Pequeñas biografías de Grandes bandas de rock (3)…

The Who

The Who es una banda de rock de origen británico formada en 1962 y que significó es uno de los grandes referentes del género. 27 de sus canciones estuvieron dentro de los primeros cuarenta puestos de las listas de habla inglesa, 17 de sus álbumes estuvieron en los primeros diez puesto, consiguieron 5 discos multi-platino, 12 de platino y 18 de oro, además de vender más de 100 millones de copias en todo el globo.

El origen de la banda se remonta a 1962, cuando Roger Daltrey, guitarrista principal de la entonces The Detours, se encontró en la calle con Pete Townshend, quien tocaba el banjo en The Confederates, y lo invitó a su banda.

Pete aceptó e invitó a su vez a un compañero de su antigua banda, John Entwistle. De esta forma, quedó completa una banda de Rhythm and Blues con influencias del country y del blues americano conformada, además, por Doug Sandom como baterista y por Colin Dawson como vocalista, quien poco tiempo después saldría del grupo.

Debido a esto Daltrey pasó a ser el vocalista y Townshend el único guitarrista.

Con esta alineación, The Detours comenzó a hacer pequeñas presentaciones y a buscar un sello con el cual grabar. No obstante, todas las disqueras los rechazaron por no poseer material inédito y por la falta de técnica de Sandom, por lo que este se salió del grupo y dio paso a Keith Moon.

Con esta formación y llamándose The High Numbers publicaron el sencillo Zoot Suit/I’m the Face, que fracasó estrepitosamente, por lo que cambiaron a su actual mánager, Peter Meaden, por Chris Stamp y Kit Lambert; y cambiaron el nombre de la banda por el The Who.

De esta forma, comenzaron a cobrar notoriedad en la escena local y a diferenciarse del resto de bandas por destruir sus instrumentos en las presentaciones.

En 1965, la banda publicó el sencillo I Can`t Explain, el primer éxito de The Who, que logró posicionarse entre los primeros diez puestos de la lista inglesa.

Seguido del sencillo Anyway, Anyhow, Anywhere, el grupo publicó su álbum debut, My Generation, un conjunto en su gran mayoría de sonido R&B, aunque con canciones como The Kids Are Alright, más cercana al pop, o la homónima My Generation, de una agresividad que presagiaba el advenimiento del punk rock y con solo de bajo insólito hasta el momento.

Después publicaron en 1966 A Quick One, álbum que palidecía un poco ante su antecesor, y The Who Sell Out en 1967, un trabajo conceptual del que se destaca el sencillo I Can See For Miles.

Si bien ambos productos no consolidaron del todo la imagen de la banda, sí lo fue la gira que realizaron por Estados Unidos, llena de actuaciones agresivas; su aparición en la televisión americana; y los incidentes destructivos que realizaron en el hotel Holiday Inn en Flint, Michigan. Terminando 1968, la banda publicó la ópera rock Tommy, que resultó ser un rotundo éxito tanto en ventas como entre la crítica, que los reconoció como la mejor agrupación del momento.

Para esas mismas fechas, The Who además se presentó en el Festival de Woodstock, con lo que terminaron de consolidar su imagen.

The Who inició la década del setenta participando en el documental de la BBC titulado Pop Go The Sixties y grabando el que es considerado como el mejor álbum en vivo del rock en la historia, Live at Leeds.

Queriendo continuar el éxito de su ópera rock, Townshend se embarcó en la construcción de una segunda obra de este género a la que iba a llamar Lifehouse. No obstante, esta tenía muchos problemas narrativos y terminó fracasando sin ser completada; aun así, varias de sus canciones fueron extraídas para formar un nuevo álbum que sería publicado en 1971 bajo el título de Who’s Next.

Luego de este trabajo, la banda publicó otra ópera rock, Quadrophenia, que debido a su sobre instrumentación fue acusada de grandilocuente sin que esto afectara su éxito.

Tras esto, el baterista Keith Moon se volvió alcohólico por la separación que tuvo con su esposa, quien se llevó a su hija, y luego de que la banda publicara el álbum The Who By Numbers en 1975, de sonido depresivo por los problemas que también estaba teniendo Townshend, Keith Moon murió tras abusar de las pastillas con las que controlaba su alcoholismo. Luego de este incidente, la banda grabó dos álbumes más con el baterista Kenney Jonnes, Face Dances para 1981 e It’s Hard para 1982, y realizó una gira de despedida porque Townshend quería hacer de The Who una banda de estudio.

Sin embargo, para 1983 Townshend se confesó incapaz de componer algo nuevo para el grupo, por lo que anunció su salida del mismo.

Tras esta disolución, The Who fue introducida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1990 y el grupo realizó algunas presentaciones ocasionales sin reunirse oficialmente hasta 1999, cuando dieron una gira de conciertos para recaudar fondos benéficos y que, por el éxito de los mismos, propicio otra en Estados Unidos para el año 2000.

