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PIE, el polémico grupo que defendía la pedofilia y operaba abiertamente en Reino Unido hasta su disolución en los años 80…
BBC News mundo — La BBC recibió una lista secreta con los nombres de más de 300 personas que pertenecían a una agrupación de Reino Unido que pedía públicamente la legalización del sexo con menores.
La lista –que estuvo en manos de la policía desde la década de 1970 durante 20 años- contiene 316 nombres de integrantes del grupo conocido como Paedophile Information Exchange (Intercambio de información pedófila en español o PIE, por sus siglas en inglés).
Los miembros de PIE, que operó en el país de forma legal entre los años 70 y 80, eran en su mayoría británicos, pero también hay detalles de personas de Europa del Este, Australia y Estados Unidos.
Algunos de ellos aún están vivos y, como pudo confirmar un equipo de la BBC que investigó el tema para el podcast «In Dark Corners», podrían estar en contacto o al cuidado de niños a través de trabajo pago o voluntario.
No obstante, la BBC no halló evidencia de que alguno de ellos cometiera abusos.
La Met (como se conoce a la policía de Londres) señaló que no podía proporcionar información específica sobre sus investigaciones históricas sobre PIE, pero aseguró que seguirá investigando delitos si existen pruebas suficientes y los presuntos autores siguen vivos.
Pero ¿cómo surgió este grupo? ¿Y cómo pudo operar abiertamente durante al menos una década?
– Organización legal
PIE se creó en 1974, en momentos en que el país atravesaba un rápido y transformador cambio social. El grupo hacía campaña a favor de la «sexualidad infantil».
Quería que el gobierno suprimiera o rebajara la edad de consentimiento y ofrecía apoyo a los adultos «en dificultades legales en relación con actos sexuales con menores de edad». Su verdadero objetivo era normalizar el sexo con niños.
No era una organización ilegal y en ese entonces costaba unos US$5 al año afiliarse y recibir la revista de sus miembros.
En una entrevista de 2014 con la BBC, el periodista Christian Wolmar recuerda sus tácticas.
«No hacían hincapié en que se trataba de hombres de 50 años que querían tener relaciones sexuales con niños de 5 años. Lo presentaban como la liberación sexual de los niños, que los niños deberían tener derecho al sexo», afirmó.
Es una ideología que ahora parece escalofriante. Pero PIE consiguió el apoyo de algunos organismos profesionales y grupos progresistas. Recibió invitaciones de sindicatos de estudiantes, obtuvo una cobertura mediática favorable y encontró académicos dispuestos a difundir su mensaje.
Pero es un error decir que la organización era tolerada en los años 70, comenta el columnista del periódico TheTimes Matthew Parris. «Recuerdo mucha indignación al respecto. [PIE] se consideraba escandaloso».
Las visitas del grupo a las universidades eran a menudo objeto de oposición. En 1977, el presidente de PIE, Tom O’Carroll, fue expulsado de una conferencia sobre «amor y atracción» en el University College de Swansea, después de que los profesores «amenazaran con no entregar sus ponencias si O’Carroll se quedaba», informó el Times.
El número de mayo de 1978 de Magpie, el periódico interno de PIE, recoge cómo O’Carroll había sido invitado a dirigirse a los estudiantes de las universidades de Liverpool y Oxford, pero que las visitas se cancelaron tras la oposición local.
– Tácticas engañosas
Una de las principales tácticas de PIE para ganar apoyo fue intentar confundir su causa con los derechos de los homosexuales y, al menos en dos ocasiones, la conferencia de la Campaña por la Igualdad Homosexual aprobó mociones a favor de PIE.
La homosexualidad no se despenalizó en Reino Unido sino hasta 1967. En ese momento todavía existían prejuicios y desigualdades: mientras la edad de consentimiento era de 16 años para los heterosexuales, para los homosexuales era de 21.
A la mayoría de los homosexuales les horrorizaba cualquier confusión entre homosexualidad e interés sexual por los niños, señaló Parris. Pero PIE utilizó la idea de la liberación sexual para ganarse a los elementos más radicales.
«Si había algo con la palabra ‘liberación’ en el nombre, automáticamente estabas a favor de ello si eras joven y genial en la década de 1970. Parecía que PIE se había colado por la red».
– Pedofilia declarada
Wolmar cuenta que tuvo contacto de primera mano con PIE.
En 1976, él había empezado a trabajar con una agencia que ayudaba a personas con problemas legales y de drogadicción, que compartía su dirección de correo con PIE. Nadie sabía mucho sobre ellos, pero tenían la apariencia estereotípica de los hombres de aspecto dudoso, recuerda Wolmar.
Después de que el periodista diera la alarma, su agencia decidió convocar a PIE a una reunión.
Sus colegas presionaron al hombre de PIE sobre la edad de consentimiento.
Wolmar cuenta que el hombre dijo que no debería haber una edad. Conmocionados con la idea de que un grupo defendiera las relaciones sexuales con un bebé, él y sus colegas decidieron unánimemente echarlos.
La desfachatez era escandalosa. Keith Hose, uno de los líderes de PIE durante la década de 1970, fue citado por un periódico diciendo: «Soy pedófilo. Me atraen los chicos de unos 10, 11 y 12 años. Puede que haya tenido relaciones sexuales con niños, pero sería imprudente decirlo».
– Auge y caída
Una lectura de los periódicos de la época revela una ansiedad palpable por el éxito de PIE.
Un artículo del periódico The Guardian de 1977 señalaba con consternación cómo estaba creciendo el grupo. En su segundo aniversario, en octubre de 1976, contaba con 200 miembros. Había un grupo en Londres, se estaba planeando otro en Middlesex y le seguirían sucursales regionales.
El artículo habla de las esperanzas de PIE de ampliar el número de miembros para incluir a mujeres y hombres heterosexuales.
La autora del artículo habla de su «repugnancia, aversión y enojo» hacia el grupo, pero añade que tenía «la sensación de que en unos cinco años sus objetivos acabarían incorporándose al credo liberal general y todos los consideraríamos aceptables».
Sin embargo, durante la década de 1980, PIE se vino abajo. Su notoriedad creció en 1982 con el juicio de Geoffrey Prime, que era a la vez espía de la KGB y miembro de PIE. Fue encarcelado durante 32 años, por pasar secretos de su trabajo en el Cuartel General de Comunicaciones del Gobierno a la Unión Soviética, y por una serie de ataques sexuales a chicas jóvenes.
Un breve artículo del periódico Daily Mail de junio de 1983 recoge la dimisión de un jefe scout de Castle Bromwich, un pueblo en las afueras de Birmingham, tras ser descubierto como miembro del PIE.
En agosto de 1983, un director de escuela escocés, Charles Oxley, entregó un dossier sobre PIE a Scotland Yard (la policía metropolinatana de Londres) tras infiltrarse en el grupo, escribió el periódico Glasgow Herald. Ahí, decía que PIE contaba con unos 1.000 miembros.
Las autoridades debatieron formas de cerrar PIE. O’Carroll fue condenado a dos años de cárcel por «conspiración para corromper la moral pública y el PIE finalmente fue disuelto en 1984.
Es difícil creer ahora que el grupo existiera durante más de una década. «Incluso entonces la palabra pedófilo era bastante tabú», dijo Wolmar. «Me parece asombroso que fueran capaces de utilizar ese nombre».
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La presión del Primer Ministro de Granada para que se divulgaran los hechos OVNI en la ONU en los años 70…
Ancient Origins(U.N.) — Estamos familiarizados con funcionarios gubernamentales, científicos, ex oficiales de inteligencia, personal de la fuerza aérea y la marina, periodistas, políticos y otros que han estado presionando para que se divulgue la información sobre los ovnis, particularmente desde 2017.
