El evangelio de judas…

Judas el traidor/El cristianismo no sería el mismo sin su traidor, Judas Iscariote. Según los textos bíblicos lo vendió por 30 monedas de plata. Así lo plasmó Fra Angelico a principios del siglo XV.

National Geographic(A.Cokburn)  —  Con un leve temblor parkinsoniano en las manos, el profesor Rodolphe Kasser cogió el antiguo texto y empezó a leer en voz clara y resonante: «pe-di-a-kan-aus ente pla-nei». Las extrañas palabras eran copto, la lengua hablada en Egipto en los albores del cristianismo. Nadie había vuelto a oírlas desde que la primitiva Iglesia cristiana prohibió a sus adeptos la lectura de aquel documento.

De algún modo este ejemplar sobrevivió, oculto durante siglos en el desierto egipcio. Finalmente fue descubierto a fines del siglo XX, para luego desvanecerse en el submundo de los traficantes de antigüedades, uno de los cuales lo abandonó durante dieciséis años en la cámara acorazada de un banco de Hicksville, en Nueva York. Cuando llegó a manos de Kasser, el papiro (una especie de papel hecho con plantas acuáticas secas) se estaba desintegrando, y su mensaje estaba a punto de perderse para siempre.

El erudito de 78 años, uno de los expertos en copto más acreditados del mundo, terminó la lectura y depositó con cuidado la hoja sobre la mesa. «Es una lengua preciosa, ¿verdad? Egipcio escrito en caracteres griegos.» Sonrió. «Es un pasaje en el que Jesús explica a los discípulos que están yendo por el mal camino». Kasser está entusiasmado con el texto, y con razón. La línea inicial de la primera página reza: «Crónica secreta de la revelación hecha por Jesús en conversación con Judas Iscariote…». Después de casi 2.000 años, el hombre más odiado de la historia vuelve a aparecer.

Todo el mundo recuerda la historia del amigo dilecto de Jesús, uno de los doce apóstoles, que lo vendió por 30 monedas de plata, señalándolo con un beso. Después, enloquecido por el remordimiento, se ahorcó. Judas es el símbolo de la traición por excelencia. En los mataderos llaman «judas» a la cabra que conduce a los animales al degolladero. En Alemania, el registro civil puede impedir que los padres pongan el nombre de Judas a sus hijos. Los guías de la antigua iglesia de la Virgen María, conocida como la «iglesia colgante», en el barrio copto de El Cairo, señalan una columna negra que destaca entre la columnata blanca del templo: Judas, desde luego. El cristianismo no sería el mismo sin su traidor.

Esta pintura mural de Leonardo da Vinci nombrada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1980 muestra a los 12 apóstoles en la Última Cena. Entre ellos se encuentra el amigo dilecto de Jesús, Judas Iscariote, que según los textos bíblicos lo vendió por 30 monedas de plata, señalándolo con un beso. Más tarde, enloquecido por el remordimiento, se ahorcó.

Hay un trasfondo siniestro en las representaciones tradicionales de Judas. A medida que el cristianismo se distanciaba de sus orígenes como secta judía, los pensadores cristianos fueron encontrando cada vez más conveniente culpar al pueblo judío del arresto y la ejecución de Cristo, y presentar a Judas como el arquetipo de judío. Los cuatro Evangelios, por ejemplo, son indulgentes con Poncio Pilatos, el procurador romano de Judea, pero condenan a Judas y a los sumos sacerdotes judíos.

La «crónica secreta» nos presenta un Judas muy distinto. En esta versión, es un héroe. A diferencia de los otros discípulos, comprende verdaderamente el mensaje de Cristo. Al entregar a Jesús a las autoridades de Roma, no hace más que cumplir el mandato de su líder, plenamente consciente del destino que le espera. Jesús le advierte: «Te maldecirán».

Esta afirmación resulta suficientemente sorprendente como para levantar sospechas de fraude, algo habitual en las supuestas antigüedades bíblicas. Por ejemplo, una urna vacía de piedra caliza que, según se dijo, había contenido los huesos de Santiago, hermano de Jesús, atrajo gran cantidad de público cuando fue expuesta en 2002, pero pronto se descubrió que se trataba de una ingeniosa falsificación.

Un Evangelio de Judas resulta mucho más tentador que una caja vacía, pero hasta el momento todas las pruebas realizadas confirman su antigüedad. National Geographic Society, que contribuye a financiar la restauración y la traducción del manuscrito, ha encargado a un importante laboratorio de datación por carbono 14 de la Universidad de Arizona el análisis del códice que contiene el evangelio. El análisis de cinco muestras distintas del papiro y la cubierta de cuero fijan la fecha del códice en algún momento entre los años 220 y 340 d.C. La tinta parece ser una antigua receta: una combinación de sulfato ferroso, tanino, goma arábiga y agua, mezclada con tinta de negro de humo. Además, según los expertos en copto, el evangelio contiene giros reveladores que indican que fue traducido del griego, el idioma original de la mayoría de los textos cristianos escritos durante los siglos I y II. «Todos coincidimos en situar esta copia en el siglo IV», asegura un experto.

En el año 313, el emperador Constantino legalizó el cristianismo con el Edicto de Milán, pero solo aceptaba a la Iglesia organizada. Aquellos herejes, cristianos que no aceptaban las doctrinas oficiales, no contaban con ningún apoyo, eran penalizados y finalmente se les prohibió que siguieran reuniéndose.

Otra confirmación nos llega del pasado. Hacia el año 180 d.C., Ireneo, obispo de Lyon en la Galia romana, escribió un tratado titulado Contra las herejías. El libro era un ataque feroz a todos aquellos cuyos puntos de vista sobre Jesús y su mensaje se apartaban de la ortodoxia de la Iglesia. Entre los blancos de sus críticas había un grupo que veneraba a Judas, «el traidor», y que había producido una «historia falsa», que «llaman el Evangelio de Judas». Al parecer, varios decenios antes de que se escribiera el manuscrito que Kasser tiene en sus manos, el colérico obispo ya tenía noticias del texto original griego.

Ireneo tenía un montón de herejías contra las cuales luchar. En los primeros siglos del cristianismo, lo que para nosotros es la Iglesia, que funcionaba con una jerarquía de sacerdotes y obispos, era sólo uno de los numerosos grupos inspirados en Jesús. El experto en la Biblia Marvin Meyer, de la Universidad Chapman, que ha colaborado con Kasser en la traducción del evangelio, resume aquella situación como «el cristianismo en busca de su estilo».

SEGUIDORES DE UN CRISTIANISMO PRIMITIVO

Muchos de esos grupos eran gnósticos, seguidores de la misma línea del cristianismo primitivo recogido en el Evangelio de Judas.

«Gnosis significa “conocimiento” en griego –explica Meyer–. Los gnósticos creían en un principio supremo de bondad, entendida como una mente divina, más allá del universo físico. El ser humano posee una chispa de ese poder divino, pero está aislado de la divinidad por el mundo material que le rodea». Para los gnósticos, un mundo defectuoso, obra de un creador inferior y no del Dios supremo.

Según pasaba el tiempo el cristianismo se fue separando de sus orígenes como secta judía. Los pensadores cristianos fueron encontrando cada vez más conveniente culpar al pueblo judío del arresto y la ejecución de Cristo, y presentar a Judas como el arquetipo de judío.

Mientras que los cristianos como Ireneo sostenían que sólo Jesús, el hijo de Dios, era a la vez humano y divino, los gnósticos creían que la gente corriente podía estar conectada con Dios. La salvación se alcanzaba despertando la esencia divina del espíritu humano y conectándola con Dios. Para eso se precisaba la guía de un maestro, y tal era, según los gnósticos, la función de Cristo. Aquellos que interiorizaban su mensaje podían ser tan divinos como el propio Cristo.

De ahí la hostilidad de Ireneo. «Esos grupos eran místicos –dice Meyer–. Los místicos siempre han desatado las iras de la religión institucionalizada. Oyen la voz de Dios en su interior y no necesitan sacerdotes intermediarios».

Ireneo comenzó su libro al regresar de un viaje y encontrarse a sus fieles soliviantados por un predicador gnóstico llamado Marcos, que animaba a sus iniciados a demostrar su contacto directo con la divinidad mediante profecías.

Hasta hace pocas décadas, tales doctrinas se conocían básicamente a través de las críticas hechas por líderes ortodoxos como Ireneo. Pero en 1945, cerca de la localidad egipcia de Nag Hammadi, unos campesinos hallaron dentro de una tinaja de barro un conjunto de textos gnósticos que llevaban siglos perdidos. Entre ellos había más de una docena de versiones inéditas de las enseñanzas de Cristo, incluidos los Evangelios de Tomás y de Felipe, y el Evangelio de la Verdad. Ahora tenemos el Evangelio de Judas.

Atanasio, un influyente obispo de Alejandría emitió una orden en el año 367 en la que enumeraba 27 textos, entre ellos los cuatro Evangelios actuales, como los únicos libros del Nuevo Testamento que podían considerarse sagrados. Dicha lista se mantiene hasta nuestros días.

En el pasado, algunas de estas versiones pudieron haber tenido mayor circulación que los cuatro Evangelios más conocidos. «La mayoría de los manuscritos o fragmentos del siglo II que hemos hallado son copia de otros libros cristianos», afirma Bart Ehrman, profesor de estudios religiosos de la Universidad de Carolina del Norte. Una faceta del cristianismo primitivo oculta desde hace tiempo está emergiendo.

La idea de que existan «evangelios» que contradigan a los cuatro canónicos del Nuevo Testamento resulta muy inquietante para algunos, como pude comprobar cuando comí con Meyer en un restaurante de Washington, D.C. «Es apasionante –exclamó–. El manuscrito explica por qué Jesús distinguió a Judas como el mejor de sus discípulos. Los otros no lo entendieron».

El restaurante se había vaciado y estábamos solos, perdidos en el siglo II, cuando el maître le entregó dubitativamente una nota a Meyer. El texto rezaba: «Dios habló a través de un libro». Al parecer, alguien sentado cerca de nuestra mesa había interpretado que Meyer ponía en tela de juicio que la Biblia fuera la palabra de Dios.

De hecho, no está claro si los autores de los evangelios –ni siquiera los de los cuatro más conocidos– presenciaron los sucesos que narran. Craig Evans, estudioso bíblico del Acadia Divinity College, de confesión evangélica, opina que los Evangelios canónicos acabaron por eclipsar a los otros. «Los primeros grupos de cristianos por lo general eran pobres. Sólo tenían medios para encargar la copia de unos pocos libros, de modo que sus miembros dirían “yo quiero el Evangelio del apóstol Juan”, y así sucesivamente –argumenta–. Los Evangelios canónicos son los que ellos mismos consideraban más auténticos». O quizá las alternativas fueron sencillamente derrotadas en la batalla del pensamiento cristiano.

El documento fue descubierto a fines del siglo XX, pero luego pasó muchos años vagando entre traficantes de antigüedades.

El Evangelio de Judas es un vívido reflejo de la lucha librada hace mucho tiempo entre los gnósticos y la Iglesia jerárquica. Ya al inicio del texto, Jesús se ríe de sus discípulos por rezar a «vuestro dios», refiriéndose al dios demiurgo que creó el mundo. Compara a sus discípulos con un sacerdote del templo (casi con certeza una referencia a la ortodoxia de la Iglesia), a quien tilda de «maestro de falsedades» y acusa de «sembrar árboles infructíferos, en mi nombre, de manera vergonzosa». Exhorta a los discípulos a mirarlo y comprender quién es él realmente, pero ellos vuelven la vista.

El pasaje clave viene cuando Jesús le dice a Judas: «Tú sacrificarás el cuerpo en el que vivo». Esto significa, en pocas palabras, que Judas va a matar a Jesús y que así le hará un favor. «El hombre en el que vive no es Jesús en absoluto –dice Meyer–. Por fin podrá deshacerse de su cuerpo, de su parte material, liberando así al Cristo verdadero, al ser divino que existe en su interior».

El hecho de que la tarea le sea confiada a Judas es un signo de su estatus especial. «Levanta los ojos y mira la nube con luz en su interior y las estrellas que la rodean –le insta Jesús–. La estrella que indica el camino es tu estrella». Al final, Judas tiene una revelación e ingresa en una «nube luminosa». La gente en la tierra oye una voz que sale de la nube, aunque puede que nunca sepamos lo que dice, a causa de un desgarro en el papiro.

El evangelio termina bruscamente, con una breve nota en la que se cuenta que Judas «recibió algo de dinero» y entregó a Jesús a los soldados que habían ido a arrestarlo.