Luego de estos hechos, la banda realizó presentaciones en Australia, Estados Unidos, Reino Unido y Japón y publicó el álbum Endless Wire en 2006, después de 25 años sin grabar, el cual se posicionó en el séptimo puesto de la Billboard 200. En los años siguientes, The Who continuó dando conciertos y reeditó los álbumes Live at Leeds y Quadrophenia.

El 7 de septiembre de 1978 el carismático batería Keith Moon falleció en Westminster, Londres, a los 32 años de edad a causa de una sobredosis de somníferos, dejando a los Who sin una pieza clave en su formación, ya que a pesar del reclutamiento de otro experto músico amigo de la banda, el ex Small Faces y Faces Kenny Jones, el grupo no volvio jamás a grabar discos comparables a sus pretéritas obras.

En 1990 ingresaron en el Rock And Roll Hall Of Fame. “Endless Wire” (2006) es el último trabajo en estudio de los Who, un disco que fue presentado con el single “It’s Not Enough”.

Cream

Cream (1966 – 1968) banda de rock progresivo.

Fue creada en la capital inglesa de Londres.

Eric Clapton, uno de los mejores guitarristas de blues en el Reino Unido decidió abandonar la agrupación John Mayall & the Bluesbreakers con el fin de crear una nueva banda.

Así que se reunió con Ginger Baker, batería de The Graham Bond Organisation, para plantearle el proyecto que tenía en mente.

Baker aceptó pero le pidió que integrara a la nueva banda a Jack Bruce, su compañero en The Graham Bond Organisation, como bajista.

Integrado el trio, eligieron el nombre de The Cream, pero a partir de lanzamiento de su primer trabajo se le conoció solo como Cream.

La banda realizó su debut oficial en el Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival a mitad de 1966.

Como no tenían canciones propias interpretaron temas clásicos de blues. En octubre, la banda invito a Jimi Hendrix para que actuara en un concierto. Posteriormente, grabaron su álbum: Fresh Cream, tuvo buena acogida.

El disco escaló hasta el puesto número seis en la lista de Reino Unido; en Estados Unidos no tuvo la misma suerte pero consiguió un puesto rescatable en las listas musicales. En el álbum hay temas compuestos por Baker, Bruce y su esposa, Janet Godfrey. Por ejemplo: I Feel Free. Del álbum impactó a la critica la pista que cierra el álbum Toad, un tema instrumental que incluye un solo de batería de Baker.

Este álbum hizo que Cream fuera catalogado como una banda de “rock progresivo”. Aunque el más conocido del trio era Clapton, todos los integrantes de la banda fueron vistos como maestros de sus respectivos instrumentos.

Su fama fue tal que los fanáticos más desenfrenados escribían sus nombres y el de la banda por las calles de Londres. Clapton era el más aclamado, su aporte a la agrupación fue inmenso, incluyó los estilos como el rhythm and blues, especialmente siguió la influencia de los guitarristas de blues y de rock’n’roll, tales como Chuck Berry, B. B. King y Buddy Guy.

Algo que fortalecía y particularizaba a la banda Cream era su formación en base a la amistad, así que todos se servían mancomunadamente con el fin de resaltar el virtuosismo de cada uno. Cada uno tenía mucho por ofrecer al grupo musicalmente: Baker con su conocimiento en el jazz; Bruce en la música clásica y Clapton con sus grandes conocimiento sobre el blues.

Cream consiguió un contrato con Robert Stigwood, director de la recién fundada discografica Reaction. Realizaron un concierto en el Twisted Wheel de Manchester. Desde aquel momento, Cream mostró una entidad musical. A la banda no le interesaba no seguir por completo las leyes del mercado, que solicitaba canciones pop-rock estructuradas en una duración de tres o cuatro minutos.

Lo que hizo Cream fue admirable, derribó completamente la convencionalidad de este formato. Cada integrante decidió tomarse su tiempo en cada tema para demostrar sus habilidades instrumentales. Tiempo después esta costumbre se evidenció en los conciertos de otras bandas.

En su canción Sweetwine, Clapton usaba el feedback y una fuerte distorsión de la guitarra, mucho antes de que este efecto se pusiera de moda. La banda introdujo largos fragmentos instrumentales en I’m so glad y Spoonful. En Toad se incluía un solo de batería nunca antes escuchado en el escena del rock.

Cream viajó a Norteamérica, para realizar diez actuaciones en el programa televisivo Murray The K Show. Los integrantes aprovecharon para visitar los estudios Atlantic de Nueva York, donde empezaron a trabajar en su segundo álbum. Cream inició una gira por Gran Bretaña, y lanzó su tercer single Strange brew, que rápidamente se ubicó entre el Top 20.

En el mismo año volvieron a los Estados Unidos, esta vez a San Francisco, a uno de los míticos locales de Bill Graham. Los músicos de Cream no estaban preparados para la intensidad del entusiasmo generado por sus actuaciones: definitivamente estaban en la cumbre de su carrera.