Sin embargo, el impulso para sus acciones actuales se construyó a lo largo de décadas, cuando individuos de alto rango y personalidades influyentes hicieron llamados similares para obtener información sobre inteligencia no humana , a menudo frente al ridículo.
Una de esas voces prominentes fue la de Sir Eric Gairy, el difunto Primer Ministro de
Granada , quien a través de sus incansables y enérgicos esfuerzos en la década de 1970 acercó a la humanidad al conocimiento de la verdad sobre la existencia de vida extraterrestre.
– Coalición mundial para la divulgación
Sir Eric M. Gairy fue Primer Ministro de Granada, un país insular de las Indias Occidentales conocido como la “Isla de las Especias”, desde mediados hasta fines de la década de 1970. Ocupó una serie de carteras, entre ellas la de Ministro de Asuntos Exteriores y de Defensa.
El 27 de noviembre de 1978, Sir Eric realizó una acción sin precedentes para un jefe de Estado, en aquel entonces o en la actualidad, cuando encabezó un grupo que incluía a científicos y un astronauta para dirigirse a la Asamblea General de las Naciones Unidas en Nueva York sobre el tema de los objetos voladores no identificados.
Había traído consigo un cortometraje que consistía en imágenes fijas y en movimiento que mostraban avistamientos reales de ovnis.
Un hito importante en la historia de la ufología, la Audiencia OVNI oficial celebrada en el Comité Político Especial de las Naciones Unidas contó con la participación de notables instituciones internacionales, científicos y personal militar.
Antes de pronunciar su discurso en la ONU, durante una reunión bilateral con el presidente Jimmy Carter en Washington el 9 de septiembre de 1977, Eric Gairy había mencionado el tema de los ovnis. Carter no era ajeno a los ovnis, ya que es uno de los pocos presidentes que tuvo un avistamiento personal de una nave extraña.
En 1969, había observado un objeto aéreo inusual en Leary, Georgia, y luego procedió a presentar un informe oficial ante la Oficina Internacional de Ovnis en 1973, aunque no afirmó que se tratara de una nave extraterrestre.
Además, durante su campaña electoral de 1976, Carter dijo a los periodistas que haría públicos todos los informes sobre avistamientos de ovnis . Pero, una vez en el cargo, alegó la seguridad nacional para distanciarse de la divulgación.
Volviendo a Sir Eric, Gairy aludió a una resolución que había presentado en la agenda de la Asamblea General de las Naciones Unidas, en la que proponía un estudio internacional de los ovnis, así como un estudio de los fenómenos psíquicos y otros fenómenos relacionados.
Le preguntó al presidente Carter si podía apoyarla. Añadió que no tenía ninguna duda de que «… el planeta Tierra no es el único que Dios creó».
Durante su discurso ante la Asamblea General de las Naciones Unidas, el primer ministro granadino dijo que había llegado ante el augusto órgano debido a una «profunda convicción personal» de que los ovnis tenían «importancia y significado mundial».
Eric Gairy destacó que la ONU debe «asumir sus responsabilidades y examinar seriamente el fenómeno OVNI al que el planeta Tierra ha estado expuesto de forma notoria desde 1947». El primer ministro presentó luego una resolución que establecería un grupo de expertos para formular directrices para un estudio dirigido por la ONU sobre objetos voladores no identificados.
Entre otros participantes de peso pesado, el panel de estudio OVNI incluyó al astronauta Gordon Cooper; el astrónomo J. Allen Hynek; el astrónomo y ufólogo Jacques Vallée; el físico nuclear Stanton Friedman; el astrónomo y astrofísico Claude Poher; y el teniente coronel Larry Coyne del Ejército de los EE. UU., quien apareció en su carácter privado.
Más tarde, tras obtener la aprobación de los panelistas, el Dr. Hynek presentó una declaración en su nombre sobre la necesidad de iniciar una autoridad centralizada de las Naciones Unidas sobre objetos voladores no identificados.
Curiosamente, los gráficos de la presentación que hizo el productor de radio de la NBC e investigador de ovnis, Lee Speigel, que contaba con el patrocinio de Granada para guiar la iniciativa en las Naciones Unidas, fueron preparados por Steven Spielberg, que en ese momento estaba dando los toques finales a su innovadora película Encuentros cercanos del tercer tipo.
Cabe destacar que este importante reconocimiento del tema OVNI por parte de las Naciones Unidas fue, en muchos sentidos, no sólo la culminación de los decididos esfuerzos de Sir Eric, sino también un reconocimiento de los sentimientos que había expresado un año antes ante la Asamblea General de la ONU. En octubre de 1977, Eric Gairy sorprendió a la audiencia cuando reveló: «… Yo mismo he visto un objeto volador no identificado y me he sentido abrumado por lo que he visto».
Sir Eric también señaló: «…De la misma manera que este planeta es la herencia aceptada de toda la humanidad, el conocimiento también debe compartirse para el beneficio de toda la humanidad… uno se pregunta por qué la existencia de los ovnis continúa siendo un secreto».
– Un Secretario General de la ONU se involucra
No fue tarea fácil para Sir Eric Gairy reunir un equipo de expertos de alto nivel de distintos campos para convencer a las Naciones Unidas de que le otorgaran al fenómeno OVNI la importancia que merecía.
Sin embargo, hay que recordar que antes de que Sir Eric solicitara la divulgación de información, U. Thant, el tercer Secretario General de la ONU entre 1961 y 1971, también había hecho esfuerzos similares. Según informes de prensa, habría confiado a sus colegas que consideraba que los ovnis eran el problema más importante al que se enfrentaba la ONU después de la guerra de Vietnam.
Para abordar el asunto, Thant invitó al físico de la Universidad de Arizona, James E. McDonald, a informar al grupo de Asuntos del Espacio Exterior de la ONU en Nueva York en 1967. Y así, McDonald intentó persuadir a la ONU para que emprendiera un estudio global sobre el fenómeno OVNI, instando a cualquier nación miembro a patrocinar la investigación. Ese llamado fue respondido por Sir Eric Gairy, casi una década después.
– Un encuentro extraterrestre escalofriante
Aunque Sir Eric supuestamente tuvo una extraña experiencia con un extraterrestre en su país natal, Granada, un giro repentino e inesperado de los acontecimientos impidió que el difunto primer ministro garantizara una divulgación completa sobre la vida extraterrestre. Así es como sucedieron estos acontecimientos:
La actitud de silencio absoluto sobre el tema de la vida extraterrestre que han adoptado los gobiernos de todo el mundo, principalmente en Estados Unidos, es algo que ha desconcertado a cualquiera que haya reflexionado alguna vez sobre la necesidad de tal confidencialidad en un tema tan vital para la humanidad.
Vale la pena investigar más a fondo para comprender qué motivó la determinación de Sir Eric de saber «…por qué la existencia de los ovnis sigue siendo un secreto».
Estas palabras adquieren gran importancia cuando nos enteramos de que no son simplemente declaraciones exageradas hechas por un líder mundial que también era un entusiasta de los OVNIS.
Por extraño que suene, mucho antes de su discurso en las Naciones Unidas y de la ferviente presión para que se divulgaran los OVNIS, Sir Eric afirmó haber tenido su propio encuentro personal con un ser de otro mundo, aunque uno muerto.
La noche del incidente, Eric Gairy, que estaba pasando sus horas de ocio en un popular club nocturno de Granada, el «Evening Palace», se sorprendió al ver a un pescador local entrar y decir emocionado que se había topado con un humanoide de aspecto extraño que había aparecido en la playa.
Eric, que estaba muy interesado en los fenómenos paranormales, organizó rápidamente una pequeña unidad militar y un fotógrafo. Luego le pidió al hombre que lo guiara al lugar donde se encontró la entidad.
Eric afirmó más tarde que cuando el equipo de investigación llegó al lugar poco antes del amanecer, vieron a una pareja de pescadores en el lugar haciendo guardia junto a algo cubierto por una lona.