Para Craig Evans, este relato es una invención sin sentido escrita hace mucho tiempo. «No hay nada en el Evangelio de Judas que nos diga algo históricamente verosímil», afirma.

Según los textos aceptados por la Iglesia, Judas Iscariote besó a Jesucristo para señalar a quién debían detener y juzgar. Así lo plasmó

Pero otros estudiosos lo consideran una nueva e importante aportación al estudio del pensamiento de los primeros cristianos. «Esto cambia la historia del cristianismo en sus inicios –asegura Elaine Pagels, catedrática de religión en la Universidad de Princeton–. Nosotros no buscamos en los Evangelios información histórica, sino los fundamentos de la fe cristiana».

«Es un hallazgo muy importante –conviene Bart Ehrman–. Muchos se sentirán molestos».

UN TEXTO QUE TUMBARÍA A UN CURA

El padre Ruwais Antony es uno de ellos. Desde hace 27 años el venerable monje vive en el monasterio de San Antonio, un refugio aislado en el desierto oriental de Egipto. En una visita al lugar le pregunté qué la parecía la idea de que Judas hubiese entregado a Jesús actuando a petición suya, y que por lo tanto fuese un hombre bueno. Ruwais se sintió tan turbado ante esa idea que casi perdió el equilibrio y tuvo que apoyarse en la puerta. Después, sacudió la cabeza con disgusto, murmurando: «Nada recomendable».

Antes, el padre Ruwais me había llevado a la iglesia de los Apóstoles. Bajo nuestros pies se hallaban las celdas originales, sepultadas durante mucho tiempo y excavadas recientemente. Aquellas celdas habían sido construidas por el mismísimo San Antonio cuando fundó la comunidad a principios del siglo IV.

Pocos años después de aquel acontecimiento, un escriba anónimo cogió su cálamo de junco y una hoja de papiro y empezó a copiar: «Crónica secreta…». El amanuense no pudo estar muy lejos, ya que el área donde supuestamente fue hallado el códice se encuentra a 65 kilómetros al oeste. Puede que hasta fuera un monje, pues se sabe de algunos monjes que veneraban los textos gnósticos y los conservaban en sus bibliotecas.

Esta pintura del danés Carl Heinrich Bloch muestra como, según cuenta la Biblia, un ángel consoló a Jesús antes de su arresto en Getsemaní.

Sin embargo, a finales del siglo IV no era muy prudente poseer ese tipo de libros. En el año 313, el emperador Constantino había legalizado el cristianismo, pero su tolerancia sólo incluía a la Iglesia organizada, sobre la cual hizo llover riquezas y privilegios, por no mencionar las exenciones de impuestos. Los herejes, cristianos que no aceptaban las doctrinas oficiales, no contaban con ningún apoyo, eran penalizados y finalmente se les prohibió que siguieran reuniéndose.

Ireneo ya había señalado los cuatro Evangelios de San Mateo, San Lucas, San Marcos y San Juan como los únicos que los cristianos debían leer, y su lista acabó por convertirse en política oficial de la Iglesia. En el año 367, Atanasio, influyente obispo de Alejandría y gran admirador de Ireneo, emitió una orden que debía ser acatada por todos los cristianos de Egipto en la que enumeraba 27 textos, entre ellos los cuatro Evangelios actuales, como los únicos libros del Nuevo Testamento que podían considerarse sagrados. La lista se mantiene hasta hoy.

No podemos saber cuántos libros se perdieron mientras la Biblia cobraba forma, pero sabemos que algunos fueron ocultados. Los libros hallados en Nag Hammadi fueron escondidos en el interior de una sólida tinaja, alta hasta la cintura, tal vez por monjes del cercano monasterio de San Pacomio. Uno de ellos habría podido esconder el Evangelio de Judas, que apareció junto con otros tres textos gnósticos.

Los documentos sobrevivieron durante siglos de guerras y catástrofes. Nadie los leyó hasta mayo de 1983, cuando Stephen Emmel, que realizaba en Roma su trabajo de posgrado, recibió la llamada de un colega pidiéndole que viajara a Suiza para analizar unos documentos coptos que una misteriosa fuente había puesto en venta. En Ginebra, Emmel y otros dos expertos fueron conducidos hasta la habitación de un hotel donde se reunieron con otros dos hombres: un egipcio que no hablaba inglés y un griego que hacía de intérprete.

«Nos concedieron una media hora para estudiar el contenido de lo que resultaron ser tres cajas de zapatos, en cuyo interior había unos papiros en-vueltos en papel de periódico –recuerda Emmel–. No nos permitieron hacer fotografías ni tomar notas». El papiro estaba empezando a desintegrarse, por lo que no se atrevió a tocarlo con las manos. Arrodillado junto a la cama, levantó cautelosamente algunas hojas con unas pinzas y entrevió el nombre de Judas. Supuso erróneamente que sería una referencia a Judas Tadeo, otro de los apóstoles, pero aun así comprendió que estaba ante una obra totalmente inédita y de gran importancia.

Mientras que Judas es el símbolo de la traición por excelencia, Judas Tadeo es santo y es venerado por muchas comunidades, como en este caso en la iglesia de San Hipólito, en Ciudad de México.

Uno de los colegas de Emmel pasó al cuarto de baño para negociar un trato. Emmel no estaba autorizado a ofrecer más de 50.000 dólares (42.000 euros de hoy), pero los traficantes pedían 3 millones (2,5 millones de euros), ni un centavo menos. «Era impensable pagar tanto dinero», dice Emmel, hoy profesor en la Universidad de Münster, Alemania. Emmel recuerda con pesar el «hermoso» papiro y lamenta lo mucho que se ha deteriorado desde entonces. Mientras las dos partes de la negociación almorzaban, él se escabulló y anotó frenéticamente todo lo que pudo recordar. Ésa fue la última vez que un estudioso vio el documento en 17 años.

Según los actuales propietarios del Evangelio de Judas, el egipcio de aquel hotel de Ginebra era un comerciante de antigüedades de El Cairo llamado Hanna que había comprado el manuscrito a un traficante local, que a su vez se ganaba la vida localizando piezas de ese tipo. No se sabe exactamente cómo ni dónde encontró la colección el traficante. Ahora está muerto, y sus familiares del distrito de Maghagha, a 150 kilómetros al sur de El Cairo, son extrañamente reticentes a revelar el sitio del hallazgo.

Poco después de que Hanna adquiriera el manuscrito y antes de poder sacarlo del país, toda su mercancía fue objeto de un robo. Según la versión de Hanna, los objetos robados fueron sacados ilegalmente del país y acabaron en manos de otro anticuario. Posteriormente, Hanna logró recuperar parte del botín, incluido el evangelio.

En el pasado, pocos se habrían preguntado cómo salió de su país de origen una valiosa antigüedad. Pero hoy, los países ricos en patrimonio tienen una actitud más proteccionista: prohíben la propiedad privada de piezas antiguas y controlan rigurosamente su exportación. Los compradores respetables, como son los museos, intentan asegurarse de que la procedencia de una pieza sea legítima, estableciendo que no ha sido robada ni exportada ilegalmente.

A principios de los años ochenta, cuando se produjo el robo de la colección de Hanna, ya era ilegal en Egipto poseer antigüedades sin registrar o exportarlas sin permiso oficial. No están claros los efectos de esas leyes sobre el códice, como tampoco lo está su procedencia.

Una exposición llevada a cabo en la National Geographic Society de Washington mostraba todos los pormenores de la historia del Evangelio de Judas, uno de los descubrimientos religiosos más importantes de los últimos años.

Aun así, Hanna estaba decidido a sacarle el mayor beneficio posible. Los expertos en Ginebra le confirmaron que era valioso, de modo que el comerciante viajó a Nueva York en busca de un comprador con dinero de verdad. La incursión no dio los frutos esperados, por lo que el egipcio regresó a El Cairo. Pero antes de partir de Nueva York alquiló una caja de caudales en una sucursal del Citibank en Hicksville, Long Island, donde depositó el códice y otros papiros antiguos. Allí permanecieron, intactos y enmoheciendo, mientras Hanna hacía varias tentativas de venta. El precio siempre era demasiado alto.

Finalmente, en abril de 2000, cerró un trato. La compradora fue Frieda Nussberger-Tchacos, una griega nacida en Egipto que triunfó en el negocio de antigüedades tras cursar estudios de egiptología en París. Ella no está dispuesta a revelar lo que pagó, pero admite que la rumoreada cifra de 300.000 dólares (250.000 euros de hoy) «no es la correcta, pero se le acerca». Pensando que la Biblioteca Beinecke de Libros Raros y Manuscritos de la Universidad de Yale podía estar interesada, dejó su mercancía en manos de uno de los expertos de la biblioteca, el profesor Robert Babcock.

Al cabo de unos días, cuando salía de Manhattan para coger un avión de regreso a su casa de Zurich, el profesor la llamó al móvil. Sus noticias eran explosivas, pero lo que mejor recuerda Frieda Tchacos es su exaltación: «Me decía: “Es un material increíble; creo que se trata del Evangelio de Judas Iscariote”, pero yo sólo oía la emoción que vibraba en su voz». Únicamente más tarde, durante las largas horas de vuelo a través del Atlántico, Tchacos comenzó a asimilar que verdaderamente era la propietaria del legendario Evangelio de Judas.

Los griegos creen en el destino, o moira, y durante los meses siguientes Frieda Tchacos comenzó a sentir que su moira se había entrelazado de un modo fatídico con Judas, «como una maldición». La Biblioteca Beinecke retuvo el documento durante cinco meses, pero al final declinó comprarlo, pese al entusiasmo del profesor Babcock, sobre todo por abrigar dudas acerca de su procedencia. Así pues, Tchacos renunció a Yale y a otras prestigiosas universidades y decidió poner rumbo a Akron, Ohio, para entrevistarse con Bruce Ferrini, un ex cantante de ópera dedicado a la venta de manuscritos antiguos.

Si el rechazo de Yale había sido descorazonador para la anticuaria, el viaje a Akron resultó ser una auténtica pesadilla. «Mi vuelo desde el aeropuerto Kennedy fue cancelado y tuve que viajar desde LaGuardia en una avioneta. Tenía el material cuidadosamente guardado en cajas negras, pero no me dejaron subirlo conmigo a la cabina». Judas viajó a Ohio en la bodega. A cambio del manuscrito de Judas y otros documentos, Ferrini entregó a Tchacos un contrato de compraventa con una de sus empresas llamada Nemo, y dos cheques posdatados de 1,25 millones de dólares (un millón de euros) cada uno.

No se puede saber exactamente cuantos libros y documentos se perdieron a lo largo de cientos de años mientras la Biblia cobraba forma, pero sí se sabe que algunos de ellos fueron ocultados. Por ejemplo, los libros hallados en Nag Hammadi fueron escondidos dentro de una gran tinaja de aproximadamente un metro de altura.

Ferrini no ha respondido a las numerosas llamadas telefónicas realizadas por National Geographic para conocer su versión de los hechos, pero algunas personas que vieron el manuscrito de Judas cuando estaba en su poder aseguran que cambió el orden de las páginas. «Quería que pareciera más completo», señala el experto en copto Gregor Wurst, que está ayudando a restaurarlo. Se estaban desprendiendo más fragmentos.

Tchacos empezó a dudar del trato a los pocos días de volver a casa. Su recelo aumentó cuando un amigo llamado Mario Roberty le recordó que nemo significa en latín «nadie».

Roberty, un ingenioso abogado suizo, conoce el mundo de los anticuarios y dirige una fundación dedicada al arte antiguo. Según dice, quedó «fascinado» por la historia de Tchacos y se ofreció gustoso a ayudarla a recuperar el manuscrito de Judas.

Los sustanciosos talones de Ferrini vencían a comienzos de 2001. Para presionarlo a devolver el códice, Roberty se alió con un crack del sector de las antigüedades, un ex marchante llamado Michel van Rijn que dirige desde Londres un influyente portal web desde el cual fustiga sin compasión a sus numerosos enemigos en el mundo de los anticuarios. Informado por Roberty, Van Rijn reveló la noticia de la existencia del evangelio y añadió que se encontraba «en las garras del comerciante de manuscritos Bruce P. Ferrini», quien estaba atravesando «graves problemas financieros». Después, con absoluta crudeza, advertía a los posibles compradores: «Si lo compran, si lo tocan… ¡se las verán con la justicia!».

La Biblioteca Beinecke de la Universidad de Yale retuvo el documento durante cinco meses, pero finalmente no lo adquirió, sobre todo por las dudas sobre su procedencia.