Se convirtieron en iconos de la contracultura hippie y psicodélica. Jack Bruce había formado un equipo creativo con Martin Sharp a la cabeza para crear las portadas de sus álbumes, especialmente el álbum Disraeli gears, publicado en noviembre de 1967. Dicha portada quedó como un paradigma del arte psicodélico, con su alucinante estilo espacial. Además el trabajo representó un sustancial avance respecto al blues.

El grupo continuaba en lo más alto, sus presentaciones eran diarias, pero por tanta presión, empezaron a perder el entusiasmo de tocar juntos. Se perdió lo que caracterizaba al grupo, y sin eso solo quedaron tres personalidades egocéntricas que competían por obtener un espacio mayor.

Luego de que la agrupación volvió de Inglaterra se anunció su separación a finales de año. Antes Cream publicó Wheels of fire, el primer álbum doble de la historia del rock, este incluía un disco de estudio y otro en directo.

En este disco cada uno, como era costumbre, mostró sus habilidades. Alcanzó el primer puesto en Estados Unidos y el tercero en las listas inglesas. Su última aparición se dio el 26 de noviembre de 1968 en el Albert Hall de Londres.

Aunque se separon en 1969, se publicó Best of Cream. A pesar de la corta existencia de la banda, lograron resultados nunca antes esperados.

Bee Gees

A finales de los años 50, tres hermanos hicieron un pacto: «Vamos a ser un grupo pop muy famoso y nada va a pararnos…» Cuatro décadas más tarde podemos afirmar que lo consiguieron. Ellos son Barry, Maurice y Robin Gibb, los Bee Gees.

Nacieron a finales de la década de los 40 en Douglas, en la Isla de Man en el Mar del Norte, hijos de un percusionista de una banda y de una cantante, Barbara. Al padre, Hugg, le gustaba escuchar a Bing Crosby y a los Mills Brothers, a los que los chicos conocerían tiempo después.

En 1958 la familia emigró a Australia, tierra prometida de los ingleses tras la Guerra Mundial. La verdadera historia de los Bee Gees comenzaba aquí. En los primeros 60, actuaban en varios night clubs y, tras mucho sacrificio, graban en 1963 su primer sencillo «Three kisses of love», cuando los Beatles alcanzaban su primer número 1 con «Please please me». Lo que es bastante desconocido y único en los Bee Gees en estos años es la total originalidad de su repertorio, la mayor parte, propias composiciones, en un periodo en que los compositores australianos brillaban por su ausencia…

Por ello, siendo unos adolescentes, había un buen puñado de canciones escritas para otros artistas, como Col Joye, Bryan Davies, Trevor Gordon, Wayne Newton, Dennis and the Delawares, Ronnie Burns, Cheril Gray (la futura intérprete de «Emotion», rebautizada como Samantha Sang)…

En 1964 los Beatles actuaron en Australia. Los hermanos se lo pasaron en grande y decidieron que tenían que regresar a su país, lo que hicieron en 1967, de la mano de Robert Stigwood, ayudante de Brian Epstein y al que mandaron unas maquetas desde Australia. Fueron promocionados como «la más firme promesa desde los Beatles». Pero lo que disgustaba a los Gibb de veras era la manía de ciertos críticos de verlos como imitadores de los Beatles.

«De hecho», aducía Hugg Gibb, «los dos grupos suenan parecido. Nosotros vivíamos en Manchester a tan sólo 30 millas de Liverpool. Es una bobada decir que nosotros los imitamos. No se trataba de un sonido propio sino que era un sonido inglés que comienza con Tommy Steel y el skiffle (estilo musical propio de esas tierra , para nosotros entra dentro del folclore popular)».

Le pidieron una orquesta a Stigwood, que les acompañó hasta 1972 con clásicos como «Massachusetts», «Words», «I started a joke», «New York Mining Disaster 1941», «I’ve gotta get a message to you», «Odessa», «To love somebody», de ésta última hay registradas más de 250 versiones… Estaban en lo más alto cuando la presión, las desavenencias entre los hermanos, las drogas, el cambio musical de los primeros 70… hicieron que el grupo se separara.

Esta descripción de los primeros años de los Bee Gees ilustra la totalidad de sus cuatro décadas de existencia. Han triunfado en dichas décadas, a pesar de todo. Como dijo recientemente Barry Gibb en una entrevista: «Es cierto que nuestra carrera ha sido como una montaña rusa, pero nunca ha resultado aburrida. Hemos aprendido algo de cada mala experiencia, pues se aprende poco de las buenas experiencias y mucho de las malas».

En efecto, lo que más hay que destacar de los Bee Gees es su tenacidad y su aparición en el momento adecuado.

En su retorno a Inglaterra, nada más poner el pie en el suelo, unos músicos les dijeron: «Volveros a Australia, aquí no tenéis nada que hacer. Los grupos con voces bonitas, como los Walker Brothers han pasado de moda.