Cuando los hombres retiraron la lona, Sir Eric y su grupo retrocedieron momentáneamente horrorizados, pues sus ojos contemplaron una visión inexplicable. Una enorme criatura humanoide de casi dos metros y medio de altura, de piel blanca pálida y cabello blanco trenzado, yacía empapada e inmóvil.
Con los rasgos faciales de un hombre adulto, las manos del extraño ser tenían seis dedos cada una. Esta entidad extraterrestre estaba vestida con un traje azul oscuro, ceñido al cuerpo, de una sola pieza, con calzado incorporado.
Cuando salió el sol, Sir Eric y la tripulación allí reunida se dieron cuenta de que toda la playa estaba llena de extraños restos metálicos. Se identificaron ocho cajas, de las cuales solo dos se pudieron abrir con considerable dificultad. Estas cajas contenían flora y fauna acuáticas, como si la criatura muerta hubiera tenido la misión de recolectar especímenes para su estudio.
Dos camiones, uno para las cajas y otro para el gigante, aparecieron en escena y el peculiar cargamento fue trasladado a un lugar no revelado.
Aunque Sir Eric habló sobre el incidente en una entrevista, nunca reveló a dónde se había llevado el cuerpo ni qué había pasado con los contenedores que se habían recuperado junto con él. Y, por supuesto, no fue sincero sobre las fotografías que habían tomado en el lugar.
– Derrota ante la victoria
El primer ministro Eric Gairy obtuvo una gran victoria el 18 de diciembre de 1978, cuando la Asamblea General de las Naciones Unidas adoptó la resolución de Granada para estudiar el tema tabú de los ovnis .
Pero, antes de que la comunidad ufológica pudiera obtener algún beneficio de la resolución de la ONU de noviembre de 1978, Eric Gairy fue derrocado del poder en un golpe de estado incruento en marzo de 1979, irónicamente, mientras estaba en la ONU para seguir discutiendo con el Secretario General, Kurt Waldheim, sobre la resolución OVNI recientemente adoptada.
La reunión fue cancelada y, posteriormente, dado el momento del golpe, los teóricos de la conspiración culparon al Reino Unido de sabotear el intento de Sir Eric de obtener transparencia sobre los objetos voladores no identificados (Sir Eric había sido el primer ministro de Granada cuando la isla obtuvo su independencia del Reino Unido en 1974).
En la ONU, Gran Bretaña había planteado objeciones al plan de Granada, afirmando: «La delegación británica no cree que el establecimiento de una agencia para la investigación de objetos voladores no identificados sea apropiado para las funciones de las Naciones Unidas». En general, Estados Unidos se mantuvo neutral.
Sir Eric Gairy falleció en 1997 a la edad de 75 años, y sus esfuerzos por promover la divulgación de la existencia de ovnis a través de las Naciones Unidas son ampliamente reconocidos como uno de sus logros más memorables como líder político.
Por ahora, todo lo que nos queda es la especulación y un gran aprecio por los inquebrantables intentos de Sir Eric de buscar la verdad.
O tal vez hemos tenido revelaciones desde el principio, ya que, como observó el destacado investigador de ovnis Grant Cameron, «Cada filtración del gobierno, cada película de Hollywood que tiene un tema extraterrestre y cada broma sobre ovnis del presidente es un tipo de revelación».
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¿Qué fue la Pequeña Edad de Hielo?…
Psicología y Mente(S.R.Comas) — Es indudable que, actualmente, nos encontramos en un periodo de calentamiento global que ha aumentado la temperatura del planeta de forma considerable.
Sin embargo, y a pesar de que es evidente que la acción humana está acelerando el proceso, es importante resaltar que la tierra siempre ha sufrido cambios climáticos, algunos muy radicales y repentinos, como el que sucedió durante la llamada Pequeña Edad de Hielo o glaciación medieval.
¿En qué consistió este fenómeno, que introdujo un clima inusitadamente gélido en Europa durante casi cinco siglos? En el siguiente artículo intentamos explicar sus características y las teorías existentes acerca de su origen y sus consecuencias.
– ¿Qué fue la Pequeña Edad de Hielo?
La conocida como “Pequeña Edad de Hielo” es un periodo de temperaturas muy bajas que se concentró especialmente en el norte de Europa y que tuvo consecuencias no sólo climáticas, sino también sociales, políticas y económicas. Esta glaciación siguió al llamado periodo “óptimo climático medieval”, que fue, exactamente, todo lo contrario, pues aproximadamente desde el siglo VII al XIII la temperatura aumentó de forma considerable.
Desde una perspectiva geológica, es habitual que, tras una etapa de calor excesivo venga un periodo gélido. Nuestro planeta tiene su propio sistema de regulación climática, aunque, claro está, a veces pueden producirse fenómenos humanos y naturales que pueden acelerar o ralentizar el proceso. Veamos a continuación qué originó, según las teorías más aceptadas, esta glaciación súbita del planeta y cuáles fueron sus consecuencias.
– El “óptimo climático medieval”
Alrededor del año 700, las temperaturas empiezan a ascender. Se produce por tanto un masivo deshielo que hace subir el nivel del mar y abre puertos y rutas marítimas que, hasta ese momento, permanecían más o menos bloqueados. Según algunos historiadores, esa es una de las causas por las que, durante el siglo VIII, proliferaron las invasiones vikingas por toda Europa.
Recordemos que los hombres del norte llegaron hasta la mismísima Constantinopla, y no olvidemos, además, que cada vez está más aceptado que los primeros europeos en llegar a América fueron los vikingos, y esto sólo pudo ser posible por el avanzado deshielo del mar. Por otro lado, el cultivo de vid y cereales proliferó en lugares tan poco apropiados para ello como Inglaterra o Islandia, lo que, una vez más, nos da una idea bastante clara del aumento notable de las temperaturas globales.
El “óptimo climático medieval” tuvo su máximo apogeo, según los últimos estudios, a finales del siglo XIV. Tal y como ha probado una investigación de la Universidad de Massachusetts Amherst (publicada en la revista Science Advances, ver bibliografía), durante esas décadas finales de la Edad Media el AMOC (es decir, la Circulación de Vuelco Meridional del Atlántico) vivió un movimiento inusitado hasta entonces.
Pero ¿qué es el AMOC? Es como los científicos llaman a la transferencia de las aguas templadas provenientes del trópico al norte del globo, un fenómeno constante que, durante esos años, vio incrementada su actividad. Este mayor vuelco de agua cálida tropical provocó, por supuesto, un enorme deshielo en la zona ártica, y esto, a su vez, conllevó un colapso climático que generó la aparición de una glaciación intensa apenas veinte años más tarde, la Pequeña Edad de Hielo.
– La Pequeña Edad de Hielo duró cinco siglos
La datación de esta glaciación medieval es confusa. Los expertos no se ponen de acuerdo en cuándo y cómo arribó a Europa, aunque lo que sí está claro es que tuvo su máxima expresión en los siglos XVII y XVIII, cuando se dieron las temperaturas más bajas (en lo que se denomina Mínimo de Maunder, y que coincide con una menor radiación solar).
Algunos historiadores adelantan los primeros indicios de glaciación a las primeras décadas del siglo XIV, lo que explicaría el desastre agrícola que provocó hambrunas sin precedentes y que dejó a los europeos sin resistencia para afrontar a la temida Peste Negra, que se cebó con la población. A pesar de ello, la “glaciación medieval” que empezó en el siglo XIV no se “consolidó”, como ya hemos dicho, hasta bien entrada la época moderna.
Existen documentos que atestiguan hechos asombrosos, como mercados celebrados sobre las aguas heladas del Támesis, en Londres, o la congelación de parte de las aguas del puerto de Marsella. Por otro lado, tenemos multitud de pinturas que muestran a gente patinando sobre canales de los Países Bajos, e incluso se sabe que el Ebro, en España, tuvo episodios de congelación que duraron hasta quince días.