RECUPERACIÓN DEL CÓDICE DE JUDAS

Para Roberty, reclutar a Van Rijn «fue decisivo». En febrero de 2001, Tchacos recuperó el códice de Judas y lo llevó a Suiza, donde cinco meses más tarde se reunió con Kasser.

En ese momento, declara Tchacos, Judas pasó de ser una maldición a una bendición. Mientras Kasser comenzaba a descifrar laboriosamente el significado de los fragmentos del códice, Roberty ideó una ingeniosa solución al problema de la procedencia: vender los derechos de difusión y traducción del material, prometiendo a la vez el retorno del documento original a Egipto. La fundación de Roberty, que actualmente controla el manuscrito, ha firmado un acuerdo con National Geographic Society.

Liberada de las preocupaciones de marketing, Tchacos ha empezado a hablar un poco como los místicos. «Todo está predestinado –murmura–. Yo estaba predestinada por Judas a rehabilitar su nombre».

A orillas del lago Ginebra, en la planta de arriba de un edificio anónimo, un especialista deposita con sumo esmero un diminuto fragmento del papiro en el lugar que le corresponde, y parte de una antigua frase se recupera.

Judas, renacido, está a punto de salir a la luz.

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noviembre 16, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Ramsés II, el último Rey de Reyes…

Ramsés II, tercer faraón de la XIX dinastía egipcia, gobernó durante casi siete décadas, desde el año 1279 a. C. hasta el 1213 a. C., y a lo largo de su reinado, sus victorias frente a los hititas del norte y los nubios del sur le permitieron fijar las fronteras de Egipto, abrir la sociedad egipcia al exterior y asimilar nuevas costumbres extranjeras.

Es sin duda uno de los faraones más importantes del Antiguo Egipto. Ramsés II, que gobernó durante 66 años, entre el 1279 a.C. hasta el 1213 a.C., fue apodado como “El Grande”, pues su mandato se caracterizó por una época de esplendor. Considerado como un dios, el faraón difundió la cultura imperial egipcia, así como destacó por sus capacidades políticas y su carácter inigualable.

Con esto, y como a toda figura interesante de la historia, también a la larga vida de Ramsés II le envuelven numerosas leyendas y misterios. Si algo tiene el Antiguo Egipto es que es un mundo aún por descubrir para los arqueólogos e historiadores, hasta el punto que aún hoy continúan hallando grandes tesoros. Es el caso de la recién descubierta tumba del escriba real y tesorero de este faraón, un hito arqueológico que se acaba de producir en la necrópolis de Saqqara y que ha sorprendido a los más expertos.

Pero, más allá de las excavaciones, lo increíble de Ramsés II y su legado es su vida. Tanto la política como la familiar. Hijo del faraón Seti I, su descendencia está envuelta por una leyenda que podría tener sus justificaciones documentadas. Desde joven su carácter de mujeriego ya era evidente, pues con tan solo 15 años estaba casado y era padre de cuatro hijos.

Su esposa era Nefertari, pero no era la única, pues Ramsés II también tuvo otras esposas reales, como Isis-Nefert, otras secundarias, y algunas concubinas. No obstante, para los expertos fue Nefertari la que más influyó en la vida del gobernador, pues no solo se dedicó a tener descendientes, sino que también fue una mujer bastante activa en la vida política y social del Antiguo Egipto.

Con esto, según los expertos y, por qué no, ciertas leyendas, Ramsés II llegó a tener durante su vida la friolera de 152 hijos. Todos ellos, frutos de sus innumerables relaciones con diferentes mujeres, y entre los cuales destacaba el príncipe Khaemwese. Fue uno de los más conocidos de esta descendencia y, además, de los favoritos del faraón. Segundo vástago de Isis-Nefert, nació cuando su padre tan solo tenía 20 años, y heredó de él su capacidad militar y política desde la juventud.

Khaemwese acompañó a su padre en dos campañas militares, así como resultó ser un gran erudito en lo administrativo. Además, se convirtió en sacerdote del clero del dios Ptah en Menfis, acaparando así un gran poder en la época: controlaba a escultores, joyeros y artesanos que trabajaban en proyectos reales, así como supervisó grandes construcciones, como la del templo funerario de Ramsés II, en Tebas.

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noviembre 15, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

La historia de Bibendum, el muñeco de Michelin…

El País(G. de Martorell)/Periodismo del Motor(N. de Haro)  —  Es difícil encontrar a una persona que no sepa qué es el muñeco de Michelin. Lo hemos visto cientos de veces en revistas, carteles publicitarios, en forma de hombre anuncio disfrazado e incluso nos ha servido para referirnos en castellano a los pliegues de gordura que se forman en algunas parte del cuerpo -michelín-. Esta es la historia que hay detrás del icono publicitario del siglo XX.

La historia de Bibendum comenzó en 1894, cuando los hermanos Edouard y André Michelin observaron durante la Exposición Universal y Colonial de Lyon -Francia- que la figura que formaba una pila de neumáticos se asemejaba mucho al perfil de un ser humano, aunque sin brazos. Cuatro años más tarde nació este famoso personaje gracias a la destreza del ilustrador Marius Rossillon, conocido popularmente como O`Galop, aunque sus primeros bocetos no convencieron a los hermanos Michelin.

En el primer cartel que dibujó Rossillon aparecía un muñeco que sostenía una enorme jarra de cerveza, como referencia a uno de los eslóganes con los que se identificaba a la marca: “Los neumáticos que se tragan los obstáculos”. Si bien, también hay quien dice que O`Galop creo esa primera imagen para una cervecería de Múnich y que más tarde fue adaptada como símbolo de Michelin, de ahí que sostuviera una jarra. En cualquier caso, fue André al que se le ocurrió usar una figura hecha con neumáticos.

Fue así como nació Bibendum, el muñeco de Michelin, una de las figuras comerciales más reconocibles del mundo y cuya presencia se extiende a más de 150 países. Lo cierto es que el primer cartel de la marca en el que aparecía este personaje no fue muy acertado, el muñeco se parecía más a una momia con sobrepeso -en la imagen superior-. Aparecía con una copa en la mano, lanzando un brindis con un eslogan en el que se podía leer “À votre santé. Le pneu Michelin boit l’obstacle” (A vuestra salud. Los neumáticos Michelin se beben los obstáculos).

Durante 15 años la marca utilizó este formato de poster, en el que aparecía una mesa sobre la que mostraban las diferentes novedades en sus neumáticos. Pero no sólo dibujó este personaje Marius Rossillon, los responsables de la firma también recurrieron a otros muchos artistas para que interpretaran, a su manera, la figura de Bibendum. Gracias a esa amplia variedad de diseños, el muñeco de Michelin se convirtió en un símbolo del mundo moderno.

Con el lanzamiento de la primera Guía Michelin en 1900, los dos hermanos se ganaron una enorme fama por su gran habilidad para promocionar la marca. El muñeco Bibendum apareció en la contraportada de la Guía en 1901 y desde entonces, no la ha dejado nunca. Sin embargo, uno de los aspectos que más caracteriza a este personaje publicitario es su capacidad para disfrazarse, para adaptarse a diferentes situaciones.

Por ejemplo, para hacer su presentación en Reino Unido en 1904, Bibendum fue vestido con una armadura, con lanza y escudo, para que ofreciera una imagen más seria y solemne. Para Italia, se transformó en una especie de diplomático con chaqué, pero el símbolo de Michelin también apareció como emperador romano, como Luis XIV…

Una de las curiosidades más llamativas relacionadas con este icono publicitario es cómo surgió su denominación. Como en los primeros carteles la palabra ‘bibendum’ -en referencia al verso en latín de Horacio, Nunc est bibendum, algo así como ‘es tiempo de beber’- aparecía justo encima del muñeco, la gente pensó que ese era su nombre y empezó a llamarlo así. Sin embargo, el bautizo definitivo se atribuye a Charles Thery, un piloto de coches que durante una carrera recibió a uno de los fundadores de la marca con la frase “aquí viene Bibendum”.

Curiosidades

No es solamente el símbolo universal de una marca de neumáticos. Es también un icono de la cultura popular que ha trascendido generaciones e incluso ha dado pie a expresiones populares que nada tienen que ver con los neumáticos. Porque esta genial creación publicitaria de principios del siglo XIX es la culpable de que a esos kilos que nos sobran y todos queremos esconder al llegar el verano los llamemos ‘michelines’, término ya aceptado por la Real Academia Española.

1.  El símbolo de Michelin nació casi por casualidad. La idea del divertido muñeco se le ocurrió al propio Edouard Michelin al observar un montón de sus neumáticos apilados en un almacén.

“Si tuviera brazos parecería un tipo gordito”, le comentó a su hermano André. Pese a lo genial de la ocurrencia, la idea esta todavía tardaría cuatro años en cobrar forma porque los industriales no creyeron que su hombre-neumático fuera a tener más trascendencia.

Finalmente, en 1897, los Michelin pensaron que había llegado el momento de que su empresa tuviera una imagen y un eslogan, para lo que contactaron con el reputado ilustrador Marius Rossillon, O’Galop, en busca de ideas.

2.  El dibujante presentó a los empresarios un esbozo que había realizado para una cervecería muniquesa y que le habían rechazado. Mostraba a un orondo borrachín bávaro a punto de zamparse una pinta bajo la frase en latín Nunc est bibendum (‘Y ahora bebamos’, la fórmula con la que brindaban los antiguos romanos); a André se le iluminó de inmediato la cara: ¡ese borrachín era igual que su muñeco de neumáticos! Y no solo eso, sino que la idea de que los neumáticos Michelin “se bebían los obstáculos” ya había sido usada por la marca unos años antes.

Todo encajaba, por lo que O’Galop diseñó el primer cartel publicitario de la historia de Michelin; un gordinflón hecho de neumáticos que brinda a nuestra salud con una copa llena de clavos bajo el lema “Nunc est bibendum”.

3.  La expectación que despertó el muñeco (aún sin nombre oficial más allá del manido hombre-neumático) fue inmediata… y como orgulloso padre André Michelin quiso que se le pareciera un poco, de modo que al personaje se le añadieron tres de sus rasgos más significativos: un anillo, un cigarro y unas enormes gafas redondas. Algunos meses después, durante la carrera París-Ámsterdam-París, Andre Michelin fue a saludar a un campeón local (Charles Thery) el cual, al verle, comenzó a exclamar divertido: “Bibendum, Bibendum”. El muñeco de neumáticos ya tenía nombre… y sería recordado para siempre.

4.  En diciembre de 1898 la popularidad del personaje había crecido ya tanto que los Michelin aprovecharon el Salón de la Bicicleta de París para mostrar al público su primer Bibendum de carne y hueso. La idea era que el personaje recibiera a quienes acudían al expositor de Michelin a interesarse por las cubiertas ciclistas de la casa, pero la avalancha de curiosos que se formó para ver de cerca al hombre-neumático fue tal que el pobre animador que le daba vida dentro del disfraz estuvo a punto de morir asfixiado.

5. Una de las razones principales del éxito del Bibendum fue su versatilidad. Al ser una figura antropomórfica, Michelin podía personalizarlo prácticamente a gusto de cada mercado. En el Reino Unido fue un gentleman con bombín, en Italia un aristócrata, en los Estados Unidos un cowboy (un militar durante la Primera Guerra Mundial, un astronauta cuando ha trabajado para la NASA…) y así hasta docenas de variantes.

El problema vino cuando cada país comenzó a hacer su propia versión del personaje…, algunas veces con resultados cuestionables respecto al original. Michelin decidió a finales de 1920 estandarizar el logotipo y crear su propio estudio de diseño con sus propios dibujantes.

6.  En 1925, en Clermont-Ferrand, la sede central de Michelin, optaron entonces por un muñeco más delgado, de gesto más amable y más cercano a un personaje de dibujos animados. A partir de ese momento, Bibendum cambia: pierde el puro, que mantenía desde sus orígenes como homenaje al fundador, y también peso.

En esencia es ya el Bibendum que conocemos hoy en día y cuyo concepto se mantendrá más o menos invariable, sólo con ligerísimos retoques, hasta 1998. Ese año, coincidiendo con el centenario del muñeco, Michelin decide borrar cualquier referencia al sobrepeso en su popular icono, lo estiliza aún más y Bibendum adquiere un rol más dinámico y deportista que mantiene en la actualidad.