Ahora la gente quiere ver a Eric Clapton, Cream, Troggs, Hendrix…» Pero por su tesón llegaron a formar parte de la leyenda de los 60, junto a Beatles, Stones, Kinks, Hollies, Moody Blues, Pink Floyd, Who, Spencer Davis…

En los 70, tras varios fracasos seguidos, emigran a EE.UU. en 1975, y con la inestimable ayuda de Arif Mardin, productor de Aretha Franklin, Average White Band, Manhattan Transfer desarrollan su verdadera pasión, el R & B y nos dejan obras espectaculares como los álbumes «Main Course», «Children of the world» y alcanzando el cénit de la música pop con las canciones de «Saturday night fever» y el álbum «Spirits having flown» su disco original más vendido de toda su carrera, con más de 20 millones de copias. Hoy «Saturday night fever» es todavía la banda sonora más vendida de la historia musical.

En los 80, durante buena parte de la década el grupo no existió como tal, pero los hermanos destacarían como uno de los más sólidos equipos creativos de la historia de la música, creando un puñado de grandes canciones para artistas como Barbra Streisand, Kenny Rogers, Dionne Warwick, Diana Ross; y apareciendo como grupo en 1987 otra vez de la mano de Arif Mardin con el disco «ESP» con el nuevo número 1, «You Win Again»; y Robin nos dejó su mejor trabajo individual: el disco «How old are you», con «Juliet» como tema principal

La lista de artistas que han interpretado sus canciones es ingente: Elvis, Leo Sayer, Eric Clapton, Elton John, José Feliciano, Janis Joplin, Eric Burdon and The Animals, Tom Jones, George Michael, Tina Turner, Al Green, Olivia N.John, Rod Stewart, Bonnye Tyler, Beautiful South, Nina Simone, Celine Dion, Take That, Michael Bolton, Roy Orbison, Teddy Pendergrass; y entre los nuestros: Tony Ronald, Bravos, Los Tamara, Mustang, Angeles, Mocedades, José Guardiola…

En los 90, el velo de incomprensión de cierta parte de la crítica se va evaporando, comenzando a ser reconocidos por muchos aficionados a la música y conocidos por las nuevas generaciones. Vuelven a hacer giras por Europa y EE.UU., y sus discos son una vuelta a sus raíces, destacando «Size» con «For whom the bell tolls»; «Still Waters», con «Alone»; «One Night Only» disco en directo del que venden más de cinco millones de copias, y en este 2001 «This is where I came in» con el single del mismo nombre y con su doble recopilación definitiva de grandes éxitos titulado genéricamente «The Record». (12 Noviembre 2001)

Con su viejo sueño de niños de llegar a ser un grupo de pop importante cumplido, hoy han alcanzado una madurez en la que no desean llegar a ningún sitio, sólo disfrutar del viaje. Como nos aclara Barry Gibb: «Para nosotros el viaje es más importante que llegar a la meta. Cuando no tengamos nada más que decir, entonces pararemos. Pero pensamos que en la carretera aún hay sitio para nosotros».

The Ramones

Grupo estadounidense de punk-rock formado por el cantante Joey Ramone (Jeffrey Hyman, 1952 – 2001), el bajista Dee Dee Ramone (Douglas Colvin, 1952 – 2002), el guitarrista Johnny Ramone (John Cummings, 1948 – 2004) y el batería húngaro Tommy Ramone (Tom Erdelyi, 1952), que sería substituido en 1978 por el percusionista Marky Ramone (Marc Bell, 1956).

Creada en 1974 en el distrito neoyorquino de Queens, The Ramones fue, junto a The Sex Pistols y The Clash, una de las bandas centrales del punk, movimiento que, sin contar sus derivaciones ideológicas y estéticas, se caracterizó musicalmente por un retorno a la simplicidad e intensidad del rock primitivo, con influencias de Elvis Presley, The Beach Boys, The Who, The Rolling Stones o la primera etapa de The Beatles. Con su música áspera y sin ornamentos, The Ramones alcanzó pronto la categoría de grupo de culto dentro del punk.

Muchas de sus canciones, como Sheena is a Punk Rocker y Rockaway Beach, se convirtieron en himnos del movimiento.

En 1976, tras actuar en el mítico local neoyorquino CBGB’s, ficharon por la discográfica Sire Records y lanzaron su álbum de debut, Ramones, que incluía ya temas destinados a convertirse en clásicos de la época, como Blitzkrieg Bop.

Sus espectaculares y rotundas actuaciones en directo los llevaron a triunfar también en el Reino Unido, donde su segundo álbum, Ramones Leave Home (1976), entró en el top cincuenta de las listas, al igual que otro clásico de la banda, el single Sheena is a Punk Rocker. Los siguientes trabajos, Rocket to Russia (1977) y Road to Ruin (1978), se mantuvieron en la línea inicial del grupo y alcanzaron cifras de ventas similares.

En 1981 contrataron para la edición de su álbum End of the Century al reputado productor Phil Spector, uno más importantes de la música rock. Este álbum sería recordado más tarde por el propio grupo como el peor trabajo de su trayectoria; su tema Baby I love you, sin embargo, llegó al puesto número ocho en las listas británicas.