Como vemos, algo absolutamente inusual que contrasta no sólo con nuestro clima actual, sino también con el inmediatamente precedente.
La Pequeña Edad de Hielo no empezó a desvanecerse hasta mediados del siglo XIX, cuando la tierra entró en un nuevo periodo de calentamiento que, actualmente, no hace sino acelerarse, en parte gracias a la actuación humana. Un dato curioso es que los deshielos actuales de zonas como los Pirineos no provienen, como se creía hasta ahora, de los glaciares de la gran glaciación prehistórica, sino, precisamente, de esta Pequeña Edad de Hielo.
– ¿Qué consecuencias tuvo la Pequeña Edad de Hielo?
Todos los historiadores coinciden en que esta glaciación originada en la Edad Media tuvo consecuencias a muchos niveles, no sólo climáticos. El clima es el arropamiento general de una población y, como tal, todas las culturas se han adaptado en menor o mayor grado a la situación climática envolvente. Por tanto, y como afirma el historiador Philipp Blom, si el clima cambia, todo cambia. Pero ¿cuáles fueron las consecuencias de la pequeña glaciación?
En primer lugar, y como consecuencia directa, tenemos las malas cosechas y, por tanto, las hambrunas. Está comprobado que la glaciación hizo avanzar los glaciares de montaña, lo que destruyó pueblos enteros y dejó sin cultivo a numerosas áreas. El descenso del cultivo produjo, obviamente, una menor capacidad para alimentar a la población, lo que se tradujo en epidemias de hambre y enfermedad que, a la postre, sirve para entender también los virulentos episodios de peste que se adueñaron del siglo XVII.
El caso concreto de la Península Ibérica ha sido analizado por el geógrafo de la Universidad de Barcelona Marc Oliva, que lideró un equipo de investigación que se dedicó a estudiar la Pequeña Edad de Hielo en el territorio. En el caso de la Península Ibérica, las consecuencias de la glaciación se materializaron en inundaciones y sequías alternadas que, evidentemente, también afectaron a las cosechas.
En general, Oliva y su equipo calcularon que la temperatura había descendido unos 2 grados centígrados, y que, en consecuencia, los inviernos eran muy largos, y los veranos, cortos y fríos.
En segundo lugar, encontramos consecuencias sociales. Algunos historiadores han relacionado el auge de las malas cosechas, el hambre y las muertes que provocó la glaciación con el aumento de actos de penitencia y contrición y el endurecimiento de la idea de pecado.
Por otro lado, también se ha llegado a relacionar la famosa “caza de brujas” europea con la histeria y la paranoia colectiva que se desencadenaron ante la persistencia de las inundaciones, las malas cosechas y la destrucción generalizada de aldeas a causa del hielo.
Finalmente, existen consecuencias económicas. Ante la mala situación del campo, y especialmente en el siglo XVIII con la Ilustración, se empezaron a diseñar nuevas ideas para explotar el campo debidamente y conseguir que diera la máxima respuesta. Todo ello transformó el concepto de la economía para siempre; el siglo siguiente es el siglo del despegue del capitalismo y del auge de la burguesía.
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La historia real de la película de Netflix «Seis triple ocho»…
Historias de la historia(J.Sanz) — «Seis Triple Ocho«, que se estrenó a finales de diciembre en Netflix, rinde homenaje al 6888º Batallón del Directorio Postal Central, el único batallón de mujeres negras que sirvió en el extranjero durante la Segunda Guerra Mundial.
Esta es su historia… El 14 de mayo de 1942 el Congreso de los Estados Unidos aprobó la creación del Cuerpo Auxiliar del Ejército de Mujeres (WAAC, por sus siglas en inglés):
Con el propósito de poner a disposición de la defensa nacional el conocimiento, la habilidad y la formación especial de las mujeres de la nación.
Aquel gran paso adelante quedó en un intento, porque el WACC se creó como un cuerpo auxiliar del ejército, pero no integrado en el ejército ni, por tanto, sometido a la legislación militar (para bien o para mal). Eso implicaba que, por ejemplo, no podían ejercer fuera de las fronteras nacionales o no tenían derecho al seguro de vida del gobierno que cubría a todos los militares.
Estas desigualdades con los hombres y la actitud del ejército hacia ellas, propia de una institución rancia e históricamente masculina, por no decir machista, hizo que aquel entusiasmo inicial por alistarse se viniese abajo. ¿Y quién puso el grito en el cielo para desfacer aquel entuerto?
Pues Edith Rogers, la primera mujer elegida para el Congreso como representante del estado de Massachusetts que ya había intervenido en la creación del WAAC y en 1943 elaboró el proyecto de ley que creaba el Cuerpo del Ejército de Mujeres (WAC, por sus siglas en inglés, aunque suene repetitivo).
Por cierto, esta veterana política (estuvo 35 años en el cargo) fue la primera en darse cuenta de las dificultades que tenían los veteranos de guerra para integrarse en la sociedad cuando regresaban a casa, así que se puso manos a la obra y participó en la elaboración de la legislación que les brindaba ayuda educativa y laboral, además de beneficios fiscales y financieros.
El 1 de julio de 1943 el presidente Franklin D. Roosevelt firmó la ley por la que el WAAC cambiaba su nombre a WAC y, lo más importante, pasaba a formar parte del Ejército de los Estados Unidos, equiparando a hombres y mujeres en rango, privilegios o beneficios, y permitiendo «liberar a un hombre para luchar».
Ya tenemos a las mujeres integradas en el ejército, ¿a todas? Pues sí y no.
En teoría sí, porque a comienzos de 1940 se habían eliminado los cupos raciales en el ejército, y en la práctica no, porque las desigualdades persistían y la segregación se mantenía con negros y blancos sirviendo en unidades separadas o, por ejemplo, con los oficiales afroamericanos (los pocos que había) que no podían mandar sobre un blanco, aunque fuera un simple recluta.
Es curioso, o directamente hipócrita, que… EE.UU. luchó una guerra contra los peores regímenes racistas con unas fuerzas armadas en las que el racismo era rampante, y, cuando vencieron, los victoriosos soldados negros que habían devuelto a medio mundo la libertad, regresaron a un país donde seguían siendo ciudadanos de segunda.
Y fueron ellos, los veteranos negros de la Segunda Guerra Mundial, los que en buena parte levantaron el movimiento por los derechos civiles que puso fin a la segregación un par de décadas más tarde. (Carlos Hernández—Echevarría, especialista en estudios norteamericanos y profesor de la Universidad Europea de Madrid).
Y si esto ocurría con los hombres, con las mujeres todavía era más sangrante.
De hecho, tendría que intervenir Mary McLeod Bethune, la llamada Primera Dama de la América Negra, luchadora humanitaria y activista por los derechos de los afroamericanos en general, y de las mujeres en particular, fundadora del Consejo Nacional de Mujeres Negras y, gracias a su amistad con la Primera Dama Eleanor Roosevelt, asesora nacional del presidente Roosevelt.
Aunque como en el resto del Ejército prevaleció la segregación, gracias a Bethune las mujeres de color pudieron alistarse y servir en el teatro europeo, tal y como ya estaban haciendo varias unidades de mujeres blancas.
En noviembre de 1944, el Departamento de Guerra creó el batallón 6888 del Directorio Postal Central compuesto íntegramente por mujeres afroamericanas alistadas en el WAC y al frente la mayor Charity Adams (la oficial afroamericana de más alto rango).
El 3 de febrero de 1945, tras el correspondiente periodo de instrucción en los campamentos, las mujeres del 6888 embarcaron rumbo a Gran Bretaña. Su destino, Birmingham. ¿Y qué había en Birmingham que requería el envío prioritario de este batallón? Pues un problema que afectaba a la moral de las tropas: no se estaba repartiendo el correo por falta de personal y de una organización adecuada.