7.  La popularidad del simpático muñeco llegó a ser tal que su imagen se utilizó en marcas de chocolatinas, cigarrillos e incluso hubo orquestas que crearon bailes más o menos estrambóticos imitando sus movimientos. En 1930 Michelin tomó la decisión, que se mantiene vigente, de no ceder bajo ningún concepto ni para ningún tipo de uso comercial la imagen de su Bibendum.

De hecho, ni siquiera Michelin puede emplearla en otra cosa que no sean aspectos relacionados con los neumáticos de la casa, sus mapas y sus famosas guías… aunque permitió que el Bibendum hiciera un cameo en una de las historietas de Asterix y en el corto Logorama, en el que se enfrentaba al villano… ¡Ronald McDonald!

8.  A finales de 2017 Michelin decide duplicar al Bibendum y crear dos versiones diferentes: una para la estricta promoción comercial de los neumáticos –más convencional– y otra más corporativa destinada a estar presente en todas aquellas actividades lúdicas, culturales y solidarias en los que está involucrada la multinacional francesa. En este papel humanitario, Bibendum es capaz de expresar más emociones y sentimientos y lucir imágenes menos habituales. La marca pretende de este modo separar al Bibendum automovilista del Bibendum solidario y evitar que ambos puedan confundirse.

9.  En el año 2000 el Bibendum de Michelin fue proclamado como el Mejor Logotipo del Mundo por el Financial Times y la revista Report on Bussines. El propio Salvador Dalí (autor del logo de Chupa-Chups) siempre lo consideró una obra comercial casi perfecta y tenía varias versiones del Bibendum repartidas por su casa de Port-Lligat. Pero no todo han sido éxitos en la trayectoria del celebérrimo muñeco francés; al principio de su existencia lo confundían a menudo con una momia o con un personaje promocional de algún folletín de terror.

10.  Una de las preguntas más repetidas sobre Bibendum es la de por qué es blanco si está hecho de neumáticos. En realidad el simpático logotipo es del color adecuado porque, aunque hoy no sea muy conocido, los primeros neumáticos eran de color gris claro. El desgaste y la suciedad de la carreteras los oscurecía, así que Bibendum debía ser de un blanco impoluto que simbolizara juventud y buena salud. Los neumáticos franceses no comenzaron a ser negros hasta 1917, cuando incorporaron el carbón a la mezcla de caucho.

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noviembre 15, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Cómo el reportaje de un periodista sobre Hiroshima burló la censura y reveló el verdadero horror de la bomba atómica*…

noviembre 14, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Detrás de una cara bonita, un coeficiente intelectual de 180…

Mujeres con Ciencia(A.Ribera)  —  «Detrás de una cara bonita, un coeficiente intelectual de 180» rezaba el titular con el que la revista LIFE  ilustraba, en 1962, un artículo sobre el sistema educativo en California.

La estudiante que provocaba la sorpresa reflejada en el titular era Virginia Trimble, estudiante de astronomía en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA).

Virginia Trimble había llegado a la UCLA a principios de los años 60 decidida a estudiar arqueología pero, a punto de matricularse, descubrió que era una materia reservada para graduados.

En la misma página, en la letra A, estaba astronomía y su padre la animó a matricularse asegurándole que le gustaría. Y le gustó.

Trimble se graduó en la UCLA y, posteriormente, fue admitida en el programa de doctorado en Astronomía en CalTech.

«Hasta pasado un tiempo no me di cuenta de que la admisión de mujeres en ese programa solo se hacía bajo determinadas condiciones, concretamente bajo la condición de estar casadas con un hombre admitido en el CalTech».

En el campus del CalTech fue dónde Tremble conoció a Feynman o, mejor dicho, fue él el que la conoció a ella tras verla pasear y pensar que sería una buena modelo para sus sesiones de dibujo. Tremble compaginó sus sesiones como modelo para él, a cambio de 5,50 dólares por sesión y sus conversaciones sobre física con sus estudios de doctorado.

Eligió como materia de investigación el estudio de la Nebulosa del Cangrejo: la masa de polvo, gas y plasma surgida de una explosión de una supernova cuya luz llegó a la tierra en 1054. Para hacer sus observaciones se le permitió utilizar el telescopio del observatorio del Palomar, en San Diego, convirtiéndose en la tercera mujer en poder utilizarlo y la segunda, tras Vera Rubin, en disponer de su propio tiempo de uso.

En ese momento, una mujer no podía levantar legalmente el portaplacas Schmidt de 48 pulgadas porque pesaba más de 40 libras. Pero nos saltamos esa regla un poco. Las barreras para las mujeres fueron cayendo a medida que me acercaba a ellas, por lo que nunca encontré desventajas para ser una mujer en la ciencia. Y hubo muchas ventajas.

Tras completar su doctorado decidió que no quería centrarse en un estudiar un solo tema ni dedicarse a gestionar las subvenciones que la Universidad de California, donde había sido admitida como astrónoma titulada, recibía para investigación. Decidió entonces dedicarse a tener una visión más amplia, no iba a estudiar astronomía sino cómo, dónde, porqué y quién estudiaba astronomía.

Pensé que este acercamiento me daría la oportunidad de contar algo que, de otro modo, nadie contaría.

Investigó si el hecho de estudiar el doctorado en una institución  de prestigio compensaba después a nivel profesional.

Se preguntó qué telescopios generaban más artículos y descubrió que muchos artículos surgían de telescopios muy desconocidos.

Investigó el arco narrativo que llevaba al consenso científico y escribió un artículo sobre el progreso de diferentes debates científicos, entre ellos el de la existencia de la materia oscura.

¿Por qué se le ocurrían todas estas preguntas? Porque sabía más de astronomía que casi todos los astrónomos. ¿Por qué? Porque desde 1991, y durante dieciséis años, Virginia Trimble leyó todos y cada uno de los artículos sobre astronomía publicados en las veintitrés revistas más prestigiosas.

Rápidamente decidía si el tema me interesaba y si iba a querer saber más. Si era así apuntaba un par de palabras, dos líneas si era muy interesante.

Llegado el momento de la revisión anual, volvía a sus notas, ordenaba, descartaba y escribía un contexto para todo lo publicado ese año. En esas recopilaciones escritas en un lenguaje accesible, entretenidas y eruditas, siempre incluía bromas, con un sentido del humor bastante peculiar que para muchos era “desagradable”.

Si todas las galaxias tienen un agujero negro, ¿por qué hablamos tanto de ellos? Bueno, lo mismo podríamos preguntarnos sobre los genitales humanos que tienen en común con los agujeros negros, un punto central y por lo general  materia oscura alrededor que lo tapa.

Durante dieciséis años Temple realizó esta exhaustiva tarea de lectura, comprensión y análisis de la astronomía. En 2007 el interés editorial por esta iniciativa decayó al tiempo que la publicación en papel de artículos empezó a estar pasada de moda. La mayoría de las publicaciones pasaron a hacerse solo de manera digital y no podía leer seis mil artículos en pantalla.

En una época en que la especialización y la presión por publicar es tan alta, difícilmente nadie retomará la tarea comenzada por Tremble, una tarea con una visión amplia, alejada de la especialización y el afán de publicación.

Virginia Tremble tiene ahora 75 años y se encuentra dedicada a escribir una serie sobre la influencia de la Primera Guerra Mundial en el desarrollo de la relatividad y un capítulo para un libro sobre personas que debieron ganar el Premio Nobel y no lo ganaron. También tiene empezadas sus memorias pero, por ahora, las ha dejado de lado porque «se aburre».

Sobre la situación de la mujer en la ciencia y concretamente en la astronomía, en una entrevista concedida en 2011 a Amelia Ortiz-Gil y Vicent J. Martínez:

No estoy segura de que exista o haya existido una discriminación deliberada contra las mujeres científicas en los últimos cuarenta años, aunque me preocupa que mientras sean estudiantes puedan tener menos oportunidades que los estudiantes masculinos de conseguir trabajar en proyectos de tesis excitantes e importantes. También creo que es verdad que cuando te piden que pienses en alguien para un trabajo en particular, es muy probable que pienses en alguien de tu propio sexo y además, si necesitas realizar una pregunta bastante básica, estúpida incluso, es más fácil hacérsela a alguien de tu propio sexo. La mayor parte de los hombres nunca se darán cuenta de esto, dado que siempre han formado parte de una gran mayoría en las ciencias.

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noviembre 14, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

«Si supierais cantar podría convertiros en un grupo musical»…

Su historia, cuentan los implicados, había empezado unos años antes, de forma confusa y difícil de datar por culpa de la mala memoria, los excesos de una vida nocturna y el influjo espiritual de su propuesta artística. Sin embargo, la carrera de Locomía comenzó en 1987, en la discoteca Ku de Ibiza.

En esa época era la más grande y carismática de la isla, un espacio al aire libre a medio camino de San Antonio que llegaba a acoger a cinco mil personas. Un día de aquel verano, José Luis Gil, figura fundamental de la industria discográfica española, presidente de Hispavox, descubridor de Miguel Bosé, introductor en España de Raffaella Carrá y mánager de Mónica Naranjo o José Luis Perales, había cenado allí y se acercó a la pista para ver a la gente bailar.

Lo relata en el libro Requiem por la música, los artistas y la industria (Fundación Autor, 2004) , un volumen en el que recorre su trayectoria profesional.

«De repente comenzaron a aparecer de las sombras unos personajes ataviados con ropajes sorprendentes y armados de grandes abanicos y zapatos de punta de estilo renancentista, comenzaron de manera cadenciosa y sugerente, como si se tratara de celebrantes de las danzas sufí, a hipnotizarme a mí y a todos los que me rodeaban […]

Poco a poco, todo el mundo que estaba bailando se fue parando y comenzó a formarse un enorme corro para admirar a estos jóvenes juglares que con profusión de brocados, terciopelos y con grandes hombreras, que daban un aspecto cubista a las proporciones de sus cuerpos completamente fuera de época y estación, estaban dejando boquiabiertos a los más modernos del mundo».

Al día siguiente Gil fue al encuentro de esos estrafalarios gogós y conversó con su líder, Xavier Font, «un joven despierto y acelerado» que le contó que estaban creando su propio estilo, y que regentaba una peluquería y una tienda de ropa que promocionaban con esas apariciones en Ku. «Si supierais cantar, se podría estudiar lanzaros como grupo musical», propuso su futuro mánager.

Font vivía en una especie de comuna con las otras ocho personas que formaban parte del germen de Locomía. Había habido peleas con un exsocio que les había quemado la casa y algún miembro ya había abandonado aquella aventura ante la falta de perspectivas profesionales. Al mismo tiempo se habían despedido de Ku por una discusión y la peluquería perdía dinero.

Eso precipitó que Gil les buscara trabajo en Madrid, lo que facilitó que la troupe se redujera: sólo Xavier, su hermano Luis, Manuel Arjona y Carlos Armas se mudaron a la capital. Esa fue la primera y fugaz formación de Locomía. Luis se peleó con Javier y dejó Madrid. Se le encontró un sustituto venido de Ibiza en 24 horas: Juan Antonio Fuentes.

«Los chicos no eran Caruso»

Mientras se ganaban la vida haciendo dos sesiones diarias en Joy Eslava, contratados por el empresario de la noche Pedro Trapote, los cuatro integrantes comenzaron a dar clases de canto y baile. Se contactó con Pedro Vidal, el productor del hit de Iván Fotonovela, para que preparase junto a su equipo un repertorio acorde con la línea estética: música de baile con bases electrónicas, vocación internacional y algún «color» tópicamente español. De ese taller de canciones a medida salieron Locomía, Rumba Samba Mambo y Taíyo.

Aunque, como reconocía Gil en su libro, «los chicos de Locomía no eran Caruso», el lanzamiento en 1989 del primer single del grupo, el homómino Locomía, demostró que había acertado con su apuesta. Triunfaban en Japón, eran la representación patria en prestigiosas ferias como el Midem de Cannes, y se les asociaba con la imagen de modernidad que proyectaban internacionalmente el New Spain de Pedro Almodóvar, Javier Mariscal o  Helena Barquilla.

Eran un producto tan de puertas a fuera que uno de sus siguientes éxitos se titulaba Gorbachov, un homenaje al impulsor de la Perestroika y símbolo de la más rabiosa actualidad.

De la primavera al otoño de aquel primer año dieron más de 200 actuaciones por todo el país. No se puede hablar de conciertos: cuatro canciones en playback con las que desplegaban las coreografías que habían aprendido, agitaban aquellos abanicos gigantes y lucían su impactante vestuario. En la mayoría de lugares eran bien recibidos pero todavía quedaban sitios en los que su imagen ambigua provocaba la ira de «los machitos de las fiestas», recuerda Gil.