A partir de entonces las ventas descendieron considerablemente, hecho que propició que Marky Ramone abandonase la banda y fuera reemplazado por Richard Beau, el segundo Ritchie Ramone. Esto ocurrió en 1983, después de editar el álbum Subterranean Jungle; ese mismo año, Joey hubo de ser intervenido con urgencia en la cabeza tras una pelea.

The Ramones siguieron estando en activo en las décadas de 1980 y 1990; durante esos años lanzaron un total de quince álbumes. En 1985 se pasaron a la discográfica británica Beggars Banquet, sello con el que editaron temas como Somebody put something in my drink. En 1988 se editó Ramones Mania, álbum recopilatorio que parecía presagiar su disolución.

Publicaron todavía Mondo Bizarro (1992) y Acid Eaters (1994) y cerraron su carrera discográfica en el año 1995 con el álbum ¡Adiós Amigos! Un año después darían su último concierto. En la década siguiente la desdicha pareció cebarse con los ex Ramones: en cuatro años perdieron la vida tres de los cuatro miembros del grupo.

T.Rex

Más que una estrella, fue el héroe emblemático del glamour musical de los setenta.

Cuando se habla de Marc Bolan la referencia inmediata es el glam-rock, que impuso la transgresión y las lentejuelas y que precedió a la corrosiva rebelión punk.

Gracias a un estilo único, propio de las grandes estrellas, Bolan desencadenó fenómenos de histeria colectiva entre sus numerosos fans, como había ocurrido en los gloriosos tiempos de The Beatles.

Gracias a él el grupo T. Rex logró colocar unos 15 éxitos en los primeros puestos de las listas inglesas y americanas, de 1970 a 1977.

Marc Feld, nacido en Hackney, Londres, el 30 de septiembre de 1947, enseguida intuyó que estaba irresistiblemente consagrado al éxito. Joven inquieto, hijo de un camionero y de una vendedora ambulatnte, prefería la imagen algo bohemia de un artista en busca de sí mismo que la de un estudiante modelo.

Deambulaba por las calles del Soho londinense y las escasas ganancias que lograba reunir gracias a trabajos ocasionales las invertía en ropa y discos. A los catorce años era la imagen perfecta de un joven mod: gracioso y fotogénico, fue elegido para la portada de una importante revista inglesa como símbolo de la generación mod, y durante un cierto tiempo trabajó como modelo.

Después, instigado por su familia, que favoreció sus primeras ambiciones musicales regalándole guitarras y percusiones, dirigió toda su energía creadora en esa dirección.

A mediados de los años sesenta Bolan estaba dedicado a la búsqueda de un estilo original, que lograse traducir en música su fértil imaginación y su espíritu poético. Apasionado por personajes como Bob Dylan, empezó a experimentar sus posibilidades vocales y a aprender los secretos de la guitarra.

The Wizard, su primer single, a pesar de la buena acogida de la crítica, pasó totalmente inadvertido. Tampoco tuvo suerte con los siguientes, The Third Degree, San Francisco Poet y Hippy Gumbo (1966).

EI primer cambio importante tuvo lugar gracias al encuentro con Simon Napier-Bell, productor y manager de grupos como The Yardbirds, quien le sugirió que se uniera al grupo John’s Children: una banda borrascosa, que algunos han indicado como precursora del glam-rock y del punk más violento, sobre todo por su desenfrenado estilo en directo.

Según otros críticos más severos, John’s Children impresionaban más al público por el clima de batalla y destrucción que creaban en el escenario que por la calidad de su música.

Tras el enésimo episodio violento (durante un concierto incitaron al público a la revuelta y tuvo que intervenir la fuerza pública), saltó la gran ocasión de tocar como teloneros de The Who.

Esta experiencia fue breve y frustrante para Marc, insatisfecho por la falta de reconocimiento hacia su papel de líder. Entonces tuvo la idea de publicar un anuncio en revistas especializadas para buscar músicos dispuestos a formar un nuevo grupo, el cual en los sueños de Bolan debía convertirse en el mayor acontecimiento musical de todos los tiempos.

No por casualidad escogió para la futura banda el nombre de Tyrannosaurus Rex, el carnívoro más imponente jamás aparecido sobre la tierra.

Al primero que unió a su provecto fue al batería Steve PeregrineTook, que impresionó a Bolan más por su nombre (extraído del libro El señor de los anillos) que por sus cualidades artísticas.

El primer concierto en directo de la banda, que incluía guitarra, bajo y batería, en el Electric Garden de Londres, fue desastroso. En busca de nuevas fórmulas y sobre todo por necesidad, ya que les embargaron la guitarra eléctrica y la batería, Tyrannosaurus Rex se convirtieron en un dúo acústico, con Marc a la guitarra acústica y Steve a los bongos. En perfecta sintonía con el clima hippie de finales de los sesenta. el grupo exploraba un mundo imaginativo y mágico.