Y esa fue la labor que se encargó al 6888, entregar miles de cartas y paquetes destinados a los combatientes en el frente que se habían ido acumulando desde antes de Navidad y que, lógicamente, seguían llegando un día tras otro.
Se enfrentaron a montones de correspondencia apilada en almacenes apenas iluminados y carentes de calefacción, donde la palabra organización era una quimera y los roedores hacían de las suyas con los paquetes en los que había comida, y para rematar la faena con escasez de personal (comparable a la falta de servicios básicos en la España vaciada).
Y el problema no solo era el volumen, que también, sino que se enfrentaban a señas insuficientes (en ocasiones solo ponían el nombre) o incorrectas (porque, por ejemplo, el destinatario ya no estuviese donde se dirigía la carta al ser enviado a otro frente), y aun en esos casos, que lo sencillo habría sido dejarlas por imposibles o por no perder el tiempo, investigaron, indagaron y preguntaron aquí y allá para poder hacerles llegar a los soldados aquella conexión con la familia que ayudaba a sobrellevar los terribles y penosos días en el frente.
Y por si no fuera poco, también se encargaban de devolver la correspondencia de los fallecidos.
Harían falta muchos meses, algunos decían que incluso años, para poner remedio a aquella enfermedad que minaba la moral de las tropas. Repitiéndose la máxima «sin correo, moral baja», se pusieron manos a la obra. Implementaron un nuevo sistema de seguimiento y organización por fichas, y trabajando en tres turnos de 8 horas al día durante 7 días a la semana consiguieron procesar unas 65.000 unidades de correspondencia por turno.
En apenas tres meses el batallón de mujeres afroamericanas había conseguido terminar aquel arduo trabajo. Y eso que, además de trabajar con escaso medios y en condiciones nada favorables, tampoco ayudó el ambiente con el resto de militares estadounidenses, porque no fueron bienvenidas ni por los hombres (en general), ni por las mujeres blancas de la WAC.
La verdad es que fueron tratadas con cierta hostilidad por los soldados varones (negros y blancos), e incluso se llegaron a difundir rumores (más falsos que «Enhorabuena eres el visitante 1.000.000 y has ganado un Iphone») que aludían a su carácter y a su honorabilidad.
Estas mujeres lucharon en tres guerras a la vez: la de la discriminación racial, la de la discriminación de género y la propia guerra. Así que, como la comandante Adams era partidaria del donde no me quieren no voy, se crearon sus propias instalaciones con comedor, peluquería, cafetería y otras zonas recreativas.
Por el contrario, quedaron sorprendidas de la educación y la amabilidad con la que eran tratadas por parte de la comunidad local, hasta el punto de que algunas de ellas hicieron amistad con las paisanas del lugar (y también paisanos) y, a veces, eran invitadas a tomar el té en sus casas.
Hecho el trabajo en Birmingham, en junio de 1945 (el 9 de mayo se había producido la capitulación alemana) el batallón 6888 fue enviado a Francia para repetir la misma operación en la localidad de Rouen. Es verdad que el trabajo fue el mismo y con el mismo volumen de cartas y paquetes acumulados, pero las condiciones laborales (incluso tenían ayuda de civiles) y el alojamiento distaban mucho de parecerse en algo a su odisea inglesa.
De hecho, tenían tiempo para descansar, pasear y participar en actividades deportivas. Después de limpiar los almacenes de Rouen, les ordenaron viajar hasta París, donde ya fueron alojadas en hoteles… con desayuno incluido.
Como era de esperar, ya que la alegría dura poco en la casa del pobre, la paulatina disminución de la carga de trabajo redujo las mujeres necesarias para ello, por lo que su número fue disminuyendo progresivamente, así como sus condiciones de trabajo.
De hecho, debían registrar a los civiles que trabajaban con ellas cuando abandonaban las instalaciones por el robo de paquetes, sobre todo los que llevaban comida o algún objeto de valor.
Y lo hacían con mucho dolor de su corazón, porque entendían la situación de las gentes de aquella Francia de posguerra con escasez y privaciones… pero era su trabajo.
En febrero de 1946, el resto del batallón regresó a los Estados Unidos sin ningún tipo de recibimiento y se disolvió sin más ceremonias, ni públicas ni privadas, ni oficiales ni oficiosas.
Con la excepción de unidades más pequeñas de enfermeras afroamericanas que sirvieron en África, Australia e Inglaterra, el Batallón del Directorio Postal Central 6888 fue la única unidad de mujeres afroamericanas que sirvió en el extranjero.
Y aunque más vale tarde que nunca, el 28 de febrero de 2022, la Cámara de Representantes de los Estados Unidos votó una resolución, con 422 votos a favor y 0 en contra, para otorgar la Medalla de Oro del Congreso a las mujeres del Batallón del Directorio Postal Central 6888.
Tarde, pero se hizo justicia.
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Los 18 dioses nórdicos más importantes y sus características…
La mente es maravillosa(P.A.R.Ramírez) — ¿Alguna vez te has preguntado a quiénes veneraban los antiguos vikingos? Esta mitología nos transporta a un mundo lleno de dioses nórdicos importantes, poderosos, héroes valientes y criaturas fascinantes.
Aunque no se conoce el número exacto de deidades, contamos con los relatos de las Eddas (poemas tradicionales en nórdico antiguo) que nos hablan de figuras divinas cuyas leyendas cautivan a generaciones enteras.
Desde los sabios consejos de Odín hasta la fuerza imparable de Thor, estas historias no solo reflejan la cosmovisión de los vikingos, también abordan temas universales como el destino, la guerra y el amor. Te presentamos los dioses más relevantes de la mitología nórdica y el impacto que tuvieron en la época vikinga.
– Principales dioses Æsir de la mitología nórdica
Los dioses nórdicos más importantes se dividen en dos grupos: los Æsir y los Vanir, siendo los primeros los más conocidos. Estas deidades representan el poder, el orden y la guerra. Son las encargadas de mantener el equilibrio cósmico y, en muchos relatos, defienden la humanidad frente a fuerzas destructivas. A continuación, te los describimos.
1. Odín: el dios vikingo supremo
Odín era el líder de los Æsir y uno de los dioses más complejos y enigmáticos del panteón nórdico. Se caracterizó por la sabiduría infinita que adquirió a través de sacrificios, como el perder su ojo en el pozo de Mimar, en donde quedó tuerto a cambio del conocimiento de los secretos del universo.
Además, Odín consideraba la poesía como una forma de magia. Su conexión con las runas, símbolos místicos que dan acceso a poderosas artes, lo convirtió en un dios que dominaba la guerra, las palabras y la creación artística.
Él también es el dios del liderazgo, siendo el protector intelectual de Asgard, el mundo de los Æsir que gobierna junto a su esposa Frigg. Debido a su astucia y estrategia, muchos vikingos lo invocaban antes de ir a la batalla, buscando su protección y favor.
Odín es reconocido por su magia, que incluye la capacidad de cambiar de forma, influir en las mentes de otros y hablar con los muertos.
2. Thor: dios del trueno
Thor fue uno de los dioses nórdicos más importantes y queridos en su mitología. Representa la fuerza, la valentía y la protección, y es el defensor de los dioses y los humanos contra las fuerzas del caos, como los gigantes. Su martillo, llamado Mjölnir, es un arma poderosa que destruía a sus enemigos y tenía el poder de bendecir y proteger.
Además de su fuerza descomunal, Thor es conocido por su carácter impulsivo y su amor por los festines. Viajaba por los nueve reinos del universo nórdico en su carro volador tirado por dos cabras mágicas (Tanngrisnir y Tanngnjóstr), las cuales podía sacrificar para disfrutar de un festín durante sus viajes y luego devolverles la vida al amanecer, con ayuda de Mjölnir.