Una de las instrucciones del mánager iba en esa dirección: «la ambigüedad es comercial; lo definido, sea lo que fuere, limita y reduce al público». Básicamente, ninguno de los miembros de Locomía debía hablar en las entrevistas de su orientación sexual, mucho menos aceptar que se trataban de un producto marcadamente gay.

Millán Salcedo entonaba «arriba, mariquita» en una parodia gimanástico-dietética en la que Josema Yuste aparecía agitando el abanico como un miembro más del grupo –esto lo comía, esto no lo comía–, pero tendrían que pasar todavía algunos años antes de que sus canciones fueran banda sonora petarda de las Fiestas del Orgullo en Chueca.

Gil también les dejó claro que aunque la música que hacían y el mundillo de la noche en el que estaban acostumbrados a moverse pudiera llevarles a impresiones contrarias, «las drogas y las pasadas no eran compatibles con promocionar, hacer entrevistas, viajar y actuar».

conquista de américa

El público latinoamericano abrazó con más entusiasmo que nadie el fenómeno Locomía. Tanto fue asi, que los constantes viajes al continente hicieron que el fundador Xavier Font decidiera abandonar las giras para centrarse en el diseño del vestuario, la comercialización de la moda y la dirección de un local en Madrid, Santuario, en el que se podían comprar sus productos y tomar copas. Las broncas con sus compañeros también le animaron a buscarse un retiro dorado: Font seguiría cobrando como uno más.

En Argentina necesitaron un equipo de rugby para que hiciera de cordón de seguridad durante su primera actuación. El promotor no les había mencionado que estaban en una de las discotecas gay más importantes de Buenos Aires, Bunker. Tampoco que su público estaba compuesto por completo de hombres dispuestos a cualquier cosa con tal de acercarse a los miembros de Locomía.

Cuando en medio de la actuación se fue la luz y quedó el local a oscuras se temió que la cosa se fuera de las manos. Volvió la corriente, se completó el show y el público enloqueció pero se comportó con respeto en todo momento.

México, Venezuela, Colombia, Ecuador, Brasil, Chile, Uruguay, Perú, Paraguay… Hoy pocos lo recuerdan, pero se vendieron más de 2 millones de discos en toda Latinoamérica de los dos primeros álbumes del grupo. Para el final se había dejado el salto a EE UU, donde las discográfica Sony había planificado una estrategia muy ambiciosa. Sin embargo, todo se vino abajo.

LOCO…¡mío!

Cuando el grupo se encontraba en Miami iniciando el tour promocional y sus actuaciones en diferentes ciudades de EE UU, Xavier Font se reunió allí con Locomía para ejercer de coordinador. Santuario, el bar-boutique conceptual, había sido una catástrofe económica y sus compañeros le pedían que justificara su salario. Meses antes Juan Antonio Fuentes ya había sido reemplazado por Santos Blanco.

Su caso merece un paréntesis en esta historia. Santos, un joven de apenas 20 años de aspecto angelical por su pelo rubio y su piel blanquísima, simbolizaba el tipo de miembro que militó en la época más exitosa de Locomía. Su verdadera vocación no era la música sino el baile, al que volvió cuando abandonó el grupo definitivamente en 1999. Por decirlo de una manera gráfica, era uno de los rostros de Locomía –uno de los favoritos, por cierto–, pero nunca fue uno de sus cerebros.

Tanto en lo empresarial como en lo artístico, ese rol lo desempeñaron primero Gil con Font, o este último con Arjona cuando se desligaron del mánager. El fallecimiento de Blanco el pasado 15 de junio a los 46 años y las extrañas circunstancias en las que se produjo, en un albergue para indigentes en Gijón, han dado lugar a todo tipo de especulaciones.

Los rumores sobre la situación de abandono en la que se encontraba –según La Nueva España mendigaba y pedía alojamiento los días previos a su muerte– y las declaraciones de su hermana asegurando que Blanco era en realidad un monje, entregado en cuerpo y alma a ayudar a otros, no ha hecho sino generar más interés y morbo alrededor de su figura. Eso no es óbice para recordar que llevaba más de dos décadas alejado del grupo.

De hecho, aunque para algunos vecinos de Gijón era una figura habitual de la ciudad, a la que frecuentemente se encontraban en calles y bares de copas,  nadie en el albergue en el que murió por un trombo pulmonar lo identificó como un exmiembro de Locomía inicialmente.

Tras entrar en contacto con Vanity Fair el 17 de julio, José Luis Gil pide añadir al respecto del rol en el grupo de Santos Blanco una aclaración: «.. El fallecimiento de Santos Blanco ha sido miserablemente manipulado, en favor de intereses torticeros que nada tienen que ver con la historia, ni con el propio sentimiento del fallecido. Santos no intervino en ninguna grabación del grupo, ni en ninguna portada discográfica, intervino tan solo en una tour de conciertos duranteel periodo escasamente de un año.

La dimisión voluntaria por razones personales de Juan Antonio Fuentes que era la imagen de la formación del éxito, después del lanzamiento promoción y tour de conciertos de Loco Vox segundo disco del grupo y ante los compromisos que aun existían de realización de actuaciones en Latinoamérica, actuación en Viña del Mar, Chile, y futuros actos promocionales en EE UU con el lanzamiento del primer disco, nos obligó a buscar una sustitución que fuera similar a la imagen de Juan Antonio.

Por sus dotes como bailarín y su parecido físico se incorporó al grupo a Santos, sin desmerecer su trabajo y su honestidad, su participación en la historia del grupo fue tan solo circunstancial. No se debía de haber magnificado su participación en aras de conseguir una publicidad para Locomia que yo considero inadecuada…

Según Gil, fue al poco de la incorporación del rubio integrante cuando recibió una llamada de EE UU: alguien había convencido a Font de que lo mejor para el grupo era quedarse en Nueva York y trabajar por su cuenta. El mánager no dudó en ponerles una demanda por incumplimiento de contrato y canceló todos los conciertos de Locomía.

En paralelo, alineó una nueva formación en la que regresaba Luis Font, hermano de Xavier**, Antonio Albella, Pablo Robledo** y Frank Romero. Juntos publicaron el LP Party Time y durante dos años actuaron en España y América, aunque ya sin el éxito de las veces anteriores.

[José Luis Gil tiene una recitificación que hacer sobre este punto: «Party Time fue el último disco oficial de Locomia y cerro el compromiso de tres discos que la compañía FTI, productora y editora de la música del grupo, había establecido con Emi. También cerro la actividad del grupo, que con esta formación estuvo activa de 1993 a 1997, y que como grupo no tuvo ninguna actividad seria ni profesional después.

Tan solo en 2013, quince años después, Manuel Arjona integrante original de la formación produjo una grabación de Locomia, que al no tener los derechos pactados con FTI fue intervenido y suspendido su lanzamiento. FTI solo después de que se aceptaran y pactaran sus condiciones de management accedió para ayudarle a amortizar su inversión.

Por respeto a Manuel me volví a involucrar en este último disco, realizando el lanzamiento oficial a nivel internacional en 2014. Con una edición de disco y dvd titulado Imperium que distribuyo a nivel internacional Codiscos. Tan solo hace dos años el Sr. Jordi Tarre tenía contactos por teléfono y mail fluidos conmigo así como todos los involucrados en el grupo. También la SGAE de la que formo parte como autor y editor]

noviembre 13, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Sexo depravado, orgías y sadismo en Roma: la verdad histórica detrás de San Valentín…

Un día en honor el amor. Una jornada para rendir culto a esa llama de pasión imperecedera que lleva a dos personas a estar juntas de por vida.

El día de San Valentín poco tiene que ver con la fiesta en la que hunde sus raíces históricas. Y es que, esta jornada de dicha y felicidad está basada en las Lupercales, un festival de depravación organizado en la Antigua Roma para lograr que los jóvenes se iniciaran en las relaciones sexuales.

Por si fuera poco, la vida del religioso al que (según la versión más extendida) se rinde culto este 14 de febrero no es menos trágica, pues era un médico que terminó ajusticiado por oficiar matrimonios clandestinos en contra de las órdenes del emperador Claudio II.

No obstante, las teorías que preceden estas líneas son solo unas de las tantas que hacen referencia al origen de San Valentín. Lo que sí está claro es que la Iglesia Católica decidió honrar a este religioso el 14 de febrero para ocultar la tradición romana de las Lupercales.

Así lo explica el popular historiador y periodista Jesús Hernández (autor del blog « ¡Es la guerra!») en su obra homónima (« ¡Es la guerra!»): «La fiesta fue instaurada en el año 498 por el papa Gelasio I, probablemente en un intento de eliminar la efeméride pagana de las Lupercales, que se celebraban el 15 de febrero. Un festejo relacionado con el amor y la reproducción».

San Valentín

Tal y como explica Hernández en su obra, Valentín era ya obispo en Terni (Italia) cuando Claudio II Gótico (214-270 d.C.) prohibió a sus combatientes contraer matrimonio. ¿La razón? Que consideraba que «los soldados que estaban casados pecaban de conservadores en el campo de batalla en unos momentos en los que las fronteras se veían acosadas por alamanes y vándalos».

La medida pareció sumamente excesiva al religioso, que se avino (en palabras de este conocido autor español) «a celebrar en secreto las bodas de aquellos soldados que no querían cumplir esa orden del emperador».

Como era de esperar, cuando fue descubierto fue apresado por Claudio II, quien no tuvo piedad y le decapitó el 14 de febrero del año 269. «Se cree que fue enterrado en la Vía Flaminia, a las afueras de Roma, lo que hizo que durante la Edad Media la Puerta Flamina fuese conocida como Puerta de San Valentín», explica Hernández. Esta es la versión oficial. Sin embargo, las dudas sobre la veracidad de esta historia hizo que la Iglesia Católica acabara con esta festividad en el año 1969.

A su vez, existe otra versión sobre esta historia. Según se explica en el informe «El día de San Valentín» (editado por la Consejería de educación en el Reino Unido e Irlanda), Valentino era un cristiano del siglo III que continuó practicando su religión a pesar de la prohibición romana.

Sus actos le llevaron a la cárcel, donde uno de los guardias le pidió que diese clases a su hija ciega. Tras varios días, la chica recuperó la vista y se convirtió al cristianismo gracias a nuestro protagonista. «La víspera de la ejecución, Valentino envió una última nota a la niña pidiéndole que se mantuviera en la fe […]

Al día siguiente, 14 de febrero, Valentino fue ejecutado. Sus restos se conservan en la Basílica de su mismo nombre, en Terni, donde cada año, el 14 de febrero, las parejas que van a casarse celebran un acto en honor del Santo», desvela el dossier.

Lupercales

Fuera cual fuese la historia de Valentín, la realidad es que fue usada para hacer olvidar las Lupercales, unas fiestas cuyo origen, según explica el autor Jean-Noël Robert en su obra « Eros romano: sexo y moral en la antigua Roma», se consideraba ya entonces mitológico. «Se trataba de una de las ceremonias más arcaicas, ya que numerosos especialistas coinciden en decir que se remontaba a los tiempos del caos, mucho antes de la fundación de Roma, en la que sin duda se hacían sacrificios humanos», señala.

Oficialmente, la fiesta se celebraba en la misma cueva (la Lupercal) en la que se creía que una loba había amamantado a los fundadores de Roma (Rómulo y Remo).

Desde aquella gruta se iniciaban las Lupercales de manos de un sacerdote que comenzaba la fiesta sacrificando un carnero en honor a Fauno (el dios de la naturaleza). Posteriormente, y con el mismo cuchillo, el religioso untaba la cara de dos «lupercos» o «luperci» (los jóvenes que debían pasar por el ritual) con la sangre del animal. A continuación, y tras ser limpiados, los chicos debían reírse para emular la victoria de la vida sobre la muerte de los mismos Rómulo y Remo.

Una vez que habían sido ungidos por el sacerdote, estos dos jóvenes (que casi siempre iban desnudos, o ataviados únicamente con taparrabos fabricados con la piel de los animales sacrificados) salían de la gruta. El ritual no acababa en este punto, sino que iniciaban una carrera depravada a través de Roma por un itinerario previamente planeado.

Un trayecto que llevaban a cabo gritando obscenidades. Mientras corrían, los «lupercos» iban dando latigazos -con una correa fabricada también con los restos del carnero- a todo aquel que, voluntariamente, se ubicaba frente a ellos.