Finalmente, el productor americano Tony Visconti, que más tarde descubrió a David Bowie, se acordó de ellos. En 1968, Tyrannosaurus Rex grabaron dos singles para Real Zonophone, Debora y One Inch Rock, que llegaron, respectivamente, al puesto treinta y cuatro y veintiocho de las listas de éxitos, y dos álbumes.

Bolan entró en aquellos años en una fase de madurez artística y de importantes cambios personales. Dejó la seguridad familiar e inició una vida en pareja con June Child. Mientras tanto, el grupo crecía lentamente: pasaron a cobrar de 10 a 150 libras esterlinas por actuación, y la creatividad de Marc, que escribía ríos de poesía y canciones en su pequeño apartamento de Notting Hill, aumentaba día a día.

En 1969 publicaron Unicorn, considerado por muchos críticos como el mejor disco de la historia del grupo.

En la misma época, al final de una gira por Estados Unidos, Steve Took abandonó la formación por graves problemas de drogas y fue sustituido por Mickey Finn. Bolan Ilevó a término el álbum Beard of Stars prácticamente solo, abandonando la guitarra acústica por la eléctrica e introduciendo una Stratocaster en los números finales.

La gran ocasión llegó en otoño de 1970, con el single Ride a While Swan, el primero que el grupo produjo oficialmente como T. Rex, nombre menos complicado que el anterior. Alcanzó rápidamente el segundo puesto de las listas de éxitos inglesas y se convirtió en un clásico del pop. Para consolidar el éxito de ‘Ride a While Swan’ era necesario promover la imagen del grupo a través de conciertos en directo.

Tras la experiencia desastrosa en Estados Unidos, Bolan había comprendido los límites de la fórmula acústica: Steve Currie, bajo, Bill Fyfield , batería, y Howard Kaylan y Mark Volman (ex Turtles) entraron a formar parte de la banda. Así nació el álbum T. Rex y el look que hizo famoso a Marc como rey del glam-rock: ropas doradas, mucho rimmel en los ojos y una mata de rizos.

El nuevo éxito con el comercial single Hot Love, que alcanzó la cima de las listas a principios de 1971, defraudó a los seguidores de Bolan, que le acusaron de haberse vendido. EI sueño de Bolan por fin se estaba realizando: siguiendo las huellas de ‘Hot Love’ siguieron en rápida sucesión Get it On (número 1 en las listas) y Jeepster (número 2).

Al año siguiente llegaron a la cabeza de las listas de éxitos los singles Telegram Sam y Metal Guru, Children of the Revolution y Solid Gold Easy Action (al segundo puesto). En 1973, el single 20th Century Boy alcanzó el tercer puesto y The Groover el cuarto.

Los álbumes Electric Warrior (1971) y The Slider (1972) llegaron a las primeras posiciones en las listas de éxitos inglesas. Además, el momento mágico de Marc se tradujo en la película Born to Boogie, en colaboracion con Ringo Starr, que inmortalizaba los momentos más incandescentes de sus conciertos en el Empire Pool de Wembley en 1972.

Mientras su sueño se hacía realidad, mostraba también su lado más oscuro. EI mito Bolan se vio amenazado por la irrupción de Donny Osmond y David Cassidy, ídolos para adolescentes; la prensa empezaba a poner distancias. Los excesos y las transgresiones terminaron por arruinar su carrera y su vida privada: Bill Legend y Mickey Finn abandonaron la banda, June Child, con la que se había casado en 1970, lo dejó. Su carrera atravesaba un momento delicado: tras ‘The Groover’, de 1973, los singles de T. Rex no se acercaron al Top Ten, y el álbum Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow (1974) fue un fracaso.

Un nuevo encuentro, fundamental, con la cantante Gloria Jones pareció encauzar su vida: cuando nació su hijo Rolan, en 1975, Bolan había cerrado definitivamente el capítulo de las drogas y estaba concentrado en reconquistar su sueño. La nueva formación de T. Rex incluía a Gloria Jones, Steve Currie, Davey Lutton y Dino Dines. Los álbumes Bolan’s Zip Gun (1974) y Futuristic Dragon (1976) no fueron un éxito, aunque los singles New York City y I Love to Boogie alcanzaron las veinte primeras posiciones de las listas inglesas.

La gran revuelta punk se respiraba en el ambiente, y Bolan, que siempre se había definido como un street punk acogió la novedad con los brazos abiertos. En 1977, con una nueva formación de inmejorable nivel, compuesta por Herbie Flowers, Tony Newman, Dino Dines y Miller Anderson, Bolan trabajaba en el álbum Dandy in the Underworld, y mientras estaba de gira con Damned proyectaba otro. Además, estaba rodando una serie de actuaciones televisivas para Granada TV, pero no logró grabar el último episodio, junto a David Bowie.

El 6 de septiembre de 1977, tras una velada en el Morton’s, Gloria perdió el control de su mini de color rojo, estrellándose contra un árbol. Bolan murió al instante. Aún no había cumplido treinta años. En 1980, Steve Took murió a causa de las drogas; al año siguiente también falleció Steve Currie.