Thor era una deidad clave en la vida de los vikingos, que temían a las tormentas, pero las veneraban como un símbolo de su dios.
3. Frigg: diosa de la fertilidad y reina de los Æsir
Esposa de Odín, Frigg, representa la protección y el amor maternal, además de ser figura de la armonía del hogar y la vida familiar. Se dice que veía todos los destinos, pero, por lealtad y prudencia, nunca revelaba lo que predecía, lo que la hacía aún más enigmática.
Su papel más destacado aparece en el trágico mito de su hijo Balder, en el que intentó protegerlo de la muerte haciendo que todas las cosas en el mundo juraran no dañarlo. Sin embargo, olvidó incluir al humilde muérdago, creyéndolo inofensivo.
Aprovechando esta omisión, Loki, envidioso de la felicidad de Balder y del amor que todos le profesaban, ideó un plan para matarlo. Astuto y malicioso, engañó a Höðr, el hermano ciego de Balder, para que lanzara una flecha hecha de muérdago hacia él, sabiendo que esta planta era la única con el poder de dañar a Balder.
La flecha atravesó a Balder, causando su muerte y sumiendo a todos los dioses en un profundo luto. Este famoso mito refleja la fragilidad de los poderes divinos frente al destino.
4. Balder: divinidad de la luz, la paz y el perdón
Hijo de Odín y Frigg, Balder era una de las deidades más queridas de Asgard, debido a su belleza y bondad.
Era tan atractivo que la luz brillaba a su alrededor e iluminaba tanto los reinos como los corazones de los dioses y mortales.
Todos lo querían, y su naturaleza pacífica lo hacía un símbolo de esperanza y armonía en un mundo lleno de conflictos.
El trágico fallecimiento de Balder es uno de los mitos nórdicos más conmovedores.
Luego de caer muerto por la flecha de muérdago, los dioses intentaron traerlo de vuelta del inframundo.
Su madre Frigg pidió a todos los seres del mundo llorar por él para que pudiera regresar, pero Loki se negó a hacerlo, lo que selló el destino de Balder y evitó su resurrección.
Aunque no pudo ser resucitado en ese momento, algunos relatos sugieren que después del Ragnarök (el fin del mundo, según la mitología nórdica), Balder regresará, trayendo consigo la restauración de la paz y la luz en los nueve reinos.
En la mitología nórdica, los dioses son inmortales en el sentido de que poseen una longevidad casi infinita; pero no son ajenos a la muerte.
5. Tyr: deidad de la guerra y las batallas
Hijo de Odín, Tyr era considerado el dios de la guerra y el protector del orden en el universo. Lo caracterizaban su coraje y su firme sentido de la justicia. Su rol como el dios de las batallas y el juicio lo posicionó como un ser honorable y temido, y su dedicación a la justicia le da una gran importancia en el panteón de Asgard.
Su mayor acto de valentía y sacrificio se da en la historia del lobo Fenrir. Los dioses, temiendo la amenaza que representaba este gigantesco animal, decidieron encadenarlo. Siendo el más valiente de todos, Tyr fue el único dispuesto a poner su mano en la boca del lobo, mientras intentaba engañarlo para que aceptara la cadena.
Cuando Fenrir se dio cuenta de la trampa, mordió la mano de Tyr, dejándolo sin ella. Este sacrificio simboliza la disposición del dios a poner el bien común por encima de su propio bienestar.
6. Heimdall: el guardián de Bifröst
Heimdall fue una figura clave en la protección del reino de los dioses. Este dios es conocido como el guardián de Bifröst, el puente arcoíris que conecta Asgard con los otros mundos. Su tarea es vigilar esta pasarela, evitando que fuerzas externas, como los gigantes, invadan Asgard.
Destacó por sus sentidos extraordinarios. Se dice que tenía una vista tan aguda que veía hasta el más pequeño de los detalles a una distancia increíble, y un oído tan fino que escuchaba crecer el pasto. Estas habilidades le permitían detectar cualquier amenaza antes de que llegara a Asgard, dándole la capacidad de alertar a los dioses con antelación.
Es descrito como un ser casi inmortal, cuyo rol como protector sería esencial durante el Ragnarök. En este cataclismo final, se espera que Heimdall toque su cuerno, el Gjallarhorn, para advertir a los dioses y alertarles del inicio de la batalla que pondría fin a la existencia tal como se conoce.
7. Forseti: dios de la justicia y la reconciliación
Hijo de Balder y Nanna, Forseti sobresalió por su habilidad para mediar en conflictos y emitir juicios sabios y justos. En un mundo lleno de enfrentamientos entre dioses, gigantes y otros seres, Forseti era el encargado de mantener la paz y la armonía, resolviendo las disputas de una manera pacífica y equitativa.
Si bien no es tan conocido como otros dioses nórdicos, su rol como juez y pacificador lo convirtió en una de las figuras importantes dentro del panteón. Se dice que los vikingos que tenían problemas difíciles o disputas complicadas podían acudir a Forseti para recibir su consejo y solucionar sus conflictos de modo justo.
8. Bragi: deidad de la poesía y la elocuencia
El talento para la poesía y la música le otorgaron a Bragi un lugar especial entre los Æsir, pues fue considerado el inspirador de los músicos y poetas celtas.
Su habilidad para tejer palabras de forma encantadora y profunda simbolizó el poder del lenguaje como medio para expresar las emociones y contar las historias de los dioses y los héroes.
Esposo de Idunn, Bragi es crucial en las leyendas relacionadas con la preservación de la vitalidad y el vigor en Asgard.
Juntos, Bragi e Idunn representaron la armonía entre la creatividad y la juventud eterna, asegurando que los dioses mantuvieran su energía y fuerza a lo largo del tiempo.
La poesía de Bragi no solo encantaba a los dioses, sino que era una forma de preservar las historias de las antiguas batallas y hazañas heroicas que definieron el destino de los mundos.
9. Idunn: diosa de la juventud y la primavera
Idunn es una diosa famosa por ser la guardiana de las manzanas de la inmortalidad. Estas frutas otorgaban juventud eterna a los dioses y los mantenían vigorosos y fuertes. Sin ellas, los dioses empezarían a envejecer y perderían su poder.
Ella es secuestrada por el gigante Þjazi, quien, al llevársela, pone en peligro la longevidad de los dioses. Sin las manzanas, empiezan a envejecer rápidamente, lo que genera una crisis en Asgard. Es entonces cuando Loki, con sus trucos y astucia, interviene para rescatarla.
10. Loki: figura del caos y la astucia
Loki es uno de los seres más complejos de la mitología nórdica. Hijo de los gigantes Fárbauti y Laufey, Loki no es una deidad, pero tiene una conexión estrecha con los dioses de Asgard, en especial con Odín y Thor, con quienes comparte múltiples aventuras.
Con su mente astuta y su habilidad para disfrazarse, Loki es considerado un ser malvado y sus acciones juegan un papel fundamental en algunos mitos. Por ejemplo: engañar a los dioses para que consigan poderosos artefactos, como el martillo de Thor, o causar el caos con la muerte de Balder.
Después de este suceso, Loki es castigado por los dioses. Lo capturan y lo atan a unas rocas en una cueva oscura, usando las entrañas de su hijo Narfi, las cuales son transformadas en cadenas de hierro. Para agravar su sufrimiento, la diosa Skaði colocó una serpiente sobre su cabeza, cuyo veneno gotea sobre su rostro causando un dolor insoportable.
Se dice que este tormento continuará hasta el fin del mundo, momento en el cual Loki se liberará de sus ataduras y liderará las fuerzas del caos y la destrucción junto con los gigantes y las criaturas oscuras.