El principal objetivo eran, no obstante, las mujeres en edad de ser madres. «La opinión en que estaban las mujeres era que estos latigazos contribuían a su fecundidad, o a su feliz libertad», se explica en el « Diccionario Universal de Mitología». Para las chicas jóvenes era todo un privilegio recibir un correazo, pues entendía que, con él, los dioses no tardarían en bendecirlas con un hijo. Otro tanto pasaba con los hombres zurrados, quienes consideraban que les purificaba y les daba buena suerte.

Miedo a la sexualidad

A pesar de todo, los autores le atribuyen varios significados a esta fiesta. Robert señala, por ejemplo, que mediante aquella carrera la «ciudad revivía sus primeros momentos, aquellos en que había pasado de la barbarie y el caos a la civilización, a una nueva vida».

Otros tantos son partidarios, por el contrario, de que la ceremonia era principalmente un rito de iniciación entre los más jóvenes. El autor Pierre Jacomet es uno de ellos. El escritor afirma en una de sus obras que aquellas eran «ceremonias destinadas a alejar el miedo a la sexualidad, el temor de ser incapaz, el terror a no poder cumplir con el ritual de la fertilidad, que es la cópula, a perder la calidad de ciudadano del mundo».

¿Qué sucedía después de la carrera? Las teorías son varias. Algunos autores como Jon Juaristi explican en « El bosque originario» que las Lupercales podrían incluir «ritos orgiásticos como la prostitución propiciatoria de las pastoras». Robert, por su parte, añade que ese día también se celebraban otros tantos rituales como «el sacrificio de un perro», una invocación a Juno, o un banquete».

Con todo, esta es solo una de las teorías existentes sobre el origen de San Valentín. Algunas fuentes creen que también se basa en otra fiesta pagana que se quería «cristianizar»: la que se hacía en honor de Juno Februata.

El autor John M. Flader  señala en su obra « Tiempos de preguntar. 150 cuestiones sobre la Fe Católica» que, en la Antigua Roma, existía la costumbre de honrar a esta deidad introduciendo los nombres de las jóvenes de la ciudad en una caja. Cada uno de ellos era extraído por un chico y la pareja resultante quedaba unida a nivel sexual. Nuevamente, lo pecaminoso de la celebración hizo que fuera modificada. «Al final, se sustituyeron los nombres de las chicas por los de los santos», afirma el autor.

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noviembre 13, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El origen de la bandera blanca como símbolo de rendición y petición de paz…

Muy Interesante(G.Carvajal)  —  Enarbolar una bandera blanca por parte de un ejército o soldados individuales es un símbolo reconocido internacionalmente cuyo origen apenas está documentado.

Hoy en día se identifica la bandera blanca como una señal de rendición, alto el fuego o intención de negociar, y así se recogía en las reglamentaciones de la guerra derivadas de las Conferencias de La Haya de 1899 y 1907, y en las Convenciones de Ginebra vigentes en la actualidad.

Se prohibía especificamente abrir fuego contra personas que enarbolasen una bandera blanca, y al mismo tiempo éstas tampoco podían fingir rendirse mientras la portasen. El incumplimiento de estas normas supone un crimen de guerra aunque, evidentemente como toda regla, ha sido violada en numerosas ocasiones desde entonces.

Pero las Conferencias de La Haya y Ginebra solo pusieron por escrito algo que ya se venía haciendo desde muy antiguo.

¿De dónde procede la costumbre de usar una bandera blanca para rendirse?

La primera mención histórica proviene de Tito Livio, quien cuenta que un barco cartaginés enarboló telas blancas y ramas de olivo como señal de rendición durante la Segunda Guerra Púnica, que se desarrolló entre 218 y 201 a.C.

haud procul aberat cum uelata infulis ramisque oleae Carthaginiensium occurrit nauis. decem legati erant principes ciuitatis auctore Hannibale missi ad petendam pacem (cuando le salió al encuentro una nave cartaginesa cubierta con cintas blancas y ramas de olivo.

Eran diez legados de entre los primeros de la ciudad enviados a solicitar la paz a instancias de Aníbal). Tito Livio, Libro 30, 36

La segunda proviene de Tácito, en sus Historias (escritas hacia 100-110 d.C.). Tácito cuenta en ellas la guerra civil que enfrentó al mundo romano tras la muerte de Nerón el año 69 y el ascenso al trono de Vespasiano, finalizando con el asesinato de Domiciano el año 96.

El hecho se produjo en la Segunda Batalla de Bedriaco, librada en el 69 d.C. entre los partidarios de Vitelio y los de Vespasiano cerca de la villa del mismo nombre (hoy Calvatone), a unos 35 kilómetros de Cremona (por lo que se le suele dar también el nombre de batalla de Cremona).

Anteriormente el modo de rendirse los ejércitos romanos era sosteniendo los escudos por encima de sus cabezas. Sin embargo en esta ocasión por vez primera los romanos partidarios de Vitelio se rindieron ondeando telas:

mox velamenta et infulas pro muris ostentant. cum Antonius inhiberi tela iussisset, signa aquilasque extulere (Seguidamente, colgaron en las murallas, a la vista de todos, los velos e ínfulas sagrados. En este momento ordenó Antonio detener la lucha y sacar fuera las banderas y las águilas). Tácito, Libro III, 31

También está documentado un episodio similar en China en tiempos de la dinastía Han, entre el año 25 y el 220 d.C., aunque posiblemente provenga de una tradición más antigua.

El caso es que parece que la costumbre se desarrolló de manera independiente en oriente y occidente.

Los historiadores están de acuerdo en la teoría de que el uso de una tela blanca obedeció a dos razones: la primera es que el color blanco es fácilmente identificable, incluso entre el caos de una batalla, en contraste con los coloridos estandartes de los ejércitos y el entorno natural.

Y la segunda es que se trataba del tipo de tela más fácil de conseguir.

Durante la Edad Media era habitual que los heraldos y mensajeros portaran estandartes blancos, para distinguirse de los soldados, e incluso se marcaba con este color los yelmos de los prisioneros para indicar que habían dejado de combatir.

El empleo del blanco como símbolo de cese de la lucha se extendió por toda Europa en los siglos siguientes, e incluso el historiador portugués Gaspar Correia menciona que, en 1502, el Zamorín de Calicut (el regidor del reino feudal de Kozhikode en la India) enarboló un paño blanco atado a un palo como símbolo de paz y petición de negociaciones ante Vasco da Gama.

En 1625 Hugo Grotius describía la bandera blanca en su obra De iure belli ac pacis (El derecho de la guerra y de la paz), hoy considerada como una obra fundamental del derecho internacional, como un signo tácito para la demanda de negociaciones, tan obligatorio de respeto como si fuera expresada con palabras.

Pero la bandera blanca se utilizó con significados diferentes en otros tiempos y lugares. Por ejemplo, la dinastía Omeya (661-750 d.C.) la empleaba en señal de duelo para distinguirse de los Abásidas, que utilizaban una bandera negra. Lo mismo ocurre todavía hoy entre los budistas, donde el blanco es el color que simboliza el luto.

También los talibanes utilizaron una bandera completamente blanca como emblema nacional de Afganistán tras la captura de Kabul en 1996 y el establecimiento del Emirato Islámico, aunque posteriormente se le añadió el texto de la shahada.

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noviembre 13, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

Revista Life el ojo del siglo XX…

masterchamps.org/LaVanguardia(T.Amiguet)/Infobae  —  Imaginen una revista sin imágenes, páginas en las que el texto es el protagonista.

Las imágenes tomadas con cámara son un elemento secundario.

No ha pasado tanto tiempo desde que las publicaciones se regían por este canon, y semanarios o mensuales se ilustraban con dibujos y grabados.

Así era hasta que , en febrero de 1936, la periodista y autora de teatro estadounidense Clare Boothe en plena luna de miel en Cuba con su segundo marido, el magnate de prensa Henry R.Luce, vio la luz y le convenció de la revolución que supondría lanzar un picture magazine (revista ilustrada) de periodicidad semanal.

Clare y Henry eran la pareja del momento, ella a sus 32 años destacaba como una de las mujeres más influyentes de Nueva York, mientras que Henry, con 36, había hecho gala ya de su olfato empresarial fundando las revistas Time (1923) y Fortune (1930).

Luce aguijoneado por su esposa abandonó las playas cubanas y volvió a Nueva York convencido de que el proyecto de su nueva esposa era visionario y sería todo un éxito.

Henry adquirió la cabecera LIFE, hasta entonces una revista de humor en decadencia y respaldado por su equipo, empezó a trabajar en los números cero, todo un fracaso. Pero el magnate impertérrito no se amedrentó: ‘Aprenderemos cómo hacerla a medida que la produzcamos’, espíritu americano en estado puro.

96 páginas, 250.000 ejemplares, el primer número llegó a los quioscos el 19 de noviembre de 1936. En cuatro horas estaba agotado.

LAS CLAVES DEL ÉXITO

-Imágenes al poder

El éxito de Life se debió a que las fotografías pasaban a ser las protagonistas en detrimento del texto, toda una innovación para la prensa de la época.

-Portadas exclusivas

Life consagraba su portada a un único personaje o escena estrenando en su interior los ensayos fotográficos que se tornaban biográficos al seguir una historia paso a paso -como la vida de unos trabajadores en Montana- que combinaba con las imágenes de gran impacto -como la de una araña viuda negra devorando a su macho-

– Life, precedente de la televisión comercial

Estas portadas, puro reality de la época, inauguraron una nueva era en la que la prensa se convertía en vehículo de los lectores para alcanzar la realidad. Seis años antes del nacimiento de la televisión comercial en 1941.

-Paparazzis e pie de página

De acuerdo con esta concepción de la prensa, Life fue la primera en aprovechar el glamour fotogénico de las estrellas y en robar imágenes de la realeza, convirtiéndose en precedente de los paparazzi. En esta línea, la publicación de unas fotos robadas a la ‘extraña’ pareja, Eduardo VIII y la señora Simpson, mientras disfrutaban de un baño ajenas al objetivo de la cámara en 1936, daría la vuelta al mundo.

SENSACIONALISMO RESPETABLE

A Henry Luce, obsesionado por impresionar con la imagen, se le fue un poco la mano al principio. Y sin dudarlo publicó instantáneas de dudoso gusto y singular procedencia. Las páginas de Life ofrecieron así a sus lectores imágenes tan variopintas como el retrato de un enano madrileño a tamaño real, Pablo del Río que medía solo 48 centímetros a sus 18 años, al que dedicaba una doble página, o la instantánea de una decapitación en China, en la que rodaba una cabeza, si bien se trataba de una imagen antigua.

Luce tampoco supo lidiar con todo sus contenidos y llegó incluso a retratar negros azotados acompañados de textos de un racismo patente.

OLFATO PARA EL MORBO: EROTISMO SIN ROMBOS

El erotismo también entró en Life, el cine europeo ‘picante’ censurado en Estados Unidos, halló siempre un hueco en sus páginas, véase el famoso baño al desnudo de Heddy Lamarr en Éxtasis. Las fotografías protagonizadas por mujeres ligeras de ropa elevaban el volumen de ventas. Las ligas de decencia le fueron a la zaga y Luce supo muy bien explotar los ataques en su propio beneficio. Como buen empresario sabía que el escándalo no era sino publicidad gratuita, el americanito de a pie nunca volvió a ser el mismo.

CONSAGRACION: LA II GUERRA MUNDIAL

Life se volcó en la cobertura de la contienda en papel, imagen y alma, a partir del ataque a Pearl Harbor en 1941, comisionando a sus mejores fotógrafos a los frentes. Entre ellos se encontraba el legendario Robert Capa, que retrató para la revista el Desembarco de Normandía en unas imágenes hoy históricas.

La publicación concedía a sus fotógrafos el grado de artistas y lo que es más importante el grado de reporteros gráficos, a ella se debe la publicación de reportajes que han pasado a documentar relevantes momentos de nuestra historia contemporánea. Así mismo Life fue pionera en ir ‘más allá’, sus páginas no transmitían únicamente la información proveniente del frente si no también de las entrevistas realizadas a mujeres de prisioneros de guerra. Los reporteros se trasladaban a las ciudades norteamericanas más afectadas paro narrar un día en sus vidas.

Reporteros estrella: Entre ellos destacamos, los del mencionado Robert Capa, retratando instantáneas que captan a los soldados avanzando a gatas por las playas de Normandía entre el mortal fuego graneado del enemigo.