Eagles

Eagles (1971) banda de country rock y folk rock. Nació en la ciudad estadounidense de Los Ángeles, California. La banda inició por la necesidad de la cantante Linda Ronstadt de contratar algunos músicos de estudio, ellos fueron Don Henley y Glenn Frey.

Ellos pertenecían a la banda Shiloh ubicada recientemente en Los Ángeles, dicha banda estaba producida por Kenny Rogers. Los dos músicos aceptaron unirse a Linda Ronstadt para llevar a cabo la gira del verano de 1971. El entendimiento y el buen entendimiento permitió que posteriormente, Glen Frey y Don Henley participaran en la grabación del disco Linda Rondstadt.

Luego, decidieron crear su propia banda, en donde integraron a Bernie Leadon y Randy Meisner. Ambos eran músicos experimentados y con gran bagaje en el mundo del rock. En seguida la agrupación recibió a Don Felder, Joe Walsh y Timothy B. Schmit. The Eagles se trasladó a Aspen, en Colorado, con un anticipo de 125.000 dólares para que organizaran conciertos en directo.

En sus inicios recibieron también críticas, por ejemplo, Glyn Johns, afirmó que estos eran una mala copia de Chuck Berry, y que solo lograban la originalidad cuando tocaban baladas de Meisner con dos guitarras acústicas y cuatro voces bien armonizadas.

Sin importar las críticas, la banda trabajó fuertemente durante un año para lanzar su primer álbum de estreno en el año 1972. La agrupación mostró una mezcla de rock y country. El grupo estaba logrando su identidad, a pesar de los comentarios, se dirigen a Londres para grabar, en los Olympia Studios, su primer álbum, ‘The Eagles’, lamentablemente no fue muy destacado.

Pero lograron el puesto número 3 del top 40 gracias a su sencillo, Take It Easy, tema compuesto por Glenn Frey y su amigo Jackson Browne. Más adelante, el tema alcanzó el puesto 12 del Billboard Hot 100 y le dio el paso a Eagles al estrellato.

Del mencionado álbum temas como Witchy woman, y Peaceful easy feeling, alcanzaron los puestos 9 y 22, respectivamente. Eagles impactó al público y a la crítica al rescatar el sonido sureño, mezclándolo con un toque de guitarra y un suave toque de rock, teniendo presente el country y western. Esta mezcla de estilos se convierte en la marca de fábrica de Eagles.

Para este momento dejaron ver sus primeras influencias musicales basadas en The Beatles y los Beach Boys. Desde que el manager de Linda escuchó estos músicos supo que estaban hechos para grandes cosas.

El grupo graba en 1973 el álbum Desperado, este álbum trazó un paralelo entre la vida fuera de la ley en el salvaje Oeste y la vida de una moderna estrella del rock americano. Se muestran los cortes country-rock más duros, como lo vemos en las canciones Out of control, Certain kind of fool y Outlaw man, como contraste están las melancólicas baladas acústicas como Tequila sunrise, Saturday night y Bitter creek. El lanzamiento de este impactó a la banda porque no tuvo la resonancia esperada, esto produjo algunas querellas internas.

El primero en ser despedido fue el productor, sustituido por el americano Bill Szymczyk, anteriormente había trabajado con B.B. King, The James Gang y la J. Geils Band. En este momento, se integró al grupo el guitarrista Don Felder; Eagles comenzó a grabar en 1974 On the border, que consiguió el primer número 1 en las listas de éxitos gracias al single Best of my love.

Rápidamente, el grupo escala las listas de éxitos en 1975, con One of these nights, a partir de ahí llegaron otros primeros puestos en las listas de éxitos y discos de oro en Estados Unidos y en Europa. A pesar del momento de popularidad que estaba gozando el grupo, Bernie Leadon decidió retirarse del grupo.

En su reemplazo llegó el popular guitarrista Joe Walsh, que había actuado con The James Gang, primero, y luego con The Barnstorm. Walsh dotó a la banda de agresividad y vitalidad, juntos logran gozar de su mayor éxito comercial con el álbum Hotel California, en el que se critica la tendencia burguesa del rock californiano, el lujo y los despilfarros que hunden a los músicos de la Costa Oeste.

En este momento, Randy Meisner, decide salir del grupo a causa de su excesivo agotamiento físico. Es sustituido por Timothy B. Schmidt, el antiguo bajista de Poco.

Con Schmidt totalmente integrado la banda comienza la grabación de su último álbum en estudio, The long run (1979), intentaron imitar el álbum anterior, pero no dio resultado. Al año siguiente, realizaron una antología en directo: Eagles live, con este acto se marcó la desaparición del grupo de la escena rock. Glenn Frey y Don Henley, se aseguraron un discreto éxito personal.

Luego de su separación decidieron en 1994 reunirse para dar un concierto acústico, este quedó registrado en el álbum Hell Freezes Over.

A partir de ahí realizaron varias giras, y lograron ingresar en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998. Varios años después, en 2007, The Eagles lanzó Long Road Out of Eden, un álbum de estudio. También emprendieron la gira: Long Road out of Eden Tour, tuvo lugar en Norteamérica y Europa.