– Principales dioses Vanir de la mitología nórdica
Los dioses Vanir están asociados con la fertilidad, la naturaleza, la prosperidad, la armonía y la magia, representando aspectos más pacíficos y ligados a la tierra; en comparación con los Æsir, que encarnan el orden, la guerra y el poder. Aquí te dejamos los más populares.
1. Freyja: diosa del amor y la magia
Esta es una de las deidades femeninas nórdicas más veneradas. Como diosa del amor y la fertilidad, a Freyja se la invocaba para bendecir matrimonios, fomentar la prosperidad y garantizar abundantes cosechas.
No obstante, Freyja también era una diosa de la guerra y la muerte. Se dice que la mitad de los guerreros caídos en batalla eran llevados a su salón, Fólkvangr, mientras la otra mitad iba al Valhalla con Odín. Esto la muestra como una figura ambivalente, capaz de otorgar vida y reclamarla con la misma facilidad.
Asimismo, se le conoció como una poderosa hechicera que dominaba la magia seiðr, una práctica originalmente exclusiva de los Vanir. Su influencia fue tan grande que enseñó este arte a los Æsir, incluido Odín, marcando un intercambio clave entre ambos clanes.
Su icónico collar Brisingamen, obtenido en un trato con enanos, es un símbolo de su poder y conexión con lo místico. Mientras que el carro que conduce, tirado por dos majestuosos gatos, refuerza su vínculo con la magia, la naturaleza y lo salvaje.
2. Freyr: dios de la fertilidad, la prosperidad y la lluvia
Freyr garantizaba la prosperidad y la abundancia en esta mitología.
Representa la luz del sol que nutre las cosechas y, como señor de la fertilidad, los agricultores le ofrecían sacrificios.
Este importante dios Vanir representó el equilibrio entre los elementos naturales, como el sol y la lluvia, esenciales para la vida.
Freyr también estaba asociado con la belleza y la masculinidad, aspectos que lo convirtieron en una deidad muy venerada en el paganismo nórdico, antes y durante la cristianización de Europa del Norte.
Uno de los mitos más recordados de él es su matrimonio con la hermosa gigante Gerd.
Poseía una espada mágica (llamada summarbrander) capaz de combatir por sí sola y garantizar la victoria.
Pero según los relatos, Freyr entregó su espada como dote para conquistar el amor de Gerd.
Esta decisión, aunque romántica, tendría repercusiones fatales: cuando llegue el Ragnarök, Freyr deberá enfrentarse sin su espada al gigante de fuego Surtr, uno de los adversarios más poderosos, lo que terminará con su muerte inevitable.
3. Njörðr: deidad del mar y la navegación
En la mitología nórdica, Njörðr es el esposo de Skaði y padre de Freyr y Freyja, formando parte importante del árbol genealógico de los dioses nórdicos. Es la divinidad de los mares y la riqueza, una figura central para los pueblos vikingos, cuya vida dependía de la pesca y el comercio marítimo. Su protección aseguraba los viajes y la abundancia en los recursos del mar.
Claro está que se trataba de un Vanir, pero Njörðr vivía entre los Æsir tras la guerra de los dos clanes. Se casó con Skaði, la diosa del invierno. A pesar de su amor y de que intentaron vivir juntos, sus diferencias los separaron: él prefería el mar y ella las montañas.
4. Skaði: diosa del invierno y la caza
Originalmente una gigante de la raza jotun, Skaði se convirtió en diosa tras casarse con Njörðr, como parte de un acuerdo de paz entre los Æsir y los Vanir. Es la madre Freyr y Freyja, y representa el invierno y la dureza del paisaje nórdico, aspectos que la ubican como una figura poderosa e imponente.
A Skaði se le permitió elegir como su marido a uno de los dioses solo mirando sus pies, y pensó que había elegido a Balder por su belleza, pero terminó casándose con Njörðr. Su matrimonio muestra las tensiones entre el mundo natural (representado por Skaði) y el mar (encarnado por Njörðr).
Además de ser una diosa del invierno, Skaði era también una cazadora experta y una figura asociada con la justicia. Ella fue quien puso sobre la cabeza de Loki la víbora venenosa que lo atormentaría eternamente por matar a Balder.
5. Gullveig: diosa de la magia y la riqueza
Se dice que ella tenía una atracción irresistible por el oro, una obsesión que despertaba tanto admiración como recelo entre los dioses. Su nombre, que puede traducirse como «embriaguez de oro», la vincula con la riqueza y la avaricia, conceptos que, a menudo, traen conflicto, incluso entre los seres divinos.
La historia más famosa de Gullveig comienza con su llegada al mundo de los Æsir. Los dioses, desconfiados de su poder y su conexión con la magia seiðr, intentaron matarla. Fue quemada tres veces, y tres veces renació de las cenizas, indomable e inmortal.
Este acto no solo mostró la fuerza de Gullveig, sino que también marcó el inicio de un conflicto mayor: los Vanir, furiosos por el trato que recibió, declararon la guerra a los Æsir. Este enfrentamiento, conocido como la Guerra Æsir y Vanir, cambiaría para siempre el equilibrio entre los dos clanes divinos.
6. Nerthus: diosa de la naturaleza
Nerthus es una deidad nórdica venerada por su poder sobre la naturaleza y la prosperidad, siendo imagen de la abundancia y la fertilidad de la tierra.
Su influencia se extiende a la prosperidad de la comunidad, y su culto estaba vinculado con la celebración de los ciclos naturales.
Se asoció con la madre tierra; era vista como una figura que conectaba a los humanos con los ciclos naturales y el equilibrio entre la tierra y la vida.
Aunque su presencia es menos prominente en las sagas nórdicas, Nerthus es una figura crucial en esta mitología.
7. Gerd: diosa de la fertilidad
Gerd fue una gigante que se convirtió en diosa tras casarse con Freyr, uniendo así a los Vanir con los gigantes. Representa la fertilidad y la belleza natural, y su matrimonio simboliza la armonía entre los elementos de la naturaleza.
Su mito más conocido relata cómo Freyr, enamorado de ella, envió a su sirviente Skírnir para cortejarla. Aunque al principio rechazó las propuestas de Freyr, finalmente aceptó casarse con él tras recibir regalos y promesas de fertilidad para la tierra.
La unión entre Freyr y Gerd es vista como una alegoría del ciclo de las estaciones: Gerd representando la tierra que florece gracias al sol y la lluvia, atributos asociados con Freyr.
8. Kvasir: el dios más sabio en la mitología nórdica
Esta deidad nació de la unión de los dioses Æsir y Vanir al final de la guerra entre los dos clanes, cuando ambos pueblos, en un acto de paz, escupieron en un recipiente común. De esta mezcla surgió Kvasir, un ser dotado de una sabiduría inigualable.
Su conocimiento era tan profundo que podía responder a cualquier pregunta con la más absoluta certeza. No obstante, su destino no le resultó tan benigno, ya que Kvasir fue asesinado por los envidiosos enanos Fáfnir y Regin, quienes robaron su sangre para crear el hidromiel de la poesía.
Este brebaje mágico otorgaba a quien lo bebiera la habilidad de componer versos sabrosos y sabiduría poética. Así, Kvasir es recordado por su sabiduría pura y por ser el origen del elixir que inspira la creatividad y la poesía en el mundo nórdico.
– La mitología de los nórdicos está llena de dioses tan importantes como increíbles
Los dioses nórdicos nos invitan a reflexionar sobre temas como el destino, la guerra, el amor y la sabiduría. Así las cosas, la mitología vikinga es un legado cultural fascinante y una fuente de enseñanzas con amplia relevancia.
Si las narrativas aquí descritas te cautivaron, anímate a seguir explorando este rico universo de historias que tantos libros, películas y obras ha inspirado en la actualidad.
nuestras charlas nocturnas.