LA EPOCA DORADA DE LIFE

Los años del Baby Boom, los 50 y primera mitad de los 60, la revista fue el mejor escaparate de la América feliz y esperanzada que por el futuro. Marilyn, Liz Taylor, Natalie Wood y Bob Hope (protagonistas estrella de sus portadas) junto a JFK y… Nixon., una presencia habitual, atendiendo a la ideología conservadora de Luce, coparon sus portadas.

La llegada a la luna, el espacio conquistado por EE.UU fue un suculento bocado, los avances de la medicina y las maravillas de la naturaleza fueron también sus temas favoritos.

Firmas estrella: Entre 1948 y 1949 Life consigue en exclusiva la publicación de las memorias de guerra de Winston Churchill en capítulos, tras unas duras y caras negociaciones que se saldaron con un milllón y medio de dólares de la época.

En 1952, Life se apunta un Nobel literario, al publicar en exclusiva El viejo y el mar de Ernest Hemingway.

Es el pistoletazo de salida a la participación de firmas de éxito. Norman Mailer no tardaría en engrosar sus listas dando un espaldarazo definitivo a la consagración de Life como una revista que más allá de las imágenes ofrecía un contenido sin parangón

LIFE Y ESPAÑA

Nuestra Guerra Civil fue el despegue de nuestro país en Life ya en el primer número, y a toda página. El conflicto había estallado solo cuatro meses antes y la revista informaba de la resistencia de Madrid ante el asalto de las tropas franquistas. Los tenientes Mangada y Galán artífices del acontecimiento, aparecían retratados, una foto de Buenaventura Durruti, ‘el general anarquista de Barcelona’, protagonizaba otra de las páginas. El olfato periodístico de Luce destacaba de nuevo al dotar a la contienda de glamour. Las milicianas, ‘chicas bonitas en armas’ habían dado ‘al Gobierno la mejor propaganda posible’. Y ofrecía un despiece también centrado en un mitin del Frente Popular en Barcelona.

Franco aparecería en la revista años después en varias ocasiones, pero nunca se hizo con la portada,es sabido que nunca gozó de gran aprecio entre la opinión pública estadounidense, amén de que el glamour no era precisamente el punto fuerte del dictador.

El príncipe Juan Carlos, en 1957 sería harina de otro costal: ‘Franco’s candidate to be king of Spain (‘El candidato de Franco a ser rey de España’), protagonizó una flamante portada, sabido es que los americanos se pirran por la nobleza europea…

En 1962, Juan Carlos repetía junto a la Reina Sofía, con motivo de su boda. Años después en 1985, un reportaje ocupaba todas sus páginas interiores bajo el título ‘Life visita al rey de España’, en el que se destacaba el amor que el monarca había sabido granjearse entre su pueblo’, ‘respeto duramente ganado’

Historia de LIFE

The Life se fundó en 1883 y fue en respuesta a dos revistas exitosas recientemente establecidas, Revista Puck y Judge Magazine. Era una revista de entretenimiento ligero que ponía énfasis en las bromas y los dibujos animados. Empleó a algunos de los artistas más importantes del período, incluidos Charles Dana Gibson y James Montgomery Flagg.

Henry Luce compró la revista en 1936 para poder adquirir los derechos de su nombre. Luce contrató a Ralph Ingersoll, uno de sus editores principales, para trabajar en el proyecto. Luce, la editora de Tiempo y Fortuna, basó su nueva revista en revistas ilustradas similares publicadas en Alemania durante la década de 1920. La revista de noticias semanal hizo un uso completo de los principales fotoperiodistas de Estados Unidos, como Margaret Bourke-White, Carl Mydans, Grace Robertson, Constance Larrabee, Gordon Parks y Esther Bubley.

Luce predijo una circulación de 250.000 ejemplares. Para cubrir los quioscos de periódicos, el primer pedido de impresión fue de cuatrocientos cuarenta y seis mil, pero nadie esperaba vender tantos. Según Stephen Shadegg: «El público abrazó Vida con pasión. Algunos puestos de revistas empezaron a reservar a todos sus clientes favoritos. Otros simplemente cobraron dos o tres veces el precio publicado de diez centavos. Al cabo de tres meses, la demanda alcanzó la marca del millón y los anunciantes obtenían cuatro veces la circulación por la que estaban pagando «.

El 22 de noviembre de 1963, Abraham Zapruder filmó la caravana del presidente John F. Kennedy. Más tarde le explicó a Wesley J. Liebeler sobre los antecedentes de la filmación. «No tenía mi cámara, pero mi secretaria (Lillian Rogers) me preguntó por qué no la tenía y le dije que no tendría la oportunidad ni siquiera de ver al presidente y de alguna manera ella me instó y me fui a casa y tengo mi cámara «.

El 25 de noviembre de 1963, la película de Zapuder se había vendido a Life Magazine. El encargado de la compra fue C. D. Jackson, amigo cercano de Henry Luce, el dueño de la revista. Según Carl Bernstein, Jackson era «el emisario personal de Henry Luce ante la CIA». Al comparecer ante la Comisión Warren, Zapruder afirmó que recibió $ 25,000 y luego dio este dinero a Benevolencia de Bomberos y Policías. Sin embargo, cuando finalmente se publicó el contrato, mostró que Zapruder recibió $ 150,000 por la película de dieciocho segundos.

El 29 de noviembre Life Magazine publicó una serie de 31 fotografías que documentan toda la secuencia de rodaje de la película de Zapruder. Solo más tarde se descubrió que los cuadros críticos que representaban el movimiento hacia atrás de la cabeza de Kennedy se habían impreso para indicar un movimiento hacia adelante. James Wagenvoord, director comercial editorial y asistente del editor ejecutivo de Life Magazines, se dio cuenta de que se había cometido un error: «Pregunté al respecto cuando se imprimieron las imágenes fijas por primera vez (no se leyeron bien) y luego me engañaron para distribuirlas al Revistas y periódicos europeos y británicos. La única respuesta que recibí fue una mirada gélida de Dick Pollard, director de fotografía de Life. Así que, siendo un empleado ambicioso, los distribuí «.

Ray Marcus fue una de esas personas que compró una copia de la revista. Le dijo a John Kelin: «No estaba seguro de eso, ya que no había suficientes otras fotografías disponibles. Pero la dirección en la que los hombros cayeron presentaba una imagen del hombre justo cuando lo golpearon, y me indicó que el disparo podría haber venido de frente «.

En su 6 de diciembre de 1963, Paul Mandel escribió un artículo sobre el asesinato de John F. Kennedy en Revista Life. «El médico dijo que una bala pasó de atrás hacia adelante en el lado derecho de la cabeza del presidente. Pero la otra, informó el médico, entró en la garganta del presidente desde el frente y luego se alojó en su cuerpo. Ya que para ese momento la limusina tenía 50 años. yardas más allá de Oswald y la espalda del presidente se volvió casi directamente hacia el francotirador, ha sido difícil entender cómo la bala pudo entrar por la parte delantera de su garganta.

De ahí la suposición recurrente de que había un segundo francotirador en otro lugar. Pero la película de 8 mm muestra el presidente gira su cuerpo hacia la derecha mientras saluda a alguien en la multitud. Su garganta está expuesta, hacia el nido de francotiradores, justo antes de agarrarlo «. Jim Marrs ha argumentado: «El relato es evidentemente erróneo, como puede verificar cualquiera que haya visto la película. La razón de una información tan errónea en un momento tan crítico probablemente nunca se conocerá, ya que el autor de esta declaración, Paul Mandel, murió poco despues.»

En el momento del asesinato del presidente, Lyndon B. Johnson se vio envuelto en escándalos políticos que involucraban a Fred Korth, Billie Sol Estes y Bobby Baker. Según James Wagenvoord, la revista estaba trabajando en un artículo que habría revelado las actividades corruptas de Johnson. «A partir de finales del verano de 1963, la revista, basada en información proporcionada por Bobby Kennedy y el Departamento de Justicia, había estado desarrollando una importante noticia sobre Johnson y Bobby Baker.

En la publicación, Johnson habría sido terminado y sin la boleta de 1964 (razón por la que nos enviaron material) y probablemente habría estado enfrentando una pena de prisión. En ese momento, la revista LIFE era posiblemente la fuente de noticias generales más importante de los EE. UU. La alta dirección de Time Inc. estaba estrechamente aliada con las diversas agencias de inteligencia de EE. UU. y nosotros fueron utilizados posteriormente por el Departamento de Justicia de Kennedy como conducto para el público «.

El hecho de que fue Robert Kennedy quien estaba dando esta información a la revista Life sugiere que John F. Kennedy tenía la intención de dejar a Lyndon B. Johnson como su vicepresidente. Esto es apoyado por Evelyn Lincoln, la secretaria de Kennedy. En su libro Kennedy y Johnson (1968) afirmó que en noviembre de 1963, Kennedy decidió que debido al escándalo emergente de Bobby Baker iba a dejar a Johnson como su compañero de fórmula en las elecciones de 1964. Kennedy le dijo a Lincoln que iba a reemplazar a Johnson con Terry Sanford.

La revista Life proporcionó una cobertura impresionante de la guerra de Vietnam. Sin embargo, las ventas comenzaron a caer y dejó de publicarse como revista semanal a partir de 1972.

«… A finales del verano de 1963, la revista, basada en la información proporcionada por Bobby Kennedy y el Departamento de Justicia, había estado desarrollando una importante noticia sobre Johnson y Bobby Baker. estaba estrechamente aliado con las diversas agencias de inteligencia de EE. UU. y luego el Departamento de Justicia de Kennedy nos utilizó como conducto para el público …

El artículo de LBJ / Baker estaba en las etapas finales de edición y estaba programado para aparecer en la edición de la revista que saldría la semana del 24 de noviembre (la revista habría llegado a los quioscos el 26 o 27 de noviembre). Había sido preparado en relativo secreto por un pequeño equipo editorial especial. Los archivos de investigación de la muerte de Kennedy y todas las copias numeradas del borrador casi listo para imprimir fueron reunidas por mi jefe (había sido el editor principal del equipo) y trituradas. El problema que iba a exponer a LBJ en su lugar incluía la película de Zapruder.

No leí el material embargado y destruido. Mi jefe encabezó el equipo de informes y el material se mantuvo en secreto y solo lo vieron los que trabajaban en la historia. Sabía que incluía referencias a sobornos de publicidad televisiva (me lo mencionaron porque se sabía que mi padre y mi hermano estaban en el negocio de la radiodifusión local; mi hermano tenía una estación de televisión en Nueva Orleans en ese momento). sobre la frecuencia y cómo se registraron las facturas.

Y se afirmó rotundamente que este sería el final de LBJ en el boleto de 1964. Life ya había publicado dos artículos de Baker, el primero un ensayo fotográfico de tipo malo de una encuesta general que detalla la apertura del Hotel Carousel y su sordidez en general, (número originalmente fechado el 22 de noviembre … en los quioscos de periódicos alrededor del 14-15) y un breve seguimiento a medida que la historia comenzaba a publicarse. La historia que se descartó fue la más importante que finalmente vincularía a LBJ directamente con los compromisos y el soborno. Las fechas de emisión mencionadas en mi primer correo electrónico eran incorrectas.

La historia estaba en proceso de cerrarse, pero el tema que habría llevado la historia habría sido el 2 o 3 de diciembre en los stands 5 o 6 días antes. No recuerdo el nombre de Reynolds como tal, pero sabía que una audiencia del Congreso a punto de tener lugar (Reynolds fue la única audiencia inmediata) fue la razón para sacar la pieza de LBJ. Había visto a los mensajeros del Departamento de Justicia entrando y saliendo de las oficinas y sabía que se estaba enviando una gran cantidad de material directamente a la revista desde el departamento.

Inmediatamente después del asesinato del presidente Kennedy, se tomó una decisión en los niveles más altos del gobierno; que, a pesar de que la evidencia que indica que el asesino acusado Lee Harvey Oswald estaba actuando a instancias de Cuba no era cierta, podría usarse para fortalecer a los líderes renuentes en las ramas legislativa y judicial del gobierno para que hicieran lo que el nuevo presidente quería. ..

Al amenazar con una guerra nuclear si fuera cierto, LBJ utilizó la desinformación de Castro y la complicidad cubana para convencer al Presidente del Tribunal Supremo ya los congresistas de que se unieran a la Comisión. La amenaza nuclear ayudó a persuadirlos de seguir el escenario de Lone-Nut porque una conspiración tenía que ser extranjera. Para aceptar el escenario de Lone-Nut como posible o incluso plausible, todas las conexiones de inteligencia del asesino acusado tenían que ser ignoradas y el asesino retratado como un perdedor sociópata que actuaba por motivos psicológicos desconocidos.