Este grupo de rock aunque no tuvo mucho tiempo de existencia logró convertirse en un verdadero grupo de rock americano de los años setenta, representando perfectamente el rock’n’roll californiano. Eagles vendió más de 50 millones de discos en todo el mundo, cuatro premios Grammy y cuatro números 1 en las listas de éxitos americanas.

Cheap Trick

Formados en 1975 en Rockford, Illinois, USA, miembros: Bun E. Carlos, Jon Brant, Rick Nielsen, Robin Zander, Tom Petersson.

Cheap Trick fueron, entre 1978 y 1982 uno de los grupos más amados e idolatrados por los adolescentes americanos. Su música, un heavy combinado con melodías dirigidas a un público quinceañero, causó estragos.

La historia de la banda se inició en 1967. Rick Nielsen (guitarra) y Tom Petersson (bajo y voz) iban a la caza del éxito; su grupo, que por entonces se llamaba The Grim Reaper, actuaba como telonero én el último concierto de Otis Redding cuando llamó la atención de la compañía Epic, que les ofreció un contrato a condición de que se cambiaran el nombre; eligieron denominarse Fuse, y en 1969 grabaron un disco, hoy pieza de coleccionistas.

Influidos por el hard rock inglés de la época, sufrieron varios cambios hasta que en 1972 quedó constituida su formación definitiva, con el nombre de Cheap Trick, con Nielsen, Petersson, Bun E. Carlos (batería) y Xeno (voz y guitarra). La cosa sólo funcionó durante dos años, pues, a pesar de algunos buenos éxitos, surgieron problemas entre Nielsen y Xeno que determinaron el abandono de este último.

En su lugar entró en el grupo Robin Zander, un compañero de escuela de Nielsen. Gracias a una cinta enviada a Jack Douglas, productor de los ya famosos Aerosmith, Cheap Trick firmaron con Epic y, en 1977, salió su primer álbum, titulado, obviamente, ‘Cheap Trick’.

Seis meses después apareció ‘In color’, seguramente uno de los discos más bellos y fascinantes de toda la producción de Cheap Trick. En manos del experto Tom Werman, el cuarteto interpreta melodías beat con coros cautivadores, introduciéndolos en un contexto hard.

Para construirse una sólida reputación, la banda recorrió toda América, como teloneros de Kiss, Foreigner, Santana, Boston, Kansas y muchos otros. Esta intensa actividad fue el trampolín para su lanzamiento hacia el éxito.

En directo, se destacaba la característica ironía de Rick Nielsen, un guitarrista agresivo, excelente compositor y, sobre todo, un showman increíble , con sus cabellos rojos y sus chocantes guitarras, con las formas más extrañas.

Lo acompañaba a la batería Bun E. Carlos, ex Shalamar (una famosa banda funky), un bigotudo con panza de aburrido oficinista y gafas a lo Lennon. Completaban el espectáculo Petersson y Zander. Tras ‘Heaven tonight’ (1978), que no superó la trigésima posición en las listas, Cheap Trick partieron al Japón, en donde su gira obtuvo un notable éxito.

‘At Budokan’ (1978), un disco en directo destinado al mercado japonés, alcanzó tal éxito que obligó a los americanos a interesarse por él. Claro testimonio de la fuerza y la calidad de sus conciertos, en pocas semanas se convirtió en disco de platino.

Aprovechando el buen momento, el grupo publicó un nuevo trabajo de estudio, ‘Dream police’. En este punto consagrados por el público y la crítica, Cheap Trick se vengaron de quienes, unos meses antes, habían hablado de ellos como «un anónimo cuarteto con injustificadas pretensiones».

En realidad, su música es mucho mejor de lo que se puede apreciar tras una escucha superficial, con claras referencias a todos los grandes de los años sesenta; como demuestran las sensacionales versiones que hicieron de temas de The Beatles.

Rick Nielsen se convirtió en un cotizado músico de estudio y ha colabórado con Alice Cooper, Hall & Oates y John Lennon, entre otros. En 1980 apareció un Ep con algunos temas inéditos y otro directo, titulado ‘Found all the parts’.

Asfixiado por la personalidad de Zander, tras la publicación de ‘All shock up’ (1981), Petersson abandonó la banda, siendo sustituido primero por Pete Comita y después por Jon Brant. Después de ‘One to one’ (1983), un disco arrollador, comenzó el declive de Cheap Trick.

Con sus siguientes álbumes, ‘Next position please’ (1983), ‘Standing on the edge’ (1985, producido por Jack Douglas) y ‘The doctor’ (1986, producido por Tony Platt), su fama sufrió un fuerte bajón. Sólo con el álbum, ‘Lap of the luxury’ (1988), producido por Richie Zito, que marcó el regreso del bajista Tom Petersson a la formación, el grupo aumentó nuevamente su cotización.

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Fuente: Historia y Biografía/lahiguera.net/historia de rock