Un doble espía anticipó el golpe de Hugo Chávez en 1992, pero nadie quiere hablar de él e intentaron silenciarlo enviándolo a un psiquiátrico…
Infobae(S.Barraez) — “El mayor Orlando Madrid Benítez es uno de los personajes pocos conocidos dentro de la conspiración del 4F. Madrid Benítez fue un espía en la cuerda floja fuera de serie, cuyo papel en el complot ha sido olímpica y convenientemente subestimado por la mayoría de quienes han escrito sobre el tema.
Chávez lo desdeñó en sus relatos y el general Ochoa Antich hizo otro tanto”, dice a 33 años del intento de Golpe de Estado un relato apasionante con abundantes referencias históricas y testimonios del intento de Golpe de Estado aquel 4 de febrero de 1992.
Así se relata como parte de un episodio casi desconocido de la historia que llevó a una camarilla del 4F al poder y que Pablo Hernández Parra lo relata en un libro, de mediados del 2024, titulado “Venezuela: Radiografía de un golpe permitido. El oscuro pasado del 4 de febrero”, destacando treinta años después de lo ocurrido que “la operación político-militar relámpago de ruina y destrucción de un país, no ha sido dirigida por genios militares o políticos experimentados”.
Cataloga al mayor Orlando Madrid Benítez, un infiltrado de lujo quien, a su juicio, “ha sido ignorado como un eficiente agente de información al servicio de diversos generales”.
Narra el desprestigio y humillación de los que fue víctima, hasta intentar “literalmente de desaparecerlo, recluyéndolo en el servicio de Psiquiatría del Hospital Militar de Caracas”.
Narra Pablo Hernández Parra, que del servicio psiquiátrico rescatan al mayor Madrid Benítez, “los generales Heinz Azpúrua y Carlos Peñaloza, a cuyo servicio laboró; finalmente fue enviado al exterior donde aún reside”.
Lo resaltante, destaca el escritor del mencionado ensayo histórico, es la labor de inteligencia realizada por el mayor Orlando Madrid Benítez. En búsqueda de versiones para el libro, obtiene especialmente la del coronel de la Aviación Silvino Bustillos Quintana, exjefe de Operaciones Especiales de la Dirección de Inteligencia Militar (DIM), durante el Gobierno de Jaime Lusinchi, entre 1984 y 1989.
“Bustillos Quintana formó parte de un grupo de trabajo de investigación conjunto de la DIM, a partir de 1986, cuando el entonces capitán Hugo Chávez comenzaba a aparecer en los informes de inteligencia como sospechoso de conspiración dentro de la Academia Militar”.
En su relato de investigación, Hernández Parra, revela que, en 1985, el coronel Bustillos, con la llegada del general Carlos Julio Peñaloza, como director de la DIM, comienza a investigar a Chávez, destacando que en ese expediente fue importante la contribución del mayor Orlando Madrid Benítez, un oficial a quien había conocido en la Escuela de Inteligencia.
Lo que destaca el libro, como aseveraciones del coronel Bustillos sobre Chávez, es que luego de muchas horas de vigilancia, en pocos meses detectan que hay dos grupos: los Notables y los Bolivarianos.
“Los primeros eran los de mayor nivel político y militar. Los segundos tenían contacto en todas las fuerzas; su mayor desarrollo era en el Ejército y su epicentro la promoción Simón Bolívar II. Inteligencia indicaba una insurrección militar a mediano plazo”, ha suscrito el coronel Bustillos Quintana en artículos de su autoría.
– Infiltrado desde que nació
Hernández Parra revela en su libro que “el movimiento conspirativo de los bolivarianos no solo era conocido desde mediados de los ochenta en el seno del Ejército, sino que prácticamente estaba infiltrado desde su nacimiento”.
Describe así que Hugo Rafael Chávez Frías “el militar, supuestamente comandante del fallido golpe, integrante de la primera promoción de la Academia Militar de Venezuela, dentro del Plan Andrés Bello diseñada para formar en el país licenciados militares en función de contribuir al desarrollo, en cualquier área del Estado venezolano, al graduarse de comandante, fue asignado a dirigir una proveeduría militar en un cuartel de la ciudad de Cumaná, Sucre”.
Como remate está Nicolás Maduro Moros, “el otro artífice de la llamada revolución resultó ser un personaje cuyo máximo puesto de trabajo en la “cuarta república” fue chofer de Metrobús”.
Sobre Diosdado Cabello “el tercero, en pugna con el segundo, era un teniente del Ejército, segundo en su promoción militar, encargado de montar las antenas de comunicación para la operación militar de 1992, siendo detenido al comienzo de la intentona sin oponer resistencia”.
Duda de la condición “revolucionaria” de los mencionados personajes, quienes sí tuvieron éxito “para lograr la demolición de la sociedad venezolana en tan corto periodo”, con 25 años al frente del gobierno, “sobrepasaron las expectativas de alcanzar los objetivos no logrados el 4F”.
Es necesario mencionar la descripción de Hernández sobre el nacimiento del golpe militar de los Bolivarianos, que nace en la Academia Militar, desde 1981 hasta 1987, cuando “Hugo Chávez estará allí subvirtiendo a los cadetes”.
Recuerda que los entonces coroneles Fernando Ochoa Antich e Higinio Castro, fueron oficiales de planta de la Academia y allí conocieron al entonces capitán Chávez, agregando que “falta saber si se enteraron y apoyaron los malos pasos del capitán”.
En ese tiempo alternaron, como comandante del Cuerpo de Cadetes, los coroneles Jesús Tovar Jiménez y Remigio Rangel Rojas; así como el Gral. José Antonio Olavarría, como director de la Academia Militar, “a quien se le atribuye la paternidad de todo el movimiento conspirativo, así pues, padrino fue lo que sobró y esto pudiera explicar el largo periodo de instructor militar del joven de Sabaneta”. El general Olavarría recibió honores por parte del Ejército cuando fallece en noviembre 2021.
– Se le olvidó
Fue en esa época cuando el general Peñaloza, director de la Academia, recibe los primeros informes sobre Chávez.
A través del padre del cadete José Eduardo Adarmes Salas, adoctrinado por Chávez. “Peñaloza se entera de las andanzas conspirativas del oficial instructor, y decide comunicarle la situación al vicealmirante Rodríguez Citraro, jefe de la DIM, exigiendo una investigación al capitán Chávez”.
Es inaudito lo narrado por Hernández en “Venezuela: la Radiografía de un Golpe permitido”, porque al pasar el tiempo “casualmente el general Peñaloza se encuentra con Rodríguez Citraro, le pregunta por su denuncia y la respuesta del vicealmirante no pudo ser más cómplice, típica, además, del perfecto burócrata; le informa que eran ‘tantos casos que se investigan, que ese se le olvidó’”.
Deduce el ensayo histórico que Hugo Chávez “tuvo sus ángeles salvadores, oficiales superiores defensores de las cualidades de Chávez, como buen oficial, al cual no se debía truncar la carrera militar, por cuestiones menores”, alegando que eran actitudes rebeldes.
Por ello el capitán Chávez “fue transferido a la población de Elorza en el fronterizo estado Apure, al mando de dos subtenientes, mientras le pasaba el “sarampión conspirativo” como “enfermedad de crecimiento” muy común en la juventud militar”.
No sucedió igual con “otro conspirador, el teniente coronel de la Aviación William Izarra quien, en 1986, dirigía un grupo conspirador denominado R-83-ARMA muy activo dentro de las FF. AA”
Izarra fue obligado a pedir su baja “sin que se presentase contra él ninguna acusación como conspirador o cosa parecida. Se le tipificó y acusó de ser un militar crítico y cuestionador en el seno de la institución, según nos relató el general Maximiliano Hernández Vásquez, quien nos refirió cómo había intercedido ante el ministro de la Defensa cuando se había decidido la expulsión de Izarra de las Fuerzas Armadas”. Izarra no tuvo la suerte de Hugo Chávez.
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