La revista Life fue uno de los partidarios más prolíficos de este cuento de hadas. Al igual que había sido anteriormente en la filtración de Bahía de Cochinos, Crisis de los Misiles Cubanos y la inteligencia de Mangosta. Y como lo haría después del asesinato al ungir el controvertido Incidente del Golfo de Tonkin para obtener la autorización del Congreso para la guerra de Vietnam.

Como la revista más popular en Estados Unidos, Life fue más influyente que las noticias de radio y televisión en ese momento. Life era la plataforma perfecta para entregar cualquier desinformación que la CIA quisiera distribuir ampliamente a una audiencia masiva. Se utilizó para influir en los responsables políticos clave, así como en el público, y también para desacreditar al presidente Kennedy, como intentó hacer en numerosas ocasiones.

¿Quiénes eran estos chicos? Bueno, al mirar la cabecera de la revista Life de esa época, encontrará varios nombres pertinentes, incluidos Henry y Clare Booth Luce, C.D. Jackson e Issac Don Levine …

Con la nueva administración demócrata, Luce incorporó a un nuevo editor, C. (Charles Douglas) Jackson, un colaborador de OSS y asistente administrativo personal del presidente Eisenhower en la guerra psicológica y la estrategia de la Guerra Fría …»

Como muchas cosas que han existido durante algunas generaciones, es difícil imaginar una época en la que LIFE no existiera. Pero antes de su inicio, simplemente no había nada parecido en Estados Unidos. Hasta entonces, las fotos publicadas habían sido posadas y estáticas.

Pero a principios de los años treinta se desarrolló una cámara de 35 mm maravillosamente portátil que podía tomar fotografías de casi cualquier cosa bajo el sol, y Henry R. Luce y sus colegas de Time Inc. planearon usarla para una empresa editorial completamente nueva. Su proyecto, envuelto en secreto, surgió en su totalidad en noviembre de 1936, y el periodismo cambió para siempre.

Semanal hasta diciembre de 1972, luego en informes especiales semestrales, y desde 1978 como mensual, LIFE ha sido la publicación que ha narrado y provocado las pasiones de Estados Unidos, la publicación que se dice que lleva el logotipo de la revista más famoso mundialmente. .

A pesar de que la vida útil semanal de LIFE cubrió solo 37 años, es imposible pensar en ninguna otra revista que haya tenido un impacto tan extraordinario. El semanario LIFE trajo el mundo a casa a los lectores de una manera que nunca antes habían visto o experimentado. Experimentado es la palabra crucial. Una gran imagen no solo se ve, exige una respuesta emocional. LIFE creó este tipo de respuestas innumerables veces para millones de lectores y continúa haciéndolo hasta el día de hoy.

La mayoría de las revistas se basan en editores y escritores, pero LIFE se ha construido históricamente en torno a fotógrafos. Ser fotógrafo de LIFE es uno de los trabajos más glamorosos de la profesión y atrae a los mejores del mundo. Para apoyar a los fotógrafos, LIFE siempre ha reunido un conglomerado de talentos especiales y los ha capacitado para satisfacer las muchas necesidades especiales de la revista: reporteros que trabajan con fotógrafos para alinear una historia, escritores que pueden meter la información necesaria en bloques de texto y breves. leyendas, editores de imágenes, diseñadores, directores de arte y editores de departamento. Todos con un solo objetivo: fotografías, fotografías, fotografías.

Pero LIFE, por supuesto, hace más que presentar momentos fotográficos discretos. La revista también fue pionera a la hora de contar historias en imágenes fijas. LIFE, en efecto, creó el ensayo fotográfico.

Aunque LIFE dejó de publicarse como revista en 2000, eso no marcó el final de una de las instituciones más queridas de Estados Unidos. En 2001, LIFE comenzó a publicar nuevamente en forma de libros LIFE, libros de tapa blanda y dura sobre temas que van desde los trágicos eventos del 11 de septiembre de 2001 hasta la historia del desfile del Día de Acción de Gracias de Macy.

Todos los libros están llenos de la excelente fotografía y la escritura significativa que hicieron de la revista LIFE una institución estadounidense.

Durante décadas, LIFE y sus lectores han compartido una relación verdaderamente interactiva. Mientras interactúa con este sitio web, considere las palabras del editor fundador de LIFE, Henry Luce. Su descripción de la misión de la revista, escrita en 1936, resuena más de medio siglo después:

Ver la vida para ver el mundo para presenciar grandes eventos para ver los rostros de los pobres y los gestos de los orgullosos para ver cosas extrañas máquinas, ejércitos, multitudes, sombras en la jungla y en la luna para ver al hombres trabajar sus pinturas, torres y descubrimientos para ver cosas a miles de kilómetros de distancia, cosas escondidas detrás de las paredes y dentro de las habitaciones, cosas peligrosas para las mujeres que los hombres aman y muchos niños para ver y disfrutar de ver para ver y ser asombrado de ver y ser instruido.

Durante su ejecución, la revista publicó 200.000 páginas de ensayos fotográficos, pero fotografías específicas se han convertido en obras icónicas.

Cuando la década llegó a su fin, la revista estaba luchando. El profesor de Estudios Americanos del University College Dublin, Liam Kennedy, escribe en el libro Life: “un público cada vez más dividido ya no se veía reflejado en las páginas de Life, y la revista no podía suturar visualmente las divisiones en la cosmovisión estadounidense”.

Tampoco podía competir más con las noticias de la televisión, que habían estado atrayendo a los anunciantes desde principios de la década, impulsada por su uso por parte de los candidatos presidenciales. En diciembre de 1972, Life publicó su último número semanal, que significativamente no tuvo portada fotográfica.

La revista ha continuado en varias formas, reviviéndose primero mensualmente y luego semanalmente, además de publicarse como informes especiales. Sin embargo, a pesar de que ya no existe como antes, Life ha mantenido un legado como una de las publicaciones más importantes de la historia de Estados Unidos. Durante su ejecución, la revista publicó 200.000 páginas de ensayos fotográficos, pero fotografías específicas se han convertido en obras icónicas por su importancia cultural, histórica y artística.

Las exposiciones, como la que se exhibe actualmente en el Museo de Arte de la Universidad de Princeton, los documentales y las asociaciones de archivos con Google y Getty han ayudado a canonizar estas obras, y la propia Time Inc continúa puliendo la mitología y el legado de Life como el espejo de Estados Unidos a través del periodismo de aniversario. Hasta el día de hoy, las imágenes de Life nos obligan a preguntarnos cómo las fotografías influyen y preservan la memoria social.

La circulación de la revista se disparó tal y como había previsto la compañía, yendo de 380.000 copias de la primera edición a más de 1 millón por semana cuatro meses después.

Cuando los Estados Unidos entraron a la guerra en 1941, también lo hizo Life. Para 1944, de los 40 corresponsales de guerra que tenían Time y Life, 6 de ellos eran mujeres. Life era pro-americana y respaldaba el avance de la guerra cada semana.  Cada semana durante la Segunda Guerra Mundial la revista llevó la guerra a los estadounidenses; tenía fotógrafos en cada escenario de la guerra, desde el Pacífico hasta Europa.

En la década de 1950 Life ganó gran cantidad de respeto con el trabajo comisionado de grandes autores entre ellos  Ernest Hemingway, que realizó un artículo de 4.000 palabras acerca de la tauromaquia en España. En los años de la post-guerra publicó algunas de las imágenes más memorables de eventos ocurridos en los Estados Unidos y en el mundo. También produjo muchas series científicas tales como “El Mundo en que Vivimos” (“The World We Live”) y “The Epic Of Man” a inicios de los años 50.

La revista fue perdiendo lectores a medida que se acababa la década de 1950.

En la década de 1960 la revista se llenó de fotos en color acerca de estrellas del cine, el Presidente John F. Kennedy y su familia, la Guerra de Vietnam, y la llegada del hombre a la Luna.

En marzo de 1967 Life ganó el Premio Nacional de Revistas 1967 (National Magazine Award), entregado por la Escuela de Graduados de Periodismo de la Universidad de Columbia.

El prestigioso premio hizo un tributo a las magníficas fotos de la guerra en el Sudeste Asiático, así como las series de Henri Huet en las que aparece un médico herido, y que fueron publicadas en enero de 1966. revista, la misión estadounidense a la Luna en 1969 fue publicada por la revista pero en Enero de 1971 la revista volvió a decaer.

A pesar de esto con sus altibajos, la revista sobrevivió hasta el año 2007 cuando se anunció que su publicación sería única y exclusivamente digital.

Tras 71 años de historia, el último número de la revista – un suplemento «encarte» distribuido en más de 100 diarios- salió el 20 de abril de 2007. La editora de la revista, la multinacional de comunicación Time Warner, achacó su decisión al «declive del negocio de periódicos» y «unas malas pervisiones de publicidad en el sector de encartes en periódicos».

Tras años de crisis, era la tercera vez que Life anunciaba su cierre y The New York Times ironizó sobre los repetidos anuncios de fallecimiento con la frase «Life está muerta, una vez mas». Pero el hecho de que su editor, haya digitalizado el archivo gráfico dejó entrever que esta vez la muerte es inapelable.

En realidad, Life agonizaba desde al menos el año 2004 cuando empezó a insertarse en un centenar de diarios como encarte semanal. Los últimos números tenían solo 20 páginas que consistía principalmente en entrevistas con celebridades y consejos domésticos. Es un fin triste para una revista que en los años cincuenta tiraba 13 millones de ejemplares, un ejemplo de los medios masivos que cohesionaba la sociedad estadounidense.

Se tiraron también 13 millones de ejemplares de los últimos números de la revista, pero sólo porque venía como encarte gratuito con el diario, que probablemente no se lee con gran interés.

Time Warner insistió, en su momento, que las causas directas de la muerte de Life estriban en la crisis de los diarios impresos ante la competencia de internet. «La cuestión es la erosión del negocio de periódicos; no podíamos ver la luz al final del túnel», dijo un portavoz, en referencia a las caídas de ventas de muchos diarios que son vehículos para Life. Eso ha mermado el interés de los anunciantes, sostiene.

Pero el largo declive de la revista empezó hace más de 30 años antes del 2007,  cuando el mercado mediático en general empezó a fragmentarse tras la turbulencia social de los años sesenta y una revista icónica «todo americana» dejó de tener razón de ser. En 1972 durante seis años solo salió en ediciones especiales. En 1978 reapareció como revista semanal pero su mercado jamás llegó a ser lo que había sido y durante los últimos años ni tan siquiera ha podido competir con otros productos encarte como Parade, que llegaba a 32 millones de lectores en 400 diarios, o USA Weekend,que tenía una tirada de 23 millones y se publicaba en 612 periodicos.

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noviembre 12, 2021 | Categories: Historia, leyendas, historias y sucesos, Reconocimientos. | Deja un comentario

El jardín de los placeres de Calígula, desenterrado y restaurado…

El cuarto de los doce césares, Calígula —cuyo nombre oficial era Cayo Julio César Augusto Germánico— fue un populista caprichoso e irascible del siglo I, quien es recordado, tal vez de manera injusta, como el gobernante más tiránico del Imperio romano. Como lo reportó Suetonio, el Michael Wolff de la Roma antigua, nunca olvidaba un desprecio, dormía tan solo unas pocas horas por la noche y se casó varias veces, la última vez con una mujer llamada Milonia.

Durante los cuatro años que Calígula ocupó el trono romano, su escondite favorito fue una estancia imperial del placer conocida como los Jardines de Lamiano, el club Mar-a-Lago de esa época. La vasta residencia se extendía hasta el Esquilino, una de las siete colinas sobre las cuales se construyó la ciudad originalmente, en el área cercana a la actual Piazza Vittorio Emanuele II.

Ahí, apenas dentro de los límites de la ciudad, se erigieron villas, santuarios y salas de banquetes en paisajes “naturales” construidos con mucho cuidado. Los Jardines de Lamiano, una especie de reserva natural de la Antigüedad, tenía orquídeas, fuentes, terrazas, una terma adornada con mármoles de colores preciosos provenientes de todo el Mediterráneo y animales exóticos, algunos de los cuales se usaron, como en el Coliseo, para juegos circenses privados.

El año 41 d. C., cuando Calígula fue asesinado en su palacio del monte Palatino, se trasladó su cuerpo a ese lugar, donde fue cremado y enterrado con prisa antes de llevarse al Mausoleo de Augusto en el Campo de Marte, al norte de la colina Capitolina. Según Suetonio, el elitesco jardín era acechado por el fantasma de Calígula.

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